ESCUELA SUPERIOR POLITÉCNICA DE CHIMBORAZO

HISTORIA DEL DISEÑO

Análisis de una obra de México (Artes Gráficas)

Integrantes:

Jostin Sánchez
Cristhofer Mariño
Josselyn Saigua
Keyla Gonzales
Fabiola Cepeda
Kevin Chávez
 I. Análisis de la Época

I.1. Contexto Histórico y Social

Revolución Mexicana (1910-1920): La Revolución Mexicana fue un conflicto armado que tuvo un profundo impacto en la

sociedad y la cultura mexicana. Este periodo de agitación social y política inspiró un renacimiento cultural, conocido como el

Renacimiento Mexicano, que buscaba promover la identidad nacional y los valores sociales.

Post-Revolución y Nacionalismo Cultural: Después de la Revolución, el gobierno mexicano, encabezado por figuras como

Álvaro Obregón y Plutarco Elías Calles, promovió políticas culturales que enfatizaban la identidad nacional. El arte se convirtió en un

medio para educar al público y para difundir los ideales revolucionarios.

Muralismo Mexicano: El muralismo, liderado por artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro

Siqueiros, se convirtió en el movimiento artístico más prominente de la época. Estos murales, a menudo patrocinados por el gobierno,

reflejaban temas sociales, políticos y culturales, y buscaban hacer el arte accesible a todas las clases sociales.
 I.2. Desarrollo de las Artes Gráficas en México

Gráfica Popular: Las artes gráficas, especialmente la gráfica popular, jugaron un papel crucial en la difusión de ideas durante

y después de la Revolución Mexicana. Artistas gráficos como José Guadalupe Posada, conocido por sus grabados de "calaveras" y

escenas de la vida cotidiana, utilizaban sus obras para comentar sobre temas sociales y políticos.

Taller de Gráfica Popular (TGP): Fundado en 1937, el TGP fue un colectivo de artistas gráficos que se dedicó a la creación

de arte comprometido socialmente. Utilizaron técnicas como el grabado y la litografía para producir carteles, folletos y otros

materiales impresos que abogaban por la justicia social y los derechos laborales. Sus obras estaban destinadas a ser accesibles y

comprensibles para el público en general.

Influencia del Muralismo en las Artes Gráficas: El espíritu del muralismo influyó en las artes gráficas, ya que ambas formas

de arte compartían un compromiso con la narración visual de la historia y la lucha del pueblo mexicano. Los artistas gráficos

adoptaron un enfoque similar, utilizando sus obras para educar y movilizar a las masas.
 I.3. Estilos y Temáticas

Iconografía Nacionalista: Las artes gráficas de esta época a menudo incorporaban iconografía nacionalista, incluyendo

imágenes de héroes revolucionarios, escenas de la vida rural y urbana, y símbolos prehispánicos. Estas imágenes ayudaban a construir

una identidad nacional unificada y a celebrar la herencia cultural de México.

Realismo Social: El realismo social fue un estilo predominante en las artes gráficas, caracterizado por representaciones

detalladas y realistas de la vida cotidiana y las condiciones de trabajo de la clase trabajadora. Este estilo tenía como objetivo resaltar

las injusticias sociales y fomentar el cambio.

I.4. Innovación y Técnica

Técnicas de Grabado: El grabado, en sus diversas formas (xilografía, linóleo, litografía), fue una técnica fundamental en las

artes gráficas mexicanas. La simplicidad y la efectividad del grabado permitieron la producción masiva de imágenes que podían ser

distribuidas ampliamente.

Impacto Internacional: Las artes gráficas mexicanas también tuvieron un impacto internacional. Artistas y movimientos de

otros países se inspiraron en las técnicas y temáticas de los gráficos mexicanos, y algunos artistas mexicanos, como Leopoldo Méndez

y Alfredo Zalce, alcanzaron reconocimiento internacional.

 II. Análisis del pais

El tema de las artes gráficas en México es amplio y variado, con una rica historia y una vibrante escena contemporánea. Aquí

hay un análisis general de las artes gráficas en México, abarcando sus orígenes, evolución y situación actual.

II.1. Periodo Prehispánico

Las artes gráficas en México tienen sus raíces en las culturas prehispánicas, donde se utilizaban códices para registrar historias,

rituales y conocimientos. Los códices mixtecos, mayas y mexicas son ejemplos notables de esta tradición.

II.2. Periodo Colonial

Durante la colonia, las técnicas europeas de grabado y litografía fueron introducidas en México. La imprenta llegó con los

conquistadores, y en 1539 se estableció la primera imprenta en la Ciudad de México, marcando el inicio de una nueva era en las artes

gráficas mexicanas.

II.3. Siglo XIX y XX

 En el siglo XIX, el grabado y la litografía se consolidaron como formas populares de expresión artística. José Guadalupe

Posada es una figura central en este periodo, conocido por sus ilustraciones y grabados que criticaban la situación política y social de

la época.

El siglo XX vio el florecimiento del muralismo mexicano, que aunque más conocido por su pintura mural, también incorporó

elementos de las artes gráficas. Artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco exploraron el grabado

como medio de expresión.

II.4. - Diversidad de Técnicas y Temáticas

Hoy en día, las artes gráficas en México abarcan una variedad de técnicas, incluyendo grabado, serigrafía, litografía y más

recientemente, técnicas digitales. La temática es igualmente diversa, desde la crítica social y política hasta la exploración de la

identidad y la cultura mexicana.

II.5. Escuelas y Talleres

Existen numerosas escuelas y talleres dedicados a las artes gráficas en México. La Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP)

de la UNAM y el Taller de la Gráfica Popular (TGP) son instituciones destacadas que han formado a muchos artistas gráficos

reconocidos.
 II.6. Artistas Contemporáneos

Algunos de los artistas gráficos contemporáneos más destacados incluyen a Francisco Toledo, quien ha sido una figura clave

en el arte mexicano y ha trabajado extensamente en grabado y litografía. Otro ejemplo es Betsabeé Romero, conocida por sus

instalaciones y trabajos gráficos que abordan temas de migración y globalización.

II.7. Festivales y Exposiciones

México alberga varios festivales y exposiciones dedicados a las artes gráficas. El Festival Internacional de Grabado en Oaxaca

y la Feria de Arte Gráfico en la Ciudad de México son eventos importantes que celebran y promueven el trabajo de artistas gráficos.

II.8. Influencia Internacional

Las artes gráficas mexicanas han tenido una influencia significativa a nivel internacional. El trabajo de artistas como Posada y

Toledo ha sido reconocido y admirado en todo el mundo, y las técnicas y temáticas mexicanas han influido en el desarrollo de las artes

gráficas globalmente.
III. Artistas más destacados

III.1. JOSÉ GUADALUPE POSADA

José Guadalupe Posada fue un ilustrador y grabador mexicano nacido en 1852 y fallecido en 1913,

reconocido por sus icónicas imágenes de calaveras y esqueletos que se han convertido en símbolos

emblemáticos del Día de los Muertos. Trabajó principalmente en periódicos, creando ilustraciones satíricas

y críticas sociales que capturaban la vida cotidiana y los eventos políticos de su tiempo. Su estilo único,

que mezcla la ironía con la tragedia, le aseguró un lugar destacado en la historia del arte mexicano y

mundial. Posada abordaba temas sociales, políticos y culturales a través de grabados que reflejaban las

injusticias y desigualdades de la sociedad mexicana de su época. Su obra no solo ha perdurado como una

expresión artística fundamental, sino que también ha ejercido una profunda influencia en generaciones posteriores de artistas, como

Diego Rivera y José Clemente Orozco, quienes siguieron su legado en el muralismo mexicano. Estas son algunas de sus obras mas

importantes:

 La Catrina
  El Calavera Garbancera (que inspiró la Catrina)

 El Jarabe en Ultratumba

 La Calavera Oaxaqueña

 El Charro Negro

III.2. DIEGO RIVERA

Diego Rivera fue un destacado pintor mexicano nacido en 1886 y fallecido en 1957, conocido por sus murales monumentales

que reflejan la historia y la vida cotidiana de México. Rivera fue uno de los principales

exponentes del muralismo mexicano, un movimiento artístico que buscaba llevar el arte a

las masas y transmitir mensajes sociales y políticos. Su estilo único y su habilidad para

integrar elementos precolombinos con temas contemporáneos le valieron reconocimiento

internacional. Algunas de sus obras más conocidas son:

 Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central

 Man at the Crossroads

 La Creación

 El Hombre en el Cruce de Caminos

  Historia de México a través de los siglos

III.3. Francisco Toledo

Francisco Toledo fue un destacado artista mexicano nacido en 1940 y fallecido en 2019, reconocido

por su profunda conexión con la cultura y la naturaleza de Oaxaca, su estado natal. Toledo destacó por su

versatilidad en diversas disciplinas artísticas, incluyendo el grabado, la pintura, la escultura y la cerámica.

