Speaking up, Speaking

SPEAKING UP, SPEAKING… TEXT BY VANESSA DESCLAUX SPEAKING UP, SPEAKING in one’s own name. Imagining that one’s name is not a mark of ownership or sovereignty in and of itself. Imagining that this name is the ceaselessly displaced site of the invention of multiple figures, without identity. Reconsidering what oneself, as a possible subject, expresses: a transformation, the ethical demand for an exercise of oneself insofar as being oneself inevitably implies an experience of the world, a condition of being in the world with others—the others within and around oneself, others who have passed, others who will come. Appreciating the responsibility that such a position of utterance implies. Making sure that this responsibility is not accompanied by an assumption of power. Becoming aware that exhibiting artistic practices implies exhibiting oneself. Here I envision a heterogeneous set of positions with regard to this speech: multiple voices jostling each other in my head (multiple figures that I would like to find a way not to reduce to set identities: artists, curators, writers, theorists…) and more particularly those of Kapwani Kiwanga; Chris Evans, Morten Norbye Halvorse, Benjamin Seror —the latter three making up the group Concert—and those of all of the artists and authors who contributed to CONCERT’s song lyrics. But the space of this text is itself the space of my words, which are attempting to echo—in a necessarily personal, subjective and fragmentary way—the many exhibition spaces in the centres d’art that every day support the unique forms of expression in which artists engage. When reading the words “exhibit oneself”, one could understand them to mean showcasing something of oneself in a public space. What is one talking about? Today it is hard to set limits on what can be exhibited of oneself: the distinction between private and public life is disappearing; the register of the personality, of one’s private life, is getting confused with that of one’s area of activity. Our emotional experiences are now placed in the service of our work; we are dismantling the frameworks that distribute our time and movements between different, separate areas; we are calling into question the structures with which we habitually identify ourselves, not in the name of a desire to reconsider the self’s fundamental dispersal through multiple subjectivities, but in the name of a blindly authoritarian identity based on the demand for flexibility, speed and efficiency. There is supposedly no possible alternative to this political, economic, social and cultural forced march that has no vision and no scent (money has none). Any attempt to resist or slow it down looks like a deadly opposition, evidence of stagnation, even though the question of action has never been more significant in forms of engagement that conceive the possibility of another relationship with the world. The exhibition space does not evade these political, social and economic issues. On the contrary, it renders highly visible the symptoms of a crisis whose whys and wherefores are becoming hard to define, and whose solutions are even harder to envisage. Here I will not express myself on the level of a diagnosis or criticism—even if I often tell myself that I do not wish to be governed like that, to work in that way. I would rather make place for another register of thought and action, that of the figures which informed this text. Giants, witches, hologrammatic, semi-fictional and cannibalistic characters, afronauts, a people is missing; freefalls, sinking islands, a breathing house, hypnotic trances, stutter: subjects, objects and other forms of life that make it possible to reinvent what we designate as a personal, private experience, and also what we consider an act, an action. The exhibition space is a public and collective space whose political issues—in the broadest sense of the term—constantly need redefinition. The act of exhibiting, of exhibiting oneself, cannot be limited simply to occupying spaces defined by institutions—public or private, commercial or not—and it reveals the