TEORÍAS DEL ARTE 1

Unidad introductoria
¿Qué es el arte?

Profesor: Lic. Darío Duarte Núñez

Bienvenidxs

Algunas preguntas centrales atraviesan esta cursada: ¿De qué hablamos cuando
hablamos de arte?, ¿Qué consecuencias tiene la producción artística en el ámbito
general de la cultura?, ¿Cuál es la relación entre arte y educación? ¿Cómo las artes
pueden transformar la cotidianeidad de los espacios educativos? Interrogantes que no
remiten a una respuesta única sino más bien a un ejercicio, a una actividad del pensar
situado, que se abre a su vez a múltiples preguntas desde el estar inmerso en una cultura.
Ejercicio que como dice Paulo Freire hace que de las preguntas podamos construir
conocimiento en nuestros contextos cotidianos, en el contexto real de la vida.
En esta primera unidad, la idea es realizar una breve introducción que toma como eje
el concepto de arte, sus aristas, sus variaciones a lo largo del tiempo, sus implicancias
sociales.

El arte hoy: (des)definiciones

¿Qué es el arte? Parece una pregunta de rutina, una pregunta que parecería que
responderla nos alcanza con citar algunos ejemplos de obras, o con mencionar algunos
hechos destacables en la vida de famosos artistas que motivaron sus creaciones. También
es posible hacer referencia a las emociones que suscitan en el público que nos lleva en
algunos casos de las lágrimas a la risa sin escalas. Incluso, simplemente podríamos caer en
la evidencia de que es algo a lo que se dedican los “artistas”. Sin embargo, lejos de ser una
cuestión zanjada, el término arte reviste grandes dificultades para ser fijado en un sólo
significado. Podríamos empezar algo que expuso Benedetto Croce en un texto llamado
precisamente ¿Qué es el arte?:

A la pregunta ¿qué es el arte? puede responderse bromeando, con una broma que no es
completamente necia, que el arte es aquello que todos saben lo que es. Y
verdaderamente, si no se supiera de algún modo lo que es el arte, no podríamos tampoco

1
 formulamos esta pregunta, porque toda pregunta implica siempre una noticia de la cosa
preguntada, designada en la pregunta y, por ende, calificada y conocida. Cosa sobre la
cual podemos hacer una experiencia de hecho, si nos damos cuenta de las ideas, justas
y profundas, que oímos con frecuencia formular con relación al arte por aquellos que no
son profesionales de la filosofía y de la teoría, por los laicos, por los artistas poco amigos
de razones, por las personas ingenuas, hasta por las gentes del pueblo; ideas que van
muchas veces implícitamente envueltas en los juicios que se hacen en tomo a
determinadas obras de arte, y que algunas veces se pronuncian en forma de aforismos y
de definiciones. Y hasta damos en la flor de sospechar que pudiéramos reírnos a
mandíbula batiente, siempre que nos viniese en ganas, de los filósofos orgullosos que
pretenden haber descubierto la naturaleza del arte, metiéndonos por los ojos y por los
oídos proposiciones escritas en los libros más vulgares y frases del acervo común de las
gentes, advirtiéndonos que contienen, con la mayor claridad, su flamante descubrimiento.
(...) la pregunta, ¿qué cosa es el arte? -como, en general, toda pregunta filosófica sobre
la naturaleza de lo real y toda pregunta de conocimiento-, si adquiere en las palabras que
se emplean cierto matiz de problema general y total, que se pretende resolver por primera
y por última vez, tiene siempre, en efecto, un significado circunstancial, que reza con las
dificultades especiales que se viven en un momento determinado de la historia del
pensamiento. (Croce, 1985: 11-12).

Preguntarse por el ser del arte es una tarea compleja que requiere detenernos a
pensar. Artistas, filósofos, psicólogos, sociólogos, antropólogos, entre otras tantas disciplinas,
el público en general, han intentado dar cuenta de lo que se entiende por arte y cuál es su
obrar específico y el caso de ello es que siempre resulta en un hecho circunstancial sometido
a un determinado momento.
Veamos un primer caso. En 1917, el artista francés Marcel Duchamps compró un
mingitorio al que firmó con el seudónimo de R. Mutt y lo envió para ser exhibido con el nombre
de Fuente. La sociedad de artistas independientes rechazó A estos objetos tomados de la
vida cotidiana y presentados para ser exhibidos los llamó ready- made u objet trouvé. Lo
importante es que en este caso no es el objeto en sí mismo en donde se concentra la obra
sino que es en los conceptos que despierta el encuentro con las mismas las que invitan a la
experiencia estética.

