Introducción.

 
¡Muchas gracias por descargar esta guía! Como músico y productor con muchos años de experiencia,
he conocido y vivido la mayoría de los obstáculos que puedes llegar a atravesar en un proceso
musical y creativo.

La meta principal ​(generalmente) es crear canciones que posean una calidad sonora lo más
profesional posible. Una calidad tan buena, que no te daría pena que las reproduzcan en la televisión
o la radio.

Pero es allí donde empiezan los problemas, o más bien, el problema ​dgQ[EQd<Y​​. A continuación voy a
citar una frase con la cual la mayoría de los músicos y productores nos hemos topado en algún
momento de nuestras vidas.

“Tengo una canción ​genial​ en la mente, sin embargo no logro plasmarla en mis grabaciones”

En esta guía te propongo ​IYQZQ[<g de raíz el secretismo que abunda en la producción musical para
que, luego de haber leído el material completo, tengas las herramientas necesarias para hacer
exactamente lo que hay que hacer para lograr un sonido profesional.

¿Preparado para aprender? Comencemos.

Construyendo la canción. 
Ya lo dijo el gran ingeniero ​!<gQ]gIkIg​​: “dame una canción mal arreglada, y ni la mejor tecnología
de grabación podrá salvarla”.

Cuando pretendamos que una canción llegue a tener un sonido profesional, el proceso inicia mucho
antes de apretar el botón “grabar”. Antes que nada, debemos asegurarnos que ésta tenga una muy
buena letra y una muy buena melodía. Podemos poseer el equipamiento más caro del mundo, más si
tenemos una mala canción, la grabación final será pésima.

Ahora, qué define que una canción sea genial o pésima, es algo sumamente subjetivo. Sin embargo
hay puntos claves que podemos tener en cuenta para intentar llegar a un buen puerto.

#1 - Una melodía atrapante. 

De seguro has oído de las canciones “Corazón espinado”, “De música ligera” o “Sweet Home
Alabama”.
¿Qué nexo une a esas tres canciones? Sencillo: las tres (al igual que muchos otros éxitos de la
industria) poseen una melodía atrapante (o pegadiza).
Si tu objetivo es crear canciones que tengan éxito y/o agraden a los demás, un buen punto de
partida sería elaborar melodías que atrapen a la audiencia y perduren en sus cabezas.
#2 - Una letra cautivante. 
Dicen los expertos que la voz es el instrumento más importante, pues es el único capaz de transmitir
un mensaje. Otro punto de partida muy útil sería trabajar en letras que atrapen a tu audiencia. A
todos nos gusta oir una buena historia.

#3 - Buscando un sonido propio. 

La industria musical nos ha acostumbrado (hasta el hartazgo) a una estructura musical
convencional:

→ Intro - Verso - Estribillo - Verso - Estribillo - Puente - Estribillo ←

Aburrido ¿verdad? En efecto lo es. Y es aquí donde la creatividad juega un papel muy importante.
Anímate a estructurar tus canciones de una manera creativa, y toma ventaja utilizando el ​N<Ej]g
h]gdgIh< como una herramienta cautivadora. Una guitarra de sonido particular, una manera de
cantar diferente, etc. Todo puede ayudar a que tu público termine pensando “¡esto esta bueno! es
diferente, es original”.

#4 - El tiempo no es tu enemigo. 
No te gustan tus composiciones y deseas haber nacido como un músico prodigio. Lo sé, y muchos
han estado en ese lugar.
Las buenas noticias son que no es necesario nacer con un don para crear buenas canciones. Tanto
ejecutar un instrumento, como componer, son habilidades que se desarrollan con el ​jQIZd]​​.
La clave para llegar a la meta es trabajar muy duro, dedicar mucho tiempo, tener perseverancia y ser
constante. Toda habilidad a la que se le ponga empeño y práctica se desarrolla notablemente.

#5 - Trabajar, trabajar, trabajar. 

