2 Mitad S. Xix (Ii)

2ª MITAD S.
XIX (II)
2ª MITAD s. XIX
ARQUITECTURA Y DISEÑO
• EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE LONDRES: auge de la industrialización

• ARTS & CRAFTS (Inglaterra): rechazo de la industrialización
• continúan el Historicismo y Eclecticismo estilísticos
• inicios del Art Nouveau (Bélgica y Francia)
ILUSTRADORES SATÍRICOS
• Daumier (Francia)
• Cruikshank (Inglaterra)
NOVEDADES E INFLUENCIAS:
• Japonesismo
• Evolución del Cómic
• Fotografía e impresión. Aparición del cine
• Nuevos géneros y éxitos editoriales
• Nuevos productos a publicitar
PINTURA: • PRERRAFAELITAS (Inglaterra): Rossetti, Burne-Jones, Millais

• REALISMO (Francia) : Millet, Courbet, Daumier
• IMPRESIONISMO: Manet, Monet, Renoir
• POSTIMPRESIONISMO: Gauguin, Cezánne, Van Gogh, Puntillismo
INFLUENCIA ORIENTAL JAPONESA
SIGLO XIX
MOVIMIENTO ESTÉTICO:
Reinterpreta de manera
subjetiva influencias
orientales.
Adoptaron una
aproximación más libre e
individual hacia los estilos
históricos y una mayor
libertad en el uso de los
materiales y la decoración.
Exploraron la dimensión
expresiva de las artes
decorativas y abogaron por
la igualdad entre las Bellas
Artes y las artes aplicadas.
Peacock Room, Whistler.

Inglaterra, 1887.
La sala del Pavo Real, con
estanterías empotradas y
paneles de estilo oriental.
MOVIMIENTO ESTÉTICO:
Reinterpreta de manera subjetiva
influencias orientales.
Adoptaron una aproximación más libre e
individual hacia los estilos históricos y una
mayor libertad en el uso de los materiales y
la decoración.
Exploraron la dimensión expresiva de las
artes decorativas y abogaron por la
igualdad entre las Bellas Artes y las artes
aplicadas.
Hubo elementos comunes entre el
movimiento estético y el Arts & Crafts
Detalle de La sala del Pavo Real, con

estanterías empotradas y paneles de estilo
oriental.
Peacock Room, Whistler. Inglaterra, 1887.
E. W. Godwin c. 1875
Altura 190,5 cm., anchura
153,7 cm., 255,3 cm.
De caoba con un acabado
de ébano, con plateado en
monturas y mangos.
Dos versiones de este
gabinete se conocen: Uno
en la Galería de Arte de
Bristol y otra en el Museo
Victoria y Albert. El diseño
original fue ejecutado en
1867. Apareció en el
catálogo de William Watt.
Liberty & Co. Empezó a
importar el papel
prensado de Japón en Movimiento
1876. estético
INFLUENCIA JAPONESA
Desde 1870, Manet, la mayor parte de los Impresionistas y luego Toulouse Lautrec, Van Gogh y
Gauguin habían sacado de las estampas japonesas la inspiración para sus espacios gráficos y
pictóricos. También muchos de los inventos decorativos del Art Nouveau se inspiraron en ellas.
Jules Charetie afirmó: “Japón hace escuela”.
KITAGAWA UTAMARO (1753 – 1806) fue un pintor y grabador japonés, uno de los más
conocidos representantes del arte tradicional nipón en Occidente. Junto con otros maestros de
la estampa japonesa como Hokusai y Hiroshige, tuvo una gran influencia en la pintura francesa
de mediados del siglo XIX, especialmente en el Impresionismo y Postimpresionismo. Su influjo
se percibe claramente en el famoso cuadro de Claude Monet “la japonesa” y en los afiches de
las bailarinas del Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec, con los colores planos y las marcadas
líneas negras de sus perfiles.
Utamaro fue sobre todo famoso por sus pinturas y grabados de bellas y sensuales mujeres,
retratos idealizados, inspirados muchas veces en las cortesanas del Yoshiwara, el famoso barrio
del placer de Edo (Tokio), instaurando, como ningún otro, el ideal femenino japonés, tanto por
la estilizada e irreal belleza de sus mujeres, como por su sofisticada indumentaria y la actitud de
sus poses, siempre tan distinguidas, incluso en los momentos más cotidianos.
Artista de la pasión y la sensualidad refinada, de entre sus obras destacan su numerosa

producción de estampas eróticas, donde incluso recoge escenas de amor homosexual o el acto
compartido por más de dos miembros.
KITAGAWA UTAMARO
La imagen representa la cita entre un cliente y una camarera en el 2º piso de un

restaurante. La escena resulta extraordinariamente tierna: el hombre estudia
amorosamente a su amante mientras ella acaricia con delicadeza su mejilla. La nuca
descubierta de la camarera es una zona erógena para los japoneses. El abanico que
sostiene el hombre lleva inscrita la parodia de un poema clásico japonés.
Para estas pinturas se emplearon las técnicas más refinadas: las figuras están
perfiladas en color rojo en lugar del negro habitual, y los detalles se labran con gran
precisión (el pelo y los dibujos de las telas).
Es una xilografía (10ª) a color (Amantes en la habitación de arriba) de su álbum de 12

