Hoy en día disfrutamos y estudiamos la música como el arte tan basto que es, conocemos

una variedad impresionante de estilos, instrumentos y técnicas. Lo fascinante es pensar

cómo comenzó todo, darnos cuenta de que tenemos tal riqueza en el arte gracias a siglos de
evolución y a personas que han hecho cosas por la motivación e inquietud de inventar y
expresarse a través de la creación.

Recordemos que la música se comprende de un fenómeno físico del sonido, que a su vez
está relacionado con las matemáticas, así que en gran parte el avance en la música se ve
influenciado por la curiosidad hacia muchos factores que contribuyen luego a que puedan
convertirse en arte. Así, la historia de la música se ve relacionada al descubrimiento de lo
que nos rodea y de nuestra creatividad para transformarlo en algo más expresivo.

1- Prehistoria a través de instrumentos musicales

Llamamos Prehistoria a ese período de la humanidad antes de que existiera material escrito
con información de aquella época. Gracias a investigaciones y estudios podemos saber
acerca de la vida de los humanos que habitaron en este período, incluyendo su forma de
vida, sus hábitos y por supuesto, actividades sociales y culturales como la música.

Ya que no existen textos para obtener esta información se han buscado y encontrado
instrumentos musicales primitivos que nos brindan pistas. En cuanto a fechas, se ha
establecido que el período de la prehistoria se comprende desde hace 50.000 años hasta
los años 500 dC.

Imagen: Celia Batista

Origen de la música en la Prehistoria

El origen exacto de la música en la prehistoria es desconocido, sin embargo podemos
inferir que todo debió comenzar con elementos que estuviesen a fácil alcance de las
personas de la época y con esto concluimos que todo debió empezar con la voz humana y
con la percusión, utilizando el cuerpo o elementos en el entorno.
También sabemos una cosa y es que la música se utilizaba para acompañar eventos o
sucesos como la caza, la guerra, rituales funerarios y fiestas con danza. Ya que la
música es una manifestación y un método de expresión, las personas en la prehistoria la
asociaban con la vida y la naturaleza, en contraste, el silencio se relacionaba con la muerte.

Imagen: Slideplayer

Características de la música prehistórica

Puesto que no existen grabaciones ni partituras de la música de aquella época, la única
forma de acercarnos a cómo sonaba la música prehistórica es a través del estudio de
comunidades indígenas que no han cambiado sus costumbres drásticamente y que
mantienen características en común con los antepasados de aquella época.

Lo que sí podemos saber es la importancia, el significado y la utilidad que tenía la

música en la Prehistoria como un fenómeno social y expresivo. La música tiene un origen
relacionado con el lenguaje y el intelecto porque después de todo es un método de
expresión.

Otro vínculo importante es el de la música y la magia, la naturaleza o la religión. Se sabe

que muchas comunidades actuales utilizan la música como una forma de comunicación
con deidades o seres superiores, también como método de defensa contra espíritus
malignos o enfermedades, así podemos inferir que en la prehistoria la música era utilizada
también con estos objetivos.

Instrumentos musicales en la prehistoria

Un elemento importante para el evolución de la música se relaciona con el ingenio: la
invención de herramientas con un objetivo específico. Podemos saber que a partir de esto,
las personas comenzaron a crear instrumentos para producir sonido, experimentando con
materiales y la forma del instrumento. Como mencionamos anteriormente, las personas
utilizaban lo que tenían a su alcance, esto incluye materiales como la piedra, madera,
pieles, marfil y huesos de animales.

Por inferencia, se sabe que los instrumentos más antiguos debieron ser de percusión, ya
que requiere de menor ingeniería. Sin embargo es difícil encontrarlos porque seguramente
la mayoría fueron fabricados con madera y pieles, materiales que no se conservan bien con
el paso del tiempo. En el caso de la piedra, las marcas de golpes son muy ambiguas para
establecer si realmente se trataba de un instrumento musical.

Los instrumentos musicales más antiguos

 El instrumento más antiguo reconocido por la ciencia es una flauta fabricada con
hueso de cisne, de aproximadamente 36,000 antes de la historia. Muchos
instrumentos encontrados son de la categoría de los vientos, incluyendo flautas y
silbatos. Se cree que aparte de un instrumento musical, estos objetos se utilizaban
para hacer llamados.
 Otros instrumentos incluyen la utilización de cuernos, caracolas y huesos de otros
animales incluso más grandes, como osos y mamuts. En cuanto a otro tipo de
instrumentos, se han encontrado objetos como sonajas, objetos rellenados con
semillas para realizar sonido que se asemejarían a lo que conocemos hoy
modernamente como “maracas”.
 Podemos mencionar también que gracias a las características de algunos objetos no
relacionados con la música pudieron surgir descubrimientos de sonido. Es el caso
del arco utilizado para la caza, que consiste en una pieza de madera con una
cuerda tensada. Es probable que este haya sido el principio de los instrumentos de
cuerda, al experimentar con la tensión y el largo de la misma y su relación con el
sonido que producía.
Imagen: SmBosque