Componer es un trabajo muy duro. Sin ir más lejos, canciones de muchos músicos profesionales
nunca logran ver la luz del día. Y estamos hablando de músicos que se dedican tiempo completo a
componer melodías para artistas de renombre.
No está mal que no siempre termines con un “​PQj” en tus manos. A todos les pasa. A músicos
profesionales les pasa. ¿Por qué no habría de pasarte a ti?

La Pre-Producción. 
Esta etapa es crucial en una producción musical. Lamentablemente es también la etapa más pasada
por alto en producciones musicales de artistas inexpertos.

Y es realmente una pena que no se la lleve a cabo más frecuentemente, pues es un momento muy
divertido en el cual los músicos hacen un intercambio de criterios con respecto hacia dónde debe
tomar rumbo una canción, así como también se trabaja sobre acordes, cortes rítmicos, melodías, etc.
En otras palabras, ​hI<ggIOY<Y<E<[EQ_[​​.

Generalmente, cuando uno escucha una canción que no es atrapante, se puede decir casi con un
cien por ciento de certeza que no fue correctamente pre-producida.
Sin embargo, también existen canciones de estructura repetitiva que logran convertirse en hits.
Entonces… ¿qué diferencia una canción aburrida de un hit? La respuesta es mas sencilla de lo que
muchos imaginan. Se trata de unos elementos que a mi me gusta llamar “​.. $/"! $/“​​.

Estos arreglos dinámicos giran en torno a una fórmula que generalmenteslogra atrapar al público:
una canción de estructura convencional, con arreglos cambiando constantemente.
Ahora tú puedes estar preguntándote ¿qué clase de arreglos dinámicos puedo ag T
Debes tomar ventaja de las propiedades de los micrófonos que estés utilizando y posicionarlos
estratégicamente para conseguir el mejor sonido posible. De querer un sonido más robusto,
aprovechar el ​INIEj] GI dg]rQZQG<G​​. De querer un sonido con más “room“, alejarlo de la fuente.
Etcétera.

#2 - La era analógica es historia. 

Antiguamente los ingenieros de grabación sostenían una técnica y fundamento que se ha pasado de
generación en generación, pero que al día de hoy ha quedado obsoleta.

“Graba las señales de audio con el mayor volumen posible, pero sin llegar al clipping“

Pero… si aparenta ser un excelente consejo ¿por qué ha quedado obsoleto?

Muchos años atrás, las computadoras como hoy las conocemos no existían. Las grabaciones se
realizaban con circuitos analógicos, con cinta, consolas con ruidosos transformadores, etc.
Todo ese ruido e impurezas, eran problemas con los que el ingeniero debía lidiar en cada grabación.
Y es por ello que la decisión inteligente, era grabar con el mayor volumen posible. De esa manera el
audio estaría lo mas alejado posible del ruido indeseado logrando “taparlo“.

Actualmente, las computadoras han acaparado el mercado de la grabación de audio. Tenemos a

nuestra disposición discretas y silenciosas interfaces de grabación. Y es por esa calidad de grabación
que poseemos actualmente, que grabar una señal con demasiado volumen se torna un sinsentido
por dos motivos:

1. Y <kGQ] [] hI dg]EIh< E]ggIEj<ZI[jI​​: muchos plugins de audio que nos gustan utilizar
(compresores vintage, emuladores de consola, etc) trabajan mucho más eficientemente con
señales que posean un volumen conservador. Enviarles una señal demasiado potente solo
acabaría por producir un desagradable clipping digital.
2. Y dgQ[EQdQ] GI Y< E][NYkI[EQ<​​: se trata de un principio estratégico que sostengo en mis
grabaciones para que luego el proceso de mezcla sea aún más sencillo.
Me gustaría que pienses en cada canal de audio individual ​(bombo, bajo, guitarra, voz) como ríos
que desembocan y confluyen en un lugar formando un río aún mas grande ​(Stereo Out).​
Ahora, he aquí el secreto de este principio: debemos asegurarnos de que cada río (canal individual)
no tenga más fuerza de la necesaria. De esa manera la situación es fácilmente controlable, y no
acabamos por tener una desagradable inundación (distorsión en el Stereo Out).
Un amplio número de productores (incluyendome a mí) coinciden en que un volumen digital sano y
aceptable para canales individuales ronda alrededor de los ​¥ŸÂÉG/¦​​.

