Ph.D. Art history (Université de Montréal, 2018) Titre de la thèse : Ce que la polémique fait aux œuvres. Une étude en trois temps de controverses dans l'art contemporain (Mention « Exceptionnel ») Supervisors: Suzanne Paquet
Alors que certains artistes n’hésitent pas à mettre à mort des êtres doués de sensibilité dans le... more Alors que certains artistes n’hésitent pas à mettre à mort des êtres doués de sensibilité dans le cadre de leur pratique, d’autres souhaitent au contraire interroger notre rapport de domination envers les espèces non humaines en empruntant ce que je propose d’appeler une « esthétique antispéciste ». Si elle a longtemps été employée comme instrument pour assoir la suprématie humaine, la taxidermie peut paradoxalement être réappropriée dans cette optique. C’est précisément ce que fait Angela Singer, qui entreprend de subvertir le regard humain en transformant des animaux naturalisés – dont elle retrace l’histoire – en véritables mémoriaux. -- While some artists think nothing of putting sentient beings to death as part of their practice, others prefer to question humans’ dominant relationship with non-human species by adopting what I propose to call an “anti-speciesist aesthetic.” Although taxidermy has historically served as a vehicle for promoting white man’s supremacy, it may, paradoxically, be appropriated to this end. This is precisely what Angela Singer does when she subverts the human gaze by transforming mounted animals—whose history she retraces—into veritable memorials.
""Culture Wars and Controversy in American Art Museums :
The case of Hide/Seek: Difference and D... more ""Culture Wars and Controversy in American Art Museums :
The case of Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture
Starting at the end of the 1980’s, American culture wars operated
on multiple terrains and the museal sphere was no exception. Certain
American institutions became the theatre for ideological struggles
opposing progressives and conservatives. After about 10 years of
relative tranquility, the museal world was again shaken by a large
scale controversy in the winter of 2011, reactivating the debate on
the public financing of the arts.
The controversy surrounding Hide/Seek: Difference and Desire in
American Portraiture, presented at the National Portrait Gallery (NPG)
in Washington D.C. from October 30th, 2010 to February 13th, 2011,
significantly testifies to the incidents of cultural wars on art museums.
As the first exhibition to tackle the contribution of homosexual
artists in the genre of modern portraits in the United States, Hide/Seek
took on sensitive subjects such as religion and the demands of the gay
community.
Following bitter critique put out by influential conservative-right players,
the video work A Fire in My Belly by David Wojnarowicz was hastily
pulled from the exhibition by the General Secretary of the Smithsonian
group, of which NPG is a member. The target of this impulse of hostility
was a short sequence showing ants crawling on a crucified Jesus. It
took no more than that to raise the ire of the catholic league and of some
republican politicians lacking publicity who signalled their aversion to
this alleged blasphemy.
From this, a vast public debate arose. Many artistic organizations, journalists,
and activists contested what they considered to be an unjustified
act of censorship, while detractors of the exhibition called for increased
firmness regarding the financial management of the Smithsonian. A
variety of strategies were then employed by the enemy factions ranging
from menacing letters to the creation of the Museum of Censored
Act, an anti-establishment action presenting the work of Wojnarowicz
in an industrial container at the doors of the NPG. The internet and
social media served as crucial tools for the conflict. Liberals and
conservatives also used these tools extensively in order to facilitate
the ample diffusion of their interventions and their convictions on the
subject of the exhibition.
In order to better understand this controversy, it is necessary to determine
the nature of the sociological mechanisms which put it in place
as well as the exact role of the different players who intervened.
This article focuses on the sociology of the mediations with the goal of
revealing the concise manner in which the dynamics operated between
the individuals and collectives who took part in the debate.
This theory of inquiry, equally known as the Actor-Network Theory, allows for
the treatment of the data, that is the sources of current affairs, by
“re-tracing” (Latour, 2006: 187) the chain of mediations linking the
participants together.
The text therefore highlights the players implicated in the controversy
through rigorous description of the relationships they maintain in order
to show how they act and modify the parameters of the situation. In this
way, the text will be presented in function of the mediations revealed,
reassembling in a clear manner the path laid out by the mediators.
