El compositor, director y empresario Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y afic... more El compositor, director y empresario Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y aficionados como uno de los más brillantes y carismáticos músicos teatrales de su generación. Formado entre la Belle Époque donostiarra y la convulsa Alemania de entreguerras, la trayectoria de quien ya era firme promesa de la música vasca experimentó un giro vertiginoso a raíz del estreno de su opereta Katiuska (Barcelona, 1931), verdadero icono de la escena republicana. A partir de ese momento, el autor volcó toda su energía en actualizar y dignificar una tradición lírica amenazada por la competencia de nuevas formas de ocio, aunque amada por sectores del público amplios y diversos. Su legado en este terreno compendia todas las formas y géneros dramáticos vigentes en su tiempo, del sainete a la ópera; y constituye, en la práctica, el último eslabón creativo del rico entramado artístico y comercial de la zarzuela hispana.
El estudio de este repertorio nos acerca así a todo un capítulo de la historia teatral, musical y sentimental de un pasado aún reciente, retratando la carrera profesional del músico en su necesaria adaptación a las violentas transformaciones de la sociedad española durante las décadas centrales del siglo XX. Además, ofrece al investigador un privilegiado muestrario documental para comprender los complejos mecanismos expresivos por los que la música comunica significados concretos que alcanzan el corazón y la razón de sus oyentes. El presente libro se articula en dos ejes complementarios, histórico y analítico, con el fin de desentrañar las claves semióticas y estéticas del discurso sonoro de un corpus de veinte títulos originales, sin perder de vista su contexto escénico ni el entorno cultural en que surgieron.
En una era de creciente hermetismo artístico, Sorozábal no dudó en desarrollar su ideal de “música humana” de forma ecléctica y heterodoxa, hasta reivindicarse como “un músico del pueblo”. Tres décadas después de su fallecimiento, el duradero éxito de estas propuestas certifica el talento, sabiduría e inspiración de su creación, y corrobora su interés como objeto musicológico.
La Zarzuela, patrimonio de la Hispanidad: crónica cantada de nuestra vida, 2023
Catálogo de la exposición "La Zarzuela, patrimonio de la Hispandad. Crónica cantada de nuestra vi... more Catálogo de la exposición "La Zarzuela, patrimonio de la Hispandad. Crónica cantada de nuestra vida" (Almagro, Museo Nacional del Teatro, 2023).
Ed. Emilio Casares Rodicio
Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repertorios, 2019
Enrique Encabo (ed.): Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repert... more Enrique Encabo (ed.): Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repertorios. Madrid: ICCMU, 2019, pp. 143-159.
"Musical Theatre in Europe 1830-1945" (Michela Niccolai and Clair Rowden, eds.). Turnhout, Brepols, 2017
During the early decades of the 20th Century, the Spanish tradition of zarzuela music theatre was... more During the early decades of the 20th Century, the Spanish tradition of zarzuela music theatre was increasingly enriched (and challenged, at once) by a wave of exotic cosmopolitanism. If the Austro-Hungarian operetta and a certain Orientalist trend were in vogue in the 10’s, new American sounds would become the craze of the «roaring Twenties», pervading also many lyric productions of the time. Indeed, as in other European countries – and despite all nationalistic reactions – both jazzy rhythms and Argentinean tangos worked often on stage as a token for free eroticism and modern life, fuelled by a context of growing open-mindedness and social liberalisation. By the Second Republic years (1931-1936), the composer Francisco Alonso and his librettists Emilio González del Castillo and José Muñoz Román had established themselves among the most successful stage authors of their days, thanks to an uninhibited model of revue operetta («revista») combining modern dances with more traditional zarzuela numbers. Notwithstanding its tendency to sexual exhibitionism and spicy double meanings, this genre would reach its popular climax in the decade after the Spanish Civil War (1936-39), when many urban publics found in the brilliance and hilariousness of that kind of shows a way to escape from the harshness of everyday reality. To be sure, the new titles had then to deal with the constraints of the Catholic and nationalistic conservatism imposed under Franco’s dictatorship; yet they were mainly tolerated by the ascendant regime for the sake of public amusement, not without a severe control of their contents and appearance. In the midst of that Post-War era, Alonso and Muñoz Román did finally crown their partnership with the light-hearted «opereta» Luna de miel en El Cairo («Honeymoon in Cairo»), a sophisticated love fantasy set in a most cosmopolitan Egypt and clearly inspired in the aesthetics of the contemporary Broadway and Hollywood musical comedies. Thus, Orientalism and jazz music, together with hints of old Viennese Romanticism and Latin American folklore, were allied with each other to depict a fictional and sensual oasis where every rules and constraints seem at least relaxed, much in contrast to the actual circumstances in the belligerent Europe and Spain. In fact, an analysis of the original sources compared with its edited materials, as well as the official censorship reports and some critical comments on various live performances of the work let us understand the ambiguous spaces and borderlines of transgression allowed to such an edgy repertoire.
"La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.), 2016
An aesthetic analysis of Pablo Sorozábal's theatrical output, focused on his two operas 'Adiós a ... more An aesthetic analysis of Pablo Sorozábal's theatrical output, focused on his two operas 'Adiós a la bohemia' (1931) and 'Juan José' (1969) as key tokens of Spanish cultural challenges during the 20th Century.
In: "La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.). Münster, LIT Verlag, 2016, pp. 281-305.
Frente a persistentes sombras de subdesarrollo y decadencia, la sociedad española avanzó a lo largo de la segunda mitad del s. XIX en una dinámica ascendente de modernización y europeización que culminó en una auténtica “Edad de Plata” de la cultura y las artes durante las primeras décadas de la centuria siguiente. Este proceso suscitó controversias entre puristas de la tradición “castiza” y defensores de la inevitable asimilación de “barbarismos” externos, según una dialéctica explicitada ya en 1895 por Miguel de Unamuno (En torno al casticismo). En el terreno musical, la doctrina nacionalista apuntalada por Felipe Pedrell a finales de siglo induciría a una mayoría de compositores a esforzarse por legitimar sus creaciones invocando supuestas esencias históricas o populares; una tendencia que a menudo ha conducido a obviar o incluso minusvalorar el profundo cosmopolitismo subyacente en muchas de sus propuestas.
Paralelamente, el desarrollo de formas y estéticas de vanguardia implicó, como en el resto de Europa, una drástica escisión entre los gustos de una élite intelectual y los del gran público de masas; un dilema de recepción que Ortega y Gasset definió en 1925 como “deshumanización” artística. Entre tales coordenadas desplegó su teatro lírico Pablo Sorozábal (1897-1988), quien realizó ejemplares ejercicios de compromiso para aunar su vocación de modernidad y popularidad, adaptando con éxito modelos de opereta y Zeitoper centroeuropeas al contexto hispano. En concreto, el análisis musical y dramatúrgico de sus dos únicas óperas, Adiós a la bohemia (1933) y Juan José (1969), nos revela la faceta más personal de este autor en su afán por actualizar y trascender la tradición del “género chico”; así como los límites y contradicciones de los varios discursos estéticos y circunstancias que condicionaron su producción.
Dimensiones y desafíos de la zarzuela (ISBN 978-3-643-12794-5), pp. 173-198., 2014
Critical review and analysis on the Spanish 'zarzuela' repertoire as a constructed 'National' lyr... more Critical review and analysis on the Spanish 'zarzuela' repertoire as a constructed 'National' lyric theatre in the XXth Century.
Estudio de los inicios de la fonografía de zarzuela en España en relación con la ascendente cultu... more Estudio de los inicios de la fonografía de zarzuela en España en relación con la ascendente cultura de masas contemporánea, con particular atención al éxito discográfico de la opereta "Katiuska" (1931), de Pablo Sorozábal.
El desarrollo de diversas tecnologías para la fijación, grabación o "impresión" del sonido posibilitó una revolucionaria expansión del negocio musical que resultó clave en la configuración de una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX. Como género predilecto del gran público, la zarzuela atrajo pronto el interés de la incipiente industria fonográfica, propiciando que autores e intérpretes adaptasen sus talentos a los condicionantes materiales del nuevo medio con el fin de no desaprovechar sus ventajas comerciales.
"El Teatro de Arte - Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto... more "El Teatro de Arte - Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto Honrado (eds.). Madrid, Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2016, pp. 56-76.
A comienzos del s. XX confluyeron en la capital española buena parte de los talentos artísticos y literarios de la Península e Iberoamérica. Aun así, la modernidad cosmopolita de aquellos años apenas fue reconocida como fenómeno propiamente madrileño, debido a cierto desprestigio e imagen subdesarrollada de la vieja metrópoli. Será ya en la segunda década de aquella centuria cuando la asimilación de un aluvión de modas foráneas encarrile la definitiva renovación urbana, cultural y social de la ciudad.
"El Teatro de Arte. Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto ... more "El Teatro de Arte. Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto Honrado (eds.). Madrid, Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2016, pp. 94-102.
Musicología global, musicología local (ISBN: 978-84-86878-31-3), pp. 899-920., 2013
"Around the first quarter of the 20th century, the musical culture at the Spanish Basque Country ... more "Around the first quarter of the 20th century, the musical culture at the Spanish Basque Country underwent a huge and conspicuous boom, in the creative as well as in the institutional field. In fact, this phenomenon may be credited to a ‹‹Basque cultural renaissance›› that was being developed thanks to the economical prosperity and the rise of Nationalism, not to talk about other Basque-supporting ideas settling during those days. Different enterprises aiming to establish a vernacular opera, or the monumental ‹‹folk-song›› collections by Father Donostia and Resurrección Mª de Azkue stand, among other, as good samples of that movement.