La música en la Edad de los Metales

Finalmente, un paso importante en la música prehistórica sucede en la Edad de los Metales.
Con nuevos materiales como el cobre, el bronce y el hierro, surgieron nuevas
posibilidades para crear instrumentos. Un ejemplo de esto es el “carnix” una especie de
trompeta vertical de origen celta fabricada con bronce, utilizada en la guerra para intimidar
al enemigo.

Siempre es muy curioso preguntarnos por los orígenes de algo con lo que vivimos nuestro
día a día, en este caso la música. Lo cierto es que podemos saber que desde el inicio de los
tiempos, la humanidad ha tenido consigo dos cualidades esenciales par la creación del arte:
la curiosidad y la creatividad.

Imagen: El País

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Más lecciones de Etapas y evolución

El tiempo en el que vivimos es responsable de nuestra visión del mundo. Las ideas que nos
rodean forman parte importante en la manera en que llevamos nuestra vida día a día y en la
forma en que hacemos las cosas. A lo largo de la historia de la humanidad las personas han
tenido distintas motivaciones por crear, sin embargo todo se remonta la curiosidad y a la
necesidad por expresarse.

La música ha sido una disciplina que ha acompañado a la humanidad desde siempre,

porque proviene a partir del principio de jugar con el sonido. Es así como a partir de un
principio tan básico hemos logrado evolucionar a un arte que disfrutamos diariamente en
una gran cantidad de formas distintas. En esta lección de unPROFESOR hablaremos
acerca de las etapas de la música a través de la historia y de cómo ha evolucionado a
través del tiempo.

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Música en la Prehistoria (50.000 - 5.000 a.C.)

Puesto que no tenemos textos de la Prehistoria que nos indiquen con exactitud como era la
música de este tiempo, la información la hemos obtenido gracias a la arqueología y los
objetos que hemos encontrado de las personas que vivieron en esta época.

Se sabe que los instrumentos en esta etapa estaban fabricados con madera, piedra y
materiales de origen animal como cuernos y pieles. También inferimos que la música
debió ser utilizada en la caza y como un medio de ritual de conexión con la naturaleza y las
deidades. En esta otra lección te contamos de forma concreta cómo era la música en la
Prehistoria.
2-La música en el Mundo Antiguo (5.000 a.C. – 476 d.C.)

Otra de las etapas de la música es durante el Mundo Antiguo. Por Mundo Antiguo nos
referimos a las civilizaciones establecidas más antiguas de la humanidad: Egipto y
Mesopotamia, Greca, Roma y la China Antigua.

 En esta época ya encontramos familiares de instrumentos que conocemos hoy en día

como el arpa y el oboe. En Egipto, ya se utilizaban escalas de 7 sonidos. La
música era un conocimiento de prestigio al que solo tenían acceso personas como
los sacerdotes.
 En Grecia, se realizaban obras con argumento como dramas, tragedias y
comedias, que eran acompañadas de música. La música también era una forma oral
de contar historias y leyendas del pueblo y Es de ahí que la música obtiene una
relación estrecha con la filosofía y la cultura. Por su parte, muchos filósofos y
matemáticos estudiaban el sonido, llegando a conclusiones como la afinación
pitagórica (de Pitágoras) que es la base del sistema de construcción de la escala
musical.
 En Roma la música se utilizaba en un principio para ritos cristianos y alabanzas.
También contribuyó al canto en latín a la música de canto gregoriano en Grecia.
Posteriormente la música representó un factor humorístico y de festejo, relacionada
con la vida bohemia.
 En la cultura antigua China, la música tenía un carácter especialmente secular,
misterioso, legendario y era tomada en alta consideración por las dinastías. La
distancia geográfica de la cultura les llevo a alejarse un poco de la música del resto
de las culturas mencionadas y a tener elementos característicos propios como por
ejemplo, la escala pentatónica, que no posee semitonos.

3.La música en la Edad Media (476 – 1450)

La música más importante de esta época fue el canto gregoriano, que es un canto de
carácter litúrgico. El canto gregoriano poseía textos en latín y era en un principio de
carácter monódico (una sola línea melódica). Es a partir de estos cantos que se establece el
primer sistema de escritura musical, con notas musicales y cuatro líneas para escribirlas
(a diferencia del actual utilizado: el pentagrama de 5 líneas).