xilografías “El poema de la almohada”, 1788. 25,5 x 36,9 cm. Museo Británico.
Japón. Kitagawa Utamaro: Xilografía 10ª a color (Amantes en la habitación de arriba) de su
álbum de 12 xilografías “El poema de la almohada”, 1788. 25,5 x 36,9 cm. Museo Británico.
Japón. Keisai Eisen: Cortesana.
Xilografía a color de 1825, 75 x 25
cm.
Cortesana de alta alcurnia, cuyo
formato vertical emula el habitual
de las pinturas japonesas. Un
dragón revolotea en su ropaje, y
de su peinado emergen
relucientes agujas y peines.
Ukiyo-e, literalmente ‘imágenes
del mundo flotante’, es un género
japonés de xilografías a color que
se desarrolló en los centros
urbanos de Edo (Tokio), Osaka y
Kioto, desde el s. XVII hasta el s.
XX. Se producían a gran escala,
casi siempre en hojas de papel.
Keisai Eisen fue un productor
prolífico de ukiyo-e, conocido por
sus cortesanas. Combina líneas
rectas de diverso grosor, trazos
angulosos, curvos y detalles.
Este género tuvo una gran
influencia sobre los artistas
posimpresionistas. Esta lámina
Versión de Van Gogh de la
apareció en la portada de París
cortesana de Keisai Eisen, artista
illustré en 1886.
japonés.Óleo sobre lienzo
Ukiyo-e, literalmente ‘imágenes del
mundo flotante’, es un género
japonés de xilografías a color que se
desarrolló en los centros urbanos de
Edo (Tokio), Osaka y Kioto, desde el
s. XVII hasta el s. XX. Se producían a
gran escala, casi siempre en hojas de
papel.
Este género ukiyo-e tuvo una gran

influencia sobre los artistas
posimpresionistas. La cortesana de
Keisai Eisen apareció en la portada
de París illustré en 1886.
Japón. Katsushika HOKUSAI: Kajikazawa en la provincia de Kai, de ‘36 vistas del monte Fuji’,
1830-33. Xilografía a color, 26 x 38 cm. aprox. Ukiyo-e
HOKUSAI llevaba una carrera de 60 años de pintor y grabador cuando creó la serie que
le hizo famoso: Treinta y seis vistas del monte Fuji. La popularidad que alcanzó hizo que
produjera 10 imágenes xilográficas adicionales a las 36 proyectadas.
Esta es una de las imágenes más notables de la serie. Representa a un pescador

anciano haciendo equilibrios sobre un promontorio rocoso, sujetando con paciencia
unos hilos de pescar mientras su ayudante, más joven (tal vez su hijo), descansa cerca
de él. La figura encorvada del hombre muestra el dominio de Hokusai en la técnica del
dibujo.
La forma triangular que constituye el promontorio, el pescador y los hilos de pescar

evocan de manera armónica la silueta del monte Fuji, que se eleva entre las altas
nubes en el horizonte.
Las olas espumosas y las corrientes de agua silenciosas situadas en el plano medio son
la forma emblemática que emplea Hokusai para situar a Kajikazawa en el río Fuji, uno
de los tres torrentes más caudalosos y rápidos de Japón.
La producción de xilografías de ukiyo-e se popularizó durante el periodo Edo (1615-

1868), sobre todo en el Edo metropolitano (actual Tokio). El paisaje se consolidó como
tema independiente a comienzos del s. XIX.
HIROSHIGE destaca en el panorama
japonés en el ámbito de la evocación
poética de la vida cotidiana. Cien vistas
famosas de Edo, la última de las muchas
series que creó, sirve de resumen de
todas ellas al ofrecer vistas del paisaje
de Edo y sus habitantes.
Esta es una de las mejores pinturas de la
serie, y representa una tormenta de
verano que descarga un torrente de
agua sobre la ciudad. Un grupo de
transeúntes es sorprendido por la
tormenta en el puente Ohashi, se
protegen con paraguas, sombreros y
chubasqueros de paja. Un solitario
barquero conduce su barco contra la
corriente. La lluvia se representa con
líneas negras y grises. El cartucho rojo
de la derecha (arriba) contiene el título
de la serie y de la lámina, el inferior es la
firma del artista.
Japón. Utagawa Hiroshige: El puente de
Ohashi: chaparrón repentino cerca de Atake.
Ukiyo-e, 1857. Xilografía a color, 37 x 25 cm.
Vincent van Gogh trasladará a lienzo en
1887 3 estampas japonesas, y esta es
una de ellas. Este tipo de estampas
servirán a Van Gogh para intensificar
los tonos de sus cuadros y para depurar
su técnica dibujística.
Las líneas rojas y verdes que envuelven
la escena son un añadido del holandés,
inspirándose en el gran maestro
Hiroshige.
El elevado interés por lo oriental en la

Francia de finales del siglo XIX no
afectará exclusivamente a los artistas
sino que la nobleza y la burguesía
empezaron a decorar los salones de sus
casas con estampas y motivos
orientales. Incluso esta afición llegaría a
los palacios reales.
Van Gogh: Puente bajo la lluvia, 1887
Museo Nacional Van Gogh
73 x 54 cm. Óleo sobre lienzo
2ª MITAD s. XIX