Su obra se caracteriza por una fusión única entre lo tradicional y lo contemporáneo, reflejando tanto la

mitología zapoteca como temas universales como la vida, la muerte y la naturaleza. Además de su práctica

artística, Francisco Toledo fue un activista cultural y ambiental, trabajando incansablemente para preservar

el patrimonio cultural y natural de Oaxaca y promoviendo el arte como herramienta para el cambio social. Algunas de sus obras son:

 Mujeres de Juchitán

 El Fisgón (escultura)

 Juego de pelota mixteca (serie de litografías)

  Zopilotes (serie de grabados)

 Juguetes (colección de cerámicas y esculturas)

III.4. Leopoldo Méndez

Leopoldo Méndez fue un prominente grabador y muralista mexicano, conocido

por su compromiso social y político en su obra. Nació en 1902 y falleció en 1969.

Fundador del Taller de Gráfica Popular (TGP), Méndez utilizó el arte como una

herramienta para abordar temas como la injusticia social, la lucha obrera y la

desigualdad. Su estilo gráfico distintivo y su capacidad para transmitir emotivamente

mensajes de protesta y solidaridad lo destacan como una figura crucial del muralismo

mexicano y del movimiento artístico de izquierda de su época. Algunas de sus obras

fueron:

 La estampida
  El sueño del pongo

 La conspiración

 Pelea de pájaros

ASPECTO Identidad visual Publicidad Diseño editorial Diseño de Producción OTROS

(Logotipos marcas, (campañas piezas (libros, periódicos, información audiovisual (EMPRENDIMEN
identidad publicitarias) revistas) (señalética, ( fotografía video y S)
corporativa) infografía e animación)
interfaces)
1. Nombre de la obra: "El hombre visible e invisible" (orientada al diseño grafico o artes visuales)
2. Autor: Wilhelm Ostwald
Identificación y 3. Localización año: 1920
4. Estilo: científico y académico
aspectos 5. Proceso de INICIAL de creación: comenzó con las investigaciones y estudios previos de Wilhelm Ostwald en el campo de la ciencia y la
comunes de la química, específicamente en la teoría del color y la percepción visual.
obra 6. Contexto del por qué se creó la obra: surgió como respuesta a la necesidad de proporcionar una base científica y sistemática para el estudio
la aplicación del color en el arte y el diseño. Ostwald, influenciado por el contexto científico y cultural de su tiempo, hizo contribuciones
significativas que aún hoy influyen en cómo comprendemos y empleamos el color en diversas disciplinas visuales.
Análisis material 1.Soporte: 1.Soporte: 1. Soporte: Fue un 1. Soporte: 1. Soporte: 1. Materiales y
formal de la obra 2.Técnica: 2.Técnica: libro publicado por 2. Técnica: 2. Técnica: técnicas de
3.Composición: 3.Composición: 3. Composición: 3. Composición: construcción:
primera vez en
4.Concepción: 4.Concepción: 4. Concepción: 4. Concepción: 2. Formas
5.Líneas y contornos: 5.Líneas y contornos: 1910 y consiste en 5. Líneas y contornos: 5. Líneas y representadas
6.Paleta de colores: 6.Paleta de colores: un tratado que 6. Paleta de colores: contornos: 3. Actitud:
 aborda 6. Paleta de 4. Localización y
científicamente la colores: contexto:
5. Soporte:
percepción del
6. Composición:
color y su aplicación 7. Concepción:
en el arte y el 8. Líneas y
diseño. contornos:
2. Técnica: Ostwald 9. Paleta de
utilizó principios de colores:
la física, la química
y la psicología para
investigar cómo
interactúan la luz y
el color en la
percepción
humana,
estableciendo una
base científica para
comprender estos
fenómenos.
3. Composición:
estructuró su libro
de manera lógica y
sistemática que
abordaban
diferentes aspectos
del color, desde la
teoría hasta su
aplicación práctica
en el arte y el
diseño..
4. Concepción: se
basa en la idea de
que el color y la luz
tienen un impacto
profundo en la
percepción humana
y en la experiencia
estética.
5. Líneas y contornos:
 no se enfoca
específicamente en
líneas y contornos
en el sentido
artístico, Ostwald
exploró cómo la luz
y el color pueden
definir formas y
contornos visuales
en el contexto de la
percepción
humana.
6. Paleta de colores:
Ostwald no limitó
su estudio a una
paleta de colores
específica utilizada
en obras artísticas,
sino que más bien
investigó cómo los
colores interactúan
entre sí y con la luz
para producir
efectos visuales
específicos
Análisis, 1. Formas de 1. Formas de 1. Formas de 1. Formas de 1. Formas de 1. Formas de
interpretación y expresión: expresión: expresión: Utiliza expresión: expresión: expresión:
2. Tratamiento de las 2. Tratamiento de las principalmente la 2. Tratamiento de las 2. Tratamiento de 2. Tratamiento d
conceptualizació formas: formas: formas: las formas: las formas:
escritura y la
n estilística de la 3. Composición: 3. Composición: argumentación 3. Composición: 3. Composición: 3. Composición:
obra (valores 4. Uso de color: 4. Uso de color: lógica como formas 4. Uso de color: 4. Uso de color: 4. Intencionalida
plásticos) 5. Uso de la luz: 5. Uso de la luz: de expresión en su 5. Uso de la luz: 5. Uso de la luz: 5. Función:
obra. 6. Uso de color:
2. Tratamiento de las
formas: Aunque no
se refiere
directamente en
las formas Ostwald
 aborda cómo los
colores y la luz
pueden influir en la
percepción de
formas y
volúmenes en las
obras visuales.
3. Composición: Se
refiere a la
organización y
estructuración de
las ideas y los
argumentos de
Ostwald en el texto
4. Uso de color:
Ostwald analiza
cómo el color
puede ser
percibido y
utilizado en
diferentes
contextos visuales.
5. Uso de la luz: Es
un elemento
fundamental en la
teoría de Ostwald
sobre el color.
- De alguna u otra manera esto implicó un avance significativo en la teoría del color, proporcionando un marco
sistemático que trasciende las interpretaciones subjetivas.
- Subraya la importancia de considerar el contexto ambiental y lumínico al evaluar o crear obras visuales.
Conclusiones - Esta aplicación práctica ha sido fundamental para el desarrollo del diseño gráfico, la arquitectura y otras disciplina
que dependen de la percepción visual y la estética.

- https://www.mundopranico.com/wp-content/uploads/2021/04/EL-HOMBRE-VISIBLE-e-INVISIBLE-Charles-
Leadbeater.pdf
REFERENCIAS
- https://es.wikipedia.org/wiki/El_hombre_visible_e_invisible
Wilhelm Ostwald
Wilhelm Ostwald fue un químico alemán de origen báltico, conocido por sus contribuciones fundamentales en el campo de la química física.
Nació el 2 de septiembre de 1853 en Riga, Letonia (entonces parte del Imperio ruso), y falleció el 4 de abril de 1932 en Leipzig, Alemania.
Ostwald fue galardonado con el Premio Nobel de Química en 1909 por su trabajo sobre catálisis, equilibrio químico y velocidades de reacción.

Educación y carrera temprana

Ostwald comenzó su educación en el Realgymnasium en Riga y luego estudió química en la Universidad de Dorpat (ahora Tartu, Estonia), donde
obtuvo su doctorado en 1878. Su disertación trató sobre la ley de la afinidad química, un tema que continuaría siendo central en su carrera.

Contribuciones científicas

Termodinámica y equilibrio químico

Ostwald es conocido por haber formulado la ley de dilución de Ostwald, que describe cómo los ácidos y bases débiles se disocian en solución.
También desarrolló una teoría general de los equilibrios químicos basada en la termodinámica, y su trabajo ayudó a establecer la química física
como una disciplina independiente.

Catálisis

Uno de sus logros más destacados fue su investigación sobre la catálisis. Ostwald fue uno de los primeros en entender y explicar el papel de los
catalizadores en las reacciones químicas, lo que fue crucial para el desarrollo de la industria química moderna.

Energía y filosofía

Además de su trabajo en química, Ostwald tenía un profundo interés en la energía y la eficiencia energética. Fue uno de los pioneros en la
promoción del uso racional de la energía, y su libro "Energiewirtschaft" (Gestión de la Energía) influyó en el pensamiento sobre la energía y el
medio ambiente.

