PRODUCCIÓN Y DIRECCIÓN

ARTÍSTICA
9-3-20

15-06
22-06
29-06
06-07
13-07
20-07

- Final oral con textos → propuesta de paleta de color, textura, iluminación, locación,
trajes
- parcial escrito 18/05
- final practico 13/07

Cuando hacemos una producción pero no tiene que ser igual si no que tiene que ser similar
a la época, que sea creíble para el público.

perfil psicológico del personaje y social, influyen en el lugar en donde habita por ejemplo,
series o películas para entender como hacer todos los detalles.

no poner demas, si no que x mas de que tengas cosas si no suman a la escena o al

personaje no ponerlo.

EL DIRECTOR DE ARTE - CARLOS BILLOTTI

1908 es un año clave en el que evoluciona el diseño en el cine, porque deciden pasar a los
directores del teatro al cine para empezar a hacer más real las peliculas, ademas aca se
empiezan a implementar las cámaras móviles entonces ya no se puede tener un fondo
plano, comienza lo 3d y empieza a ser más realista la cosa.

Función: Definir el rol de diseño de producción de como diseñar la estética

Director de arte

ÁREAS QUE LE CORRESPONDEN: ESCENÓGRAFO

- es el responsable del proyecto escenográfico que se ejecuta para la realización de

una película
 - se encarga de crear la escenografía, supervisar su realización, elige la utilería y
accesorios necesarios para la misma
- trabaja en común acuerdo con el director y el productor

equipo escenográfico:
- realizador de escenografía: supervisa al personal de realización
- Asistente de realizador: colabora con el realizador en la distribución y organizan
del trabajo.
- Oficial especializado: se ocupa de los trabajos especializados de carpintería y de
las máquinas
- Oficial: se ocupa de la carpintería y de la preparación de escenografía
- Otros: peón, jefe de pintura, capas de pintura, oficial especializado en pintura, oficial
de pintura, peon de pintura.

COMPLEMENTARIOS (ESPECÍFICOS DEL CINE)

- ambientador: es la persona responsable de “vestir” el decorado de una

película con amoblamientos, responde al escenógrafo y al director de arte.
(cosas grandes como camas. empapelado, pintura, lamparas)
- Utilero: es la persona que se ocupa del ordenamiento y mantenimiento de
todos los elementos móviles que juegan en la acción y que se emplea en la
filmación (objetos más pequeños)
- Utilero de la calle o asistente: es la persona que se ocupa de proveer la
utilería que no se encuentra en el estudio o lugar de filmación efectuando las
contrataciones o compra para ello. (el che pibe)

VESTUARIO:

- vestuarista: es el encargado de diseñar y seleccionar el vestuario necesario para la

realización de una película. Su objetivo es caracterizar a los personajes. Trabaja en
relación directa con el escenógrafo, el maquillador y peinador y en consulta con el
director de fotografía el director y productor.

- modista: es el profesional que se ocupa del mantenimiento del vestuario para la

filmación. Colabora con el asistente de dirección en la vigilancia de la continuidad del
vestuario
- Ayudante de modista: asiste a la modista en el mantenimiento

MAQUILLADOR:
- es el profesional que se ocupa de la realización completa del maquillaje y
caracterización de los distintos actores que intervienen en la película.
- ayudante de maquillador: es el que asiste al maquillador en el desarrollo del
trabajo.
PEINADOR:
- es el que se ocupa de teñir, lavar, cortar y peinar a los distintos actuantes que
intervienen en una película o una obra.

PUESTA EN ESCENA- BOWELL (COMPLEMENTARIO)

aspectos que coinciden con el teatro:

- decorados
-iluminación
-vestuario
-comportamiento de los personajes

1) DECORADOS Y ESCENARIOS:

- puede ocupar el 1 plano sin ser simples receptáculos de acontecimientos humanos

pueden formar parte de la acción narrativa de forma dinámica:
- Atrezzo: cuando un objeto del decorado opera de forma activa dentro de la acción.
Ej la cortina de la ducha que la ves al principio que es re (?? pero después es la
cortina en la que envuelven el cadáver de la mina asesinada, entonces como que
toma protagonismo
- desempeña funciones concretas.
- puede ser muy estilizado
- puede asignar elementos del atrezzo al sistema narrativo de la película
- está coordinado con el decorado. Pone de relieve las figuras humanas: tendrá en
cuenta los fondos neutrales los juegos de colores etc..
- genera relaciones de armonía y contraste.
- se integra dentro del decorado, puede funcionar

ILUMINACIÓN:

- contribuye a crear la composición global de cada plano y dirigen la atención hacia

determinados objetos y acciones
- Los reflejos y las sombras contribuyen a configurar nuestra sensación del espacio de
una escena.
- Afecta a nuestra sensación de la forma y textura de los objetos.
- en el teatro es iluminación y en cine forma parte del depto de direccion de fotografia
- Cualidad: intensidad (dura o suave(
- Dirección: recorrido de la luz desde su fuente hasta el objeto iluminado (frontal,
lateral, contraluz, contrapicada, cenital)
- Fuente: se parte de la suposición de que todos los objetos requieren dos fuentes de
luz (una principal y una de relleno) suaviza o ilumina las sombras proyectadas por
las luces principal
- Puede convertirse en motivo
 EXPRESIÓN Y MOV DE LAS FIGURAS:
- control del director sobre las figuras: personas animales objetos de simple
forma
- Las figuras pueden expresar sentimientos y pensamientos de diferentes
maneras: estilizada, naturalista, realista blabla

PUESTA EN ESCENA:
- todos los elementos de la puesta aparecen combinado generando un
sistema x mas de que sean cosas particulares
- existen factores espaciales y temporales para guiar nuestras
expectativas y condicionar nuestra visión de la imagen
- La disposición de la puesta en escena crea la composición del
espacio
- La percepción del espacio es condicionada por: la sugerencia de la
tridimensionalidad
- el mov de un objeto puede traer la atención dentro del espacio
- Los contrastes de colores.

