Artes Visuales III

PROFESORA: SILVANA SECCHI

TERCER AÑO

ALUMNO/A:……………………………………………………………………………………………………..

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 CRITERIOS DE EVALUACIÓN

● CUMPLIR EN TIEMPO Y FORMA CON LOS MATERIALES DE TRABAJO (CUADERNILLO, CARPETA, LÁPIZ, GOMA, REGLA, TIJERA, Y LO
SOLICITADO PUNTUALMENTE PARA CADA CLASE).
● COMPORTAMIENTO EN CLASE.
● PUNTUALIDAD EN LA ENTREGA DE TRABAJOS PRÁCTICOS.
● RESPETO POR LA MATERIA, EL DOCENTE Y SUS PARES.
● ORGANIZACIÓN Y CUIDADO EN EL USO DE LOS MATERIALES Y EL ESPACIO.
● PROLIJIDAD, ESMERO Y CREATIVIDAD.
● CORRECTA APLICACIÓN DE LAS TÉCNICAS Y USO DE HERRAMIENTAS.
● ESTUDIO Y PARTICIPACIÓN.
● CUADERNO DE COMUNICACIONES TODOS LOS DÍAS.
● PRESENTACIÓN DE LA CARPETA CON TRABAJOS COMPLETOS.

Firma del padre, madre o tutor. Firma del alumno. Firma del docente.

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 MATERIALES PARA PRODUCIR EN PLÁSTICA :

Para la producción plástica necesitamos varios materiales entre ellos las herramientas, los soportes y los medios, haré una breve explicación
de ellos para no confundir unos por otros. Entre los materiales podemos diferencias los propios de la bidimensión (pintura, dibujo, grabado,
collage, fotografía, mural, entre otros) y los propios de la tridimensión (modelado y escultura , entre otros).

HERRAMIENTAS: es el objeto que me permite aplicar el medio o modificarlo. Ejemplos dentro de la bidimensión: pinceles, espátulas, rodillos...
para modelar: estecas, lamas, tanza... La escultura adulta utiliza herramientas como soldador, buril... no podrán usarse con niños, se cambiaran
por herramientas mas adecuadas como por ejemplo cuchillos de plástico.

UN SELLO NO ES UNA HERRAMIENTA . Es un error muy común confundirlo, el sello es una matriz de grabado, siempre deja la misma marca, en
cambio una herramienta es versátil, nos permite encontrar diferentes y personales modos de uso.

MEDIOS : los medios son los encargados de dejar huellas, de registrar: formas , líneas, texturas, colores en los soportes. Para la bidimensión
los medios mas tradicionales son : las acuarelas, las temperas, los pinceles, los pasteles al oleo, pero estos además de comprarse pueden
producirse en forma casera. Utilizando material comestible o tintes de verduras entre otros. Si lo necesitan hay recetas en el blog marinearte
que venimos usando. Para modelar el medio es la masa o el barro y para esculpir en el nivel inicial puede usarse un bloque de telgopor o de
yeso, entre otros.

SOPORTES: es la base donde dejar huellas con el medio utilizando la herramienta, por ejemplo hojas o cartones para pintar, o la base donde
apoyar la escultura o el modelado.

Elementos del lenguaje : Constituyen , al igual que en cualquier lenguaje, la estructura que nos permite expresar, representar, transmitir ideas y
sensaciones tanto en el plano como en el espacio. Podemos considerarlos como el “ALFABETO DEL LENGUAJE GRÁFICO-PLÁSTICO”. Los
elementos básicos son: punto, línea, plano o superficie, textura, luz y color. Cada elemento plástico determina final de la composición. En el
diseño curricular actual 2018 , encontraran un Bloque destinado a la enseñanza de estos elementos.

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 Los instrumentos de la pintura
Los pinceles
Los pinceles y las brochas han sido y son los instrumentos fundamentales para la aplicación de cualquier tipo de pintura sobre los variados
soportes pictóricos que hemos descrito en este blog. Obviamente existen varias excepciones, como aplicar la pintura con los dedos, con
esponjas, con trapos, con espátulas, etc.

Pero, desde siempre, brochas y pinceles siguen siendo el instrumento por excelencia. De hecho, aquí trataremos de pinceles y también de las
espátulas.

Actualmente se comercializa una amplia gama de herramientas, distinta en tamaño, calidad y forma.

● El tamaño está estandarizado, desde muy grandes a muy pequeños; normalmente tienen números que los determinan y cada pintor,
tras su búsqueda personal y según los médium que usa, le coge cariño a unos u otros: personalmente, por el trabajo que hago, tengo
una colección de brochas planas del 10 y del 11 aunque, para imprimar, utilizo números más grandes;
● La calidad viene definida por el tipo de mechón, es decir, por el tipo de pelo que lleva el pincel o la brocha. Cada mechón tiene su
propia personalidad y se usa para lograr ciertos efectos según las distintas técnicas. En general, se venden los de pelo de cerda, de
camello o ardilla (considerados duros), los de marta (considerados más suaves), los sintéticos (para niños y escolares que tienen un
primer acercamiento a la pintura). También existen pinceles de pelo de buey.
● La estructura de la brocha o del pincel es siempre la misma, es decir, se reduce a una varilla de madera, de plástico o metálica (pero
muy pocas veces he visto pinceles con varilla de metal), a la que se sujeta el mechón de pelo con una abrazadera normalmente
inoxidable.

Dependiendo de la forma del mechón, los pinceles pueden ser:

● redondos (entre los cuales encontramos el pincel abombado, o los de punta redonda, etc.)
● planos (las paletas o brochas, el pincel plano, el angular, etc.)
● de lengua de gato
● pincel de abanico (útil para las transiciones cromáticas)

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Sin embargo, existen también otras variantes orientales, ya que los pinceles han formado y forman parte no sólo de la cultura artística asiática
sino también de su escritura.

Para la acuarela los más aconsejados son los de marta roja y de ardilla (llamados también petit gris).

