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Stanley Kubrick
S tanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de
julio de 1928–St Albans, Reino Unido, 7 de marzo de 1999)
fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo
Stanley Kubrick
estadounidense. Considerado por muchos como uno de los
cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por
su precisión técnica como por la gran estilización de sus
películas y su marcado simbolismo.[1]

Comenzó a trabajar en el cine a partir de 1951, año en el que

se estrenó su primer proyecto, el cortometraje documental
Day of the Fight,[2] que fue comprado por RKO Pictures,
dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. Esta
compañía también le adelantó dinero para su siguiente Kubrick con su cámara fotográfica en 1949.
trabajo, un documental de nueve minutos llamado Flying Información pe rsonal
Padre.[3] Tras realizar varias cintas, se estrenó Paths of Nacimie nto 26 de julio de 1928
Glory, un film antibelicista que hasta el día de hoy es Nueva York, Estados Unidos
considerado uno de los mejores del director.[4]
Falle cimie nto 7 de marzo de 1999 (70 años)
A continuación de ese filme dirigió su primera película de Saint Albans, Londres, Reino
Unido
alto presupuesto, Espartaco, que fue galardonada con
cuatro Premios Óscar y elevó la carrera de Kubrick a un Causa de
Infarto agudo de miocardio
mayor nivel.[5] Tras el éxito que cosechó la cinta mue rte
—incluyendo un Globo de Oro a la mejor película Nacionalidad Estadounidense
dramática—, Kubrick tuvo la oportunidad de dedicarse a
Re ligión Ateísmo
otro proyecto, Lolita de 1962.[6] El largometraje
protagonizada por Sue Lyon y James M ason recibió críticas Familia
mixtas, pero causó controversia debido al contenido Cónyuge Toba Etta Metz (1948–1951)
relacionado con la hebefilia. Sin embargo fue nominado Ruth Sobotka (1954–1957)
como mejor director en los Globos de Oro y en el festival de Christiane Kubrick (1958–1999)
Venecia en 1962,[7] también obtuvo una puntuación de 95% Hijos Katherina (hijastra)
en el sitio web Rotten Tomatoes.[8] Dos años después Anya
dirigió Dr. Strangelove, por la cual fue candidato a varios Vivian
galardones, entre ellos varios BAFTA y su primera Educación
nominación al Óscar, en las categorías M ejor director y
Alma máte r City College of New York
guion adaptado.[9]

En 1968 alcanzó la cumbre de su carrera con 2001: A Space Información profe sional
Odyssey, film de ciencia ficción con el que ganó su único O cupación Fotógrafo, director de cine,
Óscar a título personal, por el diseño de efectos especiales. guionista, productor y editor
[10][11]
Además, la película es considerada como una de las
Año de de but 1951
mejores de la historia dentro de su género.[12]
Posteriormente, Kubrick dirigió La naranja mecánica, una Año de re tiro 1999
de las cintas más polémicas de la historia, más que nada por Pre mios artísticos
su alto nivel de censura.[13] Esta es una adaptación de la Pre mios Me jore s e fe ctos visuale s
novela homónima de Anthony Burgess que muestra al Ó scar 1968 2001: A Space Odyssey
personaje Alex DeLarge —interpretado por M alcolm

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M cDowell—, un delincuente sociópata y carismático, Globos de Me jor pe lícula - Drama

