Biografía de Julián Opie

Julian Opie (nacido en 1958, en Londres) es un artista visual que forma parte del
movimiento de la Nueva Escultura Británica.
La formación de Julian Opie está asociada a la ciudad de Oxford Inglaterra. Durante el
período transcurrido entre 1979 y 1982, pasó por la Dragon School, el Magdalen
College y finalmente por el Golsminths College, donde se graduó. Durante su etapa
formativa conoció a Damien Hirst.
Su obra, que se deriva en parte de Patrick Caulfield y Michael Craig-Martin, implica la
reducción de fotos mediante programas informáticos) Ya como estudiante, tuvo
contacto con el mundo de las galerías de arte. En 1982 se produce su primera
exposición en solitario en Lissan Gallery. Su trabajo durante estos años deriva, en
parte, del realizado por los artistas Patrick Caulfield y Michael Craig Martin.
Considerado el representante actual del retrato moderno, Opie utiliza las últimas
tecnologías aplicadas a la pintura y, además de los trabajos realizados por ordenador,
en sus esculturas e instalaciones incorpora vinilos con luz interior, paneles LED o
pantallas de cristal líquido.
El artista británico se ha hecho internacionalmente conocido gracias a su estilo
minimalista de formas muy simples, casi simbólicas, que se apoyan en criptogramas.
La representación de caras se reduce a algunas superficies y trazos negros, el color
sólo se introduce de forma plana, tal y como lo hace un programa gráfico. Sus
representaciones de personas y paisajes están basadas en fotografías que él ha
trabajado previamente en el ordenador. A finales de 1990 dio principio a este enfoque
minimalista de la representación figurativa que ha ido desarrollando hasta llegar a la
perfección. Pequeñas diferencias en la posición de las cejas o los ojos, formados por
puntos redondos de color negro, cambian el aspecto de la persona representada.
Aunque existen muchas series de estos retratos, éstos mantienen un carácter
individual. Las imágenes creadas con el ordenador se plasman sobre distintos
materiales que sirven de soporte, como vidrio, plástico o papel, y algunas veces como
fragmentos de vinilo o Impresiones C. Paralelamente, se crearon películas de corta
duración que ponían en movimiento figuras, a menudo reducidas hasta convertirlas en
simples líneas negras, como si fuesen monigotes. Se muestran sobre grandes
pantallas de cristal líquido o LCD, o mediante diodos emisores de luz o LED. Opie
desarrolló otro planteamiento interesante en el campo de creación paisajística. Sobre
la pantalla se ven las formas de un paisaje montañoso con un lago: el agua se mueve
ligeramente mientras que el resto de los elementos de la imagen permanecen
inmóviles.
Lo cierto es que, contradictoriamente, los rostros de la mayoría de sus retratos se
reducen a las líneas imprescindibles en lo que algunos han llamado posminimalismo.
Opie se defiende y comenta que se inspira en la señalética, en los logos. Todos
somos símbolos de otras cosas, de la humanidad, justifica el artista.
Es uno de los artistas que más vende en Arco, aunque Julian Opie dedica sus
ganancias a comprar obras de arte que le sirven de inspiración para sus proyectos,
piezas que más tarde vende en ferias y así hasta que se canse de dibujar un día, algo
poco probable porque asegura que lo hace desde que tenía 11 años porque es la
manera más fiel de reproducir su visión del mundo. Aunque no creo que tenga un
mensaje que difundir, no me interesa la comunicación cuando estoy elaborando una
pieza. No pienso en el espectador si no en adecuar mi estilo para que funcione, para
que salga lo mejor posible.
Podemos dividir su producción artística en tres grupos:

 Pintura, generalmente figurativa. La figura humana invade toda su obra, son

modelos cotidianos en sus quehaceres diarios, es gente de su entorno que
cualquier persona podría ver en su día a día. El esquematismo y los colores
vivos definen su pintura, así como también el poder de la línea. El uso tan
marcado y definitorio de las líneas es algo heredado del historietista
belga Hergé.
Todas las obras representan exclusivamente la figura humana. De ahí que sus
personajes y siluetas con cabezas redondeadas le hayan dado fama internacional,
basados en modelos concretos, gente de su entorno a los que suele representar
desarrollando una actividad cotidiana. He pintado a gente conocida, como Kate Moss,
pero quien realmente me interesa es la gente que me rodea, los personajes anónimos,
comenta el artista, quien confiesa uno de sus hobbies: Muchas veces me siento a
observar cómo camina la gente en la calle, las coreografías espontáneas que se
establecen. Es maravilloso.1

