Η εργασία μελετά τη μετάφραση από το Ρήγα του λιμπρέτου της όπερας Ολύμπια (L’Olimpiade) του μεγά... more Η εργασία μελετά τη μετάφραση από το Ρήγα του λιμπρέτου της όπερας Ολύμπια (L’Olimpiade) του μεγάλου Ιταλού δραματουργού Pietro Metastasio (1698-1782). Πρόκειται για ένα από τα πιο δημοφιλή μελοδραματικά έργα του 18ου αιώνα που μελοποιήθηκε από 60 περίπου συνθέτες και μεταφράστηκε στις μεγαλύτερες ευρωπαϊκές γλώσσες της εποχής. H πρεμιέρα του έργου έγινε το 1733 στη Βιέννη, όπου ο Metastasio υπηρετούσε ως αυλικός ποιητής, ενώ τον επόμενο χρόνο ανέβηκε στη Βενετία σε μουσική Antonio Vivaldi. Ο Metastasio έχει επικριθεί για το ότι παρεκκλίνει συχνά από το ιστορικό υπόβαθρο των Ολυμπιακών Αγώνων, αν και επικαλείται αρχαίους συγγραφείς (όπως ο Ηρόδοτος και ο Παυσανίας). Δύο είναι τα κύρια σημεία του λιμπρέτου που έχουν γίνει στόχος των επικριτών: οι Ολυμπιακοί αγώνες και ο Ναός του Ολυμπίου Διός. Εντούτοις, στη μετάφρασή του, ο Ρήγας υιοθετεί όλες τις αποκλίσεις του Metastasio, χωρίς καμία προσθήκη ή διόρθωση, όπως κάνει σε άλλα έργα του μεταφράζοντας ξένους συγγραφείς. Η εργασία προσπαθεί να απαντήσει σε αυτά τα ερωτήματα.
Διαδρομές στο χώρο της λογοτεχνίας για παιδιά και νέους, τ. 83, σ. 49-57 - Routes to Literature for Children and Ypung Adults, vol. 83, pp. 49-57, 2006
Το κείμενο προσεγγίζει μια μικρή ηρωίδα από το επικό έργο του Λ. Τολστόι "Πόλεμος και Ειρήνη" (18... more Το κείμενο προσεγγίζει μια μικρή ηρωίδα από το επικό έργο του Λ. Τολστόι "Πόλεμος και Ειρήνη" (1865) και τη σχέση της με τη μουσική. από την περίοδο της αθωότητας (με την απλοϊκή και απροσποίητη μουσική πράξη) έως την απώλειά της (μέσω της επαφής με την όπερα) - This study is an examination of the musical activity of a little heroine from Tolstoy's epic work, War and Peace (1865), from a period of innocence (through a simplistic but honest activity) to her loss of it (through her acquaintance with the world of opera).
BULLETIN OF THE INSTITUTE OF ETHNOGRAPHY SASA Vol 71 No 2 (2023): Mobility, Identity(/ies) and Various Functions of the Urban Space: Case Studies from Belgrade and Athens , 2023
This study deals with the use (and misuse) of music in modern Greek public transport, particularl... more This study deals with the use (and misuse) of music in modern Greek public transport, particularly in the long-distance buses, commonly known as KTEL (from their acronym). In short, Greek drivers seem to impose their own repertoire, often loudly, through speakers on passengers, who are not able (or willing) to react efficiently. This happens despite official restrictions by the Ministry of Transport on the public use of music both for drivers and passengers. This phenomenon, allied with other incidents of inappropriate treatment of passengers, has been seen by the latter as a display of power or a sign of indifference. It is also connected with other (occasional) violations by some drivers, such as smoking and talking on mobile phone (both prohibited by the law). Furthermore, the use of music is placed in the broader context of musical entertainment in modern-Greek daily life. This is probably the first such study in Greek bibliography, and among the few in international bibliography, where the issue has recently been taken up. Although I was not allowed to take formal interviews, I managed to talk to several passengers (and to a lesser extent to drivers) and keep detailed notes on the spot. Therefore, my study may be said to employ the method of autoethnography, since I have been a regular passenger for several years.
Musicology Today: Journal of the National University of Music Bucharest / Volume 13 / Issue 1 (49) / January-March 2022, pp 27-50
This paper deals with an important aspect of nationalism in south-east-
ern Europe in the 20th ce... more This paper deals with an important aspect of nationalism in south-east- ern Europe in the 20th century: the inclusion of several national figures into the list of recognized saints of the Church of Greece. That practice began to take momentum after 1921, when the Church of Greece decided to canonize Patriarch Gregorios V of Constantinople, who was hung by the sultan for his inability to supress the Greek uprising (1821). The canoniza- tion coincided with the Greek army expedition to Asia Minor following the dissolution of the Ottoman Empire and its partition by the Great Powers. The Patriarch’s body was eventually interred in the Athens Cathedral and is still commemorated as national martyr (ethnomartyr). In the same year (1921), Gregorios’ service was published containing various hymns with several nationalistic overtones. Another example discussed is the canon- ization of Bishop Chrysostom of Smyrna (1992), who was lynched and dragged around the city following the defeat and retreat of the Greek Army from Asia Minor (1922). The paper will also examine other related issues, such as the Church’s involvement in politics, the identity of the hymnogra- phers and composers of the services, their reception by the press and the public, etc.
