Arte Universal
Arte Universal
Arte Universal
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ÍNDICE
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TEMA 1
LOS ORÍGENES. ARTE PREHISTÓRICO Y EGIPTO. EL PRESENTE ETERNO.
1. LOS ORÍGENES
Cuando apareció sobre el planeta el humano moderno, comenzó el arte. Los
homínidos que le precedieron no tenían arte porque no tenían destreza manual, solo
cuando su Sistema Nervioso Central fue creciendo y madurando y solo cuando sus
extremidades superiores fueron desarrollándose y transformándose, adquirió la
suficiente habilidad para manipular de forma compleja objetos.
Al principio las creaciones no eran concebidas como simples obras de arte, sino
como objetos que poseían una función definida. A lo largo de milenios la cultura
material, y por ende el arte, fue evolucionando, por ello, el Arte Prehistórico constituye
el 95% del Arte Universal.
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Todo esto parece que tiene poco que ver con el arte, no obstante, si no
comprendemos su cultura material no podremos comprender su arte, porque no
podemos delimitar en qué momento un objeto o
una pintura dejó de ser mera cultura material, con
una función definida, para ser un objeto artístico.
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Paleolítico Superior, Gravetiense: puntas de la Gravette
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y se encuentran en Altamira y en la Cueva del Castillo, ambas en Cantabria. Respecto al
arte mobiliar la primera representación es la venus de Hohle Fels.
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difícil acceso, en la que hay una escena de un animal atacando a un ser humano y que
se interpreta como que ese animal recibe daño del pintor para que no ocurra
simbólicamente. Domino el concepto de que me ataque y así no ocurrirá.
Para la tercera explicación, la fertilidad, necesaria para que los animales se
reproduzcan y no se agoten, se apoyan en una serie de pinturas que muestran hembras
embarazadas o animales en los momentos previos a la cópula, juntos o separados, no
obstante, esta tercera explicación plante algunos problemas porque algunas pinturas de
hembras embarazadas pertenecen a especies que no se cazan y no se consumen.
* El arte como santuario, de Levoi-Gourhman en 1968, dentro del cuerpo teórico
del estructuralismo, que le confiere al arte un significado religioso, nos dice que lo
importante no es la pintura en sí, sino el espacio, la cueva, que representaría un
santuario, al igual que para nosotros una iglesia, cada espacio en una iglesia tiene su
significado, no se ponen las mismas figuras en el presbiterio que en las capillas o en el
trascoro, un crucificado representa la redención de los pecados, no un crucificado en sí;
lo mismo ocurriría en una cueva, cada espacio tiene su significado y cuanto más
inaccesible, más sagrado. Añaden aún más, el estructuralismo plantea que todos
intentamos construir nuestra visión de la naturaleza a partir de esquemas binarios, el
bien y el mal, lo positivo y lo negativo. Levoi-Gourham plantea que de modo repetitivo
se pintan bisontes y caballos como un binomio, el caballo es masculino, viril, poderoso
mientras que el bisonte es lo femenino, la fertilidad, y dice que las poblaciones
paleolíticas representan bisontes o caballos según necesiten virilidad, fertilidad, etc. por
eso ocupan los paneles más importantes, mientras que cabras y ciervos, ocupan lugares
secundarios y terciarios los leones, osos o rinocerontes. Esta explicación claramente
estructuralista se va desdibujando y va perdiendo fuerza conforme se descubren más
pinturas en más cuevas.
* El arte como Chamanismo, de Clottes y Lewis-Williams de 1996, basada en la
nueva arqueología con premisas del postprocesualismo, hacen arqueología como
antropología y estudian a sociedades actuales de cazadores recolectores,
concretamente a los San africanos, entrevistan a chamanes y ven su forma de actuar
extrayendo un patrón de comportamiento que se resume en:
-Las representaciones de los San son similares a las pinturas parietales
paleolíticas.
-Hay tres estadios de pinturas, I representaciones geométricas, puntos,
rayas, zigzags; II cosas que existen en la naturaleza, animales, objetos y III mixtas entre
las dos anteriores, hombres con cabeza de animal y con formas geométricas, por
ejemplo.
-Los chamanes son los encargados de realizar las pinturas y para ello
alteran su estado de conciencia mediante rituales o drogas, facilitando tener
ensoñaciones o visiones que les permiten acceder a un plano más sagrado, reservado
solo a unos pocos.
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-Cuando observamos pinturas paleolíticas de estadío III podrían ser
ensoñaciones de chamanes paleolíticos; el problema es que, aunque fuese cierto, no
nos descubre el significado de las pinturas.
- Se pintan en el fondo de las cuevas, en lo más inaccesible, en lo más sagrado.
* El arte como modo de comunicación, de Ucko, Rosenfeld y Sauvet hacia 1970.
Las cinco hipótesis anteriores podríamos denominarlas generalistas, intentan explicar
los significados de todas las pinturas que nos encontremos mediante una única teoría;
estos autores siguiendo una corriente claramente postprocesualista (también llamada
contextualista) nos dicen que no hay que tener una teoría general que explique la mayor
parte de los datos que encontremos en cada escena que descubramos sino que es mejor
una hipótesis para cada pintura, un significado para cada escena pero que nos explique
la mayor cantidad de datos.
Los postprocesualistas, entienden el arte como modo de comunicación y no
crean una hipótesis general, solo la que mejor explique la pintura que estoy estudiando.
El contexto es lo importante, no la pintura en sí, ni la hipótesis general.
2.3. Focos principales
Pese a que el arte rupestre se da en todo el planeta, las investigaciones se han
dirigido principalmente a Europa y llevadas a cabo por intelectuales occidentales, ello
ha determinado que los principales focos estén establecidos en occidente.
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Los cinco focos principales son:
• Grupo levantino-meridional
• Cueva de la Pileta, Benaoján
• Cueva de Nerja, Nerja
• Cuevas de la Jara, del Buitre, del Caminante, de Atlanterra, del Moro, Tarifa
• Cueva del Ciervo, los Barrios
• Cueva de la Horadada, San Roque
• Cueva de Parpalló, Valencia
• Núcleo de la Meseta
• Cueva del Monje, Cabezasrrubias del Puerto, Ciudad Real
• Cueva de la Sierpe, Vadillos, Cuenca
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• Cueva del tío Melitón, Covaleda, Soria
• Cueva de Penches, Barcina de los Montes, Burgos
• Núcleo cántabro-pirenaico
• Cueva de Altamira, Santillana del Mar, Cantabria
• Cueva del Castillo, Puente Viesgo, Cantabria
• Cueva de Tito Bustillo, Ribadesella, Asturias
• Cueva de la Covaciega, Asturias
• Cueva del Pindal, Asturias
• Cueva de Santimamiñe, Cortezubi, Vizcaya
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Cueva del Pindal
• Grupo Perigordiense
• Cueva de Lascaux
• Cueva de Gargas
• Cueva de Niaux
• Cueva de Chauvet
• Núcleo Siciliano
• Cueva de Addaura
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2.4. ¿Qué representaban y cómo lo hacían?
La inmensa mayoría de las representaciones parietales del Paleolítico Superior
son pinturas y están en territorio europeo, habitualmente en cuevas, bien a la entrada,
bien en lugares casi inaccesibles; menos frecuentemente podemos encontrar
grabados, en alto y en bajo relieve.
La inmensa mayoría de las representaciones de las pinturas son de animales, con
clara preferencia por caballos, bisontes y cabras; no queda claro el por qué, no eran los
más cazados, ni los más consumidos, quizás algo relacionado con la magia. Por otro lado,
podemos encontrar animales de pequeño tamaño como pájaros, peces o roedores, pero
en menor proporción.
Altamira, grieta que dibuja el perfil inferior del bisonte. Cándamo, figura humana poco detallada
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Matilde Múzquiz es una pintora que se ha dedicado, mediante arqueología
experimental, a investigar como realizaban estas pinturas. Ha llegado a conclusiones
interesantes:
Se iluminaban mediante tuétano y la lámpara era el propio hueso. Esto
proporcionaba una luz cálida y sin humo.
El soporte era intencionado, aprovechaban relieves y grietas para obtener un
mayor naturalismo y realismo de la representación. Había intencionalidad.
La postura para colocarse determinaba el trazo de pintura, muchas figuras están
dibujadas en muy pocos trazos y gracias a estas características se puede determinar si
dos figuras corresponden al mismo autor.
La dirección del trazo era a pelo, como si acariciaran al animal, con paradas del
trazo más o menos en el mismo sitio independientemente del territorio en el que
aparezcan las figuras. Es como si existiesen unas normas universales de pintura.
La técnica era grabando, con la mano o con un buril. Dibujando, con carbón
humedecido sobre roca también humedecida. Pintando, con pigmentos de óxidos de
hierro, hematita, limonita y otros, mezclados con agua.
El pigmento se depositaba en la mano, o en una paleta de madera o en una
piedra, se pintaba soplando o posiblemente con el dedo revestido por una gamuza.
También modelaban en arcilla, creando volúmenes y relieves.
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2.5. Arte mobiliar
Habitualmente son útiles, muchos decorados, que nos sirven para datar las
pinturas. El tipo de lámina, la superficie de corte nos permite estimar el periodo y de
esta forma datar otras representaciones.
Aunque lo más frecuente son los útiles cinegéticos, también encontramos
figuritas de animales, adornos personales, lámparas, objetos religiosos y las venus.
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Las venus son objetos muy característicos y llamativos, no se sabe a ciencia cierta
si tenían un significado religioso, se ha llegado a postular que podrían tratarse incluso
de juguetes eróticos.
Eran de pequeño tamaño 5-25 cms, de contorno romboidal por sus grandes
pechos y caderas, con órganos sexuales muy marcados y con ausencia de rasgos
faciales y de pies.
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2.6. Influencia del arte paleolítico
La mayoría de los autores atribuye una gran importancia al arte paleolítico y no
dudan en asegurar que cambió el arte y ese arte cambió nuestra forma de ser. Cambió
la mentalidad de la sociedad y se puede afirmar que corrientes tan interesantes como
el impresionismo, beben de fuentes paleolíticas.
Picasso llegó a decir que “después de Altamira, todo es decadencia”. Miró
pronunció algo similar: “el arte está en decadencia desde la edad de las cavernas”.
Eugenio Lemus, un famoso grabador, le dijo a Sautuola, descubridor de Altamira:
“tales pinturas no tienen caracteres del arte de la Edad de Piedra, ni arcaico, ni asirio, ni
fenicio, y solo la expresión que daría un mediano discípulo de la Edad Moderna”. El
grabador no podía ni siquiera imaginar que aquello estuviese realizado por un hombre
primitivo. Cuan equivocado estaba y por otro lado, no hay mejor reflejo del inmenso
arte que contiene esa cueva.
Hay muchos ejemplos de influencias:
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Los artistas de la Prehistoria dejaron claro que no solo había que representar lo
bello, también lo feo merecía la pena y comprendieron que un artista debía tener
libertad total para expresar.
3 ARTE MESOLÍTICO
Al igual que el clima fue cambiando, la megafauna fue desapareciendo y la
pintura fue adaptándose. Cada vez la figura se reduce más a su esencia. Conocemos
bien el cambio que sufrió el arte desde el neoclasicismo al arte abstracto, algo parecido
ocurrió desde el Paleolítico al Neolítico. El Mesolítico fue una etapa intermedia y el Arte
Rupestre Levantino es posiblemente la mejor muestra que existe de esa época.
Las características del arte rupestre levantino son:
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aparece con falda y también con diferentes tocados, dibujada con culo respingón
y pechos prominentes, participa en tareas del hogar, recolectando o danzando.
• Tiene carácter narrativo, cuenta una historia, se ven tácticas de guerra, de caza,
hay manadas de animales, no superposición de animales, sino manadas. Hay
interacción entre las figuras.
• Busca el movimiento, en el baile, en la caza, en la guerra. Los animales huyen,
los hombres los acorralan, las posturas son estudiadas para dar sensación de
movimiento, tensando un arco, corriendo…
• El dibujo es expresivo, más esquemático y de menor tamaño, cuanto más va a
la esencia, más expresa. Una imagen barroca, detallada al máximo, nos expresa
poco, todo está reflejado, no podemos imaginar más, no podemos interpretarla.
Unos cuantos trazos, la esencia de la figura nos expresa mucho más.
• La pintura es monocroma en rojo o negro.
Las principales muestras de arte rupestre levantino se encuentran en la cueva de
los Letreros, Almería; abrigo de Cogull, Lérida; barranco de Gascons, Teruel; cueva de la
Araña, Valencia; abrigo de Cantos de la Visera, Murcia; cuevas de la Solana de las
Covachas, Albacete; cuevas de la Sarga, Alicante o cueva del Val del Charco del Agua
Amarga en Teruel.
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Un río separa dos tribus, hay lucha por
el territorio, control de las zonas
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Una escena cotidiana de mujer educando
a un niño, a la derecha mujeres y
animales de dudosa significación
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La fertilidad, animal embarazada, hombre con
falo y mujeres con pechos y culos prominentes
4. ARTE NEOLÍTICO
El clima sigue mejorando y las
sociedades se vuelven agricultoras y
ganaderas, más sedentarias. Aparecen los
tejidos, una nueva tecnología:
Ya no solo tienen que vestir con
pieles.
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Una vez moldeada se cocía en un primitivo horno, una o varias veces, a
temperatura de 400-900 ºC.
Lo más característico de la cerámica es su decoración,
▪ Cardial, con un cardium o concha de berberecho
▪ Almagra, con un baño que le daba un tono rojizo
▪ Boquique, con líneas paralelas o puntos formaban otras líneas
▪ Nerja, un tipo de decoración propia de la zona aún en estudio
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En Egipto se labra la piedra, material muy
difícil de trabajar
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Los monumentos más característicos son menhires, dólmenes y crómlechs. Las
piedras en ocasiones eran reutilizadas de otras construcciones, muchas estaban
decoradas y nos sirven de datación para otras pinturas del entorno, porque la piedra es
más fácil de datar que la pintura.
El origen de la arquitectura megalítica está en la fachada atlántica, al sur hay
más decoración que al norte, aunque paradójicamente, la zona de mayor cantidad de
monumentos decorados es la Bretaña francesa. En España en particular no suelen estar
muy decorados, aunque, de nuevo incumpliendo la norma, en Huelva hay una
decoración muy prolija.
No se sabe con certeza el significado de estas construcciones, funerario, ritual…
se estudian piedra a piedra, todos sus detalles, unos se graban, otros se pintan, en
algunos hay ídolos, en otros animales, también hay simbología desconocida. Las pinturas
suelen ser en rojo manganeso, el negro se va abandonando. Las figurillas aparecen con
frecuencia pintadas en cinabrio (rojo bermellón), un sulfuro escaso y muy apreciado,
posiblemente relacionado con el prestigio, el poder y el estatus social como la púrpura
lo sería más adelante.
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El arte de la Prehistoria sigue vivo, no se quedó en ese período y aún sigue siendo
fuente de inspiración en nuestros días. No es raro ver monumentos, algunos incluso
emblemáticos, de grandes artistas que reconocen haberse inspirado en la arquitectura
megalítica.
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5. CALCOLÍTICO- BRONCE (3200- 750 a.C.)
5.1. Arquitectura y urbanismo
La aparición del metal y otras innovaciones hicieron que el espacio se
concibiese de forma diferente. Se va a tener conciencia del paisaje, se va a marcar el
territorio delimitándolo de otras zonas. Los poblados se hacen más complejos, se
amurallan y fortifican.
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Los monumentos funerarios o religiosos cambian y aparecen Tholos, un tipo de
sepultura muy típica del mundo micénico, aunque no es exclusiva de estas zonas. Puede
encontrarse también en Antequera, por citar un ejemplo. Un Tholos en un sepulcro,
santuario o tumba circular, con una cúpula. Las pirámides será otro tipo de monumento
que hará su aparición en esta época.
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Por estar ya al aire libre, su conservación es mucho peor pese a ser más
recientes, muchas han debido ser reconstruidas. Hay gran predominio del rojo
manganeso.
5.3. Ídolos
De diversos materiales, morfología y tipos. En Europa aparecen en el V milenio,
en España en el IV y III.
Los Oculados tienen símbolos muy definidos, ojos, cejas, tatuaje facial y
cabellera. En ocasiones diadema.
Los hay antropomorfos.
Un Betilo era una piedra de características especiales, con propiedades divinas o
relacionado con alguna divinidad.
Una Tolva tenía forma de diábolo, con dos bracitos, una representación
cruciforme que ya hemos visto.
Una Placa era una piedra decorada con símbolos, en el este poco decoradas, al
oeste y al sur, bastante más.
Un ídolo de falange era un hueso de caballo o ciervo
Un ídolo de hueso largo era de cabra y oveja
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Estos ídolos tienen diferentes interpretaciones:
De carácter religioso: eran imágenes de dioses, o figuras de orantes en actitud
de duelo o representaciones de principios divinos.
De carácter marcador: de territorio, de grupo o individual.
De carácter infantil: juguetes, muñecas o piezas de un juego.
5.4. Cerámica
Siempre muy importante y fósil director de las culturas. Tres tipos principales,
de la cultura del vaso campaniforme, de la cultura del Argar y de la cultura de los
Millares.
La cerámica en el calcolítico aumenta su producción un 300%. La campaniforme
parece relacionada con ritos de paso, a la muerte, a la vida adulta…También se usó para
alimentos, bebidas alcohólicas o para reducir el metal.
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Es muy típica de esta cultura la Copa del Argar. Su
cerámica era sin decorar, muy bruñida y de cuencos
y fuentes más cerradas frente a las muy abiertas
típicas del calcolítico en otras zonas.
Diferencia en la cerámica
entre poblados y necrópolis
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5.5. Estelas
Son monumentos de un tamaño variable, que suelen oscilar entre 120- 140 cms,
en piedra, con una cara plana que es en la que se dejan los motivos, bien grafiados o
bien bajorrelieves. Las representaciones suelen ser la panoplia del guerrero en el Bronce
Final.
Se han denominado también estelas extremeñas (por su frecuente localización
aquí), estelas de guerrero o estelas tartésicas.
En frecuentes ocasiones aparecen junto a menhires o junto a estelas diademadas
por lo que se piensa que podrían tener alguna relación entre ellos. Al principio la teoría
más aceptada era que fuesen lápidas, pero actualmente y teniendo en cuenta el paisaje,
se cree que son marcadores territoriales habida cuenta de que muchas están en zonas
estratégicas, principalmente minas con abundante producción metalífera.
Mapa con diferentes formas de representar un carro en una estela según la zona
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El carro se representaba desde arriba, pero sin perspectiva, sino de una forma
en que se vieran la mayoría de sus elementos.
Gráfico que muestra los motivos presentes en las estelas, escudos, espadas y figuras,
los más frecuentes.
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Las diademas eran muy típicas y también se podían representar en las estelas
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6. ARTE EGIPCIO
6.1. Características generales
La egipcia es una civilización rodeada por un entorno sencillo, al este un
desierto rocoso (arábigo) y el Mar Rojo, a Poniente, un desierto arenoso (libio). El
hombre refleja en su arte lo que ve y por ello, los egipcios tienen un arte con formas
simples, con pocos colores, los mismos que observa y con piedra y adobe, los
materiales en los que vive. Su arte, especialmente su arquitectura, se funde muy bien
con el paisaje.
Plantas y árboles (papiro y junco) les sirven de inspiración para su decoración,
con ellos labraran sus columnas.
La crecida del Nilo y el omnipresente Sol les obliga a aprender astronomía,
geometría y a conocer el tiempo y los fenómenos naturales. Sus construcciones, en
concordancia a sus conocimientos, van a ser muy geométricos y muy simétricos. El sol,
la axialidad y las simetrías van a estar siempre presentes. Su vida transcurre entre dos
ejes de simetría, el Nilo y el Sol.
Las características generales de la arquitectura:
En virtud de lo comentado, sus edificios estaban perfectamente orientados y
eran simétricos y geométricos. Era frecuente la arquitectura adintelada
(arquitrabada), con dinteles, con techos horizontales, posiblemente porque era lo
lógico, venían de una arquitectura de megalitismo, lo razonable es que el ser humano
crease cosas similares.
Los materiales eran piedra y adobe. Piedra para los edificios importantes, los
que debían durar una eternidad. Adobe para los edificios domésticos.
Las columnas se decoraban con plantas del entorno. No seguían los órdenes
griegos sino que tuvo una evolución natural.
Conocían la bóveda, aunque no era lo más empleado. Realizaban hiladas de
piedra en los pasillos que conducían a las cámaras de las pirámides.
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Las características generales de la escultura y la pintura:
Ambas son aspectivas, esto quiere decir que van a mostrar los aspectos más
importantes de un lugar. Se va a mostrar desde el punto de vista que ofrezca una
información más completa. Por ejemplo, un recipiente que contiene peces, se pintará
transparente para que se vean los peces que tiene dentro. Un pez en el mar, si se ve
desde arriba, se pinta plano, como un lenguado, para que se vea entero. No importa que
cambie la perspectiva, es algo similar a la representación de los carros que ya vimos, sus
ruedas aparecían planas, en otra perspectiva, para que se viese todo el carro.
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Los tamaños de los objetos representados varían en una misma obra, esto no
es en aras de la perspectiva, sino que su tamaño depende de su importancia social.
El arte es más naturalista en los animales que en las figuras humanas.
Piscina de aguas transparentes (debía estar más turbia) con peces en otra
perspectiva. Recipientes transparentes que muestran peces, todo ello típico de sus
características aspectivas.
Sus representaciones siguen varios principios:
- Ley de la frontalidad. Julius Lang describió este concepto, las figuras de la
antigüedad tenían un eje del que no se movían. Se representaban de frente.
Solo el faraón en el centro tiene adelantado un pie, no hay movimiento lateral, solo en
un eje. En cambio, el escriba es muy posterior y ya no cumple esta ley.
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- Ley de la visión rectilínea. Descrita por Schaeffer, el cuerpo se representa visto
de frente, los pies en cambio laterales, un ojo de frente y la nariz de perfil. Como más
información se ofrezca, se verá la parte más expresiva de cada zona del cuerpo. Susana
Alegre tiene una particular teoría para explicar estas representaciones, apunta que
podría ser que se representasen como pasarían al otro mundo y así, el ojo, que
necesitarían para ver bien, se pinta completo, la nariz, que de frente serían dos puntitos,
la ponen de perfil para poder respirar y oler mejor en el más allá, y así sucesivamente.
-Ley del canon: las figuras deben medir 18 puños, sentados 14 puños, los pies
tres puños y de esta forma estaban establecidas las proporciones ideales para cada
parte del cuerpo, tal y como después hicieron los griegos.
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6.1. Arquitectura
- Predinástico: Como lo más importante era la vida en el más allá, los
enterramientos debían estar acorde con la vida que se esperaba y debían perdurar una
eternidad (el del faraón por supuesto, los demás debían conformarse con haber
contribuido al eterno descanso de su líder).
En esta época los enterramientos son en mastabas, unos edificios
cuadrangulares de piedra, en ocasiones reforzados con estructuras de madera.
La mastaba tiene una capilla con una estatua del difunto y una pequeña capilla
adosada donde se depositan las ofrendas. La estatua tiene visión de las ofrendas, como
si las fuese a utilizar en el otro mundo. Un pozo vertical de profundidad variable
conduce hasta la cámara sepulcral, donde se encuentra el sarcófago que contiene el
cuerpo.
Desde esta estructura, con el paso de las dinastías, se irá evolucionando a las
clásicas pirámides.
- Imperio antiguo: es la época de las grandes pirámides.
Comienzan en la III dinastía, con Zóser y su pirámide escalonada con complejo
funerario alrededor construida por el arquitecto Imhotep. Tanto impresionó el
monumento que Imhotep fue elevado a divinidad y convertido en patrón de los escribas.
El complejo está en Saqqara.
Hay quien opina que la pirámide escalonada era al principio una mastaba que se
elevó varios peldaños para que pudiese apreciarse por encima del muro del complejo.
Mide 60 metros de alto y su cámara está a otros 60 metros de profundidad.
Algunas galerías están recubiertas por cerámica azul lo que le da una gran
vistosidad. El complejo funerario consta de templo, capillas para el Heb-Sed, capillas
menores con cubierta abovedada.
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Hay quien opina que el muro imita a las anteriores estructuras fortificadas de
madera que delimitaban las mastabas, como si Zóser quisiera identificarse con los
fundadores del imperio.
La mastaba tiene 14 puertas falsas y solo una verdadera y el muro tiene figuras
de serpientes que tienen función apotropaica, espantar a los malos espíritus.
Las columnas son fasciculadas, que no son frecuentes en la arquitectura egipcia.
Fasciculadas Bóvedas
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Existen otras pirámides con el mismo estilo escalonado, aunque con peor estado
de conservación
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Por fin, la Pirámide roja de Dashur, la tercera de las de Snefru. Construida con
hiladas horizontales sin recubrimiento. Tras Keops, es la que tiene la base más grande,
pero no es tan alta por su mayor grado de inclinación.
Las grandes pirámides de Guiza son las más conocidas, Keops (Jufu), Kefrén
(Jafra) y Micerinos (Menkaura).
Están perfectamente orientadas a los puntos cardinales, no se proyectan
sombras entre ellas, todas se inclinan 51 grados y miden de alto el radio de la
circunferencia de la base. Todo un prodigio de geometría y astronomía.
Las cámaras todavía no se decoran en esta dinastía. Son una muestra de poder,
de seriedad, de eternidad. Las tres se orientan al norte.
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cámara de la reina y después a la del faraón. Tiene cámaras de aire y pasadizos
orientados a ciertas estrellas. Recientemente se ha descubierto con tecnología de
muones una cámara con un vacío de 30 metros cuyo significado aún es un misterio.
Heródoto escribió sobre el faraón en su obra Historia.
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Kefren fue otro tirano y también es retratado por Herodoto
Esta construida en un terreno más elevado, por ello a simple vista parece más
alta, aunque no lo es. Su cámara funeraria está a ras del suelo. Una de sus originalidades
es poseer a la esfinge, una colosal escultura de león con la cara del faraón. Representa
la fuerza y la sabiduría del rey.
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La figura del león como símbolo del faraón ya aparecía en el predinástico, igual
que el toro o el escorpión.
La primera esfinge que conservamos está en el complejo funerario de Didufri,
tiene cabeza de mujer, la esposa principal del hijo de Keops.
En el imperio medio aparecerán las esfinges con mayor profusión, el cuerpo del
león se acompaña de cabeza de hombre pero con melena y orejas felinas.
La avenida de las esfinges, de Karnak a Luxor, está plagada de ellas.
Con Akenatón se representan haciendo ofrendas, era un personaje singular, con
simbología nada convencional.
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La de Micerinos es la más pequeña de las tres. Heródoto comenta que este
faraón, viendo los reinados de abuelo y padre, cambió la política, permitió al pueblo
volver a sus santuarios y a sus sacrificios, gobernó con justicia y con equidad. Será el
faraón más alabado por el pueblo.
El proyecto inicial era recubrirla con granito rojo, pero posiblemente la falta de
recursos cambió el diseño. Tiene tres pirámides pequeñas para tres esposas.
A continuación vino una época de crisis política, económica y social, algunos
opinan que estas megaconstrucciones fueron uno de los factores desencadenantes.