Para el óleo son aconsejables los de pelo de cerda. Pero, más importante es la comodidad del pintor, pues será él que tras probar los distintos
efectos en su búsqueda artística personal, elegirá los instrumentos que más se ajustan a su discurso pictórico.

Las espátulas
La espátula se emplea para mezclar pigmentos o aglutinar, pero también se emplea para pintar directamente sobre el lienzo o sobre la
madera, como sustituto o ayuda del pincel. Se usa en particular en los grandes planos, sin embargo es un instrumento realmente versátil y se
puede usar en cualquier circunstancia. Goya, por ejemplo, figura entre los pintores que más utilizaron la espátula. Existen distintas
dimensiones y pueden ser duras o blandas: se usan mucho con la pintura encáustica.

Pinceles especiales

Hoy vamos a ver varios tipos de pincel que no suelen ser tan habituales en los estudios de pintura, por tener un uso específico, perfectamente
definido. Son pinceles que ayudan a realizar tareas muy concretas, que bien se pueden realizar con otros pinceles de utilidad más amplia, con
un poco de experiencia, destreza y arte.Del primero que vamos a hablar es del pincel rastrillo, un pincel plano que se comercializa con punta
cuadrada y de lengua de gato, con los pelos agrupados en diferentes mechas o incluso con los pelos cortados directamente en forma de
rastrillo. Tiene el uso exclusivo de crear una textura lineal útil para simular cabellos, veteados, plumajes, etc. Para que este pincel aporte
buenos resultados la pintura debe estar muy diluida.El pincel de pata de venado es un pincel redondo que presenta su pelo cortado en ángulo
y, en ocasiones, con la elipse de la sección resultante biselada, para suavizar los resultados pictóricos. A efectos prácticos es comparable al
pincel de tamponado, aunque al que nos ocupa se le suele aplicar movimiento circular además del estarcido. Sirve para crear texturas
aterciopeladas, fondos difuminados, pelos de animalitos tiernos (como conejitos, ardillas…), frondosidades boscosas, etc. Al igual que el pincel
de estarcido, es necesario que esté con muy poca carga de pintura y algo seca.

El pincel angular es un pincel plano con el pelo cortado en ángulo. Como podéis imaginar sirve para afrontar la pintura en áreas angulosas,
pero también sirve para pintar pétalos si solamente cargamos de pintura la punta del pincel y hacemos un barrido radial usando como centro la
parte seca del pincel en nuestro trazo. Personalmente me parece un truco curioso para probarlo una vez, pero basta.

El pincel de mopa es similar a las brochas de maquillaje y su uso es casi el mismo. Sirve para difuminar y para aclarar zonas.

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 El pincel de daga se llama así por su similitud con un cuchillo. La forma de su pelo sirve para trazar largas líneas con mucha precisión,
pudiendo cambiar el grosor de éstas sumando o restando presión al pincel.

Pincel plano

Un saludo a todos. Hoy queremos destacar el pincel por excelencia dentro de la pintura y, más aún si cabe, de la pintura al óleo. Nos referimos
al pincel plano. Existen muchas variedades de pinceles planos con respecto a la forma de sus pelos, con nombres específicos, que
abordaremos uno por uno en sucesivos posts, pero aquí nos referiremos al pincel plano de punta cuadrada.

Se comercializan con el pelo colocado en paralelo, que suelen ir abriéndose con el uso, aunque también los hay con una ligera curvatura hacia
dentro, casi imperceptible, para prevenir el problema de la separación del pelo. A este segundo tipo se les denomina “interlocked” y se les
suele confundir con otro tipo de pincel, el llamado de lengua de gato. Independientemente del tamaño del pincel (su numeración), podemos
distinguir tres variedades con respecto a la longitud de su pelo:

El pincel plano de pelo corto es el clásico, usado para dar pinceladas breves. Permite la carga de pintura espesa, pastosa dejando una textura
inconfundible, típica de los impresionistas y puntillistas. Es muy útil para matizar tonos e incluso difuminar el color.

El pincel plano de pelo de media longitud se suele usar con dos finalidades específicas; por un lado sirve para aplicar los colores de base que
dan la entonación general, previos a la definición de áreas más concretas. Por otro lado sirve para la construcción de zonas luminosas, que
realcen la volumetría figurativa, sin necesidad de llegar al detalle. Este pincel es uno de los más versátiles, por lo que con frecuencia se le da
un uso mucho más amplio exprimiendo todas sus posibilidades, como hacer grandes trazos, barridos de color, matizar tonos de pintura
cargando el pincel con más disolvente, etc.

El pincel plano de pelo largo es más preciso, usado para el detalle. Es perfecto para tirar líneas rectas o curvas. Se puede jugar más
fácilmente (si se tiene buen pulso) con la presión que se aplica al pincel para combar su largo pelo y poder así dirigirlo exactamente hacia
donde nos hemos propuesto. Por este motivo es usado con frecuencia en la rotulación, tanto dentro como fuera de un cuadro.

Pinceles de punta fina

Un saludo a todos. Existe una amplia gama de pinceles, tanto planos como redondos, que terminan sus pelos en una punta muy fina. Los más
conocidos son los redondos y, dentro de ellos, los más usados habitualmente son los de pequeño tamaño.

En realidad, este tipo de pinceles están concebidos para ser utilizados con técnicas muy líquidas, como la acuarela, la tinta china, el gouache,
etc. Es por eso que terminan con una punta tan fina: para poder dirigir a nuestro antojo las delgadas líneas de agua y ampliar su grosor en

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 gran medida, dependiendo de la presión ejercida sobre el pincel. Esto no significa que no se puedan usar con otras técnicas más corpóreas
como el óleo o el acrílico, y de hecho se usan, aunque no sea lo ideal.

