Introducción al dibujo

artístico
MATERIAL DIDÁCTICO DE
APOYO A LA ASIGNATURA
DE
TALLER DE
EXPRESIÓN
GRÁFICA I
ELABORACIÓN
CARLOS VILLEGAS MACIEL
ANGÉLICA PINEDA GARCÍA
MARITZA F. VARGAS GONZÁLEZ
PERIODO 2011 - 2012
Índice

Tabla de contenido
INTRODUCCIÓN. .............................................................................................. 2
PRIMERA UNIDAD ........................................................................................... 9
LA EXPRESIÓN GRÁFICA EN EL ARTE. ...................................................................................... 9
1. 1 La expresión gráfica y el arte. ....................................................................................... 10
1. 2 Estilos pictóricos. ........................................................................................................ 17
SEGUNDA UNIDAD ........................................................................................ 42
Dibujo libre a través del boceto. ........................................................................................... 43
Dibujo de imitación y a mano alzada. ................................................................................... 46
Técnica para dar volumen a la forma por medio de las tonalidades. ................................... 65
El dibujo tridimensional en la obra artística. ......................................................................... 81
Aplicaciones del dibujo en las proporciones de la figura humana. ..................................... 106
TERCERA UNIDAD ........................................................................................ 140
Definición de la composición............................................................................................... 141
Elementos conceptuales: El punto. ..................................................................................... 153
Elementos conceptuales: La línea. ...................................................................................... 163
Elementos conceptuales: El plano. ...................................................................................... 171
Elementos visuales: Forma, tamaño, tono y textura. ......................................................... 176
Elementos de relación: Dirección, posición, intervalo, ritmo y armonía, equilibrio y
proporción. .......................................................................................................................... 182
BIBLIOGRAFÍA ............................................................................................. 204

1
INTRODUCCIÓN.
Todo aquello que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual, llega a nuestros ojos
por medio de la imagen. Ella distingue formas, fija contornos y significa cada una de las
circunstancias o características, naturales o adquiridas, que la distinguen. La imagen nos hace
averiguar la naturaleza, cualidades y relaciones del objeto, percibiéndolo como distinto a
todo lo que no es él, es decir, la capacidad de poder diferenciarlo de otros, además, por sus
situaciones y contrastes nos ofrece una riqueza de sensaciones por las cuales analizamos y
tomamos conciencia de todo aquello que nos rodea. Toda imagen, cuando las líneas que la
expresan, guardan una cualidad de equilibrio, organización y unidad, logran esta
característica en su totalidad, por lo tanto, se puede definir al dibujo como la representación
gráfica de la imagen. Por las distintas formas que constituyen a la imagen, existen varias
clases de dibujo: el mecánico por ejemplo, el cual poco pide de atención y raciocinio por su
lenguaje gráfico tan específico; otros necesitan de una mayor comprensión, porque su
planteamiento y calidad los ha colocado dentro del término arte.

El arte puede ser entendido como un formato de expresión y conocimiento, contrasta con el
conocimiento científico, porque la ciencia lleva los fenómenos hacia lo genérico, común y
esencial a todo lo expresable en leyes y relaciones de origen, con el deseo de introducirnos
conceptualmente en la realidad, por lo tanto, el científico compara, abstrae y generaliza. Con
fisonomía de arte analiza la variada y particular individualidad de los mismos fenómenos: el
artista está al tanto de la rica divergencia del mundo exterior y de su propio mundo interno.
Como forma de expresión contrasta con la terminología lógica, esto es, con la terminología
gramatical o matemática. El arte se expresa por medio de la armoniosa combinación de los
elementos que representan a la imagen. Formas, colores y espacios, en el caso del dibujo y la
pintura; el volumen, en la escultura; gestos y movimientos, en la danza; las palabras en su
calidad de imágenes sonoras en el teatro y en forma escrita en la literatura. Estos son
algunos de los medios con que el artista expresa su visión del mundo y su propia
personalidad.

El arte siendo una actividad creada por el hombre, desde su origen, es un término de una
difícil explicación, tenemos a nuestro alcance un amplio número de libros que aportan
definiciones sobre el concepto, que sin embargo no dejan satisfecha nuestra comprensión de
lo que es una obra artística. La belleza se ha tomado, desde hace mucho tiempo, como la
definición más aceptable, pero las diferentes tendencias o estilos artísticos por las cuales el
ser humano se ha manifestado, han logrado ofrecer una gama más amplia en conceptos que
nos da a entender que el arte no es precisamente la belleza, sino que también es la
representación plástica que nos comunica una idea, una realidad, un sentimiento, etc. Así se
ha planteado como problemática la comprensión del lenguaje gráfico, la educación ha
enfocado al dibujo, sobre todo en los ciclos primarios, como una asignatura que pone al niño
en contacto con la imagen, a base de ejercicios y resoluciones geométricas y que hemos
conocido en la escuela con el nombre de dibujo constructivo. Posteriormente al agregársele
2
al plan de estudios la copia de modelos reales, nace una asignatura más: dibujo de imitación
o artístico. Así con estos nombres se ha seguido incluyendo en los programas educativos de
algunos ciclos escolares, sin la coordinación y conexión de éstas con las demás materias.

Los profesores enseñamos con buena fe, fundamentados en aquellos conocimientos y

principios que nos fueron dados, sin embargo el desarrollo de la Pedagogía ha dado nuevas
finalidades al dibujo, al cual lo coloca como una actividad específica para la adquisición de
medios de expresión y de educación artística con el propósito de lograr aprendizajes
relevantes, entendiendo a estos como la formulación clara y precisa de los cambios que se
esperan en los estudiantes, por lo que se puede decir que la educación tiene un lugar muy
importante dentro de la formación de las cualidades sensibles del individuo. Este concepto
de educación se ha empezado ha implantar en diferentes talleres de iniciación plástica,
donde se puede ver satisfactoriamente como los alumnos realizan sus trabajos con una gran
libertad de imaginación, dejando atrás aquellos ejercicios que simplemente coloreaban bajo
las indicaciones del profesor o del cuaderno de trabajo. Siempre que sea posible debe
evitarse la total y simple copia, porque se incurre gravemente a la aniquilación de la aptitud
creativa de toda persona.

No es la fi alidad de esta e seña za la de fo a a tistas e el se tido t adi io al del

concepto, sino individuos que manifiesten libremente sus emociones e inquietudes y
desarrollen, por medio del arte, el campo de su imaginación y habilidad creadora. El arte
debe ser una parte integral del hombre en cada momento de su vida, para enriquecer toda
su potencia, para ayudarle a sentir, gozar y tener un sentido de la belleza y que pueda
interpretar a ésta, en la propia y ajena representación, haciendo más grato el mundo que nos
rodea, logrando una mayor comunicación y una mejor relación con nuestros semejantes. Es
por ello que este libro no trata de la historia del arte, tampoco incursiona por la enredada
madeja del pensamiento teórico puro, ni muestrario de formas o enredadas recetas de
dibujo. Cuando se hace una mención de tipo histórico, teórico o técnico, es siempre en
relación al tema de interés.

Este libro tiene como propósito fundamental el de presentar un análisis de los conceptos,
ideas y procedimientos técnicos que hacen posible la realización de una obra gráfica. Es
importante mencionar que al lado de las herramientas y materiales que inducen a la creación
artística, los elementos de la composición, así como las técnicas de representación gráfica de
los objetos que nos rodean, su volumen y su sombra, son los que más invitan al juego de la
creación, a causa de la multiplicidad de las posibilidades de expresión, de orden y de
disposición, por lo tanto, el lector que ponga interés adquirirá con los elementos
compositivos, la adecuada observación y conocimiento de las formas de expresión que el ser
humano ha utilizado para manifestar la concepción de su mundo, así como, la facilidad en el
manejo de los instrumentos y materiales que ayudarán a la realización de su propia
manifestación gráfica.

3
En todas estas formas de expresión el dibujo aparece como el elemento que da inicio a la
imagen gráfica, por eso, se ha es ogido o o título pa a este li o el de I t odu ió al
di ujo a tísti o , el ual tie e o o p opósito fu da e tal el de de se u au ilia , pa a
alumnos y profesores, en la aplicación de los principios básicos del dibujo, siguiendo el orden
establecido por el programa indicativo de la asignatura de Taller de Expresión Gráfica I, así
como por el Plan de Estudios del Colegio de Ciencias y Humanidades.

Este libro está dividido en tres unidades. En la primera el alumno conocerá lo que es la
expresión gráfica y su estrecha vinculación con el arte en general y las artes plásticas en lo
particular, de tal manera que en las primeras sesiones se dará una especial atención al arte,
así como a las características y cualidades que distingue a cada manifestación artística, en los
diferentes momentos de la historia hasta la llamada posmodernidad de las artes, analizando
en todo momento el proceso comunicativo entre la obra y el espectador, un proceso en el
cual se estudia los diferentes usos que le han dado a la imagen, dentro de una realidad
concreta y cambiante. Este tema no tiene la intención de presentar una pequeña historia del
arte, sino, más bien, de exponer una selección de la información que podemos encontrar en
ella con un propósito definido, que es la de comprender las diferentes formas que ha
encontrado el artista para representar su realidad, como los diferentes sentimientos e ideas
que han surgido de los movimientos sociales, políticos, económicos, religiosos, entre otros, y
que ha podido representar a través de la de imagen, siendo ésta un medio de expresión que
nos permite comprender los argumentos, así como considerar, comprender y valorar lo que
el artista nos transmite, lo que contribuirá a que el alumno aprenda a realizar un análisis
crítico de toda obra gráfica, como parte de los valores culturales de una comunidad, en
particular, o de toda una época, en lo general. Para adquirir el aprendizaje anterior, es
necesario tener una visión de toda clase de imágenes, conocer toda clase de estilos y los
propósitos que les dieron origen, todo ello desde un enfoque comunicativo, es decir que es lo
que el autor desea transmitir. Así, la imagen se convierte en un objeto de conocimiento y
para llegar a él, como forma de trabajo permanente, el alumno debe establecer relaciones
entre las diferentes partes de la obra, así como sus particulares significados, interpretar
aquello que las imágenes nos dicen, a comparar las diferentes formas de lenguaje que
podemos encontrar en los estilos pictóricos y, sobre todo, a comprender las diferentes
formas de ver el mundo y expresar su propia visón del mismo.

La segunda unidad tiene como propósito fundamental, el de que el alumno aprenda a

expresar sus propias ideas por medio de la imagen, es decir, desarrollar el lenguaje por
medio de la representación, siendo la imagen su instrumento de trabajo, por lo que recibirá
un curso de iniciación al dibujo, con acentuada orientación artística, en donde el alumno
comprenderá el proceso de construcción de la forma, ya que es importante considerar que
sin este apoyo sería difícil la realización de los aspectos prácticos con un óptimo desempeño.
Para lograr lo anterior el alumno aplicará la técnica del boceto para la representación de la
forma, utilizando el concepto de claroscuro para lograr su volumetría, así como los recursos
que nos ofrece la perspectiva, como método de dibujo. La figura humana, como un

4
elemento que posee volumen y en donde inciden los problemas de luz y sombra, también
será un elemento de estudio en esta unidad.

Esta unidad también presenta una selección de métodos o técnicas que orientan la
enseñanza del dibujo, así como el desarrollo de habilidades en la producción de imágenes,
producto de la observación y de la interpretación. Aquí se aprende a construir significados,
aplicando no sólo conocimientos y destrezas, también sentimientos y actitudes, aplicando
principios básicos del proceso comunicativo, es decir, entre lo que se quiere decir y la imagen
que se construye para expresarlo, la descripción e interpretación de sus partes, los referentes
que contribuyen a su organización o adecuación visual, así como su estructura e integración.

Finalmente, en la tercera unidad conocerá la composición y los elementos que la integran,

como parte fundamental del lenguaje iconográfico. A través de ellos, el alumno comprenderá
las prácticas comunicativas a partir de principios básicos de la semiótica, es decir a través del
estudio del signo. El origen de las formas y, en particular, sobre la relación que existe entre
ellas y las cosas que designan. Ferdinand Saussure define a la semiología como la ciencia
general de todos los sistemas de signos (o de símbolos) gracias a los cuales los hombres se
comunican entre ellos. Para Umberto Eco, uno de los teóricos actuales más influyentes
dentro de este campo, la semiótica consta de dos teorías, una se refiere al estudio de los
códigos y otra de la producción de signos. Por lo tanto, esta unidad tiene el objetivo de
mostrar que la semiótica es el ámbito privilegiado donde se realiza el análisis de la
significación de la forma, materia prima fundamental del lenguaje visual.

En la expresión gráfica existe una estrecha relación entre comunicación y semiótica, ya que
esta última, definida por Morris como la ciencia de la semiosis, determina su área de estudio
no sólo a los signos y sus significados, sino también a los distintos usos que hacemos de los
signos, y, muy especialmente, a como nos comunicamos con ellos.

Todos los signos pueden transmitir algo de una manera casual o intencional, es decir, si el
estímulo es de origen natural o se encuentra dentro de la Naturaleza, es de tipo casual, ya
que sin intención alguna se presenta y nos transmite algo, por ejemplo, una nube gris en el
cielo nos significa la proximidad de la lluvia; mientras que, cuando alguien crea una imagen
para llamar nuestra atención y transmitirnos un mensaje, se dice entonces que es un signo
intencional. Este tipo de lenguaje intencional es el utilizado como código para la transmisión
de mensajes en la comunicación gráfica.

Todo esto crea un sistema de signos estéticos que posibilitan la expresión subjetiva, las
reacciones emotivas ante el mundo y la naturaleza del ser humano, utilizando en ello las tres
categorías del signo: íconos, índices y símbolos.

En un icono el signo se parece de alguna manera a su objeto, se ve o se oye parecido; en un

índice, hay un lazo directo entre el signo y su objeto, tienen una conexión o parecido entre el
signo y el objeto que representa, un símbolo comunica solamente porque los seres humanos
5
se han puesto de acuerdo en que va a representar algo. Podemos definir entonces, que la
función del signo consiste en desarrollar un lenguaje gráfico que comunique ideas por medio
de mensajes.

Podemos concluir, entonces, que la tercera unidad de este libro, tiene la finalidad de hacer
un estudio de los elementos que forman parte del lenguaje visual, los cuáles están
organizados en tres grandes áreas, los elementos conceptuales, en donde se analiza al
formato, al punto, a la línea, el plano y el volumen; los elementos visuales, que se refiere a la
forma, tamaño, color y textura; y los elementos de relación, que corresponde a los términos
de dirección, posición, intervalo, ritmo y armonía, simetría y asimetría.

Todos estos elementos son la base para la realización de cualquier tipo de imagen visual,
para que de esta forma el alumno cuente con los conocimientos necesarios para desarrollar
en sus propios trabajos una técnica que, unida a la creatividad, le ayude a expresar sus
sentimientos, ideas, pensamientos en una forma amplia. De esta manera dejará de ser un
simple observador de esa inmensa cantidad de formas, para convertirse en un activo
decodificador y productor de mensajes gráficos, gracias a un aprendizaje concreto que le
ayudará a saber leer los textos no verbales, adquiriendo y comprendiendo con mayor
claridad la alfabetización de la imagen.

Los ejercicios y problemas gráficos se utilizarán como instrumentos de observación y

comprobación de las tareas, procesos y productos que muestran el desarrollo de los
aprendizajes relevantes y de las características que se desea promover en los alumnos, al
tiempo que participan, mediante su capacidad de observación, comprensión y habilidad
técnica, en la elaboración e interpretación de lo que se les pide, sin olvidar que la realización
práctica de los principios que fundamentan la enseñanza del dibujo, se resolverá de acuerdo
con el orden técnico que es condición del arte, pues por muy simples que parezcan los
ejercicios o problemas, no dejan de tener importancia en la educación como elementos de
formación cultural y artística.

El alumno no estará sujeto aquí a una serie de normas que lo obliguen a seguir una
determinada técnica o estilo de dibujo; tampoco encontrará una lista de fórmulas y
materiales que lo lleven a la realización mecánica de ejercicios, impidiéndole con esto aplicar
sus propias ideas y sentimientos. La aplicación de una técnica estará condicionada a las
características de la idea que se desee expresar; sólo se utilizará como un medio que facilite
la expresión gráfica de la imagen.

El conocimiento de una técnica implicará diferenciar los instrumentos del dibujo, como el
lápiz, pluma, pincel, etcétera, para lograr la más variada representación de puntos, líneas,
formas, tonos y volúmenes, que se enriquecerán con las diferentes posibilidades de
composición, aplicando términos como ritmo y armonía, equilibrio y proporción, entre otros.

6
De esta manera, el alumno tendrá total libertad para estructurar ideas y expresarlas por los
medios más adecuados a su habilidad y facultad de comprensión, asesorado por el profesor o
por este libro en los problemas técnicos y en los conceptos que sean difíciles de aplicar a sus
propias imágenes.

Todo ello, en un sentido más amplio, es lo que significa la palabra taller, que asociada con las
de expresión gráfica, nos permite comprender que la labor que se realizará en el salón de
clases, es la de desarrollar las habilidades y capacidades de comprensión y elaboración de
mensajes a través de la imagen, adquiriendo no sólo conocimientos sino, lo más importante,
ponerlos en práctica utilizando razonamientos bien fundamentados, describiendo
fenómenos, utilizando experiencias, reflexiones sobre hechos o sucesos reales, en síntesis, es
la aplicación de todos los elementos que la propia información que van reuniendo los
alumnos les ayuda a construir su propio proceso de comunicación, analizando la relación
entre emisor, mensaje y receptor.

Este libro evitará que se copien las ideas entre los mismos compañeros, ya que permite el
desarrollo del conocimiento a través de sugerencias e imágenes gráficas que aparecen en
cada tema.

El dibujo de imitación tendrá menos importancia que el imaginativo, pues el primero es un

grave peligro cuando se le toma como la finalidad de la enseñanza, porque la reproducción
mecánica del más mínimo detalle sólo favorece el desarrollo de la habilidad de representar
las formas como se ven en la realidad, sin permitir la expresión creativa. Es necesario que se
comprenda que la copia termina por suprimir lo más importante del ser humano: su libertad
de manifestarse a sí mismo, a través de la creatividad y la originalidad de sus acciones, que
contienen, en esencia, sus sentimientos y emociones.

El dibujo artístico lleva en sí el acto creador, por el cual se pueden encontrar los principios
básicos para comunicar la personalidad que distingue a cada ser humano, ya que no se copia
la realidad, sino que se interpreta por medio de los ejercicios, realizados con una libre
imaginación y adecuada técnica. Esto siempre ofrecerá como resultado un trabajo expresivo
y original.

En la medida en que se vayan resolviendo cada uno de los ejercicios, se encontrarán

sugerencias para que se realice algo nuevo, lo que fomentará la libertad de imaginación a
través de procedimientos que no solamente ayudarán a aprender a dibujar, sino también a
describir y estructurar la forma, representándola creativamente. Los ejemplos gráficos
fueron elaborados para que, una vez analizados, estimulen las ideas propias y se logre, así,
una comunicación libre y sincera. La asignatura de Taller de Expresión Gráfica I tiene como
enfoque didáctico el de considerar que al conocimiento se llega a través de la experiencia y
de la conjunción entre teoría y práctica mediante el desarrollo de habilidades, uso de
instrumentos, manejo de materiales y técnicas gráficas.

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La construcción del conocimiento no estará limitada únicamente a las ideas que se presenten
en el salón de clases, sino, que también, serán de gran utilidad las visitas a museos, galerías,
talleres gráficos, espacios publicitarios y a todas aquellas actividades que posibilitan la
apertura a la información y formación artística. Todo esto reforzará en el alumno su aspecto
afectivo, es decir, sus pensamientos, ideas y sentimientos, los cuales, ubicados en su
momento, propician la producción de imágenes creativas que manifiestan los conocimientos
adquiridos. De esta manera no solamente comprenderá las expresiones artísticas surgidas a
lo largo de la historia, sino también las suyas propias, el alumno no será un receptor pasivo
ante la producción abrumadora de imágenes, sino que, además, participará activa y
críticamente.

Por último, la evaluación, al formar parte integral del proceso educativo, requiere
continuamente de la verificación de alcances y limitaciones encontrados durante el proceso y
en la dosificación de tareas. Por lo tanto, esta evaluación tendrá que involucrar tanto al
alumno como al maestro, con objeto de verificar la participación y compromiso de ambos en
este proceso y cotejar si los aprendizajes se han llevado a cabo, revisar que actividades de
aprendizaje se proponen en cada tema, su cotidianidad y su importancia; que materiales e
instrumentos se necesitan para llevarlos a cabo, así como los procesos que se deben llevar a
cabo para su realización. Todo ello para llegar a una evaluación lo más concreta posible, ya
que no existe una sola manera de producir resultados, como las fórmulas que se aplican en
problemas matemáticos, físicos o químicos, aquí se obtienen resultados subjetivos que nos
lleva a una constante modificación o adecuación de las etapas del aprendizaje, en donde los
conocimientos no son importantes por sí mismos, sino como resultado de la práctica
constante de la construcción y significación del lenguaje gráfico.

En cuanto a la asignación numérica, se considera que la asignatura de Taller de Expresión

Gráfica I, precisamente por su carácter de taller, debe de contemplar un mayor peso a la
práctica que a la teoría, por lo que se sugiere otorgarle un 60% a la práctica y un 40% a la
teoría. El aspecto práctico comprenderá todos los ejercicios, láminas y procesos de bocetaje
que se realicen durante el curso. El aspecto teórico comprenderá las tareas diarias de
investigación, la participación del alumno en clase, así como la realización de trabajos
monográficos, individual y colectivamente, así como contestar en un alto porcentaje las
pruebas o reactivos que se apliquen durante el curso.

Las normas para evaluar los trabajos realizados durante el curso serán: ORIGINALIDAD,
CALIDAD, PRESENTACIÓN, LIMPIEZA Y PRECISIÓN, además de cumplir con los propósitos de
cada unidad y del tema en particular que se haya solicitado en cada ejercicio o tarea.

A continuación presento el desarrollo temático de cada una de ellas, tomando como

referente el programa indicativo de la asignatura de Taller de Expresión Gráfica I, aprobado
por el Consejo Técnico del Colegio de Ciencias y Humanidades en el mes de junio del año
2004.

8
PRIMERA UNIDAD

LA EXPRESIÓN GRÁFICA EN EL ARTE.

PROPÓSITO:

Al finalizar la unidad el alumno:

Ubicará a la asignatura dentro del arte para que entienda la importancia del desarrollo de la
imagen gráfica.

APRENDIZAJES ESTRATEGIAS TEMÁTICA

El alumno: El alumno:

Reconoce las principales Explicará en clase las Definición e importancia de

manifestaciones en las artes diferencias entre la obra de la expresión gráfica.
plásticas y las divisiones en el arte, artesanía y producto
arte para que valore el industrial, para distinguir los La expresión gráfica y el arte.
proceso de creación de la criterios y las normas en la
obra artística. apreciación, valoración y Clasificación de las artes.
creación de una obra gráfica Características de la
y artística. artesanía y productos
industriales.
Investigará los principales Obra artística. Características
representantes de las y elementos de valoración.
corrientes pictóricas, e
interpreta una obra de cada Estilos pictóricos.
uno de ellos, a través de
visitas a museos, galerías y Características de cada estilo.
exposiciones, teniendo como Principales representantes.
fundamento los elementos
teóricos analizados en clase.

Exposición, de parte del

alumno, de las ideas que
contribuyan a determinar la
definición de la Expresión
Gráfica y su ubicación dentro
de las artes.

9
I.- DEFINICIÓN E IMPORTANCIA DE LA EXPRESIÓN GRÁFICA.

1. 1 La expresión gráfica y el arte.

Desarrollo teórico.- Hoy en día las actividades artísticas no se consideran como un simple
adorno del ser humano, sino como una parte integral de su personalidad. Cada día el
conocimiento artístico obtiene una importancia similar a la de las otras materias que forman
pa te de los p og a as de edu a ió e todos los iveles, desde el ja dí de iños hasta la
enseñanza superior. Es importante señalar que es necesario tener conocimientos de
psicología, física, matemáticas, estética, historia y otras que por su relación nos ayudan a
comprender los principales fundamentos del dibujo. La historia nos ayuda a comprender los
motivos sociales, políticos, económicos y filosóficos que dieron origen a los diversos estilos
artísticos; las matemáticas nos explican los principios básicos de la proporción y el ritmo, que
representan las partes fundamentales de la composición; la física nos permite comprender el
fenómeno óptico del color ante el cual el individuo reacciona de manera individual y
colectiva, comportamiento que es estudiado por la psicología y utilizada eficazmente por la
publicidad; la estética nos ofrece la posibilidad de analizar el concepto de belleza y la actitud
que toma el ser humano ante la obra artística.