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Puertas, columnas y muros son consumidos por el fuego, se incendian las
estatuas y los cadáveres y momias, las cajas de ébano se rompen para hacer camas, los
constructores de pirámides se convierten en agricultores, nadie va a Biblos y se carece
de oro y de materiales.
-Imperio Medio: Tras el restablecimiento del poder central se reforma la
administración y hay estabilidad, esto condiciona la recuperación del comercio
exterior y la llegada de materiales para la construcción.
La capital se establece en Tebas, no es una época de gran monumentalidad
pero las construcciones que tenemos son exquisitas. El arte se vuelve más naturalista
y son frecuentes las escenas de la vida cotidiana. Las épocas posteriores destruyeron
casi todo lo construido, por lo cual queda poco en pie. Es considerada la “época clásica
de Egipto”.
La necrópolis se sitúa frente a la capital, en el margen izquierdo del río, en el
farallón de Deir-el Bahari se construye el primer templo. Para demostrar la unión del
Alto y el Bajo Egipto se levanta un templo (Alto Egipto) coronado por una pirámide (Bajo
Egipto), en lo alto del farallón, un pico (el Qum) con forma de pirámide preside la
necrópolis. La tipología es totalmente nueva, una calzada conduce hasta él.
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Representaciones de sicomoros con la diosa Hathor dando de beber y comer
desde su árbol. En el Imperio Nuevo la palmera datilera sustituirá al sicomoro como árbol
sagrado.
Las tumbas Staff eran hipogeos, excavados en roca, pero su entrada se
asemejaba a la fachada de una casa. Era para clases más bajas que la casta real.
-Imperio Nuevo: época de esplendor, abundancia de recursos lo que
desencadena una proliferación de construcciones con exuberantes adornos.
El faraón ha recuperado todo su poder y se lo muestra a su pueblo. La reina
adquiere mucho protagonismo y es representada junto al faraón, algo impensable en
periodos anteriores. Aparece un faraón mujer, Hatshepsut, que se construirá un
inmenso y bello templo en Deir-el-Bahari junto al destruido de Mentuhotep II. La
organización del templo será muy similar.
Se construye el Valle de los Reyes y de las reinas, un paraje desierto y seco donde
las momias podían conservarse mejor.
Hatshepsut tendrá sus esfinges, sus columnas hathóricas y se representará a sí
misma como faraón.
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El templo de Amón en Karnak fue otro de los hitos constructivos del imperio,
llegó a controlar el 20% de las tierras y el 15% de la población. Sufrió numerosas
ampliaciones y tardo 2 000 años en terminarse.
Su concepción va a ser diferente de lo visto hasta ahora. Se construyen en el
margen derecho, con 2 ejes, el principal, este-oeste, celestial, en honor a la divinidad
solar y uno secundario norte-sur, terrenal, en honor al faraón.
Tendrá en el oeste una avenida de esfinges que conduce a un primer pilono, un
muro con inscripciones religiosas o históricas que hace las veces de puerta y adornado
con mástiles con banderolas de divinidades. Tras atravesar el pilono se llega a un gran
patio que es el límite hasta dónde puede llegar el pueblo. A partir de aquí una sala
hipóstila y luego el santuario dedicado a Amón. Una oscuridad cada vez mayor y un
territorio reservado a la casta sacerdotal y al faraón.
Como curiosidad, las esfinges ya no tienen la cabeza del faraón, sino de carnero.
El faraón pierde protagonismo en beneficio de los dioses, la casta sacerdotal acumula
mucho poder.
Los pilonos, además de muro protector y decorativo, simulan el horizonte por
donde sale y se pone el sol y su abertura estaba perfectamente orientada al orto solar
para que se vea amanecer o atardecer determinados días del año.
En medio del patio, un enorme Kiosco levantado por Taharqa, un desconocido
faraón de la XXV.
53
54
El templo de Ramsés III, también llamado Medinet Habu, es la necrópolis de este
faraón, vuelve a estar en la margen izquierda e intenta copiar lo construido por Ramsés
II.
Tiene una sala hipóstila policromada e inscripciones relativas a la invasión de los
Pueblos del Mar y a la victoria de Egipto sobre ellos en la batalla del delta del Nilo.
Los obeliscos fueron otra construcción muy característica del Imperio Nuevo de
Egipto, fueron realizados por Tutmosis I, Hatshepsut y Tutmosis III. Tienen simbología
solar y han sido motivo de expolios, por lo que algunos lucen en las principales capitales
del mundo.
55
El Akhmenu o Templo de las Fiestas de Tutmosis III, fue un templo
conmemorativo mandado construir por Tutmosis III en el año 23 de su reinado y
terminado 7 años más tarde en el recinto de Amón-Ra del complejo de templos de
Karnak para conmemorar la fiesta Heb Sed. El jardín botánico o el lago sagrado también
estaban en el complejo de Karnan-Amón.
56
Amenhotep III fue otro gran faraón y el más constructor tras Ramsés II. Su templo
estaba situado entre los de Ramsés II y III y estaba presidido por los colosos de Memnon.
57
Como curiosidad, una parte de los almacenes tienen cúpula, arquitectura que
antes solo estaba reservada para espacios sagrados. Ramsés II iba sobrado.
Abu Simbel fue otro gran templo de Ramsés II, construido en la primera catarata,
a orillas del lago Nasser. Conmemoraba la victoria del faraón frente a los hititas en la
batalla de Kadesh. La construcción de la gigantesca presa de Asuán lo condenó a su
desaparición. Un movimiento internacional encabezado por la ONU desmontó el templo
piedra a piedra y lo trasladó algo más arriba, de esta forma se ha conservado. Realmente
son dos templos, el gran templo del faraón y uno menor dedicado a su esposa favorita
Nefertari.
58
Son un hipogeo, excavados en la roca, pero no son una tumba, son un templo.
Ramsés II se representa en cuatro estatuas colosales a la entrada, con el dios Amón en
el centro. En pequeño y entre sus piernas, su mujer. Hay representados pequeños
babuinos y su sala hipóstila está excavada en la roca
El sancta santorum tiene cuatro estatuas, Ptah (divinidad de Menphis), Amón Ra
(de Tebas), Ramsés II y Horacti dios del horizonte solar. Ciertos días del año, 22 de
febrero y 22 de octubre, 60 días antes y después de los solsticios, el sol entra e ilumina
a las tres esculturas menos a Ptah, señor del inframundo que siempre está en penumbra.
59
A su lado está el templo de Nefertari, con Ramsés II también presidiendo la
entrada, con muchas representaciones de Hathor y también con sala hipóstila.
60
6.2. Escultura
La escultura seguirá las tres leyes que vimos, aspectiva, ley de frontalidad, ley
de la visión rectilínea y el canon.
-Predinástico:
Estas estatuas de Khasekhemui ( Jasejemuy,
II dinastía) rompe con la frontalidad y tiene el
brazo izqdo. doblado. Esto se hacía en las
representaciones de mujeres, pero ya empieza a
verse en las de hombres. Aun así, sigue estando
muy derecho, con hieratismo, pose para la
eternidad. Sin expresión y vestido con la ropa del
Heb sed.
Aunque aún muy inicialmente, se están
empezando a vislumbrar las características del
arte posterior.
-Imperio Antiguo:
Zoser, se sigue viendo lo mismo, pero ya hay rasgos diferentes, un
cierto realismo, unas orejas muy grandes, los rasgos ya no son los
ideales. Dentro del ideal de faraón, se va viendo un progresivo
realismo.
61
Dos esculturas de enanos: Knumhotep y Perniankhu. Es
frecuente encontrar personajes que son enanos. En el
segundo caso aparece sentado en un banco de su
tamaño, con lo cual el efecto de enanismo se mitiga.
62
Kefrén, En las esculturas de faraones ya se aprecia
realismo, aunque no tanto como en otras esculturas.
Se representa joven, fuerte, musculoso, con mirada
intimidatoria. Le acompaña Horus con el que se
identifica y su trono tiene patas de león.
Muy típicos y conocidos los conjuntos de dos o tres (triada) esculturas del
complejo funerario de Micerinos. Siempre Micerinos en el centro, a su lado Hathor
protegiéndole. Micerinos en algunas tiene cierta sonrisa, ya no tan hierático, suele
adelantar la pierna izquierda (la del buen agüero), suele llevar la corona del Alto Egipto.
Si es una triada, a su izqda., una simbología de un nomo particular. En esta época los
nomarcas ganaban poder y empezaban a intentar independizarse. Se quiere demostrar
que Hathor protege a los nomos gracias al faraón, por ello en algunas aparecen manos
que abrazan al faraón, tanto de Hathor como del nomos. Están esculpidas en diorita.
Las mastabas de los altos cargos cada vez son más lujosas
y mejor decoradas, empiezan a igualar distancias con las
tumbas reales. En este caso, en la mastaba de Ranefer,
aparece representado el alto cargo de dos formas, con
peluca para protegerse del sol y faldellín corto, del Alto
Egipto y al lado sin peluca y con faldellín largo del Bajo
Egipto, queriendo simbolizar que tenía poder en ambos
sitios.
63
La profesión de escriba era muy considerada. La primera es la más conocida, es
un escriba de la V dinastía, está en el museo del Louvre. Se rompe totalmente la ley de
frontalidad. Su postura está muy conseguida, está escribiendo y sus manos cogen los
instrumentos, papiro y cálamo. La última está labrada en granito, material difícil de
trabajar.
64
Analicemos relieves del Imperio antiguo
65
Ambos ejemplos son dos estelas en puertas falsas, simulan la arquitectura de
madera del predinástico y suelen representar objeto que el difunto se va a llevar al más
allá. El tercer ejemplo tiene un banco para depositar ofrendas.
Bajorrelieve de cámara funeraria de V dinastía. Se aprecia y
transmite tranquilidad y suelen representar momentos de
transición, en este caso el paso de un río con el ganado. Las
figuras animales, al igual que en la prehistoria, se
representan más reales que las humanas.
66
Realismo en los animales, diferentes
variedades de especies para un mismo animal.
Los humanos menos detallados.
Las mastabas de los nobles eran edificios enormes, de más de 1 000 m2 algunas,
con más de 30 estancias, almacenes. Por fuera no estaban decoradas, dejaban el lujo
para el interior, muy al contrario que el arte griego. En la última foto se ve un
huecorelieve y un bajorrelieve en una de las mastabas y algunas esculturas.
67
Seis relieves en mastabas, bajorrelieves, de diversos motivos, caza de
hipopótamo, taller de orfebrería con enano trabajando, escenas de pesca, cerdito
siendo besado y matanza de un cerdo.
-Imperio Medio
Mentuhotep II fue el artífice de la
unificación, la antecámara funeraria de los
templos funerarios o pirámides siempre
estaba relacionada con Osiris. Aquí
aparece Mentuhotep II vestido con un
sudario y representado como Osiris,
manos cruzadas, bastón y flagelo. Osiris
puede ser representado con piel negra (la
fertilidad del limo) o verde (la cosecha),
ambos tonos simbolizan la regeneración.
El imperio medio es de nuevo una vuelta
al hieratismo, frontalidad, poco realismo,
volvemos al principio, a la tradición. Estas
estatuas en piedra caliza.
68
Con Sesostris I se gana en expresividad, se avanza algo, ya
vemos sonrisa, hoyuelos y algún pliegue en el rostro.
Corona Sejemty
69
Pese a que el rostro gana en expresividad,
el cuerpo sigue en pose hierática,
musculoso, con anchas espaldas, signo de
fortaleza. Los cuerpos parecen que se hacían
iguales para luego esculpir la cabeza. Las
caras van siendo más humanizadas.
Corona jepresh
70
Una de las piezas más conocidas del imperio medio, una
deliciosa cabeza de princesa, nos ha llegado poco de este
periodo, pero lo que ha llegado es muy interesante. Labios
femeninos, pómulos salientes, pelo según la moda del
imperio antiguo. Muy conseguido todo.
71
Muy características son las maquetas que reproducen escenas de la vida
cotidiana, en un barco, en un granero, escribas o peregrinando, solían estar en tumbas
privadas.
-Imperio Nuevo
Va a tener etapas diferentes porque muy diferentes fueron sus
principales personajes,
Hatshepsut se llegó a representar progresivamente cada vez más
masculinizada. Aquí con piel oscura y barbada.
72
En estos relieves se observa la expedición al Punt, uno de los grandes logros de
Hatshepsut
73
Tiy, madre de Akenatón, el faraón divinizó a su
madre que siempre le apoyó. Más que realista es
expresionista o manierista, entendido ese arte como
flacidez y laxitud, no como el fin del barroco. No es
idealista y no transmite poder, trasmite cercanía, el
arte en la época de Akenatón era algo especial, un
nuevo ideal de belleza. Aquí su madre con rasgos
exóticos muy pronunciados, se tiende a la caricatura.
74
Akenatón, el estilo en su plenitud, laxitud, mentón,
rasgos orientales, barriga y caderas anchas,
caricaturizado, nariz larga, labios enormes, feminizado.
75
Así se encontró alguna estatua, con cráneo alargado, en Perú, una tribu deformaba el
cráneo de las niñas pequeñas, no se sabe el significado de esta estatua de mujer del
reinado de Akenatón.
76
El busto de Nefertiti apareció en uno de los talleres de
Tutmose, esta otra máscara apareció en el mismo taller, está
realizada en yeso. No sabemos de quien.
Ankhtifi era un poderoso nomarca que se construyó una gran mastaba en Moalla,
en uno de los nomos. La tumba es un hipogeo profundamente excavado en la roca. Puso
además unas inscripciones que traducidas pretenden mostrar la grandeza de este
nomarca:
78
Llega incluso a parecer pintura rupestre el dibujo de
estas vacas.
79
Les tenían miedo a los saqueadores de
tumbas, este letrero es una amenaza
para ellos. Aparecen falsas galerías en
los enterramientos, pozos que no llevan
a ninguna parte…
-Imperio Medio: Sobre todo aparecen tumbas de altos cargos. Las de los reyes
están muy poco o nada decoradas. En las tumbas de los altos cargos no aparecen
divinidades, ni iconografía de ofrenda a los dioses. Permanecen ciertos colores del 1er
periodo intermedio, pero las figuras ya no son tan alargadas, recuperan el canon. No
obstante hay cierta libertad de movimiento y de colorido.
80
Visita a Sesostris II de una delegación extranjera.
La barba es típica oriental.
Curiosamente, no era raro que los visitantes de las tumbas dejasen grafitis y
escritos, que estaban siempre sin tapar las pinturas, en espacios libres, reflejando sus
impresiones, lo que les había gustado.
81
-Imperio Nuevo: Ahora si aparecen muchas tumbas reales decoradas.
Vamos a ver primero las tumbas tebanas de la XVIII, no reales.
Otra escena de caza, le llevan lo cazado al administrador que toma buena cuenta
de las piezas. A la derecha un banquete, muy arregladas, obsérvense las pelucas, los
pendientes y los vestidos. Las comensales interaccionan entre ellas, como si estuviesen
dialogando.
Abajo otras escena de baile y música, algunas figuras tienen bastante
movimiento, incluso podemos ver a alguna esclava desnuda que está a 3/4 ni de frente
ni de perfil, con la excusa de representar un baile los artistas van saliendo de la tradición
e innovan. A la derecha, instrumentos musicales, una flauta y un arpa, en otras culturas
las mujeres no tocaban el arpa ni instrumentos de viento, no era decente, en Egipto no
importa.
82
Más instrumentos, una figura mira hacia arriba,
otra novedad.
Más extranjeros
83
En las tumbas reales ya aparecen los dioses y escenas relativas al más allá. Son
escenas de libros funerarios que pretenden guiar al faraón en su viaje. Los faraones
quieren trascender y ser como los dioses, convertirse en uno de ellos.
Se representan diferentes libros, de los muertos, del día, de la noche, de amduat,
de las cavernas, etc…
84
Pintura de Tutankamón, el fondo
dorado tiene el mismo significado que
en Bizancio, la divinidad. Es una vuelta
a Amón-Ra, la pintura representa a
Tutankamón en varias escenas, a la
izquierda abrazado a Osiris, en el
centro con el sacerdote Ay
(reconocible por su piel de leopardo,
los sacerdotes se representaban así) y
a la derecha él mismo como Osiris (sin cara verde) en el rito de apertura de la boca.
85
86
TEMA 2.
GRECIA Y ROMA. ARQUITECTURA Y ORDEN. ESCULTURA Y CANON.
Además de ver el arte griego, estudiaremos otros tipos de arte que surgieron
anteriormente y que fueron fuente de inspiración para la cultura helénica: la minoica y
la micénica.
87
Además de excavar se dedicó a reconstruir
para que el mundo pudiese admirar aquella
civilización. El problema era que hasta
avanzado el siglo XIX el concepto de patrimonio
no existía, este llegará con el nacionalismo. Con
esta tendencia política surge la idea de
proteger y reconstruir el patrimonio para no
perder la identidad nacional y las reconstrucciones no eran del todo buenas.
Las reconstrucciones se podían hacer dejando las ruinas a la vista, era el estilo de
reconstrucción romántico de Ruskin o uno más en boga que propugnaba el arqueólogo
francés Viollet Le Duc, que consistía en estudiar
los edificios de la misma cultura que las ruinas a
reconstruir y añadir sin pudor lo que se pensaba
que le faltaba, de esta forma. Si una iglesia
románica en ruinas no tenía torre, pero las de su
época sí las tenían, se le construía una torre. Los
materiales usados, ni que decir tiene que no
tenían que ser los originales, ni tampoco la forma
de construir. Desgraciadamente a este estilo se
acogió Evans, con lo que el actual palacio de
Cnosos es una restauración totalmente falsa. Para agravar aún más el hecho, la corriente
artística predominante durante la reconstrucción de Evans era el modernismo, y en ese
estilo se inspiró para reconstruir Cnosos.
88
Se aprecian muy bien los sillares antiguos y los
reconstruidos. Hechos en adobe, no en piedra.
89
Patio central con orientación norte-sur y con Polythyra, un
tipo de estructura neopalacial minoica que consiste en
puertas múltiples con ventanas arriba y que se cree que
servían para ventilar.
Los almacenes tenían gran capacidad, se supone que eran buenos comerciantes.
Las calzadas están característicamente sobreelevadas.
90
El Templo de Anemospilia es famoso porque se encontraron los cuerpos de un
sacerdote y una sacerdotisa sacrificando a un joven.
1.3. Pintura
En el Quattrocento italiano los artistas pensaban que habían llegado a la
perfección de la pintura al fresco. Cuando se descubrió la pintura minoica se pudo
comprobar que su técnica no difería mucho, era muy avanzada, duradera y de gran
impacto visual.
Para realizarla dejaban los muros pulidos sobre los que añadían varias capas de
yeso. Marcaban mucho la silueta y tras mojar la última capa y pintando sobre húmedo,
depositaban los pigmentos.
No fueron del todo originales, ya existían precedentes que les inspiraron: el
Primer Período Intermedio inspiró al arte del Imperio Medio y de la XVIII dinastía y ésta
a los cretenses. Por otro lado, las pinturas del palacio de Mari también fueron fuente de
inspiración.
91
Esas son las fuentes de la pintura cretense y a partir de ellas configuraron su arte,
pero le dieron unas características especiales: era una pintura pacífica, sin escenas de
panoplia, ni de guerras, sin armas ni combates. Basada en la naturaleza, con animales,
plantas y con gran desarrollo de la línea curva en detrimento de la rígida línea recta
egipcia. La línea curva es más femenina, más agradable, más sensual y sus colores son
elegidos para provocar placer, más placenteros, más estéticos. La intención del artista
es emocionar.
El arte va a ser más subjetivo y con colores subjetivos, es muy realista. Los
perfiles, como ya comentamos, van a aparecer muy marcados, y la mujer va a tener
mucho protagonismo. Buscan transmitir paz.
92
Delfines con perfiles muy
marcados y colores
agradables. Las perdices, más
de lo mismo.
93
Más femenino, ojos muy grandes, femeninos y
sensuales. Tanto se parecía al arte Nouveau
que se le dieron nombres típicos (la parisienne)
de esta tendencia que causaba furor en Francia
en el momento en que se descubrieron. Los
labios rojos posiblemente restaurados en ese
color.
94
La pintura en sitios oficiales: esta procesión estaba en
un corredor en el que se hacían las procesiones. Es
algo más formal, más geométrica, quizás porque
tiene un carácter ritual. No obstante conserva sus
características: curvas, mujeres blancas, hombres
morenos, vemos cerámica, rithones, que eran vasos
rituales que no podían apoyarse en pie, para beber
sin dejarlo apoyado. También se observa la música,
un hombre lleva unas maracas.
95
Otro sarcófago, en esta ocasión muestra el
sacrificio de una vaca.
1.4. Escultura
No parece tener una escultura monumental como ocurre en otras culturas,
pero en muchas de las construcciones palaciegas excavadas se han encontrado restos
de pequeñas figuritas de gran dinamismo y sentido del volumen que demuestran cierta
preocupación estética.
Suelen estar realizadas en marfil, oro y otros materiales, como la loza vidriada y
la terracota y en casi todas ellas predominan las representaciones femeninas al estilo
de diosas o sacerdotisas. También existen figuras masculinas con formas de acróbatas y
animales. La cera perdida era una técnica empleada frecuentemente, a partir de un
modelado en cera de abeja se hace un molde que servirá posteriormente para,
96
fundiendo metal, obtener copias en bronce, oro y otros metales. Ya se usaba en
Mesopotamia.
Vasos decorados con motivos ya comentados. Los vasos, entre ellos los rithones son
también muy característicos de estas culturas.
97
2. ARTE PREHELÉNICO, CULTURA MICÉNICA
2.1. Introducción
La cultura micénica fue descubierta por Schliemann, su sociedad era guerrera,
muy belicosa, su arte lo reflejará. Cascos, armaduras, escudos y muchas escenas de
guerreros. Micenas es rica en oro, por lo que este metal aparecerá con frecuencia en sus
obras.
Sus ciudades están fuertemente amuralladas, con una puerta principal pero con
puertas falsas, pasillos falsos y rampas falsas, todo pensado con un carácter defensivo.
Las murallas son ciclópeas, enormes y asentadas en la misma roca para que no se
puedan hacer minas ni túneles por abajo. Prácticamente inexpugnables, reflejo de una
sociedad muy guerrera.
Sus palacios difieren de los minoicos. El centro ya no será el patio sino un salón
denominado Mégaron. Estos palacios inspirarán a los templos griegos. Los espacios son
ahora muy delimitados y tienen un eje central longitudinal muy marcado y una
estructura axial nada laberíntica, mucho mejor organizados y distribuidos.
Para llegar al palacio había que hacer un largo y complejo recorrido desde la
puerta principal de la muralla, esto era por seguridad, pero también para mostrar poder
representativo ante las embajadas.
98
Joya con escena de lucha (una joya-sello?)
Se describieron
dos zonas, el
Círculo B, con
enterramientos
en tumbas de
pozo con ajuares
99
El círculo A, con estelas y tumbas en fosas, con ajuares mucho más ricos que el
círculo B. Tienen abundante oro, tumbas de príncipes?.
Máscara de “Agamenón”???
100
También trabajan los vasos, en oro¡¡,
profusamente decorados.
Puerta principal, dos leones flanqueando una columna que se dice que
representa a la ciudad de Micenas o a la diosa Potnia Therón.
101
Tesoro de Atreo, tumba de Atreo o tumba de Agamenón en Micenas, tumba
monumental con corredor al aire libre, con forma de Tholos, falsa cúpula simulando la
cúpula celestial y en un lado la cámara sepulcral. El tholos de Clitemnestra es similar.
2.3. Pintura
La pintura sigue siendo un fiel reflejo de las características de la sociedad
micénica, tiene iconografía guerrera. Aprenderán la técnica del fresco de los minoicos y
la adaptarán a sus necesidades. La pintura va a tener menos realismo y va a mostrar a
la naturaleza más salvaje. Hay curvas, pero da la sensación de rigidez, no tiene la
libertad de movimientos del arte minoico. Siguen el mismo modelo de mujer, pero más
geométrica, con menos gracia, con más líneas rectas y más rígida.
Hay muchas representaciones de guerreros, pero con menos curvas, sus curvas
son diferentes, no tan pronunciadas, no transmiten el mismo movimiento y naturalidad.
Los colores suelen ser menos intensos, menos subjetivos, con opciones más limitadas.
102
Este escudo micénico de guerrero fue
pintado sobre las pinturas minoicas
existentes en Cnosos. El escudo es muy
grande, casi desproporcionado, muy
geométrico, tiene curvas, pero hay más
rigidez y menos colorido. Muy formal.
103
Una excepción que confirma la regla
podría ser este músico de Pilos. Podría
pasar por minoico, aunque el colorido y
cierta rigidez delata su origen micénico, no
obstante tiene abundancia de curvas y
transmite paz, una escena agradable.
104
Los juegos eran celebrados en honor a Zeus y solo podían asistir varones. Se dice
que iban todos desnudos tras unos juegos en que una mujer se coló disfrazada de varón.
Las mujeres también tenían sus juegos olímpicos, eran los juegos Hereos, en honor a
Hera, la esposa de Zeus. También hay algunas representaciones de estos juegos.
105
3.1. Órdenes griegos
Con el periodo arcaico vuelve la arquitectura en piedra, sobre todo mármol.
Vitruvio, un arquitecto romano, nos comenta como fue la evolución:
106
austeridad. Algunos arquitectos no gustaban de emplear el dórico en sus templos
porque decían que no guardaban bien las proporciones ideales. Era complicado encajar
escenas y columnas entre triglifos y metopas y que todo resultase armónico. El diseño
previo era muy complejo.
Tiene un basamento con tres escalones y
no tiene basa. Es algo brusco y tosco.
Sus columnas tienen 16-20 estrías con
aristas vivas, y el fuste tiene éntasis, un
efecto óptico mediante el que se abomban
algo las columnas en su centro para que se
vean rectas.
107
-Orden Jónico. Su origen se encuentra en las riberas de los ríos de Asia Menor.
Suele estar asociado a lo femenino, por tanto, se emplea en los templos de las diosas. El
pedestal es igual que el del dórico. La columna arranca de una basa formada por una
escocia y dos toros. La columna tiene entre 20 y 24 acanaladuras verticales separadas
por superficies planas; carece de éntasis. El capitel se culmina con un ábaco. El
arquitrabe se constituye con tres bandas horizontales. El friso es una viga que se
encuentra decorada con relieves, mientras que la cornisa está ornamentada en su parte
inferior con dentículos. Nació en el siglo VI a.C.
El fuste (femenino) es más
alargado y esbelto, no es tan
brusco ni sobrio. Es un orden más
delicado, más fácil de decorar su
friso al carecer de triglifos y
metopas, se solía narrar con
esculturas una historia, esto era
más difícil de encajar en las
metopas.
108
En Cádiz apareció un capitel fenicio que
podría considerarse protojónico
109
Tiene dos escalones y un plinto, sin escocia. Friso corrido. Un dentículo que
decora más el frontón. Puede mirarse desde cualquier ángulo y su capitel siempre da
la misma visión.