need for those who exhibit themselves (they will recognise each other) to find places, sites that are not aligned with existing identities, with disciplined and exploited roles. I am thinking of Jean-Pascal Flavien’s houses, or of Solog House, invented by Bernhard in Benjamin Seror’s novel: it is not a question of taking action against something or withdrawing oneself, but rather inventing new sites right inside traditional institutions, and liberating the speech and inhabitation possibilities they offer. By inhabit, I am literally thinking of the day-to-day experience of living in a place, but I also imagine other forms of space and time occupation. Inhabiting ones own body differently, as is possible through hypnosis: inhabiting the multiple psychological figures that exist within oneself. Withdrawing into oneself in order to search for other forms of vision, and multiple voices, or new ways of inhabiting space with the body— walking in the street, eyes closed, guided by the hand of Myriam Lefkowitz, hearing her say “open your eyes”, lifting one’s eyelids, and taking a few seconds to let the light inundate your vision while an image settles in. The spoken word has the powerful and surprising richness of giving the impression of being a stranger: it gets the whole body moving, even imperceptibly; it is accompanied by trembling, exhalations and hesitations as Dominique Petitgand has so rightly shown through his work. Speaking instigates both possession and dispossession: I let something escape me, I leave myself, and I let something other than myself take possession of my voice because the words are addressed to someone else, to those other people who are listening to me. Exhibiting oneself implies going beyond the anecdotal and autobiographical in order to contribute to something more vital: the possibility of distraction, wandering, discovery and hospitality. I still hear the voice of Yael Davids, whose words, in an English shaped by sounds from Hebrew and Dutch, evoke the urgent need to find the means to collectively consider confinement, distances that are sometimes abysmal, hidden behind ideologies of mobility and proximity. WED. 21 OCT. 2015 9PM — 11PM AT THE SILENCIO — CARTE BLANCHE TO CONCERT CONCERT is a group of three artists — Chris Evans, Morten Norbye Halvorsen and Benjamin Seror — whose visual practices often merge their penchant for music and their susceptibility to its power. Sentimental disco backed by convoluted electronic rhythms, analogue bass and the voice of a distinctive singer make up CONCERT’s first album, Behave Like an Audience. Party only upon invitation or presentation of the FIAC/Silencio badge. She recounts a family event that is at once dramatic and trivial, an argument between her parents: a pile of plates shattered, “a cut, a family, a performance”. For Hannah Arendt, the ability to lie—to change facts, deliberately deny factual truth and make up stories— and the ability to act are closely linked, being rooted in the imagination. What should one let oneself be possessed by? Becoming aware of which machines we are components of; and determining which ones we would like to make rustle, which ones we would like to see stammering, and going off the rails. Maybe the challenge is to redefine, at every new moment of exhibition, what is, in itself, worth going to the trouble of revealing. Then deciding to stay in the shadows, refusing to be visible or understood; seeking transparency, stripping the space of everything that blocks the view; getting as far away as possible from what we know in order to search for unimaginable experiences; or constantly delaying the moment of revelation by letting characters succeed one another, one at a time. PRENDRE LA PAROLE, PARLER… ASSOCIATION FRANÇAISE DE DÉVELOPPEMENT DES CENTRES D'ART Translation : Matthew Cunningham THU. 22 OCT. 2015 AT 12 — NOON AUDITORIUM DU GRAND PALAIS — KAPWANI KIWANGA — A CONSERVATOR'S TALE Performance-Conference Kapwani Kiwanga takes advantage of her training in the social sciences to develop works in which she plays the role of a researcher. Particularly through