El pelo de los pinceles de punta afilada es por lo general muy suave y flexible. Se suelen fabricar con pelo de marta, ardilla o pelo sintético. El
nivel de absorción de líquidos que poseen estos pinceles es altísimo, por lo que permiten colorear grandes áreas de papel haciendo trazos en
zig-zag. Con esta finalidad se fabrican los pinceles planos, que consiguen de un solo trazo cubrir grandes planos, perfectos para estructurar
los fondos de nuestro motivo pictórico.

Dentro de la cultura oriental se han fabricado pinceles específicos para tinta china que reúnen todos los principios generales de los pinceles de
punta afilada, pero que además están especialmente diseñados para el paisajismo, para la caligrafía o para la figuración, llegando incluso a
incorporar un tanque para la tinta en algunos casos.

Para todos los interesados en el dibujo con técnicas al agua, resulta imprescindible un set de éstos pinceles y dentro del mundo el modelismo
también son muy apreciados.

Pincel de Lengua de Gato

Hoy vamos a hablar sobre un tipo de pincel imprescindible en cualquier estudio de pintura. Nos referimos al pincel de lengua de gato, también
conocido como “filbert” en los países de habla no hispana. Este tipo de pincel aúna las mejores cualidades del pincel plano y del redondo en
uno sólo. Por su virola mordida se puede considerar un pincel plano, aunque el extremo de su pelo está redondeado, ofreciendo una superficie
ovalada debido a su morfología plana. De ahí su nombre de “lengua de gato”.

El pincel filbert o lengua de gato tiene la propiedad de asumir gran cantidad de pintura, pero al mismo tiempo es lo suficientemente delicado
como para matizar y no dejar rebabas matéricas en los bordes del trazo. Estas dos cualidades hacen de este tipo de pincel la herramienta
perfecta tanto para cubrir grandes áreas en una primera mancha algo más disuelta, como para realizar trazos más concretos, al detalle, con
una pintura más empastada que podremos dirigir, sin problemas, gracias a la curvatura de su pelo en el extremo.

Otra posibilidad de uso que ofrece este pincel es el del trazado de líneas, utilizando el canto de su lengua para definir con mayor o menor
presión los grosores de la línea, y girando el pincel en la dirección de la curvatura de la línea a trazar cuando fuese necesario.

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 Pinceles redondos

Muy buenas a todos. De un tiempo a esta parte venimos hablando de los diferentes tipos de pinceles y el que veremos hoy es uno de los más
básicos, el pincel redondo.

Genéricamente, se denominan pinceles redondos a todos aquellos que no tienen mordedura en la virola aunque, para poder diferenciar unos
de otros, convendremos que además de tener la virola redonda, deben tener también los pelos redondeados en su extremo. Este tipo de
pincel es el que mayor cantidad de pintura es capaz de cargar, por lo que es de gran utilidad a la hora de abarcar largas distancias de un sólo
trazo sin perder intensidad.

Al ser su punta redonda, tiene la capacidad de contornear los límites de un área cromática, independientemente de la irregularidad de dicho
contorno y, al mismo tiempo podemos jugar con el grosor del trazo mediante la presión que ejercemos sobre el pincel con mucha facilidad.
También permite la doble carga cromática y su aplicación al bastidor a través del giro del pincel a medida que realizando el trazo.

Los pinceles redondos más pequeños son de utilidad para los mínimos detalles y para puntear superficies. Pueden servir también para
arrastrar la pintura aún fresca, creando surcos y recuperando dicha pintura, lo que crea una textura muy característica.

No todo son virtudes en el pincel redondo. Su talón de Aquiles se encuentra en la longitud de sus pelos. Una longitud excesiva provoca que los
pelos se abran en abanico mientras se está trabajando y no permite un buen control del trazo, dando unas calidades muy toscas. Por el
contrario, los pinceles redondos con el pelo demasiado corto suelen ser más rígidos de lo deseable y pueden llegar a arañar, en vez de pintar
si no se tiene control sobre ellos, además de ser complicados de limpiar perfectamente, por lo que su vida útil se acorta.

Partes del pincel y tipos de pelo

Hoy vamos a conocer un poco mejor las partes de uno de los utensilios fundamentales para el pintor, el pincel, que se compone de mango,
virola y pelo.

El mango es la parte por donde se agarra el pincel y suele ser de madera, aunque también los hay de plástico y metal. En el mango aparece
escrito un número que define el tamaño del pincel, pero de momento no existe una normativa universal y cada fabricante usa su propia escala.
Los mangos cortos son para dibujo y diseño, y los mangos largos son para pintura.

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La virola es la pieza metálica que mantiene unidos mango y pelo. Se trata un tubo de metal de diferentes calidades y acabados que determina
la nomenclatura del pincel. Si la virola tiene una mordedura que aplana el tubo por el extremo por donde sale el pelo, el pincel se denomina
plano. Por el contrario si el tubo permanece con su perfil circular, el pincel se denomina redondo.

El pelo es la parte con más relevancia del pincel, el que le imprime el carácter y le otorga sus propiedades. Suele ser pelo natural de animal,
aunque en la actualidad la industria ha conseguido un tipo de pelo sintético o filamentos de poliamida, nylon, perlón y taklón bastante
aceptables, sobre todo para las técnicas al agua.

El pelo de turón es el preferido por la mayoría para pintar con óleo y acrílicos por su elasticidad y resistencia al desgaste. Personalmente
prefiero el de menor calidad, el pelo de la columna vertebral de cerda, mucho más áspero pero igualmente elástico.

El pelo de las colas de marta kolinsky, de Siberia y Mongolia, el de marta roja y el de ardilla o petit gris, son los tres de mejor calidad por este
orden para la acuarela, con una gran capacidad de absorción, buena elasticidad y larga duración. Un sucedáneo de menor calidad para
técnicas al agua es el pelo de oreja de buey, aunque en realidad se utilizan para todo tipo de pintura. Una variante del pelo de buey es el
sabeline, que imita el pelo de marta roja a partir del mejor pelo vacuno.