• Japonesismo

Entre los pioneros de la primera mitad del siglo XIX está George Cruikshank, aunque el
popularizador del cómic moderno es el franco-suizo RODOLPHE TÖPFFER, pintor y caricaturista,
considerado el padre de la historieta moderna (en formato libro) por bastantes teóricos.
Publica en 1833 su HISTOIRE DE M. JABOT, y otros seis álbumes, todos de formato horizontal,
dirigidos a lectores adultos, con una tira de viñetas por página y una o dos líneas de texto al pie
de cada viñeta, caracterizados por su espontaneidad y trazo suelto. Tuvieron mucho éxito y
fueron editados en Francia, Alemania y EEUU, generando multitud de imitaciones.
R. Töpffer:
Histoire de M.
Jabot, 1833
Caricaturas,
Litografías.
Mezcla
aventura,
humor y crítica
social, así como
el reflejo de un
momento
concreto en la
sociedad de la
época.
La historieta puede ser considerada como un producto cultural de la modernidad
industrial y política occidental, que surgió en paralelo a la evolución de la prensa
como primer medio de comunicación de masas. Así, en 1830 la revista Le Caricature
inauguraría la tradición contemporánea de la caricatura política lanzando una
campaña contra Luis Felipe «El Rey Burgués» por medio de imágenes satíricas de
nombres de la talla de Daumier o Gustave Doré. El testigo de Le Caricature sería
recogido por Le Charivari que expurgó la crítica política en favor del molde de simple
revista de humor.
Inspirada en Le Charivari, la revista británica Punch (1841) fue el motor de la
expansión mundial de la historieta al dirigirse a un nuevo sector aupado también por
la revolución social e industrial: la infancia. El modelo de Punch fue imitado en todo
el mundo, dando lugar en Alemania a Fliegende Blätter (1844) en la que debutaría el
excepcional Wilhelm Busch, autor de Max und Moritz (1865); en Japón, a The Japan
Punch (1862-87), y, lo que es más importante, en Estados Unidos, a Puck (1877),
Judge (1881) y Life (1883), verdaderos campos de prueba en los que comenzaron,
entre otros, Richard Felton Outcault y Frederick Burr Opper.
Surgen también series con personajes fijos, como Ally Sloper, creado en 1867 para la
revista británica Judy; Famille Fenouillard, creada por Christophe para Le Petit Français
illustré en 1889, y Little Bears and Tigers, del estadounidense James Swinnerton en
1892. Al año siguiente, se incorpora el color en el suplemento dominical del New York
World de Pulitzer. Otro destacado historietista francés es Caran d'Ache.
En Alemania apareció la revista Fliegende Blätter (1844) en la que debutaría WILHELM BUSCH, autor de
MAX UND MORITZ (1865), una historia en verso ilustrada, cuento altamente ingenioso y de carácter
humorístico, narrado enteramente en coplas rimadas. El cómic narra, con un estilo caricaturesco y un par
de versos al pie de cada viñeta, la historia de dos niños que siempre están peleando y le faltan el respeto a
los adultos de su época, siendo castigados brutalmente por ello.
Durch den Schornstein mit Vergnügen Through the chimney now, with pleasure,
Sehen sie die Hühner liegen, They behold the tempting treasure,
Die schon ohne Kopf und Gurgeln Headless, in the pan there, Iying,
Lieblich in der Pfanne schmurgeln Hissing, browning, steaming, frying.
En Alemania apareció la revista Fliegende Blätter (1844) en la que debutaría WILHELM BUSCH,
autor de MAX UND MORITZ (1865), una historia en verso ilustrada, cuento altamente ingenioso
y de carácter humorístico, narrado enteramente en coplas rimadas. El cómic narra, con un estilo
caricaturesco y un par de versos al pie de cada viñeta, la historia de dos niños que siempre están
peleando y le faltan el respeto a los adultos de su época, siendo castigados brutalmente por ello.
USA, siglo XX
En los albores del siglo XX el principal centro de producción e innovación
en el campo de la historieta fue EE.UU, ya que los principales editores del
país, Hearst y Pulitzer, la usaron para atraer a todo tipo de público, niños y
adultos, incluyendo a los inmigrantes que no sabían inglés.
Entre las series germinales está The Katzenjammer Kids (1897) de Rudolph
Dirks, inspirada en Max y Moritz de Busch, series que usan
progresivamente los globos de diálogo. Las tiras más populares oscilan
entre el humor físico del slapstick (forma de comedia que basa su
atractivo en el dolor, la farsa, los golpes y las bromas del humor crudo), y
el tratamiento de los problemas de adaptación a la modernidad de un
grupo de personajes. El grupo podía ser una familia o una pareja, siempre
polarizada entre un padre y su esposa, hijos, o entre dos compañeros de
diferente carácter. Los ejemplos más famosos son Mutt and Jeff (1908) de
Bud Fisher, Polly and her pals (1912) de Cliff Sterret; Bringing up father
(1913) de McManus, Thimble theater (1919) en la que Segar crearía a
Popeye, y Gasoline Alley (1919) de Frank King. También surgen "girl
strips", como Little Orphan Annie (1924) de Harold Gray.
Bringing Up Father
(Educando a papá) es una
tira de prensa creada por
G. McManus en 1913.
Estuvo durante 87 años
publicándose
ininterrumpidamente en la
prensa norteamericana,
hasta el 2000.
Desarrolla las peripecias de
un inmigrante irlandés en
USA, de clase media, que
se hace repentinamente
millonario, pero no quiere
abandonar a sus viejos
amigos ni sus antiguas
costumbres, para
consternación de su
esposa, neurótica y
engreída, encantada con
su nueva situación. Fue
publicada por primera vez
en España en 1929 con el
título Zebulón y familia.
Thimble theater (1919), de E. C. Segar. Es una historieta de humor protagonizada por varios
personajes entre los que destacaría finalmente Popeye el marino en 1929. Popeye sedujo a
todos con su naturalidad y desfachatez, representante de un pueblo llano hecho a sí mismo. A
Segar el personaje le serviría para mostrar la parte agradable del inconformismo, no exento de
cinismo, lanzando una mirada incisiva hacia la condición humana. Le interesaba a Segar una
narración en clave de slapstick rápida, como una sucesión de bofetadas humorísticas, rozando
siempre el surrealismo en busca de la humorada sorprendente.
En el resto del mundo, mientras
tanto, destacan las originales
novelas sin palabras de Frans
Masereel, y el surgimiento de
revistas y suplementos infantiles
como las británicas Chip y Comic
Cuts, ambas de 1890, y la española
TBO (1917).
TBO fue una revista de historietas
española de periodicidad semanal
que apareció en 1917y se publicó,
con interrupciones, hasta 1998. La
revista fue la popularizadora del
formato en España, y originó el
término «tebeo» para
publicaciones que contienen
historietas.Dirigida al público
infantil-juvenil y dueña de un
estilo propio de historieta
humorística.
TBO fue una revista de historietas española de periodicidad semanal que apareció en 1917y se publicó, con
interrupciones, hasta 1998. La revista fue la popularizadora del formato en España, y originó el término
«tebeo» para publicaciones que contienen historietas.Dirigida al público infantil-juvenil y dueña de un estilo
propio de historieta humorística.
2ª MITAD s. XIX

• Japonesismo

1888: fundación de la Kodak por George
Eastman; Kodak 100 vistas: “usted apriete el
botón, nosotros hacemos el resto” .
Era una cámara de caja pequeña, con rollo de papel de

