1. Descripción de la estética a través del tiempo.

a) Arte griego:
El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que
perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son
tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos
arquitectónicos han sido recreados una y otra
vez a lo largo de la historia de Occidente.
Pintura
Para hablar de la pintura griega es necesario
hacer referencia a la cerámica, ya que
precisamente en la decoración de ánforas,
platos y vasijas, cuya comercialización era un
negocio muy productivo en la antigua Grecia,
fue donde pudo desarrollarse este arte.
Al comienzo los diseños eran elementales
formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este
primer período (siglos IX y VIII a. C.)- que apenas se destacaban sobre la
superficie.
ESCULTURA
Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras
humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el
marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que
los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes de
las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y
muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras
plasmaban en la piedra una belleza ideal.
Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que
habían servido de modelo. Con la llegada del clasicismo (siglos V y IV a.
C.), la estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó
definitivamente los primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las
 proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros
ganaron definitivamente en expresividad y realismo.
ARQUITECTURA
El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la
arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala
rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico (pronaos) y
cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a
dos aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones.
Del perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego
tal y como hoy lo conocemos. En sus comienzos, los materiales utilizados
eran el adobe para los muros y la madera para las columnas. Pero a partir
del siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la
piedra, lo que permitió el agregado de una nueva hilera de columnas en el
exterior (peristilo), y con lo que la construcción ganó en monumentalidad.

b) Arte medieval:
El período medieval abarca más de mil años de la historia de la humanidad
que se podría enmarcar entre el siglo V y XV.
El arte medieval hereda hace un tránsito de las
obras de arte que procedían de la época de las
Grecia y Roma antiguas a las que se añaden
las tendencias y creencias religiosas
fusionadas con las diferentes culturas bárbaras
de la época invasora del imperio.
En el arte medieval está marcado por la religión y tiene mucho que ver con
los caminos de peregrinaje religioso. Hay que destacar en sus principios el
denominado arte bizantino que se propagó
por todo el imperio romano de oriente. El arte
del imperio carolingio también es de destacar
por seguir la tendencia con sus muchos
templos que se caracterizan por tener base
 octogonal e inmensas bóvedas. El arte islámico es otro de los grandes
protagonistas del arte medieval.

Los estilos durante el periodo medieval son bien diferentes: El románico y el

gótico. El primero, más austero se distingue por la forma de sus arcos
perfectamente circulares que recuerdan la época romana y de ahí su
denominación.

c) Arte renacentista:
El Arte Renacentista fue un movimiento artístico que destacó por su interés
en el razonamiento, el conocimiento y la individualidad, retomando la
tradición artística, filosófica y política de la antigua
Grecia y Roma. El nombre “Renacentista” nace
gracias al historiador francés Jules Michelet en
1855, quien rescató el término del escritor y
arquitecto italiano Giorgio Vasari en el siglo XVI.

Durante el Arte Renacentista se crearon las obras

artísticas más reconocidas de la historia del Arte.
Los artistas de la época solían ser expertos en
todas las técnicas como la pintura, la escultura y la arquitectura, y también
aplicaron las ciencias y las matemáticas en sus creaciones. El Arte
Renacentista se centró en el hombre, dejando de lado el pensamiento
dogmático religioso que imperó durante la época medieval.

Algunos autores indican al siglo XIV como el inicio del Renacimiento, por el
despertar que ocurre desde esa época en las artes y la cultura, a pesar de
que el movimiento artístico se desarrolló durante el siglo XV. Las etapas del
Arte Renacentista fueron:
 El Trecento: Período de transición al Renacimiento en el siglo XIV. Se
prioriza la individualización de los personajes y la expresión de los rasgos
emocionales, enfocándose en la anatomía. Se perfecciona la técnica del
fresco y el fondo en las composiciones, como los paisajes. Dos escuelas se
dan a conocer, la Sienesa y la Florentina.
El Quattrocento o Renacimiento temprano: Se le conoce como el “Primer
Renacimiento” o “Bajo Renacimiento” en el siglo XV. Este fue el período de
transición entre la época medieval y la época moderna, siendo Florencia la
capital del Arte Renacentista. Se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo,
y se independiza la escultura de la arquitectura, la cual vuelve a los
cánones grecorromanos. También aparece el género del retrato pictórico
(individual) y se perfecciona la geometría espacial.
El Cinquecento o Renacimiento pleno. También llamado “Alto
Renacimiento” en el siglo XVI. Fue el período donde el Renacimiento vive
su máximo apogeo. Es aquí cuando aparecen los grandes artistas como
Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, entre otros.
Roma fue el centro de la producción del Cinquecento,
donde se financiaron las obras más extraordinarias del
período renacentista, como la Capilla Sixtina.
El manierismo o bajo Renacimiento. Fue la manifestación
contraria al período anterior durante el siglo XVI, donde se
exageran las características del clasismo y que dan pie,
posteriormente al Barroco. Destaca por ser un estilo
extravagante, imitativo y decadente.
El Seicento o barroco italiano: Las obras de este período
buscaron el exceso, la confusión, el contraste, la mezcla de materiales
plásticos y pictóricos, y así contrarrestar los influjos iconoclastas de la
reforma protestante y la Revolución Científica. Predominaron las obras
devocionales y los artistas polifacéticos