Variedades hay para volverse loco: pelo de cabra, de comadreja, de pony… Lo importante es investigar y conseguir el tipo de pincel que mejor
se ajuste a nuestras necesidades. Os deseo muy buena pintura a todos y mucho ánimo en vuestra búsqueda.

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 Materiales utilizados en el arte

Los materiales son las herramientas con las que podemos dibujar, pintar o esculpir; estudiar los materiales utilizados a lo largo de
la historia del arte es importante tanto para el artista como el espectador, pues entre muchas cosas, nos permiten conocer las
técnicas y procedimientos artísticos empleados, así como la cultura de la época.

Elegir el material a utilizar para la creación de una obra de arte, es una decisión trascendental; puede obedecer a la decisión
propia del artista sobre lo que desea transmitir, o bien a la exigencia del cliente.

Como hemos visto desde la aparición del hombre, ya sentía la necesidad de expresarse y comunicarse a través de gráficos un
tanto artísticos, como lo son los dibujos prehistóricos encontrados en cuevas y abrigos montañosos.

Cada civilización y cultura hizo uso de materiales y técnicas artísticas, dependiendo del clima del lugar y finalidad a las que eran
destinadas las obras de arte.

Los principales materiales utilizados en la prehistoria eran el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro rojo y manganeso negro,
y también, en algunas ocasiones empleaban sangre y caseína, cada uno de ellos mezclados con grasa animal que cumplía la
función de aglutinante.

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En las tribus indígenas, el hombre artista aplicaba un poco de pintura en sus cerbatanas o fibras vegetales que le permitían fijar en
la pared el pigmento elaborado mezclados con grasas animales.

Otras civilizaciones fabricaban el blanco de plomo, algunas otras, obtenían el color conocido como “sangre de dragón”, elaborado
con un producto vegetal rojizo, que obtenían del fruto de un árbol asiático.

Estos materiales artísticos siguieron siendo utilizados por civilizaciones siguientes, mismas que con el paso del tiempo fueron
perfeccionándose gracias a los avances introducidos en la época industrial del siglo XIX.

En cuanto a los instrumentos o útiles utilizados en el arte de la pintura principalmente son: la paleta, el pincel y la espátula. Sin
embargo, existe un número considerable de herramientas que nos pueden ser útiles, sobre todo si se pretende crear un apropiado
soporte pictórico.

En la época prehispánica utilizaban las tazas o las conchas, donde ponían sus colores ya mezclados, misma que fue sustituida por
una pequeña paleta de madera con fondo parduzco, la cual contenía en un extremo un agujero para introducir el dedo pulgar que
ayudaba a sostenerla con firmeza.

Después, al introducir preparaciones en color blanco, la paleta tuvo que sustituirse por otra de tonos más claros y luminosos.

La paleta sirve para ordenar los colores a lo largo de sus bordes, facilitando así las mezclas cromáticas en los cuadrantes internos
correspondientes

Actualmente suele ser reemplazada por planchas de metal o de cristal, bandejas de plástico e incluso cuencos apoyados sobre
una mesa.

La espátula, una herramienta de mano que sirve para aplicar y extender todo tipo de sustancias cremosas; mezclar colores,
empastarlos, aplicarlos y extender capas de fondo y pintura, lo que permite conseguir formas abiertas de gran expresividad.

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Las hay de diferentes formas y materiales, principalmente de acero; sin embargo, existen colores que no pueden tener contacto
con el metal, por la reacción química que provoca, por lo que también podemos encontrar espátulas fabricadas de cuerno, marfil,
hueso o caucho duro.

El pincel, es una herramienta que, en un extremo con un mango y en el otro con cerdas, alambres o cabellos; empleado
principalmente para pintar.

En el mercado existe gran variedad de pinceles, la elección del mismo, depende del efecto que se desee conseguir.

El pincel redondo es ideal para perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones; el pincel de pelo corto es útil
para capas gruesas y firmes, mientras que los de pelo largo sirven para extender el color.

Así mismo, los pintores llegan hacer uso de tubos de pintura, trozos de tela e incluso de sus propias manos, para conseguir mayor
impacto y calidad táctil.

En el caso del artista dibujante, sus instrumentos son principalmente la pluma y el lápiz.

En la antigua Mesopotamia se empleaba el estilete o punzón estilizado, el cual es similar a un bolígrafo moderno, el estilete tenía
una punta de plata, el cual era empleado sobre soportes de papel preparado con blanco de China; sin embargo, en el siglo XVII
fue sustituido por el estilete de punta de plomo, el cual a diferencia del anterior, se puede borrar y el soporte no necesita
preparación.

En la actualidad también se emplean los rotuladores y los bolígrafos.

En el caso de la pluma, ha tenido una enorme evolución a lo largo de la historia del arte, pues en la antigüedad, usaban las cañas,
plumillas de aves como la oca, pavo, cuervo y cisne principalmente, hasta llegar a las plumillas actuales de metal.

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Algunos otros elementos y técnicas dentro del dibujo el caballete, la regla, el difumino, el tiento; así como la sanguina, el
carboncillo, los pasteles y las ceras.

En la antigüedad para imprimir, el hombre primitivo mojaba sus manos en tinta para aplicarlas a una superficie; sin embargo
gracias a la evolución tecnológica podemos encontrar maquinarias para el proceso de impresión o estampación, tales como la
prensa vertical, el tórculo, la prensa litográfica, el método offset, y el bastidor con la rasqueta flexible.

Respecto a los métodos y máquinas utilizadas para la manipulación de superficies, como lo es el buril, gubia, escoplo, cuchilla,
rascador, bruñidor, ruleta, graneador, raspador, por mencionar algunos.

Se puede hacer una buena obra de arte con cualquier con cualquier material, pero no hay duda de que la apreciación de la obra
está condicionada en parte por él.

