MÚSICA

2º ESO

Nombre:…………………………………………

Apellidos: …………………………………………………….

Curso y Grupo: …………..

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 CONTENIDOS

BLOQUES DE TEORÍA

1.Repaso: Lenguaje musical........................................5

2.La voz y sus tipos...................................................19

3.Melodía y Armonía……………………………….……………………………….21

4.Textura…………………………………………………………….…………………….…27

6. Forma musical……………………………………………………………………...31

7. Historia de la música………………………………………………………...35

BLOQUE DE PRÁCTICA MUSICAL

A. Lectura de notas.........................................67

B. Actividades de Lenguaje musical.................73

C. Canciones de flauta………………………………………………83

Anexos

Posiciones de notas en flauta............................92

Acordes en guitarra...............................................92

Acordes en piano...................................................93

CUADERNO DE TRABAJO Y PAPEL PAUTADO.............95

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 CALENDARIO DE EXÁMENES, TAREAS…
PRIMERA EVALUACIÓN

SEGUNDA EVALUACIÓN

TERCERA EVALUACIÓN

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 TEMA 1. REPASO: LENGUAJE MUSICAL

1. El Pentagrama

El Pentagrama es un conjunto de cinco líneas y cuatro espacios. En él o en sus proximidades se

colocan las notas y todos los demás signos musicales. Tanto las líneas como los espacios se
cuentan de abajo hacia arriba:

Las figuras musicales se escriben sobre las líneas y los espacios del pentagrama. También pueden
escribirse fuera de él (Líneas adicionales):

Dependiendo de su posición sobre el pentagrama podemos conocer la nota musical que

representan.

La palabra Pentagrama viene del griego, penta = cinco y grama = escritura.

2. La Clave de Sol

En todo pentagrama lo primero que encontraremos es una clave.

Existen varias claves. Las más utilizada es la clave de sol:

La clave de sol en segunda línea nos indica que la nota SOL se escribe en la segunda línea del
pentagrama. Una vez conocido el nombre
de esta nota, podemos conocer también
el de las notas que se colocan sobre las
restantes líneas y espacios:

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La clave de sol es utilizada por instrumentos agudos como el violín, la flauta, la trompeta y por
otros no tan agudos como la guitarra.

La clave de Fa es utilizada por los instrumentos graves:

3. Nombre de las notas

Antes de ver como escribimos las notas musicales en el pentagrama repasemos el nombre y orden
de ellas.

Nuestro sistema musical tiene siete notas. El orden de las notas es do, re, mi, fa, sol, la y si.
Estas notas corresponden a las teclas blancas del piano:

Las notas en el pentagrama y en clave de sol en 2ª son:

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4. Las figuras musicales y sus silencios

Las figuras musicales nos permiten especificar la duración de un sonido. A continuación pueden
ver las figuras, sus nombres y valores:

Como podéis notar, cada figura dura el doble de

tiempo que la siguiente y la mitad del tiempo que la
anterior.

NOTA: Cuando escribimos corcheas, semicorcheas,

fusas y semifusas acostumbramos a agrupar el
corchete de todas las que queden dentro de un
tiempo para facilitar la lectura. Aquí tienes un
ejemplo:

Cada figura musical tiene un símbolo correspondiente

que se usa para representar un silencio de la misma
duración. Llamamos a estos símbolos silencios.

5. Ritmo y Compás

Podemos definir el Ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y
los silencios, atendiendo principalmente a su duración (largos y cortos) y a los acentos.

El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la
misma duración y acentuación. El tempo de la música determina la velocidad del pulso. Al
combinar pulso y acentos obtenemos los ritmos básicos:

Ritmo Binario

Divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero: Un dos / Un dos / Un dos.... Si
te fijas, el ritmo de estas palabras coincide con lo anterior: Can – ta / To –ca / Bai – la, etc.

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Ritmo Ternario

Divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero: Un dos tres / Un dos tres / Un
dos tres... Al igual que el ritmo de estas palabras: Can – ta -lo / To – ca – lo / Bai -la – lo.

Ritmo Cuaternario

Divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más el primero y un poco el tercero: Un dos
Tres cuatro / Un dos Tres cuatro /...

Podemos encontrar ritmos que tengan más de cuatro tiempos o partes, y sería el resultado de
combinar los ritmos básicos, por ejemplo, un ritmo de cinco partes podría ser el siguiente: Un dos
Tres cuatro cinco / Un dos Tres cuatro cinco, combinando un ritmo binario y otro ternario.

Otro efecto rítmico interesante es el de la polirrítmia, que consiste en la interpretación de dos o

más ritmos diferentes, de forma simultánea, es decir, que suenen a la vez.

El Compás

Los ritmos se representan en la notación musical mediante los compases. Llamamos compás a la
división regular del tiempo musical mediante la alternancia de pulsos acentuados y no
acentuados.

En la escritura musical cada uno de los fragmentos de tiempo en que se divide una partitura se
llama compás. Esta división se realiza mediante una línea vertical que atraviesa el pentagrama,
separando los compases entre sí y se llama línea divisoria o barra de compás. Ejemplos:

Al final de una obra musical se utiliza la barra final y la doble barra se suele poner cuando hay
algún cambio importante dentro de la composición.

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Todo compás se divide en varias partes iguales llamadas tiempos. Hay compases que están
divididos en 2, en 3 o en 4 tiempos.

Un compás también puede dividirse en 5, 6, 7 o más tiempos.

El Compás se indica al principio del pentagrama inmediatamente después de la clave mediante

dos números colocados uno debajo del otro, que nos informan sobre el número de tiempos y el
valor de cada tiempo. El número superior nos indica el número de tiempos del compás y el
inferior el valor o figura de cada tiempo en relación con la redonda.

Cifras para el denominador de los compases:

Compás 2 por 4. Ritmo binario

Consta de dos tiempos, el primero Fuerte y el segundo débil.

2 --- indica el número de tiempos --- dos tiempos

4 --- indica la figura que entra en cada tiempo --- una Negra 2 negras en cada compás, una por
cada tiempo.

Compás 3 por 4. Ritmo ternario

Consta de tres tiempos, el 1º fuerte y el 2º y 3º débiles.

3 --- el número de tiempos --- tres tiempos

4 --- la figura que entra en cada tiempo --- una Negra

Compás 4 por 4. Ritmo Cuaternario

Consta de cuatro tiempos, el 1º fuerte, el 2º débil, el 3º semifuerte y el 4º débil.

4 --- el número de tiempos --- cuatro tiempos

4 --- la figura que entra en cada tiempo --- una Negra 4 negras por cada compás, una por cada
tiempo.

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Compases Simples y Compuestos

Un compás es simple cuando cada tiempo del compás es divisible por dos, es decir que la figura
que entra en cada tiempo se puede sustituir por las dos figuras que le equivales. Por ejemplo una
blanca puede ser sustituida por dos negras, una negra por dos corcheas, etc.

Un compás es compuesto cuando cada tiempo del compás es divisible por tres. Para ello es
necesario que la figura unidad del tiempo tenga un puntillo. Por ejemplo una negra con puntillo
puede ser sustituida por tres corcheas.

Compases simples

Compases compuestos

6. El puntillo

Si añadimos un puntillo a una figura, su duración aumentará de la mitad de su valor:

Sin puntillo Con puntillo

Figura Equivalencia Figura Equivalencia

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7. La ligadura

La ligadura es un signo que se utiliza para unir el valor de dos o más notas del mismo sonido en
una sola duración. Tiene forma de línea curva abarcando a las notas que afecta:

La ligadura puede unir notas que esgtán en diferente compás como se puede ver en el siguiente
ejemplo:

8. El Calderón

El calderón es un signo que sirve para prolongar la duración de un sonido o de un silencio. Tiene
forma de pequeño semicírculo, con un punto en medio, y se coloca sobre la nota o silencio al que
afecta:

El Calderón prolonga la duración del sonido a la vez que detiene la marcha del compás. Se utiliza
bastante en las
notas finales de una
o b r a musical.