2
 El gesto provocador de Duchamp hizo que se empezara a correr el foco del arte como
actividad que asume la producción de objetos para ponerlo en la producción de conceptos.
De hecho, es tal la relevancia para hacer un giro en la historia del arte que en el 2004 Fuente
fue votada como la obra de arte más influyente del siglo XX1. El teórico Peter Burger, fallecido
hace muy poco en el 2017, se pronuncia al respecto en términos de manifiesto:

La provocación de Duchamp no sólo descubre que el mercado de arte, que atribuye más
valor a la firma que a las obras sobre la que ésta figura, es una institución cuestionable,
sino que hace vacilar el mismo principio del arte en la sociedad burguesa, conforme al
cual el individuo es el creador de las obras de arte. Los ready-mades de Duchamp no son
obras de arte, son manifestaciones.

Otro caso conocido de ready made es Rueda de bicicleta. El mismo consiste en,
precisamente, esta última incrustada en un taburete. Al igual que con el mingitorio, Duchamp
extrae a los objetos de su cotidianeidad, haciéndoles perder su función original y los vuelve a
presentar en un contexto para el cual no fueron pensados.

1
Consultar la siguiente nota: https://goo.gl/QdBqAu

3
 Tomemos otro caso. En 1964, el artista Andy Warhol expone en el MoMA una obra a
la que llamó Brillo Box. Se trata de una caja de esponjas idéntica a la que se vende en un
supermercado. El filósofo y crítico Arthur Danto plantea que en ese hecho de indiscernibilidad
entre ambos objetos idénticos radica el gesto revolucionario de Warhol: la pregunta sería qué
es aquello que le otorga a una de las caja Brillo el estatuto de arte mientras que a la otra no.
Se está poniendo el foco en una definición del arte no esencialista y no perceptivo. No vamos
a encontrar diferencias visuales entre una caja de Brillo y la otra sino es a partir de un marco
de referencia conceptual:

[…] distinguir obras de arte de otras cosas no es un asunto tan sencillo, incluso para los
hablantes nativos, y hoy en día puede que uno no se dé cuenta de que está en un terreno
artístico sin una teoría artística para distinguirlo. (Danto, 1964: 572).

En otras palabras, aquello que da condición de posibilidad de existencia es el mundo

del arte junto con las teorías, las creencias, valores, etc. que configuran lo que entendemos
por arte.

4
 Vayamos a otro caso más. En 1913, el compositor ruso Igor Stravinsky estrena la
Consagración de la primavera para la compañía de Ballet ruso dirigida por Sergei Diaghilev.
Su estreno se convirtió en un escándalo resonado. La música y la coreografía tenían un
carácter vanguardista que no fue recibido por el público presente la noche del estreno. En el
siguiente enlace encontrarán la obra con la coreografía de Pina Bausch
https://www.youtube.com/watch?v=NOTjyCM3Ou4.
Por último, en 1993, el compositor alemán Karlheinz Stockhausen 2 compuso su obra
Helicopter quartet, estrenada finalmente en 1995, que está pensado para un cuarteto de
cuerdas - dos violines, viola y violoncello-, cuatro helicópteros -con sus pilotos- además de
los técnicos que

Helicopter Quartet- Karlheinz Stockhausen (1993)

https://www.youtube.com/watch?v=13D1YY_BvWU

Como remarca Simón Marchán Fiz (1994), con las primeras vanguardias del siglo XX
vanguardia se empezó a asistir a un viraje desde la prevalencia del objeto sobre la teoría del
arte denominado objetual hacia un arte que se enmarca en un plan explícito que deriva en un
arte conceptual.