In summary, this case study will shine light on the creation of a recent
controversy which based on profound evidence, will have consequences
on the museal landscape of the United States""
Une histoire toulousaine vers 1500. Les sculptures des Récollets (catalogue d’exposition), Musée des Augustins, 28 mars au 28 juin 2011, Toulouse : Privat, p. 25-34, Mar 2011
La récente polémique suscitée par l’exposition Art and China after 1989: Theater of the World, te... more La récente polémique suscitée par l’exposition Art and China after 1989: Theater of the World, tenue au musée Solomon R. Guggenheim de New York à l’automne 2017, illustre parfaitement les enjeux relatifs à l’utilisation d’animaux vivants dans un contexte artistique. La controverse éclate peu après la mise en ligne d’une pétition deux semaines avant l’ouverture de l’événement. Y sont ciblées trois œuvres impliquant des espèces variées : deux vidéos documentant des performances préexistantes, dont Dogs That Cannot Touch Each Other de Sun Yuan et Peng Yu (2003) (fig. 1), de même que la célèbre installation de Huang Yong Ping, Theater of the World (1993) (fig. 2), où insectes, amphibiens et reptiles sont voués à s’entredévorer.
Cette affaire soulève de nombreuses questions : est-il acceptable de faire souffrir ou encore de provoquer la mort d’un animal à des fins artistiques ? La censure est-elle l’approche à privilégier lors de pareilles situations ? Nous appuyant sur la sociologie axiologique développée par Nathalie Heinich (2014; 2012), nous montrerons comment les acteurs impliqués dans cette controverse mobilisent des registres de valeurs incompatibles, limitant ainsi la possibilité d’un dialogue véritable en ce qui a trait aux responsabilités imparties aux institutions muséales en matière d’éthique. Mais au-delà de cette apparente impasse, nous verrons comment le spécisme de la scène artistique est peut-être sur le point de vaciller.
Nous analyserons dans cette communication la controverse entourant Dialogue avec l’histoire (1987... more Nous analyserons dans cette communication la controverse entourant Dialogue avec l’histoire (1987), sculpture réalisée par l’artiste français Jean Pierre Raynaud pour le secteur de Place-Royale à Québec. L’œuvre, qui avait fait l’objet de vives critiques dès son dévoilement, est détruite à l’été 2015 par l’administration Labeaume sous prétexte qu’elle était dans un état de dégradation avancé; or Raynaud y voit plutôt une véritable « scénographie de mise à mort ». La réplique du milieu de l’art ne se fait pas attendre, des artistes et des individus issus du domaine culturel dénonçant aussitôt cet acte jugé inadmissible et précipité. Nous inspirant de la sociologie de la médiation, nous mettrons au jour les stratégies de visibilité privilégiées par les acteurs impliqués dans cette affaire, qui entreprennent notamment de faire réapparaître la sculpture disparue sous diverses formes, en ligne comme dans son quartier d’origine (œuvres numériques, street art, performances). Ces interventions seront envisagées comme autant d’épisodes constituant la vie de l’œuvre, entendue ici comme l’ensemble des médiations qui entourent sa réalisation – et sa suppression –, de même que ses réappropriations ultérieures, c’est-à-dire tout ce qui la fait exister en public ou ce qui assure sa pérennité. Nous montrerons de cette manière comment Dialogue avec l’histoire (sur)vit bien au-delà son démantèlement.
Since street art made its way into museums a decade ago, works that used to exist solely in publi... more Since street art made its way into museums a decade ago, works that used to exist solely in public spaces now find themselves in an odd position. Although a great number of street artists still face legal consequences, some are now actively supported by curators, gallery owners, and art dealers. In this paper, I examine the controversy that emerged after the whitewashing of a mural created by Italian artist Blu; this work had been commissioned for "Art in the Streets", an exhibition held at The Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2011. Highlighting the paradoxes that come into play when street art enters the institutional world, I will analyze the surge of unsanctioned protest art that took place in L.A. in the following months. Using Bruno Latour’s notion of "iconoclash", I will demonstrate how the censorship of the mural was ultimately productive.