d) Arte moderno:
El arte moderno eso un periodo de la Historia del Arte que comienza en la
década de 1850 y termina a mediados de la década de 1950. Precede al
periodo de arte contemporáneo que se inicia después
de la guerra. Comienza con el movimiento
impresionista y pintores como Edgar Manet y termina
con la aparición del Pop Art.

El arte moderno se compone de varios movimientos

artísticos (cubismo, futurismo, surrealismo,
impresionismo, expresionismo, art brut, etc.), pero su
característica común es que estos movimientos están en ruptura con las
reglas y cánones del arte clásico, especialmente en lo que se refiere a la
figuración. En efecto, durante este periodo, los pintores, escultores o
dibujantes ya no intentan representar la realidad de forma fiel, como
sucedía en los siglos anteriores, sino mostrarla de forma diferente o
liberarse de cualquier deseo de realismo.

IMPRESIONISMO
Considerado el principal catalizador del arte moderno, el impresionismo
desafió las rígidas reglas y las representaciones realistas de la pintura
académica. El movimiento surgió en 1872, cuando Claude Monet empleó
innovadoras pinceladas borrosas, un novedoso enfoque en la luz y una
paleta de colores vivos para pintar Impresión, sol naciente.

POSTIMPRESIONISMO
Inspirados por la libertad artística implantada por los impresionistas, artistas
como Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri Toulouse-
Lautrec comenzaron a trabajar en estilos distintivos y fuera de lo
convencional. Conocida como postimpresionismo, esta colorida corriente
surgió en la década de 1890 y muestra un interés por la emoción y una
 preferencia por la interpretación subjetiva, en lugar de una representación
realista.

FAUVISMO
Fundado por les Fauves —un grupo de artistas de vanguardia que incluía a
André Derain y Henri Matisse— el fauvismo apareció por primera vez a
principios del siglo XX. Al igual que los postimpresionistas, los fauvistas
preferían los tonos poco realistas y hacían énfasis en las percepciones
individuales en sus representaciones, que normalmente incluían formas
reconocibles (aunque algo abstractas).

e) Arte posmoderno:
El término «arte posmodernista» se refiere a una amplia categoría de arte
contemporáneo creado desde aproximadamente 1970 en adelante. El sello
distintivo del «arte posmodernista» es su rechazo a la estética en el que se
basó su predecesor, el «arte moderno» (1870-
1970). Uno de estos valores rechazados es la
idea de que el «arte» es algo «especial» que
debería «elevarse del» gusto popular.
Coincidiendo con una serie de nuevos
desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha llevado a casi cinco
décadas de experimentación artística con nuevos medios y nuevas formas
de arte, incluyendo» Arte conceptual «, varios tipos de » Arte de
performance «y» Arte de instalación «, así como movimientos asistidos por
computadora como el deconstructivismo y el arte de proyección. Utilizando
estas nuevas formas, artistas posmodernos han estirado definición de arte
hasta el punto de que casi «todo vale».
El primer estilo de arte importante después del Renacimiento fue el arte
académico, el material clásico que fue enseñado por
profesores en las Academias. El arte académico es el
equivalente artístico del tradicional «traje y corbata». A
 continuación, alrededor de 1870, viene el «arte moderno». Este es el
equivalente artístico de la «camisa y pantalón» o «chaqueta y pantalón». A
continuación, alrededor de 1970, viene el «arte posmoderno», que es el
equivalente artístico de los «jeans y camiseta». De la misma manera que
los códigos de vestimenta se han vuelto menos formales y más «todo vale»,
los artistas de hoy están menos impresionados con las viejas ideas de lo
que debería ser el arte y más centrados en crear algo (cualquier cosa) que
se note.