2
Este compositor ha sido un pionero en el campo de la música electrónica de vanguardia. Además, ha
sido fuente de influencia para las producciones más audaces de The Beatles. Consultar:
https://goo.gl/rrQudr.

5
 Importan más los procesos formativos y artísticos de la constitución que la obra realizada.
En ello se acusa la transición de la estética de la obra como objeto a la estética procesual
y conceptual (Marchán Fiz, 1994).

Para explorar
En el siguiente enlace van a encontrar una publicación en la que se seleccionaron
10 obras polémicas exhibidas en museos https://goo.gl/zrCc21

Quizás sea momento de recurrir al filósofo alemán Theodor Adorno que comienza su
teoría estética con una sentencia muy conocida sobre el arte: “Es evidente que ya nada
referente al arte es evidente, ni en sí mismo, ni en su relación con la totalidad, ni siquiera en
su derecho a la existencia”.

Para explorar
Los invito a seguir el enlace que encuentran aquí en donde se relata un hecho ocurrido
en un museo: https://goo.gl/YrbTpq.

Los rasgos distintivos del arte

Vamos a detener en un aspecto que señala sobre los elementos que se pueden
destacar y que sobresalen para entender qué es el arte en relación con aquello que lo
caracteriza. El eje de la exposición va a continuar con el texto de Tatarkiewicz que denominó
rasgos distintivos a cada intención conceptual por caracterizar a lo que se ha entendido arte.
No es tanto en cuanto período histórico sino como aspecto que se ha querido destacar de lo
que destaca al arte como ámbito de producción arte.

El rasgo distintivo del arte es que produce belleza.

En palabras de autor, esta concepción considera que el arte es una “actividad humana
consciente que aspira, y logra, la belleza. La belleza es su propósito, su logro y su valor
principal” (Tatarkiewicz, 2001:56). De hecho, de esta forma de entender al arte es que se
desprendió la idea de las bellas artes, que fuera propuesta en el siglo XVIII por el filósofo

6
francés Charles Batteux. Tradicionalmente, se ha considerado que la belleza es sinónimo de
agradable. También en épocas como el Renacimiento, se entendía que la belleza de una obra
era el resultado de una operación consciente en la que se expresaba un orden y un equilibrio
formal. Racionalidad, decoro, mesura, armonía, son todos sentidos que podemos asociar a
la idea de belleza que se ha tenido en los períodos más clásicos del arte. Por citar sólo
algunos ejemplos, pinturas como El nacimiento de Venus, esculturas como la Piedad de
Miguel Ángel, las sinfonías clásicas de Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn, son
algunas de las obras que podrían entrar dentro de este rasgo definitorio de crear belleza.

Ilustración 1. El nacimiento de Venus, de Botticelli

Ilustración 2. La piedad de Miguel Ángel

De todas maneras, pensar al arte como una actividad aspira a producir belleza no
resulta satisfactorio para poder dar cuenta de ciertas obras que quedarían resueltamente
excluidas por dos cuestiones relacionadas: una, existe un problema principal que lo hallamos
cuando nos planteamos qué entendemos por belleza dada la ambigüedad que puede suscitar
el concepto (Tatarkiewicz, 2001); otra, existen obras de arte en las que su finalidad no es

7
expresar belleza sino que, por el contrario, buscan manifestar una experiencia más cercana
a lo feo, siniestro y/o desagradable.
Comparemos, el ejemplo anterior de la representación de Boticcelli de la belleza ideal
de la mujer para el Renacimiento con la obra Mujer I del pintor expresionista Willem de
Kooning.

En la obra hay, cuanto menos, una aparición siniestra de la figura humana,

distorsionada en los trazos violentos del artista que nos genera una sensación alejada de la
idea de belleza como agrado que se ha pretendido en otras épocas del arte.

La belleza- Mentira la verdad

Los invito a ver un fragmento del programa Mentira la verdad dedicado a la belleza.
En el mismo, se expone la idea del relativismo estético. En este, se entiende que el criterio
de referencia para considerar que algo es bello va a depender de lo que cada cultura entiende
por ésta y que es un concepto móvil a lo largo del tiempo
Fragmento para la clase: https://www.youtube.com/watch?v=gc-2DS8yhGU
Programa completo: https://www.youtube.com/watch?v=55Onaz8Vako

El rasgo definitorio es que representa o reproduce la realidad.