Premios y honores
Ostwald recibió el Premio Nobel de Química en 1909 por su trabajo en catálisis y equilibrios químicos. Fue miembro de numerosas academias
científicas y recibió muchos otros premios y distinciones a lo largo de su carrera.

Vida personal

Wilhelm Ostwald se casó con Helene von Reyher en 1880, y tuvieron cinco hijos. Ostwald era un apasionado de la pintura y también escribió
sobre teoría del color. Además, fue un ferviente defensor del idioma esperanto y promovió su uso como una lengua internacional.

Legado

Ostwald dejó un legado duradero en la química física y la industria química. Su trabajo sobre catálisis y equilibrio químico sentó las bases para
muchas investigaciones futuras en estas áreas. Además, su enfoque interdisciplinario y sus esfuerzos por aplicar principios científicos a
problemas prácticos continúan inspirando a científicos e ingenieros hoy en día.

Falleció el 4 de abril de 1932 en Leipzig, pero su influencia sigue viva en la química moderna y en el campo de la eficiencia energética.

Propuesta: Exploración de la Realidad Perceptual a través del Arte Digital Interactivo

Contexto y Objetivo

En esta propuesta, se utilizará el arte digital como medio para investigar cómo percibimos y construimos nuestra realidad visual. Se explorará
cómo las percepciones subjetivas pueden influir en la interpretación de estímulos visuales y cómo estas interpretaciones pueden variar entre
individuos.

Metodología

1. Creación de Obras de Arte Digital Interactivas:

o Desarrollar una serie de obras de arte digital que utilicen técnicas como la realidad aumentada o la realidad virtual para crear
experiencias inmersivas y sensoriales.

2. Experimentación y Observación:

o Realizar experimentos controlados donde los participantes interactúen con las obras de arte digital. Registrar sus respuestas
perceptuales y emocionales utilizando métodos cualitativos y cuantitativos.

3. Análisis Neurocientífico y Psicológico:

 o Utilizar técnicas de neuroimagen y análisis psicológicos para investigar los procesos cognitivos subyacentes durante la
interacción con las obras de arte digital. Comparar cómo diferentes individuos interpretan y experimentan las mismas
experiencias visuales.

Resultados Esperados

 Mapas de Percepción Visual: Obtener mapas detallados de cómo diferentes personas perciben y interpretan estímulos visuales
específicos, basados en las respuestas recolectadas durante los experimentos.

 Publicaciones Científicas y Artísticas: Publicar los hallazgos en revistas científicas especializadas en neurociencia cognitiva y en arte
digital, así como en galerías de arte contemporáneo para promover la comprensión pública de la percepción visual.

Impacto y Aplicaciones

 Educación y Sensibilización: Utilizar los resultados para educar al público sobre la plasticidad de la percepción visual y la importancia de
la experiencia individual en la interpretación del arte y la realidad.

 Terapias Visuales y Rehabilitación: Explorar aplicaciones terapéuticas del arte digital interactivo en el tratamiento de trastornos
perceptuales y en la rehabilitación de funciones sensoriales en pacientes con lesiones cerebrales.

Esta propuesta no solo honra el espíritu exploratorio de Wilhelm Ostwald en la comprensión de la percepción humana, sino que también integra
disciplinas contemporáneas para avanzar en nuestro entendimiento de cómo percibimos y experimentamos el mundo visual que nos rodea.

ASPECTO Producción audiovisual (fotografía video y animación)

7. Nombre de la obra: El prisionero trece
8. Autor: Fernando de Fuentes
9. Localización año: 1933
Identificación y 10.Estilo: Cine de la Época de Oro del Cine Mexicano, cine dramático y social
aspectos 11.Proceso de INICIAL de creación: La película fue escrita por Fernando de Fuentes, quien también la dirigió. Se basa en el cuento "El hombre
comunes de la que parecía un caballo" del escritor estadounidense Dalton Trumbo
obra 12. Contexto del por qué se creó la obra: "El prisionero trece" fue realizada en un contexto de gran interés por retratar problemas sociales y
políticos de México. La película aborda temas de injusticia y represión, reflejando las condiciones de la época post-revolucionaria en el país.
Fernando de Fuentes tenía un compromiso profundo con la representación de las realidades sociales y políticas de México a través del cine, y
esta película es un ejemplo significativo de su obra en ese sentido.
 7. Soporte: La película se filmó en 35mm, que era el estándar en la época para producciones cinematográficas.
8. Técnica: Fernando de Fuentes empleó técnicas que incluye el uso de encuadres expresivos, movimientos de cámara significativos y un estilo
visual que complementa el tono dramático y social de la historia
9. Composición: Se utilizan encuadres que reflejan la opresión y la desesperanza, así como momentos de intimidad y revelación.
10.Concepción: La película se concibió como un drama social con un mensaje crítico sobre las injusticias y la represión en la sociedad mexicana
Análisis material
post-revolucionaria. La concepción de la obra se centra en la narrativa que refleja estas realidades, utilizando personajes y situaciones que
formal de la obra ilustran las luchas de la época.
11.Líneas y contornos: Utiliza líneas y contornos para destacar la estructura y la composición de las escenas. Se pueden observar contrastes
visuales que enfatizan la dualidad de los personajes y las tensiones sociales representadas.
12.Paleta de colores: Refleja el tono dramático y sombrío de la historia. Se utilizan tonalidades más oscuras y apagadas para transmitir la
atmósfera de opresión y conflicto. Los colores pueden ser simbólicos, representando la lucha entre la libertad y la represión.
Análisis, 6. Formas de expresión: Son principalmente realistas y naturalistas, con un enfoque en capturar las emociones y las condiciones sociales de los
interpretación y personajes. Se utilizan expresiones faciales, gestos corporales y movimientos de cámara para transmitir el conflicto interno y externo de los
personajes.
conceptualizació 7. Tratamiento de las formas: Se utilizan encuadres que enfatizan la composición de las escenas para reflejar la dinámica de poder y las
n estilística de la relaciones entre los personajes. Las formas se utilizan también para crear contrastes visuales que subrayan las tensiones y los momentos de
obra (valores revelación en la trama.
plásticos) 8. Composición: Está diseñada para guiar la mirada del espectador hacia los elementos clave de la narrativa. Se utilizan encuadres simétricos y
asimétricos para crear equilibrio visual y dinamismo. La composición contribuye a la intensidad emocional y al ritmo narrativo de la película.
9. Uso de color: Se utilizan paletas de colores contrastantes, como tonos oscuros para escenas de opresión y colores más cálidos para
momentos de esperanza o revelación. Los colores pueden tener también un simbolismo cultural o emocional dentro del contexto de la historia.
10.Uso de la luz: Se utilizan contrastes de luz y sombra para enfatizar la tensión dramática y los conflictos internos de los personajes. La luz
puede jugar un papel simbólico, representando la claridad o la oscuridad en las decisiones morales y éticas que enfrentan los personajes.
Bibliografía Fernando de Fuentes Carrau, destacado director, productor y guionista mexicano, nació en Veracruz el 13 de diciembre de 1894 y estudió Filosofía
en la Universidad de Tulane en Nueva Orleans. Tras trabajar como asistente de Venustiano Carranza durante la Revolución Mexicana y
desempeñarse en la Embajada de México en Washington D.C., regresó a su país donde incursionó en el periodismo y el cine. En 1932 debutó
como director con "Una Vida por Otra", seguida por "El Anónimo" en 1933. Es conocido por obras emblemáticas como "Allá en el Rancho Grande"
(1936), pionera de la comedia ranchera y ganadora en el Festival de Cine de Venecia en 1938, siendo el primer reconocimiento internacional para
el cine mexicano. Reconocido como uno de los más talentosos del cine sonoro mexicano, su trilogía sobre la Revolución Mexicana es aclamada,
destacando "El Compadre Mendoza", "Vámonos con Pancho Villa" y "El Prisionero 13". Falleció el 4 de julio de 1958 en la Ciudad de México.
Propuesta En "El prisionero trece" (1933), dirigida por Fernando de Fuentes, se aprecia un claro énfasis en la representación visual de las injusticias sociales
y políticas de la época post-revolucionaria en México. Algunas de los puntos que podría mejorar en esta película serian:
• Revisión del guion y personajes: Actualizar el guion para hacerlo más accesible al público contemporáneo sin perder la esencia de la
historia original. Profundizar en los personajes principales, dotándolos de motivaciones más complejas y desarrollando sus conflictos internos.
• Ambientación visual: Mantener el estilo visual característico del cine de Fernando de Fuentes pero utilizando técnicas modernas de
cinematografía para mejorar la calidad visual. Aprovechar locaciones auténticas y paisajes mexicanos icónicos para reforzar la identidad cultural de
la película.
• Música y sonido: Actualizar la banda sonora para complementar la atmósfera y la emoción de la película. Utilizar música original o
reinterpretaciones de piezas clásicas mexicanas que resuenen con el público actual.
Conclusiones "El prisionero trece" de Fernando de Fuentes se distingue por su expresión realista y naturalista que captura vívidamente las complejidades
 emocionales y sociales de sus personajes. A través de una composición visual dinámica y un uso meticuloso del color y la luz, la película
profundiza en temas de opresión y la lucha por la libertad en el México post-revolucionario. Este diseño cinematográfico cohesivo no solo
enriquece la experiencia estética del espectador, sino que también subraya la importancia cultural e histórica de la obra dentro del canon del cine
clásico mexicano, posicionándola como una obra maestra que resuena tanto a nivel emocional como intelectual.