 Escultura. Dentro de este género Julian Opie realiza unas con metal y
utensilios cotidianos y otras, construidas con madera y pintadas de blanco.
Se establece una ruptura de los límites entre escultura y pintura, esto no es
algo nuevo en el panorama artístico, ya durante los años 1912-1914
el cubismo sintético desarrollado por Picasso y Bracque, había traspasado
esa frontera. Fue a través del collage. El collage le sirve a Picasso para
conseguir al fin que el cuadro sea realidad, en lugar de sustituir a la realidad.
Lo que permite el collage es pegar literalmente trocitos de realidad sobre el
lienzo. Además, los trozos pegados (madera, papel, cartulina, plástico, u
otros materiales) no necesitan ser coloreados ni iluminados y tampoco
proyectan sombra.

 Instalaciones de video y paneles LED. Las vídeo instalaciones consisten en la

relación que se establece entre el carácter bidimensional de la imagen
electrónica contemplada y el carácter tridimensional de la instalación en la
que se inserta dicha imagen.
De ahí que sus obras unas veces estén compuestas por paneles de LED, donde
figuras casi iconográficas caminan y se entrecruzan, mientras que en otras ocasiones
sean pantallas donde se exhiben sus retratos animados (bustos con rostros que
parpadean o donde los pendientes conservan el balanceo inmediatamente posterior al
gesto).
Imagine You Are Driving (Sculpture 1),1993, Imagine You Are Driving(3),1993 y You
Are Driving a Subaru,1997. Son tres obras de Julian Opie que actúan como una
recreación simplificada de diferentes aspectos de la realidad contemporánea,
recreación que se articula como una reducción de lo real a un sistema de objetos que
en la práctica vienen a funcionar como los elementos de un lenguaje altamente
codificado. La reformulación que desarrolla Opie de aquello que nos rodea busca
estimular nuestra imaginación con el fin de que recreemos experiencias y vivencias
básicamente cotidianas. Así ocurre con las propuestas aquí incluidas en relación con
diferentes aspectos de la cultura del automóvil: la experiencia de conducir, la
autopista, el sistema de carreteras o el coche como objeto.
La experiencia de conducir es claramente abordada en la serie de pinturas Imagine
You Are Driving que muestran una secuencia de imágenes de una autopista desde el
punto de vista del conductor. Opie describía así la experiencia: Quería obtener una
imagen lo más real posible, y cuando conduces a gran velocidad lo único que ves es
el cielo y la carretera (…) la velocidad anula la realidad. Así, la única experiencia
paisajística que nos concede Opie en su lectura es la que nos ofrece la propia
carretera. Bajo el mismo título se presenta también un modelo de circuito realizado en
hormigón y consistente en una serie de piezas básicas (curvas, rectas, rampas) que
se articulan como si de un scaléctric se tratara. El tratamiento del sistema de
carreteras como un juego básico de elementos interconectados, así como la escala y
la ubicación en el suelo, facilita la apropiación espacial de una realidad constructiva
cuya percepción de conjunto se nos escapa.
La tercera pieza, You Are Driving a Subaru, reproduce un coche prácticamente en su
escala real. A Opie, según él mismo manifiesta, le preocupa la dimensión y la cualidad
material del objeto en relación al espacio físico del espectador. Una presencia real que
pueda experimentarse como tal, pero que al mismo tiempo genere una sensación de
extrañeza, de lejanía, de artificialidad.
Si en su conjunto las obras de Opie facilitan la recreación distanciada de experiencias
derivadas de nuestra relación con objetos y situaciones en el entorno de la sociedad
contemporánea, en el contexto de esta exposición arrojan una lectura que apunta
hacia la naturaleza tecnologizada, hiperrealista y codificada de nuestra existencia y
nuestra cultura material.