Comencemos a pensar este rasgo con una cita elocuente sobre esta forma de
entender al arte:
No debería haber ninguna diferencia visual entre mirar un cuadro y mirar por la ventana
que muestra lo mismo que esa pintura. Así, un retrato conseguido debe ser indiscernible

8
 del sujeto del retrato que nos observa a través de una ventana. (Alberti, citado en Danto,
2013).

El arte desde rasgo se ocupa de la imitación lo más fielmente posible de la realidad,

entendida ésta como naturaleza. Si volvemos a pensar en el Renacimiento, los artistas se
ocupaban de reproducir en su obra aquello que veían, razón por la cual se sirvieron de la
herramienta de la perspectiva y del estudio pormenorizado del cuerpo humano para lograr
sus producciones. El citado Batteux extendió a la imitación como una cuestión propia de las
artes: incluso la música, dado que retomando a Aristóteles ésta podía imitar los movimientos
del alma. Aquí nos encontramos con una concepción de la realidad única posible de ser
observada mediante instrumentos objetivos. Sin embargo, este rasgo frente a mucho arte
queda restringido sólo para algún tipo de arte: sobre todo en arte perteneciente al período
figurativo, pero no sólo éste ya que hay ejemplos de un movimiento llamado hiperrealismo en
donde se intenta captar con una precisión casi fotográfica y mediante una técnica muy
desarrollada los personajes o escenas retratadas (Ver ejemplo):

En el ejemplo tenemos una comparación entre un famoso cuadro, Inocencio X, del

pintor español del período barroco Diego Velázquez (izq.), y en el otro, una versión
distorsionada de este cuadro del pintor irlandés del siglo XX Francis Bacon (der.). En el primer
caso, la intención de Velázquez es lograr un retrato realista del papa, incluso resaltando los
rasgos psicológicos del retratado; en el caso de Bacon, la realidad aparece desfigurada y
puede reconocerse la forma, aunque la intención nos es presentar una figura naturalista sino
más bien una experiencia personal en relación a ese cuadro de Velázquez.

9
 Para explorar
Les dejo una página del artista italiano Diego Fazio que trabaja con dentro del estilo
hiperrealista: https://diegokoi.deviantart.com/

El rasgo distintivo es que produce formas

En este rasgo el arte es considerado como una actividad que produce cosas, es decir,
da forma a ciertas cosas, concepción que tiene su raíz en la concepción aristotélica de la
creación de formas como tarea del arte. Mucho del arte moderno puede identificarse dentro
de esta categoría.

Por ejemplo, en el suprematismo, promovido por el pintor ruso Kazimir Malevich, se

reduce la intervención pictórica a la utilización de figuras geométricas básicas como
cuadrados y círculos. De todas maneras, definir al arte por la forma vuelve muy impreciso ya
que la forma puede entenderse de muchas maneras al mismo tiempo que pueden ser
reclamadas desde disciplinas como el diseño industrial.

El rasgo distintivo es la expresión

En este caso el acento de lo que produce el arte está puesto en el artista. El arte se
pone al servicio de la expresión del mundo interior del creador, concepto que surge durante
el Romanticismo y que ha calado muy hondo respecto de lo que hace hoy en día el artista a
través de “su arte”. Fue posible el surgimiento de este rasgo distintivo gracias a que el artista

10
durante el siglo XIX adquirió un verdadero prestigio social ya que su actividad no estuvo ligada
a una corte que dictaba las tareas pudiendo expresar sus ideas personales.
Joseph Mallord William Turner, pintor inglés del siglo XIX es reconocido por ser un
paisajista. Sin embargo, lejos de presentar apacibles escenas campestres, sus paisajes
muestran cómo la naturaleza indomable se abalanza sobre el ser humano representando esa
tensión interior y un dramatismo impensado en la pintura de paisajes del siglo anterior.