Demeuré virtuellement inconnu pendant plus de vingt ans, A Fire in My Belly, un film réalisé entr... more Demeuré virtuellement inconnu pendant plus de vingt ans, A Fire in My Belly, un film réalisé entre 1986 et 1987 par l’artiste multidisciplinaire américain David Wojnarowicz (1954-1992), est présenté dans l’exposition Hide/Seek : Difference and Desire in American Portraiture, tenue à la National Portrait Gallery de Washington D.C. entre octobre 2010 et février 2011. À la demande de groupes de pression religieux et de politiciens, l’œuvre est précipitamment retirée un mois après l’ouverture, déclenchant aussitôt un vaste mouvement de contestation au sein du milieu de l’art. La censure du film entraîne une chaîne d’actions qui a pour effet d’accroître de manière considérable la notoriété de l’œuvre et de son défunt créateur, leur assurant ainsi une place de choix dans l’histoire de l’art. Cette communication s’attachera à retracer le « trajet d’instauration » (Latour 2012 : 245) de A Fire in My Belly, de sa réalisation au jusqu’à ce qu’il soit considéré comme une œuvre iconique des culture wars une vingtaine d’années plus tard. Les séances de projection organisées en réponse au retrait du film, comme toutes les réapparitions de l’œuvre, quelle que soit leur forme (mise en exposition, diffusion d’extraits vidéo et de photogrammes dans le Web, réédition, reconstitution), seront alors envisagées comme autant d’épisodes formant la vie sociale de cette entité. En d’autres termes, nous ferons état des médiations qui ont fait exister l’œuvre—qui aurait autrement pu rester dans l’oubli le plus total—et qui assurent de ce fait sa pérennité. S’inspirant des travaux issus de la sociologie de la médiation, notre enquête se base sur des observations menées en ligne ainsi que sur des entretiens réalisés avec des intervenants liés à la controverse (activistes, artistes, commissaires). Au fil d’une démonstration minutieuse, nous tenterons de montrer pourquoi il convient de considérer A Fire in My Belly comme une œuvre collective posthume.
Alors que certains artistes n’hésitent pas à mettre à mort des êtres doués de sensibilité dans le... more Alors que certains artistes n’hésitent pas à mettre à mort des êtres doués de sensibilité dans le cadre de leur pratique, d’autres souhaitent au contraire interroger notre rapport de domination envers les espèces non humaines en empruntant ce que je propose d’appeler une « esthétique antispéciste ». Si elle a longtemps été employée comme instrument pour assoir la suprématie humaine, la taxidermie peut paradoxalement être réappropriée dans cette optique. C’est précisément ce que fait Angela Singer, qui entreprend de subvertir le regard humain en transformant des animaux naturalisés – dont elle retrace l’histoire – en véritables mémoriaux. -- While some artists think nothing of putting sentient beings to death as part of their practice, others prefer to question humans’ dominant relationship with non-human species by adopting what I propose to call an “anti-speciesist aesthetic.” Although taxidermy has historically served as a vehicle for promoting white man’s supremacy, it may, paradoxically, be appropriated to this end. This is precisely what Angela Singer does when she subverts the human gaze by transforming mounted animals—whose history she retraces—into veritable memorials.
""Culture Wars and Controversy in American Art Museums :
The case of Hide/Seek: Difference and D... more ""Culture Wars and Controversy in American Art Museums :
The case of Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture
Starting at the end of the 1980’s, American culture wars operated
on multiple terrains and the museal sphere was no exception. Certain
American institutions became the theatre for ideological struggles
opposing progressives and conservatives. After about 10 years of
relative tranquility, the museal world was again shaken by a large
scale controversy in the winter of 2011, reactivating the debate on
the public financing of the arts.
The controversy surrounding Hide/Seek: Difference and Desire in
American Portraiture, presented at the National Portrait Gallery (NPG)
in Washington D.C. from October 30th, 2010 to February 13th, 2011,
significantly testifies to the incidents of cultural wars on art museums.
As the first exhibition to tackle the contribution of homosexual
artists in the genre of modern portraits in the United States, Hide/Seek
took on sensitive subjects such as religion and the demands of the gay
community.
Following bitter critique put out by influential conservative-right players,
the video work A Fire in My Belly by David Wojnarowicz was hastily
pulled from the exhibition by the General Secretary of the Smithsonian
group, of which NPG is a member. The target of this impulse of hostility
was a short sequence showing ants crawling on a crucified Jesus. It
took no more than that to raise the ire of the catholic league and of some
republican politicians lacking publicity who signalled their aversion to
this alleged blasphemy.
From this, a vast public debate arose. Many artistic organizations, journalists,
and activists contested what they considered to be an unjustified
act of censorship, while detractors of the exhibition called for increased
firmness regarding the financial management of the Smithsonian. A
variety of strategies were then employed by the enemy factions ranging
from menacing letters to the creation of the Museum of Censored
Act, an anti-establishment action presenting the work of Wojnarowicz
in an industrial container at the doors of the NPG. The internet and
social media served as crucial tools for the conflict. Liberals and
conservatives also used these tools extensively in order to facilitate
the ample diffusion of their interventions and their convictions on the
subject of the exhibition.