Técnicas artísticas
El repertorio de Julian Opie es heterogéneo, va desde el vinilo y el tinte sobre nylon
hasta las pantallas de cristal líquido, pasando por la escultura de metal y madera. El
uso de la tecnología aplicada a la pintura es un rasgo definitorio del artista.
Opie y el arte pop
En una entrevista realizada al artista en el diario ABC, con motivo de su exposición en
el Centro de arte Contemporáneo de Málaga en el año 2006, declara que no se
considera heredero del pop. Puede ser una influencia, como tantas otras. También los
japoneses del siglo XVIII, Giotto... Hay una tendencia de la cultura americana a ver el
mundo en relación con su arte. Las influencias que siente, que son múltiples, pueden
variar también. Respecto a la relación del pop art con la cultura de masas, muchos
creen que su tipo de arte es más propio para fuera que para dentro de un museo. El
trata de añadir esas referencias culturales y poder comunicar mediante distintos tipos
de objetos. En la visión clásica de la producción del arte no había que hablar de
valores tangibles, materiales. Pero a él sí le parece que hay que hacerlo, son cosas
del mundo real. En este sentido quizá sí tenga un vínculo con el pop art, que rompió el
aislamiento del mundo artístico de las realidades tangibles, vulgares, de la vida
cotidiana. El arte incorporó referencias al dinero, la sexualidad, el chismorreo... Son
parte de la experiencia humana.2Julian Opie no reniega de la existencia de un vínculo
con el arte pop, aunque no en cuanto a la relación del mismo con la cultura de masas.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (popular) caracterizada por
la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser
únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el
arte deja de ser único y se convierte en una adicción. Sin embargo, el Arte Pop
descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía
para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al
igual que Duchampy Andy Warhol había hecho con sus ready-mades. Por tanto, se
podría establecer una relación de la cotidianidad de sus imágenes con la tendencia del
arte pop a representar los aspectos de una cultura popular y su relación con
la publicidad y la ilustración.

Opie y el minimalismo
Sólo podemos entender una tendencia hacia el minimalismo en cuanto a la neutralidad
y la ausencia de simbolismo de sus retratos, en resumen, por su capacidad de
síntesis. El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier
cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o que
proporciona solo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la tendencia a reducir
a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y
que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el
significado a simplificar todo a lo mínimo.

Opie y el ukiyo-e
Ukiyo-e, pinturas del mundo flotante, o Estampa Japonesa. Es un género de grabados
(realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos
en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes
paisajísticas, del teatro y de los cuartos del placer. Sus últimos trabajos, en los que -
inspirado por el arte tradicional japonés, especialmente por los grabados ukiyo-e- el
artista nos ofrece su particular y contemporánea visión acerca del paisaje, gracias a
originales "pinturas en movimiento" en las que podremos contemplar algunos paisajes
típicamente japoneses, incluyendo vistas del monte Fuji, que inmediatamente nos
remiten a las famosas obras de Hokusai o Hiroshige.

Premios
Durante su productiva carrera ha obtenido premios como:

 Music Week CADS, Best Illustration for Best of Blur.

 Residency at the Atelier Calder in Saché, France.
 Sargant Fellowship at the British School in Rome.

Exposiciones
Exposiciones y proyectos más recientes (selección).

 Royal Opera House, Londres (2009).

 MAK, Viena (2008).
 Art Tower Mito,Japon (2008).
 Phoenix Art Museum (2007).
 Art Gallery of Ontario, Toronto (2006).
 City Hall Park, Nueva York.
 Museum of Contemporary Art, Chicago (2004).
 K21 Colección de Arte Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2003).

