Ministerio de Educación

Instituto Rufo A. Garay

Nombre:
Aylin Camarena

Profesora:
Thomas Magallon

Materia:
Bellas Artes

Nivel:
XI CH

Tema:
Examen de Bellas Artes

Consejera:
Prusia Flores

Fecha de Entrega:
Lunes 31 de Agosto del 2015

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 Índice
INTRODUCCIÓN.............................................................3
TÉCNICAS DE LA PINTURA...........................................4
ÓLEO................................................................................4
CERA................................................................................5
ACUARELA......................................................................6
TÉMPERA........................................................................6
ACRÍLICO.........................................................................7
PASTEL............................................................................8
TEMPLE...........................................................................8
TINTA...............................................................................9
FRESCO...........................................................................10
GRISALLA........................................................................10
LAS PERSPECTIVA........................................................11
CARACTERÍSTICA DE LA PERSPECTIVA....................14
EL SOMBREADO ............................................................14
FORMACIÓN DE LOS COLORES DEL ARCO IRIS.......15
CIRCULO CROMÁTICO..................................................17

2
CONCLUSIÓN ................................................................18
BIBLIOGRAFÍA................................................................19

Introducción

La pintura es una de las artes más antiguas de las que se tienen registro (pinturas
rupestres), tenía tal vez como propósito en aquel entonces rendir tributo a las
deidades que proveían la caza, al espíritu de la bestia de la que se alimentaban o
un contenido mágico hasta ahora desconocido. Con el paso de los años la pintura
ha descrito las costumbres y personalidades de las diferentes épocas, la forma de
percibir el mundo en las diferentes culturas. Con la "revolución" que desató el
Renacimiento el ser humano volvió a ser el centro del arte y el arte de la pintura
ahora tenía como objetivo complacer el gusto estético sin ningún otro compromiso.
Esa corriente ha prevalecido hasta nuestros días.

La pintura penetra de golpe a la vista, no hay necesidad de tiempo, una pintura

impacta y el espectador decide si gusta o no gusta. No hay ninguna otra arte tan
inmediata.

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 Técnicas de la Pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los

pigmentos sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles
en el aglutinante permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la
perdurabilidad de su obra debe conocer las técnicas a emplear. La pintura, como
materia está compuesta por dos elementos fundamentales: los pigmentos y el
aglutinante. Los pigmentos son sustancias minerales o químicas en forma de
polvo con colores diversos. Los aglutinantes son los elementos que dan cohesión
y fijan los pigmentos. Las técnicas de la pintura están determinadas por el
aglutinante, ya que los pigmentos son aproximadamente los mismos.
Dependiendo pues del aglutinante, encontraremos mayor o menor luminosidad.

Óleo

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El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es
la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado
seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites
se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se
forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla
cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes
capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a
los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite
y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda una
gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por otras
razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado de una
manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el
secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de
soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por
etapas -Degas llamaba este proceso bien amenée (bien llevado)- y la lentitud de
secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías
con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo
cambios durante el proceso de realización de un cuadro.

Cera

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El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que
deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se
caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla
tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un
pincel o con una espátula caliente.

Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua.
Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla)
y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero
tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus
procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr
mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del
artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su
mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo
existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza
barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que

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se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la
acuarela clásica.

Témpera

La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga»

de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a
la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela,
permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la
acuarela «clásica» se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para
complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la
acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque muchas témperas modernas
contienen plástico. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras
maestras, los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos
para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . Según
el pintor Paul Signac: «... determinados rosas violáceos de los cielos de Turner,
ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir
sin un poco de gouache.»

Acrílico

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La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la
misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar
se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la
primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente
en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas
acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas
mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes
telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.

Pastel

La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de

colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o
resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La
palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de
una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin

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necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a
trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje
de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo
suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como
madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del
pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar al finalizar el dibujo
fijadores atomizados (spray) especiales.

Temple

La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema

de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta
lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear
la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo
entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua,
dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un
poco de barniz «dammar» que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este
procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin
embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del
agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con
agua. Giorgio Vasari también empleó en su descripción la palabra temple para la
composición de aceite con barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El
nacimiento de Venus de Sandro Botticelliestán realizadas con esta
técnica.24 Según explica D.V. Thompson:

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Tinta

La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida

aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para
su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más utilizados son el negro y el
sepia, aunque actualmente se usan muchos otros. La tinta se aplica de varias
maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que son más adecuados
para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumilla se
utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro
recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se utiliza básicamente como la
acuarela y que se llama aguada, pero la técnica milenaria llamada caligrafía
o escritura japonesa también está hecha con tinta y pincel sobre papel. Otras
formas más utilitarias de usar la tinta es el tiralíneas (cargador de tinta)
o rapidograph. La tinta junto con el grafito son más bien técnicas de dibujo.