A parte del canto gregoriano, se crearon canciones por parte de los llamados “menestrelli”
que eran juglares y trovadores, artistas ambulantes o de entretenimiento para fiestas y
banquetes en las cortes. Las obras interpretadas eran de carácter lírico y narrativo.

4. La música del Renacimiento (1450 – 1600)

Otra de las etapas de la música más destacadas es la que tuvo lugar durante en el
Renacimiento. Aquí, la música comienza a tomar más complejidad con la polifonía y el
contrapunto, es decir, empiezan a involucrarse más líneas melódicas para jugar con el
sonido a partir de la independencia de las voces, las tensiones y resoluciones en relación a
sus intervalos.

Aún se da una diferenciación entre las formas musicales religiosas (misa y motete) y las
populares o profanas como los madrigales y villancicos. También acompañaba danzas con
música instrumental, en formas como el ricercare y la canzona.
Etapa de la música clásica (1600 - 1910)
Puesto que éste período fue definitivo para el establecimiento de las formas y estructuras de
la música, a la música de éste período le llamamos música clásica, teniendo su fin
aproximado en la música considerada de la actualidad, en el año 1910.

Música Barroca (1600 – 1750)

Se desarrolla mayoritariamente gracias a la ópera, que tomaba lugar en los teatros

acompañada de grupos de instrumentos y a partir de la cual se introduce la utilización y las
bases del desarrollo del lenguaje instrumental de la orquesta sinfónica, que en esta
época tenia a las cuerdas frotadas como recurso predominante.

La época barroca se caracteriza por la apreciación de la hechura, los extremos y el

contraste. Musicalmente hablando, aparece la utilización del concepto de “tonalidad” y el
uso continuo de los bajos. Se utilizan ritmos de compás claro y sencillo, voces extremas
simultáneas, progresiones de acordes funcionales y espacios para la improvisación. En esta
época se asientan las formas musicales de la ópera, el oratorio, la cantata, el concierto, la
sonata y la suite entre otras.
Algunos de los músicos notables de ésta etapa fueron: Johan Sebastian Bach, Georg
Fredrich Händel, Antonio Vivaldi, Georg Phillip Telemann y Claudio Moteverdi.

Clasicismo (1750 – 1800)

El clasicismo tiene a Viena como centro de difusión más potente, seguido por París, Berlín
y Mannheim. La música del clasicismo se caracteriza por su transparencia, claridad,
simetría y solidez en la tonalidad. En contraste con la época anterior del barroco, el
clasicismo buscaba la naturalidad y rechazaba los excesos. Es en esta época que se
establecen los modelos clásicos por excelencia de formas como la sinfonía y la sonata.

Anteriormente la música era un arte manejado principalmente por la aristocracia, pero en

esta época, pasa a ser difundida mayoritariamente por el publico de la burguesía,
aumentando el alcance de la música al público general y de manera internacional. Dentro
de los músicos relevantes de esta época tenemos a Wolfgang Amadeus Mozart, Franz
Joseph Haydn, Antonio Salieri, Luigi Boccherini y Níccolo Paganini.

Romanticismo (1800 – 1860)

El Romanticismo musical es otra de las claras etapas de la música. En contraste con las
corrientes anteriores, el romanticismo busca la expresión individual sentimental, la
interpretación de la vida y la naturaleza. Se le da la máxima importancia a la propuesta
de ideas personales y a la libertad de creación. Lo exótico era gran motivo de apreciación.

Musicalmente se da una mayor utilización de cambios armónicos, cromatismos, tonalidades

menores, ampliación de rango y variedad musical. Hay mucha utilización de colores
ambiguos y modulaciones. El tamaño de la orquesta creció notablemente en cantidad y en
inclusión de instrumentos. También se apreciaba más el virtuosismo y la improvisación.

Algunos músicos importantes de la época: Ludwig Van Beethoven, Friedric Chopin,

Franz Liszt, Richard Wagner, Johannes Brahms, Robert Schuman, Gustav Malher,
Giuseppe Verdi, Franz Schubert, Piotr Ilich Tchaikovsky, Sergei Rachmaninoff.

Impresionismo (1860 – 1910)

Tiene su origen predominantemente en Francia, con los músicos Claude Debussy y

Déodant de Séverac. Algunos argumentan que el impresionismo no es precisamente un
género musical sino una extensión de la ideología.

En todo caso, el impresionismo musical se caracteriza por la total libertad de creatividad

armónica y rítmica, que son establecidos en un principio pero manipulados durante la
obra, también se retoma la utilización de escalas (modos) que habían caído en desuso
durante el Barroco, donde solo se utilizaron las escalas mayor y menor. Se juega mucho
con la insinuación y la sutileza, el tiempo resulta más libre y/o rubato y sobre todo, se
experimenta con el timbre.
Debussy es conocido como el máximo representante del impresionismo, pero también se
relacionan compositores como Maurice Ravel y Erik Satie, Manuel de Falla, Isaac
Albéniz y los precursores del movimiento: Gabriel Fauré y Camille Saint-Saëns.