TEXTO ETTEDGUI/ DISEÑO DE PRODUCCIÓN:

Una de esas tontas creencias que tenemos es que mucho de lo que es percibido como gran
cinematografía es realmente buen diseño de producción o una muy buena elección de
locación acertada.
Es cierto que la fotografía de un film a menudo atrae más atención que su diseño, con el
hecho del DF recibiendo más dinero y fama que el diseñador de producción. Esto en parte
es debido al hecho que las herramientas básicas de la fotografía , la cámara, la luz, y la
sombra son la materia prima del cine. Richard Sylbert reconoce que si alguien dice
fotógrafo, uno tiende a pensar en el que saca las fotos , el que hace el trabajo en la cámara.
al diseñador de vestuario ese tambien tiene un rol fácil de definir, pero que es un diseñador
de producción (?
Léon Barsacq gran director de arte e historiador del diseño cinematográfico identifica a 1908
el año clave en la evolución del diseño en cine. El diseño de cine en los primeros tiempos
simplemente se apropiaba de técnicas del teatro. Pero en 198 la cámara se librero del
anclaje del trípode y comenzó a entrar en la acción y moverse alrededor como si fuera un
personaje más.Así mismo obligó a los realizadores a construir sets más realistas y
tridimensionales con el fin de observar la ilusión. La aparición del diseño como un arte
cinematográfico fue luego favorecida ya que alrededor del mismo tiempo, el milagro de la
imagen en movimiento fue perdiendo el carácter de innovador para las audiencias y los
directores y productores tenían que ofrecer novedades visuales para satisfacerlos.
A Través de la década del 1910 y 1920, el diseñador (su título oficial era director de arte)
jugó un rol importante en tanto el cine se volvió crecientemente ambicioso tanto en escala y
como en espectacularidad. En gran parte gracias a este pionero y otros directores más el
cine pudo entonces llevar el pasado vivamente al presente. Pudo transportar al espectador
a lugares exóticos, pudo revelar impresionantes visiones del futuro.
Durante la era dorada del sistema de estudios de EEUU y Europa, el cine era realizado
enteramente en estudios mega gigantes (como paramount) y todos los sets e interiores eran
construidos ahí y los exteriores fueron rodados en las calles interiores de los sets. podías
pasar de una iglesia gótica a un art nouveau de galpón a galpón. Directores de arte de
Hollywood como Bumstead trabajaban debajo del cabeza de equipo del departamento de
arte, quien supervisaba la dirección de arte de toda producción llevada a cabo en el estudio
y quien era responsable a su vez de crear un estilo definido para la compañía productora
(paramount) cada una de ellas tenía su propio estilo.

Richard Sylbert recuerda como pionero de arte a William Cameron Menzies quien llevaba
control del look de cada escena a través de detallados storyboards, los cuales eran
respetados estrictamente . En reconocimiento a la vital contribución de Menzies a su gran
época hollywoodense.
A partir de entonces, en cuanto más directores de arte fueron reconocidos como
diseñadores de producción sus asistentes heredaron el título de directores de arte. Mientras
que el primero es responsable del total del film, el segundo manejaba el presupuesto y
organización del depto de arte como también lo hacía con la construcción de los decorados,
desde el boceteado hasta el armado en set. Esta división de trabajo persiste hasta el día de
hoy, a pesar de que la distinción a veces se vuelve borrosa.

Al final de la segunda guerra mundial, los realizadores de neorrealismo italiano marcaron

una nueva era al filmar enteramente en escenarios reales (grababan en la calle),
abandonaron los estudios. La época dorada de Hollywood empezó a llegar a su fin con los
fines de los 50's gracias a esta influencia del cine que se manifestó en los films de
contracultura como BONNIE AND CLYDE (1967) Además el realismo que se lograba al
filmar fuera de los confines de los terrenos de los estudios, era también una estrategia
mucho más barata. Y así fue como los diseñadores de producción fue perdiendo el trabajo
ya que no se necesitaba de nadie que arme estos escenarios dentro de los estudios.

El proceso de diseño que dió a conocer PATRICIA BRANDENSTEIN se preocupa por hacer
el concepto visual de la temática del guión, preocupaciones emocionales y psicológicas.
Este concepto se vuelve el factor determinante en todas las decisiones estéticas del
diseñador: el peso y volumen del set, la fuente de luz, la elección de la locación, los colores,
las telas, las texturas y los accesorios en el vestuario. Todos deben armar un conjunto y
evocar una atmósfera apropiada a la historia y personajes.

Craig identifica otra función vital de su trabajo: si el titulo diseñador de producción requiere
justificación, podemos decir que no solo se encarga de diseñar las imágenes, si no la
manera en que lo merecíamos ya que tenemos que diseñador es absolutamente esencial
en ayudar al productor y al director a encontrar una manera de llevar a cabo el film. Este
aspecto involucra los requerimientos del guión junto con el presupuesto y los plazos de la
misma. Requiere realizar decisiones críticas sobre lo que puede encontrarse y filmarse en
locación y lo que necesita ser rodado en estudio. A veces es imposible grabar en la
locación original ej: Revenge, que empezó en canadá y terminó en ush que es especificada
en la historia. El diseñador tmb debe decidir cuánto del set debe construirse y cuanto puede
ser recreado mediante otras técnicas como por ej x computadora, o fondo pintado.
Podemos definir entonces el rol de diseñador de producción tanto en términos estéticos
como prácticos, como el artífice de las ilusiones representadas en pantalla. En ocasiones, la
naturaleza de la ilusión demanda que el diseño sea tanto la estrella del film como el elenco
principal.
La ciencia ficción, fantasía, musicales y filmes de época ofrecen la mejor opción para un
diseño impactante, pero debe recordarse que incluso si el sujeto es contemporáneo o el
estilo emula lo documental, en este caso también estamos en presencia de una ilusión que
ha sido diseñada.
“La responsabilidad del diseñador es hacer creer a la audiencia de
que el artificio que están observando es real”

Por mucho tiempo, la vital contribución del diseñador de producción no fue apropiadamente
reconocida por académicos y críticos, o ha sido confundida con el trabajo del director o
director de fotografía.

Link de presentación:
https://view.genial.ly/5e682079954ae70a46cdc811/presentation-genially-sin-titulo

16-03 (resúmenes ppt)

La escenografía en el cine argentino- Germen Gelpi

Es un recorte temporal basado en el libro “100 años de cine argentino” de Fernando Peña
elaborado en 1945-55. Este periodo corresponde a su inicio (gelpi( en la dirección de arte y
el momento en el que realiza importantes modificaciones a la manera de entender la labor
del escenógrafo cinematográfico.
Esto es realizado por el INDEES un instituto de estudios de escenográficos creado por
Guillermo de la Torre, quien donó la obra de gelpi para su investigación la cual contaba con
más de 100 bocetos originales entre fotos, maquetas etc… En 2011 los investigadores han
digitalizado y clasificado el fondo documental que cuenta con más de 1850 documentos.

- GERMEN GELPI (1909-1982)

Fue profesor de dibujo y profesor superior de escenografía.

Desde 1965 hasta que murió trabajó con los principales directores teatrales del país como
mottura y petrone etc.. y a nivel internacional con directores como Margarita Xirgu y Jean
Marchat. Bajo la dirección de Rodolfo Franco hizo los decorados en el teatro Odeón.
Trabajó también en el Teatro colón para la ópera y el ballet y entre 1964 al 66 (dos años) fue
director de escenografía del canal 7, posteriormente lo fue del canal 2.
Entre 1944 al 56 también trabajó como director de escenografía en la productora de
películas “artistas argentinos asociados” realizando más de 200 películas.
La amplitud de producción fílmica de Gelpi nos ha llevado a centrarnos en el período de
1945-55, en los cuales Germen Gelpi realizó la dirección de arte para los films: Pampa
bárbara (1945) Marta ferrari (1956) (entre un montón más) Este periodo corresponde a su
inicio en la dirección de arte y el momento en el que el artista argentino realiza importantes
modificaciones en la manera de entender la labor del escenógrafo cinematográfico.