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 Conservación y restauración de obras de arte

Al igual que cualquier otro objeto, una obra de arte puede sufrir deterioro con el paso del tiempo, principalmente por el perjuicio de la luz del
sol, la humedad y la mala conservación con productos inadecuados.
Las actividades de conservación corresponden a: examinación, documentación, tratamiento, prevención y cuidado, soporte a la investigación
de las obras de arte.
Para ello es necesario realizar algunas medidas y acciones que tengan como objetivo evitar o minimizar futuros deterioros o pérdidas en el
patrimonio cultural.
A lo anterior se le conoce como conservación preventiva, la cual consiste en una limpieza sistemática del bien cultural teniendo en cuenta el
tipo de soporte, la edad, lugar donde se encuentra.
Sin embargo, si la obra de arte ya comienza a presentar pequeños daños encontrándose en un estado de fragilidad notable, se le puede
aplicar conservación curativa, la cual se le aplica directamente a la obra con la finalidad de detener el daño presente y reforzar su estructura.
La conservación implica la gestión técnica e investigación del patrimonio cultural que permitan conservar la con una mínima intervención,
empleando métodos y materiales apropiados para reducir los posibles problemas futuros.

Pero si ya la obra ha perdido una parte de su significado o función a través de una alteración o un deterioro pasados, es necesario realizarle
un proceso de restauración; tratando de respetar el material original.

El proceso de restauración consiste en detener el deterioro de objetos de valor histórico o artístico para devolverles su eficiencia y estado
original, para lo cual se examina la obra con la finalidad de identificar la causa de su deterioro.

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Técnicas y Proceso de restauración de obras de arte:
● Evaluación global de la obra
● Determinación del contexto y la época en la que se creó la obra
● Estudio de técnicas y materiales utilizados en la época
● Aplicación de luz ultravioleta para obtener datos sobre la superficie de la obra
● La reflectografía infrarroja accede a niveles profundos de la capa pictórica;
● La radiografía informa sobre aspectos estructurales y constructivos;
● Identificación de los componentes de la obra: los pigmentos, colores, aditivos, barnices, etc.,
● Investigación de las propiedades y los comportamientos químicos de los componentes.
● Estudio estratigráfico profundiza en el conocimiento de la materia pictórica
● Se estudian los tejidos empleados como lienzo, las maderas de los soportes y los materiales escultóricos
● Determinación de los tratamientos más adecuados.

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 COLOR
TEMPERATURA DEL COLOR
Colores cálidos y fríos
Los colores cálidos son la gama de colores comprendida entre el amarillo y el rojo-violeta (rojos, amarillos y anaranjados), los asociamos a la
luz solar, al fuego... De ahí su calificación de "calientes". Los tonos cálidos, parecen avanzar y extenderse. También se les conoce como
colores activos.
Los colores fríos son la gama de colores que va del amarillo-verdoso al violeta pasando por el azul. Son aquellos colores que asociamos con
el agua, al hielo, la luz de la luna... Siendo el máximo representante el color azul y los que con el participan. Los tonos fríos, parecen
retroceder y contraerse, tales cualidades son particularmente notable cuando, además existe contraste de temperatura. También se les conoce
como colores pasivos.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado "temperatura del color".

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 LAS CUALIDADES DEL COLOR
Así llamamos a los elementos que configuran el color, ellos son:
Tinte o matiz: es la denominación que le damos a cada color. Así, hablamos de tinte azul, tinte rojo, tinte amarillo, etc...
Saturación o intensidad: es el grado de pureza del color. Así, decimos que un rojo puro es un “rojo saturado”. En cambio, si el rojo lo
mezclamos con su complementario (verde) pierde su pureza original, queda “desaturado”. Lo mismo ocurre cuando mezclamos con blanco o
negro.
Valor: es el grado de luminosidad u oscuridad que cada color posee. Un color muy luminoso (ejemplo el amarillo) posee un valor alto. Por el
contrario, un color poco luminoso u oscuro (azul o violeta azulado) posee valor bajo.
Para el estudio del valor se utilizan esquemas geométricos que se llaman escalas de valor y se componen de celdas de igual tamaño y forma,
dispuestas sucesivamente (como si fuera una escalera). En las cuales se va haciendo una degradacion del color, de los más claros a los más
oscuros.
Dentro de las escalas de valor, podemos encontrar tres clases diferentes:
● Son escalas cromáticas las que se refieren a las mezclas de colores.
● Son monocromáticas cuando resultan de añadir a un color puro diferentes cantidades de blanco y negro.
● Las escalas acromáticas son las escalas de grises.

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 RITMO VISUAL
CONCEPTO O IDEA:
Ritmo visual es una secuencia (repetición ordenada) de figuras o formas. Dicha secuencia puede seguir distinto orden o regla, y es así que se
diferencia cada ritmo.
En este caso, veremos tres tipos de ritmo, el continuo o uniforme, creciente-decreciente y alterno, pero debemos saber que existen más.
EJEMPLOS:
-Ritmo Continuo / Ritmo Uniforme:
Es aquel ritmo en que las figuras se repiten de manera idéntica.

-Ritmo Creciente – Decreciente:

Es aquel ritmo que la figura de secuencia mantiene su forma pero se modifica progresivamente su tamaño, ya sea agrandándose o
achicándose.

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-Ritmo Alterno
Es aquel ritmo que alterna si figura de una repetición a otra, es decir que comienza con una figura «A» y luego hay algún tipo de moficicación
que podríamos llamar «B», y continúa como A, B, A, B y así sucesivamente. Aclaremos que dicha modificación para tener la figura «B» puede
ser de muchas maneras, como podría ser de tamaño (sin llegar a ser ritmo creciente-decreciente), color, forma, dirección de figura, etcétera.

VARIOS RITMOS EN UNA COMPOSICIÓN:

Los ejemplos anteriores son básicos y simplificados para identificar claramente cada ritmo en particular, pero podemos encontrar en una
misma imagen o composición varios ritmos en simultáneo. Como podría ser una figura que se repite su forma de manera continua pero cada
figura alterna su color, y así tener en una misma composición ritmo continuo de formas y ritmo alterno de color, entre otros ejemplos posibles.