However, the very strength, interest and public exposure of Basque musical Nationalism have outshined an important chapter of everyday music at that time: we talk about some practices and repertoires that didn’t fit into the nationalistic canon about “Basqueness” and “popularity”, but who might be taken as definite keys for a whole understanding of the contemporary musical life in the Basque Country, on account of their actual entity and prominence in urban areas. Indeed, the analysis of literary, musical and iconographical sources reveals a scene particularly rich as regards to importation and popular spreading of foreign trends of music consumption. This process took special fortitude and vitality in the cities of Bilbao and San Sebastián, two modernist centres of industrial and tourist progress which set up important bonds with various countries of Europe and America. In this respect, we find remarkable the early arrival of newest American and jazzy rhythms, which would quickly take the place of nineteenth-century ballroom dances, becoming a part of the new mass culture as soon as the end of the 2nd decade of the century."
Resonancias: Revista de investigación musical, 2022
La fama del compositor José María Usandizaga (1887-1915) se ha sustentado fundamentalmente en dos... more La fama del compositor José María Usandizaga (1887-1915) se ha sustentado fundamentalmente en dos éxitos teatrales: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) y, sobre todo, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). No obstante, la documentación personal conservada en el Archivo Vasco de la Música-ERESBIL y algunos testimonios históricos proporcionan materiales para el estudio de otros proyectos escénicos nonatos o póstumos, como la conocida ópera La llama o la olvidada “comedia lírica” 'Bitz', entre otros. Partiendo de esas fuentes inéditas presentamos un análisis contextualizado de los aspectos dramatúrgicos y estilísticos más salientes de dicho repertorio. Se evidencia así un sostenido empeño por triunfar en la escena lírica contemporánea adaptándose a las demandas culturales de su entorno, desde el ideal de la ópera nacional hasta el “teatro de arte” modernista, pasando por expresiones más comerciales de “género ínfimo”. Quedan patentes, asimismo, aspectos relevantes del Modernismo musical español, como su ambigua conexión con corrientes artísticas internacionales y su coyuntura divergente a la muerte del compositor.
José María Usandizaga’s (1887-1915) recognition as a composer has been based mainly on two operatic masterpieces: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) and, especially, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). Yet, his personal legacy kept at the Basque Music Archive-ERESBIL, together with some historical reports, records many failed or posthumous projects for the stage –such as his known opera La llama or the forgotten “lyric comedy” 'Bitz'. Based on those unpublished documents, we contextually analyze such repertoire’s dramaturgical and stylistic hallmarks. This evinces a tenacious aim to succeed in theatrical milieus, adapting his production to current cultural demands, from nationalist opera to a modernist ‘art theatre,’ and even cheap and cheerful ‘género ínfimo.’ Moreover, some critical clues about Spanish musical Modernismo are verified –such as its ambiguous link to global artistic trends and its disjunctive turning point at the time of Usandizaga’s death.
Aproximación a la vida músico-teatral en centros españoles de veraneo durante el período de la Re... more Aproximación a la vida músico-teatral en centros españoles de veraneo durante el período de la Restauración.
Dosier "Espacios singulares del teatro musical" (coord. Alberto González Lapuente).
El éxito de la zarzuela Las golondrinas (1914), de José María Usandizaga y Gregorio Martínez Sier... more El éxito de la zarzuela Las golondrinas (1914), de José María Usandizaga y Gregorio Martínez Sierra (antifaz literario de María Lejárraga), marcó un hito en la escena lírica española, en una coyuntura de especial dinamismo artístico y cruciales transformaciones socioculturales que implicaron un cuestionamiento de los roles de género tradicionales. El presente trabajo rastrea las controversias de género implícitas en los discursos que apuntalaron la fama de Usandizaga como ídolo musical del momento, así como en las críticas que discutieron su deriva estética hacia un “modernismo” considerado decadente y veladamente “afeminado”. Para ello, el análisis de textos en prensa y otras publicaciones contemporáneas se confronta con la imagen pública del compositor, junto con algunas evidencias biográficas y dramatúrgicas. Las contradicciones detectadas entre los requisitos canónicos presupuestos a un adalid del teatro lírico nacional y la realidad de condicionantes e inquietudes personales iluminan ciertas mistificaciones en la recepción de su legado.
The success of the zarzuela "Las golondrinas" (1914), by José María Usandizaga and Gregorio Martínez Sierra (his wife, María Lejárraga, actually wrote the text), marked a milestone in Spanish stage music, in a context of artistic dynamism and crucial socio-cultural transformations that involved questioning traditional gender roles. This article traces the gender controverses implicit in the discourses that underpinned Usandizaga’s fame as a musical icon of the time, as well as in the reviews that discussed his aesthetic leanings towards a “modernism” considered decadent and subtly “effeminate”. To this effect, the analysis of press articles and other contemporary publications is contrasted with the composer’s public image, together with certain biographical and dramaturgical evidence. The contradictions detected between the surmised canonical requirements of an advocate for Spanish musical theatre and the reality of personal constraints and concerns shed light on certain mystifications in the reception of his works.
Estudios bandísticos • Wind Band Studies 4 (2020), pp. 141-161.
The composer Pablo Sorozábal ... more Estudios bandísticos • Wind Band Studies 4 (2020), pp. 141-161.
The composer Pablo Sorozábal attained one of his great popular hits thanks to his Marcha de Deva (Deva March) despite its marginal position in his catalogue, as the first of just two pieces for wind orchestra. It was firstly composed in 1936 for the Basque militia fighting at Madrid’s front during the Spanish Civil War – a time when he was conductor of the city’s Wind Symphony. Yet, it wouldn’t become popular until it was released in a different, merely festive context, in 1956. Finally, in 1966, the march was newly arranged and recorded so as to gain a current rebellious tinge. Thus, such a process of musical recycling evinces the dynamic potential of any sound text to be resignified in various socio-political circumstances. Taking account of those changing conditions, an analysis of the score –and, especially, of the folk musical topics there brought into play– reveals the author’s controversial idiosyncrasy, as well as the cultural bearing of what, otherwise, could be neglected as a minor work.
Pablo Sorozábal (1897-1988) was one of the most successful and innovative stage compo... more Pablo Sorozábal (1897-1988) was one of the most successful and innovative stage composers in the contemporary Spanish tradition of zarzuela and operetta. Moreover, some conspicuous traits of the early jazz of the twentieth centuryare included in his rich theatrical catalogue. In fact, he had been in direct touch with the new American trends from his young years as a musician in his hometown, Donostia/San Sebastián–a cosmopolitan vacation spot of the Belle Époque. During the 1920s, he studied and worked in Germany, where American influence was particularly noticeable amongthe young authors of Zeitoper. All this experience would be developed on stage during the following decades, in a witty and personal way. Jazz sounds appear there as a considered and meaningful resource, forming a semiotic isotopy with well defined formal and expressive attributes, consistent with the broader conventions of the time. Thus, a study of this repertoire allows us to understand more about the origins, context and cultural significance of the introduction of jazz in Spain and Europe.
El compositor Pablo Sorozábal fue uno de los últimos y más destacados cultivadores d... more El compositor Pablo Sorozábal fue uno de los últimos y más destacados cultivadores de la tradición teatral lírica española. Sin embargo, su labor en este campo se desarrolló en una época en que los géneros tradicionales (opereta, zarzuela, ópera) acusaban ya una creciente pérdida de vitalidad frente a la generalización de nuevas formas de entretenimiento como el cine, la radio o el jazz. En medio de esta crisis, el músico fue generalmente reconocido, desde sus inicios, como uno de los más audaces del panorama lírico contemporáneo. En concreto, un análisis del lenguaje dramatúrgico y musical de este repertorio revela ciertas influencias, referencias y paralelismos cinematográficos. A su vez, un repaso del exiguo catálogo de música para el cine firmado por Sorozábal corrobora su inequívoca vocación lírica y teatral, más allá de modas y consideraciones mercantiles.
Pablo Sorozábal was one of the latest and most outstanding composers in the tradition of Spanish musical theatre. Nevertheless, his theatrical work was developed in an age when traditional genres (operetta, zarzuela, opera) showed an increasing loss of vitality, opposite to the spread of new entertaining and cultural means, such as cinema, radio and jazz. In this * Este trabajo se enmarca en las actuaciones del proyecto de I+D Música en los márgenes. Diálogos y transferencias entre España y las Américas (siglos XIX y XX) (HAR2015-64285-C2-2-P) de la Universidad Complutense de Madrid, financiado por el Ministeriode Economía y Competitividad. Una versiónpreliminar y parcial del mismo fue presentada de forma oral en el Symposium Internacional “Entre la escena y la gran pantalla” (Universidad de Oviedo, 19-21 de junio de 2014). Síneris. Revista de música, nº 36 (marzo de 2020)2 critical context, Sorozábal was soon acknowledged as one of the most progressive and boldstage composers of his time. In fact, an analysis of the dramaturgical and musical features of his lyrical repertoire reveals some links, allusions and similarities to cinematic models. On the other hand, a review on Sorozábal’s scant movie soundtracks confirms his inmost preference for lyrical and theatrical fields, beyond trends and commercial interest.
Revisión de la aportación del compositor Conrado del Campo (1878-1953) a la escena lírica naciona... more Revisión de la aportación del compositor Conrado del Campo (1878-1953) a la escena lírica nacional de su tiempo, a propósito de la recuperación y estreno mundial de su ópera de cámara 'El pájaro de dos colores'.
Ensayo en torno al papel de las estrellas del canto como referentes axiales para la reconfiguraci... more Ensayo en torno al papel de las estrellas del canto como referentes axiales para la reconfiguración de la tradición lírica decimonónica en una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX en España. (Dosier sobre "La zarzuela mecánica", coordinado por Alberto González Lapuente).
Review on the early steps, sources and reception of jazz music in the fashionable resorts of the ... more Review on the early steps, sources and reception of jazz music in the fashionable resorts of the Basque Country.
"Durante las primeras décadas del siglo XX diversos enclaves de la Costa Vasca destacaron como animados focos de modernización social y cultural. En su peculiar microcosmos turístico y de ocio obtuvieron un eco favorable las incipientes sonoridades del jazz. Pese a haber quedado diluidas por el devenir histórico, fuentes dispersas permiten rastrear los primeros pasos de una moda ya centenaria."