3.2. Arquitectura
110
Los templos son la casa de la divinidad, pero curiosamente no están abiertos al
público, los ritos se celebran fuera, bajo su fachada. Son exclusivamente para
contemplarse desde fuera y no tienen funcionalidad interna.
111
El templo de Apolo en Corinto es bastante sobrio, como corresponde al orden
dórico, tiene cuatro estancias, algunas sin comunicarse.
Hexástilo (6 columnas en el frente), períptero (rodeado de una fila de columnas),
doble anta.
112
Veremos ahora algunos templos jónicos.
Reconstrucción del
Artemisión de Éfeso.
113
Heraion de Samos, es el templo jónico más antiguo. Doble perístasis con tres en
los frentes. Sin opistodomos y decoración muy variada.
114
3.3. Escultura
En Micenas la escultura era a base de pequeñas figuritas, exvotos particulares y
poco más, ahora, se recupera la monumentalidad. Va a tener claras influencias
egipcias.
115
En el VI a.C. ya tenemos mayor suavidad de
modelado, más organicidad, se ven escápulas,
glúteos, se ha roto totalmente la frontalidad y se
puede ver desde atrás.
116
En el arte íbero se encuentra mucha influencia griega, de
artistas focenses.
117
Niké, la victoria, se representa parecida a las atletas
corriendo, porque ella encarnaba la velocidad. Va
vestida y ricamente adornada y peinada a la moda
imperante.
118
En el templo del tesoro de los Sifnios en Delos
se va solucionando el problema, arriba son
esculturas de bulto redondo, abajo son relieves.
Se van encajando, incluso sobresaliendo del
frontón, no obstante aún pierden algo la
proporción por los lados.
119
Aphaia, uno de los tres templos del triángulo
sagrado: Partenón, Aphaia y Sunión. Aquí, en sus
frontones estuvo el punto de inflexión. Están
considerados como los más bellos ejemplos de
escultura de la transición entre el periodo arcaico y
el clásico y representan un combate de los dioses
en la guerra de Troya. Cada combate se desarrolla
en presencia de Atenea que está en el centro. No
hay disminución de la proporción ni de las figuras,
se buscan otros recursos, unos agachados, otros tumbados, heridos…así para lograr una
escena bien proporcionada y construida.
3.4. Cerámica
-Figuras negras. Son sobre todo del siglo VI a.C., la cerámica griega puede datarse
perfectamente en su año exacto, en ocasiones incluso en el mes y si no es posible tanta
exactitud, al menos con un margen de error no mayor a 10 años, por ello, han servido
para datar otras piezas de arte griego e incluso de otras culturas. Es el elemento guía en
la cronología arqueológica.
Tiene carácter narrativo, suele estar firmada por el pintor y el ceramista y
muchas veces fechada. Incluso en ocasiones parece que hablase el propio vaso: “yo fui
hecho por…” Nos ofrece muchos datos y habitualmente está escrito el nombre de los
personajes que aparecen, lo que nos ha ayudado mucho para conocer su cultura y su
mitología.
Las llamadas de figuras negras fueron las primeras, la arcilla tras una cocción con
oxígeno, se torna roja, luego, cocida hasta los 1000 grados sin oxígeno se vuelve negra.
Posteriormente se pinta y se vuelve a cocer, esta vez oxigenándola de nuevo: De esta
forma la pintura queda negra y la arcilla, de nuevo roja. Las figuras se raspan para dibujar
las líneas que quedan del color de la arcilla. Se hacían en Atenas, por lo tanto es cerámica
Ática. Los pintores eran famosos y su arte muy reconocido.
120
Quizás el vaso más famoso (hablamos de
vasos porque así se llamaron en Italia, donde
aparecieron las primeras) sea el de Francois,
su descubridor. Fue pintado por Klitias, uno
de los más famosos artistas.
El pintor gustaba de representar escenas
con muchos personajes muy pequeñitos,
inspirados en el anterior periodo geométrico.
El vaso tiene un programa iconográfico muy
elaborado y bien construido, se encontró en
una tumba etrusca, los etruscos eran grandes
admiradores de esta cerámica.
Se narra la lucha de centauros y lopitas, también la boda de Tetis y Peleo, los
padres de Aquiles, El regreso de Hefesto a Olimpia y animales y flora variada. Todo
pintado con un gusto exquisito.
121
El kylix era un vaso para beber, las cerámicas en
muchas ocasiones contaban algo relacionado con su
función, por lo cual, no era raro que los vasos para el
vino, ya sean para almacenarlo, mezclarlo, servirlo o
beber, tenían a Dioniso. En este caso ya se ha
introducido otro color en la vela, el blanco.
Este es del pintor Exequias y gustaba de figuras más
grandes.
122
-Figuras rojas.
Antes pintaban las figuras negras y los detalles raspando. En este nuevo período
solo pintan la silueta de la figura en negro y luego todo el fondo también en negro. La
figura queda ahora en el color de la arcilla sobre un fondo negro pintado. Es más fácil,
se ahorran raspar y los detalles los pueden pintar en negro sobre la silueta delimitada
por el fondo.
Crátera de Sarpedón. La crátera era un vaso para mezclar el vino,
habitualmente con agua.
Sarpedón: Hay varios Sarpedón en la mitología griega. El vaso se
refiere a Sarpedón, rey de Licia.
123
hijos a matar a los hijos de Niobe. Apolo con su lira y su arco y Artemisa cazadora,
cumplen el encargo.
Las escenas narrativas griegas no tienen suelo, no tienen horizonte ni paisaje,
hay un árbol, pero parece que está volando. El espacio y el tiempo no están definidos.
-Otras
124
Atenas, tras la victoria, estaba henchida de orgullo, se despertó un sentimiento
general y a la vez una necesidad de reconstruir y embellecer la ciudad. Ahora reinaba la
paz.
4.1. Arquitectura
125
Este grupo escultórico rompe con la frontalidad y está trabajado por todos sus
lados, tiene ya una organicidad que empieza a acercarse a los cánones de Policleto el
viejo, uno de los escultores más importantes junto a Fidias, Mirón y Crésilas (busto
Pericles).
Las caras aún son algo arcaicas, la sonrisa y el pelo delatan que aún no hemos
llegado al culmen. En la foto de al lado, una estatua del Museo del Prado de Aristogitón,
con las mismas características.
126
La Acrópolis en la actualidad
La Acrópolis se ha convertido en un símbolo del
arte occidental, del arte clásico, de Grecia y de Atenas.
En ella existía el Hecatompedón o pre-partenón, un
primer intento de levantar un templo a Atenea Partenos.
Se hizo en época arcaica y fue destruido por los persas
cuando estaba siendo construido, sabemos de su
existencia por escritos y quedan muy pocos restos.
127
En la acrópolis, durante la época arcaica, vimos que
era costumbre dejar kuroi como ofrendas de las
familias pudientes, Pausanias pensaba que era un
verdadero jardín de esculturas. Ahora con Pericles, se
ha convertido en un lugar sagrado, ya no caben kuros,
los motivos cambian y son los dioses los que toman el
relevo. En estas figuras, Atenea pensativa y a su lado
Penélope también pensando.
En ocasiones las estatuas han llegado a nosotros por
ser copias romanas, los romanos eran grandes coleccionistas de arte y realizaban
magníficas copias.
Vemos claramente una etapa de transición, pero ya no hay cara arcaica, se
expresa reflexión, nos transmite algo más, el traje de Atenea sigue pareciendo una
columna, pero la expresión es diferente. Cálamis fue el escultor preferido de Cimón,
tanto es así que un joven Fidias se fue de Atenas. Con Pericles regresaría.
128
Tras la expansión que tuvo Atenas era frecuente verla
simbolizada en la victoria de Teseo al Minotauro.
129
Algo parecido debieron ser las pinturas de los Propileos
130
Arriba la planta del pre-Partenón, abajo la del
Partenón, son parecidos, pero tienen diferencias,
el número de columnas, la distribución de las
salas.
Realmente el Partenón fue un edificio único,
nunca se había construido algo así, ocho
columnas en el frente. Se empezó en el 492 a.C.
por los arquitectos Ictino y Calícrates bajo la
supervisión de Fidias.
Pericles encargó una estatua de Atenea Partenos a Fidias y este hizo una estatua
crisoelefantina (de oro y marfil) de 8 metros. La estatua llegó a ser tan importante que
se dice que el Partenón se diseñó para la estatua, se hizo de dentro a fuera, al revés que
los demás templos que se diseñaban de fuera a dentro.
Se dice que el Partenón es un verdadero símbolo, el símbolo de una ciudad:
Atenas y no representa a una divinidad. Fidias se representó a sí mismo y a Pericles,
ambos como Dédalo y Teseo. El escultor fue desterrado.
131
Los Mármoles del Partenón designan al conjunto de esculturas de este templo,
suelen dividirse en frisos, metopas y frontones, según donde estén situadas y tienen una
curiosa historia. En plena guerra napoleónica, el Imperio británico y el turco tenían una
frágil alianza, Turquía dominaba Grecia. Thomas Bruce, conde de Elgin, gran aficionado
al arte, logró ser nombrado embajador en Constantinopla y gracias a sus contactos
consiguió el permiso del sultán Selim III para llevarse “algunas piedras de la Acrópolis”
(ahora se sabe que falsificó ese permiso).
Dicho y hecho, las piedras sustraídas se conocen como “los Mármoles de Lord
Elgin”, la mitad de las esculturas del Partenón, 75 metros de los 160 que tenía el friso
original, 15 de las 92 metopas y 17 figuras de los frontones, que más tarde vendería a
precio de oro al British Museum. El litigio acerca de la pertenencia y de donde deben
estar las esculturas aún continúa hoy en día.
El Templo de Atenea Niké es posterior al Partenón,
realmente se empezó antes, pero Pericles paralizó
su construcción para centrar todos los recursos en el
Partenón. A su muerte se concluyó su construcción.
Celebraba la victoria ateniense en las guerras
médicas, pero cuando se estaba terminando, el
orgullo ateniense ya estaba algo diluido, estaban
inmersos en la Guerra del Peloponeso y habían
pasado la peste.
Es pequeñito, Jónico, puesto que está dedicado a la
diosa Atenea. En general se usaba el jónico para las
diosas poderosas y el corintio para diosas más
femeninas como Afrodita. Es tretáctilo (4 columnas al frente), no hexáctilo como es la
norma y no es períptero (rodeado de columnas). Como es jónico, tiene friso corrido (sin
metopas ni triglifos) y dos frontones.
Comparación entre ambos, a la izqda. El de Atenea Niké, a
la derecha el Partenón.
El escultor de este templo fue
Calícrates.
Calícrates inventó el trépano, una
especie de taladro que lograba
esculpir en piedra motivos más
profundos y delicados, como rizos en
el pelo, de esta forma aumentaban los claroscuros. La planta del
templo tiene las tres estancias habituales.
132
El templo estaba construido en la Acrópolis en un lugar con mucha pendiente,
casi al borde del precipicio, por ello construyeron un muro alrededor. En ese muro
esculpieron algunas nikés ofreciendo a Atenea sus presentes. Aquí tenemos cuatro de
ellas y en la foto de la derecha, atenea sentada esperando las ofrendas y una quinta
Niké.
Gracias al trépano, Calícrates pudo dar un paso más y esculpir peplos con grandes
detalles, con pliegues mucho más estéticos y algunos con sensación de estar mojado. La
de la izqda. es la más famosa. Se podía con esta técnica representar a un personaje
vestido, pero a la vez representar su anatomía. Fidias aprendió esta técnica y la hacía
muy bien, pero Calícrates, el autor de esta serie de seis esculturas, era el verdadero
maestro en los “paños mojados”.
Otra característica de este siglo V a.C. es el equilibrio, en general no se logra un
gran movimiento pero si se consigue representar figuras muy equilibradas. La primera
de la izqda. se está poniendo o quitando una sandalia y está equilibrada, hay quien dice
que acababa de salir de un ritual purificador en el baño y se estaba calzando.
133
La planta no es típica, se adapta a los desniveles del
terreno, tiene dos cellas (naos)
134
4.2. Escultura
Fidias es el gran maestro del Partenón, obra cumbre de la Grecia Clásica. Nació
hacia el 500 a.C. en Atenas y muy joven, ante el auge de Cálamis, se fue a Argos a
aprender en el taller de Agéladas, donde también se formaron Mirón y Policleto.
Sin embargo, aún durante el gobierno de Cimón, le hicieron un encargo desde
Atenas, y no era un encargo menor, tenía que
esculpir 14 estatuas de personajes de la batalla de
Maratón para el santuario de Delfos, un encargo
muy importante que le ayudó a crearse un
nombre. No nos ha quedado ninguna. Pero debían
ser parecidas a las de la foto, que son también
esculturas tempranas.
Son las primeras figuras masculinas del clasicismo,
gracias al trépano se podían labrar esos rizos.
Volvió a Atenas llamado por Pericles
135
Atenea Lemnia. Los habitantes de la isla de Lemnios le
encargaron otra, esta fue la preferida del público
griego, se convirtió en el ideal de belleza femenina.
Frente a la atenea guerrera, Fidias proponía en Lemnios
una Atenea pacífica, de mirada serena y reflexiva, sin
casco, solo apoyada en la lanza, sin alzarla, con el pelo
recogido con una cinta a la manera griega.
Los paños aún no están todo lo trabajados que llegarán
a verse, no están mojados y todavía recuerdan algo a
una columna, pero el rostro claramente a evolucionado y ya es clásico.
136
Fidias fue el maestro de obras del Partenón y a la vez el escultor, el compuso la
iconografía, pero no todas las obras salieron de sus manos. No obstante, la igualdad
estilística de las esculturas hace suponer que todas salieron de su taller y que incluso él
las acababa o las supervisaba estrechamente. Dijimos que había metopas, frisos y
frontones, empecemos por las metopas.
-Las metopas. Fueron las primeras esculpidas, en una etapa aún dórica, están a
los cuatro lados y representan escenas mitológicas.
Al norte, la guerra de Troya (hacia el Erecteión)
Al este, la gigantomaquia (puerta ppal.)
Al sur, la centauromaquia
Al oeste, la amazonomaquia (el otro frontón)
Son bastante unitarias en cuanto a la técnica como ya explicamos antes.
Representan un gran avance respecto a lo anterior porque las musculaturas están muy
bien concebidas, con un movimiento muy natural y sensación de realidad. Los paños
adquieren teatralidad, pero con caídas muy naturales.
137
-El friso corrido.
En este cuadro del siglo XIX, (ya
dijimos que esta época se
reproducían escenas clásicas), se
observa a Fidias subido a un
andamio enseñando el friso
corrido del interior del Partenón.
Dentro del Partenón dijimos que
¡había columnas!, estas eran
jónicas y con friso corrido (las de
fuera son dóricas con triglifos y
metopas como hemos visto).
Este friso corrido permitía montar
una narración y contar una
historia.
Como curiosidad, el friso estaba unos pocos grados inclinado hacia delante, para
que la escasa luz del interior incidiese de manera que resaltase las figuras.
Puede considerarse la escena de la manera siguiente: conducido por los
magistrados avanza un cortejo donde figuran los caballeros y los soldados en armas, los
ciudadanos, los músicos, así como los portadores de ofrendas seguidos por los animales
de sacrificio. El cortejo se dirige hacia la Acrópolis y a la asamblea de los dioses. Los
ciudadanos y las mujeres participan en la procesión, acompañados de metecos
(extranjeros) y de representantes de los aliados de Atenas.
La marcha del cortejo está situada en el lado oeste del templo. La procesión se
divide en dos grupos, uno que se dirige hacia el lado norte, y el otro hacia el lado sur.
Los dos grupos se unen junto a la entrada del lado este, bajo la mirada de los dioses que
observan el cortejo.
138
Las mujeres, a la izqda. llevando ánforas, en el centro con ofrendas y música, a
la derecha la conocida imagen del peplo, en la que unas niñas escogidas, durante 4 años
confeccionaban un peplo para Atenea, en este relieve salen en procesión mientras la
última lo va doblando.
Pelo y paños van mejorando. Las caídas son más naturales, las expresiones
también.
139
-Los frontones
En el Partenón existen dos frontones, el oriental y el occidental, ambos
constituyen el culmen de la proporción, del estudio de las posturas y de los recursos
para lograr rellenar un frontón triangular sin empequeñecer las figuras. A diferencia
de frisos y metopas, las figuras están totalmente esculpidas por todas sus caras, pese a
que la parte trasera de ellas, nunca sería observada.
-El frontón oriental representa a los dioses, el nacimiento de Atenea de la
cabeza de Zeus. Tiene un realismo extremo para la época. Se conserva poco y en
regulares condiciones, pese a ello, tenemos reconstrucciones, solo la cabeza de Dionisos
está en buen estado.
140
Una reconstrucción del frontón oriental
141
Algunas figuras tumbadas del frontón, con la técnica de paños mojados muy
elaboradas
142
Thomas Bruce, Lord Elgin y su cuadrilla, en
plena expoliación.
La sala primitiva del British y la actual, en las que se exponen las esculturas de
los frontones, frisos y metopas.
143
-Fidias. Además de todo el programa iconográfico del Partenón, Fidias hizo otras
esculturas.
Mientras se seguían componiendo los frontones,
el templo de Artemisa en Éfeso convocó un
concurso para esculpir una estatua de amazona, se
presentaron cuatro famosos escultores, entre
ellos Fidias y Policleto. Los escultores se votaron
entre ellos, el vencedor resultó Policleto.
Aquí tenemos las tres esculturas que no
ganaron, la de la derecha es obra de Fidias, que
quedó en tercer lugar. Posiblemente es la que
tiene mayor habilidad compositiva, tiene una
herida en el costado. Es curioso que en esa época
aún no hay expresión de dolor. Las diferentes
expresiones se desarrollarán en época helenística, ahora se ha abandonado la facies
arcaica, pero las expresiones siempre son pensativas, reflexivas.
144
primeras, que fueron la del pintor Apeles y la del escultor Lisipo en el siglo IV a.C. Se dice
que terminada Afrodita en el trono de Zeus, Fidias le preguntó a Zeus si le gustaba.
-Policleto.
Algo más joven que Fidias, era de Argos y compartió maestro en el taller de
Agéladas, que era el maestro de Grecia en la fundición de bronce.
Policleto es muy conocido por escribir un tratado de escultura llamado el canon,
en el que describe precisamente eso, el canon, lo que serían las proporciones ideales en
la escultura humana.
Si Fidias era el gran escultor de los dioses, Policleto era el de los hombres.
Policleto definió el ideal y las características del hombre a través de los números,
buscaba la belleza total, porque según el pensamiento griego, si lo era bello físicamente,
tenía que ser bello su interior, lo bello en su interior no podía ser feo por fuera.
145
El Doríforo de Policleto es posiblemente el ideal
de hombre, el canon. Un hombre debía tener de
altura 7 cabezas (Lisipo lo subirá un siglo más
tarde a 8), y se observa cómo tiene un paso
adelantado, pero ya cada músculo está en
armonía con el movimiento que representa, un
conjunto de flexiones y extensiones articulares y
musculares que tienen organicidad, que forman
un todo, a esto se le llama diartrosis
(contraposto).
La diartrosis es un principio de la escultura
griega de época clásica por el cual se acentúa, en la representación del cuerpo
humano, la división entre el tronco y las extremidades. Para ello, se marcan el pliegue
inguinal, los pectorales y la cintura.
También se llama contraposto o chiasmo, un término italiano que designa la
oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, lo que
proporciona cierto movimiento y contribuye a romper la ley de la frontalidad.
146
Detalle de la cabeza del Diadumeno, nariz griega,
según el canon, recta y que no sobresalga de la
frente. Expresión de concentración, como un
atleta antes de competir.
147
-Mirón, de la edad de Fidias, algo mayor que Policleto. Se considera un escultor
de la transición entre el arcaísmo y el clasicismo, porque cuidaba más la simetría y era
menos innovador que Fidias, era más conservador.
148
Postura real de una lanzadora, pies más separados,
mirada al frente, disco sujeto de otra forma, nada
parecido al discóbolo.
Aquí comparamos la foto con dos copias.
149
-Bronces
Agéladas fue, en la Grecia clásica, el gran maestro de la escultura en bronce.
Nacido en Argos, muchos aprendices pasaron por su taller, que luego se harían
escultores de renombre. Su técnica era “a la cera perdida”.
El proceso es laborioso, el escultor modela la pieza en arcilla que se cuece en el
horno. El segundo paso es rodearla de arcilla para un molde en negativo de esta. Ahora
se rellena de cera el molde de arcilla en negativo, pero la idea es que la cera solo
impregne las caras del molde, no interesa que salga una copia de cera maciza, por ello,
una vez relleno el molde, se vuelca para que la cera salga antes de fundirse, de esta
forma solo quedará una delgada capa de cera.
Cuando se deja secar la cera y se rompe el molde externo de arcilla, nos quedará
una copia exacta de la figura de arcilla, pero esta vez de cera y hueca.
Ahora se colocan unos tubos respiraderos del mismo material de cera que vayan
desde la figura de cera hacia fuera y todo el conjunto, molde hueco de cera y tubos se
sumergen en yeso, con lo que quedara un cubo de yeso macizo, con una delgada capa
de cera y unos tubos de cera que lo conectan al exterior. Al cocer el molde de yeso, la
cera desaparece.
Solo queda verter el bronce fundido y llegará a todos los rincones del molde
gracias a los tubos respiraderos que conectamos. Una vez seco, solo queda romper el
yeso y pulir y darle un pátina al bronce. Hoy día se sigue empleando la misma técnica
ancestral aunque con moldes de silicona en parte del proceso, lo que facilitan y mejoran
el acabado. La figura original de arcilla puede ser empleada tantas veces como se quiera,
el resto de los moldes se pierden.
La técnica es compleja, mejor ver un video:
https://es.aleteia.org/2016/05/22/como-se-hacian-las-estatuas-de-bronce-en-la-
antiguedad/
Las esculturas reflejan muy bien los detalles, son muy realistas, se ven la
musculatura, las venas, tienen además incrustaciones para adornar y dar más realidad,
ojos de vidrio, dientes de marfil, labios de cobre…
150
El auriga de Delfos, muchos detalles, los rizos muy trabajados, la nariz sigue el
canon, pies muy detallados, a la derecha una reconstrucción para que se comprenda el
conjunto original, carro y caballo incluido.
Los bronces que nos han llegado se encontraron en el fondo del mar, sabemos
que eran de Argos porque se analizó la tierra que tenían y correspondía a esa localidad.
Curiosamente algunos estaban recubiertos de arcilla, como empaquetados para
protegerlos durante un viaje. El teórico trayecto era de Roma a Argos, vendrían de una
exposición?
Están muy bien conservados y la postura de ambos recuerda a la del Doríforo, no
es de extrañar, era el canon.
151
Poseidón de Artemisión, otro que apareció en el agua, no es de extrañar, porque
los que se encontraban en tierra fueron fundidos a lo largo del tiempo para recuperar el
material. Representa a Poseidón lanzando su tridente, está muy bien detallado y le
faltan los ojos de adorno, por lo que las cuencas lucen vacías.
152
y finales fatales, se pasará a las de Eurípides con el mismo final pero ocasionado por las
emociones.
-Praxíteles
Praxíteles traerá novedades.
Praxíteles es el escultor griego con más fama del siglo IV a.C., su maestro fue su
padre, Cefisodoto. Con él, la escultura griega evolucionará del clasicismo a un estilo
manierista (laxitud, una cierta exageración de movimientos, forzando las líneas y
posturas) y sobre todo muy sensual. Es el máximo representante de una de las tres
escuelas de esta época, la HEDONISTA, gusto por lo sensual, el placer y lo agradable.
Tuvo como amante y modelo a una prostituta llamada Friné. Sus composiciones
tienen varios puntos en común: Una línea muy flexible divide las figuras si se traza en el
medio de arriba abajo; todos tienden a estar reclinados (curva praxiteliana). Están
adaptados para verse de frente y de espaldas, más que desde los lados. Árboles,
drapeados y otros elementos semejantes se usan como apoyo para las figuras de
mármol y se incluyen en el diseño en lugar de ser extraños a él, porque suele apoyarlos
sobre una pierna y necesitan sujeción y por último, las caras aparecen en una vista tres
cuartos.
153
Nos han llegado dos sátiros, el de la izda. aún
tiene una postura como Doríforo, es de sus
primeras obras, el Sátiro escanciador, está
escanciando líquido, toda una novedad y ya se
muestra más sensual que todo lo anterior. El
de la derecha cruza las piernas, tienen un claro
desequilibrio, refleja el mundo desequilibrado
en el que se vive en Atenas. La imagen nos hace
recrearnos en las formas, mucho más
sensuales. Clara muestra de la escuela
hedonista.
154
Su Venus de Arles, Praxíteles es el primero que empieza
a desnudar a la diosa, busca la sensualidad, va
progresivamente desnudándose y ya tiene el manto por
la cintura. Esta tenía un espejo en su mano, se gusta, se
recrea en su cuerpo. La excusa para mostrar los desnudos
era la salida del baño. Las ropas están trabajadas, paños
mojados, en unas se nota mucho más, en ésta algo
menos.
155
De la escuela de Praxíteles tenemos al Grupo de San Ildefonso,
En esta etapa se realiza el “más difícil todavía” en la escultura;
los escorzos, el movimiento, y el realismo son algunas de sus
características. Representa a dos jóvenes con la cabeza
laureada, que hacen un sacrificio ante un altar. Uno de ellos
sostiene en la mano una antorcha con la que prende el fuego,
mientras su compañero participa en el acto sagrado con la
pátera que tiene en la mano derecha. A su lado una figurita
femenina de estilo arcaizante, evoca quizá a la divinidad a la que
están dedicando el acto. ¿Cástor y Pólux ofreciendo un sacrificio a Perséfone?
El de la derecha es más clásico, el de la izqda. mucho más helenístico. Cuerpos
alargados, en formación, con musculatura incipiente y en claro desequilibrio, tiene que
apoyarse en su compañero.
Hermes con Dioniso niño. La espalda no está bien trabajada,
posiblemente porque no sería vista desde su lugar original. La
postura necesita apoyo, la tela está muy bien trabajada, tiene
textura.
-Escopas
En contraposición a la escuela hedonista Escopas representa la escuela MORAL.
Inventó el estilo patético, llamado así por representar el pathos, el sentimiento extremo,
dolor, una moral que ha cambiado en Grecia. Nació en la Cícladas, donde hay
extraordinarias canteras de mármol y apenas bronce. Empleó el material de su isla.
Junto a Praxíteles y Lisipo, Escopas completa el trío de grandes escultores del
siglo IV a.C. pertenece a la Escuela Moral, la segunda de las escuelas de este siglo. No
perseguían estrictamente el ideal de belleza como un bien, ni el placer como la
hedonista. Ante la situación social y económica, se planteaban que era realmente lo
bueno, tenían un estado de inquietud que reflejaban en su arte. Buscaban el pathos.
Escopas nació en Paros, una isla de las Cícladas. Allí había unas excelentes
canteras de mármol y no se solía trabajar el bronce, por lo que Escopas se hizo un gran
especialista en esculpir la piedra.