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 HISTORIA DEL ARTE

EL IMPRESIONISMO
Cuando hablamos del impresionismo nos estamos refiriendo al primero de los movimientos de vanguardia que surgen a mediados del siglo xix
y que supone una reacción a la pintura tradicional.
Una de las primeras características del impresionismo es que los pintores se liberan de sus ataduras con los encargos que recibían,
normalmente de nobles o miembros de la iglesia católica y comienzan a realizarlos cuadros que realmente quieren hacer. Pensemos que
hasta ese momento serán muy pocos los pintores que se habían liberado del "encargo" para poder realizar aquellas obras que deseaban,
pensemos en Velázquez y los paisajes de la villa Medici o bien en goya cuando realiza en las paredes de su casa las pinturas negras. El pintor
pasa a ser una persona que depende de si mismo para sobrevivir y no de aquello que le piden que haga para otras personas o instituciones.
Una de las obsesiones de los pintores impresionistas en este momento será la representación del paisaje, pero no solo la vista de un espacio
natural sino también urbano o arquitectónico y como la luz influye en ese paisaje a diferentes horas del día. No es extraño encontrar las
mismas representaciones de un edificio, como hizo Monet con la catedral de ruan, a diferentes horas del día de manera que se pueden
observar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones, así que no era extraño encontrar un pintor que se acercaba a una zona
concreta a representar el mismo paisaje a la misma hora del día para poder captar la misma luz que ilumina esa zona.
Otro tema relativo al impresionismo es la forma de pintar, de ahí su nombre porque son impresiones, si nos acercamos al cuadro nos daremos
cuenta de que prácticamente son manchas lo que compone el cuadro, pero si nos alejamos unos pasos podremos observar como esas
manchas van adquiriendo forma para convertirse en aquello que el pintor desea transmitir. Pinceles poco gruesos y pequeños toques sobre el
lienzo serán los que componen la obra. Partes aparentemente inconexas dan lugar a un todo que es unitario, pequeñas pinceladas que
ayudan a percibir un todo que si tiene una estructura concreta.

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 Los impresionistas y la fotografía
Exposición temporal
Del 15 de octubre de 2019 al 26 de enero de 2020
Desde los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, tras el descubrimiento en años posteriores de las técnicas de
impresión fotográfica en papel, la relación de la fotografía y la pintura fue muy estrecha. El ojo artificial de la cámara de fotógrafos como Le
Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimuló en Manet, Degas y en los jóvenes impresionistas el desarrollo de un nuevo
modo de mirar el mundo. La fotografía le valió al impresionismo no solo como fuente iconográfica sino también como inspiración técnica, tanto
en la observación científica de la luz o en la representación de un espacio asimétrico y truncado como en la exploración de la espontaneidad y
la ambigüedad visual. Asimismo, por influencia de la nueva factura impresionista, algunos fotógrafos comenzaron a preocuparse por la
materialidad de sus imágenes y a buscar fórmulas para hacer sus fotografías menos precisas y con un efecto más pictórico.
El papel primordial que ha adquirido hoy la fotografía en el panorama del arte contemporáneo ha hecho resurgir el interés de la historiografía
artística por el impacto que su invención provocó en las artes plásticas. La exposición Los impresionistas y la fotografía se suma a esta línea
historiográfica, planteando una reflexión crítica sobre las afinidades e influencias mutuas entre fotografía y pintura, sin olvidar la fructífera
polémica entre críticos y artistas que su aparición desencadenó en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX.
La muestra, comisariada por Paloma Alarcó, se articula en nueve capítulos temáticos - El bosque, Figuras en el paisaje, El agua, En el
campo, Los monumentos, La ciudad, El retrato, El cuerpo y El archivo - en los que confluyeron los intereses de pintores y fotógrafos.

Cindy Sherman. Toma de película sin título #84. 1978

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 Cindy Sherman crea fotografías de sí misma vestida como personajes diferentes. Ella está delante y detrás de la cámara, actuando como
modelo, maquilladora, estilista y fotógrafa. La artista dijo: “Ojalá pudiera tratar todos los días como Halloween y vestirme y salir al mundo como
un personaje excéntrico.”
¡Prueba esto!
Piensa en un personaje de una historia, película, programa de televisión ... o una persona que conoces. Luego mira alrededor de su casa y ve
qué tipo de ropa y accesorios te transformarán en esa persona. También podrías inventar un personaje basado en lo que encuentres. Después
de vestirte, prueba diferentes poses frente a un espejo. A continuación, elige un entorno o ubicación donde imagines a tu personaje en acción,
incluso podrías crear tu propio fondo. Cuando estés listo, toma una fotografía de ti mismo o pídale ayuda a un miembro de tu familia. Captura
algunas poses y expresiones. ¿Qué revelan sobre tu personaje?

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 Paul Cézanne
Paul Cézanne pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la
concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo xx, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió,Cézanne
fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso
sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y,
al final de su vida, por la nueva generación (los Nabis o la escuela de Pont-Aven ).
Detrás de las cortinas descorridas de una 'Maison de luxe', la Olimpia de Cèzanne se muestra a sus espectadores como una aparición de
entre el resto de las figuras. Mientras su sirvienta la descubre, ella se acurruca en una pose recogida e inusual, fijando la mirada en su
amante, que la espera estremecido.
El amante, un hombre burgués, definido apenas por unas pocas pero vigorosas pinceladas, la contempla sentado en el sofá: se trata sin duda
del artista que, una vez más, ha decidido encomendar a la pintura la tarea de hacer explícita su compleja relación con lo femenino.
Una moderna Olimpia es una obra presentada en la primera muestra impresionista de Cézanne.

“Los jugadores de naipe”

Este lienzo pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que
Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los
personajes están fuertemente anclados en su decorado. Todos los volúmenes
están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una
dignidad clásica. Son dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella
de vino en medio, en la que se refleja la luz distorsionando la visión perspectiva,
Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en
una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul,
amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad
formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo
sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha.
Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la
izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica.

