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El arte del periodo renacentista en
Europa (1400-1550) incluye algunas de las

pinturas y esculturas más reconocidas y queridas del mundo. Los maestros
solían ser expertos tanto en pintura como en escultura, y al estudiar el arte de la
antigüedad y añadir sus conocimientos teóricos sobre la perspectiva
matemática y las nuevas técnicas pictóricas, produjeron obras de arte realmente
únicas. El realismo, el detalle, el dramatismo y las sutiles capas de significado se
convirtieron en características del arte religioso y secular. Los artistas se
liberaron finalmente de su antigua condición de artesanos y alcanzaron una
nueva posición como contribuyentes vitales a la cultura y el prestigio de las
sociedades en las que vivían.
Las características que definen el arte del Renacimiento son:
 un interés por captar los elementos esenciales del arte clásico, en particular la
forma y las proporciones del cuerpo humano;
 un interés por la historia del arte contemporáneo y por forjar un camino
continuo de desarrollo;
 una mezcla de iconografía pagana y religiosa, pero con la humanidad como
centro;
 una tendencia a la monumentalidad y a las posturas dramáticas;
 el interés por crear una respuesta emocional en el espectador;
 el desarrollo de una perspectiva matemática precisa;
 interés por los retratos, escenas y paisajes hiperrealistas y detallados;
 el interés por el uso de colores vivos, la sombra y la captación de los efectos de
la luz;
 el desarrollo en el uso de las pinturas al óleo y las impresiones finas;
 el uso de formas sutiles y objetos cotidianos para darles un significado
adicional;
 el aumento del prestigio de los artistas como artesanos superiores que
combinaban los estudios intelectuales con las habilidades prácticas.
Orígenes medievales
Se solía pensar que el arte del Renacimiento surgió de la nada en un milagroso
renacimiento de ideas y talento, pero la investigación de los historiadores
modernos ha revelado que muchos elementos del arte del Renacimiento se
estaban experimentando en el siglo XIV. Artistas como Giotto (fallecido en
1337) querían hacer sus cuadros más realistas y por eso utilizaban escorzos para
dar una sensación de profundidad a la escena. El uso que Giotto hace de los
escorzos, las luces y las sombras, la emoción y la elección dinámica de las
escenas se puede apreciar mejor en sus frescos religiosos de la Capilla Scrovegni
de Padua (hacia 1315). Estas técnicas, y el éxito del artista a la hora de hacer que
los personajes cobren vida, influirán enormemente en los artistas posteriores.
Por esta razón, a menudo se hace referencia a Giotto como el "primer pintor del
Renacimiento", aunque viviera antes del Renacimiento propiamente dicho.
Los mecenas adinerados fueron la fuerza motriz del arte renacentista en un

periodo en el que la gran mayoría de las obras artísticas se realizaban por
encargo. Las iglesias fueron las beneficiarias habituales de este sistema en la
primera parte del Renacimiento. Los paneles pintados para retablos y frescos
eran la forma más común de decoración artística, a menudo mostrando la sacra
conversazione, es decir, la Virgen y el Niño rodeados de santos y bienquerientes.
Los retablos monumentales de varios metros de altura se enmarcaban a
menudo de forma elaborada para imitar los desarrollos contemporáneos de la
arquitectura. El retablo más famoso de todos es el de Gante de 1432, obra de Jan
van Eyck (c. 1390-1441). Los temas del Renacimiento temprano, por tanto, son
muy similares a los populares durante la Edad Media.
Los mecenas privados, como los papas, los emperadores del Sacro Imperio
Romano Germánico, los reyes y los duques, veían el beneficio de embellecer
sus ciudades y palacios, pero también estaban muy interesados en obtener una
reputación de piedad y un conocimiento de las artes y la historia. Una vez que
un mecenas encontraba un artista que le gustaba, solía contratarlo a largo plazo
como artista oficial de la corte, le encargaba todo tipo de tareas, desde retratos
hasta el diseño de libreas. Los mecenas pagaban, por lo que a menudo hacían
peticiones específicas sobre los detalles de una obra de arte. Además, aunque
un artista podía hacer uso de sus habilidades y su imaginación, tenía que
mantenerse dentro de los límites de las convenciones, ya que los personajes de
sus obras debían ser reconocidos por lo que eran. Por ejemplo, no era bueno
hacer un fresco de la vida de un santo si nadie reconocía quién era. Por esta
razón, la evolución del arte fue relativamente lenta, pero a medida que algunos
artistas adquirían gran fama, podían desarrollar nuevas ideas en el arte y
diferenciarlo de lo que había hecho antes.
El renacimiento clásico
Una de las características que definen el periodo del Renacimiento fue el
reinterés por el mundo antiguo de Grecia y Roma. Como parte de lo que ahora
llamamos humanismo renacentista, se consultó la literatura, la arquitectura y el
arte clásicos para extraer ideas que pudieran transformarse para el mundo
contemporáneo. Lorenzo de Médicis (1449-1492), cabeza de la gran familia
florentina, fue un notable mecenas, y su colección de obras de arte antiguas fue
un punto de estudio para muchos artistas. Los jóvenes artistas, que se formaban
en los talleres de los maestros consagrados, también tenían acceso al arte
antiguo o, al menos, a reproducciones de dibujos.
Los artistas imitaban directamente las obras de arte clásicas o partes de ellas en
sus propias obras. En 1496, por ejemplo, Miguel Ángel (1475-1564) esculpió
el Cupido dormido (hoy perdido), que envejeció a propósito para que pareciera
una auténtica obra antigua. Otra recreación de la antigüedad, esta vez
totalmente imaginaria, es el fresco de la Escuela de Atenas de Rafael (1483-1520).
Realizado en 1511 y ubicado en el Vaticano, este fresco muestra a los principales
pensadores del mundo antiguo. Las imágenes comunes de la mitología clásica
fueron especialmente populares, se volvieron a imaginar y, en algunos casos,
incluso han superado al arte antiguo en nuestras mentes cuando pensamos en
ciertos temas. El Nacimiento de Venus (c. 1484, Galería de los Uffizi, Florencia),
de Sandro Botticelli (1445-1510), es un ejemplo de ello. Por último, la
representación de la arquitectura antigua y de las ruinas era una de las favoritas
de muchos artistas del Renacimiento para dar un ambiente de fondo a sus obras
mitológicas y religiosas.
El aumento del estatus de los artistas