Todo esto nos demuestra que en la enseñanza del dibujo la pedagogía exige resultados
concretos, que el alumno no solamente encuentre en el lenguaje gráfico el medio que le
permita expresar sus ideas y emociones sino, además, la posibilidad de poder adquirir
conocimientos que pueda reforzar y enriquecer con lo aprendido en otras asignaturas, lo cual
le ayudará a comprender el mundo que le rodea, integrándose a él de una manera más
participativa. A partir de estas consideraciones, la enseñanza de las actividades artísticas ya
no se agrupan, como antes, bajo el nombre de artes plásticas. Actualmente su campo abarca
el estudio de la imagen visual plástica; una imagen que va de la tarjeta de visita a la portada
de un libro; del folleto de propaganda al cartel publicitario; de la imagen comercial al rótulo;
del envase comercial de los productos al anuncio de grandes dimensiones que observamos
en lo alto de los edificios; del dibujo de inspiración o de estudio a la pintura y grabado
creativo, producto de la sensibilidad y facultad estética e intelectual de todo ser humano. Es
por todas estas características que hoy encontramos como estudios profesionales en varias
universidades, las licenciaturas en Artes Visuales, Diseño y Comunicación Visual y Diseño
Gráfico, cuya diferencia está en el enfoque artístico o comercial que se le da a cada una.

Sin embargo, en todas estas expresiones aparece el dibujo como el elemento para iniciar
cualquier imagen gráfico – plástica. Es por todo esto que podemos definir al Taller de
Expresión Gráfica como la materia que estudia la comunicación de ideas por medio de figuras
en una superficie plana. Al dibujar, lo que hacemos es dar forma a nuestras ideas o
sentimientos por medio de líneas, tonos o colores.
La importancia del dibujo está en relación con la función concreta en la cual participamos.
Estudiamos los estilos y las formas de realizar las imágenes que nos presentan algo concreto.
10
Los planos arquitectónicos, por ejemplo, nos sirven para conocer las proporciones reales que
la construcción de una casa ocupará en un determinado terreno; un plano de la ciudad nos
permite conocer la situación o localización de una calle, una colonia o los límites de la misma.

De igual importancia resultan los dibujos artísticos, imágenes de las cuales se podría pensar
que no tienen una función concreta como los primeros. Pareciera que si estos dibujos jamás
se hubieran hecho, la humanidad nada habría perdido. Se podría pensar que estos trabajos
tienen como única finalidad ser un simple adorno que podemos enmarcar y colgar en una
pared de nuestra casa u oficina.

Sin embargo, esta actividad tan natural en todo ser humano se debe al deseo de conservar,
sentimental o ideológicamente, todo aquello que nos permite apreciar la imagen estética o
aquello que nos comunica el desarrollo del hombre en diferentes sitios, épocas o momentos
históricos; es por todo esto que al colocar un cuadro en la pared, es con el deseo de hacer
más significativo el lugar en el que pasamos parte de nuestra vida. De igual manera se
colocan ilustraciones en los libros, revistas y periódicos, para explicar mejor la información o
para hacer más interesante la lectura.

También en museos y centros culturales se encuentra una amplia y variada exposición de

dibujos, pinturas y grabados, cuya finalidad es la de mostrar las experiencias obtenidas por
una colectividad respecto a la época que le ha correspondido vivir social, política, económica,
técnica y artísticamente. Las obras de arte guardadas celosamente en los museos nos
permiten apreciar y tener un sentido de la creación estética, contribuyendo a una mayor
comprensión del mundo que nos rodea y, así, tener mejor comunicación con nuestros
semejantes.

Clasificación de las artes.

Desarrollo teórico.- La expresión gráfica, como ya se ha mencionado en líneas anteriores, es

el medio por el cual el ser humano manifiesta sus emociones y sentimientos, es decir se
manifiesta a él mismo. Esta actividad tan natural en todo individuo está enmarcada en un
concepto tan fácil de decir pero muy difícil de explicar, el arte.

Arte es una palabra que tiene un gran número de interpretaciones o definiciones. Sus
orígenes algunos historiadores lo ubican desde la aparición del ser humano, en la pintura
rupestre, sin embargo, otros lo consideran a partir de las grandes civilizaciones, como los
egipcios.

11
En cada época o cultura se ha desarrollado una idea de lo que significa la palabra arte, para
Platón e a a uella dest eza a ual o i tele tual ue e ue ía ie ta ha ilidad o o i ie to a fi
de producir algo......

Aristóteles mantiene la idea platónica del arte como imitación, ya sea de la naturaleza o de
a o te i ie tos hu a os .1

El asgo distintivo del arte es que produce belleza. (Platón y L. B. Alberti). Está bien siempre que nos
refiramos al arte clásico, pero no al gótico o barroco o al s. XX. Esta definición era demasiado amplia
o demasiado restringida.

El rasgo distintivo del arte es que representa, o reproduce, la realidad. (Sócrates y Leonardo). El
resultado de esta definición, en un tiempo tan popular, no es ahora más que una reliquia de la
historia.

El rasgo distintivo del arte es la creación de formas. (Aristóteles, Bell, Fry Witkie i z) uie e de i lo
is o ue o st ui fo as . Esta defi i ió es la ás ode a. La fo a de las o as de a te o
tiene porque ser la pura forma: puede ser funcional o figurativa.

El rasgo distintivo del arte es la expresión (intención del artista). Benedetto Croce y Kandinsky.

El rasgo distintivo del arte es que éste produce la experiencia estética (efecto del receptor). El término
e pe ie ia estéti a es a iguo.

El rasgo distintivo del arte es que produce un choque. Henri Bergson. No aplicable al arte clásico.
Función: impresionar.

E st Cassi e “usa K. La ge : el a te es e efe to la ea ió de la fo a, pe o de u tipo espe ial,

de todas las fo as ue si oliza e o io es hu a as ….

El arte no sólo adopta formas diferentes según las épocas, países y culturas; desempeña también
fu io es dife e tes. “u ge de oti os dife e tes satisfa e e esidades dife e tes .2

Como se podrá observar en las líneas anteriores, no hay una definición del arte que podamos
aplicar a todas las épocas o todos los estilos, existen muchas ideas, aquí sólo he citado
algunas de ellas.

Esta dificultad de poder definir al arte se hizo mayor a partir del siglo XVIII, donde se empezó
a dividir a las diferentes actividades artísticas en dos categorías, en una de ellas se agruparon
aquellas en donde se tomaba al arte como un valor estético, en la otra sólo las que tenían un
valor utilitario, así de esta forma nacen los términos Bellas Artes y Artes Decorativas.

Las Bellas Artes a su vez se dividen en:

1 www.cibernous.com/glosario/alaz/estetica.html
2 www.tepatoken.com/html/artes/arteconcepto.htm
12
Música.- Un lenguaje que se expresa por medio de la combinación de sonidos que se
plasman en el tiempo, es decir, su existencia perdura mientras se ejecuta el instrumento.
Algunos mencionan las partituras, no hay que olvidar que esas imágenes – de puntos y líneas
- pertenecen a la expresión gráfica.

Danza.- Las ideas se expresan a través de los movimientos corporales que están organizados
en un orden de ritmo y armonía que llevan a la exaltación estética del cuerpo humano. Al
igual que el vocabulario también existe un alfabeto de movimientos preestablecidos que
expresan emociones, sentimientos o ideas en la narración de una historia, en una ceremonia
ritual o en un acto festivo.

Arquitectura.- Al construir su casa, el hombre determina su voluntad de afirmarse a la vida y

su deseo de rodearse de las cosas que le dan el valor y la razón de su existencia. En su casa
proyecta su personalidad y su concepción del mundo, tanto como en la ciudad se expresa el
carácter social, la personalidad colectiva, el sentido propio de la cultura que en ella se
desarrolla. En todo ello intervienen, como elementos de este lenguaje, el orden y
características de las líneas, planos, volúmenes, texturas y colores que ofrecen los materiales
usados en este medio.

Escultura.- Considerado como el arte de representar las ideas por medio de formas
tridimensionales. Comprende la figura suelta (completa), de bulto, de alto y bajo relieve. Las
técnicas más representativas son el modelado, la talla, el vaciado o fundición y la
construcción. La escultura ha sido un medio por el cual hemos podido conocer y comprender
civilizaciones tan antiguas como los egipcios, griegos y romanos. También ha sido parte
importante en la arquitectura, como las catedrales góticas; en la América Colonial se llenaron
de santos y vírgenes; en Francia en su imagen cortesana y secular; hasta las tendencias
modernas que son variadas y libres.

Grabado.- Que consiste en los métodos o procedimientos para reproducir las imágenes por
incisión sobre una superficie plana, que algunos historiadores llaman estampa. El arte de
grabar planchas para imprimir utilizando gurbias y madera es el más antiguo, así lo
demuestran algunos estampados chinos. En Europa, antes de la Edad Media, sobresalieron
estampados en tela, sin embargo, en 1440, con Juan Gutenberg, se inició la impresión en
papel, dando origen al desarrollo de la comunicación gráfica.

13
Pintura.- Desde su aparición, el hombre se ha interesado más en la representación plástica
de la forma que en una simple interpretación visual. Desde las primeras civilizaciones el
hombre ha encontrado en sí mismo la forma más tangible del concepto de belleza, que
podemos encontrar en la proporción y la simetría y que a través de sus movimientos se
puede representar un ideal. Con el paso de los años, y de los estilos, se ha desarrollado un
vasto campo de representación pictórica, con sus luces y matices, sus colores y ambientes,
interpretando a la realidad a través de la ordenación y la armonía, que rechaza la copia y
reclama su idealización.

Literatura.- Es el lenguaje que expresa las ideas y los sentimientos por medio de la palabra,
como la literatura refleja la vida real es lógico que aparezcan diferentes géneros y estilos en
el arte de escribir, como la epopeya, o poesía épica tradicional, en la que se narran hechos
gloriosos de héroes y de grandes guerreros, narraciones realizadas en verso. En el desarrollo
de la humanidad han sucedido una serie de transformaciones esenciales en el quehacer
literario, dando un nuevo modo de pensar y de entender el destino del hombre, pero,
además de todo esto, han surgido nuevas formas de vida que han ejercido una gran
influencia en las obras literarias, dándole a la sociedad una fisonomía propia.

Artes Decorativas.

También llamadas artes menores o aplicadas, son aquellas que tienen como finalidad el
embellecimiento de los objetos destinados a fines prácticos, es decir, a la decoración. Sin
embargo, a pesar de emplear el concepto utilitario, existe una amplia y variada cantidad de
obras que produce u a g a e o ió sus ita lo ue los teó i os lla a el go e
estéti o , po lo ue pode os ap e ia ue la elleza tie e u has fo as de apa e e a te
nuestros sentidos. Entre las artes decorativas más sobresalientes podemos mencionar a la
cerámica, el hierro forjado, el repujado, el vitral, el tapiz y otras más que podemos
denominar como artes menores, las cuáles nos llevaría bastante espacio para mencionar las
características que las distinguen, así como su importancia como objetos que han dejado una
huella profunda en la historia de la humanidad.

Características de la artesanía y productos industriales.

Desarrollo teórico.- Antes del Renacimiento no existían categorías de arte; arte y artesanía
son clasificaciones que surgieron a partir de los movimientos sociales producto del desarrollo
económico europeo que dieron origen al capitalismo, de acuerdo a la visión de Marx.
14
A partir de esta conflictiva división entre arte y artesanía, surgen nuevos conceptos sobre los
términos arte, obra de arte y artista. Conceptos que le dan un diferente valor a la producción
artística, poniendo como requisito para ser considerado como arte que dicha obra deberá ser
ante todo original, además única e irrepetible.

Por lo que de acuerdo a estas características podemos dividir la producción artística en:

Bellas - Utilitarias
Puras - Compuestas
Mayores - Menores
Expresivas - Decorativas

Por todo lo anterior, es difícil poder determinar una sola idea de la palabra arte, cada época
tiene su propio concepto y por lo tanto su propia y particular producción artística, los
historiadores le han dado un nombre – estilo - a cada época, otorgándole además una fecha
de inicio y de terminación, procesos que analizaremos más adelante.

La profunda diferencia o confusión entre arte y artesanía, surge de las distintas definiciones
que le han dado a la palabra arte, entre ellas podemos encontrar la siguiente:
La Real Academia Española dice que arte es "la virtud, disposición y habilidad para hacer alguna
cosa. Acto o facultad mediante los cuales, valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido, imita o
expresa el hombre lo material o lo inmaterial, y crea copiando o fantaseando. Conjunto de preceptos y
reglas necesarios para hacer bien alguna cosa. Cautela, maña, astucia".
Esta definición, bastante pobre para mis exigencias, abarca dos ideas:
1) arte es una técnica para obtener un resultado y
2) es una copia o una fantasía sobre algo material o inmaterial.
El problema de esta definición es que se limita a copiar o a fantasear, ignorando la percepción
emocional o la experiencia contemplativa.
Diccionarios en otros idiomas son más abarcativos, y designan como arte: El ordenamiento
estéticamente bello y pleno de significado de un grupo de elementos, tales como palabras, sonidos,
colores, formas, etc. Todo sistema de principios y métodos que habilitan para el desempeño exitoso en
cualquier actividad humana. Habilidad, destreza, capacidad de hacer.
Todo artesano se plantea en algún momento si lo que está haciendo es arte, a la vez que se debate
entre la duda de si será arte o artesanía. Quizá el piense que su trabajo sea una obra de arte, pero la
gente lo elogia como artesanía. O piense que sus obras son artesanías, pero la gente las llama
manualidades. O más raramente piense que su obra es una artesanía, pero la gente las llama
a tísti as .3
To es Mi húa, e su a tí ulo A te, a tesa ía a te popula 4, menciona que Las o plejas
distinciones entre arte y artesanía no existieron antes del Renacimiento. Fueron producto de la

3www.arteytecnica.com.ar/jorgelupin/htm/arteartesaniamanualidad/arte3marcotexto_es.htm
4Torres Michúa, Armando. “Las artes y la escuela”. Vol. II, No. 5, julio, 1985. ENAP, UNAM. México.
Pág 19.
15
evolución económica europea a partir del surgimiento del capitalismo. En la forma de organización
social precapitalista no existió la división entre arte culto y arte popular. Es a partir de que el arte se
convierte en mercancía cuando surgen las divisiones de arte burgués o culto y el arte de las mayorías
o popula .

Más adelante en el mismo artículo, el autor menciona que la disti ió e t e a te, a tesa ía
arte popular está determinada por los criterios histórico – sociales con las que se juzga la obra creada.
La sociedad a la que pertenecen esos objetos tiene establecidos los criterios de lo que se considera
a tesa al /o a tísti o e fo a o tu de te 5.

Obra artística. Características y elementos de valoración.

Desarrollo teórico.- La obra artística tiene valor social por sí misma. El artista elabora su obra
para sentirla él mismo, buscando la manera de transformar sus emociones, sentimientos e
ideas, en formas y colores que le ofrecen el dibujo, la pintura y el grabado. El artista es capaz
de producir en otras personas, a través de su obra, sentimientos similares a los que él vive al
realizarla; imprime en ella su sello muy particular de creatividad y de originalidad que la
distingue, ya que la obra muestra las emociones o las ideas que el artista plasmó y que son
reproducidos en el espectador; este al apreciar la riqueza de las líneas, formas y colores,
fortalece su sentido del gusto y su sensibilidad por todo aquello que le rodea y le da el valor y
la importancia correspondientes.

El arte es, en cualquiera de sus manifestaciones, una actividad que motiva en el individuo el
desarrollo de sus facultades expresivas y su sentido de apreciación; propicia mayor
creatividad y buen gusto en las acciones significativas que llenan su vida cotidiana, tanto en
el trabajo como en el hogar o en la escuela, o en donde quiera que su personalidad se
manifieste. Por ello se ha dado tanta importancia a las obras artísticas, muchas de las cuales
se exhiben hoy en majestuosos museos en todo el mundo, otras se reproducen a través de
libros, revistas, carteles o fotografías.
El artista se deja llevar por la sinceridad de sus sentimientos y experimenta con todo lo nuevo
que se produce en su vida, sin ninguna influencia extraña y sin que esto lo convierta en un
ser pasivo o indiferente que no comprende ni se emociona con lo que sucede a su alrededor.
El verdadero artista transmite su propia versión de los hechos sobresalientes que suceden en
su existencia o de los que están presentes sólo en su imaginación, en forma de un sueño
fantástico que ofrece al espectador imágenes distintas a las que conoce y que lo invitan a la
contemplación y al goce estético.

La obra artística tiene, así, una influencia sobre el ser humano. Lo lleva a la sugestión, a la
formación de nuevas ideas, emociones y pensamientos; lo transporta a un mundo distinto. La
sugestión es una fuerza que siempre está presente en nuestra vida; nos hace experimentar
emociones nunca antes sentidas.

5 Idem. Pág. 22
16
 1. 2 Estilos pictóricos.

Características de cada estilo y principales representantes.

Desarrollo teórico.- Las obras de arte no son producto de un mundo ajeno a nosotros, al
contrario, son el resultado de todo lo que sucede alrededor del pintor, por lo que es
importante conocer los motivos que dieron origen a cada uno de los estilos, y por
consecuencia conoceremos la historia del ser humano, una historia que lleva miles de años
desarrollándose, por lo cual es difícil explicar en unas cuantas líneas todos los aspectos
sociales, políticos, económicos, religiosos y culturales que han intervenido en los diferentes
momentos pictóricos, por lo que trataré de mencionar los más relevantes.

Arte Prehistórico.- Tal vez el suceso más importante del paleolítico sean las pinturas
realizadas en las cavernas, principalmente las de Altamira, donde las imágenes encontradas
nos hacen pensar que el ser humano tenía un sentido de la belleza, figura 1, sin embargo no
existen bases para poder afirmarlo. No hay que olvidar que el alimento, la casa y el vestido
fueron, y han sido, necesidades materiales del hombre, sin embargo, el expresarse también
ha sido parte de su existencia. Podemos pensar que primero fue la imagen y después la
palabra, por lo tanto, se utilizaron como una forma de comunicación, en este caso tampoco
hay elementos para poder afirmarlo. Lo que algunos historiadores han dicho sobre estas
representaciones gráficas, es que el hombre primitivo le daba un poder fantástico a sus ritos
de caza, a los a i ales pi tados se les he ía o a as pa a ue ági a e te fue a más fácil
aptu a los e la ealidad .6

6
Enciclopedia UTEHA. Montaner y Simón, S. A. Editores. Barcelona. Tomo II, pág.567.
17
 Fig. 1
Más imágenes en http://rsta.pucmm.edu.do/biblioteca/pinacoteca/arte%20prehistorico/prehistoria.htm

Arte Antiguo.- Los egipcios (3200 A. C.). Además de los jeroglíficos en las tumbas de los
faraones se han encontrado pinturas que narran escenas de carros de combate jalados por
bellísimos caballos, barcos navegando las aguas del Nilo, o imágenes de mujeres y hombres
que representaban a sus dioses y faraones con un delicado trazo en su más refinada
expresión, figura 2.

Figura 2

Más imágenes en www.taller54.com/arteegipcio.htm

Los griegos (700 A. C.). Las obras artísticas que dan muestra de esta gran cultura las podemos
encontrar en pinturas en vasos. Algunas de estas imágenes muestran hechos mitológicos o
escenas de la vida común. Es notable la particular forma de representar a la figura humana,
casi siempre de perfil, figura 3 y 4.
18
 Fig. 3 Fig. 4

Más imágenes en http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artegr.htm

Los romanos en la construcción de sus imponentes palacios utilizaban como adornos pinturas
hechas con pequeños mosaicos, de pastas vítreas y lapislázuli, en donde lograban efectos de
claroscuro y de luminosidad superiores a los que ofrecían los murales hechos con tierras de
colores, figura 5 y 6.

Fig. 5 Fig. 6

Más imágenes en http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_02_03/pintura_romana.htm

Arte Paleocristiano.- Desarrollado en los cement erios cristianos, llamados catacumbas, en

los siglos II a IV, D. C., el cual consistía en llenar las paredes de las capillas o nichos con
imágenes que representaban escenas del Antiguo Testamento, figura 7 y 8. Las catacumbas
no sólo fueron lugares de enterramiento sino, también, de reunión y enseñanza cristiana. La
disposición de los nichos excavados en las paredes subterráneas dejaban espacios libres para altares y
cátedras, y aquí es donde se encuentra la primitiva pintura cristiana 7.

7 http://pastranec.net/arte/clasico/ppalcris.htm
19
 Fig. 7 Fig. 8

Más imágenes en www.si-educa.net/basico/ficha229.html

Arte Bizantino.- Exaltaba la divinidad de los seres supremos, figura 9 y 10. Entre las obras
pictóricas más importantes se encuentran la figura majestuosa del Señor, la coronación de la
Virgen María, la representación simbólica de bellos animales o escenas de la Biblia.

Fig. 9 Fig. 10

Ver más imágenes en www.arteguias.com/bizantino.htm

Arte Precolombino.- Los orígenes de las manifestaciones artísticas no son exclusivamente del
antiguo continente europeo, también podemos encontrar en América vestigios de
importantes y grandes civilizaciones, como las pinturas al fresco del arte tolteca o de los
mayas, figura 11. Estas culturas tenían un dominio de los conceptos de la composición, como
la simetría, la armonía de sus formas y de sus colores, los cuales tenían una gama de tonos
bastante extensa, mayor que la que podemos encontrar en los egipcios, su riqueza cromática
era tal que se pueden observar distintos tipos de rojos.

20
 Fig. 11

Ver más imágenes en http://mexico.udg.mx/historia/precolombinas/maya/escultura.html

Arte Románico.- (siglos XI al XIII). Esta época se distingue principalmente por la vida cultural
desarrollada en los monasterios, sus moradores eran los únicos que se dedicaban a la
elaboración de los trabajos artísticos, mientras que fuera de sus paredes la vida era ordinaria,
dedicada al campo, a los oficios, a la guerra o al pillaje. Las obras pictóricas, por ser realizadas
por los monjes, representaban pasajes de los evangelios y hechos de los santos, figuras 12 y
13.

Fig. 12 Fig. 13

Más imágenes en www.taller54.com/arteromanico.htm

Arte Gótico.- (1300 D. C.). Existe un cambio bastante grande entre el románico y el gótico, en
el primero la figura de Dios es la imagen de lo sobrehumano, de lo omnipotente, seres que
solo viven en la inmensidad de las alturas. En el segundo se resalta la figura de Jesús, un
hombre que sufre y que goza al igual que todo ser humano, aunque en los cuadros aparece
como un ser especial, sin embargo, es real. La Virgen María se le representa como una madre
que vive la alegría de ver nacer a su hijo, pero que se consume en el dolor al verlo morir en la
21
cruz. Los pintores más representativos de este estilo fueron Giotto, figura 14 y 15, Cimabue y
Duccio.
Fig. 14 Fig. 15

Ver más imágenes en www.taller54.com/go.htm

Renacimiento.- (siglos XV – XVI). Esta época es una de las más importantes de la historia del
hombre, un ser que deja de preocuparse por encontrar la salvación de su alma, como único
motivo de su vida, y busca gozar de los dones y de la belleza de todo aquello que formaba su
mundo, así como de comprender los hechos naturales que sucedían en su ambiente. Renace
el hombre sensitivo y racional, retomando de los griegos y romanos todos los conocimientos
que habían desarrollado en las artes y en las ciencias. Se criticaron los ideales religiosos
medievales y se creó una nueva ideología basada en el humanismo. Entre los pintores más
importantes se encuentran los nombres de Masaccio, Mantegna, Boticelli, Leonardo da Vinci,
figura 16, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano y Paolo Veronés. Un pintor que merece una mención
por separado es El Bosco, figura 17, cuyas obras se caracterizan por sus visones celestiales e
infernales, donde existen seres en un mundo tenebroso parecido al de la Edad Media.

Fig. 16 Fig. 17

22
Ver más imágenes en www.historiadelartemgm.com.ar/leonardodavincibiografia.htm

Arte Barroco.- (1600 – 1750). Entre las características generales del arte barroco están su sentido
del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos
escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad
aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de
enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el
barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la
perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se
representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su
personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las
pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La
intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las
representaciones realistas de la piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del
arte occidental .8 Entre los principales pintores de este estilo encontramos a Caravaggio,
figura 18, Carracci, Rubens, Rembrandt, figura 19, Ribera, Velázquez y Zurbarán.