El Tresillo

Aunque tenemos pendiente un pequeño repaso de los elementos del lenguaje musical que
aprendimos el curso pasado, vamos a conocer un nuevo ritmo, el Tresillo. El Tresillo es un grupo
irregular de figuras, está formado por tres figuras iguales que equivalen a dos de su misma clase.
Por ejemplo: El tresillo de corcheas equivale a dos corcheas. Estos grupos irregulares tienen la

función de introducir ritmo de subdividión ternaria en los compases simples y viceversa, introducir
ritmo de subdivisión binaria en los compases compuestos. Os dejo un mapa conceptual sencillo
con lo más importante sobre este nuevo ritmo.

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9. Los Intervalos

Un Intervalo es la distancia que hay entre dos notas. El discurso musical es una sucesión de
Intervalos. Clasificación:

Según la forma de sonar de sus notas los Intervalos pueden ser:

Melódicos. Cuando las notas del intervalo suenan de forma sucesiva

Armónicos. Cuando las notas del intervalo suenan de forma simultánea

Según la dirección de sus notas los Intervalos pueden ser:

Ascendentes. Cuando las notas del intervalo van de grave a agudo

Descendentes. Cuando las notas del Intervalo van de agudo a grave

Según la proximidad de sus notas los intervalos pueden ser:

Conjuntos. Cuando las notas del intervalo están seguidas

Disjuntos. Cuando las notas del intervalo no están seguidas

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Según el número de notas que tienen los intervalos pueden ser: simples o compuestos.

Simples. Cuando no superan la 8ª, son los siguientes:

• Unísono. Cuando el intervalo sólo consta de una nota

• De 2ª. Cuando el intervalo contiene dos notas

• De 3ª. Cuando el intervalo contiene tres notas

• De 4ª. Cuando el intervalo contiene cuatro notas

Ejemplos:

• De 5ª. Cuando el intervalo contiene cinco notas

• De 6ª. Cuando el intervalo contiene seis notas

• De 7ª. Cuando el intervalo contiene siete notas

• De 8ª. Cuando el intervalo contiene ocho notas

Ejemplos:

Compuestos. Cuando superan la 8ª, es decir, intervalo de 9, 10ª, 11ª,etc...

10. La Escala

La Escala es una sucesión de notas seguidas, pueden ordenarse ascendente y descendentemente.

Según el número de notas y la disposición de los tonos y semitonos entre dichas notas, hay
diferentes tipos de escalas: Pentatónica, Diatónica, Cromática, etc...

Escala Diatónica

La Escala Diatónica se sucede por tonos y semitonos,

está formada por 8 notas seguidas. La escala diatónica
comienza y termina con la misma nota, la cual se
denomina tónica y da nombre a la escala.

Escala de Re ascendente

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Cada nota de la escala se denomina Grado y se
representa con el número romano
correspondiente. Los grados de la escala tienen
gran importancia en la organización de la
tonalidad, tienen los siguientes nombres:

Escala Cromática

La escala cromática está formada exclusivamente por semitonos, consta de 12 notas. Ser necesita
el uso de las alteraciones para formar esta escala.

11. Alteraciones

Las alteraciones son signos que se colocan delante de las notas y modifican la altura de las
mismas. Estos nuevos signos pueden subir o bajar medio tono la entonación de un sonido.

La altura o frecuencia sonora de las notas puede ser modificada

ascendente o descendentemente por medio de las alteraciones:

Alteración Nombre Efecto

sostenido Altera ascendentemente la nota 1 semitono

bemol Altera descendentemente la nota 1 semitono

becuadro Anula cualquier alteración y devuelve la nota a su estado natural.

Dentro de las alteraciones podemos distinguir: Alteraciones Propias y Accidentales

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Alteraciones Propias

Las Alteraciones Propias son las constitutivas de una

Tonalidad, se escriben después de la clave y
afectan a todas las notas del mismo nombre a lo
largo de la obra musical. A este conjunto de
alteraciones propias se le llama Armadura.

Alteraciones Accidentales

Las Alteraciones Accidentales son las que aparecen a la

izquierda de una nota alterando su sonido, no son
constitutivas de la tonalidad. Afectan a la nota que
lleva la alteración y a todas las del mismo nombre
dentro del compás.

Veamos la representación de las alteraciones en el teclado:

12. Tonos y Semitonos

El sistema de afinación temperada divide equitativamente la octava

en doce sonidos. La distancia o diferencia en frecuencia sonora entre
cada uno de estos sonidos se conoce por el nombre de semitono. En
el teclado del piano hay la distancia de un semitono entre teclas
contiguas:

Un tono equivale a 2 semitonos. Todas las teclas blancas del

piano separadas por una tecla negra, están a la distancia de un
tono. Las que no tienen tecla negra ente ellas están a un
semitono de distancia:

En la escala de DO vemos cómo los semitonos están entre el III y

IV grados y el VII y VIII respectivamente. En el resto de grados la distancia es de 1 tono.

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Semitono Diatónico

El Semitono Diatónico es el que se produce entre dos notas de distinto nombre, por ejemplo de

MI a FA, de SI a DO, de SOL a LA bemol, etc...

Semitono Cromático

El Semitono Cromático es el que se produce entre notas de igual nombre,

por ejemplo de FA a FA#.

Enarmonía

La Enarmonía se produce entre dos notas de distinto nombre pero del mismo sonido, por ejemplo
SOL# y LAb. En el teclado se tocarían en la misma tecla.

13. Tempo o Movimiento

Los términos tradicionalmente utilizados para indicar el movimiento o grado de velocidad con que
debe interpretarse una obra musical son palabras italianas que se colocan sobre el pentagrama, al
principio de las composiciones.

Los principales términos son los siguientes:

TÉRMINOS SIGNIFICADO

Largo Muy Despacio Para una indicación más precisa se utiliza el

Lento Muy Despacio Metrónomo que nos marca el tempo exacto
tomando una figura como unidad.
Adagio Despacio
Andante Moderado

Allegro Rápido
Vivo o Vivace Muy Rápido
Presto Muy Rápido

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14. Signos de Repetición

Los Signos de Repetición se utilizan para abreviar y facilitar la lectura de las partituras. Hay varios
signos de repetición, los más utilizados son:

Doble barra con dos puntos.

Indica repetición del fragmento anterior cuando la indicación está

con los puntos a la izquierda, y repetición del fragmento posterior
cuando la indicación está con los puntos a la derecha.

Da Capo

Este signo de repetición indica volver al principio de la obra y

repetir hasta el final o donde aparezca la palabra fin.

La Llamada

Este signo indica repetición desde el

lugar de la obra donde aparezca hasta
la indicación de la palabra fin.

1ª y 2ª Vez

Con la indicación también de la doble barra con dos puntos este signo de repetición se utiliza para
repetir un fragmento que tiene uno o
más compases diferentes al final. Indica
saltar el compás indicado con 1ª pasando
al 2ª cuando se hace la repetición.

15. Matices

En música se llama "Matices" a un conjunto de signos que se colocan en la partitura con la función
de indicar la intensidad relativa de una nota, una frase, o de un pasaje entero. la sucesión de
matices constituyen la dinámica de la obra.

La Dinámica se refiere a las gradaciones de la intensidad de la música. Existen por lo menos ocho
indicaciones de dinámica, empezando desde un sonido muy suave, hasta un sonido muy fuerte.

Para diferenciar el grado de intensidad sonora se usan los siguientes términos italianos, los cuales
se sitúan bajo el pentagrama de forma abreviada:

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 Términos Abreviatura Interpretación
Pianissimo pp Muy suave
Piano p Suave
Mezzopiano mp Medio suave
Mezzoforte mf Medio fuerte
Forte f Fuerte
Fortissimo ff muy fuerte

Por otro lado, existen otros términos que se usan para indicar cambios progresivos de intensidad
del sonido. Los dos más comunes son:

-cresc.: crescendo (‘creciendo’, aumentando gradualmente la intensidad sonora).