"During the first decades of the 20th Century, several spots along de Basque Coast emerged as lively centres of social and cultural modernization. Their distinctive leisure resorts proved soon to be a sympathetic scene for early jazz sonorities. Despite historical oblivion, some diffuse sources bear witness to the first steps of this centenarian vogue."
"XX. mendeko lehenengo hamarkadetan Euskal Kostaldeko hainbat kokaleku gizarte eta kultura modernizazioaren gune animatu modura gailendu ziren. Jazzaren sonoritate hasiberriek aldeko ohiartzuna izan zuten gune horien turismo eta asialdi mikrokosmos berezian. Historiaren bilakaeran indarra galdu duten arren, iturri sakabanatuek mendea betea duen modaren lehenengo urratzen aztarnari jarraitzeko aukera ematen dute"
""Estudio de la recepción bilbaína de la obra del compositor Andrés Isasi Linares (1890-1940) y s... more ""Estudio de la recepción bilbaína de la obra del compositor Andrés Isasi Linares (1890-1940) y su problemática relación con la vida musical, artística e intelectual de esta ciudad. Se constata que el músico fue mucho más valorado y apreciado en su tierra de lo que habitualmente se reconoce, y que su producción responde, con particularidades, a las características comunes del Modernismo artístico de las primeras décadas de siglo. De especial interés y singularidad es la posible huella de Béla Bartók en el estilo tardío de Isasi.
A study of the reception of the work of Andrés Isasi Linares (1890-1940) in Bilbao, as well as its controversial connection with the city's musical, artistic and intellectual life. There is evidence to suggest that the composer was much more highly regarded and appreciated in his hometown than is usually aknowledged, and that this output largely reflects mainstream musical modernism during the early decades of the twentieth century. Of special interest is the possible influence of Béla Bartók's output on Isasi's late style.""
El compositor, director y empresario Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y afic... more El compositor, director y empresario Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y aficionados como uno de los más brillantes y carismáticos músicos teatrales de su generación. Formado entre la Belle Époque donostiarra y la convulsa Alemania de entreguerras, la trayectoria de quien ya era firme promesa de la música vasca experimentó un giro vertiginoso a raíz del estreno de su opereta Katiuska (Barcelona, 1931), verdadero icono de la escena republicana. A partir de ese momento, el autor volcó toda su energía en actualizar y dignificar una tradición lírica amenazada por la competencia de nuevas formas de ocio, aunque amada por sectores del público amplios y diversos. Su legado en este terreno compendia todas las formas y géneros dramáticos vigentes en su tiempo, del sainete a la ópera; y constituye, en la práctica, el último eslabón creativo del rico entramado artístico y comercial de la zarzuela hispana.
El estudio de este repertorio nos acerca así a todo un capítulo de la historia teatral, musical y sentimental de un pasado aún reciente, retratando la carrera profesional del músico en su necesaria adaptación a las violentas transformaciones de la sociedad española durante las décadas centrales del siglo XX. Además, ofrece al investigador un privilegiado muestrario documental para comprender los complejos mecanismos expresivos por los que la música comunica significados concretos que alcanzan el corazón y la razón de sus oyentes. El presente libro se articula en dos ejes complementarios, histórico y analítico, con el fin de desentrañar las claves semióticas y estéticas del discurso sonoro de un corpus de veinte títulos originales, sin perder de vista su contexto escénico ni el entorno cultural en que surgieron.
En una era de creciente hermetismo artístico, Sorozábal no dudó en desarrollar su ideal de “música humana” de forma ecléctica y heterodoxa, hasta reivindicarse como “un músico del pueblo”. Tres décadas después de su fallecimiento, el duradero éxito de estas propuestas certifica el talento, sabiduría e inspiración de su creación, y corrobora su interés como objeto musicológico.
La Zarzuela, patrimonio de la Hispanidad: crónica cantada de nuestra vida, 2023
Catálogo de la exposición "La Zarzuela, patrimonio de la Hispandad. Crónica cantada de nuestra vi... more Catálogo de la exposición "La Zarzuela, patrimonio de la Hispandad. Crónica cantada de nuestra vida" (Almagro, Museo Nacional del Teatro, 2023).
Ed. Emilio Casares Rodicio
Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repertorios, 2019
Enrique Encabo (ed.): Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repert... more Enrique Encabo (ed.): Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repertorios. Madrid: ICCMU, 2019, pp. 143-159.
"Musical Theatre in Europe 1830-1945" (Michela Niccolai and Clair Rowden, eds.). Turnhout, Brepols, 2017
During the early decades of the 20th Century, the Spanish tradition of zarzuela music theatre was... more During the early decades of the 20th Century, the Spanish tradition of zarzuela music theatre was increasingly enriched (and challenged, at once) by a wave of exotic cosmopolitanism. If the Austro-Hungarian operetta and a certain Orientalist trend were in vogue in the 10’s, new American sounds would become the craze of the «roaring Twenties», pervading also many lyric productions of the time. Indeed, as in other European countries – and despite all nationalistic reactions – both jazzy rhythms and Argentinean tangos worked often on stage as a token for free eroticism and modern life, fuelled by a context of growing open-mindedness and social liberalisation. By the Second Republic years (1931-1936), the composer Francisco Alonso and his librettists Emilio González del Castillo and José Muñoz Román had established themselves among the most successful stage authors of their days, thanks to an uninhibited model of revue operetta («revista») combining modern dances with more traditional zarzuela numbers. Notwithstanding its tendency to sexual exhibitionism and spicy double meanings, this genre would reach its popular climax in the decade after the Spanish Civil War (1936-39), when many urban publics found in the brilliance and hilariousness of that kind of shows a way to escape from the harshness of everyday reality. To be sure, the new titles had then to deal with the constraints of the Catholic and nationalistic conservatism imposed under Franco’s dictatorship; yet they were mainly tolerated by the ascendant regime for the sake of public amusement, not without a severe control of their contents and appearance. In the midst of that Post-War era, Alonso and Muñoz Román did finally crown their partnership with the light-hearted «opereta» Luna de miel en El Cairo («Honeymoon in Cairo»), a sophisticated love fantasy set in a most cosmopolitan Egypt and clearly inspired in the aesthetics of the contemporary Broadway and Hollywood musical comedies. Thus, Orientalism and jazz music, together with hints of old Viennese Romanticism and Latin American folklore, were allied with each other to depict a fictional and sensual oasis where every rules and constraints seem at least relaxed, much in contrast to the actual circumstances in the belligerent Europe and Spain. In fact, an analysis of the original sources compared with its edited materials, as well as the official censorship reports and some critical comments on various live performances of the work let us understand the ambiguous spaces and borderlines of transgression allowed to such an edgy repertoire.
"La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.), 2016
An aesthetic analysis of Pablo Sorozábal's theatrical output, focused on his two operas 'Adiós a ... more An aesthetic analysis of Pablo Sorozábal's theatrical output, focused on his two operas 'Adiós a la bohemia' (1931) and 'Juan José' (1969) as key tokens of Spanish cultural challenges during the 20th Century.
In: "La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.). Münster, LIT Verlag, 2016, pp. 281-305.
Frente a persistentes sombras de subdesarrollo y decadencia, la sociedad española avanzó a lo largo de la segunda mitad del s. XIX en una dinámica ascendente de modernización y europeización que culminó en una auténtica “Edad de Plata” de la cultura y las artes durante las primeras décadas de la centuria siguiente. Este proceso suscitó controversias entre puristas de la tradición “castiza” y defensores de la inevitable asimilación de “barbarismos” externos, según una dialéctica explicitada ya en 1895 por Miguel de Unamuno (En torno al casticismo). En el terreno musical, la doctrina nacionalista apuntalada por Felipe Pedrell a finales de siglo induciría a una mayoría de compositores a esforzarse por legitimar sus creaciones invocando supuestas esencias históricas o populares; una tendencia que a menudo ha conducido a obviar o incluso minusvalorar el profundo cosmopolitismo subyacente en muchas de sus propuestas.
Paralelamente, el desarrollo de formas y estéticas de vanguardia implicó, como en el resto de Europa, una drástica escisión entre los gustos de una élite intelectual y los del gran público de masas; un dilema de recepción que Ortega y Gasset definió en 1925 como “deshumanización” artística. Entre tales coordenadas desplegó su teatro lírico Pablo Sorozábal (1897-1988), quien realizó ejemplares ejercicios de compromiso para aunar su vocación de modernidad y popularidad, adaptando con éxito modelos de opereta y Zeitoper centroeuropeas al contexto hispano. En concreto, el análisis musical y dramatúrgico de sus dos únicas óperas, Adiós a la bohemia (1933) y Juan José (1969), nos revela la faceta más personal de este autor en su afán por actualizar y trascender la tradición del “género chico”; así como los límites y contradicciones de los varios discursos estéticos y circunstancias que condicionaron su producción.
Dimensiones y desafíos de la zarzuela (ISBN 978-3-643-12794-5), pp. 173-198., 2014
Critical review and analysis on the Spanish 'zarzuela' repertoire as a constructed 'National' lyr... more Critical review and analysis on the Spanish 'zarzuela' repertoire as a constructed 'National' lyric theatre in the XXth Century.
Estudio de los inicios de la fonografía de zarzuela en España en relación con la ascendente cultu... more Estudio de los inicios de la fonografía de zarzuela en España en relación con la ascendente cultura de masas contemporánea, con particular atención al éxito discográfico de la opereta "Katiuska" (1931), de Pablo Sorozábal.
El desarrollo de diversas tecnologías para la fijación, grabación o "impresión" del sonido posibilitó una revolucionaria expansión del negocio musical que resultó clave en la configuración de una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX. Como género predilecto del gran público, la zarzuela atrajo pronto el interés de la incipiente industria fonográfica, propiciando que autores e intérpretes adaptasen sus talentos a los condicionantes materiales del nuevo medio con el fin de no desaprovechar sus ventajas comerciales.
"El Teatro de Arte - Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto... more "El Teatro de Arte - Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto Honrado (eds.). Madrid, Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2016, pp. 56-76.