Fig. 18 Fig. 19

8 http://audio.ya.com/joseluis1934/Arte.htm#Definición
23
Ver más imágenes en www.telecable.es/personales/angel1/

Rococó.- (1715 – . Estilo artístico de finales del XVII y principios del XVIII. Algunas
características del estilo rococó: Tratamiento frívolo de los temas, especialmente los mitológicos.
Erotismo. Colores blandos y claros: azules, rosas, pastel. Estilo decorativo con abundancia de rocallas,
edallo es, o las... 9 En las pinturas de esta época podemos encontrar imágenes que
representan los pasatiempos de la nobleza, las lujosas e imaginativas fiestas que eran parte
de la vida en Palacio y de sus reyes. Pintores como Watteau, figura 20, Carle van Loo, Figura
21, y Boucher dan muestra de estas costumbres.
Fig. 20 Fig. 21

Más imágenes en http://facweb.furman.edu/~skearns/spn37/pintura.htm.

Neoclasicismo.- (1770 – 1830). Debido al derroche y a la inmoralidad de la vida cortesana,

existieron pintores que buscaron un regreso a las formas simples de la Naturaleza, tomando
como modelo el arte clásico, el de los griegos principalmente, en donde prevalecía el sentido

9
www.inicia.es/de/fer.ru.pe/rococo.htm
24
de la razón. Entre los pintores de esta época encontramos a Ingres, figura 22 y 23,
Fragonard, Jacques Louis David y Gros.

Fig. 22 Fig. 23

Más imágenes en http://pintoresfamosos.juegofanatico.cl/ingres.htm

Romanticismo.- (1840 – 1880). Estilo artístico que surgió principalmente en Alemania,

aunque después se extendió a otros países. Se caracterizó por su idealismo de lo sentimental
y lo generoso, aunque también encontramos obras en donde los temas tienen relación con la
melancolía, la soledad y la nostalgia. Pintores como Constable, Turner, figura 24, Schinkel,
Overbeck, Friedrich, Runge, Géricault y Delacroix, figura 25, son los más representativos de
este estilo.

Fig. 24 Fig. 25

Ver más imágenes en www.ibiblio.org/louvre/paint/theme/revolution.england.html

Naturalismo y Realismo.- (1840 – 1880). El tema principal fue principalmente el paisaje, ya

que no sólo encontraban la representación de un momento lleno de sentimentalismo, como
25
la nostalgia del atardecer, sino que también representaban un momento de la Naturaleza
i te sa e te ealista. Po tal otivo di hos paisajes e a pi tados al aire libre , es de i e
el campo, para poder captar con toda fidelidad los colores del momento. El término
ealis o se efie e al deseo de pi ta la fo a ás la a posi le, la ela ió e t e el se
humano y su Naturaleza, por lo que nacen escenas de la vida cotidiana, como las que
encontramos en las obras de Corot, figura 26, Millet, figura 27, Coubert, Menzel y Repin.

Fig. 26 Fig. 27

Ver más imágenes en www.artehistoria.com/genios de la pintura

www.artyst.net/C/Corot19/CorotBretonnesfontaine.htm
Impresionismo.- (1860 – 1900). Los pintores de este estilo también pintaron al aire libre,
buscando principalmente la participación de la luz, que era la fuente creadora de todos los
colores y sus diferentes matices. Un cuadro pintado en la mañana era diferente si se le
pintaba al atardecer, igualmente el colorido de un paisaje en la primavera mostraba una
imagen distinta en el otoño, por lo que los cuadros ya no se pintaban en el taller del artista,
sino en el lugar seleccionado, por lo que los temas correspondían a escenas de almuerzos en
el campo, paseos a la orilla del río, la estación del ferrocarril o en los típicos callejones de las
ciudades europeas. Pintores como Camille Pissarro, Paul Cézanne, Claude Monet, figura 28 y
29, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morisot, entre otros le dieron un lugar muy
distinguido a este estilo.

26
 Fig. 28 Fig. 29
Ver más imágenes en www.taller54.com/impresionista.htm

Postimpresionismo.- (1880 – 1910). También conocido como Divisionismo. Paul Signac,

figura 30, Derain, figura 31, y Georges Seurat, siguieron la teoría científica de que la retina
capta la imagen por medio de pequeños puntos que se unen mentalmente, por lo
consiguiente en sus cuadros podemos observar pequeñísimos puntos de múltiples colores
puros, que al alejarse del cuadro se van mezclando visualmente dando origen a nuevos
colores, razón por la cual a esta técnica también se le ha llamado del puntillismo.

Fig. 30 Fig. 31

Ver más imágenes en www.epdlp.com/pintor http://pintura.aut.org/BU04?EmpNum=15411

Dentro del postimpresionismo algunos historiadores del arte ubican la figura extraordinaria
de Vicent Van Gogh, figura 32 y 33, para él la pintura era la expresión de un sentimiento
incandescente, motivo por el cual sus colores son de una brillantez y de una vivacidad que le
han dado un carácter único a sus cuadros. Junto con Paul Gauguin, Pierre Bonnard y Henri
Rousseau, Van Gogh, es considerado como uno de los precursores del expresionismo.
27
 Fig. 32 Fig. 33

Ver más imágenes en www.artehistoria.com/genios de la pintura

Simbolismo.- (1890 – 1910). Consiste principalmente en la utilización de formas naturales,

con cierta influencia del arte japonés, todo ello en un desarrollo cultural muy intenso. Este
estilo ta ié se le o o e o ot os té i os, e Ale a ia se le lla a Jungendstil , estilo
jove ; e I glate a, Modern Style , estilo ode o ; e F a ia, Art Nouveau , a te
nuevo). Entre los pintores más destacados encontramos a Modigliani, figura 34 y Toulouse
Lautrec, figura 35, éste último fue uno de los principales iniciadores del cartel artístico, con
un alto valor estético.

Fig. 34 Fig. 35

Ver más imágenes en http://www.epdlp.com/pintor

Fauvismo.- (1905 – . U té i o f a és ue sig ifi a fieras , o el ual se des i ía
el colorido y la libertad pictórica con la que creaban sus obras artistas como Henri Matisse,
figura 36 y 37, Vlaminck y Derain, convencidos de que a través del color se puede llegar a lo
subjetivo de lo objetivo, por medio de los tonos puros y vivos se puede simplificar la forma.
28
Sin embargo sus colores tan agresivos y la deformación de las figuras causaron furor entre los
críticos de la época, motivo por el cual le dieron este nombre al grupo de pintores.

Fig. 36 Fig. 37

Ver más imágenes en

Expresionismo.- (1905 – 1919). Como resultado de las dolorosas experiencias vividas en la

Primera Guerra Mundial, Max Beckman, figura 38 y 39, impulsó una nueva forma de pintar,
su muy particular forma de configuración expresionista que representaba pasajes de la vida
del ser humano, tanto la exterior como la interior, con sus complejas tramas emocionales
entrecruzadas con los traumas colectivos e individuales.

Fig. 38 Fig. 39

Ver más imágenes en www.stylusart.com/noticias/Beckmann/Beckmann.htm

El expresionismo representó para los pintores mexicanos, como José Clemente Orozco, figura
40, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros, figura 41, el medio ideal de expresión de las

29
injusticias sufridas por el pueblo indígena y el sindicalismo obrero, representados en su
espacio monumental, el muralismo.

Fig. 40 Fig. 41

Ver más imágenes en www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siqueiros.htm

Cubismo.- (1907 – 1925). Es un antecedente del arte abstracto, ya que empezó con la idea de
la simplificación de la forma, llevando a las figuras a la forma geométrica más sencilla. Es un
arte que presenta a las figuras en sus múltiples facetas, tratando de capturar cada uno de los
instantes en que se presenta a los ojos del observador. Obras como las de Braque, figura 42,
Picasso, figura 43, y Juan Gris no son exclusivamente para el goce de los sentidos, sino
ta ié pa a pe sa las, pa a lee las o la i agi a ió .

Fig. 42 Fig. 43

Ver más imágenes en www.imageandart.com/tutoriales/biografias/braque/

30
Futurismo.- (1909 – 1915). En Italia, por la misma época, surgió una corriente pictórica que al
igual que los cubistas, tenían la finalidad de descomponer la forma en pequeños fragmentos.
Sus temas abordaron principalmente las innovaciones técnicas, como un presagio de lo que
iba a suceder en el futuro. El cubismo se distinguió por su lógica geométrica, en cambio, el
futurismo era una especie de exaltación al movimiento, a la fuerza del desarrollo industrial, a
la pasión por el desarrollo de las grandes ciudades. Entre los futuristas se encuentran
pintores como Boccioni, figura 44, Severino, figura 45, Carrá y Parinagi.

Fig. 44 Fig. 45

Ver más imágenes en http://enciclopedia.us.es/index.php/Futurismo

Metafísica.- Su mayor exponente es Jorge Chirico, quien influenciado por la ciudad de Turín,
utilizaba en sus cuadros arquitecturas simples y rectilíneas en donde las figuras dan la
impresión de ser estatuas en sus pedestales que parecen deambular entre objetos
inanimados, figura 46 y 47. La importancia de la metafísica en el arte posterior es
fundamental, ya que sirvió de base para otros movimientos como el realismo mágico, el
novecento italiano o el surrealismo. Este último grupo le hizo suyo. Sin embargo, Chirico
rechazó sus propias investigaciones e incluso el arte contemporáneo, y con el tiempo fue
acentuando su carácter independiente.

Fig. 46 Fig. 47

31
Ver más imágenes en www.imageandart.com/tutoriales/biografias/dechirico/dechirico.html
Surrealismo.- Es un estilo en donde la realidad escapa a la lógica, una realidad que sólo
puede existir en el subconsciente, en los sueños, en la enredada madeja del pensamiento,
producto de una percepción sensorial que la medicina moderna le ha dado el nombre de
psicoanálisis. Se utilizan formas y objetos de un mundo físico real, pero dándoles otro sentido
que los lleva a lo irracional. El pintor más famoso de esta corriente artística es sin duda el
genial Salvador Dalí, figura 48, sin olvidar a personajes como Leonora Carrington, Tanguy,
Delvaux, figura 49, Lans, Matta y Paalen, entre otros.

Fig. 48 Fig. 49

Ver más imágenes en http://cgfa.dotsrc.org/dali/dali2.htm

Precursores del arte abstracto.- Wassily Kandinsky es considerado como el iniciador del arte
abstracto, quién trató de hacer una analogía entre los sonidos de la música con las
tonalidades del color. Anteriormente los pintores buscaron diferentes maneras de
representar a la forma, cayendo siempre en el concepto de lo figurativo, en cambio, las notas
musicales no tienen una forma concreta, objetiva, son sólo notas que siguen un orden
armónico. Kandinsky, figura 50 y 51, no trataba de representar nada, simplemente buscó en
el color las mismas relaciones armónicas que ofrecen las notas musicales.

Fig. 50 Fig. 51

Ver más imágenes en http://redescolar.ilce.edu.mx:2000/redescolar/proyectos/acercarte

32
www.deseoaprender.com/PinturaSigloXX/Lecc1Abstraccion.htm
La abstracción a partir de 1945.- Después de la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los
países europeos no querían nada que les recordara los sufrimientos vividos, razón por la cual
empezaron a surgir diferentes estilos o movimientos del arte abstracto. El objeto había sido
sometido en la pintura del siglo XIX a toda suerte de experimentos: reducido a color en el Fauvismo,
geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el Expresionismo, vibrado dinámicamente en el
Futurismo, soñado en el Surrealismo; ahora en el arte abstracto se procede definitivamente a su
eliminación. El propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos
para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad
visual .10

La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto
ya no representa hombres, paisajes, casas, flores, sino simplemente combinaciones de colores que
intentan expresar, con un lenguaje sin formas…… 11

El arte abstracto lo podemos encontrar con diferentes nombres entre los cuales existen los
siguientes:

Action Painting.- (Pintura de acción). El principal representante de esta corriente artística lo

encontramos en Jackson Pollock, figura 52, quien al empezar una obra nunca lo hacía con
una idea preestablecida, sino de acuerdo a las formas que iban surgiendo en el desarrollo de
la misma. Pollock aconsejaba a sus espectadores que disfrutaran lo que el cuadro les ofrecía
y no llegar con la intención de encontrar de antemano un determinado contenido que
sirviera de tema de la obra. Otros representantes de éste estilo fueron Willem De Kooning,
Robert Motherwell, Mark Rothko, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Mark Tobey, David Smith.
Fig. 52

Ver más imágenes en www.epdlp.com/pintor

10 www.placidopiston.com/arte-abstracto.html
11 Ídem
33
Neoplasticismo.- Es un estilo holandés de una avanzada abstracción. Para Piet Mondrian,
figura 53 y 54, su iniciador, la pureza de un plano no tiene profundidad y está delimitado por
líneas que se cruzan entre sí, las cuales sólo tienen dos posiciones, la horizontal y la vertical.
Igualmente la pureza cromática sólo se limita a los colores primarios; rojo, azul y amarillo;
más los pigmentos neutros; el negro, blanco y el gris.

Fig. 53 Fig. 54

Ver más imágenes en www.applet-magic.com/mondriansp.htm

Suprematismo. Malevitch, figura 55, y Doesburg, figura 56, representaron la pureza del arte
figurativo buscando la armonía entre formas geométricas simples, como el rectángulo,
círculo y triángulo.

Fig. 55 Fig. 56

Ver más imágenes en www.imageandart.com/tutoriales/biografias/malevich/

Minimalismo.- Este movimiento surge a mediados de los años sesenta como una reacción contra el
subjetivismo y emocionalismo del Expresionismo Abstracto con su énfasis en la improvisación y la
espontaneidad, proponiendo en su lugar un arte totalmente preconcebido, de ejecución anónima y de
gran claridad, rigor conceptual y simplicidad. Sus principales características son: máxima inmediatez
subrayando la importancia del todo sobre las partes- superficies inmaculadas, colores puros, formas
simples y geométricas realizadas con precisión mecánica, y la utilización de materiales industriales de

34
la manera más neutral posible de modo que no se alteren sus calidades visuales .12 Los principales
representantes de esta corriente son Reinhardt, Albers, figura 57, Newman, figura 58, y
Rothko.
Fig. 57 Fig. 58

Ver más imágenes en www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/abstraccion.html

Informalismo.- Surgió principalmente en España en 1945 con Antoni Tápies, en oposición al
cubismo y a las formas geométricas estrictas, como las del neoplasticismo. Esta corriente
busca suprimir la forma, crea texturas, rugosidades, transparencias, grietas, cortes, etc. Wols,
figura 59, Dubuffet, Kooning, figura 60, Fautrier y Soulages.
Fig. 59 Fig. 60

Ver más imágenes en www.unavuelta.com/Santiago/Plastica/Wols_MNBA/Principal.htm

Naïf.- Corriente pictórica de gran simplicidad: surgió en Francia, como reacción contra el
expresionismo. Se conoce también como pintura franca intuitiva y de gran simplicidad. A los artistas
que la practicaron se les conoce como primitivos del siglo XX. El mejor artista de esta corriente es
Henri Rousseau 13, figura 61 y 62.

Fig. 61 Fig. 62

12
www.colarte.arts.co/clasificacion/Textos/Minimalismo.htm
13 http://artespana.nosdomains.com/nicaso/glosario2.html
35
Ver más imágenes en www.taller54.com/naif.htm

Pop Art.- Estos artistas integran la pintura a los elementos culturales, mezclan el arte con las
imágenes de la publicidad, el cómic, es una crítica al consumismo. Andy Warhol, figura 63 y
64, consiguió con su estrategia de apropiación de iconos de glamour un lugar preeminente en la
memoria colectiva de las generaciones posteriores a los años sesenta. Los mass media, sus personajes
y sus métodos de reproducción gráfica ordenaron forma y contenido en las manifestaciones de esta
nueva generación crítica con los métodos y la doctrina estética del expresionismo abstracto .14

Fig. 63 Fig. 64

Ver más imágenes en http://www.documentarte.com/html/res_ca_obras.phtml?codigo=19&tabla=movimientos

Nueva Figuración.- La figura humana adquirió nuevas dimensiones con el triunfo de esta corriente,
caracterizada por un uso muy particular del color, una imaginería ambigua y, a menudo, visiones
personales de gran crudeza 15. Francis Bacon, figura 65 y 66, Barlett, Rothenberg, Schnabel y
Fiscal.

14 www.documentarte.com/html/unaobra.phtml?codigo=978
15"Arte y arquitectura de Estados Unidos." Microsoft® Encarta® 2006 [CD]. Microsoft
Corporation, 2005.

36
 Fig. 65 Fig. 66

Ver más imágenes en /www.epdlp.com/pintor.php?id=4

Op Art.- Estilo que surgió en Europa y Estados Unidos a finales de 1950, de ahí las palabras
optical art. Se busca provocar en los observadores ilusiones ópticas de movimiento o
vibración de las líneas. Los principales representantes de este estilo fueron Victor Vasarely,
figura 67 y 68, Josef Albers, Bridget, Riley y Richard Anuszkiewicz.

Fig. 67 Fig. 68

Ver más imágenes en www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/cinetico.html

Hiperrealismo.- Técnica aparecida en Norteamérica hacia 1966, como evolución del nuevo
realismo. Su característica fundamental es la ampliación de la realidad a gran escala .16 Entre los
más destacados representantes de este estilo encontramos a Steve Hanks, figura 69,
Modesto Trigo, figura 70, Arvid, Bernardi Gjertson, Ulibin, Watwood y Cazorla.

16 http://artespana.nosdomains.com/nicaso/glosario2.html
37
Fig. 69 Fig. 70

Ver más imágenes en www.taller54.com/hiperrealismo.htm

Últimas tendencias pictóricas.- A finales del siglo XX las corrientes artísticas empezaron a
incursionar en otro tipo de espacios, traspasando los límites del papel o el lienzo, y se pensó
en la participación de todos los elementos del espacio tridimensional, surgen nuevos estilos
como el happening, en donde se toma lo espontáneo y el suceso casual; environments,
ambientes creados en grandes instalaciones; combine paintings, combinación de pintura con
objetos; land art, donde se utilizan los elementos propios de la Naturaleza para crear arte, o
un estilo más, el performance, donde participan la danza, la música, el teatro o el cine. Sin
embargo, en el campo estrictamente de la expresión gráfica, la fotografía y la computadora
desarrollan nuevas formas de arte, como lo podemos apreciar en los trabajos de
Cuauhtemoc Rodríguez, figura 71, y Erwin Villegas, figura 72, alumnos egresados de la
Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM.

Fig. 71 Fig. 72

38
ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Consideraciones prácticas.- La evaluación de este tema se llevará a cabo con un trabajo de

investigación, en el que se espera un desarrollo temático relativamente extenso. Considero
que es un medio adecuado para conocer el grado de comprensión del tema presentado.

Selecciona solamente uno de los ejercicios que a continuación se presentan:

EJERCICIO No. 1:

El trabajo consiste en presentar, por escrito, los nexos culturales, sociales, económicos,
políticos, científicos o religiosos que dieron origen a uno de los diferentes estilos
presentados. Se te asignará la corriente artística que deberás investigar, acompañarás tus
notas por lo menos con veinte ejemplos gráficos, es decir, pinturas representativas del estilo
asignado, presentándolas con un diseño original.

EJERCICIO No. 2:

Se te asignará una corriente artística de la cual escogerás uno de los pintores más
representativos, presentarás por lo menos 10 obras de este personaje, describiendo los
aspectos socioculturales que dieron origen a cada cuadro, anotando el título de la misma,
fecha de realización, medidas del lienzo y el lugar donde se encuentra, así como la ficha
bibliográfica.

Es importante mencionar que no se te está pidiendo la biografía del pintor, sino los motivos
por los que se creó cada obra.

39
EJEMPLO DEL EJERCICIO No. 1

POP ART.

1958 – 1965

El pop a t, ue e español sig ifi a a te popula , ue se desa olló a la vez e I glate a

Estados Unidos, elevó a finales de los años 50s los objetos banales de la vida cotidiana a la
categoría de obra de arte. Los artistas del pop art evocaron las imágenes de la cultura
popular de masas de la prensa sensacionalista, de la propaganda, del cine y del diseño
gráfico. A la competencia de la televisión, que comenzó a penetrar y a dominar día a día la
atención del espectador. Los artistas se enfrentaron con la integración del gran flujo de
imágenes en sus propios trabajos, las obras creadas ya no eran mundos artísticos originales,
si o i áge es t as i áge es .

40
EJEMPLO DEL EJERCICIO No. 2

EL ROMANTICISMO.

EUGENE DELACROIX

La libertad guiando al pueblo . 1830. Óleo sobre lienzo. 260 x 325 cm. Museo del Louvre,
París.

El 27 de julio de 1830 el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X había suprimido el
parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por
ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla, por eso
Delacroix representa a la libertad como guía que conduce al pueblo por medio de una figura
alegórica real.

El color para Delacroix no sólo tenía un valor de representación, sino sobre todo un
significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el
sentimiento y la disposición de ánimo de las personas.

K au e, A a Ca ola. Histo ia de la pi tu a . Edit. Ko e a . Colo ia, . Pág. .

41
SEGUNDA UNIDAD

INTRODUCCIÓN AL DIBUJO.

PROPÓSITO:

Al finalizar la unidad el alumno:

Entenderá la utilidad del dibujo artístico para representar gráficamente imágenes que
expresen sensaciones e ideas a través de formas tridimensionales.

APRENDIZAJES ESTRATEGIAS TEMÁTICA

El alumno: El alumno:

Representa y aplica las Utiliza la técnica del boceto Dibujo libre a través del
técnicas del claroscuro en las para realizar ejercicios de boceto.
distintas formas, incluyendo dibujo de imitación aplicando
la figura humana y sus la transportación de Dibujo de imitación y a mano
proporciones, para obtener medidas. alzada.
volumen y profundidad.
Elabora dibujos de formas Técnicas para dar volumen.
geométricas básicas
utilizando la técnica de El dibujo tridimensional en la
claroscuro para lograr su obra artística.
volumetría, analizando los
grados de intensidad de los Aplicaciones del dibujo en las
tonos, según la incidencia de proporciones de la figura
los rayos de luz en el objeto y humana.
las sombras que éste
proyecta hacia las superficies
circundantes, aplicando la
función de la línea para
representar el volumen de
toda figura a través de las
diferentes proyecciones.
Asimismo, analiza los
cánones de proporción que
permiten dibujar
correctamente a la figura

42
 humana en sus diferentes
posiciones.
Dibujo libre a través del boceto.

Todas las personas, animales, plantas y objetos, todos tienen una forma y a su vez cada
forma está compuesta de distintas partes. El ser humano, por ejemplo, tiene cabeza, tronco y
extremidades y la cabeza tiene ojos, nariz, boca y orejas. Cada una de estas partes, en el
conjunto de la figura humana, está colocada en su sitio justo, con su tamaño justo,
presentando una figura o forma bien organizada.

Cuando queremos dibujar a un hombre o a una mujer, nos preocupamos porque cada una de
sus partes tenga la forma y el tamaño adecuados con el fin de que la figura quede bien
proporcionada. Las medidas más sencillas que podemos utilizar son las de dividir el cuerpo
humano en siete cabezas y media, como lo podemos observar en el dibujo de Alfredo
Plazola33, figura 73, también se pueden utilizar medidas para cada una de las partes del
cuerpo humano, como lo presenta la figura 74, de Plazola, aunque esto puede variar ya que
no todos tenemos la misma estatura. Sin embargo, para conocer de manera más exacta las
medidas que corresponden al cuerpo humano, podemos utilizar los estudios que hiciera
Leonardo Da Vinci, figura 75, en donde aplica divisiones matemáticas de una mayor
complejidad.

Fig. 73 Fig. 74 Fig. 75

La proporción en el dibujo es lo más importante de todo. Por muy bien representadas que
hagamos cada una de las partes de la figura humana, si están desproporcionadas, la figura

33 Plazola Cisneros, Alfredo y Alfredo Plazola Anguiano. Arquitectura Habitacional. Editorial Limusa,

México, 1979.
43
humana estará mal dibujada, por eso, antes de preocuparnos por dibujar los detalles,
tenemos que calcular el tamaño de todas las figuras en su conjunto, por lo que es importante
empezar el estudio de la forma a través del boceto.

El boceto consiste en una serie de líneas que nos marcan todas las dimensiones del modelo
que queremos dibujar, tanto las de su conjunto, es decir, su contorno, como las de sus partes
principales.

