Fotógrafos

Estudiante: Ysabela Freitas

Materia: Fotografía (200301)
Universidad José María Vargas
Fecha: noviembre de 2018
Dorothea Lange
Dorothea Nació el 26 de mayo de 1895 en Estados
Lange Unidos, Hoboken y muere en el año 1965.

Pionera de la fotografía documental y testigo

de su época, se la considera una “activista visual”.

Estudió fotografía en Nueva York como

alumna de Clarence H. White. En 1918 se trasladó
a San Francisco, en donde abrió un exitoso
estudio.

Con la crisis de 1929, su compromiso cívico y

social la impulsó a salir a las calles de San
Francisco para reflejar mediante sus fotografías la
insostenible situación de los más desfavorecidos,
como consecuencia del gran fraude de la Gran
Depresión norteamericana. Volviéndose una
fotoperiodista.
Documental

White Angel Breadline,

San Francisco (1933)

Impresión en
gelatina de plata
Documental

Refugiados de
la sequía (1935)
 Sus estudios de desempleados y gente sin
hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos
locales y la llevaron a ser contratada en 1935 por
la administración federal, posteriormente llamada
"Administración para la Seguridad Agraria".

En diciembre de 1935 se divorcia de Dixon y

se casa con el economista agrario Paul Schuster
Taylor, profesor de economía de la Universidad de
California. Taylor forma a Lange en asuntos
sociales y económicos, y juntos realizan un
documental sobre la pobreza rural y la
explotación de los cultivadores y trabajadores
inmigrantes durante los siguientes seis años.
Taylor hacía las entrevistas y recogía la
información económica, y Lange hacía las fotos.
Madre Migrante

Tema: Gran Depresión

Materiales: Película
fotográfica,
Impresión en
gelatina de plata
Madre Migrante
Madre Migrante
 La fotografía de Lange que quedó como su mayor clásico fue "Madre Migrante".

La mujer en la foto es Florence Owens Thompson, pero Lange aparentemente nunca supo
su nombre. Según palabras de la propia Florence, y como documenta la propia Susan
Sontag​, ni le agradó que le fotografiara ni le gustó que publicara las imágenes, algo que le
había pedido expresamente que no hiciera y que ésta le había asegurado que no haría,
como también incumplió su palabra de que le haría llegar una copia de las imágenes.

En 1960 Lange habló de su experiencia al tomar la foto:

“Vi y me acerqué a la famélica y desesperada madre como atraída por un imán. No

recuerdo cómo le expliqué mi presencia o mi cámara, pero recuerdo que no me hizo
preguntas. No le pedí su nombre o su historia. Me dijo su edad, 32 años. Me dijo que habían
vivido de vegetales fríos de los alrededores y pájaros que los niños mataban. Acababa de
vender los neumáticos de su coche para comprar alimentos. Ahí estaba sentada reposando
en la tienda con sus niños abrazados a ella y parecía saber que mi fotografía podría
ayudarla y entonces me ayudó. Había una cierta equidad en esto.”
Documental

Damaged Child,
Shacktown,
Elm Grove,
Oklahoma (1936)
Documental

Daughter of Migrant
Tennessee Coal Miner,
Living in American
River Camp, near
Sacramento,
California (1936)
 Six Tenant Farmers
without Farms (1937)
Tractored Out, Childress County,
Texas (1938)
Impresión en Gelatina de plata
 En 1941, Lange recibió el premio Guggenheim Fellowship por la
excelencia en fotografía.

También es bastante conocido, ahora, su trabajo sobre los campos de

internamiento de ciudadanos norteamericanos de origen japonés, realizado
en la década posterior de los años 40, durante el periodo de la segunda
Guerra Mundial, y que, en su momento, fue censurado por la Autoridad de
Reubicación de la Guerra.