Πρακτικά Διεθνούς Συνεδρίου «Εθνικά Κινήματα και Φιλελληνισμός» 4-6 Φεβρουαρίου 2021 - Proceedings of the International conference “Nationalist Movements and Philhellenism“ 4-6 February 2021, Σ. Ματθαίου / S. Matthaiou, A. Σφοίνη / A. Sfoini, Μ. Χ. Χατζηιωάννου / M. C. Chatziioannou (eds.), 2022
This article attempts to shed light on a little-known –albeit very important–aspect of the artist... more This article attempts to shed light on a little-known –albeit very important–aspect of the artistic creation of European philhellenism: the musical dramas/melodramas staged in European theatres during Greek Revolution (1821-1827). The reason why these works have not been studied in the context of philhellenism is that they do not refer directly to the historical events of the revolution, but draw their subject matter either from Greek mythology/history or from the Byzantine period and the Crusades. However, a closer study of the operatic works of the revolutionary period proves that the choice of their subject matter was often based on contemporary historical events.
For example, two months after the outbreak of the revolution in Messenia, “The sacrifice of Aepytus” (Il sacrifizio d’Epito), a musical drama by the Italian composer and activist Michele Carafa, was staged in Naples (30 May 1821), having as its main character the Messenian hero Aristodemus and his struggle against the Spartans. In 1827, when the strong Egyptian army led by Ibrahim Pasha plundered the Peloponnese before its final defeat at Navarino, the most popular musical drama in European scenes was “The Crusader in Egypt” (Il Crociato in Egitto), by the German-Jewish composer Giacomo Meyerbeer, which narrated the story of a Christian crusader who attracts and converts to Christianity the daughter of the Egyptian sultan. This phenomenon was mainly due to the fact that, at least until 1825, Europe was dominated by conservative governments, under the control of the ubiquitous Austrian chancellor Klemens von Metternich, while Italy was largely under Austro-Hungarian rule. Since most composers and librettists were employed or invited by local rulers/emperors, they functioned as “crypto-philhellenes” to an extent, expressing in this covert way their solidarity with the Greek struggle, and “conversing” with the “declared” philhellene artists of the time, such as Lord Byron, Victor Hugo and Gioachino Rossini.
This article is about the notions of secular music among the Greek writers of
the 18th century. ... more This article is about the notions of secular music among the Greek writers of
the 18th century. In broad lines, we may distinguish three tendencies: i) a
progressive one, represented here by Eugenios Voulgaris, ii) a conservative one,
whose main exponent was Nikodimos of Mount Athos (so-called Hagioritis), and
iii) a «third-way» one represented by Chrysanthos of Madytos. Eugenios, a
bishop who studied philosophy in Europe and lived in Russia, allows music to
have a say not only on people's character but on their working-time, too. He is
also tolerant towards instrumental music in every-day life as well as in worship,
which was (and still is) forbidden in the Orthodox Church. Nikodimos, on the
other hand, a monk and sermon writer who did not travel abroad, rejects all
sorts of music, if they do not serve the spiritual needs of the faithful. He scorns
instruments, and is particularly severe against music as leisure, which he sees as
corrupting the soul. Chrysanthos stands somewhere in-between them, as he was
a musician himself and a music teacher at the Greek Patriarchate in Istanbul. He
approaches music as a blessing from God, which should be exercised by human
beings, though with caution, in order to prevent its ill-effects. This dialogue may
be said to correspond with the «querelle des anciens et modems» which upset
Europe around the same time
Ελευθερία και Θάνατος στην Ελληνική Επανάσταση του 1821: Μικροϊστορικές προσεγγίσεις από τον αγώνα στον Ηπειρωτικό και στον ευρύτερο Βαλκανικό χώρο, Πρακτικά Επιστημονικού Συνεδρίου, Α. Β. Μανδυλαρά κ.ά. (επιμ.), Παν/μιο Ιωαννίνων, Ιωάννινα 2022, σ. 98-101
We can distinguish two major phases in the use of a certain mourning motif in pre-revolutionary a... more We can distinguish two major phases in the use of a certain mourning motif in pre-revolutionary and revolutionary Greek folk songs examined: the first and oldest concerns Ottoman (including Albanian) personalities, mourned by their familiar female figures (wife, mother, etc.); in the second phase the pattern "passes" into Greek hands, to emphasize the loss of great heroes (such as Markos Botsaris and Odysseas Androutsos) not only from female but also from male lips. We can also identify a third phase of "de-escalation" of mourning from the historical-war context, through its use in family and pastoral songs. In terms of gender approach, in the non-Greek context, only in one case, laments are "masculine"; in most cases what comes out of a woman's lips are "tears and laments", while in three cases, laments have been described as "feminine". In one case the mourners' laments are "black", while the Turkish concubines (hanums) emit "Turkish laments". A Greek mother's tears are described as masculine". These differences give us information about the perceptions of each peoples about the opposite sex, the foreigner and in general the otherness and need to be studied in more detail.