Para comprender mejor el procedimiento que debemos de seguir en la elaboración de un

boceto analicemos el siguiente ejemplo, si nuestro deseo es dibujar un conjunto de flores,
como el que se muestra en la figura 76, debemos encontrar las formas geométricas más
simples que contiene la imagen, observando el tamaño de las hojas y de las flores, la
disposición de sus tallos, su longitud, sus curvas, etc. Enseguida trazamos con un lápiz suave
(HB) las formas geométricas encontradas en las que podemos encerrar las figuras de las
flores, así como la de los tallos y las hojas, siguiendo el ejemplo de la figura 77.

Fig. 76 Fig. 77

Después, calculando a ojo (sin medir con la regla o escuadras), dibujamos las partes que
contiene cada una de las figuras, los pétalos de las hojas, la forma de las hojas y de los tallos,
como lo indica la figura 78. A continuación, se trazan las líneas de cada figura logrando la
apariencia real que tiene cada una de sus partes, de manera más detallada, como lo muestra
la figura 79. Por último, se le da el acabado final consiguiendo la semejanza con el modelo
seleccionado, figura 76.

44
Fig. 78 Fig. 79

Con esto ya tenemos el boceto, el cual lo podemos definir como el método que nos ayuda a
establecer el espacio que ocupará el conjunto de un dibujo y también el de cada una de sus
partes, con la finalidad de que el dibujo no salga desproporcionado.

Las flores resultan modelos bastante interesantes por su gran variedad de formas, para llevar
a cabo la realización del boceto es de gran ayuda comenzar con formas geométricas, pueden
ser con líneas curvas o rectas como se puede apreciar en las figuras 80 y 81.

Fig. 80

45
Fig. 81

Dibujo de imitación y a mano alzada.

I i ia e os este te a o la siguie te defi i ió : Un dibujo a mano alzada es el que se realiza
sin apoyar la mano. Un dibujo del natural es el que se hace copiando directamente del modelo 34.
Para comprender mejor esta idea debemos de tomar en cuenta lo siguiente, para
representar por medio de un dibujo la estructura real que se presenta a nuestros ojos,
producto de la observación y contemplación de las formas, utilizamos el dibujo del natural,
que representa un método sencillo, que quizás conocimos desde la escuela primaria con el
nombre de dibujo de imitación.
Toda imagen tiene un contorno que se compone de dos características: el sentido y las
dimensiones de la línea. La relación entre estos dos elementos se encuentra en la
organización de los contrastes, la variedad de los contornos, así como la relación y
proporción entre las formas, para llegar a una mejor representación de sus estructuras
reales, cuyo aspecto varía según los efectos de la luz que produce el claroscuro. De esta
manera llegamos a la copia fiel de lo que se presenta concretamente a nuestra vista.

La finalidad de este método de dibujo, es que aprendas a observar, ya que a través de este
medio recibes la información necesaria para poder representar, en el papel, las
características geométricas que estructuran a todo objeto. Los ejercicios de observación
tienden a desarrollar el sentido de la percepción y de la organización lineal de la forma, para
facilitar su representación gráfica, como lo podrás observar en los ejemplos que más
adelante te presentamos.

Existen variados e interesantes procedimientos que facilitan la representación real de la

forma, entre los más importantes se encuentran los siguientes:

34 http://es.wikipedia.org/wiki/Dibujo
46
El primero corresponde a la técnica del dibujo de imitación, entendiendo por imitar la
realización de una cosa a semejanza de otra, en nuestro caso significa la realización de una
imagen copiando las características lineales y de claroscuro que tiene la imagen real. En la
figura 82 se presenta una foto de una conocida calle de la ciudad de Guanajuato, México, la
figura 83 corresponde al dibujo realizado tomando como modelo la fotografía.

Fig. 82 Fig. 83

El segundo método es bastante práctico, principalmente para las personas que nunca han
dibujado o tienen poca experiencia, consiste en la técnica del cuadriculado o retícula, se le
llama así porque está formada por una serie de líneas rectas horizontales y verticales que se
47
cruzan paralelamente, formando un gran número de cuadrados. El tamaño dependerá del
número de veces que desee ampliar el dibujo seleccionado. Por ejemplo, al dibujo que se
quiere copiar se le trazan cuadrados de un centímetro, en una hoja de papel se trazan el
mismo número de cuadrados del dibujo inicial, pero ahora con una medida de dos
centímetros, si se desea ampliarlo al doble, de tres centímetros si se desea ampliarlo al triple
y así sucesivamente.

Una vez que tenemos el dibujo cuadriculado, así como el espacio donde vamos a dibujar, el
siguiente paso es realizar el dibujo siguiendo un método bastante sencillo que consiste en
trazar en cada cuadro, de la segunda retícula, las mismas líneas, formas, tamaños, distancias
y espacios que contiene cada cuadro de la primera retícula, es decir del dibujo inicial.

Para que tengas una idea más clara del texto anterior observa el siguiente procedimiento:

Se ha seleccionado la fotografía del patio del Colegio de San Ildefonso, primera escuela
preparatoria que tuvo la Universidad Nacional Autónoma de México, a esta imagen se le ha
trazado una cuadrícula, figura 84, a continuación en una hoja de papel se dibujan el mismo
número de cuadrados con igual medida o más grandes, según el tamaño de la ampliación
que se desea, figura 85.

Fig. 84 Fig. 85

A continuación, con el lápiz se van trazando las formas que observamos en cada uno de los
cuadrados con lo cual obtendremos una copia lineal de la imagen seleccionada, figura 86. Por
último, elegimos el lápiz o instrumento de entintado y terminamos la obra dándole el
claroscuro que tiene la imagen de la fotografía, figura 87.
48
Fig. 86 Fig. 87

La cuadrícula te permite además desarrollar tu imaginación, haciendo algunas

modificaciones, por ejemplo, puedes lograr un efecto diferente si utilizas cuadrados, figura
88, o rectángulos más condensados, figura 89.

Fig. 88 Fig. 89

Otra posibilidad puede ser la de darle una cierta medida en la parte superior, tres
centímetros a cada división, y una medida menor a la parte inferior, un centímetro por
ejemplo, figura 90. También se puede invertir dichas medidas, figura 91.

49
Fig. 90 Fig. 91

La cuadrícula es un recurso utilizado por muchos artistas como lo puedes apreciar en la obra
de Maurits Cornelis Escher, que a continuación te presentamos:

Fig. Retí ula de la o a Gale ía de g a ados .

50
 Distorsión de la retícula. Distorsión de todas las divisiones.

Aplicación del dibujo original a la retícula obtenida por el proceso de distorsión de las
divisiones.

51
Fig. Retí ula utilizada e la o a pe es es a as .

52
Presentación final.

Fig. Di ujo de la o a Bal ó .

53
Retícula utilizada. Modificación de la retícula con líneas curvas
siguiendo la forma de una esfera.

Aplicación del dibujo original de acuerdo a las características obtenidas con las líneas curvas.

54
55
Obra terminada

El tercero y último procedimiento, además de ser el más recomendable para aprender a

dibujar, es el que se conoce como de mano alzada, que consiste en no apoyar la mano en el
papel evitando así manchar el dibujo, facilitando la realización de trazos con mayor seguridad
y agilidad, sobre todo cuando se utiliza papel o lienzos bastante grandes.

Esta técnica consiste en copiar un objeto o imagen por medio de una representación lineal
siguiendo el procedimiento del boceto, para obtener el encuadre básico, después se
comienza a agregar los detalles para suavizar la rigidez de la línea. Este método ha sido
utilizado por la mayoría de los pintores, figura 95, ya que permite tomar un apunte de la
imagen deseada, observando cada una de sus partes, en diferentes posiciones o los rasgos
más sobresalientes, lo que facilitará la realización de una obra más acabada. Observa los
siguientes ejemplos:

56
Fig. 95 Boceto realizado por Leonardo da Vinci.

Cuando las figuras se mueven rápidamente debemos captar las formas más significativas,
como es el caso de una pelea de gallos, figura 96.

Fig. 96

57
Existen animales que son más pasivos y que permiten hacer un estudio detallado de cada una
de sus formas y posiciones, como lo podemos apreciar en la figura 97.

Fig. 97 Apunte realizado por Paul Rubens.

En otros casos podemos realizar bocetos de figuras que están quietas, como un paisaje, por
ejemplo, en donde los detalles se pueden representar de manera muy simple, figura 98, o de
una forma más minuciosa, figura 99, dependiendo de cual sea el motivo del estudio.
Fig. 98 Vincent Van Gogh

58
Fig. 99 Vincent Van Gogh

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Problema No. 1 Dibujo libre a través del boceto.

Con el propósito de que poco a poco vayas desarrollando tus habilidades para el dibujo, te
recomiendo que en hojas de papel bond, tamaño carta, un lápiz HB y una goma blanda,
realices, cuantas veces sea necesario, los objetos que están a tu alrededor siguiendo los
pasos que a continuación se describen.

59
El primero es trazar las formas geométricas (círculos, cuadrados, óvalos, rectángulos, etc.)
que te ayuden a establecer el tamaño y la forma de cada una de las partes del objeto que
quieres representar, como en las figuras 100 y 101.

60
Fig. 100

Fig. 101

Los ejemplos anteriores muestran cada uno de los pasos de manera separada, pero en el
boceto todos los trazos se hacen en el mismo dibujo, como se muestra en las figuras 102,
103, 104 y 105.

Fig. 102 Fig. 103 Fig. 104

61
 Fig. 105

Ahora, utilizando las estructuras geométricas de la forma, representa el mismo objeto en

diferentes posiciones, como el siguiente ejemplo.

62
Fig. 106

Para seguir desarrollando tu habilidad para el dibujo, representa en el papel distintas figuras,
observando cuidadosamente todos los detalles, así como las formas geométricas que te
ayudarán para expresar su forma. Para la evaluación de este tema, se te solicitará que las
figuras estén acompañadas de las estructuras básicas que contienen los modelos dibujados,
como los siguientes ejemplos:

Problema No. 2 Dibujo de imitación y a mano alzada.

63
Para evaluar este tema realiza en un papel bond o cartulina para dibujo, como ilustración,
opalina, marquilla o cualquiera que tenga una superficie no satinada, además de un lápiz HB
y una goma blanda, un dibujo utilizando la técnica de mano alzada, practica varias veces
hasta lograr una copia del modelo escogido. Recuerda que no se pueden utilizar
instrumentos de dibujo, como regla, compás, escuadras o plantillas de formas geométricas.
La calificación numérica se otorgará con base a la exactitud con que se represente el modelo
seleccionado. Toma como referencia los siguientes ejemplos y selecciona una de estas dos
opciones.

Utilizando la técnica de la cuadrícula.

Utilizando una fotografía y la técnica del boceto.

64
 Técnica para dar volumen a la forma por medio de las tonalidades.

SOMBRAS PROPIAS Y REFLEJADAS.

Las sombras son el resultado de la ausencia de luz. Esto significa que cuando los rayos
luminosos dan sobre un objeto producen sombras en el lado opuesto. Por lo que debemos
tener en cuenta dos características muy importantes de la luz; su forma natural, producida
por el Sol, la Luna y las estrellas, y su forma artificial, producida por la electricidad, la vela, la
fogata.

No todas las partes sombreadas de un objeto son igualmente oscuras: la mayor o menor
oscuridad de las sombras es producto de la forma problemática en que llegan los rayos
luminosos a las distintas superficies del objeto. Cuando la luz incide libremente sobre una
superficie, ésta se presenta a nuestros ojos como la zona de mayor claridad, mientras que
cuando existe dificultad en la llegada de los rayos de luz a los diferentes planos del objeto,
nuestros ojos perciben sombras más oscuras.

Recordemos siempre, al utilizar los tonos en nuestro dibujo, que todo cuerpo iluminado tiene
la cualidad de presentar dos sombras diferentes: la que se origina en el objeto mismo, en la
superficie opuesta a la que recibe la luz y por lo tanto se denomina sombra propia, figura 107
y 108, y la que el objeto proyecta hacia las superficies de los objetos que están a su
alrededor, por lo mismo, se llaman sombras proyectadas. Observa las figuras 109 y 110.

Fig. 107 y 108 Sombras propias.

65
Fig. 109 y 110 Sombras reflejadas.

Cada objeto contiene una gran variedad de tonos, cuando se acerca o se aleja un objeto de
la fuente de luz, observamos una rica variedad de combinaciones tonales, que en forma
técnica se le denomina claroscuro. En muchos casos esta particularidad de la luz permite la
representación de formas complejas, basándose en los contornos y la debida distribución de
los valores de claridad, lo cual le ofrece una imagen bastante real., como lo podemos
observar en el ejemplo de la figura 111 y 112.

Fig. 111 Hannah Höch. Fig. 112 A. Carracci

Para poder desarrollar un aprendizaje más avanzado sobre este tema, es recomendable
realizar representaciones de objetos que interpreten la apariencia que la luz origina al incidir
sobre sus formas, diversificando su colorido en diversos valores tonales, mediante
procedimientos y técnicas de lápices de grafito, modelando las formas de acuerdo con su
naturaleza material.

66
ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina para dibujo, realiza dos ejercicios en donde las figuras escogidas
representen las siguientes sombras:

Problema No. 3 Sombras propias.

El problema consiste en modelar una figura por medio de las sombras que en su superficie se
producen por la presencia de una fuente de luz, que puede estar presente en el dibujo o no,
utilizando la escala de valores tonales, que va desde el gris más claro hasta el más oscuro,
expresando con ella las características propias de todo volumen. Realiza cuantas veces sea
necesario el ejemplo que nos presenta la figura 113 y 114.

Fig. 113 Fig. 114

Te recomiendo que antes de realizar este ejercicio y con el propósito de conocer las
cualidades que nos ofrece cada uno de los lápices de dibujo, realiza en un papel no satinado
distintas escalas de valores, desde el gris más claro hasta el más oscuro, utilizando diferentes
graduaciones, que pueden ser las siguientes: 9B, 6B, 3B, HB, 3H y 6H. Sigue el ejemplo de la
figura 115.

67
Fig. 115

Para obtener óptimos resultados es recomendable contar con una punta alargada, por lo
que, con una navaja es necesario rebajar la madera aproximadamente cinco centímetros y la
punta de grafito de un centímetro, procurando no presionar demasiado, al momento del
trazo, para no romperla. Para lograr una punta muy fina o en bisel se utiliza una lija para
madera, de grano fino, por la cual se talla en varias ocasiones hasta que adquiera la forma
adecuada.

Una forma incorrecta de utilizar un lápiz es con la punta redonda, ya que no permite hacer
un trazo exacto cuando utilizamos la regla o escuadras, para estos casos debemos tener la
punta del lápiz hacia el centro, como la figura central de la lámina 7. Para aplicar la técnica de
sombreado a lápiz, la forma adecuada de sacarle punta al lápiz es en forma biselada, es decir
en forma diagonal.

Para la aplicación de la técnica de sombreado utilizando tinta china negra, existen

instrumentos especiales que reciben el nombre de estilógrafos, que al igual que los lápices
están clasificados con números, de acuerdo con el grosor de líneas que producen. Los
números más pequeños son para las líneas más delgadas (005, 01, 0.20, 0.3, etc.) y los
números más grandes son para las líneas más gruesas (1.0, 5.0, 9.0, etc.). Para obtener una
escala de grises claros y oscuros sigue los procedimientos que nos muestra la figura 116.

68
Fig. 116

Para conocer las cualidades que nos ofrecen los instrumentos de entintado, realiza el
ejercicio que nos presenta la figura 117.

Fig. 117

Siguiendo con la técnica del boceto, en hojas de dibujo, papel bond o cartulina ilustración y
lápices de diferente graduación, realiza los modelos de la figura 118, procurando lograr los
mismos resultados, estos te permitirán conocer más ampliamente el recurso de las sombras
como un medio de lograr la representación del volumen.
69
 Fig. 118

Organiza los modelos anteriores de manera de lograr un solo dibujo, como en las figuras 119
y 120.
Fig. 119

Fig. 120

70
Aplica los conocimientos adquiridos utilizando otros modelos.

Fig. 121

Fig. 122

71
Con el propósito de cumplir con el aprendizaje de esta unidad, que es el de dar volumen a la
forma por medio de las tonalidades, selecciona un modelo, que puede ser un recipiente de
vidrio, una figura de cerámica o cualquier objeto que esté a tu alrededor, toma una hoja de
papel bond o una cartulina ilustración y utilizando lápices de grafito de diferente graduación
o tinta china negra, realiza el dibujo del modelo escogido representando las distintas
sombras por medio de una amplia variedad de grises, tomando en cuenta la dirección de la
luz que le llega al objeto. Observa las figuras 123 y 124.

Fig. 123 Fig. 124

72
Problema No. 4 Sombras reflejadas.

El problema consiste en representar las sombras que el objeto proyecta hacia las superficies
u objetos que le rodean, para conseguirlo es necesario ubicar una fuente de luz o indicar la
dirección en donde se encuentra, dependiendo del lugar donde se encuentre la luz las
sombras se producirán hacia adelante, sombras divergentes, o hacía atrás, sombras
convergentes. Para comprender mejor la diferencia entre unas y otras toma en cuenta las
siguientes consideraciones.

73
En el espacio real, la mayoría de los objetos son tridimensionales; es decir, presentan tres
características que son el largo, alto y ancho, para conformar lo que comúnmente llamamos
volumen. En un espacio totalmente plano, como el papel en donde realizamos nuestros
dibujos, expresamos por medio del fenómeno físico de la luz y la sombra el volumen que
poseen estas figuras, creando así una imagen de profundidad. Es oportuno subrayar aquí la
participación tan importante que tiene la mente, que es donde se establece la imagen de
profundidad y no en el objeto representado en el papel.

En la experiencia cotidiana la luz es inapreciable como índice de espacio, aunque lo

desconocemos como una forma visual con características propias o al menos le restamos
importancia como forma integral de las cosas. Es por ello que en los inicios del arte gráfico la
luz no esté representada y en los dibujos infantiles, la luminosidad se utiliza sólo para
denotar la diferencia de los objetos.

En los principios del Renacimiento, la luz se caracterizó, en los cuadros pictóricos, como la
forma más adecuada para dar volumen a las figuras, siguiendo un concepto físico muy
simple: el mundo es luminoso, los objetos presentan una luminosidad que les es esencial y
las sombras se aplican para lograr la redondez. Sin embargo, la intensidad de la luz te
permite localizar la fuente de luz (FL) observando las características lineales de las sombras,
así como por los contrastes establecidos en cada objeto. Las sombras que proyecta cada una
de las figuras encuentran la unión de sus ejes principales en un punto que está colocado
inferior y opuestamente a la fuente de luz, sobre la línea de horizonte. Dicho punto es la
distancia de luz (DL). Por medio de los siguientes ejercicios podrás comprender la importante
utilización de la fuente de luz (FL), como de la distancia de luz (DL).

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Sombras divergentes. Empleando como modelos cuatro formas geométricas, de estructuras

diferentes (triángulo, cuadrado, octágono y círculo), dibuja con regla o escuadras, la sombra
que proyecta cada uno de los modelos cuando la fuente de luz se encuentra en la parte
superior y atrás de cada objeto.

El problema consiste en utilizar un punto de fuga para la construcción de los modelos, elegir
la posición de la fuente de luz, que debe guardar una línea recta con la distancia de luz, punto
que se encuentra en la línea de horizonte. Para obtener las sombras divergentes sólo es
necesario trazar líneas auxiliares de la fuente de luz a las partes superiores de los modelos,
de la distancia de luz a las partes inferiores de los modelos, donde se intercepten estas líneas
encontraras la forma, dirección y tamaño de cada sombra. Para estar seguros de nuestros
trazos, debemos observar que todas las sombras formen una línea hacia el punto de fuga.

Problema No. 5 Sombras divergentes.

Realiza el ejercicio de la lámina I.

74
LÁMINA I

75
Para realizar este ejercicio, sigue los pasos que a continuación se describen.
Primer paso.

Traza una línea horizontal aproximadamente a la mitad de la hoja (LH = línea de horizonte),
en el extremo derecho marca un punto al cual llamaremos PF2 (punto de fuga 2), de este
punto traza dos líneas hacia el extremo izquierdo, quedando la línea horizontal en medio de
las dos diagonales, puede variar la distancia entre una y otra diagonal. A continuación se
dibujan las figuras geométricas (triángulo, rectángulo, octaedro y óvalo), dándoles un grosor
por medio del PF2 (líneas punteadas con el número 2. El tamaño de las figuras estará
determinado por el ángulo de las dos líneas diagonales.

Segundo paso.

En el extremo izquierdo de la línea de horizonte marca un punto, al cual llamaremos PF1

(punto de fuga 1), de él surgirán las líneas que les darán volumen a las figuras geométricas. El
volumen es arbitrario, es decir, la medida que nosotros consideremos adecuada.

76
Tercer paso.

En cualquier lugar de la línea de horizonte se marca un punto, el cual se identificará con las
letras DL, (distancia de luz). De este lugar se traza una línea vertical en la que marcaremos
con un punto que llamaremos FL (fuente de luz). Las líneas que nacen en el punto DL pasarán
por todas las partes inferiores de las figuras, mientras que todas las líneas que nacen del
punto FL pasarán por todas las partes superiores de las figuras. En el caso del triángulo y del
círculo se traza una línea vertical a la mitad de la figura, por donde pasarán las líneas de los
puntos DL y FL. La unión de las líneas de los dos puntos antes mencionados determinará el
largo y ancho de las sombras producidas.

Cuarto paso.

77
Para obtener la sombra que produce el grosor de la figura geométrica se prolongan las líneas
verticales, de dicho grosor, hasta la línea de base, para que se pueda utilizar el punto DL, que
toca sólo las partes inferiores de la figura. Con el punto FL se trazan líneas que pasen por la
parte superior del grosor de la figura y donde se cruce con las líneas del punto DL se
obtendrá el tamaño de la sombra requerida.

Quinto paso.

Recuerda que de la distancia de luz nacen las líneas que pasan sólo por los ángulos inferiores
de cualquier figura, los que están sobre la línea de base. De la fuente de luz nacen todas las
líneas que pasan por los ángulos superiores de cualquier figura, siguiendo el contorno o
silueta de la misma. Donde se crucen las líneas que surgieron de los puntos DL y FL se
encontrará la forma y tamaño de la sombra divergente.

Es importante tomar en cuenta que mientras más alto se encuentre la fuente de luz, más
corta saldrá la sombra. Si por el contrario la fuente de luz se encuentra cerca de las figuras,
más largas serán las sombras y posiblemente se salgan del papel de dibujo, por lo que se
debe elegir el lugar adecuado para la posición de los puntos DL y FL.
78
En algunos casos es necesario marcar fuera del papel no solamente los puntos que producen
las sombras de las figuras, sino también los puntos que construyen a las mismas, como los
puntos de fuga, por lo que te recomiendo que fijes, con cinta adherible, el papel de dibujo
sobre la mesa de trabajo, para que el trazo de las líneas con la regla o escuadras siempre se
realice con toda exactitud.

Problema No. 6 Sombras convergentes.

Empleando las mismas figuras del ejercicio anterior, dibuja las sombras que producen los
modelos cuando la luz se encuentra arriba y adelante de los objetos. El problema consiste
que cuando la luz está adelante de los objetos no podemos trazar líneas de la nada hacia el
papel, por lo que debemos localizar en el plano de dibujo el lugar opuesto a la fuente de luz,
este punto se le conoce como altura de luz (AL). Realiza el ejercicio de la lámina II.

LÁMINA II

Para realizar esta lámina se sigue el mismo procedimiento del ejercicio anterior, con la única
diferencia de que la línea de horizonte se traza en la parte superior de la hoja de papel, en
esta línea se marca un punto que conocemos como DL, del cual nace una línea vertical hacia
la parte inferior del plano de dibujo, sobre esta vertical se marca un punto que llamaremos
AL (altura de luz), que representa el punto opuesto de donde se encuentra la fuente de luz.
Siguiendo las mismas indicaciones de la lámina 84, todas las líneas que nacen de la distancia

79
de luz (DL), pasan por las ángulos o partes inferiores de cada figura, mientras que todas las
líneas que nacen de AL, al igual que la fuente de luz (FL) de la lámina 84, pasan por todas las
partes o ángulos superiores de cada figura, donde se unen o se cruzan los dos tipos de líneas
se encontrará el largo y la forma de la sombra convergente de cualquier figura.

Practica esta técnica utilizando diferentes modelos, como los que presentan las figuras 125 y
126. Más adelante realiza una composición, aplicando tu imaginación y creatividad, dándole
un carácter artístico. Observa el ejemplo de la figura 127.