Música moderna y contemporánea (1910 – actualidad)

Y para terminar con este recorrido por las etapas de la música, ahora nos centraremos en la
actualidad. La música moderna es a veces difícil de definir gracias a su amplio rango de
posibilidades. La época se caracteriza por la total libertad y la utilización tanto de
elementos clásicos y estructurales como de formas de experimentación en cuanto a la
ruptura de la tonalidad, formas, técnicas y colores. Uno de los conceptos más
importantes de ésta época es el dodecafonismo, que es música que utiliza las 12 notas de la
escala cromática con total libertad, es decir de manera atonal (no hay tonalidad
establecida).

Se da un fenómeno crucial en ésta época: el surgimiento de la tecnología electrónica.

Gracias a ella nace la posibilidad de grabar el sonido, lo que daría lugar a la industria de la
música y que revolucionaría la forma de escuchar y distribuir las obras musicales. Si en un
principio la música podía escucharse únicamente en vivo, ahora se podía escuchar en la
comodidad del hogar, con el disco de (seguido más adelante por los casetes, los CD y la
música digital) lo que da lugar luego con el nacimiento de la industria musical. También
surgen posibilidades de fusión con otros medios de difusión masiva como el cine y la
radio.

Dichos fenómenos darían lugar a lo que llamamos “música popular” y con ella, cientos de
géneros y estilos musicales como el rock, pop, funk, folk, jazz, reggae, bossa nova, salsa,
electrónica, etc. Hoy en día la música sigue creciendo y revolucionándose con la
tecnología y los avances de la informática, cambiando la manera en que escuchamos,
creamos y compartimos música.

Conocer acerca de la historia nos ayuda a comprender la razón de ser de muchas cosas en la
actualidad, y ese entendimiento nos permite disfrutar la genialidad de las cosas que a veces
damos por sentado. La música es un mundo amplio y fascinante que ha cambiado a través
de los siglos y que continuamos teniendo el gusto de tener y gozar.

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Música en la Prehistoria: resumen

Hoy en día tenemos a disposición una impresionante cantidad y variedad de música, esto
probablemente se deba a toda la historia que a transcurrido y los avances que se han
realizado poco a poco a través de las épocas. En esta lección de unPROFESOR hablaremos
acerca de la música en la Edad Media: resumen y características, para conocer ciertos
aspectos interesantes de la vida musical en un contexto totalmente distinto al nuestro. Un
viaje musical que nos permitirá conocer la música que se realizaba antaño y que asentó las
bases de este arte en la actualidad.

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Índice

1. Géneros de música en la Edad Media

2. Formas musicales de la Edad Media
3. Instrumentos musicales de la Edad Media
Géneros de música en la Edad Media
Es importante tomar en cuenta que al hablar de la música en la Edad Media tratamos de un
amplio período, ya que le llamamos Edad Media a la historia desde la caída del Imperio
Romano en el año 476 hasta los comienzos del Renacimiento en siglo XV
(aproximadamente el año 1450). Es una gran etapa de la música y, por eso, tenemos que
conocerla de forma más profunda para poder entender sus características.

Aún así podemos resumir que en ésta época el poder fue manipulado principalmente por la
nobleza y la religión, así que en términos generales la música era puesta al servicio de
alguna de dichas instituciones, ya sea en la corte o en la iglesia. De tal modo podemos
claramente dividir la música de la edad media en religiosa o profana.

La música religiosa

Quizás la música más relevante sea en el área religiosa, específicamente el canto

gregoriano, que poseía textos en latín y tomaba lugar en las misas y fiestas solemnes. El
canto gregoriano en este entonces era monódico, es decir que posee una sola línea
melódica. La modalidad de canto monódico se mantendría hasta el siglo XI, en donde se
comenzó a experimentar con más líneas melódicas, construyendo las primeras bases para la
polifonía. Finalmente, cabe mencionar que es en ésta época que se desarrolla el primer
sistema de escritura musical. A diferencia nuestro sistema actual, poseía cuatro líneas para
colocar las notas en vez de cinco.

En cuanto a características musicales específicas del canto gregoriano podemos mencionar

que se interpretaba sin acompañamiento de instrumentos, que no tenía una pulsación ni
ritmo determinado, y que era interpretado casi exclusivamente por voces masculinas.

Siendo el canto gregoriano de uso litúrgico exclusivo, la temática se basaba en su

funcionalidad durante la misa. El repertorio se limita a textos recitativos, himnos,
aclamaciones, piezas salmódicas (del salmo), etc., algunos de los cuales tenían dinámica
responsorial por parte de los fieles.