156
Este trabajo, a la izqda., se inspira en lo clásico, un Hércules
tipo Lansdome, más joven, no como Mirón, no es un hércules
potente, es más joven, más frágil, más sensual. Sus atributos
son la maza y la piel de león. Con cuerpo del Doríforo. A la
derecha una copia del siglo XVIII, al cambiar la postura de los
brazos pierde toda la composición, no es agradable de ver,
pierde todo el encanto por no estudiar bien el movimiento.
157
El culmen del pathos, las ménades, que acompañaban
a Dionisos, comían animales vivos y descuartizaban
hombres mientras bailaban en un delirio pasional. Los
paños mojados adoptan posiciones imposibles.
-Leocares
Representante de la tercera escuela, la Escuela HEROICA. Esta corriente proviene
de Fidias, aunque todo lo que se esculpa no será relativo a los dioses, no tendrá carácter
divino, pero será digno, magnífico.
Nació en Atenas, es normal que se fije en lo que había en su ciudad, y allí
destacaba Fidias por encima de todos. Fue un gran retratista, lo fue de Alejandro Magno.
158
Su obra más conocida (nos ha llegado una copia) es
el Apolo Belvedere. Totalmente clásica, algo
desequilibrada, por ello no es clásico puro y con el
paño trabajado en otra situación de la clásica. La
postura es teatral, impostada, forzada. Intenta
representar lo heroico. El pelo va a dar la expresión
agitada que no se observa tanto en el rostro.
159
-Mausoleo de Halicarnaso
160
Los caballos que tiraban del carro que coronaba el edificio. El edificio se apoyaba
sobre un enorme pódium, con un friso y una estructura piramidal que terminaba en un
carro. En el centro Mausolo y Artemisa II y a la derecha figuras que transmiten energía,
mucho movimiento, violencia, velocidad, todo novedades.
161
Atletas y después gladiadores se embadurnaban con
aceite y arena y se lo quitaban con el estrígilo, una
especie de paleta curva. Los restos sucios eran muy
apreciados por la alta sociedad, que los tenían como
fetiches, trofeos…
162
Texto de Plutarco sobre Alejandro.
Grecia se hace un estado fuerte con Filipo II, unida a Macedonia se ha unificado
toda la Hélade bajo un mismo rey. Alejandro, su hijo será enérgico, atractivo, culto,
inteligente y ambicioso. Se encargó de crear una imagen de propaganda gracias entre
otras cosas a los retratos de Leocares, Lisipo y Apeles.
No nos han llegado pinturas pero si copias en mosaico.
163
Copia en mosaico de una pintura de Filoxeno de la batalla de Issos, donde
Alejandro persigue a Darío III.
Retrato ecuestre de Alejandro Magno copia de Lisipo. En
la batalla de Gránico, su primera victoria ante los persas.
Desequilibrio total, la copia necesita apoyo, no sabemos
cómo se sujetaba la original. Escultura muy complicada
Hércules Farnesio, atribuido a Lisipo, tiene las tres manzanas de las hespérides
en su mano, señal de que ha concluido los 12 trabajos. Ya en plena madurez, muy
fornido. Pupilas también labradas. Esta meditando, pero no tiene expresión de
serenidad.
164
Sileno, compañero de Dionisos y Aristóteles, dos
copias de obras atribuidas a Lisipo.
-Apeles
Pintor oficial de Alejandro, se formó en la escuela de pintura de Sición, de donde
era Lisipo. Solo nos han llegado mosaicos y algún fresco romano copia de sus pinturas.
Cuentan que Alejandro gustaba de visitar su taller e incluso charlaba mucho con él.
También cuenta que un zapatero le criticó una sandalia de un cuadro que había
pintado y que Apeles procedió a rectificar. Cuando el zapatero, crecido, empezó a opinar
sobre otros detalles, Apeles le dijo el conocido: “zapatero a tus zapatos”.
165
Alejandro como Zeus, copia romana de una pintura
de Apeles.
166
6. GRECIA. PERIODO HELENÍSTICO (siglos III y II a.C.)
Siempre se ha considerado Alejandría como el principal foco de arte helenístico,
no obstante, es menos conocido que hubo otros focos y para algunos, incluso más
importantes que la propia ciudad egipcia. En este apartado veremos Pérgamo, Rodas,
Alejandría y Roma.
6.1. Escuela de Pérgamo
La leyenda dice que la ciudad fue fundada
por Teléforo, otros dicen que por
Pérgamos, unos personajes de la guerra de
Troya. Aunque la ciudad ya existía desde
mucho antes, Pérgamo no entró en la
historia hasta la muerte de Alejandro
Magno, tras la que sus generales se
repartieron el imperio. El territorio de
Pérgamo le correspondió a Lisímaco, que
nombró gobernador de la zona a un
comandante suyo llamado Filetero.
El enfrentamiento de Lisímaco con otro
general de Alejandro llamado Seleuco acabó con la muerte del primero y con cierta
inestabilidad en la zona. Filetero aprovechó el
momento e hizo independiente al territorio, aunque
nunca se nombró rey. Tenía 20 años empezó a
construir cosas y a embellecer la ciudad. Construyó
una muralla, basta y fea, solo de carácter defensivo
y un pequeño templo a Atenea, con el sueño de
hermanar a su ciudad con Atenas y conseguir que se
asemejase a ella.
-Primera escuela de Pérgamo, tras Eumenes, fue rey Atalo I y con él empieza la
primera escuela de arte de Pérgamo. Anteriormente vimos una época de transición del
clasicismo al helenismo, fue parecido a lo que pasó del renacimiento al barroco. En el
167
clasicismo se pasa del ideal de belleza, de estilo de vida, al reflejo de las emociones.
Ahora con el helenismo a las emociones se le va a añadir el realismo. Se va a intentar
que el modelo sea lo más parecido posible al retrato, pero sin dejar de representar a las
emociones.
El realismo tiende a la teatralidad especialmente cuando se realiza un
monumento que conmemore una victoria. Se va a mostrar la potencia y la fuerza del
vencedor frente a la laxitud y el dolor del vencido. Los cabellos estarán muy revueltos
y poco definidos, para que sean muy expresivos. La anatomía va a ser estudiada al
detalle.
Afrodita agachada
Una afrodita desnuda en el baño no es una novedad, pero
aquí esta agachada, ya se puede mirar incluso desde
arriba, es una composición helicoidal (con giros de hélice),
con el cuerpo torsionado.
168
Se observa la laxitud de la mujer muerta, que acaba
de ser ejecutada por su marido. Anatomía muy bien
reflejada, los cabellos no son muy reales, pero
ayudan a la expresión de laxitud, de muerte.
Contrasta la potencia del marido, que se está
suicidando, con musculatura muy bien estudiada, da
sus últimos estertores y refleja la angustia del
perdedor. Se puede observar desde cualquier lado,
hay una ruptura completa con la frontalidad. Está
reflejada hasta la sangre, son emociones y un retrato
muy realista.
La otra escultura que nos ha llegado es la del galo moribundo, fue un trompetero
gálata, esta sin potencia, laxo, agonizando, lo refleja su anatomía, su expresión y sus
cabellos. Esta herido, tiene la sangre esculpida, el bigote e incluso las cejas. El realismo
es espectacular para la época. Ya no hay un canon, es el retrato de alguien, sin reglas,
muy realista.
169
Marsias y el escita. De nuevo la historia de Marsias y
la flauta de Atenea y el desafía a Apolo. Aquí un escita
va a cumplir la orden de apolo de despellejar al sátiro
Marsias. La anatomía de Marsias colgado recuerda a
los crucificados, está sufriendo, no hay simetría, se
refleja la agonía, bien estudiada la anatomía y la
postura.
-Segunda Escuela de Pérgamo, si tras la batalla contra los gálatas con Atalo I
empezó la primera escuela de Pérgamo, ahora, tras la
victoria en la batalla de Magnesia aliados a Roma
contra gálatas y seléucidas, Atalo II da comienzo a la
segunda escuela de Pérgamo. Es el punto culminante
del helenismo.
La victoria fue celebrada a lo grande y las nuevas
construcciones transformaron a Pérgamo en una ciudad
monumental. El teatro y sus inmensas gradas en la
ladera se convirtieron en una señal identitaria.
170
Los griegos construían sus teatros en laderas, los romanos en llano. Los griegos
no solían tener escena, era montada en madera, perecedera. Los romanos la hacían en
piedra.
En esta ocasión, Atalo II realizó una gran
muralla, estética, defensiva pero bien pensada,
mejor edificada que la anterior.
La entrada a la ciudad tenía un pórtico enorme,
de 150 columnas y una biblioteca con más de
200 000 pergaminos. También muchos templos
a todos los dioses. El que llegaba a Pérgamo
tenía rápidamente conciencia de estar en una
ciudad importante.
171
Este otro pórtico era la entrada al templo de
Atenea, es el primer sitio en el que se verá la
superposición de órdenes, abajo dórico,
encima jónico. Atenea es la patrona de la
ciudad. Hay estilo libre, metopas y triglifos
no coinciden con las columnas, otra
novedad.
La decoración del segundo piso son armas y
botines de guerra que inspirará a posteriores
construcciones romanas.
Los muros entre columnas del segundo piso
hacen de balcón, otra novedad.
Tras el Partenón, el altar de Zeus
es el siguiente edificio en
importancia del mundo griego.
Desgraciadamente solo nos han
llegado algunos restos.
Su descubridor fue Carl Humann,
un alemán que buscaba restos con
los que dotar de un museo a la
ciudad de Berlín. En el siglo XIX, en
pleno nacionalismo, cualquier
ciudad que se preciase debería
tener un gran museo, Alemania
encargó múltiples expediciones
arqueológicas.
Los hallazgos de Humann fueron trasladados a Berlín y constituyeron el Museo
de Pérgamo de Berlín fundado en 1901.
El edificio no tiene forma de templo, sino de altar, es un monumento religioso.
Tiene un friso exterior y uno interior, que es el habitual, encima de las columnas. Es la
culminación del helenismo barroco. Tiene una gran escalinata que lleva a un altar al
que solo acceden los sacerdotes. Entre sus columnas parece que había esculturas que
no nos han llegado. A pesar de ser para Zeus, es de orden Jónico, posiblemente para
tener friso corrido y poder decorarlo a lo grande.
En el friso exterior está representada la Gigantomaquia, sin orden cronológico,
sin un continuo, todo sucede en un momento dado, aunque para evitarlo algo, el friso
exterior comienza por el sol y el día y termina con la luna y la noche.
172
Los dioses tienen su nombre debajo, por lo que son fáciles de reconocer, Atenea
a la derecha con cabellos muy agitados, quisieron dar tanta emoción que quedó muy
teatral.
173
El rey encerró a Arjé en un templo para evitar que se quedase embarazada, pero
Hércules un día la visitó y la violó. El niño se llamó Teléforo y fue expulsado de la ciudad,
lo criaron unos pastores y al regresar se cumplió la profecía. Para purificarse tuvo que
cumplir ciertas penitencias. Una vez realizadas le ofrecieron la mano de Arjé, Teléforo
no sabía que era su madre, la noche de bodas su madre intentó asesinarle, pero una
serpiente lo impidió. Esto es lo que se cuenta en el friso, esta vez sí como una narrativa
con continuidad.
6.2. Rodas
Si en Pérgamo se representaron las emociones cargadas de realismo, en Rodas
se va a representar un realismo total, en todas las facetas de la vida, no solo en el arte,
en la literatura, en las diversas profesiones artesanas y en la vida cotidiana.
Rodas no tenía afán expansionista, por lo que no se va a ver afectada por los
conflictos del Mediterráneo. Por ello tuvo un gran crecimiento comercial y una saneada
economía, lo que les permitía a sus habitantes vivir en paz y más que dignamente.
La ciudad va a tener un urbanismo ortogonal con calles muy embellecidas y
decoradas. Se podría decir que se vivía muy bien y eso se notó en el arte. En un sitio de
abundancia y paz, los encargos se multiplicaban, había muchos escultores y el arte se
desarrolló ampliamente.
No solo se hizo allí el Coloso de Rodas (destruido por un terremoto en el 266
a.C.), también nacieron otras esculturas que han pasado a la historia.
Tal era el realismo en Rodas que los encargos particulares de pequeños exvotos
para dejar en los templos eran personalizados, auténticos retratos individuales del que
lo encargaba. Debido al gran número de encargos, los escultores de Rodas se
convirtieron en verdaderos maestros del retrato realista. Dos de los artistas más
importantes fueron Timocaré y sobre todo su hijo Pitócrito.
174
El Fauno Barberini, fauno dormido o fauno
borracho, de autor desconocido de Rodas, nos
muestra un fauno descansando plácidamente,
posiblemente tras un festín sexual y un banquete
con las ninfas. La postura es muy novedosa, quizás
algo teatral, pero se sale de todo lo clásico. Es una
escultura tremendamente desenfadada, alejada
de dioses y cosas sacras. Está disfrutando de la
vida, de la paz de Rodas.
Está tallado por todas partes y al verlo desde diferentes ángulos, parecen distintas
estatuas. Los artistas de Rodas creaban con gran libertad, con la libertad que con la
que se vivía allí.
175
La Victoria de Samotracia es una de las esculturas
más famosas de la Historia. Fue donada por los
rodios a un santuario en agradecimiento por una
victoria naval en el contexto de la batalla de
Magnesia.
No se sabía su autor, pero se conocía otra obra de
Pitócrito que la apoyaba en un barco.
176
La estatua por supuesto fue a parar al Louvre:
177
La victoria antes se representaba como la velocidad, como una mujer corriendo en los
juegos, eran esculturas muy arcaicas, ahora esta victoria es la velocidad total, es un
canto al realismo del movimiento del viento.
Un par de copias del Niño de la Oca, los niños, cuanto
más pequeños, son más difíciles de representar. No
tienen arrugas, hay pocas referencias que esculpir y
que nos muestren realismo, expresiones.
Representar a un niño pequeño y con dimensiones y
anatomía de un niño es toda una valentía del
escultor. Es una composición helicoidal, girada.
178
Las musas fue otro de los temas recurrentes,
aunque siguen teniendo cierto aspecto de
columna, tiene contraposto y se le ve una pierna.
Al lado hay un dibujo que nos muestra que en su
día hubo una moda, que comenzó el escultor
Filisco, de hacer musas por todas partes y en
posiciones cada vez más casuales, no idealizadas.
6.3. Alejandría
Ya hemos descubierto que no era el único foco del helenismo, pero fue uno de
los importantes. Siguió en cierto modo a las escuelas de Pérgamo, pero tenían un
estrecho contacto con Rodas. De esta forma, en Alejandría se unieron las dos escuelas
y las fundieron con su carácter egipcio. Su realismo era particular y muy personal. Los
faraones eran los ptolomeos por lo cual, al descender del general de Alejandro Magno,
la cultura tiene algo de helenístico y algo de egipcio. Los Ptolomeos difundían la cultura
helenística pero se presentaban como faraones protectores de Egipto.
En ese afán de querer exhibirse como protectores del pueblo y ser poseedores
de una cultura más avanzada hubo un enorme lujo en la corte y en el arte.
Desgraciadamente nos han llegado muy pocos testimonios.
179
Su esposo Ptolomeo IV, curiosamente en mármol, una piedra
que no había en Egipto y con la que no se solía trabajar.
180
El rio Nilo, una famosa escultura, los ríos se representaban con un hombre mayor
tumbado, con el cuerno de la abundancia, signo de fertilidad de la tierra. Luego cada rio
tenía sus atributos, este una esfinge, un cocodrilo y un hipopótamo y plantas propias del
Nilo. Los niños pequeños representan los afluentes o los codos que subía el Nilo en sus
crecidas, se han postulado las dos interpretaciones.
Cada niño tiene una postura diferente y está muy bien trabajado. Merece la pena
ir dando la vuelta a la escultura para descubrir todos sus detalles.
6.4 Roma
Los romanos pactaron, en los inicios, con las ciudades del Egeo, les ayudaron a
vencer a los seléucidas y a los macedonios entre otros, pero esta ayuda no era gratuita,
los romanos estaban ávidos de botín.
Los griegos los veían como a bárbaros, incultos y embrutecidos, pero los romanos
no eran tontos y cuando conquistaban algún territorio, sabían lo que era bueno y
merecía la pena y se lo llevaban. Muchas obras griegas acabaron en templos o
colecciones particulares romanas que se enorgullecían al exhibirlas. Fueron los primeros
coleccionistas de la historia.
Cuando los romanos conquistaron Grecia, los intelectuales fueron llevados como
esclavos para ser maestros en la nueva república, los artistas establecieron talleres en
Roma y las legiones fueron impregnándose de la cultura griega durante su estancia en
la Hélade. Más adelante, personajes ilustres griegos llegaban a Roma no como esclavos,
sino como filósofos, para participar en los focos culturales que proliferaban por la
república. La cultura griega se iba infiltrando en el mundo romano.
Se fue creando un ambiente cultural en el que lo griego estaba de moda, aunque
había un sector más reacio que lo consideraba amanerado y pederasta, lo griego acabó
imponiéndose. La vida se volvió griega y el arte, inevitablemente y como en tantas
ocasiones, también reflejó esto. El realismo apareció en el retrato romano y muchos
patricios querían retratarse con el cuerpo de Doríforo. Los edificios adquirieron las bases
de la arquitectura griega y gracias a los romanos nos ha llegado el arte griego.
181
Con el auge de Roma, Grecia entra en plena
recesión, hay poca arquitectura. La torre de los
Vientos es de lo poco que se levanta. Es un reloj
veleta, dentro tenía una clepsidra (reloj de agua)
para que la gente pudiese consultar la hora y en
el exterior presentaba una veleta en la cúspide
de la pirámide, era un tritón con una varilla que
no nos ha llegado. Según soplase el viento, la
varilla caía sobre una de los ocho caras de la
torre octogonal. Cada cara estaba esculpida con una figura con los atributos de ese
viento.
182
Timárquides I y su hermano Timóclites
dirigían uno de los talleres más afamados.
Este Apolo de Cirene es del primero de
ellos, apareció en un templo romano.
183
Otro ejemplo, Ariadna dormida. Al principio se le
confundió con una representación de Cleopatra
muerta por el brazalete de la serpiente, más tarde se
confirmó que la serpiente es un atributo de Dionisos
que la rescató y por eso mismo lleva el pelo como una
de sus seguidoras.
Esa postura se hizo muy común para representar el
sueño. Se busca realismo y se copian los paños mojados de Fidias, pero no los
exageran, buscan algo clásico, son los paños mojados del siglo V a.C. y el concepto de
la escuela hedonista del siglo IV a.C., una mezcla de lo clásico y la búsqueda del placer.
185
El Torso de Belvedere de Apolonio de Atenas, otra
de las grandes esculturas de todos los tiempos, no
sabemos a quién se representaba, solo hay una parte
del cuerpo, pero transmite mucho más que algunas
esculturas completas. Se dice que Miguel ángel,
cuando lo vio, se arrodilló ante él y dijo que su autor
sabía más que la propia naturaleza.
Ha sido fuente de inspiración para numerosos
autores.
186
No eran los romanos demasiado amantes de los
deportes, preferían los combates de
gladiadores, no obstante nos ha llegado este
pugilista, con sus guantes, con una barba y un
bigote con un realismo que llega a lo teatral. Le
faltan las incrustaciones de los ojos.
No está clara su autoría. Desde el punto de vista
del estilo, el púgil, con su musculatura bien
marcada y la reproducción realista de las
heridas causadas por el combate, parece el
arquetipo del estilo helenístico por su búsqueda
del naturalismo, patente también en la
exacerbación de los sentimientos que se
pueden leer tanto en la cara como en el movimiento del hombre
Toro Farnesio. Comenzó la tendencia a representar
escenas abiertas al espacio, aquí se representa el
castigo de Dirce.
Antíope fue seducida por Zeus y la consecuencia fue el
nacimiento de dos gemelos a los que abandonó su
madre. El exmarido de Antíope se casó con Dirce en
segundas nupcias. El nuevo matrimonio castigó
duramente a Antíope. Los gemelos, a pesar de haber
sido abandonados, regresaron y castigaron a Dirce
atándola a un toro para ser arrastrada hasta morir.
Aquí se representa el momento en que es atada a un toro enfurecido. Los animales
toman un gran protagonismo y realismo. Los rostros son clásicos, pero la composición
no. Todo está muy trabajado, con abundancia de detalles, muchas líneas de movimiento
y de tensión. La roca representa el paisaje y esto es una novedad.
187
Gladiador Borghese. si algo les gustaba a los
romanos eran los gladiadores. Se ha dicho que
esta escultura realizada por Agasias llevaba
espada y escudo y estaba luchando contra un
enemigo a caballo, hay quien dice que
representaba a Aquiles. En cualquier caso es una
postura muy teatral.
188
El greco lo retrató con la ciudad de Toledo al
fondo.
7. ARTE ETRUSCO
Los etruscos son un pueblo de origen incierto que hará su aparición en la
península Itálica en la zona comprendida entre los ríos Arno y Tíber, más tarde se
expandirán a Córcega y Cerdeña. Son contemporáneos de los persas aqueménidas,
griegos arcaicos y cartagineses, de los que tomarán préstamos culturales a la vez que
influirán también en esas culturas.
Los clásicos les consideraron
un pueblo obsesionado con la
muerte y sus ritos, por el
contrario, el cristianismo, los
consideró libertinos y dados a los
placeres. La razón de una y otra
visión es que en sus lugares
sagrados representaban escenas
cotidianas, felices, lúdicas,
bebiendo, comiendo… Los
clásicos vieron que las principales
representaciones estaban en
templos y tumbas, los cristianos,
cuando vieron esto, lo
consideraron pagano y lujurioso.
Los griegos de la Magna Grecia los consideraban bárbaros y los denominaron
tusci (toscanos). Estaban organizados en ciudades estado de las que las principales era
Tarquinia y Caere, que eran importantes centros comerciales. Gustaban de coleccionar
cerámica griega en la que se inspiraban con frecuencia para fabricar su estilo propio. Su
sociedad estaba muy jerarquizada. Los tres últimos reyes de Roma, Tarquinio Prisco,
Servio Tulio y Tarquinio el Soberbio eran etruscos, prueba de la fusión cultural que hubo
189
entre ambos pueblos. Están muy relacionados con los orígenes de Roma y de su
República.
190
Hígado de Piacenza que muestra diversos
nombres de dioses etruscos.
Incluso a Rómulo y Remo les llamaron Cástor y Pólux, incluso hay quien opina
que la escultura de la loba capitolina es etrusca.
El concepto de urbanismo está muy desarrollado, sus ciudades son ortogonales
pero con un solo cardo, de norte a sur y calles paralelas, no adoptan la organización
romana de cardo y decumano. Sus ciudades son defensivas, con murallas con piedras
ciclópeas.
Su arte en general va a tener influencias minoicas, micénicas, griegas y de
Mesopotamia.
191
metopas decoradas con escudos, todo de carácter griego arcaico. Así pues tenemos una
mezcla, por un lado arco de Mesopotamia y por otro friso griego arcaico. Estas mezclas
se van a ver en muchos elementos etruscos.
Los templos griegos provienen del Mégaron micénico, pero su alzado proviene
de los templos etruscos. No nos han llegado templos etruscos porque salvo su pódium
y escalinata, que era de piedra, todo el resto era de madera. Conocemos su alzado
gracias a maquetas y exvotos que si se conservan.
192
Las columnas eran de orden Toscano, que luego se
recuperarán en el renacimiento. Vitrubio llamó a los
templos etruscos, templos toscanos. Este orden tiene
influencias minoicas, pero mucho más estilizadas,
también recuerdan algo al dórico arcaico. Tiene fuste
liso, sin éntasis y con basa.
La vida en el más allá era muy importante para los etruscos, centraba buena
parte de su pensamiento y de sus rituales. Muchos de los textos, relieves y pinturas
estaban destinados a decorar sus enterramientos y trataban sobre rituales. Otra parte
versaban sobre escenas cotidianas, aquellas que les hacían felices. De esta forma
veremos música, banquetes, procesiones, exposición de los cadáveres.
El viaje al más allá lo representaban tanto como un viaje marítimo como uno
terrestre.
Las tumbas por fuera pueden ser un túmulo o tholos o simplemente un hipogeo,
pero siempre están excavados en la roca o en el suelo y siempre hacia abajo. La
necrópolis eran una verdadera ciudad, con tumbas y calles perfectamente ordenadas,
con plantas olorosas sobre los túmulos.
193
Las tumbas agrupaban a familias, estaban
llenas de urnas de miembros del linaje. Cada
una personalizada, con la efigie del difunto u
otros motivos personales.
Los personajes más importantes de la familia
tenían unos sepulcros mucho más
elaborados.
Las tumbas reflejaban el interior de una casa, el atrio a la entrada y luego varias
habitaciones.
194
Evolución de los enterramientos etruscos, una
urna, posteriormente estatuas sedentes y por fin,
reclinadas.
195
Esta tumba reproduce perfectamente el
atrio de una casa y está decorada con
relieves pintados que representan cosas
cotidianas, cacharrería de cocina,
instrumentos para las labores agrícolas y
armas.
Había dos tipos de cerámicas, unas de inspiración griega, ya dijimos que les
gustaba coleccionar cerámica griega que luego imitaban a su manera. Aquí mezclan
figuras negras y rojas, le cambian la forma a las asas y la mitología la adaptan, pero con
intención decorativa, no tienen objetivo moral, ni contar una historia, solo decoración.
Hay animales, tritones.
196
Otro ejemplo en el que se aprecia mejor la decoración
incisa. Tiene el alfabeto, quizás era el tintero de un
escriba.
La escultura deriva de la
griega arcaica, de sus Kuros y
Kore, no tienen tanto hieratismo.
Plinio nos hablará de un famoso
escultor llamado Vulca.
197
Apolo de Veyes es de las más conocidas, la
esculpió Vulca. Es claramente similar a la
escultura griega arcaica, el tallado es muy
esquemático y sin organicidad, adelanta su
paso hasta parecer un kuros aunque con algo
menos de hieratismo. No buscaban el ideal
masculino. El pelo, los pliegues, en general muy
esquemático.
198
El bronce era otra cosa, con más movimiento, con
mayor expresión con mejor calidad escultórica.
199
En piedra en cambio, aunque conservemos la
policromía, el trabajo esta falto de
expresividad y movimiento, muy arcaico.
200
8. ROMA
8.1. Los orígenes
Aunque en un principio la ciudad de Roma trató de imitar a las polis griegas,
pronto se pudo comprobar que tenía una concepción diferente.
Roma era los romanos, no era los edificios, no era sus calles, era lo que reflejaba
su símbolo SPQR: el pueblo romano. La ciudad fue la más importante del mundo, los
romanos estaban orgullosos de ella, llegó incluso a divinizarse y Augusto reconoció la
eternidad de la ciudad. Para corroborar esa eternidad precisaba de unos orígenes
divinos, legendarios, por ello, Virgilio entre otros, la relacionó con el mundo antiguo,
mitológico y lo mismo hizo con la República.
El arte no hará sino reflejar ese concepto de eternidad y de orígenes solemnes.
En Munigua y en Tívoli hay dos santuarios romanos, de planta similar, que tienen
relación con Gadir. Hércules fue a Gadir en uno de sus doce trabajos a tomar los bueyes
de Gerion. En su camino de vuelta tuvo que parar en Roma y durante un descanso, Caco
le robó los bueyes. Hércules lo capturó y lo mató y luego ofreció un sacrificio en el ara
de Cumi, que luego se llamará foro de los bueyes, Foro Boario.