100 negativos circulares de 6 cm. de diámetro. Por unos
25 dólares era posible comprar la cámara con un carrete
de papel fotográfico circular con el que se podían hacer
100 fotos. Era preciso entregar la cámara completa para
su revelado, y por 10 dólares te la devolvían con un
carrete nuevo.
Fred Church:
George Eastman
con una cámara
Kodak a bordo del
“Gallia”, 1890.
En 1888, y luego en 1890, publicó una selección de ellas, pero eran dibujos y
facsímiles de baja calidad, por lo que su obra fotográfica no recibió atención
hasta 1947.
La primera entrevista fotográfica la
realizó Paul Nadar, hijo de Felix, cuando
sacó la serie de fotografías del físico
Chevreul, entonces centenario.
Estas fotos salieron en Le Journal Illustré
en 1886, acompañadas de las preguntas y
respuestas de la entrevista.
Esta sería una de las primeras ocasiones
en que se publicaba una secuencia de
imágenes (12 en tres páginas) sobre un
mismo tema, como uno de los primeros
ejemplos de reportaje fotográfico.
Felix Nadar (1820-1910), en la foto junto a
Chevreul, y Paul Nadar(1856-1939) fue el
fotógrafo.
Entrevista a Chevreul. Agosto 1886. Las
palabras pronunciadas por el químico
centenario se registraban debajo de cada
fotografía para dejar un testimonio visual
y verbal de la entrevista.
Entrevista a Chevreul. Agosto 1886. Las palabras pronunciadas por el químico centenario se registraban
debajo de cada fotografía para dejar un testimonio visual y verbal de la entrevista.
APARICIÓN DEL CINE
- La aparición del cine en 1896 fue la consecuencia lógica del desarrollo de la
fotografía. El invento de los hermanos Lumière revolucionó la imagen y el
diseño gráfico porque a partir de ahora se transformarían en un fenómeno de
masas por la facilidad de transmisión del lenguaje visual por medio de la
proyección de imágenes en movimiento.
- Mucho antes de su aparición ya existían variados artilugios e inventos que
pretendían transformar las imágenes en movimiento. El más antiguo era la
linterna mágica, con la que los feriantes asombraban al público decimonónico de
pueblo en pueblo, de la cual derivaron una serie de juguetes como el
Taumatropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio, que consistían
básicamente en un cilindro con series de figuras que, proyectadas en una
superficie por la luz situada dentro del cilindro, producían la ilusión de
movimiento.
- Algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con
la fotografía de objetos en movimiento, como en el caso de Muybridge. Incluso
uno de ellos, Marey, llegó a utilizar una especie de fusil fotográfico capaz de
captar las diferentes fases de un movimiento.
De la instantánea a la descomposición del movimiento no había más que un
paso.
Después de captar el movimiento en un punto de su desarrollo, se trató de

recogerlo en sus fases consecutivas.
Hacia 1868, el médico francés Etienne-Jules Marey, empezó a dedicarse al

estudio del movimiento. Esto llegó a oídos del ex gobernador de California
Leland-Standford, quien en 1872 concedió una subvención a Muybridge, para
que estudiara la cuestión mediante la fotografía.
En 1878 realizó la serie de fotografías de la yegua Sallie Gardner al galope, con 24

cámaras colocadas en hileras, cuyos obturadores eran accionados por unos
cables que rompía la yegua al pasar.
Los primeros trabajos que analizaron el movimiento se deben entonces a Edward

Muybridge (1830-1904), nacido en Inglaterra, pero formado en Estados Unidos,
donde desarrolló su profesión.
Serie de cámaras instaladas por Muybridge para sacar los movimientos del caballo que, al pasar,
rompía los cordones que disparaban las máquinas.
Fotografías de la yegua Sallie Gardner al galope, con 24 cámaras colocadas en hileras, cuyos
obturadores eran accionados por unos cables que rompía la yegua al pasar. Después de captar
el movimiento en un punto de su desarrollo, se trató de recogerlo en sus fases consecutivas.
Muybridge, el galope de la yegua Sallie Gardner, 1878.
Fenaquistiscopio (del griego:
‘espectador ilusorio’) es un
juguete inventado por Joseph-
Antoine Ferdinand Plateau para
demostrar su teoría de la
persistencia retiniana en 1829.
Consiste en varios dibujos de un
mismo objeto, en posiciones
ligeramente diferentes,
distribuidos por una placa circular
lisa. Cuando esa placa se hace
girar frente a un espejo, se crea la
ilusión de una imagen en
movimiento.
Poco después de su invención,
Plateau descubrió que el número
de imágenes para lograr una
ilusión de movimiento óptima era
dieciséis, lo que con posterioridad
aplicarían los primeros cineastas
usando dieciséis fotogramas por Un disco de fenaquistiscopio por Eadweard
segundo para las primeras Muybridge (1893)
películas.
El zoopraxiscopio es un artefacto
que fue importante en el
desarrollo inicial de las películas
cinematográficas, siendo anterior
al cinematógrafo.
Creado por Eadweard
Muybridge en 1879, proyectaba
imágenes situadas en discos de
cristal giratorios en una rápida
sucesión para dar la impresión de
movimiento. En el primer
proyector las imágenes eran
pintadas en el cristal como
siluetas. Una segunda serie de
discos, realizados entre 1892 y
1894, usaba dibujos perfilados
impresos en los discos
fotográficamente y coloreados a
mano. Algunas de las imágenes
animadas eran muy complejas, Plato circular de vidrio con imágenes del
incluyendo múltiples
zoopraxiscopio, aparato desarrollado por Eadweard
combinaciones de secuencias de
movimientos de animales y Muybridge que inspiró en un principio a Edison
humanos. para inventar el kinetoscopio
- Aunque ya se conocían los
tres elementos que constituirán el cine
(la persistencia de las imágenes, la
fotografía y la proyección), faltaban dos
más fundamentales: la película
perforada y el mecanismo de avance
intermitente que la mueve. Fue en los
EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el
problema, de la mano del gran inventor
Thomas A. Edison y de Dickson,
mediante el invento del Kinetoscopio,
que se instalaron en muchas salas de
diversión pero que tenían el
inconveniente de que las
visualizaciones se podían hacer sólo
individualmente, ya que Edison se negó
a proyectarla sobre una pantalla porque
creía que la gente no se interesaría por
el cine.
Los hermanos Lumière