Un trabajo que pone al descubierto las miserias y paranoias

conspirativas de las élites del poder de su país. Incluso niños fueron tratados
como rehenes por parte de quienes se decían ser los "buenos"
Documental
Documental
Documental
 “Mi enfoque se basa en tres consideraciones: Ante todo: ¡Manos
fuera! Aquello que yo fotografío, no lo perturbo ni lo modifico ni lo
arreglo. En segundo lugar, un sentido del lugar. Lo que yo
fotografío, procuro representarlo como parte de su ambiente, como
enraizado en él. En tercer lugar, un sentido del tiempo. Lo que yo
fotografío, procuro mostrarlo como poseedor de una posición dada,
sea en el pasado o en el presente”.
- Dorothea Lange -
Dorothea Lange muere el 11 de octubre de 1965 por cáncer de esófago, a la edad
de 70 años.
Fue un ejemplo de superación en lo personal y en lo
profesional, huyendo de los estereotipos de una
época convulsa y oscura que buscaba preservar
el sueño americano por encima de cualquier
cosa ocultando todo aquello que no interesaba.
 Julia
Margaret
Cameron
 Nació en Ceylan el 11 de junio de 1815 en Calcuta (India) y murió el 26 de enero de
1879.

Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, y la
representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía
academicista.

De 1818 al 1834 estudió en París e Inglaterra. Casada con un hombre 20 años mayor
que ella, jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los 33 años, después se trasladó
con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra. Tuvieron 6 hijos y otros adoptados.

A los 21 años conoció a Sir John Herschel, quien más tarde implantó los términos
"positivo, negativo y fotografía", y años después a veces actuó como el asesor fotográfico de
Cameron.

En 1863, cuando contaba ya con 48 y a causa de un viaje de su marido, su hija Julia la

regaló una cámara para aminorar la soledad por su ausencia. Este hecho tuvo un fuerte
impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía. Usando principalmente
el proceso de Impresión de albúmina.
Paul and Virginia (1864)
Retrato masculino

Charles Hay
Cameron (1864)
Retrato femenino

Adriana, Mary
Hillier (1866)
 Cameron fue conocida por la intensidad de sus retratos, hizo
posar como modelos a sus familiares, sirvientes y amigos, entre los que
se encontraban los más importantes poetas, escritores y artistas de su
tiempo.

En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó

su intención de alinear la fotografía con el arte, escribió:

"Mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría

de arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal".
La Santa Julia (1867)
 Su meta era reproducir la
grandeza del hombre interior
al mismo tiempo que los
rasgos del hombre exterior,
lográndolo, como se aprecia
en su retrato del Sir John
Herschel.

Este es un típico retrato

masculino de Cameron, el
cuerpo es reducido a casi
solo la cabeza, sin ningún tipo
de referencia externa, la
cabeza se convierte en un
icono que implica inteligencia,
individualismo y, por encima
de todo, genialidad.
Retrato masculino

Hardinge Hay
Cameron (1864)
Retrato masculino

William Holman
Hunt (1864)
Retrato masculino

Sir Henry
Taylor (1866)
Retrato masculino

William Gifford
Palgrave (1868)
 En cambio, sus retratos
femeninos los trata de forma
diferente, estos resaltan la
belleza, el ideal de belleza del
Renacimiento, a veces con ayuda
de complementos, como las alas
de la fotografía “I Wait” (1860)
que evocan las pinturas de
ángeles del Renacimiento.
Retrato femenino

Sra. Herbert
Fisher (1868)
Retrato femenino

My Ewen's
Bride (1869)
Retrato femenino

Annie Chinery
Cameron
(1870–1872)
Retrato femenino

Adeline Norman
(1874)
 Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras que la
llevan a ser integrada en la corriente de la fotografía academicista, tales como:
Alegórica Academicista

El beso de
la paz (1869)
Alegórica Academicista

El Ángel en
la Tumba (1869)
Alegórica Academicista

Ángel de la
Natividad (1872)
Alegórica Academicista

Elaine "la criada

del lirio de
Astolat" (1874)
Alegórica Academicista

El paso del
rey Arturo (1874)
 La personalidad de Cameron era
una mezcla de excentricidad, genio,
instinto e inspiración. En sus retratos
consigue captar la fuerza expresiva de
sus modelos, con tanta maestría
como podría hacerlo un pintor.