201
La escultura representa el momento de la muerte de
Caco, es del siglo XVI, a la derecha un fresco barroco
del mismo motivo. El hecho que hemos relatado
inspiró a los artistas durante varios siglos y
demostraba una relación de Roma con Hércules.
202
La pintura representa todos los
detalles de la Eneida.
203
La loba Luperca amamantó a los gemelos
refugiada en su cueva, a esta cueva se la denominó
Lupercalia. Este monumento, con una gran cúpula
que deja un gran espacio abierto, como toda
construcción romana, se denomina Lupercalia, en
recuerdo de la cueva.
204
Mito de la fundación de
Roma
También en monedas.
205
En la Roma Cuadrata, primitiva ciudad,
Augusto mandó edificar un monumento,
el umbiculus urbi, el centro de la ciudad,
centro del mundo y lugar del que salen
todas las vías. Una especie de kilómetro
cero.
206
Roma se divinizó y se esculpió en el ara pacis,
desgraciadamente queda tan poco que se tuvo
que dibujar para que se supiese la forma
aproximada.
8.2. Arquitectura
Las características de la
arquitectura las definió Vitrubio,
dijo que debía ser firme, con
buenos materiales, útil, que
sirviese para lo que era levantada
y vetusta, que fuese agradable y
bella.
207
Resumiendo, para Vitrubio todo gira en
torno al orden, proporción, funcionalidad y
belleza.
Para los artistas, en Roma había libertad pero dentro de muchas normas, una
libertad limitada.
Roma va a adoptar muchas cosas de las civilizaciones precedentes,
especialmente de Grecia, pero también va a aportar muchas novedades, sobre todo en
arquitectura, en tipologías, técnicas y recursos constructivos.
208
-Incertum, piedras irregulares de pequeño tamaño y sin orden insertadas en el exterior
del mortero.
-Testaceum, hileras de ladrillos superpuestas.
-Mixtum, ladrillos y piedras.
209
Las bóvedas van a rellenar espacios
internos, contribuyen a darles volumen y
permiten grandes espacios diáfanos cubiertos.
Se consiguen gracias al opus caementicium que
pesa menos y a los arcos adintelados, que
distribuyen mejor el peso que los dinteles puros.
210
Como ejemplo de espacios diáfanos y
grandes cúpulas romanas suele ponerse
el Panteón de Agripa.
211
Bastante bien conservado, es visitable y conserva
buena parte de las caveas. Y la arena. Sus puertas
eran la Triumphalis y la Libitinensis
212
complejo enorme, incluso con tiendas, una serie de hornos y canalizaciones para llevar
el calor.
213
Teatro de Pompeyo, arriba el templo.
214
Del templo de Baelo Claudia nos queda poco,
pero se aprecia muy bien su pódium y su
escalinata, estos dos elementos le daban más
dignidad al edificio.
215
-Arco de triunfo (arquitectura ciudadana
conmemorativa). Consiste en un arco más un
dintel, se erigían para celebrar victorias de
cónsules o emperadores. Más tarde los
cristianos lo emularán para sus celebraciones.
En la figura el más antiguo, conocido por el
Arco de Tito, Tito Flavio Vespasiano. Fue
levantado por su hermano Domiciano para
conmemorar sus victorias, especialmente el
sitio de Jerusalén.
216
Y por supuesto refleja la entrada
triunfal de Tito en Roma.
217
-Columnas conmemorativas (arquitectura ciudadana conmemorativa)
Otra de las novedades romanas, aunque muy inspiradas
en los obeliscos. La más famosa es la de Trajano, mide cien
pies romanos, unos 30 metros.
Conmemora la conquista de la Dacia (Rumanía) y a
fin de cuentas son ostentación de poder y propaganda
política.
218
-Puentes (arquitectura ciudadana). Se construyeron muchos, para salvar ríos o
desniveles, muchos de piedra y siempre rectos, sin pendiente, sin rampas, con grandes
arcos adintelados para dejar pasar las crecidas de los ríos. El de Cangas no es romano,
porque tiene rampas y arcos ojivales.
219
En el centro de la plaza se encuentra la
estatua ecuestre de César, a los lados naves
porticadas y un templo al fondo dedicado en
este caso a Venus Genetrix, su divina
antepasada.
Solo el templo era de mármol, el resto en
piedra. La fachada del templo se introduce
un poco en la plaza.
220
Una reconstrucción del ático del pórtico nos muestra a
Júpiter y cariátides.
221
Los roleos (motivo decorativo con forma de voluta o
espiral) representan cisnes y frutas. También hay motivos
geométricos.
222
Alguna reconstrucción le ha devuelto incluso su policromía.
223
Dentro del mausoleo de Augusto, una lápida nos
recuerda sus innumerables títulos.
8.3. El retrato
Si en algo destacaron los romanos además de en arquitectura, fue en el retrato.
Va a tener mucha influencia de la escultura griega y no solo porque la contemplasen en
los botines de guerra, sino porque hicieron encargo en los talleres de Grecia e incluso
instalaron talleres griegos de escultura en la mismísima Roma.
No son del todo originales por tanto en la escultura, pero tuvo una fuerte
personalidad su retrato. Vamos a distinguir varias épocas.
-Republica
Los retratos en esta época están muy inspirados en el helenismo, principalmente
en Rodas y Pérgamo. Los retratos solían reflejar la
cara del difunto. Copiaban las facciones de la
máscara de cera. Máscara y retrato se colocaban
en los altares domésticos y se sacaban en
procesión. La familia se enorgullecía de sus
antepasados, especialmente si eran ilustres y se
creía que se heredarían sus cualidades.
Las máscaras captaban todos los detalles, arrugas
y hasta el rigor mortis. Labios hundidos y
desdentados, cuencas hundidas. No se buscaba un
idealismo, sino reflejar al difunto tal y como era.
Con papada, ceño fruncido y anciano. Realismo extremo.
224
Son retratos individualizados, con calvicie, en
avanzada vejez, tal y como eran. Procuraban
reflejar las virtudes del romano: virtud,
clemencia y justicia.
No se buscaba un pasado mitológico, sino un
pasado de trabajo.
• De general: Thoracato
• Velado: Capite velato. Pontifex máximus
• Divinizado.
225
Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses
romanos, arriba Caelius, dios de los cielos que lo
sujeta a modo de manto. abajo Marte, el dios de
la guerra con la loba capitolina recibe de un parto,
Fraates IV, los emblemas robados a Craso. A la
izda. Hispania humillada sostiene un gladio,
enfrente Galia, con atributos celtas, un jabalí y la
espada envainada. Abajo Apolo en un grifo con su
lira y diana en un ciervo. Arriba en el carro, el sol
con tres caballos y le preceden el amanecer con
antorcha y la aurora derramando el rocío.
Cola de milano
Pico de golondrina
226
De pontifex maximus
227
otro camafeo, aquí aparece velado y en el cielo, ya
muerto. Se ve también a Tiberio despidiendo a
Germánico y a Agripina con el pequeño Calígula.
Livia fue matando a los rivales de Tiberio hasta conseguir
que su hijo fuese emperador.
228
Igual con su hijo Druso y su nieto Germánico.
229
Con Tiberio se continúa con la idealización y el
clasicismo. Fue un buen general y aunque no quería
el poder supremo, aceptó ser emperador porque era
muy responsable. Fue un buen emperador, aunque
no de los grandes.
Sus retratos serán algo más simples que los de augusto y Livia.
Intenta copiar en parte las facciones de Augusto y su peinado,
aunque con flequillo recto. Más simple y esquemático.
Suele aparecer con la expresión de un hombre resignado a su
destino.
230
Calígula y las monedas que ayudaron a identificar sus
retratos
231
Nerón, hijo de Agripina la menor, nieto de
Germánico, sobrino de Calígula.
Su preceptor era Séneca. Mucho volumen en el
cabello con el trépano. Grandes patillas y barba.
Gira la cabeza como si no le importase nada. Nariz
prominente, labios carnosos y grandes pómulos.
Flequillo recto sin cola ni pico. Fue asesinado y
también tuvo una damnatio memoriae.
-Flavia
Con los flavios vuelve el retrato realista, reflejará la psicología y el carácter del
retratado.
Vespasiano, expresión de estreñido, con entradas
en el pelo. Expresión de cansado.
En esta época se va a poner de moda el retrato con
un torso, no de cuerpo entero.
232
Vespasiano, ya envejecido, con realismo, cansado.
Con un torso muy trabajado.
233
-Antoninos
Con los antoninos vamos a tener dos tendencias en el retrato, una con realismo
y que reflejan a un emperador virtuoso, es el estilo de Trajano. La otra, más clásica y
más elaborada, más compleja, es el estilo de Adriano.
234
Su esposa Plotina, con pelo ceñido por una diadema en la frente.
Más Adriano
235
Antinoo, supuesto amante de Adriano. Este
retrato no tiene inspiración griega ni etrusca,
ese Antinoo idealizado como apolo, con ese
giro de cuello y ese pelo es original romano
con pocas influencias. Tiene expresión
melancólica.
Hay muchas esculturas de Antinoo
236
De los pocos retratos ecuestres de emperadores
que nos han llegado, aunque teóricamente todos
tenían alguno. Este retrato inspiró a muchas
esculturas a caballo posteriores:
237
Faustina la mayor, esposa de
antonino pio con otro tipo de
peinado
238
Domiciano
Constantino el Grande
239
TEMA 3.
EDAD MEDIA. ARTE PRERROMÁNICO Y ROMÁNICO
1. ARTE PRERROMÁNICO
1.1. Arte Visigodo (V-VII)
La invasión de los pueblos germánicos ocasionó una fusión del arte
hispanorromano con el arte germánico, especialmente con el arte visigodo.
El arte visigodo puede dividirse en dos etapas, desde la constitución del Reino
de Toledo hasta el III Concilio de Toledo en el 589. La segunda etapa abarca desde este
concilio a la invasión musulmana de 711.
La segunda etapa coincide con la conversión de Recaredo, su corte y
progresivamente el resto del pueblo visigodo al cristianismo, por ello, la influencia
bizantina y romana será mucho más importante en esta época. No obstante, el arte
visigodo siempre conservará sus primitivas raíces, especialmente en la orfebrería, de la
que eran grandes maestros.
-Arquitectura
La iglesia visigoda se caracteriza por:
240
Arcos de herradura en la muralla romana de
León, fueron los primeros en emplearlo.
241
La planta es basilical de tres naves, la central
más ancha. Más tarde aparecerá la planta de
cruz latina
242
la escultura visigoda va a estar muy ligada a la
arquitectura, los elementos decorativos de
capiteles y cimacios se continúan por los frisos.
Esculpidos a bisel, recto, si había una curva, la
rectifico con cincel para tener una base recta que
decorar. Son relieves muy esquemáticos. Con
poco volumen.
243
Las aves del paraíso en el cimacio, David
entre los leones en el capitel, relieves
esquemáticos con poco volumen, cortados a
bisel. Todo muy geométrico.
244
Podría parecer algo demoniaco o pagano, pero es la luna y el sol, que simbolizan
el ciclo de la vida. Fue un monasterio femenino, allí se permitían una simbología más
compleja. El clero entendía más que el pueblo llano.
-Orfebrería
245
Hasta muy complejas, de oro o cobre con piedras
engastadas, pasta vítrea o cristales. Aquí dos fíbulas
aquiliformes relacionadas con Odín, se dice que el
dios se acompañaba de dos águilas (o cuervos) que
representaban la memoria y la reflexión.
Gran dominio de la orfebrería por tradición nórdica.
En Guarrazar y en Torredonjimeno
aparecieron dos tesoros, con coronas votivas
y cruces que los reyes solían depositar en los
templos el día de su coronación, no eran para
uso personal, eran ofrendas,
246
1.2. Arte Asturiano (VIII-IX)
Ni romanos, ni visigodos, ni musulmanes consiguieron aculturar a los pueblos del
norte de la península. Sus influencias fueron carolingias, francesas, poco romano y
visigodo y desde luego, nada islámico.
-Silo. Con el rey Silo se empezaron a construir edificios definitivos y duraderos,
era una orografía difícil, peligrosa para construir. Trasladó la capital a Pravia y allí
construyó la iglesia de Santianés (san Juan Bautista y Evangelista).
Características del arte asturiano:
247
Cuando la iglesia era palatina, las naves
laterales tenían una tribuna para el rey, con
arquería triple. El rey asistía al culto separado
del resto.
Cubierta de madera,
-Alfonso II. Con este rey Asturias se abre a Europa y aumenta la influencia
carolingia. También habrá más recursos económicos y más tiempo para la construcción.
248
san Julián de los Prados, en Oviedo, una de
las principales iglesias del arte asturiano.
249
San Pedro de Nora y Santa María de Bendones en Oviedo son otros dos ejemplos, esta
última con ALFIZ (especie de marco de ventana) en la tribuna de triple arquería.
Sus interiores estaban muy decorados con pinturas,
de influencia romana. Podían apreciarse los tres
estilos de pintura pompeyana, los que aparecieron
en la ciudad de Pompeya.
250
Alfonso II logró una cierta independencia de la iglesia asturiana de la de Toledo,
construyó una pequeña iglesia de estilo asturiano en la capital Oviedo, como símbolo de
esta nueva iglesia asturiana. Era la iglesia del Salvador, con una cámara santa en su cripta
para albergar las reliquias que iba consiguiendo.
En la primitiva iglesia paleocristiana se evitaban representaciones del
sufrimiento de cristo, una simple cruz simbolizaba el calvario. Esta tendencia siguió
durante la alta edad media.
La cruz de los Ángeles es una de esas reliquias que se
exhiben en la Cámara Santa, dice la tradición que en
un campamento de Alfonso II aparecieron dos
extranjeros que se llevaron toda una noche
trabajando en su tienda. De la tienda salían
resplandores de luz. A la mañana siguiente no había ni
rastro de los extranjeros y esta cruz fue hallada en el
interior de la tienda.
Es una cruz de tipo griego y de forma patada, los
cuatro brazos se unen en un disco central que suele denominarse CLÍPEO (escudo
utilizado por los griegos). Tiene muchas filigranas, tanto que se dice que no se
corresponde con el arte asturiano, sino más bien con el arte lombardo (de ahí que quizás
los dos ángeles fueran dos orfebres lombardos). Algunas piedras están talladas con
escenas mitológicas. Las piedras son reutilizadas, nunca se pondrían escenas mitológicas
en una cruz. Está en el emblema de la ciudad de Oviedo.
251
En Villaviciosa, Asturias, se halla la iglesia de San Salvador
de Valdedios, edificada por Alfonso II y con pinturas en los
muros que muestran cruces similares a las que hemos
visto además de motivos geométricos del arte asturiano.
Santa María del Naranco, en el monte del mismo nombre a las afueras de Oviedo
es un edificio dentro de un conjunto palatino del que no se sabe bien su función.
Posiblemente era el edificio destinado al Aula Regia. Más tarde se convirtió en iglesia y
hasta allí se trasladó el altar de la Iglesia del complejo palatino de san Miguel de Lillo.
Consta de dos pisos en una sola nave, todo el edificio es de piedra, incluidas todas
las bóvedas. Carece de ábside (no era una iglesia). Los muros son muy gruesos y con
muchos contrafuertes para repartir el peso del techo. Apenas tiene vanos.
El piso de abajo era un almacén y el de arriba un salón de celebraciones. Tiene
configuración tripartita en varios sitios, en ambos pisos. En el frontal, tiene una pequeña
cámara en el piso superior, también con triple arcada, a la que no se puede acceder.
Tiene un mirador también tripartito.
252
Las vistas desde el mirador se
han convertido en logotipo
turístico de Asturias.
253
Los capiteles son corintios esquematizados y capiteles troncocónicos sin cimacio
de inspiración bizantina. La decoración son motivos vegetales, animales o pequeños
guerreros muy figurativos y esquemáticos, muchos de simbología cristiana, uvas, aves…
254
Arriba, friso sogueado, abajo dos ejemplos
de sogueado, uno en un cimacio sin capitel,
el otro en el dintel. Todo en el interior de la
iglesia.
255
mozárabe como tal. No obstante, en algunos sitios en rebeldía como Bobastro o Toledo
si se desarrolló algo. Cuando los mozárabes fueron hacia el norte y comenzaron a
repoblar terreno cristiano ganado al islam es cuando aparecerá propiamente este arte.
-Arquitectura. Tiene una clara influencia musulmana y también conserva
elementos visigodos. No tiene nada de arte asturiano puesto que no lo habían visto
nunca.
Tres ejemplos, Santa María de Lebeña
(Cantabria), San Baudelio de Berlanga
(Soria) y abajo, Santiago de Peñalba
(Ponferrada, León).
256
San Cebrián(Cipriano) de Mazote, Valladolid.
Sin pórtico, con entrada lateral que tiene ARCO
MOZÁRABE, parecido al califal, con alfiz.
257
Arcos mozárabes con o sin alfiz.
258
La planta es cuadrada, simple y pequeña.
La escalera conduce a una
planta superior para los frailes,
bajo ese piso hay un bosque de
columnitas con arcos poco
marcados.
Pintura muy esquemática, camello, oso y elefante, los colores son planos, no hay
perspectivas ni espacios. Es algo aspectiva.
259
Escena de caza, un caballero con tridente
corre montado a caballo, junto a su jauría,
tras unos cervatillos.
260
El libro escrito por Beato tuvo una gran aceptación, hasta el punto de que se
realizaron copias que se difundieron por el reino incluso por el reino carolingio. Han
llegado a nuestros días 31 códices manuscritos copia de aquel original escrito en
Liébana. A todos se les llama Beatos y una vez escritos, fueron ilustrados. Las miniaturas
son un magnífico ejemplo del arte asturiano. Cada uno de los beatos tiene su propio
nombre, el de santo Domingo de Silos, el de San Millán de la Cogolla, el de don Fernando
I y doña Sancha…
El texto inferior explica los dibujos,
corresponden al apocalipsis de san
Juan, mujer vestida de sol, luna bajo
sus pies….todo ello puede verse en la
miniatura.
261
Más ejemplos de beatos.
2. ARTE ROMÁNICO
Esta corriente artística debe su nombre a Roma y a las lenguas europeas
derivadas del latín. Fue el primer estilo europeo de arte, hasta entonces solo había una
mezcla de estilos, cada uno en una zona y con muy diversas influencias. Ahora el estilo
artístico se unifica y tienen unas características propias y comunes, aunque adaptadas a
cada particularismo local.
El factor que motivó la unificación fueron las
reliquias. Las reliquias tienen carácter protector y
curativo, todo el mundo quiere visitarlas, todas las
localidades desean poseer reliquias que implican
peregrinos, fama, prestigio y dinero. Comienza un
verdadero tráfico y comercio de reliquias, en muchas
ocasiones falsas.
Las reliquias se convierten en el motivo para levantar
edificaciones. Los peregrinos atraviesan Europa y medio mundo para visitar reliquias y
de esta forma difunden el conocimiento y los diferentes estilos artísticos. Alrededor de
262
los caminos de peregrinación se producirán las primeras manifestaciones artísticas del
románico.
263
A la primitiva orden benedictina se le sumó la
orden de Cluny, en Francia y como una reforma
de la anterior.
La abadía de Cluny tuvo tres fases en su
construcción, Cluny III comenzó en el 1088 y fue
el punto de partida de las iglesias románicas.
La orden se extendería por todos los caminos de
peregrinación de Europa, llevando su
pensamiento y a la vez su estilo arquitectónico.
264
Hasta la construcción de la Catedral de León, la
Basílica de San Isidoro en León fue el principal
templo, panteón real y considerada la Capilla
Sixtina del románico.
265
2.1. Arquitectura
Pintura y escultura estaban condicionas y subordinadas a la arquitectura.
Las reliquias son las que van conformando los
caminos de peregrinación y las que obligan a
levantar edificios. Girola y pequeñas capillas o
absidiolos.
Las iglesias se construyen con piedra local, la piedra es un material eterno y las
construcciones son para Dios y la eternidad. Las bóvedas serán completamente de
piedra, ya vimos que esto comenzó con Ramiro I, ahora además la edificación está
sistematizada y organizada. La nave central tiene una bóveda de cañón y las naves
laterales bóveda de arista (cruce de 2 bóvedas de cañón. El crucero y el ábside tienen
una bóveda de media naranja. Este sistema abovedado en piedra ejerce gran presión
sobre los muros, por ello se realizan arcos fajones que descansan sobre pilares y
columnas compuestas. Los muros tienen que disminuir su altura y empequeñecer sus
vanos. El sistema se refuerza en el exterior con contrafuertes.
El alzado tendrá dos o tres plantas, la planta baja es la arcada, la primera planta
la tribuna si se puede pasear o triforio si no se puede y la segunda planta, si existe, tiene
ventanas y se llama claristorio.
La planta es de tres naves, la central más ancha y alta y es de cruz latina, lo que
implica que tiene transepto, el brazo corto de la cruz. Solían tener tres puertas, la
principal en la nave central y una a cada extremo del transepto.
Santiago es un buen ejemplo. La primitiva iglesia,
pequeña de piedra, fue levantada por Alfonso II con
motivo del hallazgo de los restos de apóstol. Alfonso
III levantó una mayor, de planta basilical y tres naves,
que fue destruida por Almanzor y de la casi no queda
nada.
En 1075, con la reforma Gregoriana, el obispo Diego
Peláez reconstruyó la cabecera un primer paso hacia
266
el románico. El obispo Diego Gelmírez será el que le dé el impulso definitivo. En 1122
fue consagrada, lo que quiere decir que estaba techada la cabecera y se podía oficiar
misa.
Tiene todas las características de una iglesia
románica de peregrinación, aunque su fachada
actual no es románica, es posterior y se hizo para
preservar la primitiva fachada, el Pórtico de la
Gloria.
267
Detalle de la nave central, se observan la arcada y la
tribuna. Bóveda de cañón con arcos fajones.
Santiago tiene todas las características del
románico, no en vano los dos maestros
constructores eran franceses, Bernardo y Roberto.
2.2. Escultura
Ya hemos comentado que estaba subordinada a la arquitectura. Deriva del
prerrománico pero con influencia francesa. La escultura está en el edificio, decorando
portadas, capiteles o dinteles. En relieve. Por la ley de adaptación al marco está
subordinada a la forma que va a contenerla. Se adapta al capitel, al tímpano o al friso.
Muchas veces esto resulta en figuras deformadas. Realmente no les importa el
realismo, sino la idea, la idea de Dios. Hay idealización espiritual y Dios no tiene forma,
por lo cual la forma importa poco. Tiene influencia bizantina en tanto en cuanto es
hierática, con alargamiento de figuras y geometrización. Existe mucho simbolismo que
trata de adoctrinar. En los claustros, para los monjes, el simbolismo es más complejo.
Representa mucho al bien y al mal, lo bueno es bello y lo malo es feo. Habla de
condena y salvación, con demonios horribles sacados de los bestiarios. A veces la misma
composición se repite en todas las caras del capitel. Hay simetría y las figuras son claras
y ordenadas. Casi siempre inspiradas en los evangelios canónigos, pero si hace falta se
recurre a los apócrifos. Se contarán muchas historias de santos.
En la Iglesia de Santiago, debido a los años que tardó su construcción, hay figuras
desde el románico al gótico. En la cabecera lo más antiguo.
268
El mal, una misma cabeza para dos cuerpos, aprovechando
el trabajo para que ocupe dos lados de un capitel con solo
una cabeza labrada. Figura sacada del bestiario
269
Una tercera bestia le perfora la cabeza con un palo.
270
En las jambas de esta puerta, la creación de
adán. Hieratismo, figuras alargadas y poco
realismo.
271
Sobre el parteluz, un Cristo nos juzga, pero en esta
ocasión y como señal del nuevo estilo, no es un
Pantocrátor, es un Varón de Dolores y más que
juzgarnos, nos comunica que se ha sacrificado por
redimirnos.
272
El parteluz contiene al apóstol, la restauración de
2018 ha devuelto la primitiva policromía.
Bajo él es donde encontramos el árbol de Jessé.
Parece que coloca al apóstol en el lugar de la
virgen, encima del árbol.
Sobre él la trinidad, Dios con Jesús y una paloma.
273
La otra jamba muestra a los apóstoles, igual,
interactuando. Obsérvense los pies, aún con posturas
forzadas, sin espacio, encogidos.
274
Las vírgenes románicas no son realistas,
tienen cabeza desproporcionada y siguen
la iconografía bizantina llamada
Theotokos, una virgen con niño en el
centro, con el que no interacciona, casi no
le toca, nos lo está presentando. El niño
no tiene actitud de niño, nos está
redimiendo. En su mano lleva un pájaro o
la bola del mundo o un evangelio.
2.3. Pintura
Aunque ahora puedan aparecer tapadas con cal, en las iglesias había muchísimas
pinturas.
275
Una muestra exquisita es la Colegiata de San Isidoro
en León.
276
Pantocrátor, en un espacio con forma de
almendra llamado MANDORLA. Solía estar
en el ábside. Le solía rodear una corte de
ángeles o discípulos, o apóstoles.
En las naves había escenas narrativas y a la
entrada, el juicio final.
La pintura es lineal, muy subjetiva, con
contornos muy marcados, colores vivos y
planos y está inspirada en las miniaturas de
los Beatos.
º
277
Otro ejemplo, con la Virgen como Theotokos,
en esta ocasión con los reyes magos.
278
Otro ejemplo más, obsérvese abajo a la
derecha las almas con muy mal aspecto,
demacradas.
3. ARTE GÓTICO
Siempre se había creído que el arte gótico provenía de la Germania, que tenía
raíces godas. Realmente este arte surge en Francia, se expandió por los caminos de
peregrinación y se convirtió en un estilo común a toda Europa.
El románico también fue común y tenía particularidades locales. Ahora, con
mucho mayor flujo de personas, las particularidades en cada sitio del arte gótico son
mucho más acentuadas.
En España, debido a la reconquista, entró bastante tarde y tendrá importantes
diferencias entre los dos principales reinos cristianos.
En Castilla, toma influencias de la Isla de Francia. Especialmente importante
para su difusión fue el matrimonio de Blanca de Castilla con Luis VIII de Francia. Su hijo
Luis IX (San Luis), tendrá muchas relaciones con su primo San Fernando y su sobrino
Alfonso X. Además tomará influencia de los Países Bajos, especialmente en pintura, el
comercio de las telas y la lana abrió canales de comunicación. Es famosa la colección de
pinturas de pinturas de Isabel la Católica que se exhibe en la Capilla Real de Granada. El
arte gótico tuvo su auge en Castilla en los siglos XIII y XV.
En Aragón el periodo de auge es el siglo XIV, va a tomar influencias del mediodía
francés, con el que tenían estrechos contactos e incluso posesiones. También italiano
por sus dominios en Sicilia y Cerdeña. Por supuesto tenían mucha relación con el
papado, que en esa época estaba en Aviñón.
En Castilla, la monarquía es la que patrocina las grandes obras. En cambio, en
Aragón habrá mucho patrocinio particular, consecuencia del arraigo del feudalismo en
esta zona. Grandes tumbas de nobles eran profusamente decoradas. También el pueblo
aragonés construirá sus propias iglesias.