En la música, sobre todo, encontramos obras en donde se el acento está puesto en la

expresión del artista. Compositores como Frédéric Chopin, Robert Schumann o Franz Liszt,
entre tantos otros, se han servido de los sonidos para remitir a el universo emocional propio
e íntimo.
Sin embargo, esta definición tampoco le cabe a todo el arte. Tomemos por caso la
obra de Piet Mondrian. En este caso, la difícilmente se puede pensar que la intención haya
sido expresar algo del mundo interior del artista quedando más asociada a la idea del arte
como creación de formas que presentamos anteriormente.

El rasgo distintivo es que produce experiencia estética

En este rasgo nos ponemos del lado de la experiencia del público. Ocurre que muchas
veces la experiencia estética no es activada por la obra de arte sino por ejemplo por un
paisaje. Además de como se mencionó para otros rasgos, no necesariamente la obra busque
causar una emoción en el espectador sobre todo en la creación del siglo XX para acá. Este
rasgo de todas maneras tiene relación con el siguiente.

El rasgo distintivo es que produce un choque

11
 Este rasgo está centrado sobre todo en el efecto que una obra causa sobre el
espectador y se corresponde principalmente con muchas de las producciones de vanguardia
(Tatarkiewicz, 2001). pero no con cualquier tipo de efecto sino con uno en particular que es
el desagrado y la conmoción.
Una performance de 1980 de la artista Marina Abramovic junto con su compañero en
ese entonces Ulay titulada The Other: Rest of Energy nos sirve para ilustrar esa tensión y ese
energía cinética que habita en las producciones que tienen como rasgo distintivo causar un
shock en el espectador. En ella vemos como ambos artistas sostienen un arco tensado con
un flecha, él sostiene desde el extremo del arco desde el cual se dispara la flecha mientras
que ella lo hace en el extremo opuesto al que se apunta la mencionada flecha poniendo en
riesgo su integridad.

The Other: Rest of Energy (1980)- Marina Abramovic y Ulay

https://www.youtube.com/watch?v=5IJte841c4A

Finalmente, podemos agrupar los rasgos distintivos del arte, de acuerdo a cuál
componente del arte se pone el acento para marcar el alcance de lo que podemos llamar
arte

Componente Rasgo distintivo

Obra Produce belleza

Produce representación

Producción de formas

Artista Expresión

Público Produce experiencia estética

Produce choque

Para ir terminando (por hoy): ¿Arte es todo lo que las personas llaman arte?

El arte es hoy un campo extenso constituidos por un conjunto de prácticas que se

encuentran abiertas a la significación. No podemos fijar su significado, no podemos encasillar

12
las producciones para que encajen en una noción de arte sino que podemos seguir el curso
de los acontecimientos para analizar caso por caso la pertinencia o no al mundo del arte de
un objeto.

Comencemos por observar que, aunque es habitual creer que “sabemos” lo que es “arte”,
la verdad es que lo que se ha entendido por “arte”, a lo largo de la historia de nuestra
cultura, y sobre todo su intencionalidad y sus límites, son algo sumamente cambiante.
Cada época, cada situación específica de cultura, ha entendido como “arte” cosas muy
diversas. (Jiménez citado en Olivera, 2010: 65).

No podemos tener como horizonte de interpretación un concepto universal del arte

sino más bien avanzar en las singularidades. Como dice Jiménez, lo que es universal es la
dimensión estética de la experiencia en donde el arte vendría a ser una de las formas
particulares en las que se manifiesta. Esto lleva a que no podemos prescribir sus derroteros
ya que el arte siempre se encarga de realizar virajes que acusan su soberanía.
Hablar sobre arte nos interpela a realizar permanentemente ajustes categoriales, a
elaborar formas de analizar en un campo en el que el arte plantea incertidumbres respecto
de lo que podemos tener como objeto de producción. Quizás a veces estemos con el arte
como San Agustín con el tiempo. Cuando este filósofo medieval en sus Confesiones intentó
definir el tiempo mediante una elocuente y famosa respuesta: “¿Qué es, pues, el tiempo? Si
nadie me lo pregunta, lo sé; pero si quiero explicárselo al que me lo pregunta, no lo sé”.
Retomando a Adorno, pues nada hay de evidente en el arte. Sin embargo, en lugar de ser un
escollo, es una invitación al pensar.

13