Muere en 1879 a los 63 años en

Kalutara, Sri Lanka, tras coger un
enfriamiento del que no pudo
reponerse.
Eadweard
Muybridge
 Eadweard Muybridge
Nació el 9 de abril de 1830 en Kingston upon Thames, y murió en 1904.

Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Sus

experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior
invento del cinematógrafo.

En una visita a los Estados Unidos en 1860, aprendió sobre el proceso del
colodión húmedo. Comenzó a fotografiar paisajes, En 1867, con el cacarcial
de Helios, se dio a la tarea de registrar el escenario del lejano oeste con su
habitación oscura móvil. Estas fotos en gran formato le valieron un
reconocimiento en 1869, época en la que inventó uno de los primeros
obturadores para cámara.
Paisajismo

Cap of the
Liberty, Valley
of Yosemite
(1872)
Paisajismo

Vallei in het
Yosemite
gebergte.
'Loya. Valley
of the
Yosemite (1872)
Paisajismo

Setting out
a Coffee
Plantation
at Antigua de
Guatemala
(1875)
Paisajismo

Quezaltenango from the Crater of a Volcano (1877)

 No fue hasta 1877, tras conseguir apoyo financiero del gobernador de
California Leland Stanford, cuando consiguió un juego completo de
fotografías satisfactorias.

Pues el gobernador quería que Muybridge lo ayudara a demostrar con

ayuda de la fotografía que, en un determinado momento del trote del
caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que
contradecía años de representación pictórica.

Con un conjunto de placas de colodión húmedo y 24 cámaras alineadas

para sincronizar la toma y el movimiento; las placas realizadas a velocidad de
obturación de alrededor de una milésima de segundo, recurriendo para ello a
sistema de relojería y mecanismos de cortocircuito que obturaban las
cámaras al paso mismo de los caballos, al tocar éstos unos finísimos
alambres estirados de un lado a otro de la pista. Ello registraba imágenes
consecutivas de las diversas fases de su andadura.
 Fue el primer juguete
óptico que permitía
reproducir el
movimiento de una
imagen.
Invento

Un disco de
fenaquistiscopio
por Eadweard
Muybridge (1893)
Los años 80 fueron una época muy fructífera para el fotógrafo inglés. Realizó
más de 100.000 imágenes.

Debido a sus éxitos científicos, Muybridge se dedicó a registrar los

movimientos de los seres humanos y de los animales del zoológico de
Filadelfia. Las fotos resultantes se publicaron con ayuda de la Universidad de
Filadelfia en 1887 en el libro Animal Locomotion (Locomoción animal), que
sigue siendo la obra de referencia básica sobre el movimiento humano y
animal. Escribió también The Attitudes of Animals in Motion (Las posturas
de los animales en movimiento, 1881) cuyas imágenes, sumadas a las de
Animal Locomotion, dan un total de 100.000 planchas fotográficas. Algunos
de sus últimos trabajos se publicaron con los títulos Animals in Motion
(Animales en movimiento) y The Human Figure in Motion (La figura humana
en movimiento, 1901).
Animal Locomotion (1887)
Animal Locomotion (1887)
Animal Locomotion (1887)
Animal Locomotion (1887)
The Human Figure in Motion
(1901)
The Human Figure in Motion
(1901)
The Human Figure in Motion
(1901)
The Human Figure in Motion
(1901)
 Muybridge murió el 8 de mayo
de 1904 por cáncer de próstata.