Fig. 125 Fig. 126

Fig. 127

80
 El dibujo tridimensional en la obra artística.
La perspectiva surge durante el Renacimiento y ofrece a la línea una característica más: la
posibilidad de representar las distintas formas que llenan nuestro campo visual con el
volumen que guardan en el espacio real. La perspectiva es el método que permite la
representación de formas tridimensionales en una superficie plana tal y como se presentan a
nuestros ojos, a la distancia que se encuentran y con la distribución que les corresponde en
el espacio real.

La perspectiva es un procedimiento por el cual la línea representa a todos los objetos, de tal
modo que ofrece un plano imaginario a través del cual nos parece estar viendo la realidad.
Esto es, el plano material parece convertirse en una superficie transparente, ofreciéndonos
una ilusión óptica en la cual las figuras adquieren volumen. Sin embargo, mediante el tacto
nos damos cuenta fácilmente de que las formas están representadas sobre una superficie
totalmente plana.

El pensamiento humano se interesa por encontrar el origen de todo aquello que forma
nuestro mundo, llevándonos lo más cerca posible hacia lo que deseamos conocer. Esta
búsqueda ha permitido interesantes observaciones dentro de la perspectiva, como las
siguientes:

El concepto visual del objeto tiene tres dimensiones: largo, ancho y profundidad. Por lo
tanto, el objeto se concibe de modo tridimensional. Sin embargo, el volumen real del objeto

81
será, en el papel, una impresión imaginaria producto de un fenómeno óptico, por lo tanto, la
representación de todo objeto es una fiel interpretación del modelo real. En los objetos
planos, figura 123, su proyección muestra con certeza el concepto visual que tenemos de
ellos, al grado de lograr una imagen idéntica. A esta proyección se le llama cónica.

La perspectiva cónica es la más práctica para la representación de la forma. Las líneas que
representan la profundidad de cada una de las formas, convergen hacia el punto de fuga o de
vista; es decir, todas las paralelas que están sobre un plano horizontal encuentran su punto
de fuga sobre la línea de horizonte.

Para que no te confundas con estos términos, recuerda siempre que la línea de horizonte es
aquella que aparece en la lejanía, donde visualmente se junta el cielo con la tierra. Línea que
podemos observar claramente cuando nos encontramos a la orilla del mar; en la ciudad o en
el campo los edificios o los árboles nos impiden verla, aunque está presente en la
representación de las imágenes. Esta línea también significa la altura a la que se encuentran
los ojos del dibujante. Observa el siguiente ejemplo de la figura 128.

82
Fig. 128

Sobre la línea de horizonte se encuentra el punto de fuga que se necesiten para la

representación de cualquier objeto, según su distancia y su colocación. Observa la figura 129.

El punto de fuga o de vista significa el lugar hacia donde observan nuestros ojos. Todas las
líneas verticales y horizontales que se encuentran en el objeto real, permanecen idénticas en
el plano de proyección (dibujo), y solamente las líneas que representan la profundidad,
aquellas que van de tu persona hacia adelante, se convierten, en el dibujo, en líneas
diagonales que se juntan en el punto de fuga.

Fig. 129

La expresión artística generalmente centra su interés en el esquema visual tridimensional

que produce la observación del objeto, de este modo, la representación gráfica no copia al
objeto, sino que traduce las características geométricas de éste a través de las propiedades
del dibujo. La profundidad y el volumen ayudan en gran medida a que esta representación
sea más bien una copia de las experiencias visuales que percibe nuestra retina. En el dibujo
de la figura 130, las vías del ferrocarril se unen en la lejanía, esto es un fenómeno óptico ya

83
que los rieles nunca se juntan, son paralelos, por eso se dice que no estamos copiando la
realidad del objeto, sino la imagen que es captada por nuestra retina.

Fig. 130.

84
El dibujo de todo objeto real posee dos situaciones: la del modelo tridimensional y la de su
planteamiento en el papel de dibujo. Cuando los modelos tienen una posición frontal ante
nuestra vista, sólo necesitaremos un punto de fuga para la representación de su volumen. En
cambio, cuando un objeto tiene una posición angular requerimos de dos puntos de fuga para
su representación en el papel. Observa el ejemplo de la figura 131.

Fig. 131

85
Existe un tercer punto de fuga, que se convierte en un auxiliar, para representar nuestra
posición, con respecto al objeto, con una vista hacia arriba o hacia abajo, ofreciéndonos un
concepto diferente de profundidad. Observa el ejemplo de la figura 132 y 133.

Fig. 132 Fig. 133

Cuando se nulifica la actividad dinámica del punto de fuga para lograr mayor espacio,
estamos empleando la perspectiva isométrica. En la proyección de un cubo, las líneas de las
caras laterales se representan de forma paralela, es decir sin convergencia, por lo que la
imagen producida es más bien un equivalente de la forma física. La forma gráfica nos ofrece
tres caras de ángulos rectos y lados paralelos de idéntica medida. Como los modelos de la
figura 134 y 135.

Fig. 134 Fig. 135

86
La perspectiva no parece ser un elemento artístico, sino más bien un procedimiento
matemático que permite la representación más exacta de la realidad de un modelo. El error
más pequeño puede alterar visiblemente esta realidad, por lo que se puede pensar que no
hay libertad para la creatividad artística. Si bien la perspectiva no es considerada como un
elemento artístico, desde el planteamiento de la geometría, es sin embargo un
procedimiento por el cual obtenemos la representación gráfica del objeto real.

La perspectiva tiene dos características un tanto contradictorias; por un lado, presenta las
figuras en un lugar y con un tamaño determinado, y por otro, la profundidad de los objetos
es un tanto arbitraria, ya que es el dibujo el que determina las distancias adecuadas para
cada modelo, como lo puedes observar en los ejemplos de las láminas . Es cierto que limita la
creatividad artística a reglas matemáticas exactas, pero también las hace dependientes del
dibujante en la medida de la representación visual que desea ofrecer, desde un punto de
vista imaginario y escogido libremente.

La perspectiva es un procedimiento utilizado no solamente por arquitectos e ingenieros, para

plasmar mediante ella imágenes de casas, edificios o grandes construcciones en su expresión
más exacta, como el dibujo de la figura 136, sino también por pintores y grabadores, que
buscan la representación objetiva de la realidad que les rodea, para después realizar su
propia interpretación de los mismos modelos, pero con un toque completamente artístico.
Observa la figura 137.

Fig.136

87
88
Fig. Ca lo C ivelli La a u ia ió de “a E idius

89
ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Para que puedas comprender las ventajas y cualidades que nos ofrece la perspectiva, en la
representación de todo volumen, realiza los siguientes ejercicios.

Problema No. 7 Perspectiva con un punto de fuga.

El problema consiste en dibujar una imagen real o imaginaria, en donde las líneas de los
objetos o figuras utilizadas converjan en un sólo punto de fuga. Este punto puede estar
señalado en el papel de dibujo o como consecuencia del ángulo de las líneas que expresan la
profundidad. Para comprender mejor este ejercicio realiza en un papel de dibujo, con tu
regla y un lápiz HB el ejemplo de la figura 138, aplicando los siguientes pasos.

Fig. 138

90
Primer paso. Traza la línea de horizonte en la parte inferior de la hoja, aproximadamente un
tercio. Dibuja la figura de los dos rieles en su parte frontal.

91
Segundo paso. De cada una de las esquinas o ángulos de la figura de los rieles, traza líneas
hacia el punto de fuga, que se encuentra a la mitad de la línea de horizonte.

92
Tercer paso. Del punto de fuga traza una línea hacia la mitad de los dos rieles, esta línea se le
conoce como línea de medición (LM). Sobre la línea de horizonte, en el extremo derecho
marca el punto de medición (PM), traza una línea hacia el extremo inferior de la línea de
medición. Toma como referencia los puntos donde se cruza la línea que viene de PM con las
líneas de las vías del tren, estos puntos te ayudarán a determinar el lugar y medidas que le
corresponde a los tablones que sirven de base a las vías.

93
Cuarto paso. Repite el procedimiento anterior, tomando como punto de referencia el cruce
de la línea de medición con la primera línea del primer tablón, también conocido por los
fe o a ile os o o du ie te . Apó ate e el pu to de fuga pa a dete i a el largo de
cada uno de los durmientes.

94
Quinto paso. Repite el paso anterior tomando como referencia cada uno de los durmientes
que vayas obteniendo. El grosor de los durmientes es de acuerdo a lo que tú consideres
adecuado, la línea inferior está trazada sin regla para representar las piedras que es común
encontrar en las vías del tren.

95
Sexto paso. Para dibujar los postes de luz que aparecen en el extremo derecho de la figura
138, traza dos líneas que nacen en el punto de fuga y que determinarán la altura del primer
poste. A continuación, traza la línea de medición (LM) a una altura que es opcional. Traza
una línea vertical, a partir del punto de fuga, y en la parte superior, también en un lugar
opcional, marca un punto el cual recibirá el nombre de punto de medición (PM), de este
punto traza una línea hacia la parte inferior del primer poste, donde se cruce con la línea de
medición obtendrás el lugar que le corresponde al segundo poste. Del punto de medición se
traza una línea hacia el segundo poste y tendrás el lugar que le corresponde al tercer poste y
así, repitiendo el procedimiento, localizarás el lugar para los siguientes postes.

96
Séptimo paso. En la parte derecha del dibujo se trazan dos líneas que nacen en el punto de
fuga, con una altura que consideres adecuada para representar la cerca de madera que
aparece en la figura 138. Del punto de medición traza una línea hacia la parte inferior de la
primera línea vertical, donde se cruce con la línea superior que va dirigida al punto de fuga,
obtendrás el lugar para el segundo poste de la cerca, se repite el procedimiento y obtendrás
el lugar para cada uno de los postes de la cerca.

97
Octavo paso. Para darle el volumen y la representación final tanto a los postes de luz como
los de la cerca, utiliza el punto de fuga, él te ayudará a determinar el tamaño que le
corresponde a cada volumen según la distancia a la que se encuentre. Para representar los
cables que es común observar en los postes, traza líneas hacia el punto de fuga, de igual
manera puedes trazar líneas a la mitad de la cerca para dibujar los palos intermedios que
existen en algunas de ellas.

98
Por último, utilizando la técnica de sombreado dale el acabado a cada uno de los elementos
dibujados para darle un ambiente que se acerque más a la imagen real, como los siguientes
ejemplos.

99
Si utilizas figuras humanas, debes tener en cuenta que la línea de horizonte debe pasar por la
altura de los ojos, sí no es así las personas parecerán que están pequeñas o que se
encuentran en una superficie más abajo.

Para comprender mejor la perspectiva a un punto de fuga, te recomiendo que utilices otros
modelos, como puede ser el salón de clases, figura 139, o los edificios de tú escuela, figura

100
140, y mejor aún si puedes crear tus propias representaciones, como el ejemplo de la figura
141.

Fig. 139

Fig. 140

101
Fig. 141 M. C. Escher.

102
Problema No. 8 Perspectiva con dos puntos de fuga.

Realiza un dibujo en donde las figuras utilizadas se presenten en forma angular. El problema
consiste en organizar las líneas de profundidad de cada una de las caras en el punto de fuga
que les corresponda, según su situación y dirección, como el ejemplo de la figura 142.

Fig. 142 M. C. Escher. Siguiendo el método de la perspectiva área (Fig. 131).

103
104
Problema No. 9 Perspectiva isométrica.

Realiza una composición en donde las figuras seleccionadas expresen su volumen sin
necesidad de utilizar puntos de fuga. El problema consiste en utilizar la actividad dinámica de
la diagonal sin convergencia, es decir, que todas las líneas se dibujen en forma paralela y de
igual medida. Utiliza tu imaginación y realiza una composición como la de la figura 143.

Fig. 143 M. C. Escher.

105
 Aplicaciones del dibujo en las proporciones de la figura humana.

Afi a Ra ó Al ela, e su a tí ulo Re u i ie to ause ia e Cue po P ese te35, que

la representación del cuerpo en distintas etapas del arte manifiesta las claves de percepción cultural,
jerarquías de creencias, ideologías, el sistema de pensamiento y los paradigmas de esa época. El arte
ha recorrido el cuerpo humano desde múltiples perspectivas. Del cuerpo como receptáculo de la
esencia divina, el espíritu, al cuerpo como lugar de experiencias y redefinición del arte, hasta el cuerpo
como lugar de identidad y transformación empujando la apertura de las concepciones sobre el
mismo .

Efectivamente, la figura humana ha sido un recurso bastante utilizado por grandes artistas de
todas las épocas y en muchos estilos. La figura humana es un concepto en el que se unen un
conjunto de elementos, tanto materiales (formas, volúmenes, movimientos), como
inmateriales (ideas, emociones, sentimientos), que la distinguen de los demás seres que
habitan nuestro planeta.

Para poder representar gráficamente el cuerpo humano, es importante conocer, lo más

ampliamente posible, sus características anatómicas, ya que al momento de utilizar la técnica
del claroscuro ésta se realizará tomando en cuenta las partes más sobresalientes y que se
manifiestan a través de la piel, en algunos casos lo que observamos son partes del esqueleto,
en otras corresponden a los músculos, por lo que es necesario tener un concepto general de
las tres etapas en las que se puede dividir la imagen del cuerpo humano: su esqueleto, su
sistema muscular y su forma real.

Las partes del cuerpo que contribuyen en gran medida para su representación gráfica, son las
siguientes:

La cabeza.- Formada por un conjunto de huesos que reciben diferentes nombres, de acuerdo
a la posición que ocupa cada uno de ellos, así tenemos el frontal, parietal, temporal,
occipital, maxilar superior e inferior y el hueso nasal; todos ellos forman lo que llamamos
simplemente cráneo. Estos huesos tienen una dureza sorprendente, y la Naturaleza los ha
hecho así porque guardan lo más valioso del ser humano, el cerebro, el generador de las
ideas, emociones, sensaciones, lo que lo ha convertido en la forma viviente más maravillosa.
Figura 144.

35 www.replica21.com/archivo/articulos/a_b/336_almela_recub.html
106
Fig. 144.

Al pintar o dibujar la cabeza las tonalidades del color, o los grises que se obtienen con los
diferentes lápices, tienes que organizarlos de acuerdo a la intensidad de la luz, pero también
al volumen que existe dentro de la piel, características que han sido estudiadas por pintores
como los que se presentan en las figuras 145 y 146.

Fig. 145 Jan Mostaert. Fragmento. Fig. 146. Miguel Ángel. Fragmento de la
Capilla Sixtina.

107
Cubriendo los huesos del cráneo se encuentra la musculatura mímica, que además de ser
parte del tejido cutáneo son los encargados de organizar los movimientos de la piel, sobre
todo los de la cara (el movimiento de los párpados, la nariz y la boca). Por medio de estos
músculos, el ser humano expresa sus diferentes estados de ánimo, como la risa, el llanto, el
enojo o la indiferencia. Los movimientos faciales le dan a estos músculos una calidad
significativa tan amplia que ayuda a sugerir lo que el ser humano vive en su interior.

Figura 147

108
El tronco.- Es la estructura que ayuda a sostener y relacionar la cabeza con las extremidades.
La cabeza, los brazos y las piernas están integradas por medio de las articulaciones, que
permiten que éstos se muevan de múltiples maneras. Si la cabeza y el tronco se unieran sólo
por las vértebras de la columna nuestro cuerpo sería frágil y muy rígido, nuestros
movimientos serían bastante torpes y muy dolorosos. Por eso, entre los huesos de la
columna se encuentran unos discos cartilaginosos que ayudan a suavizar la función dinámica
y mecánica de las vértebras. Figura 148 y 149.

Fig. 148

109
110
 Fig. 149

El conocimiento de los diferentes movimientos que realiza la columna vertebral, te permitirá

lograr imágenes tan impactantes como la que te presentamos a continuación.

111
Fig. 150 Boceto de Paul Rubens

112
Las extremidades.- Por lo que se ha mencionado en líneas anteriores, te habrás dado cuenta
ya, que existen las extremidades superiores, integradas por los huesos de los brazos
(húmero), antebrazos (el radio y el cúbito) y manos (falanges), que están unidos al tronco por
medio de la clavícula, por la parte frontal, y por el omóplato en la parte posterior, a su vez, la
clavícula y el omóplato se unen a las costillas y éstas al esternón.

El omóplato es un hueso que está adherido en la parte posterior del tronco por medio de un
pequeño músculo que le ayuda a lograr mayor dinamismo. También ayuda a proteger los
huesos posteriores, sobre todo cuando cargamos cosas pesadas en la espalda o cuando nos
recargamos sobre una superficie plana.

Los hombros están unidos al tronco por medio de la clavícula, tienen una importante función,
la de facilitar los movimientos de los brazos hacia todas direcciones, mientras que, por
ejemplo; el codo sólo permite el movimiento del brazo en una misma dirección. El codo
funciona como las bisagras de las puertas, permitiendo un sólo movimiento, hacia arriba y
hacia abajo. Los músculos del antebrazo facilitan los movimientos de la mano y la flexibilidad
de los dedos. Figuras 151 y 152.

Fig. 151

113
114
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 152 Boceto de Paul Rubens

Las extremidades superiores nos permiten realizar mayores movimientos que las
extremidades inferiores. De la cintura a la cabeza podemos movernos hacia abajo, arriba o a
los lados, las manos nos pueden ayudar a sujetar un objeto, como la cuchara, cuchillo y
tenedor, pero también a realizar actividades con bastante destreza, como tocar instrumentos
musicales, manejar herramientas y equipos de diversas áreas de la producción, en tareas
caseras o de entretenimiento. En cambio las piernas y los pies tienen movimientos más
limitados, generalmente nos ayudan a caminar, correr, retroceder, brincar, subir o bajar,
pero siempre hasta donde lo permite la flexibilidad de la rodilla y del tobillo, figura 153.

Las extremidades inferiores están unidas a los huesos de la cadera o pelvis, la cual está
cubierta por una serie de músculos que forman los glúteos. El fémur es el hueso que
contribuye en gran medida a los movimientos de la pierna, se une con la tibia y el peroné,
ocultos por la pantorrilla, a través de la rótula o rodilla. En su parte terminal encontramos el

117
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

pie, unido por el tobillo, el cual se compone de siete pequeños huesos en el tarso, cinco en el
metatarso o planta del pie y las falanges o dedos. Figura 154.

Fig. 153 Jean Francois Millet.

Fig. 154

118
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Es importante destacar el hecho de que el cuerpo humano pasa una buena parte de su
tiempo de pie, y en la mayoría de las ocasiones en movimiento, el cual realiza con base a la
variedad y complejidad de las funciones que realizan los huesos, los músculos y las
articulaciones, todo ello dentro de una perfecta organización, en donde la armonía de cada
una de las acciones se convierte en un acto a veces sencillo, pero en otras extraordinario,
como sucede, por ejemplo en los juegos olímpicos, donde la medalla de oro es un premio a la
destreza demostrada en una determinada competencia, donde se aplican reglas bastante
estrictas y que no son fáciles de cumplir, ya que exigen no solo mover el cuerpo, sino hacerlo
con elasticidad, belleza y exactitud.

Por último, no es necesario realizar un estudio tan complejo como lo presentan los textos de
medicina, más bien el de encontrar los elementos que son más importantes para el dibujo de
la figura humana, como los estudios realizados por diversos artistas que nos presentan su
fo a u pa ti ula de dividi el ue po hu a o e o ho u idades o a ezas , pa a
hacerlas más estilizadas, es decir, más largas pero sin perder su proporción, así como los
esquemas lineales de relación de cada una de sus partes, tanto en su distribución como en
sus movimientos, como los podemos apreciar en las figuras 155 y 156.

Fig. 155 Canon de Leonardo Da Vinci Fig. 156 Canon de Miguel Ángel

119
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Proporciones de la figura humana.

Al dibujar el cuerpo humano nos preocupamos de inmediato porque su presentación

corresponda a una imagen agradable o expresiva; por ello el volumen es el elemento
principal que nos conduce a la presentación adecuada, ya que sin el debido conocimiento de
él representaríamos los cuerpos planos y totalmente deformes. Para llegar a comprender y
resolver el problema de la representación gráfica del cuerpo humano, nos basamos en un
principio bastante conocido en el dibujo: la proporción, o sea, la disposición o
correspondencia debida entre las partes de una cosa con el todo o entre cosas relacionadas
entre sí.

Para llevar a cabo el desarrollo de la proporción en el estudio del cuerpo humano, se ha

tomado como unidad elemental de medida la cabeza de la figura humana, la cual nos
muestra los cánones de organización, con base en ella se ha establecido una medida
estándar de siete cabezas y media en su presentación normal, o de ocho cabezas en su
presentación estilizada, contenida en el siguiente orden. Figuras 157 y158.

Cara anterior

- De la parte superior del cráneo hasta la punta del mentón, una unidad de medida
(primera cabeza).
- De la punta del mentón a la región pectoral, una unidad (segunda cabeza).
- De la región pectoral a la región umbilical, una unidad (tercera cabeza).
120
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

- De la región umbilical a la región púbica, una unidad (cuarta cabeza).

- De la región púbica hasta las rodillas, una unidad y media (quinta cabeza y media).
- De las rodillas a los tobillos, una unidad y media (séptima cabeza).
De los tobillos a la planta de los pies, media unidad (siete cabezas y media).

Cara posterior

- De la parte superior del cráneo hasta la nuca, una unidad.

- De la nuca a la parte inferior de los omóplatos, una unidad.
- De la parte inferior de los omóplatos a la parte superior de la caja pélvica, una unidad.
- La caja pélvica abarca una unidad.
- De la parte inferior de la caja pélvica hasta el espacio poplietal, una unidad y media.
- Del espacio poplietal al tendón de Aquiles, una unidad y media.
Del tendón de Aquiles a la planta del talón, media unidad.

121
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 157

Fig. 158

122
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Relación de proporciones

Tomando como elemento básico la cabeza humana, se ha podido determinar en forma

particular las siguientes proporciones:

La mano, la clavícula y el omóplato miden las dos terceras partes de la cabeza.

El fémur y el pie (su imagen horizontal), una unidad.
El húmero, la tibia y el peroné (huesos de las piernas), una unidad y media.
La columna vertebral mide tres unidades.

Diferencias anatómicas de la figura masculina y femenina.

Todas estas medidas están condicionadas a las características de la raza, el sexo, la edad y los
distintos aspectos físicos del cuerpo humano; sin embargo, existen algunas observaciones
que son comunes en el hombre y en la mujer, a pesar de las distintas características antes
señaladas, y son:

El hombre posee su mayor anchura en la región deltoidea (hombros), la equivalente a dos

unidades.
La mujer por tener una pelvis más ancha y menos profunda, presenta su mayor anchura en la
región de la cadera.
El hombre tiene una espalda ancha y una cadera estrecha. En la mujer ocurre lo contrario.
Los hombros son altos y horizontalmente rectos en el hombre, por lo cual ofrecen una
imagen de robustez. En la mujer los hombros tienen cierta inclinación que permite al cuello
una imagen esbelta y atractiva.
Los brazos y las piernas, así como el cráneo de la mujer, son más pequeños que los del
hombre; por lo que un cuerpo femenino tiene su mitad arriba del hueso púbico, mientras
que el cuerpo masculino lo tiene a la altura del hueso del pubis.

Considero que la mejor forma de aprender a dibujar la figura humana consiste en la

constante realización gráfica de la misma, poniendo en práctica la relación de proporciones
antes señaladas. Por consiguiente, te invito a que tomes tus hojas de papel y lápiz, y realices
diferentes ejercicios. Toma como base las características anatómicas de cada una de sus
partes, cabeza, cuerpo, manos, pies, etc., y repítelas cuantas veces sea necesario hasta que lo
hagas con pleno dominio.

Cuando te sientas completamente seguro de poder representar gráficamente la figura

humana, te recomiendo que utilices como modelo a toda persona que esté frente a ti;
buscando variedad en cuanto a sus posiciones, tamaños, distancias y movimientos.

123
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Problema No. 10 Proporciones del cuerpo humano. Utilizando papel o cartulina para dibujo,
realiza, cuantas veces sean necesarios los esquemas lineales que presentan los ejercicios de
las siguientes láminas, con el propósito de que vayas comprendiendo las proporciones del
cuerpo humano.

Lámina III

Aplica las proporciones del cuerpo humano en movimiento, como los siguientes ejemplos.

124
rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

125
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Para comprender mejor las proporciones del cuerpo humano, te recomiendo dibujar a las
personas que estén a tu alrededor de preferencia realizando diferentes actividades, como los
ejemplos de la siguiente lámina. Recuerda que en el inicio de todo dibujo debemos utilizar la
técnica del boceto.

Lámina IV

126
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Problema No.11 La cabeza. Para conocer ampliamente cada una de las partes de la figura
humana realiza los siguientes ejercicios.

Lámina V. La cabeza.