#3 - El rol del Productor Artístico. 

De ser posible, debes trabajar en conjunto con un productor. Y si no puedes conseguir uno, debes
adoptar ese rol en conjunto a tu tarea de músico/compositor.
Pero… ¿de qué se encarga un productor? Para resumirlo en pocas palabras, es aquella persona que
se encarga de asistir al ingeniero de grabación, para ayudarle a comprender el sonido que se
pretende lograr.
Sin embargo, para ser realistas, actualmente la mayoría de los artistas deben desempeñarse en
todos los roles a la vez en sus Home Studios (compositor, arreglista, ingeniero, productor, etc.), lo
cual no es nada malo. Es la menera en que el arte se desarrolla hoy en día, pues muchos no poseen
un presupuesto que le permita contratar un equipo de trabajo.
Un consejo antes de continuar a la siguiente etapa: ​<Y hQjk<gjI I[ E<G< g]Y Q[jI[j< gI<YQv<g k[
jg<D<W] fkI jI N<EQYQjI Y<h j<gI<h I[ E<G< Ij<d< hQOkQI[jI ¥Og<D< <GIEk<G<ZI[jI d<g< YkIO]
ZIvEY<gN<EQYsZIvEY<<GIEk<G<ZI[jId<g<YkIO]Z<hjIgQv<gN<EQY¦​​.

La etapa de Edición. 
Ya lo he dicho en mi eBook “​+gQ[EQdQ]hD>hQE]hGIY]ZI/jkGQ]​​“:

“Este proceso es un arma de doble filo. Bien un archivo de audio puede ser salvado con edición, como
también puede ser destruido“.

Los avances tecnológicos nos ofrecen una posibilidad de edición infinita al alcance de tan solo un
click. Y es esa el arma de doble filo. Tantas veces podemos editar el audio que nunca terminamos de
hacerlo.

Si bien este proceso es una gran herramienta para retocar impurezas, nunca y repito NUNCA debe
ser utilizado para “mejorar una mala grabación”. No cometas el error de creer que una mala
grabación luego va a ser salvada con edición y mezcla.

Una gran manera de encarar este proceso es no editar lo que no necesita ser editado. Sé completa y
absolutamente intencional a la hora de hacerlo. Es decir, no edites sin antes preguntarte por qué vas
a hacerlo. Esta etapa es una simple preparación del audio para luego pasar al proceso de mezcla. Es
solo eso. Podría darte los siguientes consejos puntuales:

#1 - Organizar la sesión. 
Si bien organizar la sesión no se relaciona directamente con editar audio, nos hará el trabajo más
fácil en posteriores etapas. Mantén en mente las siguientes claves:
a) Agrupa los tracks por colores, para identificarlos más rápidamente.
b) Utiliza nombres cortos y sencillos para los canales.

#2 - Compilar tracks. 
En caso de que hayas grabado varias tomas de la misma sección (por ejemplo, tres tomas completas
de la voz principal), es necesario que tomes las mejores partes de cada toma y las compiles en un
canal de voz definitivo. De esa manera el flujo de trabajo será más cómodo y efectivo.
Repite esto con cada instrumento de tu sesión que hayas regrabado.

#3 - Corrige tiempo y entonación. 