her performed readings, she constructs scientific narratives inspired by afro-futurism, science fiction, traditional fables and intangible documents, in order to approach archives and invisible figures. Performance-Conference in English. D.C.A / FRENCH ASSOCIATION FOR THE DEVELOPMENT OF CENTRES D'ART d.c.a is a national network that federates 49 contemporary centres d’art in France. For over 30 years, centres d’art have contributed to the construction and promotion of the French and international contemporary art scene through their various means of support towards creation, research, dissemination and mediation. 32 rue Yves Toudic F-75010 Paris t +33 (0)1 42 39 31 07 info@dca-art.com www.dca-art.com TEXTE DE VANESSA DESCLAUX, SUR UNE INVITATION DE D.C.A / ASSOCIATION FRANÇAISE DE DÉVELOPPEMENT DES CENTRES D'ART DANS LE CADRE DE SA PROGRAMMATION À LA FIAC 2015. Commissaire d’exposition indépendante, enseignante à l’École Nationale Supérieure d’Art de Dijon, Vanessa Desclaux accomplit actuellement un doctorat en art/ curating au Goldsmiths College de l’Université de Londres. Son projet de doctorat interroge les conditions au sein desquelles la pratique curatoriale et la figure du commissaire d’exposition opèrent et se transforment. TEXT BY VANESSA DESCLAUX, ON AN INVITATION BY D.C.A / FRENCH ASSOCIATION FOR THE DEVELOPMENT OF CENTRES D'ART IN THE FRAME OF ITS PERFORMANCES PROGRAMMATION AT FIAC 2015. An independent curator and a teacher at the École Nationale Supérieure d’Art de Dijon, Vanessa Desclaux is currently completing a PhD in art/curating at Goldsmiths College, University of London. Her doctoral project explores the conditions under which curatorial practice and the figure of the curator operate and transform. PRENDRE LA PAROLE, PARLER… TEXTE DE VANESSA DESCLAUX PRENDRE LA PAROLE, PARLER en son nom. Imaginer que son nom ne porte pas en soi le signe de la propriété ou de la souveraineté. Imaginer que ce nom soit l’emplacement sans cesse déplacé de l’invention de multiples figures, sans identité. Repenser ce que soi, en tant que possible sujet, énonce : une transformation, l’exigence éthique d’un exercice de soi dans la mesure où être soi suppose inévitablement une expérience du monde, une condition d’être au monde avec les autres — les autres en soi et autour de soi, les autres qui sont passés, les autres qui viendront. Prendre la mesure de la responsabilité que suppose une telle position d’énonciation. Faire en sorte que cette responsabilité ne soit pas assortie d’une prise de pouvoir. Prendre conscience qu’exposer des pratiques artistiques, cela suppose de s’exposer. J’envisage ici un ensemble hétérogènes de positions vis à vis de cette prise de parole : se bousculent dans ma tête de multiples voix (de multiples figures dont j’aimerais trouver une façon de ne pas les réduire à des identités fixes : artistes, commissaires d’exposition, écrivains, théoriciens…) et plus particulièrement celles de Kapwani Kiwanga ; Chris Evans, Morten Norbye Halvorse, Benjamin Seror — ils forment à eux trois le groupe CONCERT, et celles de tous les artistes et auteurs qui ont contribué aux paroles de leurs chansons. Mais l’espace de ce texte est lui-même l’espace de ma parole qui tente de faire écho — de manière nécessairement personnelle, subjective et fragmentaire — aux nombreux espaces d’exposition des centres d’art qui soutiennent quotidiennement les formes d’énonciation singulières engagées par les artistes. A la lecture des mots « s’exposer », on peut entendre l’enjeu de la mise en avant de quelque chose de soi dans un espace public. De quoi parle t-on ? Aujourd’hui il est difficile d’assigner des limites à ce qui de soi peut s’exposer : la distinction entre vie privée et vie publique s’efface ; le registre de la personnalité, de l’intimité se confond avec celui des compétences. Nos expériences affectives sont désormais mises au service de notre travail ; nous défaisons les cadres qui distribuaient notre temps et nos mouvements entre différents espaces séparés ; nous remettons en cause les structures avec lesquelles nous avions l’habitude de nous identifier, non