FRESCO

A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas

de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que
el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio
químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican

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sobre una argamasa reciente de cal yarena, mientras la cal está aún en forma
de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se
transforma en carbonato de calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el
seno de la pared. Los procedentes para pintar al fresco son sencillos pero
laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y
de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o
bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración de los
colores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.

GRISALLA

Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro: «luz y

sombra» como la llamó Giorgio Vasari, el color está hecho de una mezcla
de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la sensación de ser
un relieve escultórico. En el siglo XIV se utilizó para esbozos prepatorios de los
escultores para conseguir el efecto de relieve mediante diversas gradaciones de
un solo color. Bajo el reinado de Carlos V de Francia, el uso de la grisalla fue
sobre todo en la miniatura, en los vitrales y en la pintura. Su utilización será una de
las características de la pintura flamenca: en el dorso de los retablos se solía
representar una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante, Jan Van Eyck, para
la catedral de San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún más por su
evolución cromática, que termina apoyándose en un predominio de la monocromía
dorada. Empleaba una gama cromática limitada: oros, ocres, tierras tostadas, con
toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación
en metal, plata y pan de oro.

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LAS PERSPECTIVA

La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar

para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En
un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar

la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía,
también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al
observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.

Auxiliados por la geometría, podemos simular el efecto visual de la perspectiva

proyectando los objetos tridimensionales sobre un plano (bidimensional) utilizando
los métodos de la perspectiva cónica. Recibe este nombre por el hecho de que las
líneas paralelas de proyección parten de un punto (a modo de un cono). Mediante
este procedimiento se pueden obtener imágenes realistas. Sin embargo, la
perspectiva cónica no puede imitar fielmente la visión estereoscópica del ser
humano.

 MEDICIÓN A OJO CON EL LÁPIZ

Un método sencillo para calcular y comparar proporciones, sobre todo distancias

verticales y horizontales, consiste en usar un lápiz como regla. Seleccionamos el

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objeto que queremos usar como parámetro para nuestro dibujo y luego tomamos
un lápiz con la punta para arriba, sin olvidarnos de sostener el brazo bien estirado.
Alineamos la punta del lápiz con la parte superior del objeto y el dedo con la parte
inferior. Esta medición nos permitirá calcular proporcionalmente los otros objetos.
Hemos de estar seguros de que el lápiz se encuentre en posición totalmente
vertical a la hora de medir profundidades. Para calcular el grado de inclinación o
para medir horizontalmente, el lápiz habrá de estar perpendicular a la línea de
visión.

CÁLCULO DE UN ÁNGULO

Empezaremos con el lápiz en posición horizontal y luego lo giraremos hasta que

se encuentre sobre la línea. Así se determinará el ángulo. Trabajar midiendo a ojo
es una técnica muy útil. El diagrama muestra cómo funciona este sistema para
emprender un bodegón de un cubo sobre una mesita.

Si somos diestros, tendremos que mirar por el lado izquierdo del tablero de dibujo,
de modo que la mano que dibuja no interfiera con las líneas de mira, perturbando
la visión. Con el tablero en posición vertical y con un ojo cerrado, moveremos la
cabeza ligeramente hacia la izquierda y hacia la derecha, hasta lograr que el
borde del tablero pueda utilizarse como plomada para determinar el tamaño de
cada parte de los objetos y, luego, marcaremos estos puntos en el borde del
tablero. Esto es particularmente útil para dibujar figuras, pero también puede
utilizarse con buenos resultados para dibujar paisajes o, como en este caso, una
naturaleza muerta. Es un método consagrado, como lo demuestran las marcas en
el borde de muchos dibujos de grandes maestros, lo cual demuestra que
dibujaban midiendo a ojo.

Percibimos los objetos en un plano perpendicular a nuestra línea de visión. Al

mirar de frente, el plano será vertical, como si hubiera un cristal suspendido frente
a nosotros. Sin embargo, cuando dibujamos, el tablero puede estar inclinado,
sobre las rodillas o sobre un caballete, de manera que hemos de mirar hacia abajo

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y, no obstante, tendemos a visualizar un plano vertical delante de nuestros ojos.
Para traducir esta imagen vertical a un tablero colocado en cierto ángulo, debemos
ajustar mentalmente las proporciones, cosa ésta que, sin duda, resulta compleja.
Corremos el riesgo de ajustar en exceso, haciendo demasiado grande la parte
inferior de lo que estamos dibujando. Probablemente para un principiante resulte
más fácil utilizar el tablero vertical, mientras va adquiriendo más práctica y
experiencia.

Existe una excepción natural al uso del tablero vertical, que es cuando se dibuja
un tema horizontal (por ejemplo, una naturaleza muerta o un paisaje). En esos
casos, es mucho más fácil mirar por encima de la parte superior.