279
El triunfo cristiano en las Navas de Tolosa en el 1212 marcó un antes y un
después, las grandes conquistas de Fernando III y Jaime I abrirán nuevos territorios al
arte. Lo mudéjar también tiene su sitio.
El aumento demográfico hará que el arte tenga múltiples manifestaciones, judío,
mudéjar, gótico…
280
La época vivió la aparición de las órdenes mendicantes
como contrapunto a las órdenes monásticas. Si las
últimas estaban recluidas en monasterios, las primeras
desarrollaban su actividad entre el pueblo. Eran otra
fuente de difusión de la cultura.
Las principales fueron la de Predicadores (dominicos) y la
de Frailes Menores (Franciscanos).
Para San Francisco todo era obra de Dios, había que amar
la Naturaleza y aparecen los primeros paisajes.
Para Santo Domingo, el estudio y la búsqueda de la
verdad era lo fundamental, por ello hay más realismo, más verdad. Empieza a
representarse la carne, no es un pecado, es una realidad. La vista no es un sentido
pecaminoso, es verdadero. Todo desde luego muy contenido.
281
La música empieza a desarrollarse, ya no hay
monofonías de cantos gregorianos, aparecen
otras composiciones polifónicas. En las
iglesias entra la luz, los colores y los sonidos.
El gótico no es algo oscuro, triste y sobrio, es
el comienzo de una explosión de los sentidos.
282
El término gótico fue acuñado en el
renacimiento por Giorgio Vasari y
definía una arquitectura ejecutada
por bárbaros frente al excelente
renacimiento. Esa concepción
negativa perduró hasta el
romanticismo y el nacionalismo, que
lo despojó de sus prejuicios y lo
mostró como un arte espiritual, con
belleza en las formas y un cúmulo de
sensaciones. Los nacionalistas
recuperaron el gótico en un
movimiento que se denominó arte
neogoticista y que tuvo su influencia
en Inglaterra, Alemania y Francia. El patrimonio gótico esta hoy en día muy protegido.
Aquí en España hay pocos ejemplos de neogótico. El Pabellón Real de Sevilla es
un buen ejemplo, la maqueta de la Almudena es otro.
3.1. Arquitectura
La arquitectura gótica nació en Francia, igual que lo hizo el románico.
283
Arriba la planta de la antigua abadía románica de
Saint Denis, en el centro la planta gótica y debajo
la alzada.
Arcos apuntados u ojivales, pilares compuestos y
bóveda de crucería ya estaban presentes en ese
gran ábside.
En el alzado hay todo un programa de arcos
apuntados. Arbotantes y contrafuertes
aparecerán en el piso superior.
284
El conjunto de nervios de una bóveda descansa en
los pilares. Estos pilares se van complicando hasta
dar unos pilares compuestos llenos de pequeñas
columnas, no solo no pierden armonía, sino que
resultan parte de la decoración.
285
Las vidrieras de la Catedral de Chartres son un
buen ejemplo del alto nivel que se consiguió en
esta técnica.
• Protogótico: XII-XIII
• Clásico o pleno: XII-XIII
• Radiante: XIV
• Flamígero: XV
286
Burgos o Notre Dame son dos buenos ejemplos de gótico pleno o clásico. Ya se eliminan
ciertas características del románico como las tribunas, se adquiere mayor altura en las
naves y más luz y queda definida la estructura de tres pisos de arcadas, triforio y
claristorio.
El gótico radiante o manierista da una gran
preponderancia a la luz, los edificios abandonan la
pesadez del pleno y adquieren mucha verticalidad y
ligereza. La Sante Chapel es un ejemplo muy
ilustrativo. Las vidrieras son las grandes
protagonistas.
287
El gótico flamígero, florido o tardío se caracteriza
por la prioridad de lo decorativo a lo estructural,
muchísimas curvas y contracurvas, muchos nervios
en abanico o estrella y torres altísimas con flechas.
La catedral de Colonia es un ejemplo.
La de Rouen lo mismo.
288
La catedral gótica Nueva de Salamanca es otro
ejemplo de gótico flamígero.
289
-Las Catedrales
290
En su interior aún se aprecia una arcada de
medio punto, aunque con bóvedas de crucería
y cabecera con arcos apuntados, una mezcla.
291
En Castilla, dentro del gótico pleno, la Catedral de
Burgos, dedicada a santa María, fue patrocinada por
Fernando III y el obispo Mauricio, fue la primera
gran catedral en España. Son catedrales enormes,
de 3 ó 5 naves, la luz será muy importante y tiene
una cabecera muy compleja. Para salvar el desnivel
en el norte se tuvo que hacer una escalera que siglos
más tarde se sustituyó por la famosa escalera
dorada de Diego de Siloé. Ya renacentista.
292
Dice la tradición que Constanza de Borgoña, esposa de Alfonso VI, entró con el obispo
de entonces a saquear la mezquita y a llenarla de altares tras la toma de Toledo, no
obstante, la catedral como tal no se comienza hasta el siglo XIII.
Está inspirada en la de Burgos y en la de Le Mans y va a tener un estilo hispánico
que marcará tendencia: coro en la nave y no en la cabecera, girola de múltiples capillas
(tiene 15) alternando semicirculares y cuadrangulares y alternancia de cúpulas en la
girola, unas cuadrangulares con otras triangulares según viniesen los nervios. Otra
característica es introducir arcos mudéjares en el triforio (en este caso polilobulados) y
arbotantes dobles, bifurcados. Estas características constituyeron el estilo gótico
hispánico.
293
El interior es el propio de las catedrales radiantes,
grandes vidrieras que dejan entrar mucha luz.
Es la más francesa de las catedrales españolas.
294
Su enorme cúpula y cimborrio se han desplomado
en dos ocasiones.
La piedra se trajo del Puerto de Santamaría, las
iglesias en Sevilla son con frecuencia de ladrillo,
no hay piedra.
Se tardará mucho en construir.
295
Las torres traseras no eran una completa novedad, ya la
tenía la de Exeter.
296
La iglesia de santa María del Mar fue levantada
por aportación popular, famosa tras la novela
que la inmortaliza. Los estibadores (bastaixos)
llevaron en sus espaldas una a una las piedras.
La fachada es contenida, casi parece una
fortaleza. Recia y menos vertical. Su planta es
muy simple.
297
La de Gerona debe su fama entre otras cosas
a que apareció en juego de tronos. La fachada
y la escalinata es barroca. Como curiosidad, la
cabecera es de tres naves pero la planta de
una sola.
298
Otras catedrales de la Corona de Aragón.
3.2. Escultura
Se desarrolla en el contexto de la
nueva espiritualidad de órdenes
mendicantes.
Se puede ver la nueva mentalidad,
una religiosidad más amable, más
natural frente a las escenas
románicas que provocaban el
miedo ante la ira al castigo divino.
299
Las figuras sonríen e interaccionan, entre ellos
y con nosotros.
300
La escultura toma mucho protagonismo, aparece en
todos lados y ya no es esclava de la arquitectura. Va
conquistando la catedral y ya ni se adapta ni está
limitada por el marco.
Detalle
301
Puerta de la Coronería, Burgos.
302
Misma portada, en el parteluz la famosa
virgen blanca, se ríe y su hijo también,
interaccionan, los pliegues de los paños ya
son más realistas.
303
A la izqda. santa justa en la portada del bautismo,
a la derecha la pastorcita del belén de la portada
del nacimiento, ambas sonriendo.
304
Se solían representar a los evangelistas y a los
profetas, solían existir dos púlpitos, uno en la
nave del evangelio y otro en la nave de la epístola.
305
Otro sitio con la misma iconografía anterior,
esta vez en Soria, parece más probable que
fuesen los reyes católicos y la virgen, el
cardenal no pudo estar en tantas
poblaciones.
306
Cuando el asiento de un coro esta levantado, para que el canónigo no pase
muchas horas en pie, había un pequeño poyete para descansar el culo. Este pequeño
asiento se llama MISERICORDIA y solía tener esculpidos múltiples motivos, desde
animales demoníacos o grotescos hasta escenas deportivas, como hockey o futbol
femenino o lucha libre.
307
Otro ejemplo de los reyes católicos.
308
Ya vimos el doncel de Sigüenza, noble
con actitud relajada.
Debajo sus escudos de armas y otros
motivos decorativos
309
La representación de plañideras ira
evolucionando, ya de bulto redondo,
interactuando
En la catedral de Sevilla, el
sepulcro del cardenal cervantes
es una verdadera joya.
310
En los retablos, en el gótico al principio había
pocos retablos, porque el coro ocupaba el altar
mayor y no había espacio. Cuando el coro se sitúa
en la nave, aparecen retablos, los primeros en
piedra. Suelen contar la vida de Cristo.
Otros tres
311
Las vírgenes fernandinas son una serie de
esculturas de la virgen que acompañaron o que
mandó hacer san Fernando durante su reinado.
El formato es claro: La Virgen aparece entronizada
«siguiendo modelos bizantinos, virgen trono
caracterizada por el esquematismo y la simetría de
la composición. Muchas tienen añadidos barrocos.
Si en el románico era Theotokos (madre de Dios),
ahora en el gótico, se llamará ODIGITRIA (la que muestra el camino).
La escultura exenta
empieza a proliferar,
tanto en vírgenes
como en cristos, ya
no está en un sitio
especial del edificio.
Los cristos como este
de las batallas o el del
millón de la catedral
de Sevilla sufren, pasan dolor, tienen sangre y llagas, están
muertos, tienen corona de espinas. El paño es cada vez
más pequeño para que se aprecien las heridas y la cruz es
arbórea, que es más real y más dramática.
312
TEMA 4.
EL RENACIMIENTO. LOS MODELOS Y SU DIFUSIÓN
La nueva clientela hace que surjan nuevos géneros como el paisaje y el retrato.
La religión seguirá siendo el tema principal, pero ya vemos como el paisaje va tomando
cuerpo, podemos ver pequeñas escenas religiosas que sirven de excusa para representar
un gran paisaje que tiene todo el protagonismo de la obra. El retrato o la vida cotidiana
313
son novedades de la época. En ocasiones el retrato no es tal, es una composición
religiosa donde el patrocinador aparece retratado igual que en tiempo atrás, pero ahora
ocupa una posición importante y adquiere gran tamaño, hasta el punto de que la obra
casi parece un retrato suyo y lo religioso, mero adorno. El humanismo pone al hombre
en el centro del universo, el retrato será una consecuencia.
Los detalles van a ser dibujados con enorme precisión, casi hasta parecer un
realismo idealizado. Los pintores emplean lupas y pincelen minúsculos para representar
hasta los pelos uno a uno. Los cuadros no suelen ser muy grandes debido precisamente
a esto.
La aparición de los oleos permitió un lento secado y a diferencia del temple de
los frescos, permitía muchas horas para retocar o corregir defectos de la obra. Por otro
lado ofrecían una gama de colores casi infinita y un acabado más brillante, más real y
más intenso.
Veladuras y otras técnicas permitían representar una realidad desconocida hasta
entonces. Los soportes de los cuadros también toman protagonismo, no hay lienzos,
son en tablas de roble, nogal, chopo o haya. La dendrocronología nos ayuda a datar las
obras.
314
perspectiva psicológica, podemos establecer ciertos rasgos del carácter del personaje a
través de su retrato. El dominio del detalle permitirá esto.
315
Quizás su obra más conocida, retrato de
hombre y mujer. El matrimonio sale muy
real, con paños muy bien representados,
con joyas, lujo… Se observa cierta
psicología en la expresión, adquieren
personalidad.
316
Los reyes católicos conocieron bien el arte
flamenco gracias a los matrimonios de Juan y
Juana. Aquí dos retratos de Catalina, su hija
menor, uno de pequeña, realizado por Juan
de Flandes, uno de los favoritos de la reina,
que era gran coleccionista de cuadros
flamencos. Aparece con 11 años y con una
rosa, símbolo de los Tudor, de pureza o de
juventud. A la derecha ya viuda de Arturo,
retratada por Michel Sittow, más seria, triste
y resignada, más digna. Este pintor le
acompañó a Inglaterra y fue su pintor de cámara, uno de los favoritos de la reina Isabel.
1.2. Patinir y los inicios del paisaje
Uno de los nuevos géneros más llamativos fue el paisaje. El primer pintor que
puede ser considerado paisajista es el belga Joachim Patinir. Durero dijo de él que era
“un buen pintor de paisajes”.
Hasta entonces había algo de paisaje en miniaturas
de códices, pero no como un género independiente.
317
Otros flamencos incorporarán paisajes en sus
obras, en una ventana, en otros sitios, pero no
como motivo principal de sus obras.
318
Las rocas fantasmagóricas que a menudo pintaba
no eran producto de su imaginación, existen
realmente en los alrededores del rio Mosa, por
donde paseaba para inspirarse.
319
Las tentaciones de san Antonio abad. En este caso figuras
más grandes, pero se aprecian todas las características
de Patinir. Tonos ocres que van a verdes, azules y
fogonazo blanco al fondo, paisaje infinito, rocas
fantasmagóricas y flora muy detallada. El paisaje como
protagonista.
320
colecciones de muebles y objetos traídos de países lejanos y que fueron los precedentes
de los actuales museos. Sus cuadros son abigarrados, aparentemente desordenados,
misteriosos y enigmáticos con gran simbología y trasfondo moral. Como curiosidad
siempre suele aparecer un pequeño búho que era algo así como su firma.
Pintaba sobre tabla, casi siempre de roble. Sus obras no estaban fechadas salvo
la adoración de los reyes magos. Gracias a la fecha de esta obra y a la dendrocronología
sobre los soportes de roble se han podido datar las demás. Pintaba sin boceto ni dibujo
previo, a la primera y rara vez corregía, esto lo sabemos porque preparaba el soporte
con una imprimación blanca, sobre este color pintaba y gracias a ello es fácil detectar
correcciones que se hubiesen tapado. Si la imprimación fuese roja hubiese sido muy
difícil de detectar las posibles correcciones.
Su obra más conocida es el Jardín de
las Delicias, un encargo del duque de
Borgoña para educar a sus dos
sobrinos, Hendrick y Felipe el
hermoso. De esta forma y a través
del duque de Alba, el cuadro fue
comprado por Felipe II y paso a
engordar la colección real.
Para este cuadro se inspiró
particularmente en dos obras
escritas, el romance de la rosa, un
poema onírico medieval sobre el
amor cortés y la visión de Tundall, un
texto religioso irlandés que da a
conocer el futuro de las almas.
El cuadro es un tríptico que se lee de derecha a izqda. La primera tabla se lee de
abajo arriba, comienza por una visión del paraíso, con la creación de Adán y Eva que
están felices junto a Dios, unicornios y otros animales fantásticos mientras en el centro
mana la fuente del paraíso.
algunos detalles de esta tabla inspiraron a
surrealistas como Dalí que hizo su famoso
cuadro el gran masturbador.
321
La tabla central se lee de arriba
abajo, es el jardín de las
delicias, la vida de desenfreno
en el paraíso y un aviso para
que los puede venir si
seguimos este camino. Los
personajes son felices y no
creen hacer nada malo, unos
hombres desnudos cabalgan
sobre animales fantásticos
dando vueltas a un estanque
en el que se bañan mujeres.
Placeres de todo tipo son
representados.
323
Arriba y abajo dos filacterias con dos citas del Deuteronomio en latín porque son un
pueblo sin comprensión ni visión, si entendieran esto se prepararían para el fin y la
segunda yo esconderé mi rostro de ellos y vere cuál será su fin.
324
A Pieter Bruegel el viejo se le denominó el segundo
Bosco. Siempre se han comparado a ambos, cada
uno en su estilo. Bruegel tuvo ocasión de ver los
cuadros del Bosco y pensó que él podría crear
también su propio mundo. Su pintura se centra en
las penalidades de este mundo.
Nació en Brabante y joven se fue a Amberes,
importante centro económico. Viajo a Italia en dos
ocasiones, donde estuvo cerca de tres años
recorriéndosela prácticamente entera y
empapándose de humanismo.
Tuvo dos hijos, Jan Brueghel el viejo y Pieter Brueghel el joven. Como curiosidad,
Jan fue un buen pintor, que aprendió en otras escuelas porque su padre no tenía un gran
taller ni discípulos. Pieter en cambio, se dedicó a copiar cuadros de su padre.
Otra curiosidad es que el nombre de Bruegel el viejo se escribe sin h, porque así firmaba
sus cuadros en su época de esplendor, mientras que sus hijos si llevan la h en su nombre.
Solo tenemos algo más de 40 obras originales suyas.
Comenzó como grabador en Amberes,
colaborando con el dueño de una imprenta
llamado Cock. Comenzará realizando grabados
de los apuntes tomados durante su estancia en
Italia, pero va a tener fuertes influencias del
Bosco.
En este grabado no muestra una composición
satírico-moral. Los peces grandes devoran a
los pequeños, el rico al pobre, pero hasta los
ricos caen. Le están rajando la panza al gran
pez mientras un padre le enseña el cuento
moralista a su hijo sentados en una barca.
325
aquí venos un cuadro del Bosco, muerto 50 años antes.
El parecido es indudable.
326
También hizo una serie de grabados de las siete
virtudes, en este caso la templanza
327
Ya maduro se desplaza a Bruselas, donde
está la corte. Allí comienza a recibir
encargos, pero la aristocracia prefiere
cuadros al óleo. Es en este momento
cuando empieza a pintar.
El vino de la mesa de San Martín tiene
una temática similar a un tapiz del Bosco
y una composición que recuerda al carro
de heno también del Bosco. La fiesta del
vino en San Martín era la antesala del
carnaval, una auténtica bacanal reflejo
de la sociedad en esa época. A la derecha
vemos a san Jorge en su caballo
intentando escapar de esa inmoralidad.
El tapiz del Bosco de la fiesta de San Martín.
328
Cazadores en la nieve, un grupo de cazadores
vuelven tras una jornada de caza, solo ha caído
un zorro que uno lleva al hombro.
Gracias a unos recursos parecidos a Patinir crea
esa sensación de paisaje infinito y los
pequeños personajes del fondo ayudan en la
sensación de profundidad.. Esta fue su última
obra, ya pinta figuras algo más grandes en
primer plano.
2. EL RENACIMIENTO ITALIANO
2.1. Quattrocento
El Humanismo va a cambiar la relación del hombre con el mundo y se va a ir
diluyendo la teocracia de la Edad Media. Van a surgir temas artísticos diferentes y vamos
a asistir a un cambio, ya no es necesario poner unos pequeños personajes religiosos en
un rincón que sirvan de excusa para pintar algo de género. Directamente no se ponen
y no habrá pudor en representar escenas mitológicas paganas o el cuerpo femenino
sin trasfondo cristiano.
La burguesía y las grandes familias van a ser los principales patrocinadores de las
obras, surge la figura del mecenas no solo como persona que encarga obras, sino como
verdadero protector de los artistas. Serán los mecenas los que levanten y sostengan el
arte en Italia. El núcleo principal del Quattrocento fue Florencia.
El gótico casi no llegó a entrar en Italia porque esta corriente surgió muy pronto,
ya en el siglo XIII. Incluso en pleno nacionalismo, Italia no quiere ver su pasado en la
Edad Media como el resto de las naciones, sino que quiere recuperar la antigua Roma.
No obstante los pintores italianos no tenían pintura romana en la que fijarse, aún no se
había descubierto Pompeya y lo que había llegado pintado del imperio era
prácticamente una anécdota. Por ello los pintores, más que una recuperación,
desarrollaron un nuevo clasicismo. Los arquitectos si tenían donde fijarse, en la
impresionante arquitectura romana. Los pintores se acercarán a los arquitectos,
estudiarán y experimentarán con ellos, aprenderán perspectiva y geometría y
desarrollarán este nuevo estilo de pintura, este nuevo clasicismo.
329
Para ello, los pintores van, a partir de lo que había, de los fondos dorados
góticos, de figuras alargadas y estilizadas y de representación de riqueza, para poco a
poco y junto a la arquitectura, crear algo nuevo.
2.1.1. Florencia
-Perspectiva
Se considera a Giotto el primer
pintor que representa de forma directa
el espacio, no obstante fue Brunelleschi
el que aportó una solución basada en la
ciencia. Fue célebre su experimento con
espejos de la capilla del Baptisterio.
Durero también hizo grabados con
perspectiva.
En general la perspectiva era muy
matemática, ideal y clásica. Se
representan los espacios y se representa
donde vive el hombre.
330
Fra angélico es de los primeros que realiza
una razonable aproximación de la
perspectiva, pero tiene que eliminar
columnas, capiteles y otras cosas porque no
le salen en el dibujo. Aún hay mucho
dorado, aún es temprano. Las figuras siguen
muy estilizadas.
331
Un fresco de Piero della Francesca en el
que utiliza emblemas y lanzas
desordenadas para dar profundidad. Un
recurso que luego utilizaría Velázquez en
las lanzas.
-Volumen
La introducción de nuevas técnicas como veladuras y trasparencias y sobre
todo el óleo, permitió la creación de volúmenes. En sus inicios todavía se observaban
transiciones bruscas de color, pero ya estaba cambiando algo. Si la perspectiva se
aprendió de la Arquitectura, el volumen se hizo de la escultura. Por eso algunas figuras
van a parecer escultóricas.
El estudio de la luz fue fundamental para poder
representar el volumen, cuerpos que antes
aparecían planos y dibujados con contornos
definidos, ahora se mostraban con su volumen, con
sombras, con contornos desdibujados y poco nítidos
y con transiciones y cambios de color suaves. La luz
iba dibujando el volumen.
Giotto fue de los primeros en enfrentarse al
problema de representar volúmenes, va a pintar
espacios reales y figuras con masa, recias, que pesan. En el cuadro anterior todavía se
ven contornos, pero ya se van apreciando transiciones suaves de color.
En la pequeña iglesia del Carmen de Florencia
está la Capilla de los Brancacci. Se le suele
llamar “capilla Sixtina del primer
Renacimiento”. El rico mercader encargó una
serie de frescos sobre los evangelistas y san
Pedro. Los artistas serían Masolino y un joven
pintor de 18 años llamado Masaccio. El
resultado fue asombroso, las figuras no eran
alargadas, los contornos eran difusos, los
colores diferentes y la luz daba un volumen no
332
conocido hasta entonces. Cierto es que aún le falta algo de realidad, pero es algo
totalmente nuevo. Desgraciadamente Masaccio murió con 28 años (muchos opinan que
envenenado), por lo que su obra es escasa.
otros dos frescos de la Capilla Brancacci. Obsérvese la
expresión de Eva al ser expulsada, aún cierta teatralidad gótica
y la trasparencia de las aguas en la que San Pedro está
bautizando, algo novedoso. La anatomía empieza a ser mucho
más realista, los músculos adquieren volumen.
333
-La antigüedad clásica
La religión está dejando de ser la temática obligada, la Iglesia también está
dejando de ser el principal comitente. Los nuevos mecenas quieren otros temas,
quieren pasados legendarios igual que los imperios. Los artistas recurren a las obras
clásicas y a la mitología como fuente inacabable de temas.
334
Ghirlandaio era joyero, pero fue un joyero mediocre
y un excelente retratista. Esta es su obra más
conocida. Lorenzo Tornabuoni encargó este retrato
de su amada esposa que murió durante su segundo
parto. Tenía 19 años. Se representa embarazada,
ricamente vestida, a la moda del retrato florentino.
En la estantería del fondo se representan unas joyas
como símbolo de la vida social, un collar de cuentas
de coral que asemeja un rosario y un libro de horas
como símbolo de religiosidad y un poema de Marcial que dice «¡Ojalá pudiera el arte
reproducir el carácter y el espíritu! En toda la tierra se encontraría un cuadro más
hermoso».
Fue representada en la capilla funeraria
de la familia encabezando el cortejo de
la prima santa Isabel.
335
2.1.2. Venecia
Indudablemente el foco principal del Quattrocento fue Florencia. Allí se
experimentaba con la perspectiva, con la luz y con el volumen y se hacía de una manera
científica, no como en los Países Bajos, donde se hacía por ensayo-error.
No obstante, hubo un foco secundario en Venecia. En esta ciudad también se
ofrecerá volumen y perspectiva, pero en un ambiente diferente, tan diferente que va
a tener un estilo propio y fácilmente reconocible. Esto ocurrió por dos motivos: por su
pasado bizantino que derivará en un gusto por el lujo oriental, la sensualidad y el color.
Es un gusto inspirado en lo tardorromano y bizantino. Por otro lado el entorno
veneciano es acuático, húmedo y con una luz especial, eso está motivado por el agua
que inunda la ciudad. El agua le confiere un brillo especial a la luz que los artistas
reflejarán en sus cuadros.
Así pues, en Florencia vemos una inspiración clásica grecorromana y con gran
dominio del dibujo y en Venecia una inspiración tardorromana y bizantina con
preponderancia del color y la luz. Quede claro que en ambas escuelas había novedades
en perspectiva, volumen, dibujo, luz y color.
Giovanni Bellini, uno de los grandes. Fue uno de los
iniciadores de la escuela veneciana. Se va a centrar mucho
en los tonos y las gamas cromáticas, así como un buen
dominio del óleo. Fue un excelente retratista que trabajó
para las grandes familias venecianas. Provenía de familia de
artistas, hubo varios Bellini famosos por su pintura (padre
Jacopo, hermano Gentile).
Uno de sus cuadros más conocidos es el del dux Leonardo
Loredano, un retrato no de perfil como en Florencia sino un
3/4 forzado, casi de frente. Al igual que en Florencia, el retratista tiende a la
idealización, pero en Venecia se aporta más personalidad, más psicología. En este
retrato la sensación de volumen se consigue en parte por esas dos cintas que cuelgan
del gorro. El dux no nos mira, es un personaje importante. Su ropa está muy trabajada.
Bellini pintará a lo largo de su carrera muchas
madonnas y va a introducir el desnudo femenino. El
ambiente de cortesanas de lujo en Venecia hace que el
desnudo no esté mal visto. Las cortesanas eran ilustres
y cultas. El autor se va a basar en las clásicas venus
saliendo del baño, pero la escena ya no es mitológica,
es una mujer normal en su tocador. Va a emplear
también recursos como el espejo e incluso un jarro en
la ventana, un anticipo del bodegón barroco.
Se buscará la belleza femenina y rodeada de lujo. Una
pequeña muestra de paisaje (bastante pobre) remata la composición.
336
Andrea Mantegna, cuñado de Bellini, otro de
los grandes.
Este cuadro (El triunfo de la virtud) decoraba el
studiolo de Isabella d´Este, una mujer
intelectual avanzada a su tiempo. Los studiolos
eran lugares de reunión de intelectuales con
biblioteca privada, exclusivo para hombres.
Este cuadro es una alegoría al triunfo de la
virtud. Atenea expulsa a los vicios del jardín,
que representa al alma humana acosada por los
vicios. Se observan al centauro (la brutalidad), Venus (la lujuria), la gula, el mono
(incontinencia sexual), y muchos otros. Todo ello observado desde arriba por la
templanza, la fortaleza y Dafne como un árbol recordando que rechazó a Apolo, es la
castidad.