A comienzos del s. XX confluyeron en la capital española buena parte de los talentos artísticos y literarios de la Península e Iberoamérica. Aun así, la modernidad cosmopolita de aquellos años apenas fue reconocida como fenómeno propiamente madrileño, debido a cierto desprestigio e imagen subdesarrollada de la vieja metrópoli. Será ya en la segunda década de aquella centuria cuando la asimilación de un aluvión de modas foráneas encarrile la definitiva renovación urbana, cultural y social de la ciudad.
"El Teatro de Arte. Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto ... more "El Teatro de Arte. Libro de las Jornadas de zarzuela 2015", Alberto González Lapuente y Alberto Honrado (eds.). Madrid, Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2016, pp. 94-102.
Musicología global, musicología local (ISBN: 978-84-86878-31-3), pp. 899-920., 2013
"Around the first quarter of the 20th century, the musical culture at the Spanish Basque Country ... more "Around the first quarter of the 20th century, the musical culture at the Spanish Basque Country underwent a huge and conspicuous boom, in the creative as well as in the institutional field. In fact, this phenomenon may be credited to a ‹‹Basque cultural renaissance›› that was being developed thanks to the economical prosperity and the rise of Nationalism, not to talk about other Basque-supporting ideas settling during those days. Different enterprises aiming to establish a vernacular opera, or the monumental ‹‹folk-song›› collections by Father Donostia and Resurrección Mª de Azkue stand, among other, as good samples of that movement.
However, the very strength, interest and public exposure of Basque musical Nationalism have outshined an important chapter of everyday music at that time: we talk about some practices and repertoires that didn’t fit into the nationalistic canon about “Basqueness” and “popularity”, but who might be taken as definite keys for a whole understanding of the contemporary musical life in the Basque Country, on account of their actual entity and prominence in urban areas. Indeed, the analysis of literary, musical and iconographical sources reveals a scene particularly rich as regards to importation and popular spreading of foreign trends of music consumption. This process took special fortitude and vitality in the cities of Bilbao and San Sebastián, two modernist centres of industrial and tourist progress which set up important bonds with various countries of Europe and America. In this respect, we find remarkable the early arrival of newest American and jazzy rhythms, which would quickly take the place of nineteenth-century ballroom dances, becoming a part of the new mass culture as soon as the end of the 2nd decade of the century."
Resonancias: Revista de investigación musical, 2022
La fama del compositor José María Usandizaga (1887-1915) se ha sustentado fundamentalmente en dos... more La fama del compositor José María Usandizaga (1887-1915) se ha sustentado fundamentalmente en dos éxitos teatrales: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) y, sobre todo, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). No obstante, la documentación personal conservada en el Archivo Vasco de la Música-ERESBIL y algunos testimonios históricos proporcionan materiales para el estudio de otros proyectos escénicos nonatos o póstumos, como la conocida ópera La llama o la olvidada “comedia lírica” 'Bitz', entre otros. Partiendo de esas fuentes inéditas presentamos un análisis contextualizado de los aspectos dramatúrgicos y estilísticos más salientes de dicho repertorio. Se evidencia así un sostenido empeño por triunfar en la escena lírica contemporánea adaptándose a las demandas culturales de su entorno, desde el ideal de la ópera nacional hasta el “teatro de arte” modernista, pasando por expresiones más comerciales de “género ínfimo”. Quedan patentes, asimismo, aspectos relevantes del Modernismo musical español, como su ambigua conexión con corrientes artísticas internacionales y su coyuntura divergente a la muerte del compositor.
José María Usandizaga’s (1887-1915) recognition as a composer has been based mainly on two operatic masterpieces: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) and, especially, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). Yet, his personal legacy kept at the Basque Music Archive-ERESBIL, together with some historical reports, records many failed or posthumous projects for the stage –such as his known opera La llama or the forgotten “lyric comedy” 'Bitz'. Based on those unpublished documents, we contextually analyze such repertoire’s dramaturgical and stylistic hallmarks. This evinces a tenacious aim to succeed in theatrical milieus, adapting his production to current cultural demands, from nationalist opera to a modernist ‘art theatre,’ and even cheap and cheerful ‘género ínfimo.’ Moreover, some critical clues about Spanish musical Modernismo are verified –such as its ambiguous link to global artistic trends and its disjunctive turning point at the time of Usandizaga’s death.
Aproximación a la vida músico-teatral en centros españoles de veraneo durante el período de la Re... more Aproximación a la vida músico-teatral en centros españoles de veraneo durante el período de la Restauración.
Dosier "Espacios singulares del teatro musical" (coord. Alberto González Lapuente).
El éxito de la zarzuela Las golondrinas (1914), de José María Usandizaga y Gregorio Martínez Sier... more El éxito de la zarzuela Las golondrinas (1914), de José María Usandizaga y Gregorio Martínez Sierra (antifaz literario de María Lejárraga), marcó un hito en la escena lírica española, en una coyuntura de especial dinamismo artístico y cruciales transformaciones socioculturales que implicaron un cuestionamiento de los roles de género tradicionales. El presente trabajo rastrea las controversias de género implícitas en los discursos que apuntalaron la fama de Usandizaga como ídolo musical del momento, así como en las críticas que discutieron su deriva estética hacia un “modernismo” considerado decadente y veladamente “afeminado”. Para ello, el análisis de textos en prensa y otras publicaciones contemporáneas se confronta con la imagen pública del compositor, junto con algunas evidencias biográficas y dramatúrgicas. Las contradicciones detectadas entre los requisitos canónicos presupuestos a un adalid del teatro lírico nacional y la realidad de condicionantes e inquietudes personales iluminan ciertas mistificaciones en la recepción de su legado.
The success of the zarzuela "Las golondrinas" (1914), by José María Usandizaga and Gregorio Martínez Sierra (his wife, María Lejárraga, actually wrote the text), marked a milestone in Spanish stage music, in a context of artistic dynamism and crucial socio-cultural transformations that involved questioning traditional gender roles. This article traces the gender controverses implicit in the discourses that underpinned Usandizaga’s fame as a musical icon of the time, as well as in the reviews that discussed his aesthetic leanings towards a “modernism” considered decadent and subtly “effeminate”. To this effect, the analysis of press articles and other contemporary publications is contrasted with the composer’s public image, together with certain biographical and dramaturgical evidence. The contradictions detected between the surmised canonical requirements of an advocate for Spanish musical theatre and the reality of personal constraints and concerns shed light on certain mystifications in the reception of his works.
Estudios bandísticos • Wind Band Studies 4 (2020), pp. 141-161.
The composer Pablo Sorozábal ... more Estudios bandísticos • Wind Band Studies 4 (2020), pp. 141-161.
The composer Pablo Sorozábal attained one of his great popular hits thanks to his Marcha de Deva (Deva March) despite its marginal position in his catalogue, as the first of just two pieces for wind orchestra. It was firstly composed in 1936 for the Basque militia fighting at Madrid’s front during the Spanish Civil War – a time when he was conductor of the city’s Wind Symphony. Yet, it wouldn’t become popular until it was released in a different, merely festive context, in 1956. Finally, in 1966, the march was newly arranged and recorded so as to gain a current rebellious tinge. Thus, such a process of musical recycling evinces the dynamic potential of any sound text to be resignified in various socio-political circumstances. Taking account of those changing conditions, an analysis of the score –and, especially, of the folk musical topics there brought into play– reveals the author’s controversial idiosyncrasy, as well as the cultural bearing of what, otherwise, could be neglected as a minor work.
Pablo Sorozábal (1897-1988) was one of the most successful and innovative stage compo... more Pablo Sorozábal (1897-1988) was one of the most successful and innovative stage composers in the contemporary Spanish tradition of zarzuela and operetta. Moreover, some conspicuous traits of the early jazz of the twentieth centuryare included in his rich theatrical catalogue. In fact, he had been in direct touch with the new American trends from his young years as a musician in his hometown, Donostia/San Sebastián–a cosmopolitan vacation spot of the Belle Époque. During the 1920s, he studied and worked in Germany, where American influence was particularly noticeable amongthe young authors of Zeitoper. All this experience would be developed on stage during the following decades, in a witty and personal way. Jazz sounds appear there as a considered and meaningful resource, forming a semiotic isotopy with well defined formal and expressive attributes, consistent with the broader conventions of the time. Thus, a study of this repertoire allows us to understand more about the origins, context and cultural significance of the introduction of jazz in Spain and Europe.
El compositor Pablo Sorozábal fue uno de los últimos y más destacados cultivadores d... more El compositor Pablo Sorozábal fue uno de los últimos y más destacados cultivadores de la tradición teatral lírica española. Sin embargo, su labor en este campo se desarrolló en una época en que los géneros tradicionales (opereta, zarzuela, ópera) acusaban ya una creciente pérdida de vitalidad frente a la generalización de nuevas formas de entretenimiento como el cine, la radio o el jazz. En medio de esta crisis, el músico fue generalmente reconocido, desde sus inicios, como uno de los más audaces del panorama lírico contemporáneo. En concreto, un análisis del lenguaje dramatúrgico y musical de este repertorio revela ciertas influencias, referencias y paralelismos cinematográficos. A su vez, un repaso del exiguo catálogo de música para el cine firmado por Sorozábal corrobora su inequívoca vocación lírica y teatral, más allá de modas y consideraciones mercantiles.
Pablo Sorozábal was one of the latest and most outstanding composers in the tradition of Spanish musical theatre. Nevertheless, his theatrical work was developed in an age when traditional genres (operetta, zarzuela, opera) showed an increasing loss of vitality, opposite to the spread of new entertaining and cultural means, such as cinema, radio and jazz. In this * Este trabajo se enmarca en las actuaciones del proyecto de I+D Música en los márgenes. Diálogos y transferencias entre España y las Américas (siglos XIX y XX) (HAR2015-64285-C2-2-P) de la Universidad Complutense de Madrid, financiado por el Ministeriode Economía y Competitividad. Una versiónpreliminar y parcial del mismo fue presentada de forma oral en el Symposium Internacional “Entre la escena y la gran pantalla” (Universidad de Oviedo, 19-21 de junio de 2014). Síneris. Revista de música, nº 36 (marzo de 2020)2 critical context, Sorozábal was soon acknowledged as one of the most progressive and boldstage composers of his time. In fact, an analysis of the dramaturgical and musical features of his lyrical repertoire reveals some links, allusions and similarities to cinematic models. On the other hand, a review on Sorozábal’s scant movie soundtracks confirms his inmost preference for lyrical and theatrical fields, beyond trends and commercial interest.