Música profana

Si nos referimos a la música profana (sin carácter sagrado, religioso) debemos hablar de los
llamados “menestrelli”. Los menestrelli eran trovadores y juglares, artistas que se
movilizaban por el área o que servían como una forma de entretenimiento durante las
fiestas y banquetes. Las obras de estos intérpretes tenían carácter lírico y narrativo, es decir
que recitaban historias a veces acompañadas de algún instrumento que era fácil de
transportar y que llevaban con ellos mismos. Sus cantos eran prácticamente una forma de
poesía basada en versos con temáticas variadas que trataban de política, moral, historias
épicas y amorosas entre otras.

Existe una diferenciación entre trovadores y juglares, y es que los trovadores poseían un
estatus social superior al de los juglares, siendo éstos aristócratas y compositores de sus
mismas obras. En contraste, los jugarles eran meramente personajes errantes, a veces ex-
miembros del clérigo, que vivían del entretenimiento y diversión de la población
analfabeta. Comúnmente, los juglares no solo hacían cantos sino que recurrían a otras
formas de entretenimiento como el malabarismo y la sátira (que tiene un propósito burlón).

Imagen: Slideshare

Formas musicales de la Edad Media

Podemos dividir las formas musicales de la Edad Media en vocal y e instrumental.

Formas Vocales

 Organum: Pieza litúrgica de largas notas con embellecimientos.

 Conductus: Semilitúrgico, acompañaba a un personaje.
 Motete y Madrigal: La forma que desarrolló la polifonía.
 Hoquetus: Forma francesa, 3 voces en contrapunto con una grave.
 Canon: Imitación de una melodía desplazada en tiempo.

Formas Instrumentales
Ya que en esta época las formas vocales predominaban, las formas instrumentales se
reducen a danzas. Encontramos términos como ballata, estampies y saltarellos.

Imagen: Slideshare

Instrumentos musicales de la Edad Media

Un dato interesante es que en un inicio podemos claramente dividir la utilización de
instrumentos entre lo litúrgico y lo profano, puesto que en la iglesia el único instrumento
permitido era el órgano. Con el tiempo, la implementación de la polifonía provocaría que
más instrumentos pudiesen ser aceptados en la iglesia con el objetivo de imitar las voces
humanas para acompañarlas o sustituirlas.

Puesto que la música profana recaía en músicos ambulantes, sus instrumentos debían ser
reducidos y de fácil transporte. Además, ya que el objetivo principal era acompañar sus
aclamaciones, se optaba principalmente por instrumentos de viento y de cuerda, muy rara
vez de percusión. Los instrumentos de percusión fueron prácticamente excluidos hasta el
renacimiento.

 Instrumentos de cuerda: Rabel, dulcimer, fídula, arpa, laúd, guiterna, guitarra,

lira, salterio, monocordio y organistrum, entre otros.
  Instrumentos de viento: Flautas principalmente, como la bombarda y la dulzaina.
De menor relevancia y relacionadas con la guerra es utilizaron familias de los
cuernos y trompetas.

Ya que conoces la música en la Edad Media, puedes notar lo mucho que el tiempo ha
cambiado nuestras circunstancias en el arte y la creatividad y cómo los motivos para crear
están relacionados directamente con el contexto en la historia.

Música Renacentista

El arte es una expresión del ser humano y por lo tanto no es sorpresa que junto con los
descubrimientos, la forma de vida y el cambio de ideas a través de los años, los creadores
expresen como un reflejo todos estos movimientos de ideas y sentimientos. A medida que
la historia se va escribiendo, miles de obras y formas de arte van quedando para contarnos
cómo vivían y sentían las personas de cada época, he aquí el gran valor del arte como
patrimonio humano.

Otro factor importante es la conciencia del ser humano hacia su propio valor, puesto que es
una característica crucial para la motivación de realizar arte. Precisamente en este artículo
hablaremos acerca de una época en donde las personas se plantean su lugar en el mundo a
través de la música. En esta lección de unPROFESOR hablaremos acerca de la música
renacentista: historia y características.

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Índice

1. Renacimiento musical: contexto histórico

2. Historia de la música renacentista y características
3. Las formas de la música del Renacimiento

Renacimiento musical: contexto histórico

Dentro de las etapas de la música debemos hablar sobre el Renacimiento que tiene a Italia
como centro de nacimiento, aproximadamente en el año 1400. Con el tiempo la corriente
llegó a expandirse por toda Europa, durando entre los siglos XV y XVI. El período finaliza
con el siglo, aproximadamente en el año 1600.