- LA ESCENOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

La escenografía cinematográfica tiene su origen en la escenografía teatral.

Cuando hablamos de escenografía teatral, nos referimos a imágenes dispuestas en un

campo visual determinado y que nos remiten, como si fuera un cuadro, a mundos
específicos. Así, las artes plásticas y la arquitectura son herramientas indispensables para
abordar la tarea de creación escenográfica.

Elena Povoledo: dice que la escenografía:es el arte y la técnica figurativa que prepara la
realización del ambiente, estable o provisional, en el cual se finge una acción. Por extensión
se emplea también para indicar el conjunto de elementos, pintados o construidos pero
siempre provisionales que ayudan a crear el ambiente escénico.

Patrizia Von Brandenstein: define a la dirección de arte como aquellas acciones tendiente
a destilar una concepción visual a partir de los aspectos temáticos, emocionales y
psicológicos que resuman el guión.

El ciudadano de Orson Welles significó un cambio conceptual importante en la

cinematografía internacional. Las técnicas narrativas del guión, estructurando en flashbacks
y flashforwards, junto con el uso expresivo de la luz y el espacio provocaron el nacimiento
de nuevas formas de hacer y ver cine de Estados Unidos y en Europa. La dirección de arte
del cine argentino no fue ajena a este cambio, teniendo su principal impulsor en Germen
Gelpi.
Para la escenografía cinematográfica o dirección de arte, han sido muy escasos los aportes
de estudios especializados a excepción de ejemplos relevantes como la obra de santiago
vila “la escenografía: Cine y arquitectura, 1977) donde examina el espacio representado, el
campo visual, parte medular del discurso etc.. como se dijo antes son pocos los casos que
se especifican en el estudio de la escenografía cinematográfica.
Partiendo desde lo más general, deberemos tener en cuenta los aportes de los estudios
teatrales, ya que, como hemos comentado, la escenografía en cine surge a partir de la
teatral.
En una acotación del ámbito de estudio serán fundamentales como punto de partida la
noción de escenografía a las que adherimos de Díaz ferrari: La escenografía
cinematográfica tiene la función exclusiva de determinar un ambiente estrechamente ligado
al personaje y dotarlo de un significado humano muy singular respecto al tipo que
representa. El decorado cinematográfico es algo vivo y palpitante, algo que habla y por si
solo recita, es un elemento completo de expresión por sí mismo, teniendo en cuenta que la
escenografía es imagen y la imagen escenográfica o composición arquitectural debe recitar
su parte junto a la luz, en el conjunto eminentemente plástico que es el cine, al mismo
tiempo que la acción. Tendremos en cuenta los conceptos de 1. Espacio pictórico 2.
Espacio arquitectónico y 3. Espacio fílmico propuesto por Éric Rohmer.

1. Espacio pictórico: Este espacio corresponde al director de arte, como compositor

de las imágenes dentro de los marcos que impone el fotograma cinematográfico,
haciendo uso de los colores, luces, sombras, valores y tonos y valiéndose de las
diferentes corrientes artísticas (uso de colores, luces, arma la composición más
abstracta de la escena)

2. Espacio arquitectónico: Este espacio se articula en la relación que la escenografía

y la arquitectura tienen con la tridimensionalidad, en tanto la labor del director de arte
es diseñar . construir y administrar en el espacio los elementos que componen el
campo cinematográfico, para dar contexto, acentuar rasgos físicos y psicológicos de
los personajes y proporcionar al espectador una ubicación espacio-temporal referida
al desarrollo de la acción dramática
3. Espacio fílmico
4. : Este espacio aborda los conceptos específicos.

En los comienzos el decorado cinematográfico se nutre de la escenografía teatral: telones

pintados y arquitectura dibujada y con el desarrollo del cine se recurrió a arquitectos para
que construyeran escenarios.

Cuando hablamos de la historia del espacio escénico occidental, hablamos de la parte

clásica (griega), europea también además de americano. Sus orígenes son festividades,
ritos vinculados al culto de los dioses, héroes, muertos en especial dionisios (dios de la
naturaleza y vino) Grecia fue la primera cultura en tener intención de agregar escenografía
en función de representación.
Primeros elementos de escenografía elaborados:
- columnas
- tablados
- cortinados
- bastidores pintados

Escenografía medieval: escenas múltiples con distintos escenarios simultáneos con una
incipiente estructura arquitectónica.

En el renacimiento la escenografía toma un gran vuelo con el advenimiento de la

perspectiva, da profundidad al decorado y el efecto de las 3 dimensiones.

Dos épocas presentes en la concepción de la escenografía cinematográfica.

ESTUDIOS:
 - En 1897 melies crea el primer estudio en una terraza con paredes y techo de vidrio
- En USA en 1893 Edison crea el primer estudio que estaba montado sobre un disco
giratorio para que persiga la luz solar
- continuaron construyendo otros más grandes y más equipados y espaciosos que
permitían el decorado de varios espacios a la vez
- En 1913 CABIRIA DE PIERO FOSCO comienza una nueva etapa: recurre a la
arquitectura tradicional
- Griffith: grandes producciones del cine mudo estadounidense . 1915 nacimiento de
una nación 1er obra con gran despliegue de masas y decorados, 1916 intolerancia,
la escenografía adquiere un papel esencial en sus reconstrucciones. PALACIO DE
BABILONIA 70 M
- Expresionismo alemán: El gabinete del doctor caligari 1919 de robert wein, junto
con el escenógrafo HERMANN WARM, ponen en práctica sus nuevas ideas sobre la
escenografía expresionista.Estilización dramática de las formas fruto de las
experiencias de la pintura de la vanguardia.
- Gran imaginación y técnicas de implementación de maquetas como king kong 1933
- Orson welles junto con Greg toland (df) 1941 generan por primera vez una total
profundidad de campo. El espectador ve todo con la misma nitidez, obligan al
escenógrafo a la construcción de techos para generar un avance en la realización de
decorados.
- Con el neorrealismo italiano se sale a la calle en busca de decorados: ruinas y casa
de inquilinatos
- Hollywood con la llegada del sonido y color a los 50, se genera el florecimiento de la
comedia musical que genera un despliegue escenográfico.

CLASE 30-03

Escenografía cinematográfica (ppt) GENTILE Y DIAZ

Capítulo N°3:

- LA COMPOSICIÓN PICTÓRICA Y ESCÉNICA: es un guía para el espectador, evita

que el mismo se distraiga en objetos o formas insignificantes. La percepción es
guiada hacia un punto fundamental de la composición donde se encuentra el
significado.
- El espacio pictórico es un hecho visual dimensionado, es abarcativo, medible con
magnitudes establecidas y tiene 2 variaciones:

1) Espacio escenográfico: donde transcurre una acción dramática (sirve para guiar al
espectador) construido a la manera del espacio real.
2) Espacio plástico → plano, racional, se va constituyendo a medida que se
diseña. Es el diseñado (con gráficos) se construye a medida que se diseña ( con
 esto se constituye los elementos gramaticales de la imagen, estos elementos se
comparten con la fotografía, pintura etc.., conforman un lenguaje visual.