Lo sé: el objetivo es grabar una excelente performance desde un principio. Y tienes razón, lo ideal es
no conformarse con grabaciones mediocres. Sin embargo, en caso de que estés trabajando con una
sesión que te ha enviado un cliente, o en caso de que ya hayas dado lo mejor de tí y aún no consigas
el sonido que buscas, puedes permitirte tomar ventaja de las herramientas que hoy nos brindan los
DAWs. Corrige ligeramente la entonación de voces e instrumentos para que se genere una melodía
agradable al oído. Luego corrige aquellos instrumentos o voces que están fuera de tiempo, utilizando
la grilla del DAW como referencia.

#4 - Impurezas. 
Utiliza las herramientas de edición de tu DAW para recortar impurezas en canales de audio. Como
por ejemplo:

- Sonidos de respiración desagradables en canales de voz.

- Sonidos indeseados en canales de instrumentos.
- Ruido indeseado en canales de guitarras distorsionadas.
- Etc.

#5 - El bajo y el bombo. 
Es de gran ayuda alinear los golpes de bombo con los
La etapa de Mastering. 
¡Finalmente! Hemos llegado a la anteúltima etapa de una producción profesional. Y es aquí donde se
constituye una enorme confusión y abunda un secretismo muy perjudicial en el entorno musical.

Lamentablemente, muchos músicos y productores que hace poco tiempo se han iniciado en este
mundo, confunden la etapa de ​!/0." con la etapa de ​!; ​​, pensando erróneamente que
es el mastering lo que dará un sonido profesional a sus canciones.

Volviendo a la realidad, ésta es todo lo opuesto a lo que personas inexpertas creen: si una canción
fue compuesta, arreglada, grabada, editada y mezclada correctamente, el mastering simplemente se
ocupa de dos o tres cosas fundamentales:

➢ Dar un último control de calidad a la canción.

➢ Darle un volumen comercial final a la canción, con la menor pérdida de dinámica posible.
➢ De ser necesario realizar ajustes de ecualización, compresión, u otro procesamiento
correctivo, la regla general es siempre corregir de una manera ​IrjgIZ<G<ZI[jIYIpI​​.

Si bien existen ingenieros que se ocupan exclusivamente de masterizar canciones, no es una etapa
que no puedas llevar a cabo tú mismo con los siguientes consejos:

#1 - Referenciar. 
Una vez que hayas conseguido un sonido agradable para tu canción, importa a tu sesión algún track
que haya sido o que sea un éxito en el mercado musical. De esa manera tendrás un punto de
comparación para acercarte a un sonido profesional. Puedes utilizar este método con cuantos tracks
exitosos quieras y moldear tu canción con ecualización, saturación, etc. Pero ​EkQG<G]​​: al importar un
track, bájale el volumen y equipáralo al de tu canción para poder realizar una comparación objetiva.
Recuerda que nuestro cerebro tiende a creer de manera errónea que lo que suena mas fuerte, suena
mejor.

#2 - Volumen. 
Ahora que has logrado un sonido equiparable al de canciones exitosas que ya se encuentran en el
mercado, es hora de elevar el volumen de tu canción para que se ajuste a los estándares del
mercado.
El secreto es utilizar dos herramientas claves: un ​ QZQj<G]g​​ y un ​!IGQG]gGIp]YkZI[​​.
Todos los DAWs traen estas dos herramientas incorporadas. Sin embargo, buscando un poco por
internet podrás encontrar alternativas gratuitas con más o menos funciones que se ajusten a tus
necesidades.

#3 - Medición de volumen tradicional y moderna. 

Al masterizar, tenemos a nuestra disposición varias maneras de medir el volumen de nuestro trabajo
para que éste se acerque a los estándares internacionales. Hasta hace no mucho tiempo, las
mediciones se realizaban sólo a través de la unidad de medida ​G/ para medir el Volumen ​+I<X
(pico) y ​.!/​​.
La etapa de Mastering. 
¡Finalmente! Hemos llegado a la anteúltima etapa de una producción profesional. Y es aquí donde se
constituye una enorme confusión y abunda un secretismo muy perjudicial en el entorno musical.