Πρακτικά επιστημονικού συνεδρίου "Ο Έρωτας μέσα από το Δημοτικό Τραγούδι" αφιερωμένο στον Claude Fauriel (1772 – 1844). Μορφοβούνι, Δήμος Λίμνης Πλαστήρα Καρδίτσας, 1-3 Ιουνίου 2018, Πανεπιστήμιο Θεσσαλίας, 2020
Αφορμή για τη συγγραφή της παρούσας εργασίας αποτέλεσε η σχετικά διαδεδομένη εντύπωση ότι η έννοι... more Αφορμή για τη συγγραφή της παρούσας εργασίας αποτέλεσε η σχετικά διαδεδομένη εντύπωση ότι η έννοια του έρωτα δεν απαντά ως τέτοια στα τραγούδια του ελληνικού λαού. Ο έρωτας, θέμα δημοφιλές στη λόγια ποίηση από την αρχαιότητα μέχρι τις μέρες μας, θεωρείται από πολλούς ως έννοια ασύμβατη με το δημοτικό τραγούδι, που υποτίθεται ότι μιλά κυρίως για αγάπη και αγαπητικούς. Και τούτο, παρά το γεγονός ότι από τον 19ο αιώνα, τα σχετικά τραγούδια περιγράφονται σε κάποιες συλλογές ως «ερωτικά» . Η προσέγγιση που επιχειρείται εδώ είναι περισσότερο πραγματολογική, υπό την έννοια της παράθεσης και επεξεργασίας στατιστικών στοιχείων και ενδεικτικών παραδειγμάτων, που κρίθηκαν απαραίτητα για να φθάσει κανείς σε σχετικά ασφαλή συμπεράσματα. Η έννοια της αμεσότητας έχει εδώ διπλή διάσταση: από τη μία αναφέρεται στη μνεία της λέξης «έρωτας» και στα παράγωγά της (π.χ. ερωτικός) και από την άλλη, στην άμεση επίκληση του στιχουργού στον φτερωτό θεό (σε δεύτερο πρόσωπο). Από την επεξεργασία της διαθέσιμης ύλης προκύπτει ότι το πρώτο επίπεδο (της αδιαμεσολάβητης επικοινωνίας του στιχουργού με τον έρωτα) είναι πολύ πιο περιορισμένο απ’ ότι το δεύτερο (της περιγραφής των γεγονότων).
The reason for writing this work was the relatively widespread impression that the concept of eros does not appear as such in the songs of the Greek people. Eros, a theme popular in poetry from antiquity to the present day, is considered by many as a concept incompatible with folk song, which is supposed to refer mainly to love and the beloved. This happens, despite the fact that since the 19th century, the relevant songs are described in some collections as "erotic". The approach attempted here is pragmatistic, in the sense of quoting and processing statistical data and indicative examples, which were deemed necessary to reach relatively safe conclusions. The concept of immediacy has a double dimension here: on the one hand it refers to the mention of the word "eros" and its derivatives (e.g. erotic) and on the other hand, to the lyricist's direct invocation to the winged god (in the second person). The analysis of the available material shows that the first level (of the lyricist's direct communication with eros) is much more limited than the second (of the description of the events).
Greece and the Balkans: Identities, Perceptions and Cultural Encounters since the Enlightenment, Routledge, 2017
Greece and the Balkans explores the cultural relationships between Greece and other Balkan countr... more Greece and the Balkans explores the cultural relationships between Greece and other Balkan countries in the domains of language, literature, thought, translation, and music, and examines issues of identity and perception among the Balkan peoples themselves. The essays bring together scholars from across a range of disciplines: historians, anthropologists, linguists and musicologists with specialists on literature, translation, the history of ideas and religion. By raising issues of cultural hybridity, and nationalist or pre-nationalist interpretations of culture and history it lays claim to a place in the context of studies on nationalism and post-colonialism. Greece and the Balkans also contributes to a recognition of the Balkans as a site, like some postcolonial ones, where identities have become fused, orientalism and eurocentrism blurred and where religion and modernity clashed and co-existed. By approaching cultural encounters between Greece and the Balkans from a fresh and informed perspective, it makes a substantial contribution to the study of a rather neglected aspect in the history of a region which has suffered in the past from narrow-minded, nationalistic arguments.