 https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/12090/Fernando%20de%20Fuentes
 https://cineenlinea.filmoteca.unam.mx/?cine_en_linea=el-prisionero-trece
REFERENCIAS
 https://elcineessueno.blogspot.com/2014/06/el-prisionero-trece-1933.html

ASPECTO Identidad visual Publicidad Diseño editorial Diseño de Producción OTROS

(Logotipos marcas, (campañas piezas (libros, periódicos, información audiovisual (EMPRENDIMENTO
identidad publicitarias) revistas) (señalética, ( fotografía video y S)
corporativa) infografía e animación)
interfaces)
Identificación y 13. Nombre de la obra: No juzgues a un libro por su cubierta
aspectos 14. Autor: Alejandro Magallanes
comunes de la 15. Localización año: 2009
obra 16. Estilo: Visual y Gráfico
 17. Proceso de INICIAL de creación: El proceso inicial de creación del libro "No juzgues a un libro por su cubierta" de Alejandro
Magallanes comienza con la conceptualización del tema y la investigación tanto temática como visual. Magallanes realiza bocetos y diseños
preliminares, integrando texto e ilustraciones. Desarrolla el contenido escrito, revisándolo continuamente y ajustando el diseño de las
páginas. Recibe retroalimentación y realiza revisiones necesarias. Finalmente, prepara la maquetación final y verifica los aspectos técnicos
para la impresión.
18. Contexto del por qué se creó la obra: Fue creado para explorar y desafiar las percepciones superficiales y los prejuicios que las
personas forman basándose en apariencias externas. Inspirado por su interés en el diseño gráfico y la narrativa visual, Magallanes buscó
combinar ilustraciones y texto para transmitir un mensaje profundo sobre la importancia de mirar más allá de lo visible. La obra refleja su
intención de fomentar la reflexión y la empatía, destacando cómo las primeras impresiones pueden ser engañosas.
Análisis material 7.Soporte: 7.Soporte: 7. Soporte: 7. Soporte: 13.Soporte: 10.Materiales y
formal de la obra 8.Técnica: 8.Técnica: 8. Técnica: 14.Técnica: técnicas de
9.Composición: 9.Composición: 8. Técnica: 9. Composición: 15.Composición: construcción:
10. Concepción: 10. Concepción: se emplea una técnica 10. Concepción: 16.Concepción: 11.Formas
11. Líneas y 11. Líneas y interdisciplinaria que 11. Líneas y 17.Líneas y representadas:
contornos: contornos: contornos: contornos: 12.Actitud:
fusiona el diseño
12. Paleta de 12. Paleta de 12. Paleta de 18.Paleta de 13.Localización y
colores: colores: gráfico con la narrativa colores: colores: contexto:
visual y textual. 14.Soporte:
Magallanes utiliza 15.Composición:
ilustraciones y 16.Concepción:
tipografía de manera 17.Líneas y
contornos:
innovadora para
18.Paleta de
complementar y colores:
amplificar el mensaje
del texto. Además,
incorpora elementos
visuales que provocan
la reflexión sobre
cómo las percepciones
pueden ser engañosas.
9. Composición:
la composición se
caracteriza por una
integración
cuidadosa de
elementos visuales
 y textuales.
Magallanes utiliza
un diseño de página
que equilibra el
espacio negativo
con ilustraciones
detalladas y texto
conciso. Las
imágenes se
seleccionan para
complementar y
amplificar el
mensaje de cada
sección, creando
una experiencia de
lectura interactiva y
visualmente
atractiva.
10. Concepción:
la concepción se
basa en desafiar las
primeras
impresiones y los
prejuicios
superficiales
mediante una
combinación única
de diseño gráfico y
narrativa.
Magallanes concibe
el libro como una
exploración visual y
textual que invita a
los lectores a
 reflexionar sobre la
importancia de
mirar más allá de
las apariencias
externas. Utiliza
ilustraciones
evocadoras y un
estilo de escritura
conciso para
transmitir mensajes
profundos sobre
empatía,
comprensión y la
naturaleza
engañosa de las
percepciones
rápidas
11. Líneas y
contornos:
los líneas y
contornos se
utilizan de manera
expresiva y
simbólica.
Magallanes emplea
líneas limpias y
contornos definidos
en las ilustraciones
para enfatizar la
claridad y la
simplicidad visual,
destacando la
importancia de la
forma sobre la
complejidad. Estos
 elementos visuales
no solo sirven para
estructurar las
composiciones
gráficas, sino que
también refuerzan
el mensaje
temático del libro,
resaltando cómo las
percepciones
superficiales
pueden ser
modificadas cuando
se observa más
detenidamente.
12. Paleta de
colores:
Emplea colores
sutiles y tonos
contrastantes para
crear atmósferas
visuales que
complementan el
contenido temático
del libro. La paleta
incluye tonos
terrosos y naturales
que evocan
serenidad y
profundidad, así
como colores
vibrantes que
resaltan puntos
clave dentro de las
ilustraciones y
 diseños. Esta
selección cromática
no solo enriquece
estéticamente la
obra, sino que
también contribuye
a la narrativa visual,
añadiendo capas de
significado
emocional y
conceptual.
Análisis, 6. Formas de 6. Formas de 6. Formas de 6. Formas de 11.Formas de 7. Formas de
interpretación y expresión: expresión: expresión: Utiliza expresión: expresión: expresión:
7. Tratamiento de las 7. Tratamiento de las formas 7. Tratamiento de las 12.Tratamiento de 8. Tratamiento de
conceptualizació formas: formas: formas: las formas: las formas:
n estilística de la 8. Composición: 8. Composición:
geométricas y 8. Composición: 13.Composición: 9. Composición:
obra (valores 9. Uso de color: 9. Uso de color: orgánicas en las 9. Uso de color: 14.Uso de color: 10.Intencionalidad
plásticos) 10.Uso de la luz: 10.Uso de la luz: ilustraciones para 10.Uso de la luz: 15.Uso de la luz: 11.Función:
representar 12.Uso de color:
conceptos
abstractos como
la percepción y el
juicio. Además,
emplea
tipografías
creativas que
complementan las
imágenes,
creando una
integración
armónica entre
texto e
ilustración. Estas
formas de
expresión no solo
 sirven para captar
visualmente la
atención del
lector, sino que
también
profundizan en el
mensaje
subyacente del
libro sobre la
importancia de la
comprensión y la
empatía.
7. Tratamiento de las
formas:
8. utiliza formas
tanto geométricas
como orgánicas
para crear
composiciones
visuales que
reflejan la
complejidad de los
temas tratados.
Las formas se
emplean para
transmitir
emociones y
conceptos
abstractos,
complementando
la narrativa textual
con una expresión
visual impactante.
Este enfoque
 contribuye a la
profundidad
estética y
conceptual del
libro, invitando a
los lectores a
explorar más allá
de lo superficial y a
reflexionar sobre la
verdadera esencia
de las cosas y las
personas.
9. Composición:
10. utiliza una
disposición de
página que integra
de manera fluida
texto e
ilustraciones,
creando una
experiencia de
lectura dinámica y
envolvente. La
composición está
diseñada para
capturar la
atención del lector
mediante el uso
estratégico de
espacio negativo,
tipografía
expresiva y colores
que
complementan el
 tema de la obra.
Esta estructura no
solo facilita la
comprensión del
mensaje central
del libro, sino que
también enriquece
la interpretación
visual y emocional
del contenido.
11.Uso de color:

emplea una paleta

cromática que va
desde tonos terrosos
y naturales hasta
colores vibrantes y
contrastantes. Estos
colores no solo
complementan las
ilustraciones y el
diseño gráfico, sino
que también juegan
un papel crucial en la
narrativa visual del
libro, ayudando a
transmitir emociones
y conceptos
complejos de manera
efectiva. La
selección cuidadosa
de colores refleja el
tema central del libro
sobre la importancia
de ver más allá de
las apariencias
superficiales y
profundizar en la
esencia de las cosas
y las personas.