In order to better understand this controversy, it is necessary to determine
the nature of the sociological mechanisms which put it in place
as well as the exact role of the different players who intervened.
This article focuses on the sociology of the mediations with the goal of
revealing the concise manner in which the dynamics operated between
the individuals and collectives who took part in the debate.
This theory of inquiry, equally known as the Actor-Network Theory, allows for
the treatment of the data, that is the sources of current affairs, by
“re-tracing” (Latour, 2006: 187) the chain of mediations linking the
participants together.
The text therefore highlights the players implicated in the controversy
through rigorous description of the relationships they maintain in order
to show how they act and modify the parameters of the situation. In this
way, the text will be presented in function of the mediations revealed,
reassembling in a clear manner the path laid out by the mediators.
In summary, this case study will shine light on the creation of a recent
controversy which based on profound evidence, will have consequences
on the museal landscape of the United States""
Une histoire toulousaine vers 1500. Les sculptures des Récollets (catalogue d’exposition), Musée des Augustins, 28 mars au 28 juin 2011, Toulouse : Privat, p. 25-34, Mar 2011
La récente polémique suscitée par l’exposition Art and China after 1989: Theater of the World, te... more La récente polémique suscitée par l’exposition Art and China after 1989: Theater of the World, tenue au musée Solomon R. Guggenheim de New York à l’automne 2017, illustre parfaitement les enjeux relatifs à l’utilisation d’animaux vivants dans un contexte artistique. La controverse éclate peu après la mise en ligne d’une pétition deux semaines avant l’ouverture de l’événement. Y sont ciblées trois œuvres impliquant des espèces variées : deux vidéos documentant des performances préexistantes, dont Dogs That Cannot Touch Each Other de Sun Yuan et Peng Yu (2003) (fig. 1), de même que la célèbre installation de Huang Yong Ping, Theater of the World (1993) (fig. 2), où insectes, amphibiens et reptiles sont voués à s’entredévorer.
Cette affaire soulève de nombreuses questions : est-il acceptable de faire souffrir ou encore de provoquer la mort d’un animal à des fins artistiques ? La censure est-elle l’approche à privilégier lors de pareilles situations ? Nous appuyant sur la sociologie axiologique développée par Nathalie Heinich (2014; 2012), nous montrerons comment les acteurs impliqués dans cette controverse mobilisent des registres de valeurs incompatibles, limitant ainsi la possibilité d’un dialogue véritable en ce qui a trait aux responsabilités imparties aux institutions muséales en matière d’éthique. Mais au-delà de cette apparente impasse, nous verrons comment le spécisme de la scène artistique est peut-être sur le point de vaciller.
Nous analyserons dans cette communication la controverse entourant Dialogue avec l’histoire (1987... more Nous analyserons dans cette communication la controverse entourant Dialogue avec l’histoire (1987), sculpture réalisée par l’artiste français Jean Pierre Raynaud pour le secteur de Place-Royale à Québec. L’œuvre, qui avait fait l’objet de vives critiques dès son dévoilement, est détruite à l’été 2015 par l’administration Labeaume sous prétexte qu’elle était dans un état de dégradation avancé; or Raynaud y voit plutôt une véritable « scénographie de mise à mort ». La réplique du milieu de l’art ne se fait pas attendre, des artistes et des individus issus du domaine culturel dénonçant aussitôt cet acte jugé inadmissible et précipité. Nous inspirant de la sociologie de la médiation, nous mettrons au jour les stratégies de visibilité privilégiées par les acteurs impliqués dans cette affaire, qui entreprennent notamment de faire réapparaître la sculpture disparue sous diverses formes, en ligne comme dans son quartier d’origine (œuvres numériques, street art, performances). Ces interventions seront envisagées comme autant d’épisodes constituant la vie de l’œuvre, entendue ici comme l’ensemble des médiations qui entourent sa réalisation – et sa suppression –, de même que ses réappropriations ultérieures, c’est-à-dire tout ce qui la fait exister en public ou ce qui assure sa pérennité. Nous montrerons de cette manière comment Dialogue avec l’histoire (sur)vit bien au-delà son démantèlement.