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 Claude Monet
Nació en París el 23 de enero de 1832. Formaba parte de una familia alto burguesa. Su padre, Auguste, era jefe de personal del Ministerio de
Justicia y su madre, Eugénie-Désirée, era hija de un diplomático.
Claude Monet fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras,
hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el salón de parís. A partir del
final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias
de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también
participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-ruel, pero a pesar de esto
su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de en esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en
las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego
utilizó como motivo para sus pinturas.
Monet no tiene ninguna intención de ser preciso con los objetos lo que realmente le interesa es captar la impresión que ello ha provocado en
su retina. De ahí que la luz sea la gran protagonista del cuadro. Esa luz del amanecer tomada desde el momento en que sale el sol tras la
neblina de la mañana.
En impresión, sol naciente las barcas son representadas como simple manchas negras y los fondos industriales del puerto de Le Havre están
resueltos con nerviosos trazos grises. La búsqueda de Monet se concentra en otra realidad y para darnos cuenta de ello debemos alejarnos
del cuadro. Al hacerlo esas manchas, esas pinceladas sueltas irán tomando cuerpo y dando forma a un todo unitario que capta un instante, un
fugaz momento de la realidad: ese segundo en el que la luz del sol se refleja de esa precisa manera sobre el agua. Más que el detalle,
captamos el movimiento y la inexactitud de nuestra percepción en el tiempo.
Captación de la luz
Intentar captar la manera en que la luz incide sobre el paisaje se va a convertir en una obsesión para monet. Hasta el punto que le veremos
pintar un mismo cuadro una y otra vez, desde el mismo sitio, desde mismo ángulo… lo que cambia es el momento del día en que va a ser
pintado para así poder captar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones.

“Mujeres en el jardín”
Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores.
Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra.

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Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los
árboles. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales.
El cuadro se encuentra actualmente en Louvre de París ,Francia.
“Impresión sol naciente”
Impresión sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en le Havre, representando las neblinas del puerto al
amanecer mientras que el sol “lucha” por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica
domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y
empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por
su estética.
Esta es la obra que bautizó el movimiento pictórico con el nombre de “impresionismo”. La obra es más bien un esbozo, como un apunte, dado
el nivel de síntesis de su resolución, donde barcos y chimeneas resultan casi fantasmagóricas. Es la “impresión” exacta que tenemos cuando
casi ha desaparecido la luz y el sol parece una naranja roja.

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 EDUARD MANET
(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre
estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de
ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos,
que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.
Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y
literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus
obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Théophile Gautier.
En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la
hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática -muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma
contemporánea- como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del
entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

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Ttítulo : Bar de folies Bergere
Cronología: 1882
Técnica : óleo sobre lienzo
Género: vida cotidiana, urbana , un cabaret
La obra pintada y expuesta en el salón de Paris en 1882 fue el último gran cuadro del pintor un año antes de su muerte. El tema no es clásico
sino un cabaret en el que se mezclan diferentes clases sociales al igual que en las novelas de Zola como nana.
Desde el punto de vista técnico participa de rasgos impresionistas pero también se mantienen por la influencia en el pintor de la pintura
española o veneciana aspectos clásicos.

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 POSTIMPRESIONISTAS
Entre 1870 y 1880, el impresionismo era la corriente vanguardista dominante en Francia. Sin embargo, muchos nuevos artistas no estaban de
acuerdo con el enfoque impresionista en la forma en vez de la temática. Con la intención de revolucionar el mundo del arte contemporáneo,
varios artistas con estilos disímiles—incluyendo a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec y
Henri Rousseau—formaron el grupo de los postimpresionistas.

Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas compartieron su trabajo con el público a través de exhibiciones independientes por todo
París. En 1910, el conocido crítico de arte, historiador y curador Roger Fry acuñó el término “postimpresionismo” en su exposición Manet y los
postimpresionistas. Al igual que los artistas de esta corriente, Fry creía firmemente que la belleza del arte está intrínsicamente anclada a la
percepción. “El arte es una expresión y un estímulo a la vida imaginaria más que una copia de la vida real”, explica Fry en An Essay in
Aesthetics. “El arte aprecia la emoción por sí sola. El artista es un constante observador de su entorno y el menos afectado por su valor
estético intrínseco. Al contemplar un campo de visión específico, la conjunción estética caótica y accidental de formas y colores comienza a
cristalizarle en una armonía”. Hoy en día, estas ideas nos ayudan a entender el hilo conductor entre estos artistas.

Características clave: SIMBOLISMO EMOCIONAL

Como explica Fry, los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o enfoque estético en
particular. En cambio, la obra debería de hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del subconsciente del
artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como
una forma de transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una obra de arte que no comenzó en las emociones no es una obra de arte”.

Henri Rousseau, ‘El sueño,’ 1910

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 LOS PIONEROS POSTIMPRESIONISTAS

Conocidos por sus diversos y distintivos estilos y por sus percepciones subjetivas del mundo que los rodeaba, los postimpresionistas fueron
pioneros en cuanto a la forma de hacer arte a finales del siglo XIX. A diferencia de los impresionistas que los precedieron y los fovistas que
vinieron después, los artistas postimpresionistas no compartían un solo enfoque estético. En cambio, lo que los unió fue un interés común en
explorar abiertamente la mente del artista.

Dada la variedad de estilos, técnicas e incluso temáticas presentes en las pinturas postimpresionistas, definir el movimiento puede ser difícil.
Sin embargo, al hacer un recuento de su historia, identificar a sus artistas y determinar sus características distintivas, se puede empezar a
comprender el significado histórico y simbólico de esta corriente artística.

¿Qué es el postimpresionismo?

El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la
pintura, ya que los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo. Si bien sus estilos varían mucho,
las pinturas postimpresionistas sí comparten algunas características. Éstas incluyen motivos simbólicos, colores poco naturales, y pinceladas
pictóricas.