Su trabajo fue de
gran importancia para el cine, ya
que logró la primera serie de
fotografías que descompone el
movimiento rápido.
Mathew
B. Brady
 Nació el 18 de mayo de 1822 en el Condado de Warren, Estados Unidos y
murió en el año 1896.

Fue un fotógrafo y estereoscopista estadounidense.

Hijo de inmigrantes irlandeses, se mudó a Nueva York a los 17 años, y en

1844 consiguió tener su propio estudio fotográfico en esa ciudad, ​ abriendo
en 1845 una serie de exposiciones de retratos de famosos estadounidenses.
En 1849 Brady abrió otro estudio, pero esta vez en Washington D.C., donde
conoció a Juliette Handy, su esposa a partir de 1851. Brady usaba para los
retratos el daguerrotipo, ganando varios premios por su trabajo.

Brady aprendió a realizar daguerrotipos con Samuel Morse, el creador

del telégrafo. El profesor saltó a la fama también por la invención del código
que lleva su nombre, sin embargo, también fue pintor y el introductor de la
fotografía en Estados Unidos.
Retrato de una mujer joven

En daguerrotipo
(1840–1860)
 Mathew Brady practicó el retrato con maestría tal que “En la Exposición
del Palacio de Cristal (primera Feria Mundial) de 1851 en Londres ganó la
máxima presea para los retratos en daguerrotipo.”

Para 1855 adoptó los procesos del ambrotipo y el colodión húmedo. El

público y la prensa apreciaron el arte de Brady.

Mathew adoptó también el popular formato de la carte de visite

inventado por Andrè-Adolphe-Eugène Disdéri. Brady lo haría a la usanza
europea mediante entregas “compuestas cada una de un retrato litográfico
y una biografía…”

Llegó el momento en que la popularidad de Brady era tal que “Empezó a

delegar sus retratos de estudio en sus ayudantes, sobre todo en Alexander
Gardner que trabajó con él desde 1856 hasta 1863, contratándole para que
le enseñara la técnica del colodión.”
Retrato masculino

(1840–1860)
 Mathew Brady más que un fotógrafo era para entonces una auténtica
marca. Muchos de los retratos que aparecían en su galería no eran de su
autoría, sino de algún miembro de su estudio.

Elementos simbióticos para los estudios de Brady eran sus galerías. La

primera fue su Galería de Miniaturas establecida en el bajo Manhattan en
1844. El año siguiente exhibe sus retratos de americanos destacados que lo
encumbran y transfiguran a su vez en celebridad.

Para 1849 Brady ya cuenta con un estudio en Washington, D.C. y realiza

las fotografías del presidente Zachary Taylor y su gabinete.
Miniaturas
Zachary Taylor (1849)
 Su Gallery of Illustrious Americans le hizo aún más popular. En Nueva
York abrió un nuevo estudio, esta vez en la parte alta de Manhattan. Para
1858 establece en su estudio de Washington la Brady’s National
Photographic Art Gallery (pone al frente al fotógrafo Alexander Gardner) y
en Nueva York abre su National Portrait Gallery.

Durante la época existen afamados estudios, Brady destacaba como uno de

los más importantes. Quentin Bajac explica que eran “…estudios lujosos,
creados con el apoyo de capital exterior, entre los cuales los más célebres
son los de las décadas de 1850 y de 1860.
Retrato

Edwin Booth y su hija Edwina

(1863–1865)
Retrato masculino

Robert E. Lee
(1865)
 De la “cadena Brady” la sucursal más importante era la de
Washington, D.C. Su clientela habitual estaba compuesta por
diplomáticos, militares y líderes políticos. Brady llegaría a
afirmar que “…su principal misión consistía en inmortalizar
los rostros «de las madres y padres que han hecho historia».”
Ya entonces el retratista y empresario parecía sentirse
llamado a una misión trascendente por medio de la
fotografía.