Since street art made its way into museums a decade ago, works that used to exist solely in publi... more Since street art made its way into museums a decade ago, works that used to exist solely in public spaces now find themselves in an odd position. Although a great number of street artists still face legal consequences, some are now actively supported by curators, gallery owners, and art dealers. In this paper, I examine the controversy that emerged after the whitewashing of a mural created by Italian artist Blu; this work had been commissioned for "Art in the Streets", an exhibition held at The Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2011. Highlighting the paradoxes that come into play when street art enters the institutional world, I will analyze the surge of unsanctioned protest art that took place in L.A. in the following months. Using Bruno Latour’s notion of "iconoclash", I will demonstrate how the censorship of the mural was ultimately productive.
Demeuré virtuellement inconnu pendant plus de vingt ans, A Fire in My Belly, un film réalisé entr... more Demeuré virtuellement inconnu pendant plus de vingt ans, A Fire in My Belly, un film réalisé entre 1986 et 1987 par l’artiste multidisciplinaire américain David Wojnarowicz (1954-1992), est présenté dans l’exposition Hide/Seek : Difference and Desire in American Portraiture, tenue à la National Portrait Gallery de Washington D.C. entre octobre 2010 et février 2011. À la demande de groupes de pression religieux et de politiciens, l’œuvre est précipitamment retirée un mois après l’ouverture, déclenchant aussitôt un vaste mouvement de contestation au sein du milieu de l’art. La censure du film entraîne une chaîne d’actions qui a pour effet d’accroître de manière considérable la notoriété de l’œuvre et de son défunt créateur, leur assurant ainsi une place de choix dans l’histoire de l’art. Cette communication s’attachera à retracer le « trajet d’instauration » (Latour 2012 : 245) de A Fire in My Belly, de sa réalisation au jusqu’à ce qu’il soit considéré comme une œuvre iconique des culture wars une vingtaine d’années plus tard. Les séances de projection organisées en réponse au retrait du film, comme toutes les réapparitions de l’œuvre, quelle que soit leur forme (mise en exposition, diffusion d’extraits vidéo et de photogrammes dans le Web, réédition, reconstitution), seront alors envisagées comme autant d’épisodes formant la vie sociale de cette entité. En d’autres termes, nous ferons état des médiations qui ont fait exister l’œuvre—qui aurait autrement pu rester dans l’oubli le plus total—et qui assurent de ce fait sa pérennité. S’inspirant des travaux issus de la sociologie de la médiation, notre enquête se base sur des observations menées en ligne ainsi que sur des entretiens réalisés avec des intervenants liés à la controverse (activistes, artistes, commissaires). Au fil d’une démonstration minutieuse, nous tenterons de montrer pourquoi il convient de considérer A Fire in My Belly comme une œuvre collective posthume.
Souvent reléguées aux marges de l’histoire de l’art, les controverses n’en ont pas moins un effet... more Souvent reléguées aux marges de l’histoire de l’art, les controverses n’en ont pas moins un effet éminemment transformateur : elles font quelque chose aux œuvres. Consacrée à l’étude de polémiques récentes touchant des œuvres d’art contemporain, cette thèse met en lumière ce qui naît de ces conflits, à savoir de nouveaux objets, de nouveaux acteurs et de nouveaux modes opératoires. L’analyse s’articule autour de trois cas : la censure du film « A Fire in My Belly » (1986-1987) de David Wojnarowicz à la National Portrait Gallery de Washington, D.C. en 2010, le blanchiment d’une murale du street artist Blu réalisée au Museum of Contemporary Art de Los Angeles la même année et, enfin, la destruction de « Dialogue avec l’histoire » (1987) en 2015, œuvre d’art public conçue par Jean Pierre Raynaud pour la Place de Paris à Québec. Ces controverses signalent la mise en place d’une dynamique inédite quant au rôle exercé par la circulation d’images dans le développement des polémiques : ces reproductions, disséminées de manière soutenue dans le web, et plus généralement à travers différentes déclinaisons de l’espace public, infléchissent les trajectoires des œuvres. Ceci leur procure non seulement une visibilité accrue, mais leurs modes d’existence s’en trouvent par conséquent modifiés, les œuvres vivant pour ainsi dire par l’entremise d’images fixes ou animées qui prolifèrent en ligne. Prenant appui sur la conception pragmatiste des publics (Dewey), de même que sur la sociologie de l’acteur-réseau et les théories de la médiation, nous étudions par ailleurs la formation de collectifs nés conjointement à cette dissémination d’images « virales ». Des acteurs impliqués dans les controverses, qu’il s’agisse d’artistes ou d’activistes, entreprennent notamment de faire réapparaître les œuvres censurées ou disparues sous diverses formes, incluant des répliques, des œuvres dérivées ou encore des mèmes Internet. Nous démontrons que ce phénomène de réappropriation, inexistant lors de polémiques artistiques antérieures aux années 2010, est lié aux dynamiques de partage apparues avec le « web 2.0 ».