Гласник Етнографског института САНУ, [S.l.], v. 68, n. 3, p. 779–783, jan. 2021., 2021
Διδακτορική διατριβή, Τμήμα Μουσικών Σπουδών της Φιλοσοφικής Σχολής του Εθνικού και Καποδιστριακο... more Διδακτορική διατριβή, Τμήμα Μουσικών Σπουδών της Φιλοσοφικής Σχολής του Εθνικού και Καποδιστριακού Πανεπιστημίου Αθηνών, «Εργαστήριο Βυζαντινής Μουσικολογίας», Αθήνα 2019 [PhD Dissertation, Department of Music Studies of the Faculty of Philosophy of the National and Kapodistrian University of Athens, “Laboratory of Byzantine Musicology”, Athens 2019].
Η Βυζαντινή Μουσική μέσα από την Νέα Μέθοδο Γραφής 1814-2014 Πρακτικά Διεθνούς Μουσικολογικοὐ και Ψαλτικού Συνεδρίου - Byzantine Music through the New Method of Notation 1814-2014 Proceedings of the International Musicological and Psaltic Conference, 2021
Η μουσική μεταρρύθμιση του 1814 δεν επηρέασε μόνο την εκκλησιαστική μουσική (στην οποία κυρίως απ... more Η μουσική μεταρρύθμιση του 1814 δεν επηρέασε μόνο την εκκλησιαστική μουσική (στην οποία κυρίως απευθυνόταν) αλλά και τη λεγόμενη εξωτερική μουσική, δηλ. την κοσμική (ελληνόγλωσση και μη) μουσική. Μέχρι τότε, είχαν συνταχθεί αρκετές χειρόγραφες ανθολογίες κοσμικών ασμά-των (μισμαγιές) στην παλαιά παρασημαντική, αν και σε ένα εξελιγμένο της στάδιο. Τα άσματα αυτά χρησιμοποιούσαν τους οθωμανικούς τρόπους (μακάμ) και ρυθμούς (ουσούλ), τους οποίους προσάρμοζαν σε ελληνικές φόρμες (κυρίας από το δημοτικό τραγούδι). Οι ανθολογίες αυτές κυκλοφορούσαν κυρίως στην Κων/πολη και τις Παραδουνάβιες Ηγεμονίες και περιείχαν συνθέσεις πατριαρχικών μουσικών, όπως του Πέτρου Λαμπαδαρίου, του Ιακώβου Πρωτοψάλτου, του Πέτρου Βυζαντίου κ.ά. Η σύνταξη ανθολογιών στην παλαιά γραφή συνεχίστηκε μέχρι και το 1820, αν και η μεταγραφή ενός μικρού μέρους τους στο νέο σημειογραφικό σύστημα είχε ήδη ξεκινήσει (κυρίως από τον Γρηγόριο Πρωτοψάλτη). Οι πρώτες έντυπες ανθολογίες κοσμικών ασμάτων εκδίδονται μια δεκαετία αργότερα, με πρώτες την Ευτέρπη (1830) και την Πανδώρα (1843), με επιμελητή τον Θεόδωρο Φωκαέα, ενώ δεν σταματά και η σύνταξη χειρόγραφων ανθολογιών που φτάνει μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα. Από την αντιπαραβολή των καταγραφών στα δύο σημειογραφικά συστήματα προκύπτει ότι η νέα μέθοδος αλλοίωσε τα ρυθμικά και μελωδικά χαρακτηριστικά των ασμάτων, διπλασιάζοντας τις χρονικές αξίες και επιτρέποντας την παρεμβολή μελισμάτων. Το φαινόμενο αυτό παρατηρείται την ίδια περίοδο στην ευρύτερη οθωμανική μουσική και, σύμφωνα με έγκριτους μουσικολόγους, οφείλεται στην επιβράδυνση της ταχύτη-τας των ασμάτων κατά την επιτέλεσή τους. Η ανακοίνωση εξετάζει αυτή τη διαδικασία σε τρία στάδια: α) επιβεβαιώνοντας την ακρίβεια των κατα-γραφών στην παλαιά παρασημαντική μέσα από την αντιπαραβολή τους με σύγχρονές τους καταγραφές στο πεντάγραμμο, β) αναλύοντας τους μηχανισμούς ρυθμικής επιβράδυνσης και μελωδικής πυκνότητας μέσα από τη σύγκριση των καταγραφών στην παλαιά και τη νέα μέθοδο και γ) αποδεικνύοντας ότι οι μετά τη μεταρρύθμιση καταγραφές στην παλαιά παρασημαντική δεν διαφέρουν από αυτές στη νέα μέθοδο.