12.Uso de la luz:
Emplea la luz y la
sombra de manera
estratégica para
resaltar elementos
clave dentro de las
ilustraciones y
composiciones
gráficas. Esta
técnica no solo
añade profundidad
visual a las
imágenes, sino que
también
contribuye a la
interpretación
emocional y
conceptual del
contenido del
libro. La luz se
utiliza para
enfatizar temas de
percepción y juicio,
invitando a los
lectores a
reflexionar sobre
 cómo la
iluminación puede
influir en nuestras
interpretaciones y
comprensiones del
mundo que nos
rodea.
Es una obra que desafía los prejuicios y las primeras impresiones basadas en las apariencias superficiales. A través de un innovador
diseño gráfico y una narrativa visualmente rica, Magallanes combina ilustraciones evocadoras con textos que invitan a la reflexión
Conclusiones
profunda. El libro busca transmitir la importancia de mirar más allá de lo visible para descubrir la verdadera esencia de las personas y
las cosas. Es una exploración poética y visual que subraya la necesidad de empatía y comprensión en nuestras interacciones diarias.
https://revistababar.com/wp/no-juzgues-a-un-libro-por-su-cubierta/
REFERENCIAS https://oceanotravesia.mx/ficha-libro.aspx?id=8752

Alejandro Magallanes
Nació en la Ciudad de México en 1971. Ilustrador, narrador y poeta. Estudió Diseño en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de
la UNAM. Es miembro de la Alianza Gráfica Internacional y forma parte de los colectivos El Cartel de Medellín, La Corriente
Eléctrica y Fuera de Registro. Presidente de AGI Open México. Fundó, junto con Leonel Sagahón, el despacho La máquina del
tiempo. Realiza portadas para la editorial Almadía. Ha ilustrado más de quince libros para niños y diseñado carteles que han sido
premiados en numerosos países y expuestos en Polonia, Japón, Canadá, Francia, Holanda, Argentina, República Checa, España, y
México, entre otros. Sus libros Esto no es y ¡Ven, hada! fueron seleccionados por la SEP para formar parte del Programa
Nacional de Lectura. Mención honorífica en el Bologna Ragazzi Award 2008 por ¡Ven, hada! Recibió la Medalla Jozef Mozrack
en la XV Bienal Internacional de Cartel en Varsovia. Obtuvo el Premio Golden, en diseño editorial, Bee en la Bienal de Diseño
Gráfico en Rusia. Ganó la Medalla de Broce en la Bienal 4th Block de Carteles por la Ecología en Ucrania. Acreedor a la Medalla
Icograda en la Bienal Internacional de Cartel en México. Fue Primer Lugar en la Bienal de Cartel en Bolivia. Primer Lugar en la
Trienal de Cartel Político en Mons, Bélgica, en 2004. Medalla de Plata en la Bienal Internacional de Cartel en Varsovia, en 2004.

PROPUESTA
Título de la Ilustración: "Más allá de la portada"
Objetivo: Crear una ilustración que capture el espíritu y la filosofía del libro "No juzgues a un libro por su cubierta" de Alejandro
Magallanes, enfatizando la idea de que el contenido es más importante que la apariencia exterior. La ilustración deberá reflejar la
creatividad y estilo único de Magallanes.
Concepto: La ilustración será una representación visual que invite al espectador a mirar más allá de la superficie, utilizando
técnicas y elementos característicos del trabajo de Alejandro Magallanes. Se dividirá en dos partes: la "cubierta" y el "contenido
interior", diferenciadas por estilo y técnica.
Elementos Clave:
1. Cubierta Externa:
 o Descripción: Representará la apariencia exterior, minimalista y quizás engañosamente simple.
o Visualización: Usar una paleta de colores limitada y formas geométricas simples. Podría incluir una puerta
semiabierta o una ventana que permita vislumbrar el interior.
2. Contenido Interior:
o Descripción: Mostrará la riqueza y complejidad del contenido, con una explosión de colores y detalles.
o Visualización: Ilustraciones detalladas, con elementos surrealistas y abstractos que reflejen la profundidad y
diversidad del contenido. Figuras humanas, animales, y elementos naturales y artificiales interconectados.
3. Tipografía Creativa:
o Descripción: Uso de texto integrado en la ilustración para comunicar mensajes claves del libro.
o Visualización: Frases como "No juzgues a un libro por su cubierta" incrustadas en la ilustración de forma artística,
siguiendo las curvas de las figuras o como parte de los elementos visuales.

4. Colores y Contrastes:
o Descripción: Uso de colores contrastantes para diferenciar claramente la cubierta del contenido.
o Visualización: Colores apagados en la cubierta y una paleta vibrante y variada en el interior.
5. Collage y Superposición:
o Descripción: Incorporación de técnicas de collage y superposición para crear una textura rica y dinámica.
o Visualización: Elementos gráficos y recortes de diferentes materiales superpuestos, creando una sensación de
profundidad y complejidad.
Proceso de Creación:
1. Investigación y Referencias:
 o Recopilar imágenes y referencias del libro "No juzgues a un libro por su cubierta".
o Analizar otros trabajos de Alejandro Magallanes para entender mejor su estilo y técnicas.
2. Bocetaje:
o Realizar bocetos preliminares de la composición general.
o Experimentar con diferentes disposiciones de los elementos clave y colores.
3. Desarrollo Digital:
o Digitalizar los bocetos y comenzar a trabajar en la ilustración final utilizando software de diseño gráfico.
o Aplicar colores, texturas y técnicas de superposición para dar vida a la ilustración.
4. Revisión y Ajustes:
o Revisar la ilustración final y hacer ajustes necesarios en términos de color, balance y coherencia visual.
o Obtener retroalimentación de colegas o mentores y realizar modificaciones según sea necesario.
Entrega Final: La ilustración final se entregará en formato digital de alta resolución, lista para ser utilizada en presentaciones,
publicaciones exposiciones.
 ASPECTO Publicidad (Campañas piezas publicitarias)
1. Nombre de la obra: “La catrina” de José Guadalupe posada
2. Autor: José Guadalupe posada
3. Localización año: 1913
Identificación y 4. Estilo: arte popular mexicano de la época (la calavera garbancera).
aspectos 5. Proceso de INICIAL de creación: El proceso inicial de creación de La Catrina por José Guadalupe Posada se remonta a principios del
comunes de la siglo XX en México, específicamente hacia finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
obra 6. Contexto del por qué se creó la obra: "La Catrina" de José Guadalupe Posada surgió como una crítica satírica hacia la élite mexicana que
adoptaba las modas europeas mientras ignoraba sus raíces indígenas y mestizas. Este personaje se convirtió en un símbolo cultural
significativo que refleja la identidad y la actitud hacia la muerte en la sociedad mexicana de la época.
1. Soporte: el soporte original de La Catrina de José Guadalupe Posada fue la litografía, una técnica de impresión que él dominaba y que utilizó
para crear una de las figuras más reconocidas y celebradas de la cultura mexicana.
2. Técnica: José Guadalupe Posada utilizó la técnica de la litografía para crear La Catrina, aprovechando las capacidades de esta técnica para
capturar detalles y expresiones en su obra. La litografía no solo fue crucial para la creación de La Catrina, sino que también contribuyó a su
amplia difusión y a su reconocimiento como un ícono cultural mexicano.
4. Composición: La Catrina de José Guadalupe Posada es un ejemplo magistral de cómo un artista puede transmitir crítica social y cultural a
Análisis material través de la simplicidad y la fuerza visual. La figura central de La Catrina, con su vestimenta elegante y su expresión serena, se convierte en un
formal de la obra poderoso símbolo de la ironía y la dualidad de la vida y la muerte en la cultura mexicana.
5. Concepción; fue el resultado de su aguda crítica social hacia la élite mexicana y su uso de la litografía como medio para crear una figura
gráficamente impactante que personifica tanto la elegancia como la inevitable realidad de la muerte.
7. Líneas y contornos: las líneas y contornos en la representación de La Catrina por José Guadalupe Posada no solo contribuyen a la estética
visual de la obra, sino que también desempeñan un papel crucial en la comunicación del mensaje cultural y social que él quería transmitir.