El Renacimiento fue una etapa determinante para la música y el arte en general, ya que
surge a partir del humanismo, la mentalidad de darle importancia al propio ser humano y a
su capacidad intelectual. En esta época el estudio, el descubrimiento del mundo y la
creación fueron las virtudes más apreciadas.

No es de sorprenderse que consecuencia de el auge intelectual, la música tomara más

complejidad durante éste tiempo. A pesar del auge de la persona como ser, la religión es
aún un factor de suma importancia y fue para muchos el motivo principal y la inspiración
para crear obras musicales.

Finalmente, otro par de factores importantes fueron la ascensión de la burguesía como clase
social y la invención de la imprenta, lo cual promovió la difusión de la música.

Historia de la música renacentista y características

Es en el Renacimiento que la música comienza a tomar más complejidad ya que surgen
técnicas como la polifonía y un estudio más amplio del contrapunto. En otras palabras,
es en este tiempo que en la música se empiezan a involucrar más líneas melódicas para
crear más combinaciones y juegos con el sonido a partir de la independencia de las voces,
las tensiones y las resoluciones en relación a sus intervalos (la distancia entre una nota
musical y otra).

Otro factor característico es que la música se mantenía dentro del sistema modal, es decir
que usualmente las obras tomaban la escala musical como base armónica para la
composición. Finalmente, la música renacentista generalmente utilizaba la figura de la
redonda como unidad de pulso musical.
Dentro de los compositores destacados del renacimiento musical podemos mencionar a
Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlando di
Lasso y Tomás Luis de Victoria.

Imagen: Slideshare

Las formas de la música del Renacimiento

Como hemos mencionado anteriormente, la música renacentista aún mantiene la religión
como uno de los motivos principales para escribir obras. A grandes rasgos podemos decir
que las principales formas musicales del Renacimiento fueron la misa y el motete, ambas
creadas con fines litúrgicos.

 La misa podía ser compuesta tanto para la voz a capella (sin instrumentación)
como para canto acompañado con instrumentación. Los textos eran en latín. Gracias
a la polifonía, las voces cantaban distintas líneas melódicas según su tesitura.
También se usó el canon, en donde el motivo melódico se repite y se desplaza de
compás. Dependiendo del tratado de las voces, en la misa existían las variaciones de
misa motto, misa cantus firmus, misa paráfrasis y misa parodia.
 El motete toma inspiración en las escrituras bíblicas (también en latín). A
diferencias de otras formas, en el motete las composiciones eran mayoritariamente
 originales. Aunque tiene su origen en la época medieval, es en el renacimiento que
alcanza una complejidad mayor, combinando incluso hasta 12 voces.

Otras formas de la música del Renacimiento

 Villancico religioso
 Madrigal espiritual
 Lauda
 Coral luterano
 Música profana (obras fuera del contexto religioso, que incluye la chanson, el
romance la villanella, la frottola y el madrigal).
 Música Instrumental (como el ricercare, la fantasía y la canzona).
 Formas para danza (alemanda, la bajadanza, la gallarda y la pavana).
 Formas de improvisación (la toccata, el preludio, la recercada, la romanesca y el
passamezzo).

Gracias a esta información ya tienes una idea del renacimiento y la importancia que tiene
como época para la evolución de la música. Cada parte de la historia es capaz de
proveernos pistas y respuestas a las razones de ser de la actualidad.

.
La música en el Barroco: resumen corto
 

Por Ana Sofía Rivera. 30 diciembre 2019

Instrumentos del Renacimiento Características de música en el Barroco

Imagen: Slideshare

La humanidad se encuentra en evolución continua, viviendo, creando, cometiendo errores y

aprendiendo para seguir avanzando. Como colectivo, poseemos a nuestro favor miles de
años de conocimiento que se ha ido acumulando y poniendo a prueba para decidir lo que
presenta valor real para nuestro futuro.

El arte no es la excepción sino es de hecho una parte crucial de la evolución, ya que

representa nuestra necesidad de expresión y los motivos detrás de ello. Por lo tanto
podemos decir ciertamente que la creatividad es una forma de contar y comprender la
historia. En esta lección de unPROFESOR hablaremos acerca una de estas etapas en el arte
musical con la música en el barroco: resumen corto y comprenderemos más acerca de
sus distintas expresiones.

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Índice

1. Contexto de la música en el Barroco

2. Características de la música en el Barroco
3. Compositores del Barroco más destacados
4. Formas musicales del Barroco

Contexto de la música en el Barroco

Dentro de las etapas de la música tenemos que hablar sobre el Barroco. Ubicamos la época
barroca en Europa durante el s. XVII, aproximadamente data desde el nacimiento de la
ópera (año 1600) hasta la muerte del compositor Johan Sebastian Bach (1750). El barroco
sucedió con más auge en Italia, Alemania, Inglaterra, Francia y España. Durante esta etapa
la ideología se aplicaba no solo a la música sino al arte en general. Se le dio especial
apreciación a la hechura, los extremos y el contraste, en ocasiones se le describe incluso
como “pesado” y “retorcido”.