Vincent van Gogh, ‘La noche estrellada’ (1889)

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 COLORES LLAMATIVOS

“¡El color! Qué profundo y misterioso lenguaje, el lenguaje de los sueños”. -Paul Gauguin

A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar los efectos de la luz natural sobre los tonos, los postimpresionistas
deliberadamente adoptaron una paleta de color artificial para representar su percepción emocional del mundo que los rodeaba. Tonalidades
saturadas, sombras multicolor y una gran variedad de colores son evidentes en la mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el
enfoque innovador e imaginativo de los artistas hacia la representación.

Paul Gauguin, ‘El Cristo amarillo’ (1889) Henri de Toulouse-Lautrec, ‘En el Moulin Rouge’ (1892–1895)

PINCELADAS DISTINTIVAS

Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y
perceptibles. Además de añadir textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a las cualidades
pictóricas de la obra, dejando claro que no pretende ser una representación realista.

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 EL NEOIMPRESIONISMO

Entrada al Gran Canal de Venecia. Paul Signac

Movimiento artístico surgido en Francia entre 1886 y 1891.

Después del Impresionismo y gracias a las nuevas tecnologías de impresión como la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que
permitía obtener una infinidad de colores a partir de la mezcla de los cuatro colores primarios, surge el Neoimpresionismo o Puntillismo, cuyos
principales exponentes fueron Georges Seurat y Paul Signac.
Estos artistas aprenden la lección Impresionista pero aplican el color de una forma más controlada y menos espontánea. La pincelada es mas
corta, racional y estudiada.

Los neoimpresionistas se basaron en los estudios de color y en el principio de la división sistemática de tonos y concretaron sus trabajos
mediante la técnica del puntillismo y el divisionismo, que consiste en la aplicación fragmentada del color. Cada zona pictórica que comparte un
mismo matiz se trabaja con colores análogos pero de diferentes saturaciones, tintes y claridades.
El Puntillismo es la técnica pictórica que posibilita la fragmentación e integración de los colores en las composiciones neoimpresionistas.
Consiste en la aplicación del color mediante puntos, cuya única finalidad es descomponer totalmente la imagen. La aplicación de los colores
puros sobre la tela, se hace por medio de pequeños toques a punta de pincel dejando que sea la retina del espectador la que realice la
mezcla.

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Características principales:
Los neoimpresionistas intentaron recuperar las formas que los impresionistas habían disuelto en la luz y el color.
En sus obras hay mas preocupación por el orden y la claridad, las composiciones son mas meditadas.
Es evidente el deseo de investigar, conocer y aplicar los nuevos avances en cuanto a la luz y color.
Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color, reaparece el interés por el volumen y las
formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas.
Los neoimpresionistas vuelven al estudio, pues sus cuadros requerían elaboraciones minuciosas y complejas. Puede decirse que las obras
resultantes solían ser rígidas y artificiales, la espontaneidad y fugacidad no tenían cabida en estas realizaciones.
Los temas preferidos son el paisaje y las escenas que hacen alusión a la vida moderna.
Aunque fue un movimiento de corta duración, obtuvo muchos logros, entre ellos el de propiciar la creencia de que el arte debía apoyarse en el
conocimiento científico, lo que a grandes rasgos condujo al nacimiento del cubismo y del arte abstracto.

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 Principales representantes:
George Seurat. París. (1859-1891)
Estudioso de las técnicas pictóricas y las teorías acerca de la luz y el color. Participó en la fundación del Salón de los Independientes y fue el
primero en plasmar en una obra la nueva técnica pictórica.
Para poder evidenciar en sus obras todos los principios estudiados, fue disminuyendo progresivamente el tamaño de la pincelada hasta
reducirla a pequeños puntos de colores puros y sin mezcla, que al fundirse en la retina del espectador producían un efecto de gran
luminosidad.
La mayor parte de sus obras se concentra en seis lienzos de gran formato muy trabajados cuya composición está claramente analizada y
estudiada. Figuras en las que el volumen cobra importancia y las formas geométricas son la base de su construcción, todo muy lejos de la
inmediatez y la fugacidad de los impresionistas.

. Un baño en Asnièrs (1884). 2.00x3.00. Óleo sobre lienzo. National Gallery, Londres.
Es una obra de temática impresionista pero en la que ha desaparecido la sensación de fugacidad. Las figuras tienen cierta monumentalidad y
aparecen un tanto hieráticas. Es destacable la sencillez en las formas y colores.

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 .
Un domingo de verano en La Grande Jatte (1884-1886) 2.00x3.00. Óleo sobre lienzo. Instituto de Arte de Chicago.
Esta es una obra con un tema también impresionista, una escena urbana de la vida cotidiana, intrascendente y trivial. Las figuras simulan
maniquíes y se distribuyen en el espacio de una manera ordenada y rigurosa; en la composición general abundan las líneas diagonales que
generan sensación de profundidad.
Los diferentes planos están pintados todos con la misma nitidez y precisión.
Para algunos críticos, esta pintura se va alejando de la realidad y se convierte en una obra simbolista que hace una denuncia a esa sociedad
decadente. EL CIRCO

Paul Signac. París. (1863-1935)

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Colaboró en la formación de la Sociedad de Artistas Independientes y en la fundación del Salón de los Independientes.
Es el gran teórico del puntillismo. En sus obras busca potenciar al máximo la luz, el color y la armonía. Utilizaba pigmentos y colores puros y
dejaba la fusión cromática a la retina del espectador. En sus cuadros la composición ocupa un lugar preponderante.
Los temas preferidos fueron las escenas marinas, inicialmente con un puntillismo estricto y después con pinceladas un poco mas amplias,
proporcionales a las dimensiones del cuadro.
En sus pinturas al óleo es mucho más reflexivo y exacto que en los trabajos con acuarela en los que se revela mucho más sensible y libre en
la expresión.

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