Revisión de la aportación del compositor Conrado del Campo (1878-1953) a la escena lírica naciona... more Revisión de la aportación del compositor Conrado del Campo (1878-1953) a la escena lírica nacional de su tiempo, a propósito de la recuperación y estreno mundial de su ópera de cámara 'El pájaro de dos colores'.
Ensayo en torno al papel de las estrellas del canto como referentes axiales para la reconfiguraci... more Ensayo en torno al papel de las estrellas del canto como referentes axiales para la reconfiguración de la tradición lírica decimonónica en una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX en España. (Dosier sobre "La zarzuela mecánica", coordinado por Alberto González Lapuente).
Review on the early steps, sources and reception of jazz music in the fashionable resorts of the ... more Review on the early steps, sources and reception of jazz music in the fashionable resorts of the Basque Country.
"Durante las primeras décadas del siglo XX diversos enclaves de la Costa Vasca destacaron como animados focos de modernización social y cultural. En su peculiar microcosmos turístico y de ocio obtuvieron un eco favorable las incipientes sonoridades del jazz. Pese a haber quedado diluidas por el devenir histórico, fuentes dispersas permiten rastrear los primeros pasos de una moda ya centenaria."
"During the first decades of the 20th Century, several spots along de Basque Coast emerged as lively centres of social and cultural modernization. Their distinctive leisure resorts proved soon to be a sympathetic scene for early jazz sonorities. Despite historical oblivion, some diffuse sources bear witness to the first steps of this centenarian vogue."
"XX. mendeko lehenengo hamarkadetan Euskal Kostaldeko hainbat kokaleku gizarte eta kultura modernizazioaren gune animatu modura gailendu ziren. Jazzaren sonoritate hasiberriek aldeko ohiartzuna izan zuten gune horien turismo eta asialdi mikrokosmos berezian. Historiaren bilakaeran indarra galdu duten arren, iturri sakabanatuek mendea betea duen modaren lehenengo urratzen aztarnari jarraitzeko aukera ematen dute"
""Estudio de la recepción bilbaína de la obra del compositor Andrés Isasi Linares (1890-1940) y s... more ""Estudio de la recepción bilbaína de la obra del compositor Andrés Isasi Linares (1890-1940) y su problemática relación con la vida musical, artística e intelectual de esta ciudad. Se constata que el músico fue mucho más valorado y apreciado en su tierra de lo que habitualmente se reconoce, y que su producción responde, con particularidades, a las características comunes del Modernismo artístico de las primeras décadas de siglo. De especial interés y singularidad es la posible huella de Béla Bartók en el estilo tardío de Isasi.
A study of the reception of the work of Andrés Isasi Linares (1890-1940) in Bilbao, as well as its controversial connection with the city's musical, artistic and intellectual life. There is evidence to suggest that the composer was much more highly regarded and appreciated in his hometown than is usually aknowledged, and that this output largely reflects mainstream musical modernism during the early decades of the twentieth century. Of special interest is the possible influence of Béla Bartók's output on Isasi's late style.""
This article aims to trace the influence of German music theatre from the interwar period on the ... more This article aims to trace the influence of German music theatre from the interwar period on the stage music composed by Pablo Sorozábal Mariezcurrena (Donostia-San Sebastián, 1897-Madrid, 1988). This connection was barely implied by the composer in marginal declarations, and critics have only recently suggested it, yet it is a very plausible hypothesis, as Sorozábal's extended stay in Germany (1920-1932) coincided with the rise of German Zeitoper and the beginning of his own stage career. By analysing certain musical and dramatic characteristics, the existence of these bonds of union will hopefully be proven.
Musiker: cuadernos de música, 18, pp. 465-495., 2011
"Análisis de la huella que, de modo explícito, tácito o conflictivo, imprimieron las profundas ra... more "Análisis de la huella que, de modo explícito, tácito o conflictivo, imprimieron las profundas raíces vascas del compositor Pablo Sorozábal Mariezkurrena en el desarrollo de su carrera como compositor.
Pese a que su catálogo aparece escindido en facetas aparentemente irreconciliables, un repaso global del mismo revela importantes puntos de contacto entre todas sus creaciones, incluidos algunos proyectos inéditos que damos aquí a conocer. Así, la necesidad de adaptarse a las circunstancias de una sociedad en continua transformación, como la del País Vasco en el siglo XX, resulta clave para entender la obra de este autor."
We propose an analysis of the pasodoble as a musical and theatrical topic in stage repertoires (i... more We propose an analysis of the pasodoble as a musical and theatrical topic in stage repertoires (i.e., zarzuela and opera) during the 19th and 20th centuries. In the most common case of popular genres, such music appears linked to contexts of merry celebrations, often as a token of national or regional praise. However, this rhythm is also ironically used as a metaphor of irrational violence and passion, in some heavier works. That critical sense can sometimes be credited to the «anti-flamenco» stream raised among the intelligentsia in the environs of the «generation of 1898». In that regard, we find highly explanatory the case of Manuel Penella’s opera 'El Gato Montés' (Valencia, 1917), together with the circumstances and reception that surrounded its own premiere. Finally, the ambivalent semantics of the theatrical pasodoble is displayed at full blast in the work of Pablo Sorozábal (1897-1988), an author that somehow represents the last word of that Spanish stage tradition. Moreover, we observe some remarkable gender and political connotations in many of those titles, due to the historical bounds of the pasodoble with military and bullfighting milieus.
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Análisis de la presencia del pasodoble como tópico músico-teatral de los repertorios líricos (zarzuela y ópera) de los siglos XIX y XX, en relación con su contexto escénico y social. En el caso mayoritario de los géneros más populares, se comprueba que tales músicas aparecen ligadas a situaciones de celebración festiva, a menudo con un claro componente de exaltación nacional o regional. Sin embargo, otras obras de talante más trágico también hacen usos irónicos de este ritmo como metáfora de violencia y pasión irracionales. Este sentido crítico puede relacionarse con el discurso «antiflamenquista» común a intelectuales del entorno de la llamada «generación del 98». A este respecto, resulta muy ilustrativo el caso de la ópera El Gato Montés (Valencia, 1917), de Manuel Penella, incluidas las circunstancias y la recepción que acompañaron a su estreno. Por fin, la ambivalencia semántica del pasodoble escénico alcanza su punto culminante en la obra del último gran representante de la tradición lírica española, Pablo Sorozábal (1897-1988). De especial interés son las connotaciones políticas y de “género” que muchas de estas expresiones adquieren en virtud de la histórica asociación del pasodoble a entornos militares y taurinos.
Notas al programa del concierto "Isasi canta a Heine".
Fundación Juan March, 6-noviembre-2024.
Va... more Notas al programa del concierto "Isasi canta a Heine". Fundación Juan March, 6-noviembre-2024. Vanessa Goikoetxea, soprano. Rubén Fernández Aguirre, piano.
Notas al ciclo de conciertos de Donostia-Musika en homenaje al compositor Pablo Sorozábal en su 1... more Notas al ciclo de conciertos de Donostia-Musika en homenaje al compositor Pablo Sorozábal en su 125 aniversario (San Sebastián, Teatro Victoria Eugenia, junio-2022).
Análisis del proceso de gestación y recepción de la "ópera popular española" 'El Gato Montés', de... more Análisis del proceso de gestación y recepción de la "ópera popular española" 'El Gato Montés', de Manuel Penella (1880-1939).
Program notes on Pablo Sorozábal's zarzuela 'La tabernera del puerto'
(Coordinación editorial: V... more Program notes on Pablo Sorozábal's zarzuela 'La tabernera del puerto'
(Coordinación editorial: Víctor Pagán). Madrid: Teatro de la Zarzuela-INAEM, 2018, pp. 22-35.
Aproximación a las prácticas interpretativas de los actores y cantantes del género chico finisecu... more Aproximación a las prácticas interpretativas de los actores y cantantes del género chico finisecular, en el marco de las Jornadas de Zarzuela 2020 de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero.
(Libro programa con motivo del concierto "Retrato del género chico", que incluye diversos artículos relacionados sobre los aspectos inéditos de la propuesta, las singularidades instrumentales del repertorio, sobre el programa y los intérpretes. Eds.: Alberto González Lapuente y Miguel Ángel Muñoz Ríos. Madrid: Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2020, pp. 46-61. ISBN: 978-84-09-18440-8).
artículos principales
Programa del concierto
Sobre las obras interpretadas
Enrique Mejías García: Medio siglo en una hora
Miguel Ángel Ríos Muñoz: El foso "chico": la orquesta den los teatros por horas
Mario Lerena: Los astros "chicos", o el triunfo del donaire: arte: voz y figura para un teatro por horas
Víctor Sánchez Sánchez: ¿Un género popular? Públicos de la zarzuela
Miguel Ángel Ríos Muñoz: Para saber más: avances y diversidad en los instrumentos de viento durante el siglo XIX
Biografías
Verdi for the Ages: pasado, presente y futuro, 2023
El exitoso despegue internacional de la carrera operística de Giuseppe Verdi coincidió con la ref... more El exitoso despegue internacional de la carrera operística de Giuseppe Verdi coincidió con la refundación de la tradición músico-teatral de la zarzuela, a mediados del siglo XIX. Partiendo de ese formato histórico, sucesivas generaciones de autores españoles se miraron en el espejo de los pujantes modelos transpirenaicos con vistas a desarrollar un genuino arte lírico “nacional”, durante más de un siglo. En tal contexto, el ya célebre referente verdiano funcionó, en ocasiones, como sinécdoque de la hegemónica escuela operística italiana; y ésta, a su vez, como máxima expresión de un “otro” musical extranjero (y elitista). Frente a ellos se reivindicaba la producción autóctona, con una óptica nacionalista ramificada incluso hasta Hispanoamérica. En esa coyuntura de emulación y competencia, el repertorio hispano recreó irónicas parodias de la obra de Verdi, pero también sutiles guiños de homenaje; sin olvidar las afinidades culturales de base que hermanan a sus respectivos países originarios.