The musical reform of 1814 influenced not only Greek ecclesiastical music (which it mainly targeted) but also the exoteriki or secular music. By then, several handwritten anthologies of secular songs had been compiled in the old notation, albeit in an analytical way. These songs used the Ottoman modes (makams) and rhythmic units (usuls), which they adapted to Greek forms (mainly from the Greek folk song). These anthologies circulated mainly in Constantinople and the Danubian Principalities, and contained compositions by patriarchal musicians, such as Petros Lampadarios, Iakovos Protopsaltis, Petros Byzantios, etc. The writing of anthologies in the old notation continued until 1820, although the transcription of a small part of them into the new method had already begun. The first printed anthologies of secular songs were published a decade later, the first ones being Euterpe (1830) and Pandora (1843), while the compilation of handwritten anthologies went on up to the middle of the 19th century.
The comparison of the transcriptions in the two notational systems shows that the new method altered the rhythmic and melodic elements of the songs, doubling the time signatures and allowing the insertion of melismas. This phenomenon is observed at the same time in the wider Ottoman music and, according to eminent musicologists, is due to the slowdown of the tempo during musical performance. The paper examines this process in three steps: a) by confirming the accuracy of the transcriptions in the old notation through their comparison with their modern transcriptions on the stave, b) by analyzing the mechanisms of rhythmic retardation and melodic density through the comparison of the transcriptions in the old and the new method and c) by proving that the post-reform transcriptions in the old notation do not differ from those in the new method.
This paper was written to commemorate the 200th anniversary of the publication of musical treatis... more This paper was written to commemorate the 200th anniversary of the publication of musical treatise by Archbishop Chrysanthos of Madytos (c.1770-1846), the first work towards a ‘scientific’ treatment of Greek ecclesiastical music (1821). Chrysanthos attempted to reorganize the modal and rhythmic theory of this music, and reform the musical notation that has remained to this day. The paper deals with an aspect of Chrysanthine modal system that has not received due attention so far: the abandonment of the traditional authentic-plagal order and its substitution by a new one that does not make sense if placed outside its cultural context and historical antecedents. Chrysanthos’ main point of reference seems to be the Ottoman makam system that had already penetrated post-Byzantine chant but was now given a new momentum. Before that, Greek composers used the Byzantine modal division into four authentic (kurioi) and four plagal (plagioi), positioned a fifth apart from each other. The authentic modes were mostly ascending in terms of melodic movement, whereas the plagal were descending (though one has first to ascend in order to get down!). Otherwise, every authentic-plagal pair shared the same melodic scale (usually an octave), which they traversed according to certain melodic motifs (some common to all, others unique to every mode).
Επετηρίς του Κέντρου Ερεύνης της Ελληνικής Λαογραφίας της Ακαδημίας Αθηνών - Annual of the Hellenic Folklore Research Centre of the Academy of Athens, 35-36 (2014-2019), σ. 647-670., 2021
Η παρούσα μελέτη επανεξετάζει το αμφιλεγόμενο θέμα του επτάσημου ρυθμού και της φερόμενης καταγωγ... more Η παρούσα μελέτη επανεξετάζει το αμφιλεγόμενο θέμα του επτάσημου ρυθμού και της φερόμενης καταγωγής του από την αρχαία ελληνική μετρική. Ο επτάσημος ρυθμός (κυρίως με δομή 3+4) είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς στην ελληνική δημοτική μουσική και έχει ταυτιστεί με τον λεγόμενο «Καλαματιανό» χορό. Το θέμα αυτό απασχόλησε αρκετούς ερευνητές (μουσικολόγους και φιλολόγους, έλληνες και ξένους) καθόλη τη διάρκεια του 20ού αιώνα. Οι περισσότεροι από αυτούς φαίνονται μάλλον πεπεισμένοι για την προέλευση του επτάσημου ρυθμού είτε από τον αρχαίο επίτριτο (μετρικό πόδα από τρεις μακρές και μία βραχεία συλλαβή) είτε από κάποια άλλη παραλλαγή του. Εντούτοις, οι μεταξύ τους διαφοροποιήσεις και διαφωνίες αλλά και η απροσδιοριστία του αντίστοιχου αρχαίου μέτρου δημιουργούν σοβαρές αμφιβολίες στον σημερινό ερευνητή. Αυτό που προτείνει η παρούσα μελέτη είναι η απαγκίστρωση από την αρχαία μετρική και η διερεύνηση της σχέσης του επτάσημου με άλλες (λίγο μεταγενέστερες) μετρικές μορφές σε δημοφιλή έργα της χριστιανικής εποχής, όπως το Ψαλτήριο του Δαβίδ (που είχε όμως μεταφραστεί από τον 2ο π.Χ. αιώνα), τα Ευαγγέλια και η πρώιμη βυζαντινή ποίηση και υμνογραφία. Στα έργα αυτά, εντοπίζεται πληθώρα στίχων και περικοπών που χρησιμοποιούν τη δομή του «Καλαματιανού» (3+4), η δε δημοτικότητα και διάδοσή τους στο ελληνόφωνο κοινό φανερώνει μια βαθύτερη σχέση και ένα είδος διάρκειας και «συνέχειας». Η ρυθμοτονική προφορά της βυζαντινής περιόδου είναι τέλος ένας αρκετά ασφαλής οδηγός προς μια πιο αξιόπιστη μελέτη και κατανόηση του επτάσημου ρυθμού.