-dim.: diminuendo (‘disminuyendo’ gradualmente la intensidad sonora).

-decresc.: decrescendo (‘decreciendo’), menos usado.

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 TEMA 2. LA VOZ Y SUS TIPOS

La voz humana es producida en la laringe, cuya parte esencial, la glotis, constituye el verdadero
órgano de fonación humano.

El aire procedente de los pulmones, es forzado durante la

espiración a través de la glotis; allí los dos pares de
cuerdas vocales vibran y se produce el sonido.

Las cavidades de la cabeza, relacionadas con el sistema

respiratorio y nasofaríngeo, actúan como resonadores.

Existen diferentes clasificaciones de los tipos vocales debido, sobre todo, a la diversidad natural
de la voz humana, y al desarrollo histórico de la música (que tiene que ver con el gusto y estilos
musicales de cada época).

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El criterio para realizar esta clasificación es la tesitura. La tesitura es el conjunto de sonidos que
se adaptan mejor a una voz, son los sonidos que se pueden cantar sin esfuerzo vocal alguno.

Por su tesitura las voces se dividen en agudas, medias y graves.

Mujeres: soprano, mezzosoprano y contralto.

Hombres: tenor, barítono y bajo.

Las voces se dividen tradicionalmente, según el sexo en:

• Voz de mujer: canta en una frecuencia de una

octava más aguda que el hombre, ya que las
cuerdas vocales son más cortas y la laringe más
pequeña.
• Voz de hombre: canta una octava más alta.
• Voz infantil: canta en una tesitura similar a las
mujeres.

Las agrupaciones vocales se desarrollaron para poder interpretar música vocal polifónica ya que,
como sabemos, la voz es un instrumento melódico.

Además de poder interpretar obras polifónicas, también se han desarrollado este tipo de
agrupaciones porque a las personas nos gusta cantar en grupo. Cantar es una manifestación de
convivencia y expresión de sentimientos, además de una manifestación cultural y musical.

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 TEMA 3. MELODÍA Y ARMONÍA

MELODÍA

La melodía es una sucesión de sonidos de diferente altura animados por un ritmo que expresan
una idea musical. Suele ser la parte más reconocible de una obra musical.

ARMONÍA

Es la sucesión de varios sonidos simultáneos, es decir, que suenan a la vez. También se denomina
“armonía” a las reglas que ordenan la manera en la que hay que combinar las notas y acordes
musicales para que suenen bien.

1. Tipos de melodía

• Ascendentes: llevan una dirección de grave a agudo

• Descendentes: llevan una dirección de agudo a grave

• Lineales: se suelen mantener alrededor de una nota

• Onduladas: suben y bajan la altura de una manera suave

• Quebradas: varían su altura de forma pronunciada.

Ejemplos de tipos de melodías:

Melodía ascendente:

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Melodía descendente:

Melodía lineal

Melodía ondulada:

Melodía quebrada:

Las melodías se componen de frases, igual que en el lenguaje hablado o escrito así que, si las frases
de nuestro lenguaje terminan en “puntos”, las frases musicales lo hacen en cadencias. Las
cadencias dan la sensación de final o de que la música va a continuar por eso decimos que las
cadencias pueden ser conclusivas o suspensivas.

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2. Las escalas

Los músicos utilizan las escalas para componer sus obras musicales. Las escalas se diferencian por la
distancia que hay entre sus notas: tonos y semitonos (a veces, también tonos y medio).

Hay muchos tipos de escalas pero aquí vamos a estudiar solo la escala mayor, la escala menor y la
escala pentatónica.

Escala mayor

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Escala menor

Escala pentatónica

Escala pentatónica menor

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3. Las alteraciones

Las alteraciones son signos que se usan para

modificar la altura del sonido. Se utilizan tres: el
sostenido, el bemol y el becuadro.

Las alteraciones se pueden usar como parte de la armadura, de manera que afecta a todas las notas
del mismo nombre que aparezcan a continuación.

Las alteraciones también se pueden usar como alteración momentánea colocada delante de la nota.
En este caso, modifica todas las notas del mismo nombre que aparecen en ese compás.

4. Los intervalos

Los intervalos son las distancia que hay entre dos notas. Estas notas pueden ser simultáneas (sonar a
la vez) o sucesivas (sonar una después de otra) pero, en los dos casos, para conocer la distancia (el
intervalo) que hay entre dos notas, tenemos que contar las notas que hay entre la primera y la
segunda.

Una vez identificada la distancia, indicamos otras características: melódico o armónico, ascendente
o descendente, y si es mayor, menor, justo, aumentado o disminuido.

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5. Los acordes

Los acordes son grupos de notas que suenan a la vez. Normalmente están compuestos por 3 notas.
Suelen ser consonantes o disonantes.

• Los acordes consonantes son aquellos que producen una sensación de sonido agradable.

• Los acordes disonantes son los que producen una sensación de sonido desagradable o de tensión.

Los acordes se configuran superponiendo

intervalos:

De esta manera, podemos crear acordes sobre cualquier nota de la escala. La nota que se encuentra
en la base (llamada nota fundamental) es la que le da el nombre al acorde.

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 TEMA 4. LA TEXTURA MUSICAL

La textura musical es la manera en la que los sonidos están enlazados, de igual modo que en la
ropa, los distintos hilos están entrecruzados mezclando formas y colores.

En música tenemos fundamentalmente cuatro tipos de textura:

- Textura monódica

- Textura homofónica

- Textura contrapuntística

- Textura de melodía acopañada

La textura monódica consiste en una sola línea melódica, independientemente del número de
instrumentos o voces que la interpreten.

Es la textura más sencilla que se utilizó principalmente durante la Edad Media. En música religiosa
se denominó Canto gregoriano, que se interpretaba en latín y sin instrumentos; mientras que en el
ámbito profano, esta textura monódica la usaban trovadores y troveros pero acompañados de
instrumentos que tocaban la misma melodía que se cantaba.

La textura homofónica consiste

en varias melodías que suenan a
la vez pero que tienen igual
ritmo.

Se utilizó principalmente durante

el Renacimiento y el Barroco. Se
compusieron villancicos, himnos…

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La textura contrapuntística consiste en la superposición de melodías con ritmos diferentes y una
aparente independencia entre ellas; a veces, estas melodías se imitan entre ellas dando lugar al
contrapunto imitativo.

Es la textura más compleja de todas puesto que cada melodía tiene un carácter independiente
aunque no dejan de estar todas coordinadas entre sí.

Se utilizó ampliamente durante el Renacimiento y el Barroco para componer obras vocales

(villancicos, misas, motetes, madrigales, óperas…) e instrumentales (fugas, oberturas, sinfonías…).

La textura de melodía acompañada

se basa en una melodía principal con
un acompañamiento armónico
generalmente a base de acordes.

Es la textura más habitual de todas

que, aunque se utilizó mucho
durante el Barroco, Clasicismo y
Romanticismo, no ha dejado de
usarse siendo la típica de nuestra
música moderna.

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 TEMA 5. LA FORMA MUSICAL

Una forma musical es la manera en la que se organizan los temas musicales dentro de una
composición, es decir, su estructura.

Para identificar las estructuras más sencillas se siguen las siguientes reglas:

• Nombraremos los temas musicales, según su orden de aparición, con las letras de abecedario en
mayúscula ( A, B, C ...).

• Puede repetirse un tema ya utilizado con anterioridad, que se llamará igual.

• Si al repetirse se presenta con alguna modificación , utilizaremos la letra con el signo (´ ) p.e. A´
(A prima).