pas au nom du désir de repenser la dispersion fondamentale de soi à travers des subjectivités plurielles, mais au nom d’une identité aveuglément autoritaire fondée sur l’exigence de la flexibilité, de la vitesse et de l’efficacité. Aucune alternative n’est prétendument possible à cette marche — politique, économique, sociale, culturelle — forcée, sans vision et sans odeur (l’argent n’en a pas). Toute tentative de résistance ou de ralentissement apparaît comme une opposition mortifère, une preuve d’immobilisme alors que la question de l’action n’a jamais été aussi prégnante dans les formes d’engagement qui pensent la possibilité d’un autre rapport au monde. L’espace d’exposition n’échappe pas à ces enjeux politiques, sociaux et économiques. Il rend, au contraire, bien visibles les symptômes d’une crise dont il devient difficile de définir les tenants et les aboutissants, et encore plus d’envisager des voies de sortie. Je ne me situerai pas ici sur le plan du diagnostique ou de la critique — même si je me dis souvent que je ne souhaite pas être gouvernée comme ça, travailler de cette façon là. Je souhaiterais plutôt laisser place à un autre registre de pensée et d’action, celui que portent les figures qui ont informé ce texte. Géants, sorcières, personnages hologrammatiques, semi-fictionnels et anthropophages, afronautes, peuple qui manque ; chutes libres, îles qui sombrent, maison qui respire, transes hypnotiques, bégaiements : sujets, objets et autres formes de vie qui permettent de réinventer ce que nous désignons comme une expérience personnelle et intime, et aussi ce que nous considérons comme un acte, une action. L’espace d’exposition est un espace public et collectif dont il s’agit constamment de cerner à nouveau les enjeux politiques — au sens le plus large du terme. L’acte d’exposer, de s’exposer, ne peut se limiter à une simple occupation des espaces circonscrits par les institutions — publiques ou privées, commerciales ou non — et révèle la nécessité pour ceux qui s’exposent — ils se reconnaitront — de trouver des places, des emplacements qui ne s’alignent pas sur des identités existantes, des fonctions disciplinées et instrumentalisées. Je pense aux maisons de Jean-Pascal Flavien ou à la Solog House inventée par Bernhard dans le roman de Benjamin Seror : il n’est pas question d’agir contre ou de s’exclure, mais d’inventer de nouveaux emplacements au sein même des institutions traditionnelles et d’y libérer la parole et les possibilités d’habitation. Par habiter, je pense littéralement à l’expérience de vivre quotidiennement dans un lieu, mais j’imagine aussi d’autres formes d’occupation de l’espace et du temps. Habiter son propre corps différemment comme il est possible d’en faire l’expérience par le biais de l’hypnose : habiter les multiples figures psychiques qui existent en son sein. Se retirer en soi pour chercher d’autres formes de vision et de multiples voix, ou de nouvelles façons d’habiter l’espace avec le corps – marcher les yeux fermés dans la rue guidée par le toucher de Myriam Lefkowitz, l’entendre dire « ouvre les yeux », soulever ses paupières, laisser pendant quelques secondes la lumière inonder le regard et une image s’y fixer. La parole qui s’énonce a la puissante et étonnante richesse de donner l’impression d’être une étrangère : elle met tout le corps en mouvement, même imperceptiblement ; elle s’accompagne de tremblements, d’exhalaisons et d’hésitations comme Dominique Petitgand l’a si justement montré à travers ses pièces. Parler engage à la fois la possession et la dépossession : je laisse quelque chose m’échapper, je sors de moi-même et je laisse quelque chose d’autre que moi prendre possession de ma voix car les mots s’adressent à un autre, à ces autres qui m’écoutent. S’exposer suppose d’aller au-delà de l’anecdotique ou de MER. 21 OCT. 2015 21H — 23H AU SILENCIO — CARTE BLANCHE À CONCERT CONCERT est un groupe de trois artistes — Chris Evans, Morten Norbye Halvorsen et Benjamin Seror — dont les pratiques visuelles fusionnent souvent leur penchant pour la musique et leur sensibilité à sa puissance. Du disco