- Elementos gramaticales: Los lenguajes visuales comparten determinados

elementos gramaticales como ser: la superficie del soporte, la gama de valores, los
elementos graficos simples como punto linea y la forma.

- COLOR - PIGMENTO: (Aspecto del color)

- Brillo → cantidad de luz que refleja determinada superficie.

- Luminosidad → Intensidad del brillo
- Tono: Valores → Blanco, negro, gris o su complementarios
- Saturación → Pureza cromática, cuanto menos mezcla haya mas saturado va a ser
- Tinte → color desaturado con blanco
- Matiz → sensación predominante del color en una superficie
- Valores → grado de claridad o oscuridad entre los dos extremos (negro-blanco) de
una escala.
- Sombreado → luces y sombras para sugerir volumen
- Monocromatismo → uso de un solo color en diferentes escalas de valor y
saturaciones, al mezclarlo con blanco, negro y gris
- El color material de un objeto es la propiedad que posee de absorber una
determinada parte de luz y rechazar otra.
- En el tamaño de las formas y figuras es preciso que se tenga en cuenta el valor de
los colores. A mayor luminosidad del color más pequeña debe ser la forma, para
alcanzar la armonía sin que un color anule al otro.

El director de arte deberá tener en cuenta dos aspectos al usar el color:

- Color local: el dir. de arte no altera la coloración natural de los elementos

compositivos, relación objeto-familiar
- Color pictórico: los colores son modificados para crear metáforas visuales, climas
especiales y simbolismos.
- La relación con el vestuario y el maquillaje: en la etapa del diseño de las
escenografías es importante tener clara la relación de contrastes para que las
paredes de la escena no se traguen a los personajes.

LA LUZ Y EL COLOR:

La Luz → es un elemento escénico plástico → genera climas y metáforas

- los colores luminosos primarios son el rojo, verde y azul, la mezcla de los tres da
como resultado luz blanca.
- al iluminar una escena con luz colorida es necesario tener en cuenta la relación
color- luz y color- pigmento.
- con luz blanda (difusa) el color se hace más intimista y crea una atmósfera
cromática, cuando la luz es dura el color se hace pleno, intenso y provocador
LA ARMONÍA → es un canon de belleza clásico (cabeza entre ocho veces en el cuerpo)
- Sección áurea → filosofía pictórica: el número y la armonía como expresión del
orden. Ley de tercios, es cuando trazas líneas imaginarias donde la vista focaliza el
ojo y son puntos de interés/tensión…
- Aurea → cómo distribuir elementos de escenografía de acuerdo a estos puntos de
interés.

EQUILIBRIO → trabajar los pesos visuales, ordenamiento de las formas en el espacio.

→ elementos en la zona jerárquica poseen mayor relevancia por lectura occidental(la zona
izquierda tiene más peso por nuestro sistema de lectura)
→ Centros de interés en el encuadre son muy importantes
Equilibrio estético → busca lo continuo, estable, perfecto, imagen simétrica
Equilibrio dinámico → busca la simetría el ritmo libre, el conflicto, utiliza variedad y
contraste para proponerle al ojo un recorrido más variable

RITMO: está determinado por la distribución de las masas y los pesos visuales en el
espacio creando una trayectoria que conduce la mirada de una determinada manera hasta
el elemento principal de composición.
En el cine tenemos 2 tipos de cines:

1) Ritmo interno →Utiliza recursos del lenguaje pictórico como líneas y puntos,
colores, iluminación, tamaños perspectivas y ángulos. Imagen aislada c/plano como
si fuera fotografía. Está dado por el recorrido de la misma en ese plano
2) Ritmo externo → es propio del cine y está creado por el montaje (duración de
planos y maneras de combinar esos planos)

INDICADORES DE PROFUNDIDAD:
- tridimensionalidad
- Repetición: la repetición de una forma (punto,linea) de intervalos regulares en
conjunto ocupan un cierto espacio que se va a volver
- superposición de objetos: genera profundidad Y para reforzar tmb
- Texturas, colores e iluminación → hace que la imagen sea poética

TEXTURAS:

1) visuales: según la cantidad de luz que reflejan son brillantes u opacas y según la
luz que las atraviesa son transparentes o translúcidas
2) Táctiles: pueden ser duras, blandas,ásperas rugosas o lisas
3) aparición de superficies (elementos gramaticales

ESTILOS: (resumir esta parte del ppt)

- ESCENOGRAFÍAS REALISTAS: crear un ambiente lo más creíble posible
prestando atención a los detalles.
- REALISMO AMBIENTAL: Importa lo que quiere generar sobre el personaje etc..
(estilo mobiliario, lo estético es más que una época determinada
 - REALISMO SIMBÓLICO: Elemento que simboliza ideas. Sustituye metafóricamente
un objeto por uno imaginario ej: el grand hotel budapest.
- OBJETIVO: lograr integrar estéticamente los elementos visuales y dramáticos de un
film.

CLASE 06-04

FORMA TEATRAL:

Historia de la dirección de arte:

Espacio escénico: espacio físico.

Orchestra: Espacio circular al aire libre en el que se ejecutaban danzas como parte de las
festividades.

Planta Clásica: Lugar para la contemplación de la representación de obras dramáticas

sobre la ladera de una colina, buscaban una buena acústica y en ella labraban grandes
escalonadas en forma de semicírculo.
- Base: espacio circular para el coro y delante disponían de un estrado elevado para los
actores.
- Aire libre y abierto
- Público: rodeaba por completo el espacio escénico
- coro como personaje como voz del pueblo o autor
https://www.youtube.com/watch?v=hx640mxyfRM (Link de griego a romano)
https://www.youtube.com/watch?v=j7uc_aLyGmg

THEATRUM (TEATRO ROMANO):

Vitruvio: arquitecto romano S I a.c, gracias a sus técnicas, en la época del renacimiento se
siguen aprendiendo de las técnicas que aportó y se crea la técnica de perspectiva. Ya no es
tan semicircular si no que se le daba más importancia a los actores.

Los romanos cuando se apropian de la cultura griega, también lo hacen en la parte del
teatro.

Construcción de un edificio elevado.

Graderío o cavea semicircular sobre un sistema de galerías edificadas desde la base

MEDIOEVO: no existían lugares específicos para representar obras teatrales ej: plaza,
templos etc.. lugares de encuentro comunitarios.

Espacios simbólicos con códigos compartidos por el público. Multiplicidad y simultaneidad

de escenarios: todos los escenarios están presentes frente al espectador. (ej dentro de la
iglesia, diferentes partes dek templo son diferentes escenas del viacrucis y la gente tiene
que moverse para ir viendo las diferentes acciones)

Escena de integrada: los escenarios se acomodan y distribuyen por el espacio de iglesia sin
separaciones claras.