cuyos placeres son la música clásica, la violación y la
O ro 1961 Spartacus
llamada ultraviolencia. El largometraje causó controversia en
varios países, entre ellos Reino Unido; por esto Kubrick Pre mios Me jor pe lícula
pidió a Warner Bros que se lo retirara del Reino Unido, pues BAFTA 1964 Dr. Strangelove
en un momento dado se encontró bajo mucha presión, Me jor pe lícula británica
llegando incluso a recibir amenazas de muerte para él y su 1964 Dr. Strangelove
Me jor dire ctor
familia.[14] Además, La naranja mecánica fue candidata a
1975 Barry Lyndon
cuatro premios Óscar y Kubrick fue candidato a este
BAFTA Honorífico
galardón, al Globo de Oro y al BAFTA por su dirección y
2000 Premio a la trayectoria
guion.[15] profesional
Posteriormente dirigió Barry Lyndon de 1975, ganadora de O tros Pre mio David de Donate llo a
cuatro Óscar; Kubrick perdió como M ejor director ante pre mios la me jor pe lícula e xtranje ra
M iloš Forman por One Flew Over the Cuckoo's Nest con 1969 2001: A Space Odyssey
Jack Nicholson. Este actor protagonizó la siguiente película 1988 Full Metal Jacket
de Kubrick, El resplandor, basada en la novela de Stephen National Board of Re vie w al
King. Luego de la realización del film, King comentó que le me jor dire ctor
1975 Barry Lyndon
desagradó la versión de Kubrick.[16] Asimismo, dirigió Full
Metal Jacket (1987) y Eyes Wide Shut (1999). Firma

De sus trece películas, se encuentran clásicos del cine como

Paths of Glory (1957), Espartaco (1960), Lolita (1962), Dr. We b
Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love Sitio we b www.visual-memory.co.uk/amk
the Bomb (1964), 2001: A Space Odyssey (1968), La [editar datos en Wikidata]
naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975), El
resplandor (1980), Full Metal Jacket (1987) o Eyes Wide
Shut (1999).[17]

Primeros años y vida privada

Kubrick nació en el barrio neoyorquino del Bronx, en el seno de una familia
judía de clase media-alta y no tuvo una educación religiosa.[18] Era el
primogénito del matrimonio formado por Jacob Leonard Kubrick (1902-1985)
y Sadie Gertrude Kubrick, cuyo apellido de soltera fue Perveler.[19][20] Su
hermana Barbara nació en mayo de 1934.[21] Su padre era un doctor con
orígenes polacos, austríacos y rumanos, mientras que su bisabuelo Hersh viajó
en barco desde Liverpool hasta la Isla de Ellis en 1899, dejando atrás a su
esposa e hijos adultos, para iniciar una nueva vida con una mujer mucho más
joven que él. Hersh tenía cuarenta y siete años al momento de realizar este
viaje.[22][23][24]

Stanley mostró desde muy joven su interés por la fotografía, que practicaba
con una cámara réflex que le regalaron sus padres. Otra afición eran la música
–el jazz en particular; incluso tocó la batería en la Taft Swing Band– y el
Stanley Kubrick hacia 1930 con ajedrez.[25] Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura
su padre, Jack. carrera como director. Kubrick tenía solo 16 años cuando se abrió paso por
hasta llegar al departamento de fotografía de la revista Look, por los siguientes
cinco años se dedicó a hacer periodismo fotográfico de los 40s forjando un

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estilo propio; Kubrick afirmó posteriormente que su trabajo en la revista le dio una educación rápida de cómo era
el mundo. Analizando miles de sus fotografías, las cuales la mayoría se encuentran en el M useo de la ciudad de
Nueva York, se puede observar su clara obsesión con la cristalización.[26]

Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda
sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de
música clásica para sus largometrajes —como en el caso de 2001: A Space Odyssey, descartando en el último
momento la banda sonora original de Alex North—. Y su afición al ajedrez [27] quizás pulió el perfeccionismo y la
futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida,
sería homenajeado en algunas de sus películas, como The Killing o 2001: A Space Odyssey.

Durante su juventud, Kubrick asistía frecuentemente al cine Loew's Paradise y al M useo de Arte M oderno de
Nueva York; también a ver como pasatiempo tardío malas películas que le impulsaron a superarlas con creces.
Poco a poco nació la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando
Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a M ax Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias
cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

En cuanto a sus relaciones amorosas, Kubrick se casó con su novia de bachillerato, Toba M etz, el 29 de mayo de
1948, con diecinueve años de edad. Ambos vivieron en Greenwich Village y se divorciaron tres años después.
Conoció a su segunda esposa, la bailarina de origen austriaco y diseñadora teatral Ruth Sobotka, en 1952. Vivieron
en East Village, se casaron en enero de 1955, se mudaron a Hollywood en julio de ese año y se divorciaron en
1957.[28] Posteriormente, Kubrick se relacionó con la actriz y bailarina Valda Setterfield. [29]