• En la música vocal, las repeticiones con la misma letra (p.e. estribillo) se ponen en mayúscula,
mientras que las repeticiones con deferente letra (p.e. estrofas) se ponen en minúscula (a, b,
c ...)

1. Formas básicas

Las formas básicas son las estructuras musicales más sencillas. Se basan en la repetición y el
contraste de temas melódicos.

Estas estructuras las denominaríamos de la siguiente manera:

Para analizar y estructurar las formas básicas de una composición, usamos las letras mayúsculas de
abecedario para nombrar cada una de las partes. Para ello, a la primera parte la denominaremos A.
Si la segunda parte es diferente a la primera, la denominaremos B. En caso de que sea la misma, es
decir que se repita de nuevo, tendremos que volver a llamarla A. Si el siguiente motivo musical que
aparece es totalmente diferente al primero y al segundo, lo denominaremos C; y así sucesivamente.

En el caso de que aparezca un motivo musical

muy parecido a alguno de los ya existentes,
usaremos la misma letra pero colocando este
símbolo ‘. Por ejemplo, si después del tema A
aparece otro igual pero que cambia al final,
lo denominaremos A’, que se lee “A prima”.

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Así, podemos deducir los
procedimientos que usan los
compositores para componer: la
repetición, el contraste, y la
variación.

La Forma Estrófica

Se basa en una estructura compuesta A

por una sección que se repite.

La Forma Binaria

Se basa en la estructura compuesta

por dos secciones diferentes (A y A
B). A veces, también se repite
alguna de las partes o incluso
ambas (A A B o A A B B).

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La Forma Ternaria

Esta estructura está compuesta por tres secciones (A B A). La primera y la segunda son secciones
contratantes mientras que la tercera es una repetición o variación de la primera.

Igual que en la forma

binaria, alguna o todas sus
partes pueden repetirse.

AAB BA

La Forma Rondó

Ésta es la más compleja de las formas básicas. Consiste en una sección A que alterna con otras
diferentes (B C D…). De esta manera, se produce un equilibrio entre la repetición y el contraste. Su
representación gráfica sería: A B A C A D… A.

A B

A C

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2. Formas complejas

Las formas complejas son grandes composiciones. Se han compuesto a lo largo de la historia de la
música. Han ido variando a lo largo del tiempo y cada época ha creado las suyas y transformándolas
o abandonándolas en los periodos siguientes.

Aunque las estudiaremos en el tema siguiente junto con las características propias de la época, los
compositores y sus audiciones, aquí podemos ver un esquema con las más importantes:

Motete
Lied Fuga
Misa Preludio y Tocata
Cantata Formas instrumentales Suite y Partita
Formas vocales Ópera Concierto
Zarzuela Sonata
Oratorio Sinfonía
Pasión

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 TEMA 6. HISTORIA DE LA MÚSICA

La historia de la música la vamos a trabajar a través de audiciones así que es fundamental conocer
las características de cada estilo musical y sus formas musicales características.

A través de la información que dan los esquemas de cada una de las épocas, se puede reconocer el
estilo musical (y su periodo de la Historia de la Música) y la forma musical de que se trate.

1. Edad Media

Es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo XV. Esta etapa está
encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan
como el inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del Imperio Romano en el año 476 y el
Descubrimiento de América en 1492.

MÚSICA RELIGIOSA

Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo largo de la Edad Media, podemos
distinguir dos grandes grupos que estudiaremos a continuación:

• EL CANTO GREGORIANO: que ocupará buena parte de la Alta Edad Media.

• EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA: que surgirá a finales del siglo IX y se desarrollará durante

el resto de la Edad Media.

EL CANTO GREGORIANO

En la Iglesia del antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una liturgia con cantos
diferentes. De esto tomó buena nota el Papa Gregorio Magno (Gregorio I) y realizó una unificación
de los cantos que se daban en las diferentes liturgias de toda Europa, razón por la cual este tipo de
canto recibirá el nombre de CANTO GREGORIANO. Esta recopilación tuvo lugar hacia finales del S. V
y principios del VI. A partir de este momento, este tipo de música será el protagonista en todos los
centros religiosos hasta finales del siglo IX, a partir de entonces, será relegado poco a poco por el
surgimiento de la polifonía.

Características del canto gregoriano:

• Es música vocal sin acompañamiento instrumental.

• Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de monjes, todos cantan la misma
melodía.

• Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la Iglesia Católica.

• Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.

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 Tipos de canto gregoriano:

Según las formaciones de los cantores:

• ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.

• RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.

• DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.

Según la relación de texto y notas:

• SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.

• NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.

• MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto.

EL NACIMIENTO DE LA POLIFONÍA

A finales del siglo XI aparece en la música occidental la polifonía (varias voces que suenan a la vez
realizando melodías distintas). En el desarrollo de la polifonía se distinguen tres periodos que vamos
a ver a continuación:

POLIFONÍA PRIMITIVA

Aunque ya se tienen noticias de prácticas polifónicas en la Antigüedad, los primeros ejemplos

escritos que nos quedaron de canto a varias voces se remontan a finales del siclo IX. Las dos formas
más importantes de este periodo son las siguientes:

• ORGANUM: Es la más primitiva y rudimentaria forma polifónica. Consiste en añadir una voz
paralela al canto gregoriano. Esta segunda voz debe estar a distancia de 4ª o de 5ª por
debajo de la principal y se le llama "vox organalis", mientras que el antiguo gregoriano recibe
el nombre de "vox principalis". Poco a poco el organum se irá complicando y se añadirán
nuevas voces.

• DISCANTUS: Surge en el siglo XI. Las dos voces, ya no se mueven de forma paralela como
en el organum, sino en movimiento contrario, es decir, mientras la melodía principal
asciende la organal desciende o viceversa.

ARS ANTIQUA

Es así como se denomina al periodo que comienza hacia la mitad del siglo XII y se extiende hasta
finales del siglo XIII. Durante esta época, Europa vive tiempos de extraordinaria prosperidad
cultural. París se convierte en la capital cultural del continente. Se construye la Catedral de Notre
Dame, en la que se creará una escuela musical que acogerá a los mejores músicos del momento. En
este centro se desarrollarán todas la evoluciones de la polifonía de esta época, como LEONIN y
PEROTIN.

En este periodo van a evolucionar tanto la notación como la técnica musical, lo que facilitará el
desarrollo de la polifonía.

Las dos formas de composición más importantes de la época son:

• ORGANUM: que aunque había existido en el periodo anterior se va a desarrollar en gran

medida hasta crearse "organum triplum" (a tres voces) y "organum cuadruplum" (a cuatro

36
 voces). Las voces ahora ya van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el
paralelismo del organum primitivo. El organum melismático es aquel en el que la voz
principal (del antiguo gregoriano) se mueve con notas muy largas mientras que las otras
voces van haciendo melismas (adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin: "Sederunt
Principes".

• MOTETE: Es una forma polifónica que consta de dos o tres voces, cada una de la cuales canta
un texto distinto y tiene también un ritmo diferente

ARS NOVA

Es el último periodo de la música religiosa en la Edad Media. Ocupa el siglo XIV. La polifonía va a
seguir su desarrollo y se van a crear una serie de nuevas teorías musicales que irán concediendo
cada vez más libertad al compositor.

El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de Vitry, quien tituló así un
tratado musical en el que se establecían las nuevas pautas para escribir música. A partir de este
tratado, a esta época se le conoce con este nombre.

En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su máxima perfección. Algunos compositores,

además de Vitry, destacados de esta época son Guillaume de Machaut o Francesco Landini.

Entre las formas más importantes de la época está el Motete, que sigue desarrollándose hasta
llegar al punto en que cada voz puede tener un texto distinto; o el Canon, composición
contrapuntística en la que todas las voces cantan la misma melodía pero realizan su entrada de
forma progresiva.

Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado, reaccionaron
violentamente los músicos más conservadores, por lo que en esta época podemos hablar de una
contienda entre los músicos más tradicionalistas que veían los últimos adelantos como fuera de
lugar y los modernistas que seguían desarrollando la polifonía.

LA MÚSICA PROFANA

Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener durante la Edad Media, bien es
cierto que existió otro tipo de música que no tenía ninguna relación con el culto o la religión.
Estamos hablando de la música profana.

Este tipo de música se desarrolla de manera paralela a la religiosa y será interpretada por dos
tipos de personajes diferentes: los trovadores y los juglares, que recibían distintas denominaciones
dependiendo del territorio en el que se encontraban.

LOS TROVADORES Y TROVEROS

la composición trovadoresca, podemos decir que se trata de una música de textura monódica con
acompañamiento instrumental. Se basan en los modos gregorianos pero con un ritmo más marcado,
ya que son obras más rápidas y alegres.

Los trovadores fueron poetas-músicos que normalmente pertenecían a la nobleza. Tuvieron una gran
importancia durante la Edad Media, sobre todo en Francia y en España. Su nacimiento se sitúa en
una zona del sur de Francia denominada Provenza a finales del siglo XI. Estos personajes utilizaban
la lengua provenzal en sus composiciones, y el tema principal de sus poemas es el tema del amor
platónico. También cantaban y recitaban sobre temas caballerescos.
37
Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte (en las regiones de Artois y
Champagne). Surgen en el siglo XII y sus obras están escritas en la lengua d'Oil (que más tarde dio
origen al francés actual). La temática de los cantos es similar a la de los trovadores. También
contaron con gran prestigio entre las clases sociales actuando en diferentes palacios y castillos del
norte de Francia.

El movimiento trovadoresco se irá extendiendo por toda Europa y adquiriendo diferentes

denominaciones en cada lugar. Así, por ejemplo, en Alemania eran denominados Minnesinger y
escribían en su lengua vernácula (el alemán). En España, los trovadores alcanzaron gran
importancia sobre todo en la zona de Galicia donde las canciones se denominan Cántigas.

Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a personajes como Adam de la Halle,
Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León o Guillebert de Berneville, además de los españoles, el
gallego Martín Codax, el catalán Rimbaut de Vaqueiras o el mismísimo Alfonso X el Sabio, al que se
le atribuyen (de manera más o menos acertada) las Cántigas de Santa María.

LOS JUGLARES

Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos y cantaban canciones,
sino que además realizaban todo tipo de actividades para divertir al pueblo (chistes, magia,
acrobacias,...) Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se limitaban a copiar y plagiar las
canciones de los trovadores. Desde el principio fueron muy criticados tanto por la nobleza como por
la iglesia, ya que en sus canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No actuaban en castillos ni
palacios, sino que lo hacían en las plazas de los pueblos. eran personajes itinerantes que viajaban
de pueblo en pueblo sin un lugar de residencia fijo. Eran en definitiva una especie de saltimbanquis
con bastante mala reputación.

Sin embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a convertirse en artistas
importantes, se asentaron en las ciudades y refinaron su estilo dejando atrás el espíritu jocoso y
perfeccionando su interpretación musical.

LOS INSTRUMENTOS MEDIEVALES

En la Edad Media encontramos gran cantidad de instrumentos, algunos provendrán de la

Antigüedad y otros vendrán de Oriente, introducidos a raíz de las cruzadas. Vamos a citar algunos de
los más importantes. Pincha en las miniaturas para ver el instrumento a mayor tamaño.

CORDÓFONOS:

• LAÚD: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja de resonancia en forma
abombada. Se tocaba con los dedos. Es de origen árabe.

• LA VIELA: Instrumento de arco. Será el prototipo del violín moderno.

• ORGANISTRUM: También denominado Zampoña. Es un instrumento de tres cuerdas que se

toca girando una manivela.

• EL ARPA: De forma triangular y pequeño tamaño. Se toca con las dos manos, una pulsa las
cuerdas y la otra acorta su longitud.

38
VIENTO:

• PLATERSPIEL: Es una especie de gaita con forma de cuerno. Está hecho de madera y tiene
seis agujeros.

• CHIRIMíA: Especie de oboe de mayores dimensiones muy usado en los desfiles y actos
relevantes.

• CORNAMUSA: Parecido a las gaitas actuales.

PERCUSIÓN:

• PANDERO: Compuesto por un arco de madera y una o dos membranas tensas. Se percutía con
la mano.

• TEJOLETAS: Rudimentarias castañuelas hechas con trozos de teja que se entrechocan.

• DARBUKA: Tambor con forma de copa y una membrana tensa en la parte superior.
Normalmente está hecho de cerámica y se golpea con la manos

39
2. El Renacimiento

Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI,
cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más
importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la
talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que
desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido.

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL:

Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas, terminando con el
feudalismo medieval (excepto en Italia, donde surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y
aristócratas van a ser los mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario.
Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de comunicación y los
transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y propagación de ideas
musicales.

Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica serán
importantes para la evolución de la música.

En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del Humanismo,
que considera al hombre como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del
medievo. Se potencia una vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a despreciar el arte de
ese periodo para tomar como referencia el arte clásico sobretodo de Grecia y Roma.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA RENACENTISTA

La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a que se van a
producir una serie de cambios, de los cuales destacamos los siguientes:

• Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había alcanzado una gran
complejidad; ahora en el Renacimiento el uso de grupos de voces con diferentes timbres y
tesituras se generaliza. En este periodo podemos hablar ya de las cuatro voces que llegarán hasta
nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del ámbito polifónico destacan dos
técnicas de composición, una contrapuntística (en la que las voces se mueven de manera
independiente) y otra homofónica (en la que las voces se mueven de manera homogénea).

• Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado la polifonía, los
sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se abandona
totalmente el ritmo libre del gregoriano para establecer una música con medidas fijas, en la que
las duraciones de los sonidos son absolutas.

• Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a
distancias de terceras superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas. Este uso de terceras
será el antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual.

40
LA MÚSICA RELIGIOSA

Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la unidad del
catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no comparte
algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo,
que se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A
este hecho es conocido como la Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de
cambios, alguno de los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un gran
estudioso de la teoría musical.

Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:

• Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy importante que la
gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y que incluso pudiese participar cantando. Esto
no era posible si las celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua
que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.

• Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el gran desarrollo al que
había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma
musical: EL CORAL, que será el género más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele
ser una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en alemán y
presenta una textura homofónica.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia
anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo el poder político y
religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma
musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las
celebraciones litúrgicas.

La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de arreglar
los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra "El Concilio de Trento", en el
que se tratan de establecer las directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades
afectarán al terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes:

• Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de unidad cristiana.
Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio Vaticano II.

• Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender los textos
religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el
mensaje cristiano.

• Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados en los que sólo se
debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa vigente.

Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa (forma
musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en los que se evitará la
complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni
Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos madrigales), y los
españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

41
MÚSICA VOCAL PROFANA

A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los
territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en
cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".

Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a
mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas
vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A
continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países:

• ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de polifonía compleja
escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música "a capella", aunque se le pueden
añadir algunos instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar
de cinco frases en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más
importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.

• FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma polifónica
normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor más
destacado es Clement Janequin.

• ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su origen no tiene
nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura
de estribillo-copla-estribillo. El compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del
Enzina y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título "El cancionero de
Palacio". Junto con el villancico en España también habrá otros géneros importantes como el
Romance o la Ensalada.

LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO

Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento,

perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en
el punto anterior, durante el Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer
que muchos instrumentos adquieran una gran importancia.

A continuación citamos algunos de los más importantes:

AERÓFONOS:

• Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos
más populares de la época. También existían las flautas traveseras de madera.

• Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que termina en

forma de U.

• Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines militares y en
desfiles.

• Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los oboes
pero de mayor tamaño).

• Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.

42
CORDÓFONOS:

• La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra y violonchelo.
En España recibió el nombre de vihuela de arco.

• La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se extendió por
toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.

• La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran prestigio en

nuestro país de la mano de compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se
especializaron en este instrumento.

• El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se convierte en

uno de los más importantes.

• El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se comenzó a fabricar en

Italia en el siglo XVI.

Para algunos de estos instrumentos de cuerda (la guitarra, la vihuela o el laúd entre otros) se creó
un sistema de notación nuevo que se llamó LA TABLATURA.

43
3. El Barroco

Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado
entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta etapa son la
creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann
Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de esta época.

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL

Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está sumida en un
continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la
Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música
siempre estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales
trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es común encontrar obras
de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de "Horror
Vacui" (miedo al vacío).

El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento, sino que
fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón
en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano
que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA

Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a
este periodo una sonoridad característica indiscutible. A continuación destacamos las más
importantes:

• LA MONODÍA ACOMPAÑADA: Los compositores de Barroco consideraron excesiva la

complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se podía
expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a crear es el
uso de la monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta
técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. En el campo
donde más se desarrolló fue en la ópera.

• EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida
desde el inicio hasta el final de la canción. La melodía principal es acompañada por esas
sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas (manteniendo
su estructura), creando un relleno armónico que va cambiando durante toda la obra.
Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos
polifónicos como el órgano, el clave o el arpa.

• ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el concepto de

tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se
establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a
lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música
quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre.

• NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la música
orquestal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de

44
 instrumentos (tutti, concertino, soli,...). Es un recurso para dar mayor expresividad a la
música.

MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el

Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los
instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan
debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso.

Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.

Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones instrumentales que los
interpreten:

• MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando

específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su
timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran
virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de los géneros más
importantes de música para solistas será "la fuga" (forma contrapuntística por excelencia),
que será desarrollada por autores como J.S.Bach. Dentro de los instrumentos solistas
destacarán el órgano, el violín, el clave...

• MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas
sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada
en pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza. Normalmente, en este tipo de
música, un instrumento realizará los acordes del bajo continuo, mientras que los otros se
encargarán de las distintas melodías.

• MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias.

Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la
obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la
elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del
concierto. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura
guión cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los
primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra
Orfeo.

FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL

A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales barrocas, que
marcarán no sólo este periodo sino toda la música posterior.

• LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter. El
número y la disposición de las danzas es variable. Aunque existen suites escritas para un solo
instrumento, la forma se desarrollará más dentro de la música orquestal, siendo uno de los
principales compositores J.S.Bach.

• LA SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para sonar" (tocada por

instrumentos). Es una forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro movimientos que
contrastan en cuanto al tempo. La estructura de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.

45
 • EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer
cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos contrapuestos en
cuanto al tempo. Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:

• Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y

el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan
los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los "Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.

• Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta.
Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, como
las "Cuatro Estaciones", compuesto para violín

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

• La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo XVII.
El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo", que eran
pequeñas actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de los dramas
teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando importancia y cada vez serán mas
largos, hasta que de manera autónoma se confirmen como un nuevo género musical.

• La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en

1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos fragmentos se han
perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G.
Caccini.

• Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la primera
gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como
estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra, será tomada
como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio Monteverdi,
creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de Popea" y "El
retorno de Ulises".

• Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se convirtieron
sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...), añadiendo cada una sus
propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo operístico italiano, excepto Francia
que creará su género propio

En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:

• OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve

como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en
el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el
escenario.

• RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que
esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos
de recitativo: Secco (acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con
acompañamiento de orquesta).

• ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas;
ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su
voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.

• COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.

46
 • INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.
También se denominaron "ritornellos".

Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...

En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del
coro, extras que no cantaban,... Entre los personajes que más sobresalían en las óperas figuran los
castrati

LOS INSTRUMENTOS BARROCOS

En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:

FAMILIA DE VIENTO:

• El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.

• El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.

• El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S. Bach
desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados.

FAMILIA DE CUERDA:

• El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers, como la familia
Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la historia. La familia de cuerda frotada
(violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran protagonista de la música barroca.

47
4. El Clasicismo

El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse

convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es
una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL:

Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo

cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se
van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a
violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho
que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y
Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.

El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y

la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que
divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se
le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y
el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que
permite al oyente una gran facilidad de comprensión. Estos son los tres ideales de la música del
Clasicismo, que quedan plasmados en una nueva forma de componer.

La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música
de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:

• MELODÍA: Las melodías de Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el

Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una frase
bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción,
cada frase puede dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los
compositores buscan concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces
tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico

• ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se

siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco tardío.
Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a tres agrupaciones características:

• LA MÚSICA DE CÁMARA:

Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en contraposición a

la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de

48
músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se les
llamaba cámaras.

Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzará poco a
poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por
el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también
porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.

Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser
interpretada por aficionados.

Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la guitarra), para un
trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin duda las agrupaciones de cámara
que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el
quinteto (que sumaba a esos instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)

Sin embargo, dentro de este tipo de música caben todas las posibilidades de instrumentos y
agrupaciones que podemos imaginar, siempre que no sean grupos demasiado numerosos.

• LA MÚSICA DE ORQUESTA:

Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión
más utilizados por los compositores.

La constitución de las orquestas va a seguir

dependiendo de las posibilidades económicas y de la
disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las
orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de
manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos
hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección
de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos),
una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots,
trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…)

LAS FORMAS INSTRUMENTALES

Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas musicales, que
adaptaban a las necesidades de sus pedidos o a sus gustos. Algunas formas que destacaron fueron el
divertimento, la serenata o la casación. Sin embargo, las tres formas más importantes de la época
fueron las siguientes:

• LA SONATA:

Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo en el principal

modelo de composición para la música instrumental de la época.

Se trata de una obra musical compuesta para un teclado o para otro instrumento acompañado
normalmente por un instrumento de teclado. La sonata consta de cuatro partes denominadas

49
movimientos. Cada uno de esos movimientos se distingue por su tempo y por su estructura, distinta
de los demás.

1. Rápido (Allegro) En la tonalidad principal

2. Lento (Andante o largo) En una tonalidad vecina.

3. Ligero (suele ser un Minueto) Tonalidad libre.

4. Rápido (Allegro o presto) Tono principal.

• LA SINFONÍA:

Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa aunque de manera más
compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos que luego se convertirán en cuatro. Se
considera a Haydn como el compositor que dio la forma definitiva a este género, aunque los músicos
de la Escuela de Manheim también desarrollaron este género en gran medida.

Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas para
interpretar sinfonías.

Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por eso hablamos
de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas también tienen un sobrenombre;
por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce como la heroica y la 101 de Haydn se conoce
como la sinfonía del reloj.

Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:

· Haydn: que compuso más de 100.

· Mozart: que compuso 41.

· Beethoven: que creó 9 sinfonías.

• CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:

Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta.
Generalmente, la forma del concierto es la misma que la de la sinfonía pero prescinde del tercer
movimiento.

Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que
va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la
Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de
solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros
instrumentos (violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).

50
LA ÓPERA SERIA

El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este
género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos, experimentará durante el
Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y
acercamiento del argumento al público.

Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores encontraron
en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.

A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran
complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y
difíciles de entender, los cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las
arias,... Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.

En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y
presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su éxito fue muy grande, hasta tal
punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en
contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".

En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más
elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo
Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera que había llegado desde Italia,
la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era
mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más
cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo
estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.

En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la reconciliación de
ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se acercase más a lo que el
público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que
la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:

• Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.

• Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos
más expresivos.

• El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y
artificiales de Barroco.

• La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.

Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.

LA ÓPERA BUFA

Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobre todo a la llegada de
la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes
actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron desarrollando y acabaron independizándose,
dando lugar a un género nuevo llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios
del Clasicismo.