Teatro popular: se representaba de manera espontánea, se montaban escenarios

rudimentarios, se montaba y desmontaba de manera rapida, era un teatro muy pagano, así
pobre, poco material y escena, era un teatro de parodia que se reía del feudalismo, El
arlequín y el bufón son parte nueva del teatro medieval

TEATRO ISABELINO: 1558-1625 (Renacimiento)

obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de inglaterra.
Shakespeare. Marlow

Teatro popular. involucra a las dif clases sociales

Construcción simple de madero o piedra circular y con amplio patio interno, cerrado pero sin
techo
Partes:
- Patio: platea
- Galerías
- Escenario: adentrado en una platea que lo circundaba por tres lados reservando la
posterior a los actores.
- Musicos: entre la 2da y 3er planta del escenario
- Mobiliario y objetos daban ubicación de la acción

EL CORRAL ESPAÑOL:
fines del siglo XVI (Concilio de Trento) a través de esto el teatro deja de representarse
dentro de la iglesia y como no había espacios específicos para el teatro, se instalaron los
corrales en los patios interiores de casas y mesones

No es un edificio de 7 pisos, sino que es de 2 o 3 pisos, es rectangular la estructura, y

además las galerias estan a los lados del escenario, y la gente se sentaba frontalmente al
escenario.

Espacio:
- Galería y palcos a ambos lados del patio
- Escenario y detrás los camerinos
- Toldo para proteger al público e iluminación con grandes candiles de hierro forjados
- Público distribuido según clase social y sexo: Palco (clase alta) patio (pueblo) y
cazuela (que es la parte de atrás de las sillas) ahí iban las mujeres.

TEATRO A LA ITALIANA:
Renacimiento: edificio teatral diseñado para realzar los decorados, para retomar los
principios arquitectónicos de Vitruvio

Tiene telon

Es la estructura que perduró en el tiempo (colón y cervantes)

Perspectiva: caja cúbica como el escenario que contiene la acción dramática

La escena y el espectador quedaron separados para siempre

Partes:

Escenario: un poco elevado se ubicaban los decorados

Proscenio: delante del escenario, poco profundo y largo destinado a la actuación.

entre el escenario y el público hay una fosa donde se encuentran los músicos

CLASE 13-04
RENOVACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO:
● Investigaciones de Adolph Appia

resumen de la clase pasada hicieron me levante 8:20 jejox.

CASOS DE RENOVACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO:

 ● Meyerhold: se da dentro de la revolución rusa, artista de vanguardias rusas. 1920
fue nombrado como director del depto del teatro del comisariado para la instrucción
soviética: director del teatro ruso.
● Para la obra “amanecer” Vladimir Dmitriev, diseño la esquematización geométrica de
la escuela cubo-futurista.
● Es como más escenógrafo porque en la parte arquitectónica no cambia más de el
estilo a la italiana
● Montaje: cubos, discos, cilindros rojos, dorados y plateados, triángulos recortados en
hojalata y cuerdas que se cruzaban con objetos, rampas, escaleras (están en
funciones de los movs actores) figuras geométricas sin insinuando la realidad es
como más abstracto
● aprendiz de Stailok o algo asi que fue quien fundó el teatro Ruso

DÉCADA DEL 60’

● Deja de ser claro lo que es cada uno de los lenguajes artísticos y se empiezan a
fusionar los lenguajes.
● Dejamos el teatro a la italiana, y surge el happening, entonces este espacio rígido
donde la gente no podía participar no servía
● manipulación creativa de la relación con el público. Se le obligaba a ubicarse o
moverse de determinada forma.
● La importancia de los materiales que lo acercan a la pintura: relevancia del objeto, a
las personas son tratadas como objetos materiales
● El aspecto de ambientación. Los objetos son protagónicos no las personas que
participan.
● La ausencia de argumento o de significado acummulativo.

DÉCADA DE LOS 80’ Y 90’

● Resignificación del happening: La Fura dels Baus, La organización Negra, De la
Guarda, Fuerza bruta, etc..
● Nuevas tecnologías aplicadas a la escenografía teatral. Espacios raros no
convencionales pueden hacerlo un espacio concreto para la representación de la
obra
● Los decorados
1. Parte de una obra escénica para ambientar las escenas y completar el
trabajo de los actores.
2. Incluyen: muebles, telones pintados, distintos tipos de utilería, tramoya y
desplazamientos para generar algún efecto especial.

● Pintura escenográfica
1. Dibujos que representan diferentes espacios posibles.
2. Soportes: telas, papel y transparencia
3. Sirve tmb para representar texturas: piedra, ladrillo, madera, etc..

● Tramoya:
 1. Conjunto de máquinas e instrumentos con los que se efectúan cambios de
decorados y efectos especiales, durante la representación

● Escenarios moviles, giratorios,dobles etc...

1. Escena móvil: escenarios giratorios, pantallas o cualquier otra maquinaria
teatral que se ponga en movimiento par la construcción de la misma.

HISTORIA DE LA DIRECCIÓN DE ARTE:

● En los comienzos el decorado cinematográfico se nutre de la escenografía teatral:
telones pintados y arquitecturas dibujadas
● Con el desarrollo del cine se recurrió a arquitectos para la construcción de
escenarios.
● Estudios;
1. En 1897 George Melies crea el 1er estudio en una terraza con paredes y
techos de vidrios
2. En usa en el 93 Edison crea 1er estudio que estaba montado sobre un disco
giratorio que le imposibilitaba seguir la luz solar. Ambos siguieron
construyendo otros estudios más grandes y mejor equipados que permitan el
armado de varios decorados a la vez
3. Esto es alejado y anterior a los estudios de Hollywood, grandes y la idea de
llevar todo a esos gran studios.
4. En 1913 con Cabiria de Piero Fosco (italiano), comienza una nueva etapa,
recurre a la arq tridimensional para generar mayor realismo, después en
EEUU cine clásico, Griffith, decorados de estudio pero son espacios de
grandes dimensiones (al aire libre tmb) escenografía a escala real
5. Las vanguardias tuvieron su protagonismo, en especial en el expresionismo
alemán, a partir de la realidad exageran y desequilibrio , además aplica a
maquillaje/vestuario.
6. Se menciona la primera peli de King Kong x el stop motion, por la
robotización, uso de maquetas a escala, ej hacer la fachada de nyc.
7. Orson welles junto con Gregg Toland, generan una total profundidad de
campo, el espectador ve todo con la misma nitidez, entonces se piensa
escenografía no como “relleno” si no que todo tiene detalle xq se ve todo el
tiempo.
8. Con el neorrealismo italiano, sale el cine a la calle en busca de decorados:
ruinas y casas de inquilinato, etc.. mostraban pobreza,porque venían
perdiendo la guerra etc.. y en Hollywood con la llegada del sonido y el color
hacia 1950, se genera el florecimiento de la comedia musical que genera un
despliegue escenográfico x la cantidad de bailarines que habían para los
musicales, y por otro lado el color y mostrar felicidad por el crecimiento social
y económico que venía teniendo usa.