Durante la filmación de Paths of Glory en M únich, a principios de 1957, Kubrick comenzó una relación con la
actriz alemana Christiane Harlan, que tuvo un pequeño papel en dicha película. Ambos se casaron en 1958 y
estuvieron juntos por cuarenta años, hasta la muerte del director, en 1999. Además de su hijastra, tuvieron dos
hijas juntos; Anya Renata (nacida el 6 de abril de 1959) y Vivian Vanessa (nacida el 5 de agosto 1960). [30]

Carrera
Primeros proyectos
Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de trece minutos, en 1951, sobre la base de un
trabajo fotográfico, hecho por él mismo para Look, acerca del boxeador Walter Cartier; lo financió con su propios
ahorros a los veintitrés años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.[31] El documental fue
comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en
Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el
siguiente documental de nueve minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque
años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en
pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería Los marineros
(The Seafarers), su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se
dedicaría de lleno a la industria del cine.

Su primer largometraje, y su primer aprendizaje formal con una cámara, fue Miedo y deseo (Fear and Desire;
1953), que financió con 13 000 dólares obtenidos de préstamos familiares (su tío, M artin Perveler, invirtió dinero
en el filme con la condición de que se le acreditara como productor ejecutivo).[32] El film trata de un pelotón de
soldados que lucha en una tierra sin nombre, y se exhibió en circuitos de salas de arte, pues era un experimento de
calidad. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba M etz.

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La película tuvo escaso éxito, y perdió dinero. Ocurrió otro tanto con su
siguiente trabajo, El beso del asesino (Killer's Kiss; 1955), cuyo
presupuesto ascendió a 40 000 dólares, la mitad de los cuales se perdieron
(con el tiempo devolvería el dinero a familiares y amigos que le habían
ayudado);[33]es una notable película de suspenso sobre un boxeador que
conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En el film aparece, en
el papel de la bailarina hermana de la protagonista, la que sería su segunda
esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, y no cobró
nada. Hizo de operador, montador, ayudante de montaje, técnico de efectos Fotografía tomada por Kubrick, en
especiales, además de director, y el trabajo de Kubrick con la fotografía en
donde se muestran las calles de
blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la
Chicago. Esta sería publicada por la
NBC.
revista Look en 1949.

1956-1960: Primera etapa

En 1956, Kubrick y Harris se asociaron en una productora llamada "Harris-Kubrick Pictures", compañía que
estuvo activa hasta 1964. De esta unión surgió Atraco Perfecto (The Killing; 1956), su primer gran film, con un
presupuesto de 320.000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling
Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia
del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación
para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe
en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.

La película atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de
M GM .[31] Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco
películas. La primera de ellas sería Senderos de gloria (Paths of Glory; 1957), basada en una novela de Humphrey
Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados,
acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra M undial. Y
también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en
Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada
en los estudios Geiselgasteig en M únich, Alemania.[31] En el rodaje de la película conocería a Christiane Susanne
Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer.

Tras la película, Kubrick estuvo trabajando junto a M arlon Brando en la preproducción de One-Eyed Jacks (1961),
aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.

1960-1968: Consolidación
En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony M ann al frente
de Espartaco (Spartacus; 1960). Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer
un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había
hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al
estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre
real en los créditos). La película ganó otros tres premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de
Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones
artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas
negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino
para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su

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trabajo. La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia

tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia
de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y
de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta
película cuenta la historia de Humbert Humbert, un divorciado de mediana
edad interpretado por James M ason que se enamora de Lolita, una púber
de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis, a quién Kubrick
vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a
casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de
Kubrick dando instrucciones a los
componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no
actores Woody Strode y Kirk
solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee
Douglas durante el rodaje de
efectivas dosis de humor, aspecto del film soportado por el oficio de
Espartaco.
Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente
trabajó a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro,
con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por
Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura. [34] El presupuesto
fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como
por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente
se estableció definitivamente, en el condado de Hertfordshire. A pesar de vivir y trabajar en Inglaterra, al inicio por
problemas coyunturales, nunca se sintió un expatriado; las circunstancias le retuvieron allí, y volvía varias veces al
año a los Estados Unidos, casi siempre en barco.[35]

Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para
producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos,
Kubrick comenzaría a rodar Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb, en 1964. El
título en español para esta película fue Dr. Insólito con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto
en España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú.