sentimental soutenu par des rythmes électroniques alambiqués, une basse analogique réincarnée et la voix d’un chanteur au style propre composent le premier album de CONCERT, Behave Like an Audience. Soirée uniquement sur invitation ou présentation du badge FIAC/Silencio. l’autobiographique pour investir quelque chose de plus vital : la possibilité de l’égarement, de l’errance, de la découverte et de l’hospitalité. J’entends encore la voix de Yael Davids dont la parole, dans un anglais façonné par des sons venus de l’hébreu et du néerlandais, évoque l’urgence de trouver des moyens de penser, ensemble, l’enfermement, les distances, parfois abyssales, cachés derrière les idéologies de la mobilité et de la proximité. Elle raconte un événement familial, à la fois dramatique et banal d’une dispute entre ses parents : une pile d’assiettes brisée, « une coupure, une famille, une performance ». Pour Hannah Arendt, la capacité de mentir — de transformer les faits, de nier délibérément la vérité factuelle, de fabuler — et la capacité d’agir sont intimement liées, trouvant leur source dans l’imagination. Par quoi se laisser posséder ? Prendre conscience de quelles machines nous sommes les rouages ; et déterminer celles que l’on voudrait faire bruisser, celles que l’on veut voir bégayer, dérailler. Le défi est peut-être de définir à nouveau et à chaque nouveau moment d’exposition, ce qui, de soi, vaut la peine d’être dévoilé. Décider alors de rester dans l’ombre, refusant d’être visible ou compris ; chercher la transparence ; dépouiller l’espace de tout ce qui bloque la vision ; s’éloigner aussi loin que possible de ce qu’on connaît pour rechercher des expériences inimaginables ; ou remettre constamment à plus tard le moment de la révélation en laissant des personnages se succéder les uns après les autres. JEU. 22 OCT. 2015 12H AUDITORIUM DU GRAND PALAIS — KAPWANI KIWANGA — A CONSERVATOR'S TALE Conférence-Performance Kapwani Kiwanga met à profit sa formation dans le champ des sciences sociales afin d’élaborer des œuvres au sein desquelles elle incarne le rôle d’un chercheur. A travers ses lectures performées, notamment, elle construit des récits scientifiques nourris d’afro-futurisme, de science-fiction, de fables populaires et de documents intangibles afin d’approcher archives et figures invisibles. Conférence-performance en anglais. D.C.A / ASSOCIATION FRANÇAISE DE DÉVELOPPEMENT DES CENTRES D'ART d.c.a est un réseau national qui fédère 49 centres d’art contemporain en France. Les centres d’art contribuent depuis plus de 30 ans à la construction et à la promotion de la scène française et internationale de l’art contemporain par leurs activités de soutien à la création, de recherche, de diffusion et de médiation. 32 rue Yves Toudic F-75010 Paris t +33 (0)1 42 39 31 07 info@dca-art.com www.dca-art.com LES CENTRES D'ART CONTEMPORAIN INITIENT, PRODUISENT ET EXPÉRIMENTENT QUOTIDIENNEMENT DES FORMES D'ÉNONCIATION SINGULIÈRES ENGAGÉES PAR LES ARTISTES QUI INVESTISSENT L'ESPACE DE LA PAROLE, SI CE N'EST CELUI DU DISCOURS, EN REDISTRIBUANT LES RÔLES ARTISTIQUES, POLITIQUES ET ÉCONOMIQUES AU SEIN DU SYSTÈME DE L'ART. DANS LE CADRE DE LA FIAC 2015, D.C.A. / ASSOCIATION FRANÇAISE DE DÉVELOPPEMENT DES CENTRES D'ART INVITE KAPWANI KIWANGA ET CONCERT (CHRIS EVANS, MORTEN NORBYE HALVORSEN, BENJAMIN SEROR). ILS PRÉSENTERONT DES FORMES PERFORMATIVES OÙ L'ESPACE DE LA PAROLE, PAR EXEMPLE CELUI DE LA CHANSON OU ENCORE CELUI DE LA CONFÉRENCE, DEVIENT ESPACE D'EXPOSITION. EVERY DAY, CONTEMPORARY CENTRES D'ART ARE INITIATING, PRODUCING AND EXPERIMENTING WITH UNIQUE FORMS OF UTTERANCE, INSTIGATED BY ARTISTS WHO VENTURE INTO THE SPACE OF SPEECH, APART FROM THAT OF DISCOURSE, BY REALLOCATING THE ARTISTIC, POLITICAL AND ECONOMIC ROLES WITHIN THE ART SYSTEM. IN THE CONTEXT OF FIAC 2015, D.C.A / THE FRENCH ASSOCIATION FOR THE DEVELOPMENT OF CENTRES D'ART HAS EXTENDED AN INVITATION TO KAPWANI KIWANGA AND CONCERT (CHRIS EVANS, MORTEN NORBYE HALVORSEN, BENJAMIN SEROR). THEY WILL PRESENT PERFORMATIVE ROLES IN WHICH THE SPACE OF SPEECH, FOR EXAMPLE THAT OF A SONG OR LECTURE, BECOMES AN EXHIBITION SPACE.