127
rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

128
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Utilizando la técnica del boceto estudia, a través de dibujos, los diferentes movimientos de la
cabeza.

129
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Toma como modelo a uno de tus compañeros o familiares y realiza el dibujo de su cabeza, de
acuerdo a la posición que tenga en ese momento.

130
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Puedes utilizar como modelo una pintura o el dibujo que más te guste, como los ejemplos
que a continuación te presentamos.

W. McLean K. Whitesides
131
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

M. Eagle. G. Guzzi

Problema No. 12 Las manos. Utilizando la técnica del boceto dibuja las manos en diferentes
posiciones.

Lámina VI. Las manos.

132
rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

133
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Utiliza como modelo la obra que sea de tu agrado.

D. de Groat P. Giovanopoulos

134
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Problema No. 13 Los pies. Por medio de bocetos realiza un estudio de los pies en sus
diferentes vistas como lo presenta la siguiente lámina.

LÁMINA VII. Los pies.

Toma como modelo el trabajo de un artista gráfico.

B. Andersen M. Glaser

135
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Problema No. 14 El cuerpo humano.

LÁMINA VIII. El cuerpo humano.

Puedes representar una parte de la figura humana.

J. A. Smith T. CoConis

También puedes utilizar como modelo la obra pictórica que te ayude a dibujar el cuerpo
humano completo, como los siguientes ejemplos.

136
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

W. Blake. The Pu ish e t of Ada

137
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Titia . Ba hus a d A iad e

También puedes aprender a dibujar el cuerpo humano observando los pliegues de la ropa,
estos se forman de acuerdo al volumen que hay en su interior, como en el siguiente ejemplo.

Grabado de Gustavo Doré

138
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Por último, cuando consideres que tienes los conocimientos y habilidades adecuadas para
representar la figura humana, realiza tus propios dibujos desarrollando tu creatividad, como
los trabajos desarrollados por alumnos del Taller de Expresión Gráfica.

139
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

TERCERA UNIDAD
ELEMENTOS COMPOSITIVOS QUE INTERVIENEN EN LA OBRA GRÁFICA.

PROPÓSITO:

Al finalizar la unidad el alumno:

Seleccionará adecuadamente la forma de organizar los diferentes elementos de la

composición para la elaboración de toda obra gráfica.

APRENDIZAJES ESTRATEGIAS TEMÁTICA

El alumno: El alumno:

Experimenta y aplica El alumno realiza ejercicios Definición de la composición.

diferentes posibilidades de de dibujo en donde aplicará
organización de los los elementos conceptuales, Elementos conceptuales:
elementos compositivos para visuales y de relación que
lograr una obra equilibrada. integran la composición, para El formato, el punto, la línea
desarrollar obras gráficas y el plano.
armónicas y equilibradas.
Elementos visuales:

Forma, Tamaño, color y

textura.

Elementos de relación:

Dirección, posición, intervalo,

ritmo y armonía, simetría y
asimetría.

140
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Definición de la composición

En algunas ocasiones observamos en una revista, un libro, en la galería o en el museo,

dibujos, pinturas y grabados que aparecen como grandes obras de arte. Para nosotros hay
trabajos que resultan agradables, otros nos gustan menos, pero existen algunos que no
entendemos su significado y nos dejan con bastantes dudas. Algo parecido nos ocurre
cuando abrimos un libro en un idioma diferente al nuestro, cuando tenemos previos
conocimientos de ese lenguaje, podemos comprender el mensaje que nos transmiten las
palabras del texto, en cambio si carecemos de dicho conocimiento del lenguaje, no
logramos comprender el significado de la escritura que contiene el libro. En el arte
podemos valorar la importancia y la belleza de toda obra plástica, si sabemos comprender
el significado que nos transmiten los elementos compositivos, los cuales exigen de
nosotros un profundo conocimiento, elementos que además no están sujetos a reglas o
cánones establecidos, sino a la cualidad y expresividad del artista.

El problema fundamental de toda obra artística, sea de música, danza, arquitectura,

dibujo, grabado, pintura, etcétera, es la composición, entendida como la adecuada
combinación de todos los elementos que intervienen en la realización de dicha obra. En el
caso del dibujo estos elementos son el punto, la línea, las masas, los tonos y colores, que
dan como resultado una imagen agradable por la armonía y el ritmo que establecen las
relaciones estructurales de cada uno de los modelos. La composición consiste en organizar
las líneas de tal forma que sea posible modelar gráficamente el volumen de toda imagen
tridimensional - figura humana, animales, plantas, objetos o formas geométricas- con las
características de luz y sombra que la realidad les confiere, auxiliados por la perspectiva.
En síntesis, la composición es la búsqueda de la situación, dimensión y el tono que los
modelos adoptan en el papel de dibujo, para que en conjunto ofrezcan un conjunto de
formas que resulte agradable al espectador.

Elementos conceptuales: El formato.

En el dibujo, la adecuada expresión de nuestros sentimientos empieza desde la forma y la

posición del papel o lienzo donde vamos a desarrollar nuestra obra gráfica, lo que
llamamos formato, este espacio generalmente está delimitado por dos líneas horizontales
y dos líneas verticales. Podemos tener ante nuestra vista otras formas, pero es mejor
utilizar la forma rectangular por su especial expresividad. Esta puede dividirse en dos
tipos: el primero lo determina la posición de las líneas horizontales, en las cuales las
fuerzas de atracción de la vista se mueven hacia arriba y hacia abajo; el segundo está
determinado por las líneas verticales, en donde las fuerzas de atracción se mueven hacia
la izquierda y hacia la derecha.

141
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Hacia arriba, las figuras que participan en la parte superior del plano adquieren ligereza,
soltura y una dinámica de elevación. Hacia abajo produce efectos contrarios: las figuras
presentan una especie de condensación, un aplomo que les infunde un mayor reposo,
donde el límite inferior del plano material restringe la libertad de movimiento: todas las
figuras dan la impresión de estar quietas, de ser muy pesadas, con lo que el ambiente se
convierte en una imagen de seguridad, tranquilidad, pasividad.

La expresión que ofrece la línea superior y la inferior es un recurso utilizado por muchos
pintores, como lo puedes apreciar en los ejemplos de las figuras 159, 160 y 161.

Fig. 159 Blake William, Pity

142
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 160 Chagal, Marc, Above the town

Fig. 161 Giulio Romano, Cuarto de gigantes

143
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Hacia la derecha las figuras nos hacen percibir una firme estabilidad, una perdurable
condensación y una mayor resistencia de la forma y sus fuerzas internas, mientras que en
el plano de la izquierda se encuentran las figuras que representan la grandeza de la
ciudad, la lejanía del campo o la amplitud de espacio, etc. Figura 162, y 163.

Fig. 162 Caillebotte Gustave, Hombre joven Fig. 163 Fragonart Jean–Honoré, El
en su ventana columpio.

Wassily Kandinsky20, excelente pintor y uno de los principales iniciadores del arte
abstracto, sintetizó en unas cuantas líneas la expresividad de las líneas que configuran al
plano rectangular de la siguiente manera:

Posición Dirección Expresión.

Arriba hacia el cielo.
Abajo hacia la tierra.
Derecha hacia el hogar.
Izquierda hacia la lejanía.

20
Kandinsky, Wassily. “Punto y línea frente al plano”. Grupo editorial Tomo, S. A. de C. V. México 2010.
144
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La expresividad que se da a cada una de las cuatro líneas se ha determinado a partir de las
actividades que desarrollamos nosotros mismos. Así, por ejemplo, a la horizontal inferior
se le han atribuido cualidades de reposo, seguridad y firmeza, mientras que a la horizontal
superior, una idea de libertad, movimiento y ligereza. En nuestra vida diaria, el paisaje que
apreciamos a nuestro alrededor estructura una imagen visual en donde la línea inferior
contiene un gran número de elementos: edificios, automóviles, árboles, montañas,
fábricas; todos ellos arraigados a la base, a la tierra, mientras que en la parte superior
apreciamos un inmenso espacio -el cielo- en donde las aves vuelan con toda libertad, el
globo se eleva hasta perderse en el infinito y hacia donde podemos brincar con todo el
ímpetu de nuestros movimientos.

De igual manera, a la línea vertical derecha se le adjudican características de estabilidad,

seguridad y reducción psicológica del espacio; a la línea vertical izquierda se le considera
ámbito de lejanía e inseguridad. Estas cualidades se han determinado por la actividad
psicomotriz que desarrollamos la mayoría de los humanos, excepto los que utilizan la
mano izquierda. Por ejemplo: al escribir, cortar, lanzar una pelota, cargar un objeto
pesado, lo hacemos con mayor facilidad, por la seguridad que representa, con la mano
derecha.

Consideramos importante mencionar que existen pintores que sitúan la imagen en el

centro, y se dice que la forma pierde toda posibilidad de movimiento, se vuelve estática,
también algo pesada y se asocia a lo inmóvil, figura 164, también tiene connotaciones de
abatimiento y melancolía.

Fig. 164 Botticelli. El nacimiento de Venus.

145
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Las propuestas gráficas normalmente las encontramos en formatos bidimensionales, sin

embargo, en muchas de las propuestas se hace alusión al espacio, a la realidad misma de
cómo las figuras se insertan y se perciben en el espacio real, es decir vemos figuras más
cerca y otras más lejos o incluso podemos decir que los objetos pueden estar adelante, en
medio o atrás, dependiendo de donde estemos situados al mirar nuestro entorno.
Evidentemente el espacio y las figuras graficas son ilusiones, que aunque seamos
consientes del engaño óptico no podemos percibirlas como lisas, es decir sin volumen, y
en un solo plano de profundidad espacial.

¿Y qué son los planos de profundidad espacial? Lo que acabamos de mencionar arriba:
disponer las figuras de manera que estas se vean adelante: primer plano de profundidad;
en medio: segundo plano de profundidad y atrás: tercer plano de profundidad. Tenemos
varios recursos para lograr representar gráficamente los planos de profundidad, a
continuación mencionaremos y ejemplificaremos los recursos más sobresalientes para
generar y representar el espacio sin recurrir a la perspectiva.

Superposición o traslapo: Una figura se entenderá adelante si no deja ver en forma total a
otra imagen la cual se percibirá detrás de ella.

Fig. 165

Rufino Tamayo, Trovador. 1946.

146
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Tamaño: Cuando colocamos figuras pequeñas y también grandes, vamos a entender que
las grandes están adelante, las medianas en segundo plano y las pequeñas en tercer
plano.

Fig.166

Julio Castellanos, Día de San Juan, 1939.

Fuente: http//www.arts-history.mx pieza_mes/index. Php consulta abril de 2012.

Color. Los colores claros, cálidos y brillantes los percibimos más cercanos, se dice que
tienden a adelantarse y los colores fríos, oscuros o sin saturación tienden a retroceder, se
alejan y nos dan profundidad.

Fig. 167

ooo
147
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Gunther Gerzo Paisaje de Papantla.1955.

Ubicación. Las figuras colocadas en la parte inferior del formato se percibirán adelante y
entre más lejos estén del borde inferior del formato se percibirán muy atrás.
Fig. 168

Rufino Tamayo Las músicas dormidas, 1950.

Nitidez y luminosidad. Cuando vemos las cosas de cerca podemos apreciar todos sus
detalles las observamos muy nítidas, en cambio cuando las vemos de lejos no las
apreciamos en su justa dimensión: borrosas, sin precisión. Situación recurrida para
representar el espacio. Asimismo las figuras con más luz o luminosas las observamos más
cercanas que las que las poco iluminadas y oscuras.
Fig. 169 Leopoldo Méndez. Tiovivo

148
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Transparencia. Cuando un cuerpo transparente se superpone a otro, éste deja ver lo que
hay detrás modificando el color, la reflexión o el tono del que quedó atrás.
Fig. 170

Kandinsky

Fig. 171

Ricardo, Martínez. Sencillez azul cobalto.

Fuente: http//:eleconomista.com.mx

149
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Hay que mencionar que la atmosfera también genera y representa espacio, densidad
atmosférica y esta se puede conseguir invadiendo, tocando, difuminando los cuerpos con
el contexto.

Como te habrás dado cuenta en algunos de los ejemplos anteriores se emplearon más de
un recurso para generar la ilusión de espacio así que observa cuántos y cuáles son las
situaciones espaciales empleadas en la siguiente imagen.

Fig. 172

Vicente Rojo Jardin Interior 3, 2001

150
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Realiza dos diseños utilizando una cartulina o papel que tenga una forma rectangular,
organiza las fuerzas internas de las figuras de modo que el interés de la composición
resalte la importancia de las líneas que forman el contorno del plano básico, de la
siguiente manera:

Problema No. 15 Una composición basada en la tensió espa ial "ha ia a ajo" o ha ia
a i a .

El problema consiste en seleccionar una figura que permita resaltar la cualidad expresiva
de la línea horizontal inferior o superior. También se puede utilizar la expresividad de las
dos líneas. Observa los ejemplos de la lámina IX.

Problema No. 16 Una composición basada en la tensión espacial "hacia la izquierda" o

"hacia la derecha".

El problema consiste en desarrollar un tema en el cual, las figuras seleccionadas resalten

las características de expresión de la línea vertical izquierda y la línea vertical derecha.
También se puede escoger solo una. Observa los ejemplos de la lámina X.

LÁMINA IX

151
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

LÁMINA X

152
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Elementos conceptuales: El punto.

El espacio es el primer elemento que utilizamos al querer desarrollar un dibujo o pintura, y

nuestro primer problema es la selección y organización de los elementos gráficos.
Seguramente en la mente de algunos lectores surgirá la siguiente pregunta: ¿Qué se debe
de entender por elementos gráficos? La respuesta la podemos encontrar de una manera
muy sencilla, utilizando un diccionario, éste nos dice lo siguiente: "gráfico-ca. Adj. Relativo
a la escritura. Dícese de lo que se representa por medio del dibujo. Representación de
datos mediante magnitudes geométricas o figuras"21

Para el propósito de este tema podemos resumirla en el siguiente texto: Representación

de datos mediante figuras.

El inicio de la actividad gráfica comienza cuando ponemos en contacto el lápiz, la pluma o

el pincel con la superficie del papel o tela, de este choque surge una huella que recibe el
nombre de punto. Generalmente llamamos punto a cierta forma circular, sin embargo
cualquier intento por dibujarlo, aunque sea con un lápiz de punta finísima, produce
formas irregulares. Esta conclusión se deriva de observaciones microscópicas, en las que
se ha demostrado que pequeños elementos desarrollan una tendencia hacia otras formas
geométricas. En la imaginación o en la práctica concebimos al punto como un pequeño
círculo, sin embargo puede presentar otras formas geométricas. Figura 173.

Fig. 173

El punto no tiene una forma definida ya que es la representación de una idea, pensamos
en una pequeña forma circular porque ese es el signo tipográfico utilizado en los textos
para indicar el punto y aparte, como representación del silencio; o como este punto y
coma, pausa breve en la lectura; puntos suspensivos (.......), un silencio intencional,
misterioso.

Sin embargo en la Naturaleza, como en la vida diaria, podemos encontrar diferentes

aplicaciones del punto. Por ejemplo, las constelaciones de estrellas sabemos que se tratan

21
Diccionario Esencial de la Lengua Española. Ediciones Larousse. México, 1994. Pág. 327.
153
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

de asteroides de un enorme tamaño, sin embargo y debido a las grandes distancias que
nos separan, aparecen ante nuestra vista como pequeños puntos que brillan en el cielo,
en lo que conocemos como el macrocosmos. En el microcosmos, el átomo forma diversos
conjuntos en donde podemos encontrar elementos que representan la forma del punto.

En física encontramos el punto de apoyo, que es el lugar estratégico que nos permite
superar la resistencia de los cuerpos pesados. Al gran sabio de la antigüedad Arquímedes
se le adjudica la siguiente frase: "Dadme un punto de apoyo y moveré al mundo" y,
efectivamente, para mover una gran roca, se mete debajo de ésta una barra de hierro y se
busca un punto de apoyo, llamado fulcro, que es el lugar en torno al cual se hace fuerza
sobre el brazo de la palanca, con lo que la roca se vuelve más ligera moviéndola con
menor esfuerzo.

También existe en física el punto de ebullición, que es el momento preciso en que un

líquido pasa al estado gaseoso.

El punto se percibe también en las artes y su particular expresión ha sido captada por la
sensibilidad del artista. En la música, principalmente en el ballet, podemos apreciar como
una bailarina realiza sus movimientos en el escenario, con acciones significativas y formas
muy agradables, apoyándose únicamente en los dedos de sus pies, dejando huellas tan
diminutas que pueden catalogarse como puntos en un plano escénico.

Existen instrumentos musicales que producen puntos sonoros, como en el caso del piano
en donde cada tecla produce un sonido corto, tomando este concepto como base se le
puede dar una imagen gráfica al sonido.

En el tejido, una actividad cotidiana de muchos hogares, es la elaboración de prendas de

vestir en las que participa una forma muy particular de bordado, el punto de cruz,
concepto que coincide con la definición que da la geometría sobre el punto: la
intersección entre dos líneas. Por lo que el punto también lo observamos en la unión o
convergencia de varias líneas o planos, como en el caso de la perspectiva en donde existe
el punto de fuga o de vista.

En el caso concreto de nuestra materia de estudio, la expresión gráfica, el punto tiene una
importante participación en la pintura. En los últimos años del siglo XIX surgió un
particular estilo pictórico conocido como puntillismo , también conocido como la pintura
de la luz, estilo visto en el primer tema. En esta particular forma de representación gráfica
se pueden encontrar algunos avances científicos sobre la percepción visual. Newton había
publicado en esta época, 1704, una de sus grandes obras, Óptica; en 1821 apareció el
Manual de óptica experimental de Bou geois; e la Ley del contraste simultáneo de
los olo es , de Chevreul; así como las importantes investigaciones que realizó Goethe en
su o a Teo ía de los olo es , estudios que se basan en principios científicos,
concretamente de la física. Esta ciencia óptica se fundamenta en el hecho de que en la
Naturaleza los colores son producto de la descomposición de la luz y éstos se manifiestan

154
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

como longitudes de onda que se mezclan en la retina, es decir que los objetos no tienen
un color propio, sino que éste es producto de la presencia de la luz.

La técnica consiste en aplicar en la tela colores puros, es decir, que no se mezclan en la

paleta del pintor, colocando pequeñas pinceladas que asemejan puntos, de ahí su nombre
puntillismo. Los colores que se utilizan son los tres fundamentales como el azul, amarillo y
rojo, así como el producto de sus combinaciones: el verde, naranja y violeta. Los puntos se
encuentran colocados unos junto a otros y la distancia entre cuadro y observador es la
que realiza la mezcla de los colores, surgiendo otros colores que no fueron colocados en la
tela, por ejemplo el café surge de la mezcla óptica de un punto azul con la cercanía de un
punto amarillo y de uno rojo. Los diferentes tonos de los colores que podemos encontrar
en los árboles de un paisaje, por ejemplo, se producen por la cantidad de puntos azules,
amarillos y rojos, en diferentes cantidades.

Actualmente existe una enorme industria de la imagen impresa que se conoce como las
Artes Gráficas, en donde el punto adquiere una amplia variedad de formas y tamaños
producto de los diferentes instrumentos, máquinas y procesos fotográficos, que,
siguiendo los principios físicos del puntillismo, permiten la elaboración de carteles, libros,
revistas, periódicos, folletos, envases, empaques, etc., y que están presentes en cada
momento de nuestra vida diaria.

En cuanto a su tamaño, los límites del punto son relativos. En algunas ocasiones hemos
escuchado la expresión uest o pu to de eu ió se á e este luga . Si se dijera que la
cita es en el Zócalo de la Ciudad de México, algunos pensarían que es en el centro de la
explanada, donde esta el asta bandera, otros se dirigirán a la Catedral o al Palacio
Nacional, y si a esto le agregamos que cada uno de los citados va a llegar por la calle que
está más próxima a su medio de transporte, esto haría más grande la confusión. En
cambio, sí en toda la República Mexicana se organizaran peregrinaciones para acudir a la
Basílica de Guadalupe en la Ciudad de México, seguramente que nadie confundiría el
lugar, todos pensarían en llegar frente al altar de la Virgen, por lo tanto saben a donde
tienen que llegar, vengan de donde vengan, por lo que el punto de reunión representa un
espacio concreto, específico, un lugar definido dentro de la totalidad de un universo.

De igual manera podemos señalar los tamaños del punto en la obra gráfica. Cuando la
figura sea la única que contiene el plano material y esta es pequeña, se le considerará
como punto, sin embargo, cuando existan dos o más figuras, el punto será la figura más
pequeña. En el primer caso observamos la relación entre el tamaño del punto y el del
plano material; en el segundo caso consideramos los tamaños relativos del punto y de las
otras figuras contenidas en el formato.

Por todos los ejemplos presentados podemos llegar a la conclusión de que el punto no
tiene una forma, tamaño, color o textura determinada, como se mencionó anteriormente
el punto representa una idea, por tal motivo se le considera como un elemento

155
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

conceptual, como lo menciona Wucius Wong22 quien lo explica de una manera muy
sencilla: "Los elementos conceptuales no son visibles. No existen de hecho, sino que
parecen estar presentes.............si lo están, a o so o eptuales . Por lo consiguiente la
definición más apropiada que podemos dar sobre el punto es que es la mínima parte de
un todo.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Generalmente un punto se concibe como un círculo perfecto, sin embargo, en la práctica

el punto adquiere formas diversas según factores como:

1. La herramienta que lo produce.

2. La textura de la superficie que lo contiene.
3. La cualidad del punto como resultado del contacto con el plano definitivo.

El punto puede obtenerse mediante varios procedimientos, por lo que te recomiendo que
realices las siguientes prácticas.

22
Wong, Wucius. Fundamentos del diseño bi y tri dimensional. Ediciones Gustavo Gili. México, 1992. Pág.
11
156
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

EL PUNTO COMO ELEMENTO DE ORGANIZACIÓN.

Utilizando puntos que tengan la misma forma, realiza una composición en donde la
disposición, arreglo u orden establecido corresponda a una de las siguientes agrupaciones:

Figuras que se tocan. Lado con lado.

157
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Figuras que se superponen. Una encima de la otra.

158
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Figuras que se interconectan. Una se encadena a la otra.

159
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

VARIEDAD EN LA FORMA DEL PUNTO.

Utilizando diferentes instrumentos de dibujo, realiza una composición en donde el punto

sea producto del choque de la herramienta con el plano material. Para facilitar la
organización del punto, realiza primero un boceto de la composición, como lo muestra la
siguiente lámina.

160
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

LÁMINA XI

EL PUNTO COMO ELEMENTO DE REPRESENTACION.

Realiza varios ejercicios en donde se obtengan las características del claroscuro, utilizando
la diversidad del punto, organizándolo del siguiente modo:

Aglomeración y dispersión. Utilizando la misma forma y tamaño de punto, produce varios

tonos de gris con base a la concentración y disminución del punto, mientras más puntos
existan más negro será el tono de gris; por el contrario, mientras menos puntos existan
más áreas blancas se presentarán. Es un procedimiento bastante adecuado para
representar el fenómeno físico de la luz y la sombra.

Observa el ejemplo de la siguiente lámina.

161
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

LÁMINA XII

162
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Elementos conceptuales: La línea.

Primera Actividad

Anteriormente se definió al punto como el resultado del choque de la herramienta con el

plano material, en el cual encontramos fuerzas concéntricas que lo mantienen en un
estado de reposo. Cuando una fuerza exterior es mayor a la propia, produce movimientos
en el punto con una determinada dirección, el cual deja una huella a la que llamamos
línea.
Wassily Kandinsky nos ofrece una definición de la línea que será de gran ayuda para
comprender su importancia en la expresión gráfica, al respecto dice lo siguiente: "La
línea geométrica por definición es un ente invisible. Es la traza que el punto deja al
moverse y por lo tanto es un producto suyo. Con ella se salta de una situación estática a
una dinámica. Existen tres tipos de líneas: Línea recta. Cuando una fuerza procedente del
exterior desplaza al punto en cualquier dirección, se genera el primer tipo de línea en la
que la dirección permanece invariable y tiende a prolongarse indefinidamente. Esta es la
recta. De la cual se desprenden tres clasificaciones: Recta horizontal: En la percepción
humana corresponde a la línea o al plano sobre el cual el hombre se yergue o se desplaza.
Es pues la base protectora, fría, que puede ser continuada en distintas direcciones sobre el
plano. El tono básico de la línea horizontal es su frialdad y su aplastamiento.
Recta vertical: La línea opuesta totalmente a la horizontal, que forma con ella un ángulo
recto. En ella la altura sustituye al aplastamiento y el calor al frío.
Recta diagonal: La diagonal es la recta que esquemáticamente se separa en ángulos
iguales de las dos anteriores. Es una reunión equivalente de frío y calo 23.
Siguiendo con la idea de Kandinsky, podemos agregar que en el punto pueden existir una
o varias fuerzas externas que lo desplazan en direcciones distintas, cuando el movimiento
de nuestra mano tiene una sola dirección, el lápiz marcará una línea recta; si tiene dos
direcciones la línea será angular, y si tiene varias direcciones, surgirá la línea curva. La
variedad de las líneas está determinada por el número y la dirección de las fuerzas
externas que mueven al punto.
Otros elementos que influyen en esa variedad son las herramientas y los procedimientos
utilizados. Cuando la línea es modulada en grosor y tono, realzamos la estructura de la
forma, pero cuando destacamos sus dimensiones por medio de la diferencia de tonos, el
simple contraste entre una forma y otra, acentuará mayormente las líneas estructurales.