PERSPECTIVA AXONOMÉTRICA

Se pueden dibujar los ejes XYZ desde varias perspectivas, ya que produce un
efecto visual particular en cada caso:

1. Perspectiva isométrica: es una forma de proyección gráfica o, más

específicamente, una axonométrica cilíndrica ortogonal. Constituye una
representación de un objeto tridimensional en dos dimensiones, en la que
los tres ejes de referencia tienen ángulos de 120º, y las dimensiones
guardan la misma escala sobre cada uno de ellos. La isometría es una de
las formas de proyección utilizadas en dibujo técnico que tiene la ventaja
de permitir la representación a escala, y la desventaja de no reflejar la
disminución aparente de tamaño -proporcional a la distancia- que percibe
el ojo humano.
2. Perspectiva caballera: es un sistema de proyección paralela oblicua en el
que, por convenio, el plano proyectante es horizontal y las secciones
horizontales de los cuerpos representados se proyectan en verdadera
magnitud.
3. Perspectiva militar, es un caso particular de la perspectiva caballera.

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CARACTERÍSTICA DE LA PERSPECTIVA

 Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano,

nunca se encontrarán.
 Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la
otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.
 Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse
en un punto.
 Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.

EL SOMBREADO

El sombreado es una técnica usada para crear color, líneas o puntos dentro de las
áreas de una imagen para representar la luz y la oscuridad dentro de una pintura o
dibujo. Estas líneas u otras marcas son usadas para ayudar a dar forma a varios
tipos de arte como un boceto o una pintura. También puedes usar sombreado para
representar y crear sombras. Existen una variedad de técnicas de sombreado que
pueden ser usadas para darle a las imágenes una gran variedad de apariencias.

Sombreado de trama cruzada

Esta forma de sombreado es creada usando una serie de líneas diagonales que
se superponen sobre sí. Si un artista quiere mostrar áreas claras, comenzará con
líneas diagonales interceptadas que sean abiertas y sueltas. Esto mostrará un
sombreado más claro en la imagen. Para hacer el sombreado más oscuro,
superpón más juegos de líneas.

Sombreado difuminado

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De acuerdo con Brian Duey, el sombreado difuminado es popular entre los artistas
a lápiz. Esta técnica de sombreado requiere una cierta cantidad de presión
aplicada usando un lápiz de grafito para crear valores más oscuros en tu papel
para difuminar. Esta técnica de sombreado es usada para crear la ilusión de una
forma. Puedes usar diferentes materiales para crear una variedad de texturas de
sombreado. También puedes usar esta técnica de sombreado para crear una piel
lisa en el rostro.

FORMACIÓN DE LOS COLORES DEL ARCO IRIS

Comencemos por definir el arcoíris como un espectro de luz en forma de arco en

el que se descomponen los siete colores del espectro visible de luz. Esos colores,
naturalmente, son: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta.

El arco iris es un fenómeno óptico que se forma cuando los rayos de luz
atraviesan las gotas de agua, por ejemplo de un día de lluvia.

Cuando la luz atraviesa las gotas se separa en sus colores que la componen, lo
que produce un efecto muy similar al de un prisma. Y por un momento, cada gota
de lluvia destella sus colores al observador, antes que otra gota de lluvia tome su
lugar. Los siete colores del arco iris son rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y
violeta. Este fenómeno recibe el nombre de dispersión.

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Ahora bien, ¿cómo se forma un arcoíris exactamente? La formación del arcoíris
ocurre cuando la luz blanca que proviene del Sol atraviesa las partículas de agua
que se encuentran en la atmósfera. El agua de la atmósfera actúa como un prisma
traslúcido a través del cual se descompone la luz blanca en los siete colores antes
mencionados.

La forma arqueada del, valga la redundancia, arcoíris, se debe en parte al ángulo

en que las moléculas de agua descomponen los rayos de luz blanca, sin embargo,
los arcoíris son en realidad círculosenteros de los cuales solo vemos la mitad.

Ahora bien, en otras ocasiones el arcoíris no tiene forma de arco, sino que tiene
forma de una circunferencia completa y se lo denomina halo. Cuando sucede esto
no son gotas de agua las que refractan los rayos de luz, sino partículas de hielo
presentes en la tropósfera.

Circulo Cromático

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Conclusión

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Una vez conocida la naturaleza de la pintura, puede establecerse las diferentes
técnicas, que varían según sea el disolvente empleado como vehículo, que
permite fijar y extender el color, son: óleo, acuarela, gouache, pastel, témpera,
encáustica, fresco, acrílica.

Históricamente, la pintura ha tenido un recorrido que parte de la pintura rupestre,

la pintura medieval, los grandes maestros del Renacimiento y el Barroco, hasta los
artistas del siglo XX.

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 Bibliografía

 https://carlosjulioatehortua.wordpress.com/2010/06/06/tecnicas-
de-pintura/
 Enciclopedia Encarta 2009
 www.wikipedia.org
 www.abcdatos.com

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