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While they are often relegated to the margins of art history, controversies nevertheless have an eminently transformative effect : they do something to artworks. Devoted to the study of recent debates surrounding contemporary works, this thesis brings into light what arises from these conflicts, namely new objects, new actors, and new modi operandi. The analysis is structured around three case studies: the censorship of the film “A Fire in My Belly” (1986-1987) by David Wojnarowicz at the National Portrait Gallery in Washington, D.C. in 2010, the whitewash of a mural by street artist Blu at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles that took place the same year, and the destruction of “Dialogue avec l’histoire” (1987) in 2015, a work of public art created by Jean Pierre Raynaud for the Place de Paris in Québec City. These controversies reveal that there is a new dynamic taking place regarding the role of circulating images in the unfolding of such debates: these reproductions, extensively disseminated in the web, and more generally in public spaces and the public sphere, shape the artworks’ trajectories. Not only does this confers them a higher visibility, but their very modes of existence are modified in this process, works get to live, in a manner of speaking, through fixed or animated images that proliferate online. Drawing upon a pragmatist approach to publics (Dewey), actor-network theory, and sociology of mediation, we also study the forming of collectives born jointly with this dissemination of “viral” images. Actors involved in the controversies, either artists or activists, seek to make the censored or destroyed works reappear in various forms, including replicas, derivative works or even Internet memes. We demonstrate that this phenomenon of appropriation, non-existant during controversies prior to the 2010s, is linked to sharing dynamics that appeared with the “web 2.0”.
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While some artists think nothing of putting sentient beings to death as part of their practice, others prefer to question humans’ dominant relationship with non-human species by adopting what I propose to call an “anti-speciesist aesthetic.” Although taxidermy has historically served as a vehicle for promoting white man’s supremacy, it may, paradoxically, be appropriated to this end. This is precisely what Angela Singer does when she subverts the human gaze by transforming mounted animals—whose history she retraces—into veritable memorials.
The case of Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture
Starting at the end of the 1980’s, American culture wars operated
on multiple terrains and the museal sphere was no exception. Certain
American institutions became the theatre for ideological struggles
opposing progressives and conservatives. After about 10 years of
relative tranquility, the museal world was again shaken by a large
scale controversy in the winter of 2011, reactivating the debate on
the public financing of the arts.
The controversy surrounding Hide/Seek: Difference and Desire in
American Portraiture, presented at the National Portrait Gallery (NPG)
in Washington D.C. from October 30th, 2010 to February 13th, 2011,
significantly testifies to the incidents of cultural wars on art museums.
As the first exhibition to tackle the contribution of homosexual
artists in the genre of modern portraits in the United States, Hide/Seek
took on sensitive subjects such as religion and the demands of the gay
community.
Following bitter critique put out by influential conservative-right players,
the video work A Fire in My Belly by David Wojnarowicz was hastily
pulled from the exhibition by the General Secretary of the Smithsonian
group, of which NPG is a member. The target of this impulse of hostility
was a short sequence showing ants crawling on a crucified Jesus. It
took no more than that to raise the ire of the catholic league and of some
republican politicians lacking publicity who signalled their aversion to
this alleged blasphemy.
From this, a vast public debate arose. Many artistic organizations, journalists,
and activists contested what they considered to be an unjustified
act of censorship, while detractors of the exhibition called for increased
firmness regarding the financial management of the Smithsonian. A
variety of strategies were then employed by the enemy factions ranging
from menacing letters to the creation of the Museum of Censored
Act, an anti-establishment action presenting the work of Wojnarowicz
in an industrial container at the doors of the NPG. The internet and
social media served as crucial tools for the conflict. Liberals and
conservatives also used these tools extensively in order to facilitate
the ample diffusion of their interventions and their convictions on the
subject of the exhibition.
In order to better understand this controversy, it is necessary to determine
the nature of the sociological mechanisms which put it in place
as well as the exact role of the different players who intervened.
This article focuses on the sociology of the mediations with the goal of
revealing the concise manner in which the dynamics operated between
the individuals and collectives who took part in the debate.
This theory of inquiry, equally known as the Actor-Network Theory, allows for
the treatment of the data, that is the sources of current affairs, by
“re-tracing” (Latour, 2006: 187) the chain of mediations linking the
participants together.