2. Concepción de elementos relacionados con la estética:

a. Gusto:
El gusto es el sentido con el que se percibe y distingue el sabor de
las cosas, como también la facultad de sentir o apreciar lo bello o lo
feo. Se resuelve en la reacción del individuo ante unos datos de la
experiencia, y en sí, conjuga lo racional y lo emotivo: el saber y el
sabor. El gusto describe satisfacción; sin embargo, en el
gusto estético la satisfacción es desinteresada y libre, sin
utilidad práctica, mientras que la satisfacción en lo
agradable, como en lo bueno, encierra
en sí interés.
En el siglo XVIII y principios del XIX, se llevan a cabo los
planteamientos centrales en la reflexión sobre el gusto estético.
b. Sensibilidad:
Sensibilidad estética surge del proceso de afirmación del ser humano
cuando la sensibilidad humana se ha enriquecido a tal grado que las
cualidades del objeto se captan como una expresión de la esencia misma
del hombre; es entonces cuando se tiene la capacidad de crear algo nuevo.
 El hombre descubre nuevas propiedades y cualidades,
nuevas relaciones entre sujeto y objeto, y es a través de
los sentidos como se manifiesta esa afirmación, así el
más bello de los espectáculos carece de sentido para
alguien que no posee sensibilidad estética; la más bella
obra musical carece de sentido para quien no tiene
sentido musical.

La naturaleza por sí misma carecería de valor estético sin

el recurso del hombre que es quien la vuelve expresiva,
para integrarla a su realidad y ponerla a su servicio. Sin la
afirmación del ser humano frente a una necesidad
inmediata no tendría sentido el objeto estético, para el hombre angustiado
no tiene sentido el más bello espectáculo, la relación estética se produce
cuando el ser humano se enfrenta al objeto con la totalidad de su riqueza
humana el objeto adquiere una significación.

Para que esa sensibilidad estética se manifieste es necesario que el ser

humano ordene a sus necesidades, sus actos, sus efectos, viviendo como
ya lo he mencionado con la misma naturalidad y con el mismo ritmo que
todo el universo, donde todo está organizado matemáticamente en
relaciones lógicas y armónicas.

c. La experiencia:
Experiencia estética constituye una experiencia
‘autotélica’, es decir, una experiencia que
contiene una satisfacción y finalidad en sí misma,
a diferencia de la experiencia práctica que busca
la utilidad, el beneficio; la teórica, que tiene ante
todo un interés cognoscitivo; o la de implicación
personal, que depende estrictamente de las
vivencias y los intereses individuales, en los que se involucra la historia
personal, y que -por ello- es difícilmente compartible con otros.
Puede ser definida como un modo de encuentro con el mundo, con los
objetos fenómenos y situaciones ya sean naturales o creados por el ser
humano, que produce en quien lo experimenta un placer, un conjunto de
emociones y un tipo de conocimiento que puede considerarse de tipo
estético (atención activa, apertura mental, contemplación ‘desinteresada’ ,
empatía…).

d. La imaginación:
Las personas pueden tener experiencia haciendo
cosas como guiar un vehículo o practicando x tarea,
incluso trabajando en un museo o estudiando arte.
Puede que sepan mucho de un tópico, sin embargo,
no tener experiencias estéticas. Cuando se tiene una
experiencia estética con una obra de arte, en
cambio, el lugar y ambiente afecta los sentidos. Los materiales y las formas
producen sensaciones que despiertan emociones, de igual manera afecta
los contenidos que se perciben. Ocurre un conflicto cognitivo que busca ser
resuelto (estado de duda y preguntas) y se inicia una investigación de la
cual, una vez resuelta termina en un cambio entre lo que no se sabía y
ahora se sabe; que tiene significado. A esta etapa del proceso, por lo
general, surgen nuevas preguntas y un nuevo proceso de investigación.
Estas experiencias trastocan el día a día, no avisan cuando van a suceder,
pero nos dicen que no vas en automático: estas vivo.

Durante la experiencia estética se hacen conexiones entre experiencias

pasadas y la nueva experiencia de forma inconsciente. Se despierta la
imaginación y con ella emociones que son las que impulsan hacerse
preguntas acerca de lo que se ve. Esta descripción concuerda con el cánon
de Hsieh Ho’s Six que datan del siglo 6to, el cual enfatiza en el espíritu de
resonancia y la atención de la brocha en el trabajo como una extensión del
cuerpo del pintor
Bibliografías:
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www.neuroestetika.com/single-post/la-imaginaci%25C3%25B3n-est
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