Vista interna del kinetoscopio con la
película arrollada en una banda sinfín, que
circulaba entre una fuente luminosa y el
ocular de la parte superior
El Vitascopio
Edison y Eastman
APARICIÓN DEL CINE
- La invención del cine no puede ser atribuida a nadie. Fue el resultado
de una serie de inventos de diferentes personas. Sin embargo, se
considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895,
cuando los hermanos Lumière mostraron al público sus películas en el
Salon Indien de París. En uno de sus primeros films, La llegada de un
tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía
salir de la pantalla fue enorme. Al aparato lo llamaron Cinematógrafo.
- Algunos anunciantes experimentaron con el cine en los primeros
años, pero tuvieron que esperar a que el medio probara a su vez su
capacidad para sorprender, hacer reír o soñar. El pionero fue GEORGE
MÉLIÈS, que rodó comerciales llenos de imaginación en los que los
productos se transformaban y el mensaje se transmitía de una manera
sorprendente.
Hermanos
Lumiére
La invención del cine no puede ser

atribuida a nadie. Fue el resultado de una
serie de inventos de diferentes personas.
Sin embargo, se considera que el cine
nació oficialmente el 28 de diciembre de
1895, cuando los hermanos Lumière
mostraron al público sus películas en el
Salon Indien de París. En uno de sus
primeros films, La llegada de un tren a la
estación de Ciotat, el efecto de una
locomotora que parecía salir de la
pantalla fue enorme. Al aparato lo
llamaron Cinematógrafo.
Modern' cinéma Lumière. Litografía

85 x 62 cm. Hacia 1900
APARICIÓN DEL CINE
Algunos anunciantes
experimentaron con el cine
en los primeros años, pero
tuvieron que esperar a que
el medio probara a su vez su
capacidad para sorprender,
hacer reír o soñar. El pionero
fue GEORGE MÉLIÈS, que
rodó comerciales llenos de
imaginación en los que los
productos se transformaban
y el mensaje se transmitía de
una manera sorprendente.
Fotograma de Viaje a la
luna (1902), de Georges
Méliès. Basada en dos
novelas: De la Tierra a la
Luna, de Julio Verne, y Los
primeros hombres en la Fotograma de Viaje a la luna (1902), de Georges Méliès. Película
Luna, de H. G. Wells. Dura 14 francesa en blanco y negro, muda y de ciencia ficción. La cara de la
min. 12 seg. a 16 f/seg. Luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una
bala de cañón, es uno de los planos más conocidos.
- George Méliès fue un pionero no sólo de la publicidad cinematográfica
sino de los trucajes e, incluso, de la Ciencia Ficción: Viaje a la Luna (1902) y
Viaje a través de lo imposible (1904) se encuentran entre sus mejores obras.
Uno de los trucajes más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas
aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de imágenes, las dobles
exposiciones o el uso de maquetas.
- Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana

y española ya en época muy temprana (1897), lo que nos dice mucho de la
rápida difusión del invento.
- Segundo de Chomón se convirtió en un emulador hispano de Méliès. No

obstante, los medios que se ponían a disposición eran muy rudimentarios y
las condiciones de proyección tardaron mucho tiempo en favorecer la
creación de la publicidad cinematográfica.
- Merece destacarse la obra de un genio, Sergei M. Eisenstein, realizador
de obras tan paradigmáticas como El acorazado Potemkin (película muda
de 1925), película de culto y de propaganda soviética que demostró desde
tempranas fechas el poder de convicción del cine. Su innovadora técnica
de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior. Postula el empleo
en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall. Eisenstein
derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas
japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera,
como por ejemplo: ojo + agua = llanto. El montaje es para él: «Una idea
que surge de la colisión dialéctica entre otras dos, independientes la una de
la otra». Este método le permitirá partir de elementos físicos
representables para visualizar conceptos e ideas de complicada
representación.
- Hasta la década de los cincuenta del siglo XX no se desarrollará una
publicidad propia de este medio. Al inicio de cada proyección era habitual
utilizar diapositivas que se acompañaban de música y trucos de color, o
bien pequeños documentales patrocinados en los que aparecía el nombre
del fabricante o imágenes alusivas a su actividad.
2ª MITAD s. XIX