This study revisits the controversial issue of the seven-beat (heptasemic) rhythm and its alleged origin from the ancient Greek metrics. This rhythmic genre (with a 3+4 structure) is one of the most popular in Greek folk music and has been identified with the so-called “Kalamatianos” dance (from the city of Kalamata, southwestern Greece). This issue occupied several researchers worldwide (musicologists and philologists) throughout the 20th century. Most of them pointed either to the ancient epitrite (a metrical foot consisting of three long and one short syllables) or other variants. However, the differentiations and disagreements among the researchers as well as the inaccuracy of the ancient models (due to the lost prosody of the time) pose serious concerns to modern researchers. Therefore, instead of ancient metrics, this study proposes the exploration of the rhythm’s relation to other (not-much later) metrical traditions found in seminal works of the Christian era, such as the Psaltery of David (which, however, had been translated into Greek by the 2nd century BC), the Gospels and the early-Byzantine poetry and hymnography. In these works, a plethora of verses and passages using the heptasemic structure (3+4) are found, which have become quite popular over time to the Greek-speaking audience, a fact that reveals a kind of “continuity” and duration. At the end of the day, the rhythmotonic (instead of prosodic) pronunciation of the Byzantines is a safer guide to a more reliable study and understanding of the seven-beat rhythm.
Η παρούσα ανακοίνωση αποπειράται να φωτίσει μια σημαντική αλλά λίγο μελετημένη πτυχή της εξέλιξης... more Η παρούσα ανακοίνωση αποπειράται να φωτίσει μια σημαντική αλλά λίγο μελετημένη πτυχή της εξέλιξης της εκκλησιαστικής μουσικής δημιουργίας και ερμηνείας, υπό το φως σύγχρονων κοινωνιολογικών θεωριών. Πρόκειται για τη λεγόμενη «διάσπαση» του κλασικού μουσικού έργου, δηλ. τη διατάραξη της ενότητας μεταξύ των μερών αλλά και μεταξύ των μερών και του όλου ενός μουσικού έργου, που άρχισε να κυριαρχεί στην παγκόσμια μουσική σκηνή από τις αρχές του 19ου αιώνα και κορυφώθηκε στον 20ο αιώνα. Την εξέλιξη αυτή επισήμανε και μελέτησε, μεταξύ άλλων, ο μεγάλος κοινωνιολόγος και μουσικοσυνθέτης Theodor Adorno. Ο Adorno απέδωσε την εξέλιξη αυτή στην αλλαγή του αισθητηρίου κατά την περίοδο του Ρομαντισμού και στην επακόλουθη
εμπορευματοποίηση της μουσικής, που προώθησε την κυκλοφορία των μεγάλων κλασικών έργων σε αποσπασματική μορφή (για να χωρέσει στους δισκογραφικούς και ραδιοφωνικούς χρόνους). Τη διαδικασία αυτή φαίνεται ότι ακολούθησε και η «βυζαντινή» εκκλησιαστική μουσική, ιδίως οι μεγάλες συνθέσεις (π.χ. Χερουβικός ύμνος), που μέχρι και την εποχή του Πέτρου Πελοποννησίου παρουσίαζαν μια ενότητα στη δομή, με τις μελωδικές φράσεις να λειτουργούν αλληλοσυμπληρωματικά, χωρίς να ξεχωρίζουν μεταξύ τους. Η αρχή αυτής της εξέλιξης εντοπίζεται στην εποχή του Θεόδωρου Φωκαέως, οι συνθέσεις του οποίου παρουσιάζουν για πρώτη φορά μία ανισορροπία μεταξύ των μερών, προκρίνοντας κάποιες φράσεις έναντι άλλων και τονίζοντας συγκεκριμένα σημεία
του ποιητικού κειμένου. Η διαδικασία αυτή υποβοηθήθηκε τον 20ο αιώνα με την έλευση της δισκογραφίας και την εφεύρεση του ραδιοφώνου. Άρχισαν να δημιουργούνται «έτερες θέσεις», ενώ σε συναυλίες και ραδιοφωνικές εκπομπές ακούγονταν «highlights». Υπάρχει άραγε περιθώριο επανόδου στην ενότητα των κλασικών έργων ή μια τέτοια απόπειρα είναι σήμερα τεχνητή και ως εκ τούτου ανειλικρινής (όπως πίστευε ο Adorno);
This paper sheds light on an important but little studied aspect of the evolution of chant creation and interpretation, in the light of modern sociological theories. This is the so-called "split" of the classical musical work, i.e. the disruption of the unity between the parts but also within the parts and the whole musical work, which began to dominate the musical scene from the beginning of the 19th century and culminated in the 20th century. This development was pointed out and studied by the great sociologist and composer Theodor Adorno. Adorno attributed this development to the change of the senses during the Romantic period, in the ensuing music