Otra novedad fue el interés por reconstruir la historia del arte y catalogar
quiénes eran exactamente los grandes artistas y por qué. El erudito más famoso
que recopiló esta historia fue Giorgio Vasari (1511-1574) en sus Las vidas de los
más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros
tiempos (1550, revisada en 1568). Esta historia es un registro monumental de los
artistas del Renacimiento, sus obras y las historias anecdóticas asociadas a ellas,
por lo que Vasari está considerado como uno de los pioneros de la historia del
arte. Los artistas también se beneficiaron de que se escribieran biografías
específicas sobre sus vidas y obras, incluso cuando aún estaban vivos, como
la Vida de Miguel Ángel, de 1553, escrita por Ascanio Condivi (1525-1574). Los
artistas también escribieron textos sobre técnicas en beneficio de otros, los
primeros fueron los Comentarios de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), escritos hacia
1450. Como los Comentarios incluyen detalles de la vida y la obra de Ghiberti,
son también la primera autobiografía de un artista europeo.
Este interés por los artistas del Renacimiento, por su vida privada y por cómo
llegaron a crear obras maestras refleja el elevado estatus del que gozaban. Los
artistas seguían siendo considerados como artesanos, al igual que los zapateros
y los carpinteros, y estaban obligados a afiliarse a un gremio. Esto empezó a
cambiar durante el Renacimiento. Los artistas se diferenciaban obviamente de
los demás artesanos porque podían adquirir una amplia fama por sus obras y
crear un sentimiento de orgullo cívico entre sus conciudadanos. Sin embargo,
fueron los esfuerzos intelectuales de pintores como Leonardo da Vinci (1452-
1519) y Alberto Durero (1471-1528) los que finalmente elevaron a los pintores a
la categoría de "artistas", un término antes restringido a los que estudiaban las
artes liberales tradicionales, como el latín y la retórica. Los artistas se
interesaron por estudiar la historia del arte, lo que ocurría en el mundo del arte
en otros lugares, escribieron tratados sobre su oficio e hicieron experimentos
con la perspectiva matemática. Todo ello elevaba el arte a la categoría de
ciencia.
Otro rasgo que define a los artistas del Renacimiento, especialmente a los del
Alto Renacimiento (1490-1527), es su extraordinaria habilidad en diversos
medios. Figuras como Miguel Ángel y Leonardo eran tan buenos pintores como
escultores, y ambos, como muchos otros maestros, se dedicaron también a la
arquitectura. Estos maestros de éxito dirigían grandes talleres, que servían de
base para la formación de la siguiente generación de artistas.
Una mayor confianza en sus habilidades, sus conocimientos y su contribución a

la cultura en general se puede apreciar en el creciente número de artistas que se
autorretratan. Otro síntoma era la frecuente firma de las obras de arte, a veces
en partes muy destacadas del cuadro (aunque los ayudantes del taller del
maestro solían rematar las obras).

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