8. Paleta de colores: la habilidad de Posada para crear impacto visual y transmitir su mensaje crítico no dependía de una paleta de colores
amplia, sino de su maestría en el uso efectivo de contrastes y detalles dentro de estas limitaciones técnicas. (blanco, Negro, Cris entre otro).
1. Formas de expresión: se expresa a través de su elegancia visual, su postura digna, su expresión facial simbólica y su profundo impacto
cultural como símbolo de la celebración y la reflexión sobre la muerte en la cultura mexicana.
2. Tratamiento de las formas: . La Catrina de manera magistral, utilizando la figura de la calavera para transmitir tanto un mensaje cultural
Análisis,
profundo como una estética visual distintiva.
interpretación y
3. Composición: Es una combinación hábil de elementos visuales y simbólicos que no solo capturan la esencia de la figura de La Catrina, sino
conceptualizació que también transmiten una crítica social y cultural
n estilística de la 4. Uso de color: es más conocida por su versión en blanco y negro, típica de la técnica de litografía que Posada utilizaba ampliamente en
obra (valores términos históricos y en la interpretación moderna del arte
plásticos) 5. Uso de la luz: No utilizó colores brillantes ni luz directa en su versión original de La Catrina, su capacidad para crear profundidad y
expresividad a través de contrastes y líneas es una característica distintiva de su estilo
José Guadalupe Posada fue un ilustrador y grabador mexicano nacido en 1852 y fallecido en 1913, reconocido por sus icónicas
imágenes de calaveras y esqueletos que se han convertido en símbolos emblemáticos del Día de los Muertos. Trabajó principalmente en
periódicos, creando ilustraciones satíricas y críticas sociales que capturaban la vida cotidiana y los eventos políticos de su tiempo. Su
BIOGRAFIA estilo único, que mezcla la ironía con la tragedia, le aseguró un lugar destacado en la historia del arte mexicano y mundial. Posada
abordaba temas sociales, políticos y culturales a través de grabados que reflejaban las injusticias y desigualdades de la sociedad
mexicana de su época.
El libro "La Catrina: Arte y Legado de José Guadalupe Posada" es una obra que celebra y explora la figura icónica de La Catrina,
creada por el grabador y litógrafo mexicano José Guadalupe Posada. A través de esta obra, se busca no solo destacar la importancia
artística y cultural de La Catrina, sino también contextualizarla dentro de la vida y el trabajo de Posada, y su impacto en la cultura
mexicana.
 ASPECTO Identidad visual Publicidad Diseño editorial Diseño de Producción OTROS
(Logotipos marcas, (campañas piezas (libros, periódicos, información audiovisual (EMPRENDIMEN
identidad publicitarias) revistas) (señalética, (fotografía video y S)
corporativa) infografía e animación)
interfaces)
19.Nombre de la obra: Logotipo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)
20.Autor: Francisco Díaz de León.
21.Localización año: Cuidad de México (1946)
22.Estilo: Art Deco
Identificación y 23.Proceso de INICIAL de creación: Investigación y análisis, objetivos del logotipo, inspiración y bocetos Iniciales, desarrollo del diseño,
aspectos composición y tipografía, revisión y refinamiento, finalización e Implementación
comunes de la 24. Contexto del por qué se creó la obra: El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) fue fundado en 1946 en un periodo post-
obra revolucionario en México. Esta época estuvo marcada por esfuerzos significativos del gobierno para promover la identidad nacional y la
cultura mexicana tras la Revolución Mexicana (1910-1920). El INBAL se creó para consolidar y promover las bellas artes en México, abarcan
diversas disciplinas como la música, la danza, el teatro, la literatura y las artes visuales. Su misión incluía la preservación, promoción y difus
de la cultura y el arte mexicanos tanto a nivel nacional como internacional.
Análisis material 13. Soporte: El 13. Soporte: 13. Soporte: 13. Soporte: 19.Soporte: 19.Materiales y
formal de la obra logotipo del INBAL 14. Técnica: 14. Técnica: 14. Técnica: 20.Técnica: técnicas de
15. Composición: 15. Composición: 15. Composición: 21.Composición: construcción:
fue diseñado con el
16. Concepción: 16. Concepción: 16. Concepción: 22.Concepción: 20.Formas
propósito de ser 17. Líneas y 17. Líneas y 17. Líneas y 23.Líneas y representadas
utilizado en una contornos: contornos: contornos: contornos: 21.Actitud:
amplia variedad de 18. Paleta de 18. Paleta de 18. Paleta de 24.Paleta de 22.Localización y
aplicaciones, colores: colores: colores: colores: contexto:
incluyendo papel 23.Soporte:
24.Composición:
impreso, señalética,
25.Concepción:
materiales 26.Líneas y
promocionales y contornos:
plataformas 27.Paleta de
digitales. La colores:
versatilidad del
diseño asegura que
mantenga su
 integridad visual y
legibilidad en
diferentes medios y
tamaños.
14. Técnica: La
creación del
logotipo involucró
técnicas de dibujo a
mano alzada y
grabado para los
bocetos iniciales,
combinadas con
herramientas de
diseño gráfico
moderno para la
época de su
creación. Francisco
Díaz de León, un
experto en grabado,
utilizó su habilidad
para crear un diseño
detallado que luego
fue vectorizado para
asegurar su uso
versátil y escalable.
15. Composición:
La composición del
logotipo es
simétrica y
equilibrada, con
elementos
geométricos
organizados de
manera armoniosa.
 Esta disposición
crea una sensación
de estabilidad y
coherencia visual, lo
que facilita la
identificación y la
memorización del
logotipo. La
centralización de los
elementos
contribuye a la
claridad y el
impacto visual del
diseño.
16. Concepción:
La concepción del
logotipo se basó en
la necesidad de
reflejar la rica
herencia cultural y
artística de México.
Francisco Díaz de
León integró
elementos del arte
prehispánico y
colonial en un estilo
Art Deco, creando
un símbolo que
encapsula la misión
del INBAL de
preservar y
promover la cultura
mexicana. El
objetivo era diseñar
 un logotipo que
fuera atemporal y
representativo de la
identidad cultural
de la institución.
17. Líneas y
contornos: Las líneas
del logotipo son
limpias y bien
definidas, lo que es
característico del
estilo Art Deco. Los
contornos claros y
precisos aseguran
que el diseño sea
legible y reconocible
en una variedad de
tamaños y
aplicaciones. Las
formas geométricas
estilizadas añaden
una sensación de
modernidad y
sofisticación al
diseño.
18. Paleta de
colores: El logotipo
utiliza
predominantement
e una paleta de
blanco y negro, lo
que refuerza su
simplicidad y
elegancia. Esta
elección cromática
 permite que el
logotipo sea versátil
y adaptable a
diferentes contextos
y aplicaciones sin
comprometer su
integridad visual. La
simplicidad en el
uso del color
contribuye a la
atemporalidad del
diseño
Análisis, 11.Formas de 11.Formas de 13.Formas de 11.Formas de 16.Formas de 13.Formas de
interpretación y expresión: El expresión: expresión: expresión: expresión: expresión:
logotipo expresa 12.Tratamiento de las 14.Tratamiento de las 12.Tratamiento de las 17.Tratamiento de 14.Tratamiento d
conceptualizació formas: formas: formas: las formas: las formas:
n estilística de la una fuerte
13.Composición: 15.Composición: 13.Composición: 18.Composición: 15.Composición:
obra (valores identidad cultural 14.Uso de color: 16.Uso de color: 14.Uso de color: 19.Uso de color: 16.Intencionalida
plásticos) a través de la 15.Uso de la luz: 17.Uso de la luz: 15.Uso de la luz: 20.Uso de la luz: 17.Función:
combinación de 18.Uso de color:
elementos gráficos
tradicionales y
modernos. Las
formas estilizadas
evocan motivos del
arte prehispánico y
colonial,
integrándose en
una composición
contemporánea
que refleja la
misión del INBAL.
Este enfoque
asegura que el
logotipo no solo
 sea un símbolo
visual, sino
también una
expresión de la rica
herencia cultural
de México.
12.Tratamiento de las
formas: Las formas
dentro del logotipo
están tratadas de
manera estilizada y
simplificada,
evitando detalles
excesivos que
podrían dificultar
su reproducción en
diferentes
tamaños y medios.
Este tratamiento
asegura que las
formas sean
fácilmente
identificables y
coherentes en
todas las
aplicaciones,
manteniendo la
integridad del
diseño.
13.Uso de color: El
uso predominante
de blanco y negro
en el logotipo
enfatiza la claridad
 y elegancia del
diseño. La opción
de incorporar
colores específicos
en ciertas
aplicaciones
permite
adaptabilidad sin
comprometer la
coherencia visual
del diseño. La
simplicidad en el
uso del color
contribuye a la
atemporalidad y
versatilidad del
logotipo.
14.Uso de la luz:
Aunque el logotipo
no emplea la luz de
manera literal, el
contraste entre el
blanco y el negro
crea una ilusión de
profundidad y
dimensión,
haciendo que los
elementos gráficos
se destaquen de
manera clara y
efectiva. Este uso
del contraste
contribuye a la
legibilidad y
 reconocimiento
del logotipo en
diversas
aplicaciones.