Es importante hacer notar que Brady era un artista y

autor más cercano, como afirma Mary Panzer, a un director
de orquesta o a un director de cine donde se entiende que
hay un número importante de gente involucrada en el
proyecto pero un solo director a quien se otorga el crédito
general.
Retrato de oficiales

Oficiales, 71.er regimiento, infantería de Nueva York (1861)

Retrato de oficiales

Ulysses S.
Grant (1864)
Retrato masculino

Walt Whitman (1870)

 El archivo de celebridades de los estudios Brady rebasó las diez
mil fotografías que lo mismo incluía políticos, militares, científicos
que artistas. El popular formato de la Carte de Visite causó furor y
existían ávidos coleccionistas de accesibles retratos de famosos.

Brady se asoció con la casa editorial E. & H. T. Anthony y que

logró crear copias aceptables a precios accesible de los retratos
hechos en el estudio. La editorial vendería millones de copias de
fotografías con las celebridades que pasaban por el Estudio Brady.

De todos sus clientes el más relevante llegó a ser Abraham

Lincoln, quien fue retratado en el Estudio Brady en más de 30
ocasiones (1860 – 1864). El político entendía, junto con Brady, la
importancia de la fotografía como medio de comunicación política e
incluso llegó a declarar que “Brady y el Instituto Cooper me hicieron
presidente.”
Retrato de Abraham Lincoln
Retrato de Abraham Lincoln
Retrato de Abraham Lincoln
Retrato de Abraham Lincoln
Retrato de Abraham Lincoln
 En 1863, Brady realizó una exhibición de fotografías de la Batalla de
Antietam, en su galería de Nueva York, titulada "La muerte de Antietam".
Muchas de las imágenes de esa galería eran fotografías de cadáveres, siendo
la primera vez que se mostraba la realidad de la guerra de primera mano.

Mathew Brady decidió documentar fotográficamente el combate. Se

aducen dos causas diferentes para emprender esta empresa: según Reuel
Golden, Mathew Brady sintió que “un espíritu en mis pies me dijo «ve» y fui.”
La otra posibilidad versión, menos esotérica y en nuestra opinión más
plausible, es que este retratista tenía una cierta grandilocuencia y veía su
propia misión con un sentido trascendente. “Brady […] se consideraba
explícitamente «historiador a través de la fotografía»” y “…sintió que era su
responsabilidad el proveer de un testimonio visual de los eventos e
individuos cruciales para su tiempo y se organizó rápidamente para registrar
todos los aspectos de la guerra.”
Documental de la Guerra
Documental de la Guerra
Documental de la Guerra
Documental de la Guerra
Documental de la Guerra
 Aunque era de todos conocido que las fotografías del Estudio Brady no
eran de Mathew, el conflicto autoral resultó inevitable. Pero Brady no
operaba la cámara por una razón adicional: según Anne H. Hoy, Brady ya
desde entonces estaba perdiendo la vista.

Pero el conflicto autoral no era el único problema que empañaba los días
de Brady: el público comenzó a incomodarse con lo explícito de las
fotografías que se exhibían en su estudio.

Deprimido por su situación económica y devastado por la muerte de su

esposa en 1887, Brady se volvió alcohólico y murió 15 de enero de 1896 en
el Hospital Presbiteriano en Nueva York. Su funeral fue financiado por los
veteranos del Séptimo de Infantería de Nueva York y fue enterrado en el
Cementerio del Congreso de Washington.
 Si Brady lo perdió todo, ganó la
inmortalidad como y su nombre
aparece en el pantheon de los grandes
documentalistas de la historia.

Mathew Brady fue un visionario

en todas las etapas de su vida y no
solamente destacó como uno de los
grandes fotógrafos de la historia, sino
como un emprendedor pionero en el
marketing, la logística y el
management. Fue una piedra angular
del foto-periodismo y en cierto
sentido fue el inventor de la fama y la
celebridad como el fenómeno de
masas que conocemos hoy en día.