The text therefore highlights the players implicated in the controversy
through rigorous description of the relationships they maintain in order
to show how they act and modify the parameters of the situation. In this
way, the text will be presented in function of the mediations revealed,
reassembling in a clear manner the path laid out by the mediators.
In summary, this case study will shine light on the creation of a recent
controversy which based on profound evidence, will have consequences
on the museal landscape of the United States""
Cette affaire soulève de nombreuses questions : est-il acceptable de faire souffrir ou encore de provoquer la mort d’un animal à des fins artistiques ? La censure est-elle l’approche à privilégier lors de pareilles situations ? Nous appuyant sur la sociologie axiologique développée par Nathalie Heinich (2014; 2012), nous montrerons comment les acteurs impliqués dans cette controverse mobilisent des registres de valeurs incompatibles, limitant ainsi la possibilité d’un dialogue véritable en ce qui a trait aux responsabilités imparties aux institutions muséales en matière d’éthique. Mais au-delà de cette apparente impasse, nous verrons comment le spécisme de la scène artistique est peut-être sur le point de vaciller.
Cette communication s’attachera à retracer le « trajet d’instauration » (Latour 2012 : 245) de A Fire in My Belly, de sa réalisation au jusqu’à ce qu’il soit considéré comme une œuvre iconique des culture wars une vingtaine d’années plus tard. Les séances de projection organisées en réponse au retrait du film, comme toutes les réapparitions de l’œuvre, quelle que soit leur forme (mise en exposition, diffusion d’extraits vidéo et de photogrammes dans le Web, réédition, reconstitution), seront alors envisagées comme autant d’épisodes formant la vie sociale de cette entité. En d’autres termes, nous ferons état des médiations qui ont fait exister l’œuvre—qui aurait autrement pu rester dans l’oubli le plus total—et qui assurent de ce fait sa pérennité. S’inspirant des travaux issus de la sociologie de la médiation, notre enquête se base sur des observations menées en ligne ainsi que sur des entretiens réalisés avec des intervenants liés à la controverse (activistes, artistes, commissaires). Au fil d’une démonstration minutieuse, nous tenterons de montrer pourquoi il convient de considérer A Fire in My Belly comme une œuvre collective posthume.
--
While some artists think nothing of putting sentient beings to death as part of their practice, others prefer to question humans’ dominant relationship with non-human species by adopting what I propose to call an “anti-speciesist aesthetic.” Although taxidermy has historically served as a vehicle for promoting white man’s supremacy, it may, paradoxically, be appropriated to this end. This is precisely what Angela Singer does when she subverts the human gaze by transforming mounted animals—whose history she retraces—into veritable memorials.
The case of Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture
Starting at the end of the 1980’s, American culture wars operated
on multiple terrains and the museal sphere was no exception. Certain
American institutions became the theatre for ideological struggles
opposing progressives and conservatives. After about 10 years of
relative tranquility, the museal world was again shaken by a large
scale controversy in the winter of 2011, reactivating the debate on
the public financing of the arts.
The controversy surrounding Hide/Seek: Difference and Desire in
American Portraiture, presented at the National Portrait Gallery (NPG)
in Washington D.C. from October 30th, 2010 to February 13th, 2011,
significantly testifies to the incidents of cultural wars on art museums.
As the first exhibition to tackle the contribution of homosexual
artists in the genre of modern portraits in the United States, Hide/Seek
took on sensitive subjects such as religion and the demands of the gay
community.
Following bitter critique put out by influential conservative-right players,
the video work A Fire in My Belly by David Wojnarowicz was hastily
pulled from the exhibition by the General Secretary of the Smithsonian
group, of which NPG is a member. The target of this impulse of hostility
was a short sequence showing ants crawling on a crucified Jesus. It
took no more than that to raise the ire of the catholic league and of some
republican politicians lacking publicity who signalled their aversion to
this alleged blasphemy.
From this, a vast public debate arose. Many artistic organizations, journalists,
and activists contested what they considered to be an unjustified
act of censorship, while detractors of the exhibition called for increased
firmness regarding the financial management of the Smithsonian. A
variety of strategies were then employed by the enemy factions ranging
from menacing letters to the creation of the Museum of Censored
Act, an anti-establishment action presenting the work of Wojnarowicz
in an industrial container at the doors of the NPG. The internet and
social media served as crucial tools for the conflict. Liberals and
conservatives also used these tools extensively in order to facilitate
the ample diffusion of their interventions and their convictions on the
subject of the exhibition.