Basada en la novela de Peter George, Red Alert, que era un relato no cómico, pero que lo viró Kubrick para
conseguir verosimilitud. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la Guerra Fría
y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más
hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia
de humor negro en función a las parte más ligeras del libro.[36] El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de
dar vida a tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de
Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el
propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del
general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses
B-52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida
«Destrucción M utua Asegurada», mientras el jefe Lionel M andrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el
presidente M erkin M uffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson
(Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no
sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada. Kubrick contrató al decorador Ken Adam
para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, la base militar, y el
interior del bombardero) en los ingleses estudios Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación
natural para darle mayor realismo a la puesta en escena.[36] La película encontró a un Kubrick plenamente
instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su
alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso
colaborar con el director y éste tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles
de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando [37] el ambiente
claustrofóbico de la nave. La música original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial

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relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little
Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados
para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos
casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.

1968-1980: Obras máximas

En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey).
La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba
a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del
hombre: una elipsis de 4 millones de años.

La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, El centinela, que Kubrick leyó en
1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir
Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966
Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se
concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5,5 millones de dólares subió hasta los 10
millones.[31] Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus
predecesoras: sólo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera
película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo
Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick
realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La
historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito y
luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre ya evolucionado a Homo sapiens explora el
sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la
inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto-reflexión, la inteligencia artificial...) que
hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la
recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después
en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo.

Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora
que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Espartaco, usando las
composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss
o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor húngaro, György Ligeti,
impulsando enormemente su fama a nivel mundial.[38] Con esta película Kubrick ganó su único Óscar a título
personal (por el diseño de efectos especiales) y varios premios BAFTA, entre otros.

La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el
dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrolló una investigación de
pre-producción enorme a finales de los años sesenta,[39] que finalmente no se concretó debido a sus descomunales
costos: necesitaba 40.000 soldados cercano a una ciudad, para alojar a 50.000 personas, un lugar adecuado como
campo de batalla. Sin embargo leyó centenas de libros y preparó los planos minuciosamente. [40]Le atraían tanto su
épica como su vida sexual, que fue «digna de Arthur Schnitzler».[41]

Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela A clockwork orange de Anthony
Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en M alcolm M cDowell para interpretar el papel de Alex, a
quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven
violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la
película. Los "Droogs", el film retoma el lenguaje empleado en el libro que usó variantes del ruso con el inglés de la
calle llamado Nadsat,[42] causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de

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control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la

conducta del joven Alex. El director buscó localizaciones en Inglaterra
mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó tres
sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en
la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en
el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidas, cámaras ligeras de
mano y los micrófonos Sennheiser M k. 12,[43] que permitieron no tener
que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el
uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo
Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en
cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo
luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un
buen ejemplo.[43]

La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant

garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por
El guion del proyecto nunca parte de la compositora Wendy Carlos, quién recrea mediante
realizado de Kubrick, Napoleón. sintetizadores la marcha fúnebre de Henry Purcell en la obertura de la
película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de
carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9
(Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la
Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente.
Incluso se afirma que Kubrick contactó con la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema
«Atom Heart M other»,[44] pero finalmente no llegaron a un acuerdo.

Estrenada en Estados Unidos en 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes
vista en el Reino Unido para un film, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores;
dividió a los críticos, generó debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian
Bugge en The Clockwork Orange Controversy.[45] A todo esto se sumó el hecho de que los delitos cometidos,
incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que
aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto
aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a
presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en
cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA, 2 Premios
Globo de oro, 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, entre otros. Quizá el logro más
importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un
lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución.
El éxito en taquilla del film que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones [46] le permitió
al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base
de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales.