Lamentablemente, muchos músicos y productores que hace poco tiempo se han iniciado en este
mundo, confunden la etapa de ​!/0." con la etapa de ​!; ​​, pensando erróneamente que
es el mastering lo que dará un sonido profesional a sus canciones.

Volviendo a la realidad, ésta es todo lo opuesto a lo que personas inexpertas creen: si una canción
fue compuesta, arreglada, grabada, editada y mezclada correctamente, el mastering simplemente se
ocupa de dos o tres cosas fundamentales:

➢ Dar un último control de calidad a la canción.

➢ Darle un volumen comercial final a la canción, con la menor pérdida de dinámica posible.
➢ De ser necesario realizar ajustes de ecualización, compresión, u otro procesamiento
correctivo, la regla general es siempre corregir de una manera ​IrjgIZ<G<ZI[jIYIpI​​.

Si bien existen ingenieros que se ocupan exclusivamente de masterizar canciones, no es una etapa
que no puedas llevar a cabo tú mismo con los siguientes consejos:

#1 - Referenciar. 
Una vez que hayas conseguido un sonido agradable para tu canción, importa a tu sesión algún track
que haya sido o que sea un éxito en el mercado musical. De esa manera tendrás un punto de
comparación para acercarte a un sonido profesional. Puedes utilizar este método con cuantos tracks
exitosos quieras y moldear tu canción con ecualización, saturación, etc. Pero ​EkQG<G]​​: al importar un
track, bájale el volumen y equipáralo al de tu canción para poder realizar una comparación objetiva.
Recuerda que nuestro cerebro tiende a creer de manera errónea que lo que suena mas fuerte, suena
mejor.

#2 - Volumen. 
Ahora que has logrado un sonido equiparable al de canciones exitosas que ya se encuentran en el
mercado, es hora de elevar el volumen de tu canción para que se ajuste a los estándares del
mercado.
El secreto es utilizar dos herramientas claves: un ​ QZQj<G]g​​ y un ​!IGQG]gGIp]YkZI[​​.
Todos los DAWs traen estas dos herramientas incorporadas. Sin embargo, buscando un poco por
internet podrás encontrar alternativas gratuitas con más o menos funciones que se ajusten a tus
necesidades.

#3 - Medición de volumen tradicional y moderna. 

Al masterizar, tenemos a nuestra disposición varias maneras de medir el volumen de nuestro trabajo
para que éste se acerque a los estándares internacionales. Hasta hace no mucho tiempo, las
mediciones se realizaban sólo a través de la unidad de medida ​G/ para medir el Volumen ​+I<X
(pico) y ​.!/​​.
Al hablar de mediciones por ​G/ ​(decibels full scale)​, generalmente las personas se refieren a
mediciones ​+I<X o de ​+QE]h​​, que reflejan los picos ​momentáneos del audio y cuyo tope máximo son
los ​ÁG/​​. Pasados estos ​ÁG/​​ produciremos distorsión digital.

En cambio, las mediciones por ​.!/ ​(root mean squared) nos arrojan una lectura p
​ romedio del
volumen del audio durante un tiempo más prolongado (el volumen que realmente percibimos) y
j<ZDQK[hIZQGIkjQYQv<[G]<Y]hG/E]Z]k[QG<GGIZIGQG<​​.

Pasado el tiempo, ha venido ganando terreno una nueva unidad de medida: los ​ 1/ ​(loudness units
full scale) utilizada para trabajos de producción discográfica, streaming y producción audiovisual en
general. Las mediciones que hagamos mediante este novedoso sistema, nos arrojarán valores muy
similares a los de las mediciones por ​.!/​​, debido a que también realizan una lectura promedio del
volumen del audio durante un tiempo un poco más prolongado que los dBFS.