El logotipo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) es un ejemplo destacado de diseño gráfico que combina técnicas
tradicionales y modernas para crear un símbolo atemporal de la identidad cultural y artística de México.
La composición equilibrada, las líneas limpias, el tratamiento de formas y el uso estratégico del color aseguran que el logotipo sea elegante,
significativo y adaptable a diversas aplicaciones.
Este diseño no solo representa al INBAL, sino que también encapsula la rica herencia cultural del país, sirviendo como un poderoso emblema d
Conclusiones misión de la institución.
Su análisis revela cómo el diseño gráfico puede servir como un puente entre el pasado y el presente, honrando la tradición mientras se adapta a
las necesidades contemporáneas. Esta obra es un excelente ejemplo de la importancia del diseño gráfico en la construcción y la promoción de
identidad cultural en México.
Este análisis del logotipo del INBAL puede servir como base para profundizar en otros aspectos del diseño gráfico en México, explorando cómo
artes gráficas han influido y continúan influyendo en la identidad visual del país.

Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Página oficial del INBAL. https://inba.gob.mx/

Francisco Díaz de León: Vida y Obra. (s.f.). Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.
REFERENCIAS https://sic.cultura.gob.mx/ficha.php?table=artista&table_id=1020

Diseño de logotipos: Conceptos y principios. (2021). Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
http://www.unam.mx/diseno-logotipos
 Francisco Díaz de León

Fecha de Nacimiento: 24 de octubre de 1897

Lugar de Nacimiento: Aguascalientes, México
Fecha de Fallecimiento: 29 de diciembre de 1975
Lugar de Fallecimiento: Ciudad de México, México
Educación y Formación
Francisco Díaz de León se formó en la Academia de San Carlos en la Ciudad de México, donde estudió pintura, escultura y
grabado. Se destacó desde temprano por su habilidad en las técnicas de grabado, particularmente en la xilografía.
Carrera Artística
Díaz de León es reconocido como uno de los pioneros del grabado moderno en México. A lo largo de su carrera, se dedicó a la
promoción y enseñanza del grabado, contribuyendo significativamente al desarrollo de esta disciplina en el país.
 Técnicas: Se especializó en la xilografía, una técnica de grabado en madera, aunque también trabajó con linóleo y otras
técnicas gráficas.
 Temática: Sus obras a menudo reflejan la vida cotidiana de México, paisajes rurales, y escenas de la vida urbana. Sus
grabados son conocidos por su detallismo y su habilidad para capturar la esencia de sus temas.
Contribuciones y Logros
 Fundación del Taller de Grabado: En 1921, fue uno de los fundadores del Taller de Grabado de la Secretaría de
Educación Pública, donde se dedicó a enseñar y promover el grabado como una forma de arte accesible y significativa.
 Revista “Mexican Art and Life”: Fue cofundador y editor de esta revista, que desempeñó un papel crucial en la difusión
del arte y la cultura mexicana en el ámbito internacional.
 Maestro: Díaz de León fue un maestro influyente en la Academia de San Carlos y en la Escuela de Pintura y Escultura
“La Esmeralda”, donde enseñó a generaciones de artistas y grabadores mexicanos.
Legado
Francisco Díaz de León dejó un legado perdurable en el campo del grabado en México. Su dedicación a la enseñanza y su pasión
por el grabado ayudaron a establecer una tradición gráfica robusta en el país. Su obra sigue siendo una referencia importante en la
historia del arte mexicano, y su influencia se siente en la obra de muchos artistas gráficos contemporáneos.
Reconocimientos
A lo largo de su vida, Díaz de León recibió varios premios y reconocimientos por su contribución al arte y la cultura mexicana.
Su trabajo ha sido exhibido en numerosas exposiciones tanto en México como en el extranjero.
Francisco Díaz de León es recordado no solo por su habilidad técnica y su creatividad artística, sino también por su compromiso
con la educación y la promoción del grabado como una forma de arte accesible y poderosa.

Propuesta de Rediseño del Logotipo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)
Concepto y Enfoque: El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura es una institución emblemática en México, dedicada a la
promoción y difusión de las artes y la cultura. El diseño del nuevo logotipo busca reflejar su rica herencia cultural, su
compromiso con la creatividad y la innovación, y su influencia en el ámbito artístico y literario.
Elementos del Diseño:
1. Símbolo de la Creatividad: Incorporar un símbolo gráfico que represente la creatividad y la diversidad artística. Puede
ser una forma abstracta que evoca la inspiración y la expresión artística.
2. Elementos Culturales Mexicanos: Integrar elementos visuales que reflejen la rica herencia cultural de México. Esto
podría incluir motivos prehispánicos estilizados, elementos del arte popular mexicano, o referencias a figuras icónicas de
la literatura y las bellas artes mexicanas.
3. Tipografía Moderna y Legible: Utilizar una tipografía moderna y legible que represente la seriedad y el prestigio de la
institución, pero que también sea accesible y contemporánea.
4. Paleta de Colores: Seleccionar una paleta de colores que transmita sofisticación y creatividad. Pueden incluir tonos que
reflejen la vitalidad de las artes visuales y la profundidad de la literatura.
Mensaje Implícito: El nuevo logotipo del INBAL no solo sirve como identificador visual, sino que también comunica el
compromiso de la institución con la excelencia artística, la diversidad cultural y la promoción de las artes y la literatura en
México y más allá.
Aplicaciones y Adaptabilidad: Asegurarse de que el diseño sea adaptable a diferentes medios y escalas, desde impresiones
pequeñas hasta grandes aplicaciones digitales y físicas. Debe mantener su integridad visual y legibilidad en todas las plataformas.
Impacto y Repercusión: Un logotipo renovado puede revitalizar la imagen del INBAL, atrayendo tanto a audiencias
tradicionales como a nuevas generaciones interesadas en las artes y la cultura. Además, puede fortalecer la identidad visual de la
institución a nivel nacional e internacional.
 Esta propuesta busca crear un logotipo que no solo represente visualmente al INBAL, sino que también celebre su rol crucial en
la promoción y preservación de las bellas artes y la literatura en México.