Crítica de la zarzuela 'La villana' de Amadeo Vives (Madrid, Teatro de la Zarzuela, febrero-2017)... more Crítica de la zarzuela 'La villana' de Amadeo Vives (Madrid, Teatro de la Zarzuela, febrero-2017). Review on Amadeo Vive's zarzuela 'La Villana' (1925), produced at Madrid's Teatro de la Zarzuela (feb.-2017). - trans.: Christopher Webber.
Crítica de 'Las golondrinas', de Usandizaga y Martínez Sierra, en el Teatro de la Zarzuela de Mad... more Crítica de 'Las golondrinas', de Usandizaga y Martínez Sierra, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (octubre-2016). Review on Usandizaga and Martínez Sierra's 'Las golondrinas' at Madrid Teatro de la Zarzuela (oct.-2016) - trans.: Christopher Webber.
Crítica del reestreno en versión de concierto de la ópera 'La llama' (1918) de José María Usandiz... more Crítica del reestreno en versión de concierto de la ópera 'La llama' (1918) de José María Usandizaga y María Martínez Sierra (Donostia, 21-III-2015).
Review on 'La llama' (1918), posthumous opera by José María Usandizaga and María Martínez Sierra (transl. Christopher Webber).
Crítica del reestreno póstumo de 'Bitz', comedia lírica de José María Usandizaga (1887-1915).
Re... more Crítica del reestreno póstumo de 'Bitz', comedia lírica de José María Usandizaga (1887-1915).
Review on 'Bitz', posthumous lyrical comedy by José María Usandizaga (1887-1915). Transl.: Christopher Webber.
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Books by Mario Lerena
El estudio de este repertorio nos acerca así a todo un capítulo de la historia teatral, musical y sentimental de un pasado aún reciente, retratando la carrera profesional del músico en su necesaria adaptación a las violentas transformaciones de la sociedad española durante las décadas centrales del siglo XX. Además, ofrece al investigador un privilegiado muestrario documental para comprender los complejos mecanismos expresivos por los que la música comunica significados concretos que alcanzan el corazón y la razón de sus oyentes. El presente libro se articula en dos ejes complementarios, histórico y analítico, con el fin de desentrañar las claves semióticas y estéticas del discurso sonoro de un corpus de veinte títulos originales, sin perder de vista su contexto escénico ni el entorno cultural en que surgieron.
En una era de creciente hermetismo artístico, Sorozábal no dudó en desarrollar su ideal de “música humana” de forma ecléctica y heterodoxa, hasta reivindicarse como “un músico del pueblo”. Tres décadas después de su fallecimiento, el duradero éxito de estas propuestas certifica el talento, sabiduría e inspiración de su creación, y corrobora su interés como objeto musicológico.
Book Chapters by Mario Lerena
Ed. Emilio Casares Rodicio
By the Second Republic years (1931-1936), the composer Francisco Alonso and his librettists Emilio González del Castillo and José Muñoz Román had established themselves among the most successful stage authors of their days, thanks to an uninhibited model of revue operetta («revista») combining modern dances with more traditional zarzuela numbers. Notwithstanding its tendency to sexual exhibitionism and spicy double meanings, this genre would reach its popular climax in the decade after the Spanish Civil War (1936-39), when many urban publics found in the brilliance and hilariousness of that kind of shows a way to escape from the harshness of everyday reality. To be sure, the new titles had then to deal with the constraints of the Catholic and nationalistic conservatism imposed under Franco’s dictatorship; yet they were mainly tolerated by the ascendant regime for the sake of public amusement, not without a severe control of their contents and appearance.
In the midst of that Post-War era, Alonso and Muñoz Román did finally crown their partnership with the light-hearted «opereta» Luna de miel en El Cairo («Honeymoon in Cairo»), a sophisticated love fantasy set in a most cosmopolitan Egypt and clearly inspired in the aesthetics of the contemporary Broadway and Hollywood musical comedies. Thus, Orientalism and jazz music, together with hints of old Viennese Romanticism and Latin American folklore, were allied with each other to depict a fictional and sensual oasis where every rules and constraints seem at least relaxed, much in contrast to the actual circumstances in the belligerent Europe and Spain. In fact, an analysis of the original sources compared with its edited materials, as well as the official censorship reports and some critical comments on various live performances of the work let us understand the ambiguous spaces and borderlines of transgression allowed to such an edgy repertoire.
In: "La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.). Münster, LIT Verlag, 2016, pp. 281-305.
Frente a persistentes sombras de subdesarrollo y decadencia, la sociedad española avanzó a lo largo de la segunda mitad del s. XIX en una dinámica ascendente de modernización y europeización que culminó en una auténtica “Edad de Plata” de la cultura y las artes durante las primeras décadas de la centuria siguiente. Este proceso suscitó controversias entre puristas de la tradición “castiza” y defensores de la inevitable asimilación de “barbarismos” externos, según una dialéctica explicitada ya en 1895 por Miguel de Unamuno (En torno al casticismo). En el terreno musical, la doctrina nacionalista apuntalada por Felipe Pedrell a finales de siglo induciría a una mayoría de compositores a esforzarse por legitimar sus creaciones invocando supuestas esencias históricas o populares; una tendencia que a menudo ha conducido a obviar o incluso minusvalorar el profundo cosmopolitismo subyacente en muchas de sus propuestas.
Paralelamente, el desarrollo de formas y estéticas de vanguardia implicó, como en el resto de Europa, una drástica escisión entre los gustos de una élite intelectual y los del gran público de masas; un dilema de recepción que Ortega y Gasset definió en 1925 como “deshumanización” artística. Entre tales coordenadas desplegó su teatro lírico Pablo Sorozábal (1897-1988), quien realizó ejemplares ejercicios de compromiso para aunar su vocación de modernidad y popularidad, adaptando con éxito modelos de opereta y Zeitoper centroeuropeas al contexto hispano. En concreto, el análisis musical y dramatúrgico de sus dos únicas óperas, Adiós a la bohemia (1933) y Juan José (1969), nos revela la faceta más personal de este autor en su afán por actualizar y trascender la tradición del “género chico”; así como los límites y contradicciones de los varios discursos estéticos y circunstancias que condicionaron su producción.
El desarrollo de diversas tecnologías para la fijación, grabación o "impresión" del sonido posibilitó una revolucionaria expansión del negocio musical que resultó clave en la configuración de una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX. Como género predilecto del gran público, la zarzuela atrajo pronto el interés de la incipiente industria fonográfica, propiciando que autores e intérpretes adaptasen sus talentos a los condicionantes materiales del nuevo medio con el fin de no desaprovechar sus ventajas comerciales.
A comienzos del s. XX confluyeron en la capital española buena parte de los talentos artísticos y literarios de la Península e Iberoamérica. Aun así, la modernidad cosmopolita de aquellos años apenas fue reconocida como fenómeno propiamente madrileño, debido a cierto desprestigio e imagen subdesarrollada de la vieja metrópoli. Será ya en la segunda década de aquella centuria cuando la asimilación de un aluvión de modas foráneas encarrile la definitiva renovación urbana, cultural y social de la ciudad.
However, the very strength, interest and public exposure of Basque musical Nationalism have outshined an important chapter of everyday music at that time: we talk about some practices and repertoires that didn’t fit into the nationalistic canon about “Basqueness” and “popularity”, but who might be taken as definite keys for a whole understanding of the contemporary musical life in the Basque Country, on account of their actual entity and prominence in urban areas. Indeed, the analysis of literary, musical and iconographical sources reveals a scene particularly rich as regards to importation and popular spreading of foreign trends of music consumption. This process took special fortitude and vitality in the cities of Bilbao and San Sebastián, two modernist centres of industrial and tourist progress which set up important bonds with various countries of Europe and America. In this respect, we find remarkable the early arrival of newest American and jazzy rhythms, which would quickly take the place of nineteenth-century ballroom dances, becoming a part of the new mass culture as soon as the end of the 2nd decade of the century."
Papers by Mario Lerena
José María Usandizaga’s (1887-1915) recognition as a composer has been based mainly on two operatic masterpieces: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) and, especially, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). Yet, his personal legacy kept at the Basque Music Archive-ERESBIL, together with some historical reports, records many failed or posthumous projects for the stage –such as his known opera La llama or the forgotten “lyric comedy” 'Bitz'. Based on those unpublished documents, we contextually analyze such repertoire’s dramaturgical and stylistic hallmarks. This evinces a tenacious aim to succeed in theatrical milieus, adapting his production to current cultural demands, from nationalist opera to a modernist ‘art theatre,’ and even cheap and cheerful ‘género ínfimo.’ Moreover, some critical clues about Spanish musical Modernismo are verified –such as its ambiguous link to global artistic trends and its disjunctive turning point at the time of Usandizaga’s death.
Dosier "Espacios singulares del teatro musical" (coord. Alberto González Lapuente).
The success of the zarzuela "Las golondrinas" (1914), by José María Usandizaga and Gregorio Martínez Sierra (his wife, María Lejárraga, actually wrote the text), marked a milestone in Spanish stage music, in a context of artistic dynamism and crucial socio-cultural transformations that involved questioning traditional gender roles. This article traces the gender controverses implicit in the discourses that underpinned Usandizaga’s fame as a musical icon of the time, as well as in the reviews that discussed his aesthetic leanings towards a “modernism” considered decadent and subtly “effeminate”. To this effect, the analysis of press articles and other contemporary publications is contrasted with the composer’s public image, together with certain biographical and dramaturgical evidence. The contradictions detected between the surmised canonical requirements of an advocate for Spanish musical theatre and the reality of personal constraints and concerns shed light on certain mystifications in the reception of his works.