Para la música este tiempo en la historia resulta ser interesante puesto que fue un momento
de reformas y transiciones religiosas. A consecuencia, la música fue utilizada como un
medio de propagada por parte de la iglesia y la nobleza. Es de esta manera que la música se
vuelve un elemento poderoso como espectáculo público, determinante e influyente y el
músico pasa a ser un sirviente de la nobleza.

Características de la música en el Barroco

Es en ésta época que se desarrolló del lenguaje instrumental de la orquesta. Esto sucede
a raíz de la popularidad de la ópera, que se interpretaba en grandes teatros y era
acompañada por grupos instrumentales. En la orquesta barroca, el área predominante
fueron los instrumentos de cuerda frotada.

Estos son los elementos característicos musicales en la música barroca:

 La aparición del concepto de tonalidad.

 Bajos de uso continuo.
 Ritmos de compás claros y sencillos.
 Voces extremas simultáneas (textura bipolar).
 Acordes de progresiones funcionales.
 Espacios amplios para la improvisación el virtuosismo.
 Fuertes contrastes sonoros.
Imagen: Slideshare

Compositores del Barroco más destacados

Algunos de los músicos notables de ésta etapa fueron: Georg Fredrich Händel, Georg
Phillip Telemann, Antonio Vivaldi, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Domenico
Scarlatti, Claudio Moteverdi y quizás uno de los músicos más influyentes de la historia:
Johann Sebastian Bach.

Bach contribuyó con una prominente cantidad de composiciones que destacan por un gran
valor intelectual y balance estructural. Bach se considera el maestro del contrapunto y sus
obras servirían de inspiración para futuros músicos imprescindibles en la historia como
Mozart, Beethoven, Franz Liszt y Wagner entre muchos otros.
Imagen: Slideshare

Formas musicales del Barroco

Es e esta época que se asientan las formas musicales importantes como la ópera, el
oratorio, la cantata, el concierto, la sonata y la suite. En general podemos dividir las formas
en vocales e instrumentales.

Formas Vocales

La más destacada es la ópera. Esta forma es de género teatral y fue ampliamente popular.
La ópera posee un argumento base que es plasmado en un libreto e interpretado
principalmente por cantantes en escena, acompañados por instrumentistas.

Otra forma vocal popular fue el Oratorio, que es muy similar a la ópera pero posee su
enfoque primordial en los coros, sin escenificación. Dentro de otras formas tenemos la
cantata, con carácter litúrgico, y el motete, de menor popularidad y casi obsoleto durante
la época. Se trataba de composiciones religiosas para varias voces iguales.

Formas Instrumentales
Dentro de las formas instrumentales encontramos la sonata, el concierto grosso, la suite y
algunas formas solísticas dedicadas a la improvisación como el preludio, la tocata, la
fantasía y la fuga.

Algunas formas como la Suite en concreto, asienta su estructura como una obra de 4
movimientos, que a su vez poseen un nombre y características propias. La suite tiene una
orden específica para proceder con dichos movimientos y realizaba combinaciones entre los
mimos. Estos eran generalmente allemande, cuorante, sarabande, giga, minueto y
rondó.

La sonata es otra de las formas prominentes, dedicada a ser interpretada por un solista
acompañado de uno o dos instrumentos. La formación habitual se constituía de violín,
flauta u oboe para solista, violonchelo y algún instrumento para acordes como el arpa,
órgano, clave o laúd.

Ahora que conoces más acerca del barroco quizás puedas encontrar en obras actuales las
reminiscencias de su legado y comprender sus razones de ser.

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 Período musical clásico: definición
El período clásico musical, o clasicismo sucedió aproximadamente entre 1750 y 1820 en
Europa, siendo Viena (Austria) el centro principal de difusión. Ojo, que es importante no
confundir el término de música “clásica” con el “período clásico”. El primero se refiere a la
música formal académica en general y el segundo se refiere a esta época de la que
hablamos en esta lección: el clasicismo.

El clasicismo sucede después del Barroco como una respuesta contraria, buscando la
naturalidad y claridad por encima de los excesos y ornamentos complejos. Otro factor
importante en esta época es que el arte pasa a ser difundido principalmente por la burguesía
en vez de la aristocracia, abriendo más oportunidad al público general de tener acceso al
arte y a su difusión internacional.