ASPECTO Identidad visual Publicidad Diseño editorial Diseño de Producción OTROS

(Logotipos marcas, (campañas piezas (libros, periódicos, información audiovisual (EMPRENDIMENTO
identidad publicitarias) revistas) (señalética, ( fotografía video y S)
corporativa) infografía e animación)
interfaces)
25.Nombre de la obra: Metro, el arte de la navegación.
26.Autor: Lance Wyman.
27.Localización año: La obra fue publicada en varias ediciones y lugares, pero principalmente se centra en el diseño del sistema de metro de la
Ciudad de México, desarrollado en la década de 1960.
Identificación y
28.Estilo: Wyman es conocido por un estilo que combina funcionalidad con elementos gráficos vibrantes y culturalmente significativos.
aspectos
29.Proceso de INICIAL de creación: El proceso inicial de creación involucró extensas investigaciones sobre la cultura, la iconografía y la identidad
comunes de la mexicana. Wyman trabajó en estrecha colaboración con autoridades locales y expertos para integrar elementos culturales en el diseño
obra funcional del sistema de metro.
30. Contexto del por qué se creó la obra: La obra fue creada para proporcionar un sistema de navegación eficiente y culturalmente relevante
para los usuarios del metro de la Ciudad de México. Este sistema no solo facilitó la navegación, sino que también se convirtió en un símbolo
visualmente impactante de la identidad mexicana moderna.
Análisis material 19. Soporte: 19. Soporte: 19. Soporte: 19. Soporte: Libro. 25.Soporte: 28.Materiales y
formal de la obra 20. Técnica: 20. Técnica: 20. Técnica: 20. Técnica: 26.Técnica: técnicas de
21. Composición: 21. Composición: 21. Composición: Principalmente 27.Composición: construcción:
22. Concepción: 22. Concepción: 22. Concepción: 28.Concepción: 29.Formas
diseño gráfico y
23. Líneas y 23. Líneas y 23. Líneas y 29.Líneas y representadas:
contornos: contornos: contornos: diseño de contornos: 30.Actitud:
24. Paleta de 24. Paleta de 24. Paleta de información. 30.Paleta de 31.Localización y
colores: colores: colores: 21. Composición: colores: contexto:
El diseño se basa 32.Soporte:
en una estructura 33.Composición:
clara y legible, 34.Concepción:
utilizando símbolos 35.Líneas y
y colores distintivos contornos:
para diferenciar 36.Paleta de
líneas y estaciones. colores:
22. Concepción:
Wyman concibió el
 diseño para ser
intuitivo y fácil de
entender, incluso
para usuarios que
no hablaban
español.
23. Líneas y
contornos: Utilizó
líneas limpias y
contornos definidos
para asegurar la
legibilidad y la
claridad visual.
24. Paleta de
colores: Empleó
una paleta de
colores vibrantes y
contrastantes,
inspirada en la
cultura mexicana y
adaptada para
facilitar la
navegación.
Análisis, 15.Formas de 16.Formas de 18.Formas de 16.Formas de 21.Formas de 19.Formas de
interpretación y expresión: expresión: expresión: expresión: Expresó expresión: expresión:
16.Tratamiento de las 17.Tratamiento de las 19.Tratamiento de las la identidad 22.Tratamiento de 20.Tratamiento de
conceptualizació formas: formas: formas: las formas: las formas:
n estilística de la cultural a través de
17.Composición: 18.Composición: 20.Composición: 23.Composición: 21.Composición:
obra (valores 18.Uso de color: 19.Uso de color: 21.Uso de color: símbolos y motivos 24.Uso de color: 22.Intencionalidad
plásticos) 19.Uso de la luz: 20.Uso de la luz: 22.Uso de la luz: gráficos específicos 25.Uso de la luz: 23.Función:
de la cultura 24.Uso de color:
mexicana.
17.Tratamiento de las
formas: Las formas
fueron
simplificadas para
mantener la
 claridad y la
funcionalidad del
diseño.
18.Composición: La
composición se
diseñó para ser
coherente y fácil de
interpretar, incluso
en entornos de
tránsito rápido.
19.Uso de color: El
color se utilizó
estratégicamente
para diferenciar
líneas y estaciones,
así como para
reflejar la riqueza
cultural de México.
20.Uso de la luz: La
iluminación en las
estaciones y los
mapas se
consideraron para
optimizar la
visibilidad y la
orientación de los
usuarios.
Conclusiones

1. Integración de identidad cultural: Lance Wyman logró integrar de manera efectiva elementos culturales mexicanos en el
diseño funcional del sistema de metro de la Ciudad de México. Esto no solo facilitó la navegación, sino que también creó un
vínculo visual entre los usuarios y la identidad cultural del país.
2. Eficiencia y claridad visual: El diseño de Wyman se destacó por su claridad y eficiencia en la comunicación de información.
Utilizó líneas limpias, colores distintivos y símbolos reconocibles para facilitar la navegación en un entorno urbano complejo.
 3. Legado en el diseño gráfico: El trabajo de Wyman en el sistema de metro de la Ciudad de México ha dejado un legado
significativo en el campo del diseño gráfico y de información. Su enfoque en la simplicidad, la funcionalidad y la integración
cultural continúa siendo estudiado y admirado en todo el mundo.
4. Impacto en la experiencia del usuario: El diseño no solo mejoró la eficiencia del transporte público, sino que también mejoró
la experiencia del usuario al proporcionar una navegación intuitiva y estéticamente agradable.
5. Relevancia continua: A pesar de haber sido desarrollado hace décadas, el diseño de Wyman sigue siendo relevante y sigue
siendo un modelo para proyectos de diseño urbano que buscan integrar la identidad cultural con la funcionalidad práctica.

En resumen, "Metro: Art of the Navigation" muestra cómo el diseño puede transformar no solo la estética de un sistema de transporte,
sino también la experiencia cotidiana de las personas, al conectarlas con la historia y la identidad cultural de su entorno.

 "Lance Wyman: The Monograph" de Unit Editions.

 "Graphic Design: A History" de Alston W. Purvis y Philip B. Meggs.
 "Design for the Real World: Human Ecology and Social Change" de Victor Papanek.
REFERENCIAS
 Artículos académicos sobre diseño gráfico y urbanismo que discutan el impacto del diseño de Lance Wyman en el transporte
público.
 Revistas especializadas en diseño gráfico y de información que puedan haber cubierto el tema.
 Lance Wyman

Fecha de Nacimiento: 19 de octubre de 1937

Lugar de Nacimiento: Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos
Educación y Formación
Lance Wyman estudió diseño industrial en la Pratt Institute en Nueva York, donde se graduó en 1960. Su formación en diseño
industrial influyó en su enfoque funcional y estético del diseño gráfico y de información.
Carrera Profesional
Lance Wyman es reconocido internacionalmente por su trabajo en diseño gráfico y diseño de información, especialmente en el
diseño de sistemas de identidad visual y señalética.
  Metro de la Ciudad de México: En la década de 1960, Wyman fue contratado para diseñar el sistema de señalética para
el Metro de la Ciudad de México, un proyecto que definió su carrera y se convirtió en un referente mundial en diseño de
señalética urbana.
 Juegos Olímpicos de México 1968: También diseñó la identidad visual y la gráfica para los Juegos Olímpicos de México
1968, creando un sistema de pictogramas y logotipos que han sido reconocidos por su impacto visual y funcionalidad.
 Otros Proyectos: A lo largo de su carrera, Wyman ha trabajado en numerosos proyectos de diseño gráfico, incluyendo
diseño de logos, identidades corporativas, y sistemas de señalética para espacios públicos y eventos internacionales.
Estilo y Enfoque
Lance Wyman es conocido por su enfoque sistemático y su habilidad para combinar funcionalidad con estética en sus diseños.
Sus obras se caracterizan por el uso de formas geométricas simples, colores contrastantes y símbolos universales que facilitan la
comprensión y la navegación en entornos urbanos y eventos multiculturales.
Legado y Reconocimientos
 Wyman ha recibido numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo el Premio AIGA Medalla
de Oro en 1999, uno de los mayores honores en el campo del diseño gráfico.
 Su trabajo sigue siendo estudiado y admirado como ejemplos de diseño eficaz y perdurable en la historia del diseño
gráfico y de información.
Influencia y Impacto
Lance Wyman ha dejado un legado significativo en el campo del diseño gráfico y de información, especialmente en la integración
de diseño visual con funcionalidad en entornos urbanos y eventos internacionales. Su enfoque en la claridad, la accesibilidad y la
identidad cultural ha inspirado a generaciones de diseñadores en todo el mundo.
 Propuesta de Diseño de Señalética Inspirada en "Metro, el arte de la navegación"
Contexto: Inspirado por el enfoque innovador de Lance Wyman en el diseño de señalética para el Metro de la Ciudad de México,
propongo un diseño contemporáneo que combine funcionalidad, accesibilidad y estética para mejorar la experiencia de los
usuarios en sistemas de transporte urbano.
Elementos Clave:
1. Sistema de Iconografía Universal:
o Utilización de pictogramas simples y universales que sean fácilmente comprensibles para personas de diferentes
culturas y lenguajes.
o Iconos claros y minimalistas que representen diferentes servicios (tales como baños, accesibilidad, salidas de
emergencia) de manera intuitiva.
2. Integración de Color y Contraste:
o Empleo de colores brillantes y contrastantes para cada línea del metro, facilitando la navegación y la identificación
rápida de rutas.
o Uso de tonos que complementen el entorno urbano y mejoren la visibilidad tanto de día como de noche.
3. Información Dinámica y Actualizada:
o Implementación de pantallas digitales en puntos clave de las estaciones para mostrar información en tiempo real
sobre horarios de trenes, cambios en las rutas y eventos importantes.
o Integración con aplicaciones móviles que permitan a los usuarios planificar sus trayectos y recibir alertas en
tiempo real.
 4. Diseño Espacial y Ambiental:
o Adaptación del diseño de señalética al entorno arquitectónico de cada estación, aprovechando elementos
estructurales para una integración visual fluida.
o Incorporación de iluminación ambiental que guíe a los usuarios de manera intuitiva hacia las plataformas y
servicios clave.
5. Accesibilidad Universal:
o Consideración de necesidades especiales de accesibilidad, como señalización en braille, indicaciones auditivas y
diseños ergonómicos para personas con movilidad reducida.
Objetivos: Esta propuesta tiene como objetivo mejorar la experiencia del usuario en sistemas de transporte masivo, promoviendo
la eficiencia, la seguridad y la satisfacción. Inspirado en el legado de Lance Wyman, este diseño busca mantener un equilibrio
entre la funcionalidad esencial y la expresión artística, creando un entorno visualmente agradable y funcionalmente eficaz para
todos los usuarios del metro urbano.