In order to better understand this controversy, it is necessary to determine
the nature of the sociological mechanisms which put it in place
as well as the exact role of the different players who intervened.
This article focuses on the sociology of the mediations with the goal of
revealing the concise manner in which the dynamics operated between
the individuals and collectives who took part in the debate.
This theory of inquiry, equally known as the Actor-Network Theory, allows for
the treatment of the data, that is the sources of current affairs, by
“re-tracing” (Latour, 2006: 187) the chain of mediations linking the
participants together.
The text therefore highlights the players implicated in the controversy
through rigorous description of the relationships they maintain in order
to show how they act and modify the parameters of the situation. In this
way, the text will be presented in function of the mediations revealed,
reassembling in a clear manner the path laid out by the mediators.
In summary, this case study will shine light on the creation of a recent
controversy which based on profound evidence, will have consequences
on the museal landscape of the United States""
Cette affaire soulève de nombreuses questions : est-il acceptable de faire souffrir ou encore de provoquer la mort d’un animal à des fins artistiques ? La censure est-elle l’approche à privilégier lors de pareilles situations ? Nous appuyant sur la sociologie axiologique développée par Nathalie Heinich (2014; 2012), nous montrerons comment les acteurs impliqués dans cette controverse mobilisent des registres de valeurs incompatibles, limitant ainsi la possibilité d’un dialogue véritable en ce qui a trait aux responsabilités imparties aux institutions muséales en matière d’éthique. Mais au-delà de cette apparente impasse, nous verrons comment le spécisme de la scène artistique est peut-être sur le point de vaciller.
Cette communication s’attachera à retracer le « trajet d’instauration » (Latour 2012 : 245) de A Fire in My Belly, de sa réalisation au jusqu’à ce qu’il soit considéré comme une œuvre iconique des culture wars une vingtaine d’années plus tard. Les séances de projection organisées en réponse au retrait du film, comme toutes les réapparitions de l’œuvre, quelle que soit leur forme (mise en exposition, diffusion d’extraits vidéo et de photogrammes dans le Web, réédition, reconstitution), seront alors envisagées comme autant d’épisodes formant la vie sociale de cette entité. En d’autres termes, nous ferons état des médiations qui ont fait exister l’œuvre—qui aurait autrement pu rester dans l’oubli le plus total—et qui assurent de ce fait sa pérennité. S’inspirant des travaux issus de la sociologie de la médiation, notre enquête se base sur des observations menées en ligne ainsi que sur des entretiens réalisés avec des intervenants liés à la controverse (activistes, artistes, commissaires). Au fil d’une démonstration minutieuse, nous tenterons de montrer pourquoi il convient de considérer A Fire in My Belly comme une œuvre collective posthume.
Thèse complète disponible ici : https://papyrus.bib.umontreal.ca/xmlui/handle/1866/20483
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While they are often relegated to the margins of art history, controversies nevertheless have an eminently transformative effect : they do something to artworks. Devoted to the study of recent debates surrounding contemporary works, this thesis brings into light what arises from these conflicts, namely new objects, new actors, and new modi operandi. The analysis is structured around three case studies: the censorship of the film “A Fire in My Belly” (1986-1987) by David Wojnarowicz at the National Portrait Gallery in Washington, D.C. in 2010, the whitewash of a mural by street artist Blu at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles that took place the same year, and the destruction of “Dialogue avec l’histoire” (1987) in 2015, a work of public art created by Jean Pierre Raynaud for the Place de Paris in Québec City. These controversies reveal that there is a new dynamic taking place regarding the role of circulating images in the unfolding of such debates: these reproductions, extensively disseminated in the web, and more generally in public spaces and the public sphere, shape the artworks’ trajectories. Not only does this confers them a higher visibility, but their very modes of existence are modified in this process, works get to live, in a manner of speaking, through fixed or animated images that proliferate online. Drawing upon a pragmatist approach to publics (Dewey), actor-network theory, and sociology of mediation, we also study the forming of collectives born jointly with this dissemination of “viral” images. Actors involved in the controversies, either artists or activists, seek to make the censored or destroyed works reappear in various forms, including replicas, derivative works or even Internet memes. We demonstrate that this phenomenon of appropriation, non-existant during controversies prior to the 2010s, is linked to sharing dynamics that appeared with the “web 2.0”.
Full thesis available here: https://papyrus.bib.umontreal.ca/xmlui/handle/1866/20483