• Japonesismo

• REALISMO (Francia): Millet, Courbet, Daumier
• IMPRESIONISMO (Francia): Manet, Monet, Renoir
• POSTIMPRESIONISMO (Francia): Gauguin, Cezánne, Van Gogh, Puntillismo
PINTURA FRANCIA
Realismo (h. 1850): Courbet, Millet.
El pintor Courbet fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo
construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París,
bajo el título "Realismo". Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el
manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por
su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad.
El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (en el
contexto de la revolución de 1848) marcó la sensibilidad social e ideológica de este
grupo de pintores realistas, que conectaría con la vertiente más comprometida
socialmente del realismo literario.
Refleja situaciones de la vida cotidiana y temas simples, vulgares. Reproducen la
realidad tal como es, libre de todo prejuicio moral, político o religioso: Courbet
Daumier muestra compromiso y solidaridad con las clases humildes.
Millet: vida de los campesinos, hombres y mujeres trabajando en el campo. Es el
primer pintor que nos presenta como exclusivo protagonista de un cuadro al
trabajador, pero siempre en actitud resignada y paciente.
Courbet, El estudio del pintor, 1855. 359 cm x 598 cm. El crítico Champfleury decía: «la mujer aparece con más libertad que
la que ella misma se permite delante del espejo». Las críticas de su época lo calificaron de «vulgar». Izqda.: figuras humanas
de todos los niveles de la sociedad: “los que viven de la muerte y la miseria”. Centro: Courbet trabaja en un paisaje, dando
la espalda a una modelo desnuda que es un símbolo de la tradición artística de la academia. Dcha.: los “simpatizantes” y
amigos del pintor. Entre los dos mundos hay un maniquí crucificado que representa a San Sebastián atravesado por flechas:
simbolizaría a la Academia.
Courbet, The Sleepers, 1866. Esta tela, al igual que El origen del mundo, fue encargada por el diplomático turco
Jalil-Bey. Se trata de un cuadro de carácter sensual, propio de algunas de las obras que el autor pintó durante
el Segundo Imperio.
Millet, Las espigadoras, 1848
Millet, El ángelus
1859
PINTURA INGLATERRA - LA HERMANDAD PRERRAFAELITA
Desde inicios del siglo XIX se empiezan a observar ciertos movimientos de rechazo al
industrialismo y al liberalismo como sistema económico que se plasman en actitudes
primarias que van desde el ludismo (explosiones de violencia contra las máquinas y las fábricas
mecanizadas) hasta otras más intelectualizadas que reaccionan contra lo establecido de
diversas formas.
En el campo de las artes plásticas, la clase dirigente inglesa sostenía un arte oficialista,
académico, basado en el rococó tardío y el neoclasicismo dibujístico defendido por sir Joshua
Reynolds, con acabados aterciopelados y uso delicado del claroscuro. Como reacción a ello, un
nutrido grupo de jóvenes pintores, artistas e ilustradores, entre los que se encontraban
William Holman Hunt, Dante Gabriel Rosetti, Edward BurneJohns o John Everett Millais (o
Madox Brown, aunque éste no fuera realmente miembro de la Hermandad), defendieron la
vuelta a las raíces, al mundo primario, colorista y detallista de los primitivos flamencos y de
los pintores del quattrocento, con su gusto por el detalle, la experimentación y el verismo,
características que habían desaparecido precisamente con la genialidad de Rafael (por ello
querían situarse en un momento previo al gran pintor florentino). Entre sus influencias
también encontramos a los pintores románticos Heinrich Füssli y, sobre todo, William Blake.
Se embarcaron en una temática más libre, que abarcaba un gran abanico de campos y que si
en algunos casos suponía una vuelta a los temas de la tradición medieval, en otros se
pretendía una fusión entre la poesía romántica inglesa y la pintura, la recuperación de temas
de la tradición renacentista o las leyendas arcaicas del mundo celta o, incluso, de la
Antigüedad clásica.
Tenían cuatro premisas básicas, aunque no constituían
un dogma:
- Sinceridad en la expresión de las ideas.
- Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a
expresarlas.
- Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo,
serio y sincero, descartando todo lo convencional,
autocomplaciente y aprendido de memoria.
- Buscar la perfección en la creación artística.
Se constituyeron como grupo artístico en 1848, aunque
no lograrían permanecer como tal ni siquiera cinco años
por las tensiones entre la tendencia espiritual,
medievalista y la realista. Su influencia en la pintura
inglesa y, sobre todo, en la ilustración, es formidable.
También influenció al simbolismo francés y, sobre todo,
a los postulados del Movimiento de las Arts&Crafts,
cuyo líder, William Morris, estuvo muy vinculado a la
Hermandad, trabajando muchos de sus miembros en la
ilustración de sus libros, en la pintura de
algunos muebles, etc., del Arts & Crafts.
Rossetti: Anunciación, Ecce Ancilla Domini, 1850
La historia se representa de forma muy realista,
reconocible tanto en el uso del color como en las
actitudes de los personajes.
El ángel Gabriel se representa como un ser humano
completo, de pie delante de la cama de la Virgen y
le entrega un lirio, mientras María, pelirroja, con un
vestido blanco y en un camastro con el borde
inferior de reflejos de oro.
La Virgen está sentada en una cama humilde,
asustada y temerosa en una mirada diferente a los
cuadros habituales del mismo tema. Otros
elementos de la pintura son la tela azul cerca de la
ventana, el perchero rojo, la paloma, símbolo del
Espíritu Santo y otros, todos con un valor simbólico
preciso.
El autor tomó como modelos a su hermana para la
virgen y a su hermano para el ángel.
Rossetti: Anunciación, Ecce Ancilla Domini, 1850