commercialization, which promoted the release of major classical works in fragmentary form (to fit the discographic and radio times). This process seems to have been followed by the Greek monophonic chant, especially the large compositions that until the 18th century showed a structure unity, with the melodic phrases functioning complementary, without standing out from each other. The beginning of this development is located in the early 19th century, when Greek chant presents for the first time an imbalance between the parts, preferring some phrases over others and emphasizing specific points of the poetic text. This process was aided in the 20th century with the advent of discography and the invention of the radio. more melismatic phrases began to be created, while "highlights" were heard in concerts and radio shows. Is there room for a return to the unity of the classics or is such an attempt today artificial and therefore "insincere" (as Adorno believed)?
Folk and Church Music Issues: Scientific Conference Papers Collection, Giorgi Garaqanidze Folk and Church Music 15th International Festival, Edited by Khatuna Managadzel, Batumi, 2020
This paper discusses the available information of the cultural activity of the Greek community of... more This paper discusses the available information of the cultural activity of the Greek community of Batumi, during an important but rather neglected period of Georgian history, namely the British occupation of the city. This was a transitional political period of Georgia, having come out from an Ottoman occupation and before being ceded to the Bolsheviks, who seized Tbilisi in February 1921. The British occupation, destined to secure a relative stability of the region, was effected between December 1918 and July 1920. The Greeks of Batumi formed one of the strongest Christian communities of the city, at least since the early 19th century, when many Greeks settled in Georgia, following the outbreak of the Greek Revolution (1821) and the Russo-Turkish War (1828-9). Most of those Greeks came from Pontus, the region on the north coast of Turkey that included prosperous and dense-populated cities, such as Trabzon, Samsun, etc. The information comes mainly from a Greek newspaper, called Free Pontus (Eλεύθερος Πόντος), one of the two Greek newspapers at the time (the other being The Echo of Batumi), published in Batumi twice a week, from June 1919 until November 2020, when it was closed down by the authorities. Amid various political and military reports, one may find a lot of information of the cultural activity of the Greek community, such as religious festivities, theatrical or musical events, and literary publications, which will be treated separately.
Musicology Today: Journal of the National University of Music Bucharest / Volume 10 / Issue 3 (39) / July-September 2019, pp 175-200, 2019
This paper deals with some early instances of salon music in late
18th-century Istanbul, as attes... more This paper deals with some early instances of salon music in late 18th-century Istanbul, as attested in the Greek literature of the time. The indication “early” has been preferred here because, in the European context, this music genre is said to have been “officially” launched in the early 19th century, its heyday being reached in mid-century. However, musical performances are known (and well-documented) to have taken place since the 18th century in Parisian and other western-European salons. In fact, Parisian salons had appeared a century earlier, to counteract the court culture, although the nobility also participated along the rising middle-class. Nevertheless, in this early stage, such events were mainly literary gatherings, in the sense that music was part of a broader cultural activity that encompassed other performative events, such as book reading, recitation of poetry, theatre acting, etc. Music was often performed by way of airs, those originally being vocal compositions taken from larger works (operas, cantatas, oratorios) but gradually turned to pieces for instrumental ensembles.