CLASE 16-4:
DISEÑADORES DE VESTUARIO- NADOOLMAN:

En el Hollywood actual, el diseño de vestuario sigue con poquísimos cambios, es un método

de trabajo utilizado desde sus orígenes en el teatro: parte desde las reuniones con todos los
directores de las diferentes áreas, para llegar a confeccionar el vestuario. Suele ser una
metodología de trabajo muy ortodoxa aunque a veces hayan puntos de inflexión. El diseño
de vestuario es una unidad más de todas las que integran la producción de una película. El
cine es un arte que se hace en equipo.

MODA Y VESTUARIO SON TÉRMINOS DIFERENTES TIENEN PROPÓSITOS

DIAMETRALMENTE DIFERENTES. Las prendas de vestuario no son prendas de “calle” y
esa es la diferencia conceptual que pocas diseñadores saben y que marca la diferencia.

Los directores de la película o del teatro usan como herramienta al vestuario para contar la
historia de la película.

Se empezó a escribir sobre el diseño de vestuario a partir de la figura de la estrella de cine

de Hollywood. La gran mayoría de los libros juntan a lo que es el personaje de la ficción y a
la estrella, una de las consecuencias es que el papel del diseñador de vestuario se vuelve
invisible, ya que el público se ciega con las estrellas y con su papel que no se rescata que
hay alguien detrás de ese outfit.

Cuando el diseñador logra entender al personaje y le da esa parte de personalidad con el

vestuario, ahí es cuando el actor puede sentirse más identificado y así el diseñador ayuda a
la creación de una estrella de cine. Sandy Powell expresa que lo más emocionante de ser
diseñador es crear a un personaje y contribuir a la narración de una historia.

Como se explicaba antes, el diseñador pasa por un proceso creativo antes de confeccionar
el vestuario, se junta con los directores de todas las áreas, lee el guión y al final
confecciona. Los diseñadores participan en la película desde la fase de preproducción,
durante todo el rodaje y hasta la finalización del proyecto. Una vez definido bien el
personaje y el vestuario va puliendo los últimos detalles de eso. Nada es porque sí, pero
todo debe parecer que sí lo es, está pensado todo, desde el color, textura etc… El primer
paso es leer el guión y de ahí sacar cuales son los rasgos visuales del personaje.

Si el diseñador de producción es el encargado de “DONDE?” donde transcurre el diseñador

de vestuario es el encargado de “QUIÉN?” quien es este personaje y que se puede esperar
de él. Antes de que un actor enuncia una palabra el vestuario ya comunica de qué tipo de
persona se trata, un punk, un nerd, una bitch etc…

El vestuario está diseñado de una forma bidimensional, a diferencia de la moda que está
pensada para nuestro mundo tridimensional, por ejemplo el vestuario se diseña para las
dimensiones que aplastan y distorsionan la imagen, se diseña para que se pueda ver más
allá de lo estético, mediante la ropa podemos ver las emociones del personaje y tiene que
ver también con los planos de la cámara.
Los vestuarios se convierten en elementos icónicos, como la campera y el sombrero de
Indiana Jones. Cuando un vestuario se ve impulsado por una buena narración
cinematográfica, puede trascender su función original y cobra vida propia entre el público.​

Diseñar vestuarios es otra forma de narrar la historia como lo hace el guionista desde el
lado literario, como diseñador se meten en la ´piel del personaje como lo hacen los actores.
Cuanto más específico y coherente sea un vestuario , más eficacia tendrá con el público.
Muchos actores toman como punto de partida el vestuario para meterse en el personaje.
Actores, directores y diseñadores recurren a bocetos, documentación sobre moda y prendas
reales para crear un lenguaje con el que construir cada personaje.

Los diseñadores de vestuario son apasionados narradores, historiadores, analistas sociales,

humoristas psicólogos y magos que saben conjugar el glamour y codificar iconos. Son
gestores flexibles y astutos que tienen que hacer malabarismos cons presupuestos y
calendarios cada vez más menguados y enfrentarse a la cruda realidad económica de la
producción cinematográfica en todo el mundo

ETAPAS:

1) Los diseñadores se reúnen con el cineasta, leen el guión y dedican mucho tiempo a
la investigación.​

2) El diseñador y el director comparten ideas, que pueden ser bocetos, fotografías o

vestuario real.​

3) El diseñador se reúne con el dir. de arte, el DF y los actores.​

4) El diseñador confecciona, alquila o compra las prendas.​

El diseñador debe adecuarse a la historia que se va a contar y al director, quien toma las
decisiones finales sobre el vestuario.​

- La personalidad del actor, su concepción de la película, su aspecto físico, son

elementos a tener en cuenta para el concepto y la confección de su vestuario.​

- El diseñador de vestuario debe controlar el peinado y el maquillaje.​

- La selección y las opciones de vestuario constituyen de por sí un trabajo de diseño

de estilo.​

DIFERENCIAS ENTRE CINE Y TEATRO:

- La diferencia fundamental es la “distancia estética”:​

 - Los tamaños en teatro deben ser mayores que el natural, porque los detalles finos
se pierden sobre el escenario.​
- En teatro se puede utilizar un zapato moderno y adaptarlo para que parezca de otra
época, y a cierta distancia tiene un buen aspecto.​
- La distancia, la iluminación, marca la gran diferencia entre los dos medios.​
- En la película la cámara ve más y mejor que el ojo humano.​

EL FIGURÍN:
● Son una herramienta de comunicación fundamental para el equipo de producción.​

● Todos lo utilizan como punto de referencia desde los productores, el director, los
actores, el DF, el equipo de FX, hasta los ayudantes de vestuario y artesanos que
realizan los diseños.​

● Los que incluyen detalles de la cabeza, la cara y diversas partes del cuerpo hacen
también de storyboards y permiten un diálogo fluido con maquilladores, estilistas y
otros técnicos.​

- ​ ara crear el vestuario de un personaje, un diseñador necesita conocer todo lo que

P
pueda sobre este último.​

- Cuanto más explícito sea un director, más información tiene el diseñador y más
preciso y ajustado será el vestuario.​

- Cuánto mejor sea la comunicación entre el director, el dir. de arte, el DF, y el

diseñador de vestuario, más coherente será el estilo visual y el mundo inventado de
una película.​
CLASE PASADA NO COPIE NADA.27-4

CLASE 04-05:

ppt tendencias estéticas en la dirección- marcelo

valiente
dirección de arte clasicista:
- Periodos: de Grecia en el SV y IV a.c, Roma hasta I a.c y Europa S XVI y XVII
- Racionalismo ético-social. Transmisión de valores fundacionales y civilizaciones en
expansión
- copiar forma o repetir a una forma estándar, osea tiene un modelo a seguir
- copia la realidad, es mimético
- Búsqueda del equilibrio entre forma y contenido. Proporcionalidad entre la parte y el
todo.​
- Estandarización de técnicas.​
- Estrictos escalafones de valores estéticos.​
- Las obras son técnicamente correctas o incorrectas.​
- Artes como parte de una civilización en expansión. Acompañaron históricamente el
desarrollo de las naciones.​
En la dirección de arte:
- Espacios, muebles, objetos y vestuarios resultan estándar para cada época,
situación y personaje.​
- Aunque la acción dramática no lo exija, en una escena están presentes todos los
elementos que teóricamente deberían encontrarse en dicha situación real.​
- Elementos reales disociados del drama.​
- Ej: Cine de Hollywood en expansión de los ´20 a ´50: Griffith, John Ford.