Rossetti: La juventud de la Virgen
María (1849).
Las modelos fueron: la madre del
artista para Santa Ana y su hermana
Christina para la Virgen.
Las primeras grandes pinturas de
Rossetti muestran algunas de las
cualidades realistas del movimiento
prerrafaelita temprano.
Los prerrafaelitas intentaban recuperar
un arte más espontáneo inspirado en la
naturaleza, recurriendo como fuente a
la obra de los artistas del renacimiento
italiano hasta Rafael, enfrentándose
contra el academicismo oficial que
fomentaba los paisajes, los retratos y
los asuntos sociales. Utilizaron la
temática religiosa como vehículo de su
"rebelión artística" tal y como podemos
observar en muchas de sus obras.
Millais: Cristo en casa de sus padres, 1849. Tate Gallery, 86 x 139,7 cm. Óleo.
Buscando huir del convencionalismo académico, María aparece arrodillada besando al pequeño Jesús, en cuyo
pies y manos contemplamos ya los estigmas de la cruz. S. José junto a sus ayudantes en la carpintería. Hechos
anecdóticos como la labor de los carpinteros o las herramientas del taller.
Millais: Ophelia, 1851-1852. Tate Gallery (Londres). Óleo, 76 x 112 cm.
Millais: Ophelia, 1851-1852
Obra emblemática de los
prerrafaelitas. Tema inspirado en la
literatura de Shakespeare: Ophelia era
novia del Príncipe Hamlet.
El asunto de una joven ahogada no era
muy habitual en los cuadros de
aquellos tiempos. El asesinato
involuntario del padre de Ofelia por
parte de Hamlet, la llevará a la
desesperación, a lo que debemos
añadir el rechazo de su propio
prometido, causas de su más que
probable suicidio, ya que su cuerpo
aparecerá flotando en el río rodeada
de las flores que había ido a recoger.
Posó como modelo Elizabeth Siddal,
una bella muchacha que trabajaba en
una sombrerería como dependienta y
que se convirtió en la modelo favorita
de los pintores de la Hermandad,
casándose posteriormente con
Rossetti.
PINTURA FRANCIA - IMPRESIONISMO
Aunque los caminos de cada pintor son independientes, muchos rasgos referidos a técnica y
temas son comunes:
- aversión por el arte académico y oficial sobre todo en técnica y temas: la línea, el volumen
y el claroscuro nada importan.
- desinterés por el tema, aunque hay una predilección por la naturaleza y la actividad
mundana parisina intrascendente (boulevares, calles trepidantes, jardines, carreras de
caballos,etc.). El tema es pretexto, la belleza de la sensación directa es el objetivo.
- técnica libre y pincelada suelta (las distintas pinceladas se funden en la retina): no hay
dibujo, sólo luz y color. Pintan cuidadosamente los reflejos y rayos del sol, el agua.
Coloración sumamente luminosa y transparente
- desprecio por el taller: pintura al aire libre y escenas naturales y espontáneas. El pintor
sale en busca de lo fugitivo: la luz
- pintura de tonos puros, no mezclados en la paleta para obtener otros, sino directamente
sobre la tela: descubrimiento de la luz intensa. Conocimiento intuitivo de la teoría científica
de los colores de Chevreul, expuesta en su obra “Ley del contraste simultáneo”: los colores
complementarios se anulan cuando se mezclan, y se intensifican cuando se yuxtaponen:
verde-rojo, azul-naranja y amarillo-violeta.
O lo que es lo mismo: un color aparece más vigoroso si se le aproxima su complementario,
pero si se mezcla en masas iguales con el complementario se anulan ambos. Los colores
cálidos (cerca del blanco) son los amarillos, anaranjados, rojos, e impulsan el objeto hacia
adentro. Los fríos (cerca del negro) son los azules, violetas, y son salientes. El negro está
proscrito por ser la negación de la luz.
- Impresión momentánea, fugaz y cambiante, de la luz, atmósfera y naturaleza. Son

meros espectadores visuales del mundo, sin elaboración intelectual, sino momentánea y
espontánea
- Influencia de la fotografía
Antecedentes lejanos: Pintura veneciana (Tintoretto, Tiziano), Velázquez y Goya y

aspectos de la pintura nórdico-flamenca: Rubens
Precursores inmediatos: paisajistas ingleses del s. XIX: Constable y Turner, el realista-

paisajista Corot, Escuela de Barbizón (preparó el terreno al Impresionismo: pintura al
natural, pero acabada en casa. Vinculación al paisaje desde el punto de vista del espíritu:
paz, tranquilidad. Rousseau, Daubigni), Preimpresionistas o pintores del mar, playa, costa
(lugares luminosos), trabajan al aire libre, y su pincelada es etérea. Kind y Boudin (aún
mezclaba los colores en la paleta). La estampa japonesa y su carácter decorativo, tintas
planas y tonos puros, hace que los impresionistas tomen de ellas el esplendor del color.
IMPRESIONISMO
Impression soleil
levant 1872
C. Monet
E. Manet
Monet
trabajando en
su barca
1874
Monet, Regatas en Argenteuil
POSTIMPRESIONISMO: caminos individuales hacia la expresión y la construcción.
Van Gogh, Gauguin, Cézanne.
Puntillismo
Modalidad del impresionismo, y a la vez una reacción contra él: divisionismo,
puntillismo o neoimpresionismo.
Siguen al impresionismo en cuestión de color, pero difieren de ellos en su interés
y preocupación por el volumen: las formas son concebidas dentro de una
geometría de masas puras, bien redondeadas, donde la luz y la forma hallan una
síntesis perfecta, de manera que sus cuadros son modelo de orden y claridad.
Vuelven a los viejos principios de la composición. Pincelada atenta a la división
de tonos. Seurat:“Una tarde en la Grande Jatte” y Signac.
POSTIMPRESIONISMO
PUNTILLISMO
POSTIMPRESIONISMO. Renovación de las fórmulas de representación.
Van Gogh
De los 37 años de su vida sólo los 10 últimos fueron consagrados a la pintura. A través de
los colores puros quiso expresar las pasiones humanas, descubrió la carga emotiva del
color (los impresionistas le dieron una carga sensorial), lo dramático y la angustia. De igual
modo usó para ello su pincelada sinuosa y ondulada.
Gauguin
Exploró en Tahití caminos inéditos de la pintura: tendencia hacia lo exótico, el
primitivismo. Color en campos extensos. Para él el efecto pictórico consistía en las
armonías de las masas cromáticas y del hombre con la naturaleza. Composiciones
simplificadas y estáticas.
Cézanne.
Amigo de los impresionistas, no aceptó la pintura sensualista de éstos. Concilia el gusto por
el volumen y lo puramente estético. Crea diversos procedimientos para acentuar la noción
de bulto, con sombras violadas, incrementando los contrastes de colores.
Concibe el cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos. Muchos de sus cuadros
son construcciones casi abstractas de planos y formas que anuncian algunas modalidades
pictóricas del s. XX: cubismo, abstracción.
Van Gogh
Noche
estrellada
1889
POSTIMPRESIONISMO
POSTIMPRESIONISMO Tahitianas en la playa (1891) Paul Gauguin
Cézanne nos ha reservado una extraordinaria ilusión en forma de cesta de frutas.
¿Dónde está esta cesta? ¿Colocada en un muy inestable equilibrio en la esquina superior derecha
de la mesa, o, en un complejo juego de perspectiva, se halla sobre el suelo al igual que la pieza de
madera que se intuye en el extremo derecho de la pintura?
Parece, más bien,

que Cézanne ha
recurrido a una
doble perspectiva
para crear una
sensacional
composición en la
que el cubismo
empieza a hacer
acto de presencia.
Naturaleza muerta
con cesto de frutas.
Cezanne 1880-90
POSTIMPRESIONISMO
2ª MITAD s. XIX