El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente
producción, Barry Lyndon. Estuvo basada en la novela victoriana de William M akepeace Thackeray publicada en
1884 como The Luck of Barry Lyndon, que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa
del siglo XVIII, y fue protagonizada por Ryan O'Neal y M arisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo
cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y
documentos de la época para buscar localizaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado
usando como modelo ropa de aquel siglo, siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y
contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses.[47] Ante la insistencia del director, los interiores se
rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (apertura

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máxima de f/0,7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA.
Según la actriz M arisa Berenson,[48] los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para
no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue
filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primer país Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo
terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés.

La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones
del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió
también a Franz Schubert y su Piano Trio Nº2 en Mi Bemol, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score
grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director.[47] Precedida de gran expectación debido a sus
dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los
setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Óscar que obtuvo en 1975. Desde
entonces, la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos. [49]

La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel
momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela El resplandor del escritor
estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue una de las mejores adaptaciones
cinematográficas de alguna obra de King. En El resplandor (The Shining; 1980), la versión de Kubrick es una
variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película,
filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline
Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Hotel Overlook, muestra la transformación del personaje de Jack
Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada,
presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de
su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam,[50] un giroscopio
estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de
manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los
corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de
Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del
compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son
György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo
XX.[51] La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este
trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo
halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la
novela que incluso posee tintes autobiográficos.[52] Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de
su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realizó un documental sobre la filmación de la película en 1980.

1987-1999: Etapa final; la caída y el regreso

Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, Full Metal Jacket, en 1987, donde vuelve
a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es
Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación
de los soldados en la base de M arines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí,
ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick reescribía el guion sobre la marcha, modificando
las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en
Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición
fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras. [53] La película es
protagonizada por M atthew M odine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por
Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a
las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy
Sinatra, The Trashmen, entre otros. A pesar de que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de

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Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.[54]

Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia
de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss,
pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la
tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The Aryan
Papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie
Foster y Joseph M azzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme
La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje
cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su
propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.[55]

Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Traumnovelle (Relato soñado), de Arthur
Schnitzler, que había elogiado años antes. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película
se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que
viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un
momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relación. La película contó con una pareja en la vida real de las
estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney
Pollack y M arie Richardson como roles secundarios.

La película, como en sus anteriores filmes desde Lolita, fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores,
con sólo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo
de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para
reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen el aura
buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de
György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak o Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una
película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por los rumores que circularon en la prensa sobre
su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas
durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica en torno a la censura que recibió la cinta en la
versión para los Estados Unidos, donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante
una orgía, por lo demás bastante pudorosa para ser tal. El film, de gran calidad narrativa, fue recibido con cierta
tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la
crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año. [56] El presupuesto del filme
ascendió a 65 millones de dólares.

Fallecimiento
El 7 de marzo de 1999, cuatro días después de una sesión privada para su familia y actores de su último film, Eyes
Wide Shut, Kubrick murió de un ataque cardiaco mientras dormía; tenía 70 años. Su funeral se celebró el 12 de
marzo en la casa de su finca inglesa, en presencia solo de amigos y familiares cercanos; en total, aproximadamente
cien personas. Los medios de comunicación se mantuvieron a una milla de distancia de la puerta de entrada. [57]

Fue enterrado junto a su árbol favorito en Childwickbury M anor, Hertfordshire, Inglaterra. En su libro dedicado a
Kubrick, su esposa Christiane incluyó una de las citas favoritas del cineasta, de Oscar Wilde: "La tragedia de la
vejez no es que uno sea viejo, sino que sigue siendo joven".[58]

Legado
Kubrick fue uno de los directores más influyentes en la historia del cine.[59][60] Su influencia en el cine

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contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados
a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como
documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también
por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al statu quo de rol del director dentro la industria
cinematográfica.