12 características del periodo musical clásico

1. Busca transparencia, solidez tonal y simetría.
2. Contrario al Barroco, el objetivo principal de este estilo es la búsqueda de la
naturalidad y el rechazo los excesos.
3. Posee una melodía principal acompañada por el resto de los instrumentos.
4. La melodía es la protagonista y tiene carácter cantabile (melodioso, gustoso de
cantar).
5. Armonía clara y estructurada.
6. Acordes con funciones específicas.
7. Cadencias definidas.
8. Tiempo, compás y rítmica muy definidos.
9. Predominancia del modo mayor, reflejando vitalidad, gozo y alegría.
10. Modos menores relacionados con tristeza o lo sombrío.
11. Más experimentación de dinámica y articulaciones en conjuntos instrumentales.
12. El solista pasa a segundo plano en una orquesta.
Imagen: Slideshare

Formas musicales del clasicismo

Para continuar con este resumen sobre el Periodo musical clásico, vamos a conocer las
formas principales que se llevaron a cabo durante este tiempo. Las más importantes fueron
las siguientes.

La sinfonía

La sinfonía está compuesta específicamente para su interpretación por la orquesta sinfónica

completa, es quizás una de las formas más reconocidas por excelencia y grandiosidad
dentro del ámbito de la música académica. Se construye por varios movimientos,
generalmente 3 o 4 y su duración es más larga en comparación a otras formas.

Sonata

La sonata es, probablemente, la forma más difundida durante esta época. Interpretada por
un solista o un dúo conformado generalmente por el piano para la parte armónica de
acompañamiento y un instrumento melódico para la melodía principal. Posee una estructura
definida de desarrollo, asentada en esta época y que ha perdurado hasta la actualidad.
Serenata o divertimento

El propósito original de la serenata fue la amenizar y entretener durante veladas sociales. Es

de carácter tranquilo y armonioso, compuesta generalmente para interpretarse al anochecer.
Compuesta para formaciones instrumentales reducidas.

Ópera

Es un género teatral de forma vocal con acompañamiento instrumental. Se basa y desarrolla

según un argumento dramático, plasmado en un libreto (un guión y texto escrito).

Concierto

Interpretada para varios instrumentos, buscando hacer relucir a un solista o solistas. En

partes, todo los instrumentos juegan dinámicamente y en otras el instrumento principal
tiene la oportunidad de demostrar su virtuosismo. En ocasiones se dejaba también un
espacio para la improvisación.

Compositores del periodo musical clásico

Y terminamos este resumen del periodo musical clásico para hablar de los compositores
más destacados del momento. Son muchos los nombres a conocer, pero aquí te dejamos
algunos de los más relevantes.

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787, Austria)

Es considerado uno de los compositores más importante de ópera en esta época. Realizó
reformas en la estructura musical de la ópera y la reenfocó en el argumento de la obra por
sobre la producción escénica. Obras importantes: Orfeo y Eurídice, Alcestes, Ifigenia en
Áulide, Ifigenia en Táuride Armida.

Joseph Haydn (1732 – 1809, Austria)

Clavecinista y pianista, reconocido por sus obras para música de cámara y trío para piano.
Para muchos Haydn es “el padre de la sinfonía”. Fue mentor y amigo de Mozart y
Beethoven. Haydn compuso la melodía de lo que es actualmente el himno nacional de
Alemania (“Kaiserlied”). Obras importantes: Sinfonía No. 100 y 101, Deutschlandlied.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791, Austria)

Uno de los personajes más reconocidos en la historia de la música clásica, reconocido como
niño prodigio. Incluso a la edad de 5 años ya poseía gran destreza en el piano, clavecín el
violín. A pesar de vivir tan solo 35 años, Mozart posee a su nombre más de 600 obras,
muchas de las cuales se consideran cúspide de la música sinfónica. Obras importantes:
Serenata No.13, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Réquiem, Sinfonía No.40.

Ludwig Van Beethoven (1770 – 1827, Austria)

Vivió en la transición entre clasicismo y romanticismo. Beethoven es aclamado por sus

sinfonías, 9 de ellas de las cuales le siguen brindando popularidad internacional. Beethoven
fue de los primeros compositores en independizarse para la publicación de sus obras.
Obras importantes: Tercera sinfonía “Heróica”, Quinta Sinfonía y Novena Sinfonía.

Otros compositores clásicos

 Carl Philipp Emmanuel Bach (1714 – 1788, Alemania)

 Johann Christoph Friedrich Bach (1732 – 1795, Alemania)
 Johann Christian Bach (1735 – 1782, Alemania)
 Antonio Salieri (1750 – 1825, Italia)
 María Anna Mozart (1751-1829, Austria)
 Wilhelm Friedrich Bach (1759 – 1845, Alemania)
 Luigi Cherubini (1760 – 1842, Italia)

Ahora que has leído este artículo titulado periodo musical clásico: resumen corto, puedes
proceder a escuchar la música de esta época con mayor comprensión.