• Japonesismo

NUEVOS GÉNEROS Y ÉXITOS EDITORIALES
La calidad del DISEÑO EDITORIAL fue descendiendo desde mediados de siglo hasta alcanzar, en
su ultimo tercio, alarmantes cotas de vulgaridad. Si bien el efecto positivo fue el hecho de poner
al alcance de amplias capas de población un bien que antes les era vedado: el libro. En cuanto a
calidad del papel, de la encuadernación, del diseño y de la tipografía, el libro pasó de ser un
objeto precioso, artístico y único (muchas veces un auténtico artículo de lujo) a ser un artículo
de uso común sin atender, por lo general, a cánones de excelencia.
Gracias a la aplicación de los nuevos avances técnicos a la impresión, ésta es la época de los
primeros bestsellers, de los éxitos editoriales, de las grandes tiradas de periódicos y del boom
editorial, desde revistas técnicas a la prensa obrera.
2ª MITAD S. XIX
Es la época del romanticismo,

realismo y el naturalismo, de
Bécquer, Dickens o Zola, de los
grandes folletones de Alejandro
Dumas. Aparición de géneros
nuevos como la Ciencia Ficción con
Julio Verne, el Terror con Edgar
Allan Poe, los libros infantiles
ilustrados (ya ensayados
esporádicamente en el s. XVIII),
etc., de las grandes obras de la
filosofía contemporánea y de los
órganos de opinión de partidos y
sindicatos de ideología marxista o
anarquista. La industrialización y la
divulgación del libro impreso
trajeron el éxito masivo e
inmediato de escritores como
Dickens y Lord Byron en Inglaterra.
2ª MITAD s. XIX

• Japonesismo

El triunfo del liberalismo y de las libertades
significó la extensión de la libertad de
expresión y de imprenta, lo que unido a las
nuevas técnicas y maquinarias, dio comienzo
a la prensa como un fenómeno de masas,
con periódicos de gran tirada que abarcaban
todo el espectro social. Esto también fue
posible gracias al avance de la alfabetización.
Otra novedad fue el avance de la industria de
bienes de uso y consumo, de productos
orientados a una masa cada vez mayor de
consumidores, y éste es posiblemente el
elemento central de la nueva industria y de
la nueva economía. El crecimiento sólo es
posible por el aumento de la producción,
pero esta sólo se da cuando el consumo
aumenta, por lo tanto se inicia un
capitalismo basado en el consumo de todo
tipo de bienes. Este aumento del consumo se
puede potenciar artificialmente a través de la
publicidad, que no es otra cosa que la forma
que tiene la industria de dar a conocer sus
nuevos productos y de animar al consumidor
a adquirirlos.
a la prensa como un fenómeno de masas, con
periódicos de gran tirada que abarcaban todo
el espectro social. Esto también fue posible
gracias al avance de la alfabetización.
elemento central de la nueva industria y de la
nueva economía. El crecimiento sólo es
posible por el aumento de la producción, pero
esta sólo se da cuando el consumo aumenta,
por lo tanto se inicia un capitalismo basado
en el consumo de todo tipo de bienes. Este
aumento del consumo se puede potenciar
artificialmente a través de la publicidad, que
no es otra cosa que la forma que tiene la
industria de dar a conocer sus nuevos
productos y de animar al consumidor a
adquirirlos.
La aparición y, a continuación,
el rápido avance del automóvil
(aplicación del motor de
explosión o combustión
interna), no fue parejo a la
mejora de las carreteras, que se
retrasó bastante más.
Fueron Daimler y Benz en 1885

los primeros que consiguieron
coches con un grado aceptable
de funcionalidad. Su diseño
inicial recordaba a los modelos
de coches de caballos.
El Velo Benz de 1898 alcanzaba
los 30 Km./h.
Karl Benz tiene la primera
patente del primer automóvil
del mundo. Ocurrió en 1886 y a
diferencia de Gottlieb Daimler,
su auto era totalmente propio
Fue la primera marca
española fabricante de
automóviles, fundada en
septiembre de 1898 por
Emilio de la Cuadra
Albiol en la calle
Diputación nº 458,
Barcelona.
a la prensa como un fenómeno de masas, con
periódicos de gran tirada que abarcaban todo
el espectro social. Esto también fue posible
gracias al avance de la alfabetización.
productos y de animar al consumidor a La bicicleta se mantendrá como vehículo
adquirirlos. obrero durante mucho tiempo
productos y de animar al consumidor a
adquirirlos.
El s. XIX fue el siglo de los inventos:

- Medios de locomoción y transporte: bicicleta,
ferrocarril, navegación, automóvil, aviones.
- Productos de la casa y de la oficina: máquina de
coser, máquina de escribir, cámara fotográfica,
teléfono, aspiradoras, lavadoras, lámparas
eléctricas, gramófonos.
Los gramófonos o tocadiscos con
manivela mecánica de Berliner
aparecieron en 1886, y
evolucionaron diseñándose según
las modas de la época.
Fue el primer sistema de grabación
y reproducción de sonido que
utilizó un disco plano, a diferencia
del fonógrafo que grababa sobre
un cilindro.

2 Mitad S. Xix (Ii)

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2ª MITAD S.

• EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE LONDRES: auge de la industrialización

PINTURA: • PRERRAFAELITAS (Inglaterra): Rossetti, Burne-Jones, Millais

Peacock Room, Whistler.

Detalle de La sala del Pavo Real, con

Artista de la pasión y la sensualidad refinada, de entre sus obras destacan su numerosa

La imagen representa la cita entre un cliente y una camarera en el 2º piso de un

Es una xilografía (10ª) a color (Amantes en la habitación de arriba) de su álbum de 12

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Hacia 1868, el médico francés Etienne-Jules Marey, empezó a dedicarse al

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