Las tres direcciones básicas de la línea recta son la horizontal, que como su nombre lo dice
es la que determina el horizonte, la división entre el cielo y la tierra, figura; la vertical, que
es la recta que guarda una posición perpendicular al horizonte, es la que nos indica
cuando estamos en equilibrio; y la diagonal, que es la que va de un vértice a otro, nos
indica movimiento.

23 www.universoe.com/arte/resumenes/pintura/01kandinsky.shtml
163
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Para poder comprender las posibilidades gráficas de la línea realiza los siguientes
ejercicios:

Utilizando una regla y escuadras traza líneas rectas, con tinta china negra, organizándolas
de tal manera que con la unión o interacción de éstas, se obtenga una estructura rítmica.
Estos ejercicios tienen la intención de que practiques el manejo de los instrumentos de
dibujo, buscando el trazo exacto, sin manchas o líneas de diferente grosor. Después, con
la ayuda de tu imaginación, desarrolla otras estructuras lineales con base a los conceptos
de orden y ritmo. Observa la siguiente lámina.

LÁMINA XIII

Con el propósito de desarrollar tu imaginación realiza un dibujo con mayor grado de

dificultad, como los ejemplos de la siguiente lámina.

164
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

LÁMINA XIV

165
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Segunda Actividad

Como ya se mencionó en la segunda unidad, el sombreado es un recurso técnico del

dibujo para representar en una superficie plana - papel o cartulina -, el volumen natural
del objeto y su relación con el espacio que lo contiene, el efecto de profundidad que
resulta de los contrastes tonales es consecuencia de la adecuada organización de los
valores de claridad. Lo claro no solamente significa una parte del objeto que recibe luz,
sino también el color natural del objeto que presenta mayor luminosidad con respecto a
los demás. Lo oscuro no solamente significa las partes que han perdido claridad por estar
opuestas a las fuentes de luz, sino todos los colores que por naturaleza reflejan con menos
intensidad la luz, conservando cierta oscuridad, como el azul y el violeta.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando un instrumento de entintado –estilógrafo o plumillas-, realiza el siguiente

ejercicio:

a) Aplicando líneas de diferente grosor elabora un dibujo en donde se aplique la técnica

del claroscuro, según lo explicado en la teoría. Observa los ejemplos de la lámina XV.

LÁMINA XV

166
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Tercera Actividad

Contraste simultáneo.- En nuestro campo visual, toda forma se estructura a través de las
diferencias en tamaño, configuración, color y tono propias de cada figura. Estas
diferencias determinan el contraste y éste a su vez, la existencia más o menos destacada
de nuestras imágenes. Las letras que contiene esta hoja de papel se destacan claramente
porque la tinta es negra sobre un fondo blanco, y lo mismo resulta si se utilizan colores
oscuros sobre planos claros. Sin embargo, cuando se aplican tintas de colores claros se
disminuye el contraste entre escritura y fondo, se diluye el relieve y la vista tiene que
hacer un esfuerzo mayor para leer lo escrito. Un ejemplo que te ayudará a comprender la
importancia del contraste en la imagen visual es el de la oscuridad. Cuando nos
encontramos en un cuarto totalmente oscuro, nuestro sentido de la vista pierde su
utilidad; los objetos no se perciben y necesitamos de nuestras manos para distinguir los
objetos que llenan la habitación. Cuando aplicamos luz podemos observar la forma, el
tamaño y la distancia a la que se encuentra cada uno de los objetos, porque éstos
contienen diferentes colores, que estructuran contornos o siluetas; es decir, líneas que
separan una forma de otra.

Del mismo modo, cuando en el dibujo utilizamos los contrastes, podemos estructurar
líneas por medio de nuestra vista y no solamente con la pluma o el lápiz. La base principal
se fundamenta en una regla sencilla que nos recuerda al tablero de ajedrez: un espacio
negro junto a uno blanco, destacando así una línea que nos estructura a un cuadrado, por
lo que la forma es producto de un contraste simultáneo entre los dos tonos. Si un espacio
negro se juntara con otro, negro también, desaparecería visualmente la línea; el blanco, al
juntarse con otro blanco, nos obliga a dibujar la línea con una pluma o lápiz para que la
figura exista. Observa la figura 174.

Fig. 174

167
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Cerramiento psicológico.- Para representar la figura debemos tomar las partes más
significativas que determinan la base de su estructura lineal, por ejemplo: un triángulo se
distingue, como sabemos, por tener tres ángulos; un cuadrado, por sus cuatro ángulos; un
círculo, por ser una línea curva constante hacia todos sus lados; la elipse, por tener dos
curvas cortas y dos largas, en forma de óvalo.

No es necesario trazar todas las líneas de un rectángulo, basta con colocar los cuatro
ángulos en forma tal que sirvan como puentes para que la vista pase de un ángulo a otro,
creando en la imaginación la recta que hace falta para completar la línea. El grosor de la
línea también puede contribuir a la creación de una forma psicológica, de esta manera
podemos crear con la imaginación la figura de un cuadrado, un círculo o una elipse.
Siguiendo este sistema tan sencillo se pueden elaborar dibujos de una gran complejidad y
muy originales como lo puedes apreciar en la figura 175.

Fig. 175

168
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando líneas de diferente grosor, rectas y/o curvas, con diferente sentido o dirección
realiza ejercicios tomando como ejemplo los siguientes dibujos:

Cerramiento. Tomando los elementos más significativos de la forma o de la idea que se

quiere expresar, elabora un dibujo por medio de la línea interrumpida. El problema
consiste en encontrar las partes que sirvan de puente para que la imaginación pueda crear
las líneas que hacen falta para poder cerrar la forma, observa el ejemplo de la siguiente
lámina.

LÁMINA XVI

Contraste. Siguiendo las características del tablero de ajedrez, un espacio blanco junto a
uno negro, crea un dibujo en donde las formas escogidas se perciban por la línea que
surge del contraste entre dos tonos.

169
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

LÁMINA XVII

170
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Elementos conceptuales: El plano.

Para comprender mejor los términos utilizados nos ayudaremos de los principios de la
Geometría, la cual nos indica lo siguiente: Cuando trazamos una línea horizontal y sobre
ella una línea vertical, podemos afirmar que se encuentran en una posición
perpendicular, es decir que forman un ángulo recto, al coincidir en un punto llamado
vértice. Cuando la línea vertical se inclina hasta llegar cerca de la horizontal, vemos un
ángulo denominado agudo. Cuando la abertura se va ampliando nace el ángulo obtuso,
pero cuando llega a una posición en que ambos lados del ángulo forman una línea recta,
lo llamaremos ángulo llano. Como instrumento de dibujo tenemos el transportador, una
pieza semicircular que presenta 180 divisiones que representan a cada uno de los grados
sexagimales, y que nos permite dividir, matemáticamente, al ángulo. Agudo, de 45º; recto,
de 90º; obtuso, de 135º; y llano, de 180º; los demás ángulos son agudos y obtusos
atípicos, difieren de los típicos por el grado de ángulo.

Así, de esta manera, podemos definir a la línea angular como el resultado de dos fuerzas
que han suspendido su energía después del impulso único, y origina una conexión mucho
mayor con el plano, porque lleva parte de él, produciendo superficies limitadas, donde
principio y fin se unen y que la Geometría las ha denominado como polígonos. El ángulo
agudo contiene el germen para el plano más simple, el de las tres rectas que se unen por
sus extremos y que llamamos triángulo, el cual según la igualdad o desigualdad de sus
lados, puede ser equilátero, isósceles o escaleno. El triángulo es considerado como una
figura sencilla, sin embargo, las múltiples combinaciones de él, nos ofrecen una gran
variedad de formas, como la del polígono de cuatro lados, y por lo mismo, cuadrilátero.

Cuando en un polígono sus lados sean infinitos, los veremos únicamente como puntos que
nos representan una figura redonda y que conocemos como círculo.

Pasemos ahora al análisis de las formas geométricas, consideradas como planos, en la

composición. El triángulo, cuadrado, rectángulo, círculo y el óvalo son figuras que se han
utilizado desde la pintura clásica hasta las manifestaciones contemporáneas, pasando por
todos los estilos artísticos, principalmente el cubismo. Todas las figuras objetivas nacen de
una forma geométrica. Así, tal y como dibujan los niños, la cabeza del ser humano se
representa por medio de un círculo; el tronco, por medio de un rectángulo; el vestido de
una mujer, por un triángulo. Al mirarlas envolvemos a todas las figuras con una manta
imaginaria que nos impide observar su forma concreta, llena de minuciosos detalles, y
dejamos únicamente la forma más simple: su silueta.

De igual manera, al observar una pintura cubrimos imaginariamente cada una de las
figuras, y las siluetas nos ayudan a encontrar las relaciones lineales que dan lugar a las
formas geométricas. De esta manera podemos percibirlas de un modo más sencillo.
Mencionaremos a continuación las formas geométricas más utilizadas en la composición y
su utilidad en la expresión gráfica.

171
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La línea recta.- Recuerda que la línea horizontal nos ayuda a expresar una idea de
seguridad, pasividad o de algo que está inerte en el piso, figura 176. La línea vertical, una
idea de movimiento hacia arriba, figura 177. La línea diagonal expresa una idea de
dinamismo, figura 178.

Fig. 176 Fig. 177

La línea curva.- Expresa una idea de movimiento más acentuado que la línea diagonal,
pero con un carácter de suavidad, sin la severidad y la frialdad de la línea recta. Es una de
las formas más agradables de estructurar el ritmo y permite un mayor aprovechamiento
del plano que la obra formal, figura 179.

Fig. 178 Fig. 179

El triángulo. Es un elemento compositivo de gran dinamismo. Las múltiples

combinaciones de su estructura pueden llevarnos a relaciones complejas. Por ello es

172
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

preciso tener mucho cuidado en su aplicación, para no romper con el equilibrio visual de
la obra, figuras 180 y 181.

Fig. 180 Fig. 181

El cuadrado.- Es una de las formas geométricas más equilibradas, esquema compuesto por
cuatro líneas iguales, neutralidad de expresión que la hacen ser fría y estática, figuras 182
y 183.

Fig. 182 Fig. 183

El rectángulo.- El rectángulo tiene dos líneas rectas más largas y dos más cortas. Si se
coloca en posición vertical, la expresividad que ofrecen las figuras es de firmeza,
173
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

estabilidad y movimiento ascendente. Si se colocan en forma horizontal las figuras

expresarán serenidad, pasividad o seguridad, figuras 184 y 185.

Fig. 184 Fig. 185

El círculo.- Tiene la misma expresividad que el cuadrado, aunque esta forma permite una
mayor participación de la estructura lineal, de un perfecto equilibrio, figuras 186 y 187.

Fig. 186 Fig. 187

El óvalo.- Tiene dos líneas curvas más prolongadas (en forma elíptica), y dos más cortas
(en forma circular). Si el óvalo se coloca en forma vertical, la expresividad que ofrecen las

174
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

figuras es de firmeza, y movimiento ascendente. Si se colocan en forma horizontal, las

figuras expresan serenidad, pasividad o seguridad, una idea de descanso, figuras 188 y
189.

Fig. 188 Fig. 189

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina, realiza un diseño en donde la línea subyacente sirva de

elemento de composición, organizando las figuras con las siguientes características:

Un diseño en el que resalte la expresividad de la línea recta, ya sea horizontal, vertical o

diagonal (una sola línea).

Un diseño donde resalte la expresividad de la línea curva.

Un diseño donde resalte la expresividad de la forma geométrica escogida (triángulo,

cuadrado, rectángulo, círculo u óvalo).

Observa los ejemplos de las figuras anteriores.

175
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Elementos visuales: Forma, tamaño, tono y textura.

Para poder percibir una forma se requiere que haya diferencias en el campo visual. Así,
cuando observamos un dibujo o pintura, apreciamos cada uno de los elementos por el
contraste existente entre ellos, determinado por la variedad en sus formas, tamaños,
colocación y tonos o colores. Este contraste puede provocar que una figura tenga mayor
atracción o mayor peso. En un dibujo toda figura ejerce una fuerza interna que atrae la
atención de la vista. En la vida cotidiana no somos conscientes de estas fuerzas internas
aunque están constantemente presentes en nuestra percepción de las imágenes.

Cuando en un diseño nuestra vista se reparte equitativamente hacia todos los lados del
papel, podemos decir que se trata de una composición en equilibrio; sin embargo, cuando
nuestra vista se fija con mayor insistencia en uno de sus lados, entonces en el diseño las
fuerzas internas de la imagen han sido aumentadas o disminuidas en alguna de las
características siguientes:

Forma.- Se puede lograr una adecuada composición cuando las figuras se organizan en
relación con su semejanza. Cuando encontramos un parecido en los elementos utilizados,
percibimos una relación entre ellos, como en la figura 190 donde encontramos el círculo
como elemento que se repite, la vista encuentra fuerzas de atracción de igual magnitud,
es decir, hay equilibrio entre las formas.

Fig. 190

176
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Tamaño.- Cuando observamos una figura grande y otra más pequeña, nuestra vista se
fijará con más insistencia en la de mayor tamaño; a esto se le conoce como un
desequilibrio visual. Si queremos obtener una igualdad en la atracción que cada figura
ejerce en nuestra vista, será necesario aumentar las fuerzas internas de la figura menor y
disminuir las de la figura mayor; una manera de lograrlo es dándole el tono o color más
contrastante a la primera, figura 191.

Fig. 191

Color. – Los colores, así como sus diferentes valores tonales, dentro de la expresión gráfica
participan como un factor de peso, es por ello que es necesario analizarlos como
elementos compositivos, por su particular importancia dentro de la obra plástica.
Analicemos las siguientes características:

Toda figura pequeña, de un color claro u oscuro, resaltará con bastante fuerza visual
cuando está contenida en un fondo de tonalidad opuesta. Cuando la figura va aumentado
su tamaño, va perdiendo su impacto visual. Toda figura de un color o tono claro perderá
su importancia visual cuando se le coloca en un fondo de gris claro, el color u tono oscuro
se destacará menos cuando está en un fondo de un gris oscuro, figura 192.

Fig. 192

177
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Esto nos ayuda a comprender que los colores encuentran su mayor impacto visual cuando
tienen un tamaño y fondo opuesto, mientras que en un ambiente gris pierde su cualidad
de imagen visual. Mientras más se destaque mayor peso adquieren los colores, por lo que
tiene una función muy particular como elemento de equilibrio.

Debemos buscar siempre el adecuado equilibrio, tanto en las semejanzas de los colores o
tonos como en los grandes contrastes, que dan el debido valor artístico a nuestras
composiciones. Debemos, por lo tanto, tener un especial cuidado en la organización de los
valores tonales, para no perder el contraste necesario que haga resaltar los elementos
compositivos de nuestros dibujos. De acuerdo con la organización que hagamos de estos
valores tonales, podemos facilitar la clara expresión de nuestra obra; los tonos oscuros
pueden ofrecer una idea de dramatismo, mientras que los claros, de suavidad, quietud,
alegría. La falta de un adecuado orden en los tonos utilizados en una obra gráfica puede
ofrecer una imagen desagradable a la contemplación estética. Cuando existe una gran
variedad de valores tonales debemos tener mucho cuidado con las distintas atracciones
visuales, para no destruir la unidad que deben guardar los tonos que contiene la obra
plástica.

Al organizar los diferentes intervalos de intensidad que posee el tono, podemos

ordenarlos en tres grupos característicos, denominados claves tonales. José Antonino 24 las
define como la especial disposición subordinada de varios tonos en un conjunto, de modo
que produzcan una unidad de carácter especial. Tienen interés compositivo, ya que en
cada clave los tonos se presentan en áreas más o menos extensas que corresponderían a
masas en la posterior realidad del dibujo.

Hay claves altas, intermedias y bajas.

La clave alta es aquella que reúne los grises más claros y en donde el blanco participa en
mayor proporción que el negro. Tiene una cualidad expresiva definida de luminosidad,
vitalidad, alegría y grandeza. Es una clave muy propia para la realización de paisajes, figura
193.

La clave intermedia contiene aquellos grises considerados como a medio camino entre la
alta intensidad de luz (blanco) y la baja intensidad de luz (negro). Tanto el blanco como el
negro intervienen en la misma proporción, dándole una mayor participación a los grises
medios. Ofrece composiciones muy equilibradas, adecuadas para la expresión de motivos
sencillos y muy comunes, figura 194.

24
Antonino, José. “La composición en el dibujo y la pintura”. Edit. CEAC. Barcelona.
178
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La clave baja está determinada por los grises oscuros hasta llegar al negro. El blanco tiene
una pequeña participación, que da a esta clave una expresión de misterio, dramatismo,
tristeza, pobreza, figura 195.

Fig.193 Fig. 194

Fig. 195

179
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina para dibujo, así como lápices de diferentes graduaciones,
realiza una composición con las siguientes características (selecciona una de las tres):

Clave Tonal Alta. El problema consiste en desarrollar un dibujo en el cual se exprese una
idea de quietud, suavidad o vitalidad, aplicando las tonalidades más claras que nos
ofrecen los lápices HB, 2H, 4H y 2B.

Clave Tonal Intermedia. El problema consiste en realizar un dibujo en el cual se manifieste

una imagen media entre la alegría y la tristeza, utilizando los lápices HB, 2B, 4B y 6B.

Clave Tonal Baja. El problema consiste en elaborar un dibujo donde se resalte una imagen
dramática, triste o sombría, utilizando los lápices 4B, 6B y 9B.

Textura.- Llamamos textura a la característica que posee una superficie o al modo en que
ésta refleja la luz. Algunas superficies absorben o reflejan mayor o menor cantidad de luz y
en la vida cotidiana las catalogamos como superficies brillantes, apagadas, opacas,
transparentes, etcétera. Existen una muy amplia variedad de texturas, las cuales podemos
dividirlas en dos grupos, las de carácter visual y las de una sensibilidad al tacto.

La textura visual se refiere a las cualidades que podemos apreciar en las superficies a
través de nuestros ojos. La decorativa, como su nombre lo dice, es para adornar la
superficie que la contiene. La espontánea es la que se origina a través de un proceso
biológico, producto de la naturaleza del objeto, como la corteza de un árbol, por ejemplo.
Por último, tenemos la textura que surge de un proceso mecánico, es decir a través del
uso de ciertos instrumentos, en el caso del dibujo y la pintura, espátulas, escobillas,
solventes, pedazos de tela, fibras sintéticas o todo tipo de materiales que nuestra
imaginación se le ocurra, figura 196.

Fig. 196

180
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina para dibujo, así como diferentes materiales como algodón,
tela, piedra, papel, madera, etcétera; tinta china negra; plastilina; una brocha o pinceles
de pelo suave, realiza una composición aplicando el siguiente método:

Coloca una pequeña cantidad de plastilina sobre la superficie que contenga la textura
deseada.
Oprime suavemente la plastilina hasta que se grabe perfectamente la figura de la textura
de la superficie escogida.
Con una brocha o pincel aplica tinta china negra sobre la superficie grabada en la
plastilina.
Coloca la plastilina sobre el papel, colocando previamente una mascarilla para que se
entinte únicamente el espacio que deseas de la composición creada.
No presiones demasiado la plastilina, porque ésta se aplana y se pierde la figura de la
textura grabada en la plastilina.

Siguiendo este procedimiento se pueden lograr dibujos como el que te presentamos en la

lámina XVIII.

LÁMINA XVIII

181
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Elementos de relación: Dirección, posición, intervalo, ritmo y armonía, equilibrio y

proporción.

Cuando observamos un objeto nuestra retina capta también las características de las otras
figuras que le rodean, así como su participación con el ambiente y con ellas mismas de
manera muy particular, estas formas de participación pueden ser de acuerdo a los
siguientes conceptos:

Dirección.- Es la relación existente entre la figura y el campo visual. Cuando la figura

contiene una estructura basada en la línea recta, según sea su posición, podrá definir
movimiento en un determinado sentido - derecha, izquierda, abajo o arriba –, figuras 197
y 198.

Fig. 197 Fig. 198

Posición- Es la relación de las figuras en cuanto a su colocación en el campo visual, por

ejemplo: un cuadrado y un rombo son la misma figura; sin embargo, su colocación las
hace percibir como algo distinto, figuras 199 y 200.

182
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 199 Fig. 200

Intervalo.- Es el espacio que existe entre una figura y otra. Se puede organizar la
composición de un diseño basándose en las fuerzas internas que también podemos
encontrar en estos espacios, figuras 201 y 202.

Fig. 201 Fig. 202

Ritmo y armonía.- Es importante mencionar que la composición consiste en organizar las

figuras para que la vista observe todo el diseño. Sin embargo, esto es muy difícil. Al leer
este texto por ejemplo, nuestros ojos perciben letra por letra, para poder estructurar cada

183
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

palabra y, al unirlas, encontrar un particular significado. Sin una técnica de lectura

dinámica, es imposible leer toda la palabra sin separar con la vista cada una de las letras,
más difícil aún será leer al mismo tiempo todas las palabras que contiene esta página. Lo
mismo sucede con el dibujo: es prácticamente imposible observar todas las figuras al
mismo tiempo. Por lo tanto, para facilitar la observación de toda obra artística, colocamos
las figuras de manera tal que permitan al ojo seguir determinado camino visual, fuera de
toda duda en la percepción de la forma. A ese camino lo llamamos ritmo.

Las líneas que determinan el ritmo no están visibles, en la mayoría de las obras pictóricas
están determinadas por la posición que guardan las figuras y su relación entre ellas, como
lo puedes apreciar en las figuras 203a y 203b.

Fig. 203a

Fig. 203b

184
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Las líneas que establecen el ritmo están subyacentes, por lo que tienes que utilizar la
imaginación para trazarlas en el cuadro, como en la figura 204, 205 y 206.

Fig. 204 Modigliani

Fig. 205 Rubens. Fig. 206 Velázquez

185
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La palabra ritmo proviene de la palabra griega rheo que significa fluir. Es, en principio, una
idea que se refiere al movimiento, paso, cambio. Sin embargo en la expresión gráfica es
necesario que exista algo más que movimiento, se necesita una ordenación de ese
movimiento, un orden que se conoce como armonía entendiéndola como una relación y
correspondencia de unas figuras con otras. La mejor manera de entender estas dos
palabras, ritmo y armonía, es a través del ejemplo de la figura 207, donde se presentan las
líneas que la vista va siguiendo para estructurar el ritmo, un movimiento que nos permite
observar, de manera ordenada todas las figuras de la composición. La armonía la podemos
encontrar en la correspondencia que tienen los módulos, formados por un cuadrado con
una curva, logrando una amplia gama de combinaciones.

Fig. 207

186
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina para dibujo, así como regla, escuadras o compás y un
instrumento de entintado, realiza una composición con figuras geométricas,
organizándolas con base a las palabras ritmo y armonía aplicando la técnica del módulo. El
módulo consiste en utilizar la misma figura en toda la composición, en la cual se repite el
tamaño pero se puede cambiar su posición y su tono o color. No puedes aumentar o
quitar elementos. Observa los siguientes ejemplos:

Fig. 208. Fig. 209.

Módulo. Un cuadrado con dos curvas Módulo. Un cuadrado con una diagonal y
un triángulo con punta redonda.

Equilibrio.- Todo movimiento que realiza nuestro cuerpo, inclusive cuando estamos de pie,
lo realizamos dentro del marco del equilibrio, es decir, que nos preocupamos
intuitivamente por conservar la perfecta relación entre el plano de sustentación con
nuestro centro de gravedad, si la relación está mal planteada produce nuestra caída.

Desde el punto de vista de la física, el equilibrio es el estado de un cuerpo en el cual las

fuerzas que operan sobre él se compensan mutuamente. La definición es aplicable al

187
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

equilibrio visual; como un cuerpo físico, toda estructura perceptible posee un centro de
nivelación, por lo que podemos llamar a este equilibrio de fuerzas como peso visual.