51
 Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la Serva Padrona
de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las
mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas
particularidades:

• Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en

ocasiones sentimental.

• Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.

• Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.

• En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba
en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.

• El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.

Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si
tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y
sin conocimientos musicales. La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se
denominó Singspiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.

LOS INSTRUMENTOS

Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de
los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado
por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se
adecuaban al nuevo estilo musical.

Otros instrumentos, sobre todo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados
técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…

Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la
orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos
conciertos.

52
5. El Romanticismo

Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay
corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se
extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea
divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad.

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL:

En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La
burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los
ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.

Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que exalta la
libertad del ser humano por encima de todas las cosas.

El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se refuerza la idea
de individualidad. El nacionalismo afectará a todas las artes y muy en especial a la música.

Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas formas
de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de
libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en
ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo
es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus obras.

Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes y sin
tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían impuesto en el periodo
anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la
gente.

El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera
vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la
música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la música:

• Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado
con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de expresión y composición.

• Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de
Wagner)

• Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.

• La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no serán tan
regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y síncopas, ritardandos y
cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar en mayor medida los
sentimientos.

• La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará
frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.

53
MÚSICA INSTRUMENTAL: LA MÚSICA DE CÁMARA

La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a

que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o
entre amigos.

A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para
dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta
nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del
Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta
época.

Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de aficionados en las
reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.

MÚSICA INSTRUMENTAL: LA MÚSICA PARA ORQUESTA

La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista

de la época. Casi todos los compositores escribieron obras
musicales para este tipo de formación.

La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica,

estaba integrada por un número de intérpretes que solía
oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias. No
es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que
requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los
instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores
comenzaron a considerarlos tan importantes como los de
cuerda.

Debido a la constante demanda de conciertos públicos el

número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el
punto de que las grandes ciudades contaban con varias
orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con
una acogida extraordinaria.

Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:

• LA SINFONÍA

Durante el siglo XIX continúa cultivándose esta forma que en el Clasicismo había estructurado
perfectamente su contenido. Todos los grandes autores componen en este periodo numerosas
sinfonías. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando de los esquemas formales clásicos
explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los instrumentos.

Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo rendimiento
de los recursos tímbricos de las grandes orquestas sinfónicas de la época.

Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F. Schubert, F. Mendelssohn, A.

Bruckner, J. Brahms y L.V.Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran
espíritu romántico

54
• EL CONCIERTO PARA SOLISTA

El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se escribieron

numerosos conciertos para solista y orquesta, en los que el solista podía ser cualquier instrumento.
Se conservan conciertos para clarinete, oboe, flauta, violonchelo,...; sin embargo los instrumentos
más destacados y para los que más música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.

• CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA: Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios
momentos de lucimiento que se esperaban de la parte solista. Era el preferido de los
compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza tímbrica de la
orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano y las
grandes posibilidades técnicas de este instrumento polifónico. Entre los compositores del siglo XIX
que escribieron conciertos para este instrumento destacan L.V. Beethoven, F. Chopin, R.
Schumann, F. Liszt o J. Brahms.

• CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA: Aunque menos numerosos que los de piano, también los
conciertos para violín y orquesta ocuparon un lugar destacado. A partir de la revolución técnica
del violín, propiciada por N. Paganini, las exigencias de virtuosismo del instrumento se
multiplicaron. Como en el caso del piano, las obras para violín exigían un gran lirismo en la
interpretación de sus melodías además de una virtuosa técnica instrumental. Entre los
compositores que escribieron obras para este instrumento podemos destacar a L.V. Beethoven,
P.I. Tchaikovski, J Brahms o N. Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la
época y en ocasiones el único capaz de interpretar sus propias obras

LA MÚSICA DE PIANO

El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de los

amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:

• La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente
que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo de
elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias
en torno a él.

• Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y esto le
permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.

• Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un medio de
comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la música.

Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las que recurrían
a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.

LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la expresión
romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que ya no se construye
a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...).

Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una novedad
(recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género
nuevo capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música
programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.
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• LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar de basarse en una estructura formal, se
desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter
literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con su obra "Episodios de
la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia una
actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía programática es una obra de larga
duración (varios movimientos) y normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra
que sirve de guía de la misma.

• EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en elementos poéticos o

descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas
de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por
compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N.
Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas

MÚSICA VOCAL: EL LIED

Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una de las principales formas
vocales de la música romántica ya que normalmente era compuesta para el disfrute en veladas
musicales íntimas.

El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción. Es una forma breve
escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión
entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público porque en los conciertos creaba
una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al
servicio de la melodía del cantante.

Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico, caracterizado por repetir la
misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la forma bipartita de dos secciones
que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la que la tercera parte era repetición de la
primera (A-B-A)

Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo largo de su
vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav
Mahler.

MÚSICA VOCAL: LA ÓPERA ROMÁNTICA

Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su
cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros
por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento
vocal de sus arias.

Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:

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• ITALIA

En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales escuelas que marcarán el desarrollo del
género operístico en el resto de Europa. Podemos destacar dos corrientes de este género que se van
a dar a lo largo del Romanticismo:

* BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos
de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los cantantes,
sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran expresividad.

Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como G. Donizetti con "El
elixir del amor" y V. Bellini con "Norma". Estos dos compositores fueron los máximos representantes
del estilo belcantista. Otro personaje destacado fue G. Rossini con "EL barbero de Sevilla" que fue la
ópera más representada en todo el siglo XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos
olvidar a G Verdi, que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista del
Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" o "El
trovador".

* VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y naturalismo
literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida cotidiana, reflejando sus
emociones de forma realista sin idealizaciones románticas.

Los máximos representantes de este tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería rusticana" y G.
Puccini con óperas como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly”.

• FRANCIA

París se convirtió en el siglo XIX en una importante capital de la actividad operística europea. En
Francia también existen dos estilos de ópera:

• LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, profusión de ballets,
grandes coros y escenas multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género
podemos nombrar a G. Meyerbeer con "Los Hugonotes" o G. Bizet con "Carmen" basado en un
tema español en la que el autor utiliza danzas y temas populares.

• LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados con otros hablados y
normalmente sus argumentos son de carácter humorístico. Destacan compositores como J.
Offenbach con "La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann”

• ALEMANIA

Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada en los ideales
expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos legendarios en los que
la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca en esta época la obra de C.
M. von Weber, al que podemos considerar el iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra
más conocida es "El cazador furtivo".

Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una primera época
enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran reforma del género de enorme
trascendencia en toda la música posterior. La idea de Wagner es crear un "drama musical" continuo y
con ese nombre se conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características
de su drama musical son las siguientes:

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• La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las artes (poesía,
música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de manera inseparable en sus obras.

• Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente pararepresentar

personajes, hechos, situaciones,...

• Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque candencias
claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.

• La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel principal en el

desarrollo y explicación de la acción.

• Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin interrupciones.

Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser" y
"El anillo de los Nibelungos" , esta última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras
juntas

• ESPAÑA

En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que
muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las cortes y teatros de
nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto de siglo se intenta revitalizar un género propio que hasta
ahora no había tenido gran éxito: La Zarzuela.

Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos
cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al
público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para
espectadores sin grandes conocimientos musicales.

Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del género con la
llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente uso de coro y predominio de las
partes cantadas sobre las habladas. Estas obras contaban con un amplio despliegue de medios
técnicos y escenográficos. Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con
Fuego" y "Pan y toros".

A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más
simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto,
reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes
habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela más económica que hizo furor entre las
clases más populares.

Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como
"La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y
Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.

EL POST-ROMANTICISMO

La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo, que se
produjeron sobre todo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de Post-
Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye una prolongación del
lenguaje romántico.