The composer Pablo Sorozábal attained one of his great popular hits thanks to his Marcha de Deva (Deva March) despite its marginal position in his catalogue, as the first of just two pieces for wind orchestra. It was firstly composed in 1936 for the Basque militia fighting at Madrid’s front during the Spanish Civil War – a time when he was conductor of the city’s Wind Symphony. Yet, it wouldn’t become popular until it was released in a different, merely festive context, in 1956. Finally, in 1966, the march was newly arranged and recorded so as to gain a current rebellious tinge. Thus, such a process of musical recycling evinces the dynamic potential of any sound text to be resignified in various socio-political circumstances. Taking account of those changing conditions, an analysis of the score –and, especially, of the folk musical topics there brought into play– reveals the author’s controversial idiosyncrasy, as well as the cultural bearing of what, otherwise, could be neglected as a minor work.
Pablo Sorozábal was one of the latest and most outstanding composers in the tradition of Spanish musical theatre. Nevertheless, his theatrical work was developed in an age when traditional genres (operetta, zarzuela, opera) showed an increasing loss of vitality, opposite to the spread of new entertaining and cultural means, such as cinema, radio and jazz. In this * Este trabajo se enmarca en las actuaciones del proyecto de I+D Música en los márgenes. Diálogos y transferencias entre España y las Américas (siglos XIX y XX) (HAR2015-64285-C2-2-P) de la Universidad Complutense de Madrid, financiado por el Ministeriode Economía y Competitividad. Una versiónpreliminar y parcial del mismo fue presentada de forma oral en el Symposium Internacional “Entre la escena y la gran pantalla” (Universidad de Oviedo, 19-21 de junio de 2014).
Síneris. Revista de música, nº 36 (marzo de 2020)2 critical context, Sorozábal was soon acknowledged as one of the most progressive and boldstage composers of his time. In fact, an analysis of the dramaturgical and musical features of his lyrical repertoire reveals some links, allusions and similarities to cinematic models. On the other hand, a review on Sorozábal’s scant movie soundtracks confirms his inmost preference for lyrical and theatrical fields, beyond trends and commercial interest.
(Dosier sobre "La zarzuela mecánica", coordinado por Alberto González Lapuente).
"Durante las primeras décadas del siglo XX diversos enclaves de la Costa Vasca destacaron como animados focos de modernización social y cultural. En su peculiar microcosmos turístico y de ocio obtuvieron un eco favorable las incipientes sonoridades del jazz. Pese a haber quedado diluidas por el devenir histórico, fuentes dispersas permiten rastrear los primeros pasos de una moda ya centenaria."
"During the first decades of the 20th Century, several spots along de Basque Coast emerged as lively centres of social and cultural modernization. Their distinctive leisure resorts proved soon to be a sympathetic scene for early jazz sonorities. Despite historical oblivion, some diffuse sources bear witness to the first steps of this centenarian vogue."
"XX. mendeko lehenengo hamarkadetan Euskal Kostaldeko hainbat kokaleku gizarte eta kultura modernizazioaren gune animatu modura gailendu ziren. Jazzaren sonoritate hasiberriek aldeko ohiartzuna izan zuten gune horien turismo eta asialdi mikrokosmos berezian. Historiaren bilakaeran indarra galdu duten arren, iturri sakabanatuek mendea betea duen modaren lehenengo urratzen aztarnari jarraitzeko aukera ematen dute"
A study of the reception of the work of Andrés Isasi Linares (1890-1940) in Bilbao, as well as its controversial connection with the city's musical, artistic and intellectual life. There is evidence to suggest that the composer was much more highly regarded and appreciated in his hometown than is usually aknowledged, and that this output largely reflects mainstream musical modernism during the early decades of the twentieth century. Of special interest is the possible influence of Béla Bartók's output on Isasi's late style.""
El estudio de este repertorio nos acerca así a todo un capítulo de la historia teatral, musical y sentimental de un pasado aún reciente, retratando la carrera profesional del músico en su necesaria adaptación a las violentas transformaciones de la sociedad española durante las décadas centrales del siglo XX. Además, ofrece al investigador un privilegiado muestrario documental para comprender los complejos mecanismos expresivos por los que la música comunica significados concretos que alcanzan el corazón y la razón de sus oyentes. El presente libro se articula en dos ejes complementarios, histórico y analítico, con el fin de desentrañar las claves semióticas y estéticas del discurso sonoro de un corpus de veinte títulos originales, sin perder de vista su contexto escénico ni el entorno cultural en que surgieron.
En una era de creciente hermetismo artístico, Sorozábal no dudó en desarrollar su ideal de “música humana” de forma ecléctica y heterodoxa, hasta reivindicarse como “un músico del pueblo”. Tres décadas después de su fallecimiento, el duradero éxito de estas propuestas certifica el talento, sabiduría e inspiración de su creación, y corrobora su interés como objeto musicológico.
Ed. Emilio Casares Rodicio
By the Second Republic years (1931-1936), the composer Francisco Alonso and his librettists Emilio González del Castillo and José Muñoz Román had established themselves among the most successful stage authors of their days, thanks to an uninhibited model of revue operetta («revista») combining modern dances with more traditional zarzuela numbers. Notwithstanding its tendency to sexual exhibitionism and spicy double meanings, this genre would reach its popular climax in the decade after the Spanish Civil War (1936-39), when many urban publics found in the brilliance and hilariousness of that kind of shows a way to escape from the harshness of everyday reality. To be sure, the new titles had then to deal with the constraints of the Catholic and nationalistic conservatism imposed under Franco’s dictatorship; yet they were mainly tolerated by the ascendant regime for the sake of public amusement, not without a severe control of their contents and appearance.
In the midst of that Post-War era, Alonso and Muñoz Román did finally crown their partnership with the light-hearted «opereta» Luna de miel en El Cairo («Honeymoon in Cairo»), a sophisticated love fantasy set in a most cosmopolitan Egypt and clearly inspired in the aesthetics of the contemporary Broadway and Hollywood musical comedies. Thus, Orientalism and jazz music, together with hints of old Viennese Romanticism and Latin American folklore, were allied with each other to depict a fictional and sensual oasis where every rules and constraints seem at least relaxed, much in contrast to the actual circumstances in the belligerent Europe and Spain. In fact, an analysis of the original sources compared with its edited materials, as well as the official censorship reports and some critical comments on various live performances of the work let us understand the ambiguous spaces and borderlines of transgression allowed to such an edgy repertoire.
In: "La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.). Münster, LIT Verlag, 2016, pp. 281-305.
Frente a persistentes sombras de subdesarrollo y decadencia, la sociedad española avanzó a lo largo de la segunda mitad del s. XIX en una dinámica ascendente de modernización y europeización que culminó en una auténtica “Edad de Plata” de la cultura y las artes durante las primeras décadas de la centuria siguiente. Este proceso suscitó controversias entre puristas de la tradición “castiza” y defensores de la inevitable asimilación de “barbarismos” externos, según una dialéctica explicitada ya en 1895 por Miguel de Unamuno (En torno al casticismo). En el terreno musical, la doctrina nacionalista apuntalada por Felipe Pedrell a finales de siglo induciría a una mayoría de compositores a esforzarse por legitimar sus creaciones invocando supuestas esencias históricas o populares; una tendencia que a menudo ha conducido a obviar o incluso minusvalorar el profundo cosmopolitismo subyacente en muchas de sus propuestas.
Paralelamente, el desarrollo de formas y estéticas de vanguardia implicó, como en el resto de Europa, una drástica escisión entre los gustos de una élite intelectual y los del gran público de masas; un dilema de recepción que Ortega y Gasset definió en 1925 como “deshumanización” artística. Entre tales coordenadas desplegó su teatro lírico Pablo Sorozábal (1897-1988), quien realizó ejemplares ejercicios de compromiso para aunar su vocación de modernidad y popularidad, adaptando con éxito modelos de opereta y Zeitoper centroeuropeas al contexto hispano. En concreto, el análisis musical y dramatúrgico de sus dos únicas óperas, Adiós a la bohemia (1933) y Juan José (1969), nos revela la faceta más personal de este autor en su afán por actualizar y trascender la tradición del “género chico”; así como los límites y contradicciones de los varios discursos estéticos y circunstancias que condicionaron su producción.
El desarrollo de diversas tecnologías para la fijación, grabación o "impresión" del sonido posibilitó una revolucionaria expansión del negocio musical que resultó clave en la configuración de una nueva cultura de masas durante las primeras décadas del siglo XX. Como género predilecto del gran público, la zarzuela atrajo pronto el interés de la incipiente industria fonográfica, propiciando que autores e intérpretes adaptasen sus talentos a los condicionantes materiales del nuevo medio con el fin de no desaprovechar sus ventajas comerciales.
A comienzos del s. XX confluyeron en la capital española buena parte de los talentos artísticos y literarios de la Península e Iberoamérica. Aun así, la modernidad cosmopolita de aquellos años apenas fue reconocida como fenómeno propiamente madrileño, debido a cierto desprestigio e imagen subdesarrollada de la vieja metrópoli. Será ya en la segunda década de aquella centuria cuando la asimilación de un aluvión de modas foráneas encarrile la definitiva renovación urbana, cultural y social de la ciudad.
However, the very strength, interest and public exposure of Basque musical Nationalism have outshined an important chapter of everyday music at that time: we talk about some practices and repertoires that didn’t fit into the nationalistic canon about “Basqueness” and “popularity”, but who might be taken as definite keys for a whole understanding of the contemporary musical life in the Basque Country, on account of their actual entity and prominence in urban areas. Indeed, the analysis of literary, musical and iconographical sources reveals a scene particularly rich as regards to importation and popular spreading of foreign trends of music consumption. This process took special fortitude and vitality in the cities of Bilbao and San Sebastián, two modernist centres of industrial and tourist progress which set up important bonds with various countries of Europe and America. In this respect, we find remarkable the early arrival of newest American and jazzy rhythms, which would quickly take the place of nineteenth-century ballroom dances, becoming a part of the new mass culture as soon as the end of the 2nd decade of the century."