Las obras de Opie se pueden ver en muchos

museos del mundo:
 Arts Council, Inglaterra.
 British Museum, Londres.
 Carnegie Museum, Pittsburgh.
 Daimler Chrysler Collection, Berlín.
 Daros-Stiftung, Zúrich.
 Institute of Contemporary Art, Boston.
 IVAM, Valencia.
 MUSAC, León.
 Museum of Modern Art, Nueva York.
 MoMAT, Tokio.
 National Gallery of Victoria, Melbourne.
 National Portrait Gallery, Londres.
 Stedelijk Museum, Ámsterdam.
 Tate Collection y Victoria & Albert Museum, Londres.
 CAC Málaga
Biografía de Nanami Cowdroy
Nanami Cowdroy es una artista nacida en Sydney, Australia. Su obra refleja estrechos lazos con su
herencia europea y japonesa. Haberse criado en el marco de ese contraste de culturas y entornos ha
tenido gran influencia en su estilo artístico y la forma como expresa su creatividad.
Entrelazando personajes complejos y objetos con gran nivel de detalle, sus piezas reflejan una
yuxtaposición entre entidades y entornos locales y extranjeros. Su imaginación se ilustra a través de
obras que resultan a la vez elaboradas y exóticas. Dibuja temas que en la superficie pueden parecer
delicados o frágiles, pero que tienen una fuerza y profundidad que se expresa a través de sus técnicas
basadas en pluma y tinta, un estilo intrincado e ilustrativo hecho a mano, y composiciones en técnicas
mixtas.
El sello que la identifica presenta su nombre Nanami (que en japonés significa "Siete mares") sobre
fondo rojo. Obras de líneas fluidas y criaturas marinas son sus temas favoritos y las formas distintivas
que presenta en su obra.
"Por la parte europea de mi padre (francesa y escocesa), la sangre artística fluye muy profundo... Hay
caricaturistas políticos, diseñadores gráficos, escritores y muchos artistas... Papá solía referirse a eso
cariñosamente como el "Bicho Cowdroy". Por la parte japonesa de mi madre, ella es profesora de Ikebana, mi
primo es fotógrafo, mi tío director de películas (documentales), y mi tiíta una "Kitsukeshi" (una forma
tradicional de diseñar Kimonos)"

"[En casa de mis padres] Había pinturas australianas de paisajes boscosos, situadas junto con
biombos japoneses plegables (‘Byobu’) pintados con cerezos en flor y sauces. Muñecas de porcelana
japonesas vestidas con kimonos de seda así como abanicos tradicionales expuestos junto a cuencos de
barro hechos a mano o tallados en madera provenientes de (por ejemplo) las Montañas Azules.
Impresiones en xilografía de pinturas sumi-e, de bambú, por ejemplo,
colgaban junto a bocetos a tinta de los suburbios de Sydney. Asimismo
varias fotografías de pagodas japonesas y escenas del Monte Fuji
enmarcadas en la pared, al lado de fotos de blancos yates navegando por la
Bahía de Sydney, etc...
Todo ello, como una ósmosis, creciendo rodeada de tal contraste de
culturas, se ha filtrado definitivamente en mi apreciación visual y
comprensión del arte y los diferentes aspectos de mi cultura."

"Siempre he amado y me he sentido cautivada por las visualmente

tentadoras y maravillosas obras de artistas modernos (especialmente los
surrealistas) como M.C. Escher, René Magritte, Salvador Dalí (por nombrar
unos pocos). ¡Encuentro tan excitante su imaginería ensoñadora y
disparatada!. El engaño inteligente que realizan con sus imágenes, como el
juego de M.C. Escher con la percepción y las perspectivas imposibles, que a veces resulta tan sutil en
la representación, es algo que definitivamente me deleita ¡y puedo estar mirando durante horas!"
"El fundamento y base primaria de toda mi obra son mis ilustraciones dibujadas a mano y pintadas. En el
pasado, a veces me gustaba añadir un fondo con un degradado gris bajo la obra escaneada... Pero hoy en día no
me gusta utilizar medios digitales. Me he apartado definitivamente de ellos. Para mí, al final del día, descubro
que la pluma es más poderosa que el ratón ;)"
"Para enmarcar un poco la cosa, la mayoría de mis obras me pueden insumir varias semanas o meses
en completarse, dejándolas y retomándolas, y por lo general tengo múltiples obras en proceso a la vez.
Como nunca tengo una planificación estricta para mis trabajos, es más bien un proceso intuitivo, mis
piezas se vuelven algo así como mi propio mapa mental de categorías. Son casi como una
documentación visual de cómo me he sentido y he pensado a lo largo del tiempo. Un ejemplo es
cuando algunas áreas de la imagen han sido notablemente rehechas y algunos parches del lienzo /
folio se han desgastado por esa causa."

"Un ejemplo de tema que adoro representar en mis obras son las Tsuru de origami (grullas de papel).
Aunque es un símbolo bastante común en Japón, un símbolo / icono de paz y longevidad, para mí
también conlleva un especial significado extra... como algo que asocio estrechamente con recuerdos
queridos tanto de mi padre como de mi abuela; ambos fallecieron no hace mucho tiempo."