Giorgione, alumno de Bellini y otro de los pilares
de este periodo. Va a ser muy influyente en
generaciones posteriores y esto porque ya no usa
tanta veladura y transparencia, sino pintura
empastada y pincel suelto. Ya no hay contornos,
los volúmenes son luz y las transiciones son muy
suaves.
Sus cuadros siempre tienen un halo misterioso, en
este no hay tema, se ha especulado mucho. Le
gustaban los fenómenos atmosféricos, aquí un
rayo en plena tormenta ocupa la parte central del cuadro.
Giorgione corregía mucho sus cuadros porque pintaba “a la prima”, sin boceto ni
dibujo previo. Siempre, como tantos renacentistas, incluye alguna muestra
arquitectónica para demostrar que entendía la perspectiva. Su paisaje trae
reminiscencias flamencas, plantas muy detalladas y gradación de colores y tratamiento
similares.
Giorgione inició una iconografía que se denominó “bellas
venecianas”. Realmente no se sabe si son retratos de
cortesanas, retratos idealizados o gente noble. Nos habla de un
gusto por la belleza femenina, muy típico veneciano. La
pincelada suelta con mucha pintura marcará tendencia.
337
Tiziano, también discípulo de Bellini, se apuntará a la
moda de las bellas venecianas. Violante, a la izqda., es
un cuadro famoso.
338
2.2. Cinquecento
Los principales focos del Cinquecento fueron Roma y Venecia. Roma, al igual
que antes Florencia, se centró más en el dibujo y Venecia siguió siendo la protagonista
del color.
El Cinquecento va a ser una evolución de lo anterior. La ciencia avanza, los
experimentos van teniendo éxito y los pintores toman buena nota. Una tendencia en
este periodo es la de los pintores, que intentan alejarse de los artesanos para intentar
ser consideradas personas dignas y capaces. Se considerarán superiores a los escultores,
porque son los únicos que pueden representar las tres dimensiones en un lienzo de solo
dos. Se considerarán inventores, escultores, arquitectos y un poco de todo, un poco el
hombre genial del Renacimiento. Bramante y Leonardo da Vinci serán los impulsores
de este movimiento dignificador de la figura del pintor.
Leonardo escribió acerca de la pintura como si fuese una ciencia y a la vez un
arte universal. La pintura es un esfuerzo intelectual superior a la escultura, que solo
demanda esfuerzo físico. La música y la poesía alaban al sentido del oído, que es inferior
al de la vista, por ello, los pintores están muy por encima de músicos, poetas y
escultores.
Leonardo añadirá a la perspectiva lineal la perspectiva aérea gracias a su
sfumato leonardesco, la total desaparición de los contornos gracias a la luz y a la
suavidad de la pincelada.
Otra reflexión es que si en el humanismo la naturaleza es el principal elemento
que nos lleva a la verdad y la pintura es la que mejor nos muestra la naturaleza, la pintura
es la que nos aporta conocimiento y verdad. Por lo tanto, la pintura es ciencia, arte,
conocimiento y verdad.
Leonardo es un creador genial y va a cambiar el sistema de aprendizaje para la
pintura. El pintor no ingresa en un taller, ni pertenece a un gremio como otros artesanos,
el pintor aprende en una academia.
Lorenzo de Medici el Magnífico fundará la primera academia. El escultor
Bertoldo fue su primer director y allí se formaron alumnos de la talla de Miguel Ángel o
Torrigiani, el famoso escultor que en una discusión le rompió la nariz.
Vasari y Zuccaro fundarán las siguientes academias,
donde todo el aprendizaje estaría más organizado y
sería más científico. Vasari igualará escultura,
arquitectura y pintura argumentando que las tres se
basan en el dibujo. En esta época empiezan a
aparecer las primeras obras firmadas. El pintor se
sabe importante y quiere dejar su impronta para que
todos sepan quien lo hizo.
La firma de Miguel Ángel en la Piedad.
339
2.2.1. Roma
Esta forma de representar a la
virgen con su hijo no era la
habitual, no solía representarse
el sufrimiento de una madre
contemplando a su hijo.
Posiblemente por eso, el
escultor no abusó del dolor, las
expresiones no sufren en
exceso, no hay sangre ni
heridas. La virgen aparece
mucho más joven que su hijo,
algo que fue criticado. Miguel
Ángel representaba mejor a los
hombres, le gustaba
representar volumen, potente
musculatura.
340
Proliferan los autorretratos, que
además se cargan de simbología, la cruz
de calatrava, las joyas reales, el pintor
muestra sus honores e importancia en
sus autorretratos.
341
La dama del armiño era la amante de
Ludovico Sforza, es diferente a otros
retratos florentinos, no es de perfil, pero
además es diferente al veneciano, la dama
gira el cuerpo hacia un lado y la cabeza al
otro. El armiño es símbolo de pureza y
pulcritud. Sin mancha.
El otro retrato también misterioso.
Leonardo gustaba de retratar lo femenino, la
belleza misteriosa.
Las fuentes de inspiración ya suelen ser diferentes, los sueños de Polifilo, los
emblemas de Alciato (de donde viene el gusto por los polos opuestos).
342
Esta escultura se le ha atribuido a Leonardo en su
juventud, por las expresiones, que coinciden con
algunos de sus bocetos. Bocetos nos han llegado
muchos, obras acabadas, pocas.
Otro hombre universal y un genio de artista será Miguel Ángel, pintor, escultor,
arquitecto y poeta. Destacó como escultor.
Era un excelente pintor, introdujo novedades, el
Tondo Doni tiene un formato redondo (tondo) que no
era el habitual para una representación religiosa. La
posición es una típica composición piramidal pero
muy forzada, el niño está arriba, la virgen en el suelo
con los brazos levantados y giro forzado. Al artista le
interesan la anatomía y los movimientos, los ángeles
sin alas del fondo provocaron estupor por estar
desnudos. Le interesan escorzos imposibles, colores
brillantes y mucho movimiento, será fuente de
inspiración para el Manierismo.
La ciudad de Florencia quería demostrar que era el centro del mundo, para ello organizó
un duelo entre los dos grandes artistas del momento, Leonardo, que acababa de pintar
la última cena y Miguel Ángel que acababa de esculpir su David gigantesco. El reto era
representar en la pared del Palacio Vecchio una batalla al fresco. El duelo quedó en
tablas, Leonardo tuvo problemas con sus pinturas y unas goteras y Miguel Ángel la dejó
343
inacabada para irse al pintar la Capilla Sixtina. Ambos intentaban demostrar que eran
los mejores. Los frescos se perdieron, los conocemos por copias. A la izqda. la copia del
de Miguel Ángel, todo un estudio de anatomía y escorzos, a la derecha la copia del de
Leonardo por Rubens, una composición también compleja.
344
Y también poeta.
2.2.2. Venecia
Partiendo de Bellini y Giorgione avanzamos con Tiziano, Veronese y Tintoretto
avanzamos en la luz y el color, en la mancha y en la luz. Venecia tendrá una pincelada
diferente, una luz y un color especial y un estilo propio.
Los grandes artistas venecianos, y en especial Tiziano, se inspiran en fuentes
clásicas, en textos de Filóstrato, de Ovidio, no obstante, cuando alcanzan cierta
notoriedad emplean su propia iconografía y no se atienen a lo que decía el clasicismo.
Es más, Shakespeare o Lope de Vega se inspiran en retratos de venus y adonis de Tiziano
para sus obras.
345
Inventó sus propias poses para Felipe II, para
animarlo en la alcoba. (estaba casado con su tía
María Tudor la sanguinaria, reina de Inglaterra,
fea con avaricia).
Tal fue la fama de los pintores que en el siglo XIX hubo una corriente pictórica
que reflejaba a los propios pintores renacentistas pintando, en la de la izqda., el
emperador Carlos V recoge un pincel del suelo para entregárselo al gran Tiziano.
346
Tiziano era un pintor muy versátil, igual retrataba que pintaba paisajes o
religión, tenía pincelada suelta y gran uso del color y la luz.
347
La crucifixión, otra composición
teatral.
El Greco nació en Creta, isla que fue dominio de Venecia hasta el siglo XVIII. Allí
había cuadros venecianos, copias de cuadros, artistas venecianos y un ambiente similar
al de la ciudad-estado. En la isla imperaban dos estilos, “a la creta”, inspirado en lo
bizantino y “a la latina”, más clásico grecorromano. Cada cliente encargaba las obras
según sus preferencias a determinados artistas de una de las dos corrientes.
El estilo del Greco era a la creta, aquí
tenemos dos cuadros de sus inicios, de
inspiración claramente bizantina, con
proliferación del dorado, figuras alargadas
en claro alarde manierista y temática y estilo
muy espiritual. La infancia del Greco
transcurrió viendo obras de arte e iconos
bizantinos, no debe extrañar por lo tanto
que siga esta corriente.
348
Aún joven llega a Venecia donde
dominan el panorama Veronese y
Tintoretto. El Greco no puede dejar de
admirar sus obras, él no ha conocido el
óleo, ni el lienzo, ni sabía de
perspectiva, luz o volumen. Poco a poco
va a ir asimilando y aprendiendo las
nuevas técnicas y en este tríptico, en
clara etapa de transición y aprendizaje,
aunque aún tiene mucho dorado y unas
figuras muy elegantes, ya se puede
apreciar un cambio. Tintoretto será su
ejemplo a seguir.
349
Este cuadro titulado Vista y plano de Toledo,
en primer plano un joven muestra un plano
de la ciudad, a la izqda. en dorado, alegoría
del tajo. En el centro y fuera de su sitio
urbanístico se muestra el Hospital Tavera,
comitente de la obra. Arriba la virgen con la
casulla de San Ildefonso. Su hijo Jorge Manuel
era arquitecto, se dice que le ayudó con la
factura de los planos.
350
TEMA 5.
EL BARROCO. LA UNIDAD DE LAS ARTES
1. ITALIA
2. PAÍSES BAJOS
Ambos países deben estudiarse por el texto que han subido al aula virtual.
3. FRANCIA
En Francia el barroco va a ser muy clasicista, con un estilo que ellos consideran
muy suyo y propio. Es muy pomposo, recargado, tiende a lo rococó, con colores
pastel y en un ambiente sensual.
351
La corte francesa es aparatosa, recargada, poderosa y el
arte va a ser igual, intenta transmitir lo mismo. Los
pintores solían trabajar para la corte.
Poussin pasó por Italia y se empapó de Miguel Ángel y
de Rafael, llamado a trabajar en su país, no le gustó el
ambiente y volvió a Italia.
Cuando inicia la escuela francesa se aprecia mucha
influencia italiana, adoptará temas mitológicos aunque
luego hará una evolución propia para ir haciendo
protagonista al paisaje y restándoselo a las figuras. Este
fauno muy báquico recuerda a los cuadros y a la
pincelada veneciana. Aunque Poussin estuvo la mayor
parte del tiempo en Roma, se nota su admiración por la
escuela veneciana.
352
Hasta tomar casi por completo la obra
353
El texto nos aclara esta triste
historia de Ovidio.
354
La temática suele ser un paisaje bien representado, con personajes de la
aristocracia y la burguesía en escenas amorosas o de cortejo.
Tanto en Francia como en el resto de
Europa van surgiendo las figuras de
coleccionistas, marchantes y pintores y
a veces todo en uno. Los cuadros
representaban esas colecciones
privadas, unos salones muy recargados
con el público examinando las obras.
Era todo un ejercicio de pintura dibujar
en miniatura obras en la pared que
eran reconocibles.
355
En Austria y quizás por influencia francesa, también se pudo observar esta
moda, arriba y abajo, cuatro cuadros de Platzer .
4. INGLATERRA
El barroco en Inglaterra tuvo características muy peculiares, podría decirse que
llegó muy tarde porque el gótico estuvo muy afianzado. Realmente en la práctica hubo
un salto del gótico al neoclasicismo y a ese neoclasicismo inglés se le denominó barroco.
Casi no existió barroco propiamente dicho, le llamamos barroco inglés porque en sus
fechas coincide con el final del barroco en el resto de Europa.
Donde posiblemente se pueda apreciar más el barroco inglés es en pintura, en
el siglo XVIII (muy tarde) y fue muy clásico. Estuvo patrocinado por la monarquía y fue
llevado a la isla de la mano de Orazio Gentileshi y su hija Artemisia en el XVIII. Otro pintor
muy influyente fue Van Dyck, que fue el que sentó las bases del retrato real. El retrato
real era un retrato muy elegante, sin los adornos y la pomposidad de los retratos reales
en otros países.
El barroco inglés está representado por dos pintores muy diferentes entre sí.
356
4.1. Reynolds
Llegó a ser uno de los principales miembros de la Royal
Academy. Sus discursos en esta institución llegaron a
ser tan famosos e importantes que asistir a ellos era el
premio de concursos de jóvenes pintores.
Era un fiel y estricto seguidor de las normas, normas
que el mismo dictaba desde su tribuna en la Academia.
Las normas consistían en:
-Un pintor debe estudiar a los grandes maestros, Miguel
Ángel y Rafael, no debe pintar basado en su propia
creación.
- Los pintores deben evitar rodearse de aduladores, es necesaria la crítica constructiva,
no hay otra forma de ir mejorando.
- Es mejor no ir al detalle preciso como hacen los flamencos, se debe representar de una
forma más general, algo difuminado.
- Los modelos deben seguir el canon clásico, las mujeres como diosas mitológicas, los
hombres como hombres clásicos.
-El vestuario, aunque contemporáneo, debe estar adaptado a los cánones clásicos.
-Las posturas deben aparentar naturalidad. Realmente las posturas tenían una
naturalidad exagerada o teatralizada.
Reynolds era gran amante del dinero y cobraba buenas fortunas por sus obras.
Estuvo en Roma, Florencia y Venecia estudiando a los grandes maestros y viendo obras
clásicas, a su vuelta visitó Paris y en otro viaje los Países Bajos. Con todo ese bagaje
elaboró su propio estilo al que se le denominó en Inglaterra “Gran Estilo”. Realmente
dictaba las normas en arte en su país y marcaba la tendencia.
357
Similar, pincelada difuminada, con la elegancia
de lo clásico y mujeres que parecen diosas
griegas.
El retrato es el protagonista del barroco inglés.
358
Era un espíritu libre, trabajó para la
aristocracia para poder vivir, pero no
le daba demasiada importancia al
dinero. Admitía las normas de pintura
inglesas, pero pronto las adaptó a su
estilo.
Sus posturas eran más naturales, le
daba más protagonismo al paisaje, la
ropa era más adecuada para la época
eran características, cabezas
redondas, cintura muy estrecha y las
figuras algo idealizadas.
359
Esto era lo que le gustaba realmente, pintar paisajes de su pueblo natal.
360
TEMA 6.
EL NEOCLASICISMO. TRADICIÓN, RUPTURA Y EVOLUCIÓN
1. NEOCLASICISMO
El Neoclasicismo tiene un único foco que es Francia y surge como reacción a un
Rococó desmesurado y ostentoso.
361
Marat, un escritor de la revolución fue asesinado
por un monárquico, el arte retrata a estos
personajes y a sus valores.
362
Winckelmann es considerado el primer
historiador del arte y propuso a la
Antigüedad como el mejor modelo de
arte y la mejor forma de reflejar lo
contemporáneo.
No obstante, en el Renacimiento se
estudiaba como lo hacían los clásicos,
definían científicamente proporciones
y volúmenes. Ahora, en el
Neoclasicismo, simplemente se copia,
se reproduce, por ello se ha definido
como un arte un poco frío.
1.1. JACQUES LOUIS DAVID
El principal representante del Neoclasicismo, formado en
literatura clásica y en el taller de pintura de un pintor de
historia.
Entró en la Real Academia de Pintura y escultura (lo que
hoy es el Louvre) a los 18 años, era muy mal estudiante y
tardó cuatro años en conseguir una beca para viajar a Italia.
Allí descubrió a Rafael, a las ruinas de Pompeya que le
impresionaron profundamente y a otros clásicos.
Su estilo se caracteriza por un dibujo muy correcto (como
Rafael).
A su vuelta cuatro años después le nombraron académico y puso su pintura al servicio
de la Revolución. Desde su puesto artístico-político va a regir los dictados del
neoclasicismo. Irá a la cárcel por ser amigo de Robespierre, pero Napoleón vio su talento
y lo libero poniéndolo a su servicio.
Además de un dibujo muy correcto y con mucho protagonismo, David va a
servirse de la mitología para representar los ideales de la revolución, con colores
sobrios, perspectiva estudiada y protagonismo al dibujo. Sus composiciones están
dominadas por la armonía y el equilibrio, es un clasicismo muy puro, con gestos
teatrales y grandilocuentes.
363
Antes de ir a Italia, sus pinturas iniciales son aún
barrocas, incluso algo rococó.
Lo mismo con el cadáver del hijo de Bruto o el rapto de las sabinas. Sus cuadros
se solían dividir en dos partes, una femenina de dolor y otra masculina de fuerza.
En el rapto de las sabinas quiso suavizar la influencia romana y volvió a lo griego,
no representó el brutal rapto , sino la batalla posterior, reflejando de esta forma que en
364
tiempo de revolución se puede alcanzar la paz. Nótese el escudo con la loba capitolina
y los cascos al modo hoplita.
Napoleón lo liberó de la cárcel y lo uso como artista
de propaganda porque estaba muy comprometido
con la causa, muy patriota. Este retrato fue encargado
por Carlos IV para congraciarse con Napoleón. En él
está cruzando los Alpes sin inmutarse pese al frío y al
viento. Quiere parecerse a Carlomagno y a Aníbal
Barca.
1.2. INGRES
Fue alumno de Jaques Louis David y a su muerte ocupó su
lugar. En su época aparece el Romanticismo y ya en él se notan
ciertas influencias. El principal artista francés del Romanticismo
fue Delacroix, con el que mantuvo una dura pugna. Había
mucha rivalidad y eran frecuentes las caricaturas del duelo
artístico y dialéctico que tenían pese a tener muchas cosas en
común.
Ingres puso énfasis en el dibujo tal y como lo hacía su
maestro. Su ídolo y fuente de inspiración era Rafael Sanzio,
otro maestro del dibujo y se dice que eran los dos pintores de
la historia que mejor dibujaban.
Estuvo en Roma muchos años gracias a una beca y cuando
era muy criticado en Francia, volvía a la Ciudad Eterna.
Su estilo es de colores sobrios, buen dibujo, proporciones
adecuadas, un poco como David, pero Ingres le dio mucha importancia al cuerpo de la
mujer, hasta el punto de hacerla la gran protagonista de sus cuadros. Representará
365
posturas novedosas, complicadas, casi imposibles, intentando experimentar cosas
nuevas y mostrando gran interés por la anatomía, pero no será una anatomía clásica,
tenderá al romanticismo.
366
También retrató a Napoleón, el de la
izqda. pasó el filtro de la crítica, pero el
de la derecha fue rechazado por una
excesiva frontalidad, parece que se
inspiró en el cuadro de van Eyck de la
adoración del cordero místico.
367
El baño turco, otro tema orientalizante con
mujeres en posturas complejas y sensuales,
a pesar de estar en el neoclasicismo, ya
apunta maneras del romanticismo. Con
Ingres predomina dibujo, anatomía con
posturas complejas y preponderancia al
cuerpo femenino. La mujer de espaladas
recuerda a la bañista, cuadro suyo que
vimos antes.
Matisse y Picasso
reinterpretaron odaliscas
368
1.3. escultura
También hubo escultura en el
Neoclasicismo, pero fue muy fría,
eran copias clásicas y se esculpían
para retratar a la aristocracia como
dioses griegos. Los principales
escultores fueron Cánova y
Thorvaldsesn. Se dice que solo
Cánova pudo alejarse algo de esa
frialdad escultórica.
2. ROMANTICISMO
Con la caída de Napoleón apareció un nuevo sentimiento en Europa, era el
Nacionalismo, cada nación pretendía encontrar sus orígenes y estos no se buscaron en
los clásicos, sino en la Edad Media. Este sentimiento era diferente al patriotismo de la
revolución, era más espiritual, era una época convulsa y de grandes cambios en plena
revolución industrial.
El arte recogió lo gótico y lo va a conservar, proteger, restaurar y valorar. Se
busca un pasado medieval en la literatura, se consideran románticas las ruinas porque
tienen historia, esencia, la belleza del paso del tiempo y del ciclo de la vida.
El arte reflejará todo eso, pero existirá una diferenciación de estilos según país y
zona, ya no predominan las academias que dictan normas estrictas, somos diferentes
y espíritus libres, no somo todos iguales y eso se traduce en el arte. No hay dibujo
perfecto ni proporción, más carga simbólica y espiritual.
Ya no se viaja solo a Grecia y Roma a buscar inspiración, se buscan paisajes y
edificios diferentes. Fruto de esos viajes será un paisaje nuevo, que se va a hacer
protagonista. Será un paisaje que muestre sentimientos, sensación de pequeñez ante la
naturaleza. Muestra fenómenos atmosféricos desbocados, reflejo de una época
convulsa. Se busca lo sublime y sentir que no podemos controlar el paisaje ni a la
naturaleza. Sentir que nos fascina el mundo que nos rodea.
369
2.1. DELACROIX
370
Las mujeres de Argel, un cuadro
inspirado en ese viaje, no necesita el
dibujo preciso ni el desnudo para dar
un ambiente sensual. Estas odaliscas
tienen sentimiento, luz y brillo y
recuerdan a Velázquez y a otros
grandes.
371
Como resultado de su viaje al Magreb y Andalucía
no solo pintó odaliscas, también se impregnó de
la atmósfera del sur, realce de la luz y el color,
con pincelada desdibujada y una atmósfera de
agitación. Aquí no hay nada clásico. No hace
falta equilibrio, armonía ni proporción.
372
La Matanza de Scio es otro cuadro suyo muy
famoso, inspirado en el cuadro la Balsa de Medusa
de Gericault.
373
Otro tema muy romántico y también muy
reproducido son los cementerios. Por la
fecha vemos que también es anterior a su
viaje. Huérfana en el cementerio transmite la
soledad y la angustia de una niña tras perder
a sus padres.
Quizás su cuadro
más conocido sea La
libertad guiando al
pueblo.
En el contexto de la
revolución de 1830
en Francia, la que
puso en el trono a
Luis Felipe, acabó
con las monarquías
absolutistas, dio
comienzo al
nacionalismo y se
extendió por Europa
e Hispanoamérica.
374
2.1. TURNER
Si en Francia Delacroix era el máximo exponente del romanticismo, en Inglaterra
ese honor corría a cargo de Turner. En ese país el romanticismo tiene características algo
diferente. Recordemos que Inglaterra tuvo un barroco muy renacentista, muy clásico.
Gainsborough fue el precedente de los paisajes
románticos y para los ingleses, Turner fue el
precedente del impresionismo y de otros
movimientos vanguardistas.
Excéntrico, gruñón y malhumorado. Solitario y
asocial, despreciaba la vida en la sociedad de
entonces y las reglas de la Academia. Se formó en la
Royal Academy y pronto caminará por libre. Pintaba
sus retratos en la propia academia, delante de todos
sus miembros, entre risas y comentarios de sus
colegas. No le importaba y a la vez los despreciaba.
Curiosamente, en la barbería de su padre, ya con 12
años vendía sus dibujos entre los clientes y era muy
aceptado. Posteriormente tendrá un precoz éxito de
crítica.
375
Empezó a viajar, recorrió muchas zonas, vio muchas obras,
conoció autores que retrataban otras cosas.
Este autor, un adelantado, ya reflejaba la fuerza de la
naturaleza y los cambios sociales. Altor hornos, fuego, vapor,
máquinas, ritmo de vida acelerado. Turner comprendió que
la sociedad estaba cambiando y que sus sentimientos eran
otros y cambió su estilo y ahora va a ser muy criticado, poco comprendido y
marginado.
Incendio en el Parlamento supone un cambio radical de
estilo. Turner intenta reflejar el drama de la sociedad
en la que vive y sus sentimientos interiores.
376
muelle de desguace. El drama de la sociedad y el contraste con la modernidad. Un
crepúsculo completa la composición.
377
Incluso el cubismo
O la abstracción
378
TEMA 7.
EDAD CONTEMPORÁNEA. EL SIGLO XIX. ARTE E INDUSTRIA.
379
La exposición de 1880 en París trajo el emblema de Francia,
la torre de Gustav Eiffel. Un edificio feo, que asemejaba una
torre de electricidad y que tardó en ser aceptado para llegar
a ser imprescindible en el paisaje.
1. EL REALISMO
El centro del realismo es Francia. El realismo nace del marxismo y del
anarquismo, como un movimiento artístico que critica el aparente bienestar que
trajeron las máquinas, pero que trajo paro, miseria y hambre en el campo. Los
campesinos tuvieron que emigrar a las ciudades y trabajar en las grandes industrias, eso
conllevó la despersonalización, la incertidumbre laboral, bajos sueldos y un trabajo en
las cadenas de montaje que no tenía alegría ni creatividad.
El realismo nace paralelo a la ideología política del Movimiento obrero, de la
lucha contra la burguesía, la fábrica y las academias clásicas de pintura. Los temas no
deben ser históricos ni mitológicos, el gran tema era la sociedad del momento, la
actualidad.
1.1. Courbet
De familia con viñedos, Courbet se cría en el campo
y conoce la vida y la problemática del campesino. En sus
inicios fue autodidacta hasta que entró en una pequeña
academia de pintura de tendencia muy alejada a la Real
Academia, del ambiente burgués de los grandes salones y
de París.
Visita el Louvre y queda impresionado con Rubens
y Tiziano. La pincelada y el color veneciano le enamoran
y así será su pintura, pincelada suelta y color, aunque
tomará los colores de Velázquez, colores tierra, colores
380
de su campo. De Caravaggio tomará la realidad, la suciedad de los modelos, la realidad.
Otro cuadro, la Balsa de Medusa, también le causará una profunda impresión.
Solo hay que ver su autorretrato para comprender que ha cambiado algo.
381
Entierro en Ornans. Un cuadro enorme que
tiene como tema un entierro en su pueblo.
Era el formato de cuadro que se pedían en
los salones, pero no era el tema adecuado.
Se dijo que este intrascendente tema no
merecía ese gran formato. Debería haber
sido un gran hecho histórico.
La gente curtida del campo, con rostros
castigados no eran los temas preferidos. Se
aprecia la influencia de Velázquez y los
retratos grupales de Rembrandt.
El taller del pintor. Uno de sus cuadros más
conocidos. Mientras pinta, no le rodea la
burguesía y los grandes críticos, los que
observan son gente de su pueblo. Hay un
desnudo clásico, académico, pero el pintor
le da la espalda y pinta un paisaje, algo
nada apreciado. Le daba igual. Las paredes
no están profusamente decoradas, apenas
unos brochazos cuasi impresionistas.
También fue muy criticado y hoy luce en el
Museo de Orsay.
382
También representará la sensualidad femenina,
pero de nuevo con maneras poco académicas.
Dos mujeres solas en el campo, y en posición
comprometida, que poco decoroso. Coubert no
era ni política ni socialmente correcto.
Una performance realizada hace poco por una artista con afán
de protagonismo no merece mayor comentario.
383
Enseñar los genitales no es una novedad.
Ya se habían hecho fotos y actualizaciones semejante
hace años.