José María Usandizaga’s (1887-1915) recognition as a composer has been based mainly on two operatic masterpieces: 'Mendi-Mendiyan' (Bilbao, 1910) and, especially, 'Las golondrinas' (Madrid, 1914). Yet, his personal legacy kept at the Basque Music Archive-ERESBIL, together with some historical reports, records many failed or posthumous projects for the stage –such as his known opera La llama or the forgotten “lyric comedy” 'Bitz'. Based on those unpublished documents, we contextually analyze such repertoire’s dramaturgical and stylistic hallmarks. This evinces a tenacious aim to succeed in theatrical milieus, adapting his production to current cultural demands, from nationalist opera to a modernist ‘art theatre,’ and even cheap and cheerful ‘género ínfimo.’ Moreover, some critical clues about Spanish musical Modernismo are verified –such as its ambiguous link to global artistic trends and its disjunctive turning point at the time of Usandizaga’s death.
Dosier "Espacios singulares del teatro musical" (coord. Alberto González Lapuente).
The success of the zarzuela "Las golondrinas" (1914), by José María Usandizaga and Gregorio Martínez Sierra (his wife, María Lejárraga, actually wrote the text), marked a milestone in Spanish stage music, in a context of artistic dynamism and crucial socio-cultural transformations that involved questioning traditional gender roles. This article traces the gender controverses implicit in the discourses that underpinned Usandizaga’s fame as a musical icon of the time, as well as in the reviews that discussed his aesthetic leanings towards a “modernism” considered decadent and subtly “effeminate”. To this effect, the analysis of press articles and other contemporary publications is contrasted with the composer’s public image, together with certain biographical and dramaturgical evidence. The contradictions detected between the surmised canonical requirements of an advocate for Spanish musical theatre and the reality of personal constraints and concerns shed light on certain mystifications in the reception of his works.
The composer Pablo Sorozábal attained one of his great popular hits thanks to his Marcha de Deva (Deva March) despite its marginal position in his catalogue, as the first of just two pieces for wind orchestra. It was firstly composed in 1936 for the Basque militia fighting at Madrid’s front during the Spanish Civil War – a time when he was conductor of the city’s Wind Symphony. Yet, it wouldn’t become popular until it was released in a different, merely festive context, in 1956. Finally, in 1966, the march was newly arranged and recorded so as to gain a current rebellious tinge. Thus, such a process of musical recycling evinces the dynamic potential of any sound text to be resignified in various socio-political circumstances. Taking account of those changing conditions, an analysis of the score –and, especially, of the folk musical topics there brought into play– reveals the author’s controversial idiosyncrasy, as well as the cultural bearing of what, otherwise, could be neglected as a minor work.
Pablo Sorozábal was one of the latest and most outstanding composers in the tradition of Spanish musical theatre. Nevertheless, his theatrical work was developed in an age when traditional genres (operetta, zarzuela, opera) showed an increasing loss of vitality, opposite to the spread of new entertaining and cultural means, such as cinema, radio and jazz. In this * Este trabajo se enmarca en las actuaciones del proyecto de I+D Música en los márgenes. Diálogos y transferencias entre España y las Américas (siglos XIX y XX) (HAR2015-64285-C2-2-P) de la Universidad Complutense de Madrid, financiado por el Ministeriode Economía y Competitividad. Una versiónpreliminar y parcial del mismo fue presentada de forma oral en el Symposium Internacional “Entre la escena y la gran pantalla” (Universidad de Oviedo, 19-21 de junio de 2014).
Síneris. Revista de música, nº 36 (marzo de 2020)2 critical context, Sorozábal was soon acknowledged as one of the most progressive and boldstage composers of his time. In fact, an analysis of the dramaturgical and musical features of his lyrical repertoire reveals some links, allusions and similarities to cinematic models. On the other hand, a review on Sorozábal’s scant movie soundtracks confirms his inmost preference for lyrical and theatrical fields, beyond trends and commercial interest.
(Dosier sobre "La zarzuela mecánica", coordinado por Alberto González Lapuente).
"Durante las primeras décadas del siglo XX diversos enclaves de la Costa Vasca destacaron como animados focos de modernización social y cultural. En su peculiar microcosmos turístico y de ocio obtuvieron un eco favorable las incipientes sonoridades del jazz. Pese a haber quedado diluidas por el devenir histórico, fuentes dispersas permiten rastrear los primeros pasos de una moda ya centenaria."
"During the first decades of the 20th Century, several spots along de Basque Coast emerged as lively centres of social and cultural modernization. Their distinctive leisure resorts proved soon to be a sympathetic scene for early jazz sonorities. Despite historical oblivion, some diffuse sources bear witness to the first steps of this centenarian vogue."
"XX. mendeko lehenengo hamarkadetan Euskal Kostaldeko hainbat kokaleku gizarte eta kultura modernizazioaren gune animatu modura gailendu ziren. Jazzaren sonoritate hasiberriek aldeko ohiartzuna izan zuten gune horien turismo eta asialdi mikrokosmos berezian. Historiaren bilakaeran indarra galdu duten arren, iturri sakabanatuek mendea betea duen modaren lehenengo urratzen aztarnari jarraitzeko aukera ematen dute"
A study of the reception of the work of Andrés Isasi Linares (1890-1940) in Bilbao, as well as its controversial connection with the city's musical, artistic and intellectual life. There is evidence to suggest that the composer was much more highly regarded and appreciated in his hometown than is usually aknowledged, and that this output largely reflects mainstream musical modernism during the early decades of the twentieth century. Of special interest is the possible influence of Béla Bartók's output on Isasi's late style.""
Pese a que su catálogo aparece escindido en facetas aparentemente irreconciliables, un repaso global del mismo revela importantes puntos de contacto entre todas sus creaciones, incluidos algunos proyectos inéditos que damos aquí a conocer. Así, la necesidad de adaptarse a las circunstancias de una sociedad en continua transformación, como la del País Vasco en el siglo XX, resulta clave para entender la obra de este autor."
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Análisis de la presencia del pasodoble como tópico músico-teatral de los repertorios líricos (zarzuela y ópera) de los siglos XIX y XX, en relación con su contexto escénico y social. En el caso mayoritario de los géneros más populares, se comprueba que tales músicas aparecen ligadas a situaciones de celebración festiva, a menudo con un claro componente de exaltación nacional o regional. Sin embargo, otras obras de talante más trágico también hacen usos irónicos de este ritmo como metáfora de violencia y pasión irracionales. Este sentido crítico puede relacionarse con el discurso «antiflamenquista» común a intelectuales del entorno de la llamada «generación del 98». A este respecto, resulta muy ilustrativo el caso de la ópera El Gato Montés (Valencia, 1917), de Manuel Penella, incluidas las circunstancias y la recepción que acompañaron a su estreno. Por fin, la ambivalencia semántica del pasodoble escénico alcanza su punto culminante en la obra del último gran representante de la tradición lírica española, Pablo Sorozábal (1897-1988). De especial interés son las connotaciones políticas y de “género” que muchas de estas expresiones adquieren en virtud de la histórica asociación del pasodoble a entornos militares y taurinos.
Fundación Juan March, 6-noviembre-2024.
Vanessa Goikoetxea, soprano.
Rubén Fernández Aguirre, piano.
(Publisher version: http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/temporada/lirica/download/342_c5060f3ce68e627b00b1681558ebfe57).
(Coordinación editorial: Víctor Pagán). Madrid: Teatro de la Zarzuela-INAEM, 2018, pp. 22-35.
(Libro programa con motivo del concierto "Retrato del género chico", que incluye diversos artículos relacionados sobre los aspectos inéditos de la propuesta, las singularidades instrumentales del repertorio, sobre el programa y los intérpretes. Eds.: Alberto González Lapuente y Miguel Ángel Muñoz Ríos. Madrid: Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2020, pp. 46-61. ISBN: 978-84-09-18440-8).
artículos principales
Programa del concierto
Sobre las obras interpretadas
Enrique Mejías García: Medio siglo en una hora
Miguel Ángel Ríos Muñoz: El foso "chico": la orquesta den los teatros por horas
Mario Lerena: Los astros "chicos", o el triunfo del donaire: arte: voz y figura para un teatro por horas
Víctor Sánchez Sánchez: ¿Un género popular? Públicos de la zarzuela
Miguel Ángel Ríos Muñoz: Para saber más: avances y diversidad en los instrumentos de viento durante el siglo XIX
Biografías
de los pujantes modelos transpirenaicos con vistas a desarrollar un genuino arte lírico “nacional”, durante más de un siglo. En tal contexto, el ya célebre referente verdiano funcionó, en ocasiones, como sinécdoque de la hegemónica escuela operística italiana; y ésta, a su vez, como máxima expresión de un “otro” musical extranjero (y elitista). Frente a ellos se reivindicaba la producción autóctona, con una óptica nacionalista ramificada incluso hasta Hispanoamérica. En esa coyuntura de emulación y competencia, el repertorio hispano recreó irónicas parodias de la obra de Verdi, pero también sutiles guiños de homenaje; sin olvidar las afinidades culturales de base que hermanan a sus respectivos países originarios.
Review on Amadeo Vive's zarzuela 'La Villana' (1925), produced at Madrid's Teatro de la Zarzuela (feb.-2017). - trans.: Christopher Webber.
Review on Usandizaga and Martínez Sierra's 'Las golondrinas' at Madrid Teatro de la Zarzuela (oct.-2016) - trans.: Christopher Webber.
Review on 'La llama' (1918), posthumous opera by José María Usandizaga and María Martínez Sierra (transl. Christopher Webber).
Review on 'Bitz', posthumous lyrical comedy by José María Usandizaga (1887-1915). Transl.: Christopher Webber.