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera
afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada
etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores
procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y
narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a
varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se
ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando ésta se aplicaba
mayormente en el campo experimental. Kubrick revolucionó la forma en la que la música y el sonido, interactúan,
complementan y unifican, las imágenes. Su película 2001: A Space Odyssey (película), es su película más
influyente en cuanto a la banda sonora de las películas ,[61] y aunque la mayoría de las obras musicales no fueron
creadas para la película, sino que el director las eligió con el fin de dar el énfasis que cada escena necesitaba; algo
que inspiró a varias películas que han sido creadas en los últimos años.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su
lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano
siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más
bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de
un engranaje más complejo que lo puramente cultural. Él busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo
empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el
curso la historia. Creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte
de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto
un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, sobre la base de una
sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que
proyectaba en la prensa.

Además, Kubrick inspiró a directores como M artin Scorsese, Steven Spielberg, James Cameron, Woody Allen,
Terry Gilliam, los Hermanos Coen, Ridley Scott, Christopher Nolan y George A. Romero. Incluso, Orson Welles
comentó: «Entre los que yo llamaría "la generación joven", Kubrick me parece un gigante». [62]

Debido al impacto que logró tener Kubrick en el cine y principalmente en el Siglo XX, la gente pide conocer más
de él y de sus obras. Desde el año 2004 una exposición suya, creada por Hans Peter Reichmann, se ha estado
presentado en lugares como París, M onterrey, Berlín, Toronto, Los Ángeles y Frankfurt.[63] El recorrido lleva al
espectador a ambientarse en los filmes y a conocer un poco más sobre el director estadounidense. Aquí nos
presentan una colección de sus obras, entre lo que vemos hay: guiones, vestuarios, cámaras, lentes, fotografías y
diferentes piezas emblemáticas.[64]

Filmografía
1951: Day of the Fight [2] (cortometraje documental).

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1951: Flying Padre [3] (documental de nueve minutos).

1957: Paths of Glory [4]

1960: Espartaco (fue su primera película de alto presupuesto). [5]

1962: Lolita [6]

1964: Dr. Strangelove [9]

1968: 2001: A Space Odyssey [10][11]

1971: La naranja mecánica [13]

1975: Barry Lyndon

1980: El resplandor

1987: Full Metal Jacket

1999: Eyes Wide Shut

Clasificación
Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus
trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers, El beso del asesino y Fear and Desire).

La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de
Juventud", incluye The Killing, Paths of Glory, Espartaco, Lolita y Dr. Strangelove.

La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001:
A Space Odyssey, La naranja mecánica, Barry Lyndon, El resplandor, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e
innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Espartaco -de su primera
etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick).

Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el
planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes
Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en
Espartaco y Barry Lyndon,...)

Recepción y crítica

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Rotten Tomatoes
Película Metacritic IMDb
Todas Top
Fear and Desire 83%[65] 100%[65] - 5.6[66]
El beso del asesino 83%[67] 100%[67] - 6.7[68]
The Killing 97%[69] 100%[69] - 8.0[70]
Paths of Glory 94%[71] 82%[71] - 8.5[72]
Espartaco 96%[73] 83%[73] - 7.9[74]
Lolita 98%[75] 100%[75] - 7.7[76]
Dr. Strangelove 99%[77] 100%[77] 96[78] 8.5[79]
2001: A Space Odyssey 95%[80] 80%[80] 86[81] 8.3[82]
La naranja mecánica 89%[83] 60%[83] 78[84] 8.4[85]
Barry Lyndon 96%[86] 100%[86] - 8.1[87]
El resplandor 88%[88] 63%[88] 61[89] 8.4[90]
Full Metal Jacket 94%[91] 87%[91] 78[92] 8.3[93]
Eyes Wide Shut 77%[94] 66%[94] 68[95] 7.3[96]
Media 92% 86% 78 7.8

Premios
Premios Óscar

Año Cate goría Pe lícula Re sultado Re f.