Entendemos como peso visual el área o figura de mayor interés o atractivo de toda
nuestra propuesta gráfica, cuando se trabaja con peso visual se le está dando variedad a la
composición, por lo que hay que mantener la unidad, cuidando de la integración de los
elementos y evitar que se note como un muestrario de formas.

Una figura se ve más importante o atractiva, si ésta tiene cualquiera de los aspectos
siguientes:

Mayor tamaño con respecto a otras

Color llamativo, brillante o puro
Mayor luminosidad
Dirección diferente a las de su entorno
Tiene una ubicación relevante

Ejemplos:
Peso visual por tamaño

Francisco Toledo, Burro conejo

Fue te: http:// li kgotes. logspot. o /…/f a is o-toledo.htlm

188
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Peso visual por color

Rodríguez Lozano ¿¿??El duelo??¡¡

Fue te: http:// el log.alga a ia. o /…/

Peso visual por dirección:

Manuel Rodríguez Lozano La revolución

http://cdn.animalpolitico.com

189
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Rogen Van Der Descendimiento de la cruz

Peso visual por luminosidad

Ricardo Martínez, Mujer con palma,1995, Fuente:http://www.jornada.unam.mx/2008/05/11

190
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Observa la siguiente imagen y determina dónde está el peso visual y como lo obtuvieron,
recuerda que las posibilidades se pueden conjuntar.

Rodríguez Lozano, Santa Ana muerta con cuatro figuras 1933

Fuente: http://museos-de-mexico.blogspost.com

Peso visual por ubicación

La imagen que sigue a continuación la figura principal está en sección áurea, tema que se
desarrolla ampliamente más adelante.

González Camarena

191
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Por medio de los ejemplos anteriores podemos comprender que una pintura bien
realizada, en sí, es una obra en la cual se compensan los pesos de todas las masas
ofreciendo una unidad armónica. Al hablar de masas nos referimos a las figuras humanas,
casas, objetos, animales, árboles, montañas, etc., es decir, a toda figura plasmada en el
plano material y cuyo peso está manifestado por su tamaño y tono.

El peso también está en relación con el lugar que ocupa la figura. Una figura que se
encuentra en el centro del plano material sugiere un claro reposo, mientras que si
cambiamos su posición podemos observar no sólo que ocupa un lugar sino, también, que
manifiesta una especie de inquietud, que puede experimentarse como una tendencia de
la figura a cambiar su colocación. Una figura situada en el centro de la composición posee
menos peso compositivo que una que esté fuera de él. En el centro las fuerzas de
atracción visual se compensan unas a otras, ofreciendo la imagen de un total reposo, de
algo que está quieto, pasivo, inerte, sin vida. Fuera del centro existen fuerzas de mayor
atracción visual, por lo que las figuras adquieren un mayor peso.

El peso depende también del tamaño; es decir, cuanto más grande sea la figura, mayor
atracción visual tendrá con respecto a las pequeñas. En cuanto al color, el rojo tiene
mayor atracción visual y, por lo tanto más peso que el azul. Los colores de alta
luminosidad, como el amarillo, tendrán más peso que los colores oscuros.

La forma y la dirección también tienen gran importancia como factores del equilibrio
visual. La forma regular, como las que encontramos enmarcadas por la geometría, es más
pesada que la irregular. De igual manera la dirección es influida por la ubicación. El peso
de toda figura compositiva atraerá a los objetos vecinos y les impondrá una dirección,
movimiento que establece un camino, el cual, sí está equilibrado, producirá un
determinado ritmo.

La forma de las figuras, así como su ubicación, produce ejes que a su vez crean fuerzas
dirigidas. Los ejes producidos por la estructura compositiva permiten un movimiento
imaginario hacia las dos direcciones opuestas.

El equilibrio más común y simple es el conocido como equilibrio simétrico, el cual

demuestra una seguridad incuestionable: el mismo peso de un lado del eje central que de
el otro. En la obra gráfica, esta estabilidad resta dinamismo y variedad a la composición,
ya que el equilibrio se centra regularmente en uno o dos puntos de sustentación. La forma
parece tener más peso cuando es geométrica. Por lo tanto, el peso depende, como lo
expresé anteriormente, de la forma y el tamaño de la figura.

Enseguida mencionaré algunas características especiales del equilibrio de masas, que

tienen un gran aprovechamiento en la representación gráfica.

192
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

El equilibrio axial simple es el más utilizado en la composición, por el cuidado que

manifiesta en la compensación de pesos, a partir del punto de balance o eje central. Este
sistema tan sencillo consiste en repetir las mismas figuras que están de un lado del eje
central en el lado opuesto, pero en forma invertida; como si colocáramos un espejo a la
mitad del dibujo. También podemos encontrar estructuras en donde existen pequeños
cambios en la forma y posición de los elementos sin modificar el concepto de simetría,
figuras 210 y 211.

Fig. 210 Fig. 211

En la simetría axial por tono, los diferentes grises proporcionan una posibilidad de romper
la monótona repetición de la axial. La solución consiste en utilizar estructuras diferentes
para el tono o la forma, ofreciendo una imagen más viva. Los dos lados pueden tener una
forma distinta, pero con los mismos grises. También podemos tener las mismas figuras en
los dos lados del eje central pero con tonos distintos, sin perder el equilibrio visual, figuras
212 y 213.
Fig. 212 Fig. 213

193
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

En los dos casos anteriores se utiliza un eje central que puede estar colocado en sentido
horizontal, vertical o diagonal. Cuando se utilizan dos ejes empleamos la simetría radial,
que consiste en dividir nuestro espacio material en cuatro planos, cuya estructura lineal
de cada uno es igual a la de los tres restantes, aprovechando la simetría axial simple o por
tono, figuras 214 y 215.

Fig. 214 Fig. 215

Algo más sencillo es el equilibrio angular, en el cual los pesos ascendentes de los ángulos
superiores quedan equilibrados por los pesos descendentes de los ángulos inferiores.

La solución consiste en dividir nuestro espacio material por medio de dos ejes
centrales. Al igual que en la simetría anterior, la división nos ofrece cuatro planos, pero, a
diferencia de la radial, en este caso repetimos las características estructurales sólo en los
planos opuestos. Es decir, el plano superior izquierdo tendrá los mismos elementos
compositivos que el inferior derecho, y el plano inferior izquierdo, con los del superior
derecho, figuras 216 y 217.

Fig. 216 Fig. 217

194
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

En toda obra de arte, muchos de los factores arriba mencionados se apoyan entre sí para
lograr el equilibrio del conjunto; el peso que proporciona el color puede compensarse
mediante el peso de la ubicación.

La complejidad de estas relaciones contribuye en gran medida a la animación de una obra

de arte. Te recomiendo que pongas mucha atención en el análisis de toda obra gráfica, en
una pintura, en un grabado, en las portadas de libros y revistas, y en todo aquello que es
parte de nuestro ambiente, como las imágenes de señalización, que nos orientan e
informan de una manera agradable.

Estos medios te ayudarán a tener un concepto más claro de las diferentes posibilidades
de equilibrar las masas en el desarrollo de un dibujo.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

Utilizando papel o cartulina para dibujo, realiza un diseño de la siguiente forma:

a. Una composición con base en la simetría axial simple. El problema consiste en

desarrollar un dibujo en donde los elementos se repitan a ambos lados de su eje central,
el cual puede estar en posición vertical, horizontal o diagonal. No es necesario que las
figuras sean exactamente iguales, la semejanza puede estar en la posición, tamaño,
ubicación, color y número.

b. Una composición con base en la simetría axial por forma y/o tono. El problema
consiste en elaborar un dibujo en donde los modelos utilizados guarden una gran
semejanza en la forma de sus partes, así como de los grises que están en ambos lados del
eje central.

c. Una composición con base en la simetría radial. El problema consiste en realizar un

dibujo en donde los elementos escogidos estén organizados por dos ejes de equilibrio, los
cuales pueden estar en posición horizontal y vertical, o los dos diagonales.

Una composición con base en la simetría angular. El problema consiste en establecer los
elementos de un dibujo, repitiéndolos únicamente en los ángulos opuestos. En el diseño
los dos ejes de simetría pueden estar presentes, como parte del dibujo, o en forma
oculta.

Proporción. Cuando en una composición se coloca el punto de mayor interés en el centro

del plano, las fuerzas que atraen la vista - producto de los contrastes que determinan la
forma, el tamaño y el tono de la figura - se equilibran entre sí, ofreciendo una figura
estable. El problema empieza cuando colocamos varias figuras fuera del centro, y
aumenta cuando existe variedad en tamaño, configuración y tono de cada uno de esos
elementos.

195
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La ubicación de cada figura crea fuerzas externas que determinan el interés de la vista, de
modo que si no existe una relación proporcional y rítmica, nuestros ojos no sabrán con
exactitud cómo observar cada uno de los elementos que participan en la obra gráfica. Esta
duda produce una situación desagradable en el espectador y le hace más difícil el análisis
perceptual de la obra.

Por eso, al iniciar nuestro dibujo debemos de realizar un profundo estudio de las
relaciones visuales que va a tener cada una de las figuras con las que estarán a su
alrededor; es decir, se debe buscar una adecuada relación entre las figuras pequeñas con
las grandes y entre las brillantes con las oscuras. Que las grandes, por su tamaño, no
tengan mayor atracción visual que las pequeñas, y que las brillantes, por la intensidad de
luz que reflejan, no llamen más la atención que las oscuras. Cuando los factores de forma,
dirección y ubicación mantienen una correcta relación, no parece posible ningún cambio y
la obra, en sí, manifiesta una necesidad de todas sus partes.

Por lo tanto, debemos entender por proporción la debida disposición entre las partes de
un todo. Cuando hablamos de proporción en la figura humana, nos referimos a la relación
que existe entre la cabeza y el cuerpo, para que la cabeza no quede muy pequeña o muy
grande al dibujar. También relacionamos el tamaño de la mano con el de la cabeza, para
que ninguna resulte exagerada.

La forma más sencilla para dividir el espacio a dibujar es por la mitad. Cuando las dos
partes son exactamente iguales, las fuerzas externas se equilibran entre sí, pero carecen
de vitalidad, porque la relación entre estas dos formas es muy estricta, neutralizando la
expresión de las líneas horizontales y verticales que estructuran el contorno del plano
básico.

Precisamente para poder resaltar la expresividad de las líneas del contorno, debemos
mover las figuras del centro del espacio hacia la línea que nos va a servir de base para lo
que queremos expresar. Sin embargo, no se debe entender con esto que dichas figuras
deben de estar junto a la línea escogida, ya que esta posición rompería el equilibrio y con
ello la adecuada proporción de los elementos que componen la obra gráfica, por lo
consiguiente debemos de seleccionar un lugar que nos permita obtener estos dos
aspectos muy importantes: equilibrio y proporción. Un lugar que divida nuestro plano de
tal forma que una de las partes resulte pequeña y la otra sea mayor, logrando con esto
organizar armónicamente las diversas partes de una obra y dándole mayor variedad e
interés a la observación.

Existe un procedimiento para obtener la correcta división entre las partes y que se conoce
como la serie de números de Fibonacci, matemático italiano que en los años 1230 a 1250
desarrolló un proceso el cual consiste simplemente en sumar un número con el que le
antecede. La serie empieza con el 1, el cual se suma consigo mismo dando como resultado
el 2; éste a su vez se suma con el anterior y nos da el 3, y así tenemos la siguiente

196
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

secuencia: 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, 233, etc. Con esta serie, si tenemos una
cartulina que mide 55 cm., podemos dividirla en partes proporcionales a los 21 o a los 34
cm. Es decir, que si queremos resaltar la expresividad de la línea vertical derecha,
tomaremos de la serie de Fibonacci, el 34; si queremos resaltar la expresividad de la línea
vertical izquierda tomaremos el 21. Si el plano mide verticalmente 34 cm., y queremos
resaltar la expresividad de la línea horizontal superior tomaremos el número 13,
colocando la regla de arriba hacia abajo. Si queremos resaltar las cualidades de expresión
de la línea horizontal inferior, tomaremos el número 21.

Debemos tener en cuenta que no todas las cartulinas o lienzos están cortados en medidas
que coinciden con la serie de Fibonacci, seguramente que las medidas que encontraremos
serán muy diferentes; por ejemplo: 60 X 40 cm., o 28 X 15 cm. En estos casos resulta muy
difícil decidir los números que ofrecen equilibrio y variedad. Para evitar esa dificultad,
tenemos la serie de números del arquitecto romano Vitrubio, la cual consiste en sólo dos
cifras: 382 y 618, cantidad que nos da 1000, que significa la unidad. Siguiendo con el
ejemplo de la cartulina de 55 cm., para encontrar las medidas que ofrecen equilibrio y
variedad, bastará con multiplicar 55 X 618 para el espacio mayor.

55 X 618 = 33,990, que en números enteros queda en 34, para el espacio mayor.

55 X 382 = 21,010, que en números enteros queda en 21, para el espacio menor.

Como puedes ver, el 21 y el 34 son los números que le anteceden al 55 en la serie de

Fibonacci. La utilización del 382 y el 618 ofrece cifras más exactas, que facilitan la
adecuada división de cualquier plano en términos de proporción.

Seguramente que surgirá la pregunta ¿De dónde salieron estas dos cifras, el 382 y el 618?
La respuesta la podemos encontrar de la siguiente forma:

Si hacemos las siguientes divisiones nos damos cuenta que encontramos un mismo
resultado.

34  55 = 1.617.6 = 1.618
55  89 = 1.618.1 = 1.618
89  144 = 1.617.9 = 1.618
144  233 = 1.618.0 = 1.618

Invirtiendo las cifras obtendremos los siguientes resultados.

55  34 = 0.618.1 = 0.618
89  55 = 0.617.9 = 0.618
144  89 = 0.618.0 = 0.618
233 144 = 0.618.0 = 0.618
197
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Las cifras que coinciden en cada división son el 1.618 y 0.618. La primera se utiliza cuando
queremos crear un espacio mayor al de un segmento ya determinado, por ejemplo: una
recta que mide 55 centímetros, podemos encontrar una cifra mayor que guarde una
relación proporcional, realizando la siguiente multiplicación: 55 X 1.618 = 88.99, que en
números enteros se convierte en 89, que es el mismo número que le sigue al 55 en la serie
de Fibonacci.

La cifra 0.618 se utiliza para dividir en partes más pequeñas y que guarden proporción y
armonía. Siguiendo con este procedimiento podemos dividir cualquier espacio,
obteniendo dos líneas verticales y dos líneas horizontales. La intersección de estas líneas
nos ofrece cuatro puntos que se consideran de mayor interés visual. Figura 218. Sin
embargo, para los propósitos de la obra gráfica debemos de escoger sólo uno, en donde
estará lo más importante de la composición. Figura 219.

Fig. 218 Fig. 219

La sección de oro es un procedimiento bastante utilizado en la obra gráfica, la

composición con base a divisiones áureas la podemos encontrar en pintores del arte
clásico pero también en estilos contemporáneos, como el ejemplo que nos presenta la
figura 220.

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 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 220 Remedios Varo.

Divisiones proporcionales subsecuentes utilizando la sección áurea para la colocación de

las demás figuras.

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 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

ESTRATEGIAS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN.

El rectángulo de Sección de Oro. Escoge un papel o cartulina para dibujo, traza un

rectángulo producto de la división de una recta en partes proporcionales, es decir, si
tenemos una línea que mide 21 centímetros, la recta más larga medirá 13 centímetros y la
corta 8 cm. En su interior se van trazando cuadrados de 13 cm., el primero; 8cm., el
segundo, 5cm., el tercero; y así sucesivamente, de acuerdo a la cifra de 618 o la serie de
Fibonacci. Observa el ejemplo de la figura 221. Después con un compás une todos los
cuadros por medio de una línea curva que se va uniendo en forma de una espiral. Este
rectángulo es el mejor ejemplo para comprender el concepto de ritmo, palabra que
significa movimiento, pero un movimiento ordenado, que es a lo que se le llama armonía.
No basta con dividir un espacio en planos mayores y menores, sino además organizar cada
uno de los espacios siguiendo un determinado orden. La Naturaleza también ha utilizado
el ritmo y la armonía en la creación de sus formas, el mejor ejemplo lo podemos encontrar
en un caracol, donde su desarrollo orgánico está determinado por la sección áurea, figura
222.

Fig. 221 Fig. 222

200
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

La estrella de oro. Así como existen complejas divisiones áureas que determinan la
organización de los elementos que participan en la obra gráfica, también existen formas
en la Naturaleza que están organizadas en principios geométricos complejos. Pitágoras vio
en los números el principio del Universo, y de acuerdo con sus teorías, todas las formas no
eran más que armonía de líneas y proporción de medidas. Dicho pensamiento fue
apoyado por su concepto del "Pentágono Regular", como una figura producto de las
"divinas proporciones". Este pentágono se puede obtener por medio de dos
procedimientos. El primero consiste en dibujar un cuadrado, el cual es dividido en planos
mayores y menores, multiplicando la medida del cuadrado por 0.618. El segundo
procedimiento es dividir un círculo en cinco partes iguales, en su desarrollo podemos
encontrar elementos que nos ayudan a construir un rectángulo dividido en partes más
pequeñas y proporcionales y que son la base en la construcción del pentágono regular.
Siguiendo con el primer procedimiento, en una hoja de dibujo realiza el pentágono o
estrella de oro que nos presenta el ejemplo de la figura 223.

Fig. 223

Finalmente, es importante realizar todos los ejercicios que te sea posible, para
comprender en toda su magnitud la división en sección áurea, por lo que selecciona una
obra pictórica de cualquier estilo y por medio de una fotocopia, o varias, realiza un estudio
para comprobar la aplicación de las divisiones proporcionales o sección de oro, como el
siguiente ejemplo.

201
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fig. 224. Arnold Belkin.

202
rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

203
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

BIBLIOGRAFÍA
Debemos de tener en cuenta que los libros son útiles para ampliar algunos puntos de
estudio y que sirven de apoyo para el desarrollo de los contenidos, además, no debemos
olvidar que existen otros recursos bibliográficos, como: diccionarios, enciclopedias,
revistas y hasta periódicos, que nos ofrecen una información breve, actualizada o histórica
sobre algún tema, permitiendo la investigación o alguna otra actividad, según sea el caso
requerido para el curso.

Los libros no deben de ser considerados como un substituto del profesor, por el contrario,
la actividad del docente es el de ayudar a la comprensión de los conceptos, definiciones y
enfoques que se le da a la información que el alumno puede encontrar en ellos, por lo que
es conveniente utilizar la bibliografía recomendada en este curso, tomando en cuenta los
siguientes aspectos:

Entre las técnicas más sencillas para buscar y presentar la información, se encuentran las
siguientes:

Metodológico.- Los datos o los hechos pueden ser presentados en un orden determinado,
de lo simple a lo complejo; desde el origen a la actualidad, es decir son presentados en
orden de antecedente o consecuente.

Método deductivo.- La conclusión se obtiene por la simple forma del juicio o juicios de
que se parte. El libro presenta conceptos o principios generales que a su vez explican y
fundamentan los casos particulares.

Método inductivo.- Al contrario del anterior, no se parte de la conclusión, sino que se

presentan los elementos que originan o inducen a la generalización.

Método comparativo.- El razonamiento va de lo particular a lo particular, esto permite

establecer comparaciones que llevan a una conclusión por semejanza.

La bibliografía básica que presenta el Programa Indicativo de Taller de Expresión Gráfica I,

es la siguiente:

Gombrich, Ernest. Historia del arte. Ed. Alianza. Madrid. 1987.

Lozano, Fuentes José M. Historia del arte. CECSA. México. 1986.

Dondis, D. A. La sintaxis de la imagen. Ed. Gustavo Gili. Barcelona.

1982.
204
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

Fundamentos del diseño bi

Wong, Wuicius. y tri dimensional. Ed. Gustavo Gili. México.
1985.
La creación de bocetos
gráficos.
Daucher, Hans. Ed. Gustavo Gili. México.
Dibujo y educación visual: 1990.
El dibujo en la Enseñanza
Puente, Rosa Media Superior. Ed. Gustavo Gili. México.
1986.

La bibliografía de consulta que se recomienda para este curso, es la siguiente:

Acha, Juan. Crítica del arte. Trillas. México.

Acha, Juan. Expresión y apreciación Trillas. México.

artística.

Antonino, José. La composición en el CEAC. Barcelona

dibujo y la pintura.

Arnheim, Rudolf. Arte y percepción visual. Editorial Universitaria de

Buenos Aires.
Aura Mesura.
Balmori, Santos. Ediciones de la UNAM.
México.
Diseño Gráfico.
Baroni, Daniele. Ediciones Folio. Barcelona.
Estética e historia de las
Berenson, Bernhard. artes visuales. F. C. E. México. Breviario 115.

Dibujo del desnudo. Daimon. España.

Blake, Wendon.
Dibujo del rostro. Daimon. México.
Blake, Wendon.
Iniciación al dibujo. Daimon. España – México.
Blake, Wendon.
Técnicas de dibujo para Limusa. México.
Dezart, Louis. ilustradores.
Iniciación al dibujo.
Grolier. New YorK
Enciclopedia Ilustrada de

205
 rcera Unidad. Elementos compositivos que intervienen en la obra gráfica.

pintura, dibujo y escultura.

Gordon, Louise. Dibujo anatómico de la Daimon. México.

figura humana.

Guillam, Scott Robert. Fundamentos del diseño. Editorial Víctor Lerú. Buenos
Aires.
Manual para dibujantes e
Gunter, Hugo M. ilustradores. Editorial Gustavo Gili.
Barcelona.
De lo espiritual en el arte.
Kandinsky, Wassily. Editorial Nueva Visión. Buenos
Punto y línea frente al Aires.
plano.
Kandinsky, Wassily. Grupo Editorial Tomo. México
Manual de las artes
plásticas. Editorial Trillas. México.
Karch, R.
La expresión artística.
Amorrurtu. Buenos Aires.
Kavolis, Vytautas. El movimiento, su esencia
y su estética. Editorial Novaro. México.
Kepes, Gyorgy.
La educación visual.
Editorial Novaro. México.
Kepes, Gyorgy. La estructura en el arte y
en la ciencia. Editorial Novaro. México.
Kepes, Gyorgy.
El lenguaje del arte.
Editorial PAIDOS. Buenos
Kogan, Jacobo. Aires.
El dibujo de figura en todo
su valor. Hachette. Buenos Aires.
Loomis, Andrew.
Manual para dibujantes e
ilustradores. Limusa. México
Magnus, Gunter Hugo. Gustavo Gili. México.
Enciclopedia de la
comunicación: artes, Editorial Gustavo Gili.
Mota, Ignacio H. de la ciencias y técnicas. Barcelona.

Diseño y Comunicación
Visual. Tusquets Editor. Cuadernos
Munari, Bruno. La perspectiva como forma Marginales No. 31.

206
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simbólica. Tusquets. Barcelona.

Panofsky, Erwin.
Arquitectura habitacional.
Editorial Limusa. México.
Plazola, Cisneros Alfredo y
Alfredo Plazola Anguiano. Luz y sombra en dibujo y
pintura.
Parramón Vilasalo, José Inst. Parramón. Barcelona.
Ma. Así se dibuja a la pluma.

Parramón Vilasalo, José Primeros pasos en dibujo Inst. Parramón. Barcelona.

Ma. artístico.

Parramón Vilasalo, José El diseño gráfico. Desde Inst. Parramón. Barcelona.

Ma. sus orígenes hasta
nuestros días.
Satué, Enric. Alianza Editorial. Madrid.
Perspectiva aplicada.

Sierps, Allain. Del dibujo espontáneo y Editorial Víctor Lerú. Buenos

las técnicas gráficas. Aires.

Stern, Arno. Diseño gráfico. Editorial Kapeluzs. México.

La creación de bocetos
Swann, Alan. gráficos. Gustavo Gili. Barcelona.

Swann, Alan. Dibujo de composición. Gustavo Gili. México.

La composición áurea en
Uddin, Mohammed Saleh. las artes plásticas. Mc Graw Hill. México.

Tosto, Pablo. Comunicación gráfica. Librería Hachete. Buenos

Aires.

Turmbull, A. Editorial Trillas. México.

Los textos que aparecen en esta lista se encuentran en la Biblioteca Central de la UNAM,
así como en los planteles del Colegio de Ciencias y Humanidades, para una mayor
información y localización consulta la siguiente página:
www.dgbiblio.unam.mx/bachillerato/catalcch.html

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