Romanticismo:

● fines del siglo 18 a mediados del 19

● el romanticismo es la visión del artista subjetiva sobre la técnica, instinto, idealismo y
pasional
● nostálgico, melancólico, mira la sociedad moderna y se desconecta, vuelve a la
naturaleza, añora el pasado, proceso de idealización del pasado perdido.
● Surge como respuesta a una época de fuertes modelos académicos.
● Contra las fuertes convicciones del clasicismo, enfrentaban la emotividad.
 ● Legitiman las contradicciones entre el individuo y el colectivo. Factor de esta ruptura:
PATHOS (las pasiones humanas).
● Acercamiento de Europa a Oriente. Conocimiento de otras culturas y miradas sobre
el mundo.
● Pintura: rev francesa con impronta de metodología, soldados romanos con figuras
griegas
● En el cine se dan 3 estilos: 1) melodrama 2)gotico 3)monumental
1. melodrama: pesa la idea de generar climas, claroscuros o contrastes o
atmósferas que simbolizan los sentimientos de los personajes. La luz y la
atmósfera interactúan dramáticamente con los personajes fundamentados.
Los espacios y objetos pueden sufrir alteraciones de formas y tamaño sin
perder identidad con el fin de generar la emoción adecuada.
2. gótico: Espacio creado con la atmósfera que de a algo atado a lo del miedo,
amenazante y misteriosa
3. monumental: estilo de la escenografía, grandes locaciones, despliegue
grande de utilería, espacios ideales, deslumbrantes, lugares de ensueño,
suele venir acompañado del melodrama
4. Vestuario: Es conservador, porque no va a ser vanguardista, va a reforzar el
arquetipo del personaje, ej: niña rica de eeuu, perfil de nena mimada, el
vestuario va a ser acorde a ella y después si se revela el vestuario se va a
adecuar y seguirá aferrando la idea de la identidad

REALISMO-NATURALISMO:

● Segunda mitad del siglo XIX

● clave: objetividad-verdad, algo casi documental. DAR SENSACIÓN DE REALIDAD
● primero teatro después cine
● Las revoluciones industriales y ala francesa llevaron al hombre a sus propias
limitaciones
● Surge como respuesta a la postergación del hombre común frente a los avances
tecno-científicos y socio políticos. El personaje está condicionado por el contexto en
el que le tocó vivir, de las circunstancias dadas, que es la motivación para que el
actor actúe, condicionados por el contexto.
● Nuevas disciplinas que influyen al arte: Psicología, Sociología, Física y medicina
cientifica.
● Grandes conglomerados de ideas para explicar al hombre: filosofía, historia, cultura,
economía, política, etc..
● Surgimientos de las grandes ideologías: capitalismo, marxismo y fascismo.
● Realismo: el hombre se encuentra subordinado a una condición social que puede
potenciarlo o limitarlo. Poética integrante de nuestros días.
● Naturalismo: mirada más pesimista, mide al hombre, según su naturaleza. El hombre
no puede cambiar su condición…
● Dar sensación de realidad
● Utilería: Objetos de la realidad antes que una réplica.ej mesa de roble, ponemos
roble no algo que imite el roble.
● Indumentaria y maquillaje: cuidadoso análisis del personaje no enfatizando rasgos.
 ● prescinde de todo artificio visual.
● Abundan desprolijidades típicas de la vida diaria: elementos que dan esa sensación
de realidad, van a estar justificados, se fundamentan desde la acción.
● Neorrealismo Italiano: década del 40 y 50 Vittorio de Sicca. No había presupuesto x
la guerra y salen a grabar a la calle, mezclan actores con gente común para dar más
credibilidad.

EXPRESIONISMO:
- Época: primera mitad del SXX.​
- Clave: la realidad alterada.​
- Confluyen distintos estilos: expresionismo propiamente dicho, futurismo, grotesco y
kitch.​
- Denominador común: la realidad que rodea al hombre se deforma, se exacerba, lo
invade y vulnera.​
- Choques y fracasos de las grandes ideologías del siglo anterior: guerras, genocidios,
disminución de la libertad individual, etc..​
- Artistas: mostrar las posibilidades de deformar el mundo físico. Una realidad
inquietante, extraña y cada vez más alienada.​

FUTURISMO:
- Surgió a la sombra de los estados facistas (Alemania e Italia).​
- Mezcla de fascinación y horror por el proyecto tecno-científico de los
nacional-socialistas.​
- Ej. En cine: “Metrópolis” Fritz Lang y “Brazil” de Terry Guilliam.​

- El futurismo y el expresionismo recurren a la luz como objeto y un factor de

interacción. Luz cruda sobre cuerpos y objetos.​
- Contraluces intensos, sombras duras y estiradas.​
- Picados y contrapicados.​
- Libertad en la invención de escenografías, utilerías y vestuarios.​
- Elementos: emisores del discurso conceptual.​

GROTESCO:
- Mirada humorística sobre las aberraciones de la realidad.​
- Predominan la ironía y el sarcasmo.​
- Nacido del naturalismo: la propia naturaleza aberrada del hombre es la que
determina el enrarecimiento de la realidad que oscila entre el horror y el ridículo. ​
- Del expresionismo toma la alteración exacerbada de la forma para acentuar los
caracteres del hábitat y de los personajes.​
- Ej. En cine: Ettore Scola “Feos, sucios y malos”​
- En la dirección de arte: ambientaciones con luz más realista, los objetos se afean
pero no se deforman. Las personas se convierten en “aparatos”: en el vestuario y en
el maquillaje se manifiesta la deformidad de los espíritus.​
KITCH:
- Derivado del Pop Art de los ´60.​
- La sociedad de consumo rige la realidad y dota al universo de sus vicios y fealdades.​
- Ej en cine: Pedro Almodóvar​
En la dirección de arte: acude a la ironía sobre los medios de comunicación. Las
iluminaciones y ambientaciones hacen referencia irónicas a películas clásicas y telenovelas.​

SURREALISMO:
- Época: primera mitad del SXX.​
- Clave: las realidades psíquicas. Los universos interiores.
- ​Se manifiesta en distintos estilos (dadaísmo, simbolismo, cubismo, abstracto).
- Se refiere a la realidad sumergida, oculta, la realidad interior.​
- Enfoque distinto del concepto de realidad: la verdad de la misma se encuentra en la
psiquis.​
- Se nutre de estudios sobre el inconsciente, las conductas y mente humana en
general (Freud, Jung, etc.). Investigaciones de los sueños y el carácter simbólico de
las imágenes mentales del sujeto.​
- Automatismo: en la creación y en la interpretación de una obra: proceso de
reconocimiento, elaboración y comprensión no derivado de la lógica formal
causa-efecto, sino de procesos del inconsciente.​
- La obra se completa con la mente del observador.​
- En la dirección artística: odos los elementos de la ambientación devienen en
símbolos (plano onírico).​
- El director de arte profundiza en el análisis de la obra para sintetizar en cada objeto
y detalle el carácter exacto del símbolo.​
- Exponentes:​ Plástica: Dalí, Magritte y Man Ray.​Cine: Buñuel “Un perro andaluz”,
“La edad de oro”.

ESCENOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA (Cap VI, más allá de lo real, de Gentile/Diaz)

ESCENOGRAFÍA VIRTUAL: escenarios que son creados por medio de efectos

visuales que proceden de computadoras.
- Década del 60´ grupo especialista en automotores (general motors) contrató a
técnicos de IBM para desarrollar un programa de visualización que permitiera
mostrar el diseño de un automóvil sobre una pantalla en los tres ejes espaciales
(X-Y-Z)
- Década del 70´: Uso de nuevos software que permiten integrar objetos
tridimensionales al video.
- Consolidación en la década del 80´: Implementación en el cine en la creación de
efectos especiales
- TRON (1982) de steven lisberger
- JURASSIC PARK (1993)
- Animación: son las técnicas de imágenes de 3D hechas todas en computadora.
Comenzaron con la pionera toy story (1995) de John Lasseter hasta los increíbles
(2004) de Brad Bird.
 - Métodos de incrustación: yuxtaponer una imagen recortada sobre otra previamente
filmada que le servirá como fondo:
● Chroma Key: filmar una escena donde los personajes que se desenvuelven
delante de un decorado de color uniforme, para luego eliminarlo digitalmente
y reemplazarlo por otro.
- El dir de arte y del DF deben trabajar en conjunto para la iluminación entre fondo y
personajes sea uniforme y verosímil.
- Tracking de la cámara: reproducir digitalmente los mismos movimientos de cámara
con los que se registró a los actores en escena real
- Key Remoto: utilizar capas o máscaras externas (mattes) los escenarios virtuales
no solo son el decorado de fondo sino también imágenes, figuras o espaciales, por
delante de los personajes.
- Escaneo en 3D: mediante una lectura, se muestra una persona u objeto para
posteriormente, a través de una estructura de polígonos, generar un modelo virtual
en 3D. El modelo virtual obtenido mediante el escaneo tridimensional resulta una
copia digital. del objeto o personaje que por su estructura digital puede animarse,
metamorfosearse o desplazarse espacialmente para lograr sus propios movimientos.
- Captura de movimiento: trajes especiales conformados por varios puntos
luminosos o sensores que se encargan de transmitir a la computadora movimiento
de actores o mimos. Esta información digital de movimiento y rotación será aplicada
a un personaje o modelo diseñado digitalmente en 3D para que se mueva como el
actor escaneado.
- pueden realizarse en 2D (alto y ancho “X”a, e, “Y” ancho) en 3D (3 dimensiones, alto
ancho y profundidad)
- Render: lectura de las imágenes que muestran el espacio diseñado virtualmente en
busca de los objetos que lo componen transfiriendo la información a cada uno de los
pixeles que conforman la imagen digital. Así se determina la forma, el color, la
textura y la iluminación de cada objeto que componen la imagen.
- aplicación especializada en la creación, diseño e integración de escenarios virtuales
con ambientes reales. (alexander 2004 de oliver stone) se utiliza la técnica Matte
painting, pintaban a mano paneles matte como pantalla verde.

CLASE 8/6 COPIAR ANTES DE LAS 9 OSEA EL VIDEO DE BIG BANG THEORY:

- Late Shows: programas pensados para transmitir a la noche, hay de todo, pero
generalmente se promocionan bandas, es un programa musical y para hacerle
entrevistas a alguien o cosas así, incluye publico parado y sentado,, la presentación
de varios grupos musicales al mismo tiempo, se encuentra la banda en vivo

- Programa infantil (en especial el de disney junior) : público de 2 a 6. formas

llamativas, colores primarios (principalmente pero también secundarios) y
saturados,las dimensiones de las cosas, vestuario y texturas para captar la atención.

DISEÑO ESCENOGRÁFICO PARA TELEVISIÓN

 HERRAMIENTAS BÁSICAS PARA CONSTRUCCIÓN ESCÉNICA:

- la mayoría de los decorados de televisión se construyen con una serie de

unidades conectados
1. EL CICLORAMAS: son las cortinas telas que están colgadas sobre
los rieles que bordea las paredes puede ser rieles rectos o curvados
cuya función es tapar las paredes que sería el fondo, negro o blanco
un infinito. Pueden existir verdes, como la pantalla croma.
- materiales que se utilizan: lona, madera, papel. El material va a depender del
objetivo que se quiera lograr
2. PANELES: la unidad escénica más común, lo más utilizados son los
rígidos pero también hay flexibles. Es un bastidor revestido de
madera, se puede utilizar individualmente o se unen una serie de
paneles para formar las paredes de decorados, COSOS DE FICCIÓN
O NOTICIEROS, que tenes varios mini espacios en el mismo estudio.
El panel flexible es un panel de tela y puede ser de lona, pero no se
usa tanto. El panel rígido no son muy anchos de 16mm, todos tienen
de base bastidor que los sostiene porque sino se cae, o patas de
gallo, donde podes poner peso para que no se caigan.
- Imitaciones a través de la pintura en los paneles:
- pulverización: efectos de sombreado, falsos contornos, suciedades o
superficie desigual
- Trabajo con la brocha muy escurrida: apariencia de metal, madera piedra o
una superficie desigual
- punteado: brocha dura, esponja o papel arrugado o tela. se aplica una serie
de pequeños puntos o motivos de un tono distinto
- Aguada: se aplica al color de fondo una fina capa de un tono más claro o
más oscuro para simular brillos o sombras
- paneles de puertas: consisten de una puerta completamente enmarcada en
el panel.
- Paneles de ventana también
- Piezas de decorado: cualquier estructura escenográfica autoestable
arcos/vigas/columnas y pilares
-Áreas elevadas- escaleras-rampas-plataformas

EL SUELO DE ESTUDIOS:
- Las dollies de las cámaras (rieles) necesitan de un suelo liso y limpio para su
desplazamiento durante el rodaje
- Posibilidad de diseño del piso:
1. Suelo pintado: puede ser piso decorado superficies simuladas/recubrimientos del
suelo (las que no son utilizadas por las cámaras se pueden cubrir de serrín, corteza
de árbol, mantas de hierbas etccc

ILUMINACIÓN DEL SUELO:

- esquemas de iluminación decorativos:
1. directamente desde la lámparas
2. sombras proyectadas a través de un estarcido recortado de gran tamaño
colocado delante de la lámpara