Sin embargo, existen diferencias entre mediciones por LUFS y RMS. Al utilizar LUFS, se genera una
medición utilizando dos líneas temporales.
La ​dgQZIg< ​(integrated loudness level) trabaja de manera muy similar a la medición RMS, ya que
trabaja con una línea temporal larga y reacciona de manera muy leve a los sobresaltos de volumen.
Lo que nos permitiría conocer el volumen promedio y general más o menos percibido durante la
reproducción del audio de principio a fin.
La ​hIOk[G< ​(short-term loudness) trabaja con una línea temporal un poco más corta, por lo que
reacciona más a los cambios repentinos de volumen en el audio sujeto a medición. Esta segunda
línea temporal puede ser de gran ayuda para apreciar las diferencias de volumen entre distintas
secciones de una canción que se esté masterizando.

Psicológicamente, los valores Peak o de Picos no son tan importantes en lo que a percepción del
audio se refiere. Es de mucha más utilidad manejar mediciones RMS y LUFS, para mesurar el
volumen que percibirá el público.

En lo que a Peak refiere, sólo debemos tener en cuenta que el límite son los 0dBFS y que luego de
ello viene la tan odiada distorsión digital, de la cual debemos huír al mezclar y masterizar.

Ahora, habiendo explicado esto, quiero darte una ayuda extra. Mis valores de referencia al medir en
mis sesiones de mastering son:

- ;][< hIOkg<​​: entre -7 y -23 LUFS. Esta zona segura, nos permitirá manejar un audio sano que
no posea pasajes ni demasiado suaves ni demasiado fuertes.

- 6]YkZI[ ZkhQE<Y I[ OI[Ig<Y​​: entre -9 y -12 LUFS. Este es el estándar musical actual. Casi
toda la música que suena en las principales plataformas digitales posee un volumen que
oscila más o menos entre los -9 y -12 LUFS.
La etapa de Distribución. 
¡Muy bien! Ya tenemos un disco/single profesionalmente pre-producido, grabado, editado,
mezclado y masterizado. Pero de nada nos servirá una hermosa obra artística si nadie la conoce.
Lamentablemente, muchos artistas desperdician su dinero y optan por decisiones de marketing
completamente inútiles, como panfletos, presencia en radios FM, afiches, y demás medios
publicitarios antiguos ​fkIs<[<GQIE][hkZI​​.

Actualmente la información se consume de manera digital. Y es allí donde nuestras obras deben
estar. Una correcta distribución de contenido artístico consta de tres etapas principales que pueden
desglosarse en aún más puntos:

● Subir el contenido a Internet.

● Segmentar el público objetivo.
● Mostrar el contenido a ese público objetivo.

En ese orden exacto​.

#1 - Principales plataformas. 
Si hablamos de consumo musical, no podemos dejar de lado las principales plataformas que son un
puente entre nosotros y nuestros escuchas. Entre ellas, nuestras obras no pueden dejar de estar en:

● Spotify.
● iTunes.
● Youtube.
● Youtube Content ID.

Y luego, podríamos también considerar alojarlas en:

● Deezer.
● Apple Music.
● Claro Música.
● Bandcamp.
● Demás plataformas similares.

#2 - ¿Cómo alojar las obras? 

Más que por pereza, muchas veces los artistas no llegan a las enumeradas plataformas por
desconocimiento sobre cómo lograrlo. No es un proceso complicado. Vamos a explicarlo.

Para lograr subir nuestras canciones a Spotify, iTunes, etc, necesitaremos operar mediante una
plataforma digital intermediaria. Esto es, una plataforma virtual que hará de nexo entre nosotros y
todas esas aplicaciones de reproducción de música. Generalmente se debe abonar una tarifa por
cada obra que se suba, y luego un porcentaje por reproducción en cada plataforma. Sin embargo,
cada empresa posee una tarifa más o menos conveniente para el artista. Dependerá de cada uno por
cual optará como aliada. A continuación voy a enumerar algunas de las principales plataformas de
distribución:

● Distrokid​ (mi favorita)

● CD Baby
● Limbo Music​ (en Español)

De todas maneras, sería conveniente que investigues otras alternativas. Se pueden encontrar muy
buenas ofertas de tiempo limitado o por distribución de Singles.