58
 Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de la individualidad y los
estados anímicos personales. El resultado es un sonido amplio y, a menudo, grandioso, que se logra
mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada utilización de los instrumentos.

Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos nombrar a Gustav Mahler
(Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1
en re menor). Todos los artistas post-románticos se verán muy influidos por la obra de R.Wagner y
tendrán a su vez influencia en las primeras corrientes vanguardistas.

EL NACIONALISMO MUSICAL

A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos pueblos
defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones de tipo histórico.
Este movimiento político nacionalista se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las
unificaciones de Alemania e Italia.

Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde se desencadenó un

movimiento que volvió su mirada hacia la tradición y buscó materiales musicales en el folclore de
cada territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en países que habían estado sometidos a gustos
musicales extranjeros, como Rusia, Bohemia, los Países Escandinavos, Hungría o España entre otros.
Los compositores de estas naciones reivindican la música popular de sus patrias y sienten el afán de
enseñarla al mundo como algo propio.

Muchos de los compositores románticos anteriores ya utilizan o se inspiran en fuentes propias de

su folclore; es el caso de Chopin con sus polonesas y mazurcas, o de Liszt con sus rapsodias
húngaras. Sin embargo, es a partir de las revoluciones europeas de 1948 cuando se desarrollan
plenamente los nacionalismos, en los que cada país busca resaltar su identidad rescatando su
tradición cultural y folclórica.

Este movimiento se caracteriza además por:

• Elección de temas nacionales para óperas y poemas sinfónicos.

• Interés por el folclore y las tradiciones de cada país, lo que conduce a la recopilación,
estudio y clasificación de canciones populares. Nace así la etnomusicología.

• Aparición de estilos nuevos al añadir al lenguaje musical romántico elementos melódicos,

rítmicos y estructurales propios de las tradiciones locales. Con frecuencia se introducen
melodías folclóricas en las composiciones.

El nacionalismo musical sirve de puente entre el siglo XIX y el XX, ya que en muchos países se
prolonga conviviendo con otros movimientos musicales contemporáneos.

EL NACIONALISMO MUSICAL ESPAÑOL

El nacionalismo en España es un movimiento tardío. Aunque la zarzuela de mediados de siglo

supone una primera conciencia nacional como respuesta a la influencia de la ópera italiana, no será
hasta casi comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente nacionalista. El promotor y
padre del nacionalismo musical español fue el catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de
material tradicional y folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.

59
 Las teorías nacionalistas de Pedrell serán llevadas a cabo por sus discípulos, entre los que cabe
destacar a Isaac Albéniz, autor de la suite para piano "Iberia" o Enrique Granados, creador de obras
como "Danzas españolas" y "Goyescas", estas últimas inspiradas en las pinturas de Goya.

Pero sin duda, la gran figura del nacionalismo español es Manuel de Falla, que obtuvo grandes
éxitos internacionales y supo conjugar a la perfección los elementos folclóricos y tradicionales con
las tendencias vanguardistas del momento. Entre sus obras destacan el ballet "El amor brujo",
conciertos como "Noches en los jardines de España", obras para piano como "La sinfonía bética" y
óperas como "La vida breve".

60
6. El Siglo XX

Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música

contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que
darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el
Expresionismo.

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL:

El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las

tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Sin embargo, los
problemas socioeconómicos y políticos derivados de la Revolución Industrial culminan a principios de
siglo con la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las conciencias de la
población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras trajeron millones de muertos y
muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países.

El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a
dar con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal cantidad de escuelas,
movimientos y novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma
acelerada. Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los
movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado.

El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el avance de las
comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la creación artística.
Desde finales del siglo XIX la pintura asume un liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya que
encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la multitud de

corrientes que se van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos, vamos a
destacar algunas ideas generales:

• La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo
de expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio
lenguaje musical para expresarse.

• La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje tonal, que parece
haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.

• Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar
con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.

• El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, por lo tanto
nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había
realizado hasta entonces.

• En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor acompaña su obra con
textos explicativos propios para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo
se usan sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los
avances electrónicos e informáticos.

61
•

MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO XX

A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron imponiendo de manera gradual, y con mucha
dificultad, en un mundo aún dominado por los últimos grandes compositores del Postromanticismo y
del Nacionalismo. Compositores que, a pesar de componer en el umbral del siglo XX, tuvieron una
gran influencia posterior.

La nueva concepción de componer vino de dos ciudades diferentes, que fueron París y Viena. En
el primer caso con las aportaciones del Impresionismo de la mano de C. Debussy, que supone un
punto de partida para la música de vanguardia; en el segundo con la ruptura que suponía la música
de Arnold Schoenberg y sus discípulos en la Escuela de Viena.

Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que aunque no
tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los movimientos que tendrán lugar en
la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como el Neoclasicismo, intentarán devolver a la
música a sus cauces tradicionales.

Las tendencias más representativas son: Impresionismo, Expresionismo, Atonalismo, Dodecafonismo,

futurismo y Neoclasicismo.

MÚSICA EN LA 2ª MITAD DE SIGLO XX

Herederos de las novedades aportadas en las primeras décadas, durante a segunda mitad de siglo
el arte en general y en particular la música siguen las pautas de ruptura con lo establecido marcadas
por los autores de las generaciones anteriores.

Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje universal tonal, llegamos en este periodo a la

concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en los que todo es válido para
crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender al un público que no está preparado
para este tipo de música.

Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se van desarrollando
debido al gran avance de la tecnología, formarán parte de la composición. Los instrumentos
tradicionales van dejando su sitio a otros instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el
laboratorio musical y más tarde en el ordenador.

Las tendencias más representativas son: Serialismo Integral, Música Concreta, Música electrónica,
Música aleatoria y nuevas tendencias (minimalismo y El Nuevo Romanticismo)

LA MÚSICA ELECTRÓNICA

Esta corriente surge influenciada por la música concreta. Como hemos visto, esta música se
basaba en la grabación de un conjunto de sonidos reales que se manipulaban; sin embargo, en la
música electrónica el sonido es creado completamente en un laboratorio, son sonidos que no existen
en la realidad, que se crean, se procesan y se graban electrónicamente. Este tipo de música suprime
totalmente los intérpretes y las partituras.

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 El laboratorio musical es el centro de creación del artista. Aquí el compositor utiliza
sintetizadores y otros aparatos electrónicos para generar el sonido.

Entre los compositores más destacados de este movimiento está: Karl Stockhausen, que desde
1953 dirige el Estudio de Música Electrónica de Colonia (Alemania). Su obra más conocida es "El
canto de los adolescentes". Otros autores que seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano Berio y
Bruno Maderna.

La música electrónica se unirá a la música concreta, dando lugar a obras cuyo contenido
es en parte grabaciones de sonido real y otros creados por medios electrónicos. A esta
música se le conoce como Electroacústica, y se convertirá en uno de los procedimientos más
empleados por casi todos los compositores del siglo XX.
La conocida como música Estocástica puede considerarse una fase más del desarrollo
de la música electrónica; consiste en la introducción del ordenador en el campo de la
composición, que debidamente programado, calcula combinaciones de sonidos y crea obras
musicales.

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 BLOQUE DE
PRÁCTICA MUSICAL

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A. LECTURA DE NOTAS

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B. ACTIVIDADES DE LENGUAJE MUSICAL

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79
80
81
Ejercicios de calentamiento instrumental

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

etc.

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C. CANCIONES DE FLAUTA

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90
ANEXOS

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POSICIONES DE LAS NOTAS EN FLAUTA DE PICO SOPRANO

POSICIONES DE LOS PRINCIPALES ACORDES DE GUITARRA

92
POSICIONES DE LAS NOTAS EN EL TECLADO DEL PIANO

ACORDES PRINCIPALES EN PIANO

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94
CUADERNO DE TRABAJO
Y
PAPEL PAUTADO

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