1.2. Millet
Venía también de un mundo agrícola, pero no fue tan
polémico ni se enfrentaba tan directamente a críticos, salones
y academias como el anterior. Logró alcanzar un cierto éxito.
Sus pinturas se centran en el campo, pero a diferencia del
anterior, intentan transmitir espiritualidad, la fe en la tierra
que tienen los campesinos en lograr sacar adelante la
cosecha.
Intenta transmitir el carácter sencillo del campo. Sus cuadros
reflejan cierta melancolía.
384
El ángelus. Transmite melancolía, fe en la tierra, mundo
agrícola y campesino. Paisajes incluidos y bien
trabajados, pincelada suelta y luz interesante.
El dibujo en sus cuadros es poco correcto.
1.3 Daumier
Este pintor será conocido por criticar a la sociedad
a través de un medio que utilizaba con asiduidad:
la prensa. De esta forma realizaba caricaturas que
aparecían en los periódicos. Creaba personajes
prototipos, del banquero, del capitalista… y pintaba
caricaturas ridiculizándolos.
Tubo que autoexiliarse, durante su exilio pinto
óleos.
385
El vagón de tercera clase. Uno de sus óleos
y fuerte crítica a la sociedad. Hacinados en
un vagón de tercera clase van los
trabajadores que sostienen la producción.
Sucios, malolientes, apretados.
El dibujo es muy rápido y abocetado, los
colores son sucios y carecen de brillo y
viveza, son apagados. Parece un cuadro
inacabado.
386
1.4. La fotografía.
2. PRERRAFAELISMO
Este movimiento nace en Inglaterra también como reacción a los Tiempos
Modernos, pero con un enfoque diferente al Realismo. La burguesía estaba acomodada
en Inglaterra, tenía sus reuniones sociales para tomar el té, abarcando temas
intrascendentes, compartiendo jornadas de caza y viviendo sin problemas. Esta sociedad
consumía un arte insulso, con temas de caballos, de caza y poco más. No estaban en la
realidad.
Los Prerrafaelistas nacen como hermandad en 1848, la fundan tres jóvenes
artistas, Dante Gabriel Rossetti, Holland Hunt y George Everet Millais que se conocen en
la Royal Academy y siguen una guía espiritual común. Buscan lo sublime, es una especie
de movimiento espiritualista que busca un mundo y un ser humano más perfecto,
intentan representar la modestia, la honestidad, virtudes que se han perdido en la
sociedad y que quieren encontrar en el Cuatrocenttto, en pintores como Piero De la
Francesca, Botticelli y por supuesto, Rafael.
Como ellos tenían, van a tener un dibujo correcto, líneas fluidas, nítidas y con
precisión. Representan una naturaleza bella y pacífica. Ruskin, sociólogo y creador del
movimiento de restauración de antigüedades y ruinas del romanticismo, dijo que
“cuanto más perfecta es la reproducción de la naturaleza, más honor se le hace a Dios”.
387
Rossetti fue el principal autor del movimiento. De familia
italiana, nunca estuvo en Italia, pero en su casa había un
ambiente marcadamente italiano, de ahí le vino la influencia.
Conoció a los “nazarenos”, otro movimiento artístico fundado
por Ford Madox Braun que le hizo cambiar su estilo
profundamente para comenzar con esta visión prerrafaelista,
espiritual.
388
Lo mismo con Pandora. ¿Ángel o demonio?. Utilizaban
mucho el color naranja.
3. SIMBOLISMO
Los simbolistas recibieron este nombre porque era un movimiento artístico que
buscaba no la realidad de las figuras sino su significado. Son un precedente del
surrealismo. Es otra oposición a la sociedad moderna que intenta reflejar en sus cuadros
sus pasiones y emociones internas. Van a criticar a realistas, prerrafaelistas,
impresionistas (de los que son contemporáneos) y muchos otros movimientos.
Conciben el arte no como una realidad, sino como una manifestación de lo que
llevamos dentro.
389
Sus fuentes de inspiración son múltiples, Russell, Blake, Goya y Overbeck.
Gustan de la magia, lo esotérico, lo oriental y los místico y misterioso.
Realmente surgen como una reacción al realismo al que desprecian.
El movimiento tiene cuatro premisas:
390
También toma influencias de la literatura de Boudelaire. Incluso
de la música.
391
Más ojos y cuadros misteriosos de Redon. Es muy
introspectivo.
392
El arte Noveau influyó poderosamente en Gustav Klimt.
4. IMPRESIONISMO
4.1. La escuela de Barbizón.
Barbizón es una localidad francesa cercana a París y muy cercana al bosque de
Fontaineblau. Debe su fama a las reuniones de pintores franceses que hacia 1870
compartían experiencias y pintaban temas relacionados con el bosque. El movimiento
se llamó Escuela de Barbizón y era concebido como un movimiento para pintar por el
simple placer de pintar. No había tema ni ideología.
La temática eran los paisajes, cada uno los interpretaba a su manera, no eran
apuntes a acuarela u óleo, se pintaba y se terminaba el cuadro in situ. Los cuadros
resultaban parecidos independientemente del autor, pues la temática era muy similar.
Aun así hay diferencias.
En el fondo, esta corriente critica al Romanticismo y a los adelantos, solo buscan
la Naturaleza, nada sublime ni idealista, la naturaleza tal y como es. Van a buscar efectos
393
de luz y quieren captar el fugaz instante que les inspira, por ello va a ser una pintura
rápida, sin dibujo, con pincelada muy suelta, buscarán cierta hora del día en la que la luz
incide como desean y pintarán ese momento muy rápido. La escuela de Barbizón fue un
claro precedente del Impresionismo.
Su estilo se extendió por España, en Alcalá de Guadaira hubo una escuela de
mucho éxito con pintores como Sánchez Perrier o José Jiménez Aranda. En Cataluña
destacó Narciso Díaz de la Peña.
-Theodore Rousseau. Uno de los más importantes de esta escuela, era
academicista, pero cuando descubrió otras corrientes pictóricas cambió radicalmente
su estilo. Buscará muchos efectos de amanecer y crepúsculo, con trazo suelto, pintura
rápida y charcas y riachuelos, incluso barro.
394
-Narciso Díaz de la Peña, exiliado por las
guerras carlistas, conoció este movimiento y se
unió a él.
Había perdido una pierna por la mordedura de
una serpiente, lo que le convirtió en un joven
acomplejado y gruñón. Pintará el mismo
bosque pero en espacios cerrados, reflejando
la luz que se filtra entre los árboles. Le gustan
los momentos previos a la tormenta.
4.2. Preimpresionismo
El Impresionismo será la última corriente artística del siglo XIX. Antes de
explicar el movimiento veremos a dos autores que no entran completamente dentro del
impresionismo, eran de una generación anterior, pero ya están en la antesala del
impresionismo.
395
-Boudín era sereno y ordenado,
muy cuadriculado. Va a tener una
pincelada y un estilo parecido, pero
pintará playas del norte.
4.3. Impresionismo.
El nombre del estilo se lo impone Louis Leroy tras ver en
una exposición en el salón Nadar en París en 1874 un cuadro
titulado Amanecer. Su autor era Monet y el nombre era
despectivo, pues no le gustó nada al crítico pictórico.
396
La aparición de los botes de óleo, incluso industrializados y
ya mezclados en sus diferentes tonos. El artista podía
llevarlos al campo y pintar in situ.
397
-Monet
Su cuadro Amanecer le dio nombre al movimiento. Nació en el
norte de Francia y allí conoció a Jongkind y Boudin. Viajará luego
a París y conocerá la Academia y el Realismo, parece que ambas
cosas le gustaron, pero la guerra franco-prusiana le empujó a
Inglaterra donde conoció a Turner y su estilo cambió por
completo profundamente impresionado por el pintor inglés.
398
De Paris y de la modernidad tomó el
movimiento, el humo, los trenes, la prisa de la
gente. La estación de San Lázaro.
También lo hizo
con el Parlamento
de Londres y con la
Iglesia de san
Giorgio.
399
Más tarde se retiró a Giverny en Normandía y pintó
una serie de 48 cuadros muy parecidos, nenúfares.
-Renoir.
De joven era ceramista y decoraba sus barros con
florecitas pintadas. Le llamaban el “señor Rubens”.
Cuando la fábrica cerró, paso a trabajar en una casa
de persianas de papel que por supuesto decoraba
con florecitas.
Con lo que fue ganando se costeó su entrada en la
academia y se formó al estilo de Courbet. Cuando
conoció a Manet cayó en las redes del
impresionismo. Siempre se le ha tildado de cursi.
400
En el Baile en el Moulin de la Galette o Almuerzo de remeros retrata la sociedad
parisina, la luz se filtra entre los árboles e ilumina a los personajes en actitudes algo
cursis. Son momentos fugaces en pleno baile o conversación.
Pero en sus etapas finales el
impresionismo no acaba de convencerle y
vuelve al dibujo, al estilo de Ingres. Será
muy criticado por sus compañeros por
esta vuelta al neoclasicismo.
401
-Otros
Degas se caracterizó por pintar bailarinas, los tutús le
permitían jugar con el movimiento. A Degas le gustaba
la luz artificial y pintaba con pastel, no con óleo.
402
unos apuntes de Sorolla que reflejan
la admiración por esos pintores.
Kroyer vs Sorolla
403
A la izqda. otro luminista y a la derecha un
Sorolla.
Lo mismo.
4.5. Puntillismo
Coincide cronológicamente con el impresionismo, de hecho, muchos de sus
integrantes fueron considerados impresionistas radicales.
Aunque tienen en común el color puro y la pincelada dividida, en cambio
aplican muy estrictamente todos los conceptos de la óptica que se estaban
desarrollando. De esta forma, la pincelada no es rápida ni suelta, tampoco salían a
pintar al aire libre pues su perfeccionismo determinaba que tardasen meses en acabar
un cuadro.
404
La pincelada, que no es suelta ni rápida, tiene forma de punto, de ahí el nombre
de esta corriente. Punto a punto, uno al lado del otro, sin mezclar colores ni trazos, van
componiendo las figuras que son formas muy simples y geométricas.
Dos artistas destacan: Seurat y Signac.
-Seurat. Empezó como impresionista, pero pronto desarrolló este estilo. Murió
joven por lo que su producción fue escasa.
405
4.6. Postimpresionistas.
Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Se caracterizaron por
un uso expresivo del color y una mayor libertad formal.
-Vicent Van Gogh.
hijo de pastor protestante holandés, su hermano mayor,
también llamado Vincent, murió a los pocos días de
nacer, siendo enterrado en el jardín de su casa con una
lápida que ponía su mismo nombre y que el pintor veía
todos los días. Siempre pensó que el había venido para
sustituir a su hermano muerto.
Intentó la carrera eclesiástica, realizó el seminario e
incluso tuvo de joven algún destino como misionero. Al
intentar entrar a estudiar teología fue expulsado, la
razón fue que no sabía hablar latín ni griego, el motivo
real fue posiblemente su carácter difícil.
La religión seguirá siendo importante en su vida y se apreciará su presencia en
algunos temas. Tras algunos periplos como marinero fue convencido por un hermano
marchante de arte llamado Theo de que se dedicase a pintar.
La religión estará presente en su vida e incluso llegaría a afirmar “tengo una
necesidad importante de religión”.
406
Otro cuadro de temática similar, unas botas
gastadas del trabajo de un campesino.
Ese dibujo descuidado y torpe es su estilo
inicial. Tras dejar sus estudios de teología, su
hermano Theo le convence para que
abandone Holanda y vaya a París, a conocer
a los mejores.
Este cuadro lo pinta cuando acaba de llegar
a París, aún no ha cambiado su estilo. Theo
Van Gogh es su estabilidad emocional y
económica, solo vendió un cuadro en vida.
Van Gogh escribirá mucho a su hermano Theo, mucho sobre pintores que le
gustan y mucho sobre sus pensamientos. Hay más de 800 cartas de Vincent.
Está tratado como una naturaleza muerta, como un bodegón. La profundidad y
el espacio del suelo y pared lo consigue cambiando un poco el color y la dirección de la
pincelada, no hay más detalles.
La vida en París le agobia y se
traslada al campo, a Arles. Alí vive en
la casa amarilla, la de las
contraventanas verdes. El amarillo de
los trigales de Arles será ya para
siempre su color fetiche y su estilo
cambió. Se dice que en el bajo había
un bar donde le dejaron exponer
algunos cuadros que tuvo que retirar
por el revuelo que causaron. No
gustaba a nadie.
En esta casa intentó montar un taller
pese al poco espacio, conoció a
Gauguin y empezaron a pintar juntos.
Fue la etapa de mayor producción de Gauguin, que fue a esa casa por compromiso con
Theo. Vincent tenía una producción asombrosa, en su corta vida como pintor realizó 900
pinturas y 1600 dibujos. Una discusión entre ambos pintores motivó que Gauguin se
fuese y que Vincent se cortase una oreja y se la enviase como muestra de
arrepentimiento.
407
Pintó dos sillas, una más oscura y con un libro para
reflejar el carácter de Gauguin, otra de pueblo y más
sencilla para reflejar su carácter.
Vincent van Gogh siempre empleará un contorno bien
marcado, un dibujo simple y una perspectiva incorrecta
pero agradable y con armonía, todo con pincelada
rápida y nerviosa y pintura muy muy empastada.
408
Raíces de árbol, su último cuadro antes de
suicidarse de un tiro en el pecho, No murió
al instante, pudo avisar a su hermano
Theo que desde París llegó a tiempo para
verle morir.
409
El cambio de estilos e aprecia
perfectamente del impresionismo al
simbolismo en estos dos autorretratos,
cambio de paleta de colores, de
pincelada, de vestuario, de corte de
pelo…
410
¿Cuándo te casas? y Cuentos bárbaros. No
contento con lo que encontraba en Francia,
decide trasladarse, ha visto arte colonial
que está llegando a Francia y le gusta, las
postales japonesas tan de moda también le
inspiran, decide irse a Tahití en busca de los
místico, allí ejecutará sus obras más
famosas y el estilo por el que se le reconoce.
El creía que llegaría a un paraíso y solo
encontró prostitutas y marineros, por eso
se va a una pequeña isla del archipiélago, a
Mataiea. Allí encontró lo que buscaba.
411
-Tolouse Lautrec: hijo del conde de Tolouse Lautrec, su verdadero nombre era
Henri Raymond. Era el heredero del título y por lo
tanto, un aristócrata criado en los gustos de su padre,
la caza en las tierras de su castillo y las mujeres. Nació
con una enfermedad ósea y dos fracturas de fémur le
impidieron seguir creciendo. La separación de sus
padres motivó que quedase al cuidado de su madre,
así pues, de una infancia entre caballos y caza, pasó a
querer ser artista animado por su madre.
Pese a su talla de 150 cms y ser feo, nunca tuvo
complejos y hasta bromeaba con su condición, decía
que tenia una poblada barba, una voz masculina y una
potente virilidad.
Entró en el taller de pintura de un maestro
neoclásico de pintura histórica, Fernand Cormon, famoso por un cuadro de la
Prehistoria.
Por las mañanas iba al taller del maestro y
pintaba estilo academicista, pero por la
noche vivía de juerga y pintaba lo que le
apetecía.
Se fue a Paris y se dedicó a la vida
nocturna, prostitutas y alcohol. Allí
empezó a dibujar lo que de verdad le
gustaba, prostitutas, hombres decrépitos
por la mala vida, luz artificial y dibujo
rápido y muy suelto.
412
económicamente. Sus primeras pinturas son calificadas por los críticos como de
ambientes enfermos. La tendencia en ese momento era pintar paisajes.
La casualidad hizo que algún
dibujo suyo fuese publicado en
prensa y poco a poco se fue
haciendo un hueco en el
panorama artístico de París.
El gran éxito llegó con el
encargo de un cartel para un
evento en el Moulin Rouge.
Empezó a conocer a los grandes
pintores y tomo buenas notas para
sus carteles futuros. Fue
especialmente conocido por sus
carteles publicitarios y sentó las
bases de los carteles.
Consumido por el alcohol, fue internado en un asilo, pero dibujo cosas mas
amables y agradables para encandilar al personal. Fue dado de alta. Recayó en la bebida
y la juerga y murió cirrótico
-Paul Cézanne: Un gran incomprendido toda su vida. A pesar de las novedosas
tendencias que estaban apareciendo, ni sus compañeros pintores ni los críticos supieron
apreciar su trabajo y siempre fue tildado de fracasado. No obstante es posiblemente el
postimpresionista más importante y la persona que con su estilo abrió el camino a las
vanguardias. Solo el crítico Gustave Geffroy dijo de él que era un visionario y que sabía
ver de otra forma lo contemporáneo.
413
Nació en Aix en Provence, lugar al que volverá a pintar al final
de su vida. De joven entrará en la Academia Suiza, pero
realmente Cézanne fue autodidacta, aprendía contemplando
las obras del Louvre.
414
Se irá a L´estaque donde descubrirá su propio estilo. Va a lograr configurar un
espacio en tres dimensiones con una pincelada geométrica y plana. Las figuras las
construye a través de la geometría. Un árbol será un cilindro y una manzana una esfera.
Está abriendo la puerta del cubismo.
415
Crea líneas de fuerza que delimitan
espacios y por otro lado marcados
contornos. Triángulos, cuadrados y
cilindros con pincelada rectangular en una
estudiada dirección crean los efectos.
El estilo se va simplificando con los años.
Cada vez más geométrico, con más líneas
de fuerza que nos hacen concentrar la
mirada en ciertos puntos y al final roza la
abstracción, mucha más geometría a través
de la pincelada. Se va llegando a la esencia
geométrica de las figuras.
416
También pintó bodegones, en ellos se aprecia
muy bien la geometría. Además utilizaba una
perspectiva extraña, plasmaba varios puntos
de vista que unificaba, es decir, si las
manzanas las veía desde el frente, la dibujaba
en esa perspectiva pero luego dibujaba la
mesa vista desde un lado, de esa forma
resulta una perspectiva irreal y extraña.
Está abriendo la puerta al cubismo, aunque
está dejando problemas sin resolver.
Otro bodegón.
417
Matisse, compró unas bañistas
y se inspiró haciendo varios
cuadros.
418
A la izqda. un Cézanne, a la derecha un Braque, otro iniciador, junto a Matisse,
del cubismo. Braque trabajó junto a Picasso y fue el que le dio a conocer la obra de
Cézanne.
aquí podemos observar la diferencia de
pincelada entre Cézanne y Braque.
Picasso
también
tiene un
estilo
inspirado en
Cézanne.
Todas estas
corrientes se
iniciaron con
el francés.
419
Incluso los bodegones de Cézanne inspiraron a los de
Picasso.
420
TEMA 8.
LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS
Hasta ahora el artista se expresa mediante la técnica y el aprendizaje, a partir
de ahora lo hace desde su interior.
1. FAUVISMO
Fue la primera de las vanguardias. El nombre dado a la corriente viene de la
exposición de otoño de 1905 del salón Nadar de Paris, en ella exponían una serie de
obras vanguardistas y entre ellas se encontraba una escultura, una especie de David de
Donatello algo cuatrocentista. El crítico Vaucelles llegó a afirmar que aquella exposición
se asemejaba a un Donatello entre las fauces de las fieras, es decir, rodeado de cosas
terribles. Del término “fauces” vino Fauvismo.
Era un movimiento principalmente pictórico, aunque con algo de escultura, que
provenía del impresionismo y postimpresionismo. Tendrá mucha inspiración en la forma
de encontrar el color de Gauguin y de la creación de un espacio geométrico de Cézanne.
Los fauvistas buscan encontrar placer, por ello, no serán tan geométricos como
Cézanne y reflejarán más la curva, pero lo realmente característico del movimiento es
el color, un color subjetivo, ácido, aplicado de forma enérgica y arrebatadora y
aparentemente sin sentido. Dejarán incluso partes del lienzo sin pintar.
Van a dibujar contornos y su color no seguirá las leyes de la óptica tan en boga
en el impresionismo, aplicaran el color de forma arbitraria e intuitiva. Buscan masas de
color, de colores puros. Tampoco van a tener perspectiva clásica ni científica y poco a
poco van a ir desdibujando el espacio hasta el punto de que casi desaparece y no
podremos distinguir lo que s pared de suelo.
421
-Matisse
422
Matisse cambiará, conocerá la obra de
Cézanne, comprará una de las grandes
bañistas y pintará esta Alegría de vivir,
va a entender que el espacio se puede
representar de otra manera. Da un
nuevo punto de vista a su visión de la
vida. No va a buscar geometría, pero
hará una pintura más placentera y
sinuosa, buscando mucha curva
(parece casi un fresco minoico¡¡¡)
Este cuadro inspiró a Picasso para
pintar las señoritas de Aviñón.
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Arabescos, curvas sinuosas, espacio muy
diluido, el único punto de escape y
referencia es la ventana.
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La escena de La danza aparecerá en muchas
de sus composiciones.
Sus papiercole.
-Otros fauvistas:
425
Otro Derain
2. CUBISMO
Este estilo nació, como tantos otros, en Francia, de la mano de artistas franceses
y españoles. Se expandió por muchos países y es considerado el primer estilo moderno
internacional.
En el siglo XX cambian las estructuras de poder y cambia la sociedad tras las
grandes guerras, los avances científicos y los
tecnológicos. El descubrimiento del átomo nos
muestra que la materia puede ser
descompuesta hasta partículas minúsculas, la
teoría de la relatividad cambia la concepción
del espacio y la fotografía cambia
drásticamente los encuadres y el cine
fragmenta en fotogramas y cortas escenas la
realidad. La sociedad en general cambia y el
arte, como siempre, también cambia para
reflejarlo.
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El cubismo no solo se da en pintura, se cuela en todas las disciplinas, en literatura
Apollinaire desarrolla caligramas, en verso aparece la rima libre, el música el
dodecafonismo (doce notas negras y blancas) con armonía disonante, el danza el ballet
se libera del clasicismo. En general no hay técnica, solo estados emocionales y cada vez
se le da más importancia al espacio pictórico.
El cubismo va a reinventar el espacio para darle más importancia al espacio
pictórico que al real.
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La colección de objetos africanos e iberos de Picasso.
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Tanto Braque como Picasso crearon el Cubismo analítico, ambos trabajaban
juntos y no firmaban sus obras, convertían los objetos en formas geométricas como
Cézanne, pero ambos lo deconstruyen de manera que será el espectador el que tiene
que volver a construirlo en su mente. Utilizan una paleta de colores militares y el negro
para marcar unas líneas de fuerza muy visibles. No buscan el volumen, quieren un plano
bidimensional y una pincelada impersonal horizontal que aplane aún más las figuras. El
cubismo analítico llegó a un punto en el que nada era reconocible, incluyeron letras para
dar algo de realidad y aplanar aún más las obras. Pero llegó a un punto en que también
colapsó.
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aquí otra muestra de construcción de una
figura a partir de formas geométricas con una
armadura de líneas horizontales.
Las figuras del cubismo sintético son mucho
más reconocibles que las del cubismo
analítico.
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El cubismo de Braque y Picasso había
colapsado, pero Braque comienza a
pegar papeles haciendo papiercole
como Matisse en su vejez.
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LA MÚSICA EN EL CINE
1. Funciones y recursos
433
2. Historia de la música.
2.1. Cine silente
Con un inicio primitivo en el quinetoscopio de
Edison, los hermanos Lumiere fueron los que
inventaron el cinematógrafo y lo presentaron
en París en 1895.
El cine mudo era acompañado por un piano
que solía tocar una melodía
independientemente de lo que se presentaba
en la pantalla, solía ser un tema clásico o
música improvisada, en ocasiones había una
pequeña orquesta, solía amortiguar el ruido
del proyector.
Llegó a darse el caso de incluir la letra de la música tocada en la escena, para que
la gente la cantase, era ya una época en la que se componían temas originales para la
película. Con la música se identificaba al héroe, al villano, o se indicaba cuando aplaudir
o el grado de peligro.
La primera partitura creada específicamente para una película fue para el
Asesinato del duque de Guisa.
2.2. Cine sonoro.
Comenzaron a proliferar grandes estudios, el cine experimenta un enorme
desarrollo, con películas más largas y gente más especializada.
El cine sonoro fue concebido para difundir cada película con su música. Nace con
el estreno de la película El cantor de jazz en 1927. El cine ya tenía la técnica necesaria
para poder incluir música en la cinta. Fue muy criticada, era música diegética, se sabía
de donde salía el sonido. Al principio se introdujeron los ruidos, un disparo, un martillo…,
luego esta canción que fue una revolución. Poco a poco comenzó la música incidental, al
comienzo y al final de las películas, con los títulos de crédito. La gente no llegaba a
434
comprender de donde salía la música. Charles Chaplin criticó duramente esta nueva
tendencia.
Apareció el cowboy cantante, hasta John Wayne aparece montado en su caballo
y con su enorme sombrero, cabalgando plácidamente por la pradera y tocando una
guitarrita a la vez que cantaba una melodía. Toda su vida se arrepentiría de estas
escenas.
Todo cambió con La Diligencia de John Ford, la música aparecía durante toda la
película, incluso con los diálogos. Era una verdadera banda sonora, la primera de la
historia. No obstante, eran canciones conocidas, no era original.
Entre los años 40-60 se vivió en Hollywood la época dorada, las bandas sonoras
son compuestas para la película, son originales y duran todo el metraje. Lo que el viento
se llevó es la película más famosa de esta época. El campo de la música en el cine lo
dominan los compositores europeos y el cine es una industria llevada por judíos
europeos.
Max Steiner, Dimitri Tiomkin y Alfred Newman son los grades compositores de la
época, marcan tendencia, introducen la música clásica romántica en las bandas sonoras.
Max Steiner es el padre del leitmotiv y del Mickey Mousing.
Copland, un americano, compondrá la música típica de los Western, música del
paisaje americano. Se denominó a este tipo de música “La Americana”. En los años 50
Tiomkin desarrolla para el western la “banda sonora monotemática”. Una sola canción
para toda la película, pero interpretada de diferentes formas, con diferentes
instrumentos. Cada personaje o situación se podía relacionar con una forma de tocarla.
servía de promoción para la película.
En los 50 se impone el Jazz, es el estilo americano por excelencia, dejó de ser una
música depravada y de los bajos fondos para convertirse en un símbolo nacional.
Leonard Berstein es de los primeros en introducirlo en el cine, llegara a ocupar toda la
banda sonora.
A finales de los 50 llegan las grandes producciones en formato ancho,
Cinemascope. Con la caza de brujas muchos directores, guionistas y compositores
quedan vetados. Se cierran cines, se controlan las producciones y aparece la televisión.
Los cambios se suceden y se multiplican.
El cine se protegió de esta crisis haciendo pocas pero grandiosas películas. En
pantallas curvas enormes, con sonido estereofónico. En este formato era difícil una
escena íntima, por ello la música era imprescindible para crear un ambiente intimista.
Había grandes orquestas.
En los 60 aparecen las nuevas tendencias del cine europeo, se tiende a la
naturalidad, a los actores semiprofesionales o amateur, es un cine de autor con música
de autor.
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En los 80-90 se recupera el sinfonismo, John Williams es uno de sus máximos
exponentes y en este momento aparece la animación en el cine.
A partir de los 2000, con el cine independiente, hay de todo, sin música, con
música underground, cine mudo, sinfonismo, música experimental…
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