#3 - Youtube Content Id. 

Ya todos conocemos la plataforma de videos “Youtube”. Sin embargo, debemos hacer una salvedad
con respecto a una rama de esta plataforma denominada “Youtube Content ID”. Y su dueño Google
nos lo explica muy claro:

“Los propietarios de derechos de autor pueden usar un sistema llamado Content ID para identificar y
administrar fácilmente su contenido en YouTube. Los vídeos subidos a YouTube se analizan y cotejan con una
base de datos de archivos que nos han enviado los propietarios de contenido.​

Los propietarios de derechos de autor deciden qué ocurre cuando se detecta una coincidencia entre el
contenido de un video de YouTube y una obra que les pertenece. Cuando se produce esta situación, el video
recibe un reclamo de Content ID.​ ”

Entonces, de los párrafos explicativos de Google, lo que debemos deducir es que al distribuir
nuestras obras, también debemos alojarlas en Content ID (mediante Distrokid, etc) para que ​ 1$
de ser alojadas en esa base de datos, cuando subamos las canciones (u otras personas usen nuestras
canciones) podamos cobrar por cada reproducción en Youtube.

#4 - Redes Sociales. 
Si de dar a conocer nuestro material se trata, las redes sociales serán de gran ayuda para llegar al
público que segmentemos. Y vamos a explicarlo lo más brevemente y sencillo posible.

Si por ejemplo nos movemos dentro de un género Trap, podríamos deducir que en nuestro público
clave habrá gente de edad intermedia hacia abajo. Primando mayormente el público joven.
En cambio, si vamos por un género de Heavy Rock, guiarnos sólo por la edad será difícil. Entonces
deberemos enfocar nuestra campaña publicitaria hacia personas de gustos o intereses similares al
de nuestra música o género musical.

Habiendo dado estos dos ejemplos, vamos a reducir este punto a dos factores claves en redes
sociales:

● G<G GIY dmDYQE] ]DWIjQp]​​: determinará el porcentaje de trabajo y esfuerzo que deberemos
poner a cada red social que utilicemos para publicitar. Por ejemplo, si nuestros público
objetivo es joven, deberemos publicitar con un 70% de prioridad en Instagram, y el 30%
restante en las demás redes sociales.
 ● [jIgIhIh›khj]h GIY dmDYQE] ]DWIjQp]​​: deberemos determinar qué tipo de producto
ofrecemos, o a qué otros productos artísticos se parece el nuestro, para poder apuntar como
objetivo a esas personas que ya han consumido material similar al nuestro.

Es fundamental definir el público objetivo ​<[jIh de distribuir. Sería bastante inútil intentar lograr
alcance orgánico para un disco de Thrash Metal, entre un público de edad 60+ con intereses
cercanos a la música Jazz.

¡A producir! 
La práctica hace al maestro. Y no sólo leyendo eBooks vas a mejorar tus habilidades.
Ahora que ya comprendes un poco más cómo se articula una producción profesional, y aún más: ​fkK
d<h]h[k[E<GIDI[hIgh<YjI<G]hI[k[<dg]GkEEQ_[​​… ¡ponte a trabajar!

Explora, graba, prueba tus propias fórmulas. Ecualiza, comprime, experimenta una y otra vez. Y lo
más importante de todo: nunca dejes de aprender. Busca constantemente contenido para
desarrollar cada vez más tus habilidades. Yo mismo (siendo instructor de grabación) estoy en un
estado de constante aprendizaje. ¿Por qué tú no habrías de estarlo?

Quiero agradecerte una vez más por haber descargado esta guía, y quiero que sepas que ante
cualquier obstáculo que se te presente, estoy aquí para ayudarte.

Siéntete libre de utilizar todo el material gratuito disponible en ​/][]gQv<jIE]Z

!<jQ<h;]v<s<
músico, productor
fundador de sonorizate.com