1987 Mejor guion adaptado Full Metal Jacket Nominado [97]

1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado

1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado [98]

1975 Mejor guion adaptado Barry Lyndon Nominado

1971 Mejor película La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor director La naranja mecánica Nominado [99]

1971 Mejor guion adaptado La naranja mecánica Nominado

1968 Mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Mejor guion original 2001: A Space Odyssey Nominado [100]

1968 Me jore s e fe ctos visuale s 2001: A Space Odyssey Ganador

1964 Mejor película Dr. Strangelove Nominado
[101]
1964 Mejor director Dr. Strangelove Nominado

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1964 Mejor guion adaptado Dr. Strangelove Nominado

Premios Globo de Oro

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1975 Mejor película - Drama Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Mejor película - Drama La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor director La naranja mecánica Nominado
1962 Mejor director Lolita Nominado
1961 Me jor pe lícula - Drama Espartaco Ganador
1961 Mejor director Espartaco Nominado

Premios BAFTA

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

2000 BAFTA Honorífico Ganador
1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Me jor dire ctor Barry Lyndon Ganador
1971 Mejor película La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor director La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor guion adaptado La naranja mecánica Nominado
1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1964 Me jor pe lícula Dr. Strangelove Ganador
1964 Me jor pe lícula de cualquie r fue nte Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guión británico Dr. Strangelove Nominado
1961 Mejor película de cualquier fuente Espartaco Nominado
1957 Mejor película de cualquier fuente Paths of Glory Nominado
1956 Mejor película de cualquier fuente The Killing Nominado

Premios Saturn

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1980 Mejor director El resplandor Nominado
1980 Mejor película de terror El resplandor Nominado

Premios Razzie

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

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1980 Peor director El resplandor Nominado

Premios César

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

2000 Mejor película extranjera Eyes Wide Shut Nominado
1977 Mejor película extranjera Barry Lyndon Nominado

Premio Bodil

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

2000 Mejor película norteamericana Eyes Wide Shut Nominado
1964 Me jor pe lícula norte ame ricana Dr. Strangelove Ganador

Premio David de Donatello

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1988 Me jor producción e xtranje ra Full Metal Jacket Ganador
1988 Luchino Visconti Ganador
1988 Mejor película extranjera Full Metal Jacket Nominado
1988 Mejor director extranjero Full Metal Jacket Nominado
1977 Pre mio David Europe o Barry Lyndon Ganador
1969 Me jor producción e xtranje ra 2001: A Space Odyssey Ganador

Festival Internacional de Cine de Moscú

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado

Festival de Venecia

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1999 Pre mio Bastone Bianco Eyes Wide Shut Ganador
1997 Le ón de O ro Honorífico Ganador
1962 León de oro Lolita Nominado

Chicago Film Critics Association

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

2000 Mejor película Eyes Wide Shut Nominado

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2000 Mejor director Eyes Wide Shut Nominado

2000 Mejor fotografía Eyes Wide Shut Nominado

New York Film Critics Circle

Año Cate goría Pe lícula Re sultado

1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Me jor pe lícula La naranja mecánica Ganador
1971 Me jor dire ctor La naranja mecánica Ganador
1964 Mejor película Dr. Strangelove Nominado
1964 Me jor dire ctor Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guión Dr. Strangelove Nominado

Festival de Cine de Sitges

Año Cate goría Re sultado

2008 Gran Pre mio Honorífico Re ce ptor

Otros reconocimientos y galardones

Año Cate goría Pre mio [102] Pe lícula Re sultado

Por su
2000 Lifetime Achievement Award Directors Guild of Great Britain Ganador
trayectoria
Por su
2000 Critics Award French Syndicate of Cinema Critics Ganador
trayectoria
D.W. Griffith Lifetime Achievement Por su
1997 Directors Guild of America Awards Ganador
Award trayectoria
1975 Mejor director National Board of Review Barry Lyndon Ganador
Festival Internacional de Cine de El beso del
1959 Mejor director Ganador
Locarno asesino

Referencias
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Enlaces externos
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Stanley Kubrick en Internet M ovie Database (en inglés)
Sitio web oficial de Stanley Kubrick (en inglés)
Kubrick Corner (en inglés)
Referencias sobre El resplandor
Collected Essays on Kubrick
Premios de Stanley Kubrick
The Stanley Kubrick Archive from University of the Arts London(en inglés)

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