Λαϊκή Ιατρική και Ιατρική Επιστήμη: Σχέσεις Αμφίδρομες. Τόμος Β ́ ΠΡΑΚΤΙΚΑ ΠΑΝΕΛΛΗΝΙΟΥ ΕΠΙΣΤΗΜΟΝΙΚΟΥ ΣΥΝΕΔΡΙΟΥ (Αθήνα, 7-11 Μαρτίου 2012). Δημοσιεύματα του Κέντρου Ερεύνης της Ελληνικής Λαογραφίας της Ακαδημίας Αθηνών 33. Επιμέλεια: Κυριακή Χρυσού-Καρατζά, 2018
Από τη διερεύνηση του θέματος της σχέσης μουσικής και θεραπευτικής στην ευρωπαϊκή γραμματεία του ... more Από τη διερεύνηση του θέματος της σχέσης μουσικής και θεραπευτικής στην ευρωπαϊκή γραμματεία του 18ου αιώνα προκύπτει ότι η μουσική αντιμετωπιζόταν ως μια υποβοηθητική πλην όμως σημαντική πρακτική από την ιατρική επιστήμη της εποχής. Η επίδρασή της αφορούσε τόσο μουσικούς ασθενείς (οι οποίοι λόγω της ενασχόλησής τους ήσαν εμφανώς πιο ευεπίφοροι σε μουσικά ερεθίσματα) όσο και μη μουσικούς όλων των κοινωνικών τάξεων (βασιλείς, επαγγελματίες, ιθαγενείς), αν και φαίνεται πως οι περισσότεροι ανήκαν στα ανώτερα κοινωνικά στρώματα της εποχής. Διαπιστώνεται επίσης ότι η ευεργετική επίδραση της μουσικής περιορίζεται κυρίως σε συμπτώματα που ανήκουν σήμερα στον κλάδο της Ψυχολογίας (κατάθλιψη, μανιοκατάθλιψη, μελαγχολία κ.ά.). Το δε είδος της μουσικής που χρησιμοποιήθηκε φαίνεται ότι ανήκει στο οικείο ρεπερτόριο κάθε κοινωνικής ομάδας (κλασική μουσική για τους ευγενείς, λαϊκή μουσική για τους ιθαγενείς κ.λπ.). Η αντίληψη αυτή μεταφέρθηκε με σχετική καθυστέρηση στην ελληνική γραμματεία του αρχόμενου 19ου αιώνα, μέσω της μετάφρασης αποσπασμάτων της γαλλικής Εγκυκλοπαιδείας. Ο μεταφραστής δεν απευθύνεται στους ομοεθνείς τους ιατρούς αλλά στους ομοτέχνους του μουσικούς (αφού και ο ίδιος δεν είναι ιατρός αλλά μουσικός) και σκοπός του είναι να δείξει την οικουμενική διάσταση της μουσικής και την πολλαπλή της ωφέλεια σε διάφορες εκφάνσεις του ανθρώπινου βίου (όπως η ασθένεια). Ο μεταφραστής μεταφράζει και τις αναφορές της γαλλικής πηγής του σε αρχαίους Έλληνες συγγραφείς (π.χ. Ασκληπιάδης), δημιουργώντας έτσι ένα ιστορικό προηγούμενο για τους νεοέλληνες αναγνώστες του. Εντούτοις, η ελληνική μετάφραση διακρίνεται σε κάποια σημεία από πλημμελή απόδοση όρων ή ονομάτων, ενώ δεν αραπέμπει στην πηγή του (τη γαλλική Εγκυκλοπαιδεία), κάτι βέβαια που δεν σπάνιζε μέχρι εκείνη την εποχή στη διεθνή βιβλιογραφία.
Πρακτικά 2ου Διεθνούς Μουσικολογικού και Διεπιστημονικού Συνεδρίου του Τομέα Ψαλτικής Τέχνης και Μουσικολογίας της Ακαδημίας Θεολογικών Σπουδών Βόλου. 9-11/6/2016. «Από Χορού και Ομοθυμαδόν» – Εξελίξεις και Προοπτικές της Διεπιστημονικής Έρευνας για την Ψαλτική, Βόλος 2017, σ. 307-339
Η παρούσα εργασία αποπειράται να ψηλαφήσει με τεκμηριωμένο τρόπο τη λειτουργία της προφορικό-τητα... more Η παρούσα εργασία αποπειράται να ψηλαφήσει με τεκμηριωμένο τρόπο τη λειτουργία της προφορικό-τητας στην ψαλτική τέχνη του 20ου αιώνα, μέσα από τον εντοπισμό και τη μελέτη μελωδιών που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα στο στόμα του μέσου πιστού και του εμπειρικού ιεροψάλτη/ιερέα. Οι μελωδίες αυτές αποτελούν πα-ραφθορά των «επίσημων» μελών της παράδοσης της Κων/πόλεως (όπως αυτή αποτυπώθηκε σε έντυπες εκδόσεις με πατριαρχική σφραγίδα) και αρχίζουν να εμφανίζονται σποραδικά από τα τέλη του 19ου αιώνα σε ανθολογίες εκκλησιαστικής μουσικής που εκδίδονται στην Αθήνα από επώνυμους ιεροψάλτες και μουσικοδιδασκάλους. Οι κοινές αυτές μελωδίες φέρουν κάποτε (αλλά όχι πάντα) ευρωπαϊκές επιδράσεις συνδεόμενες με την παρουσία και δράση του Ιωάννη Σακελλαρίδη, αλλά δεν ταυτίζονται μαζί του, καθώς οι περισσότερες προϋπήρχαν και καταγράφηκαν από ανθολόγους του παραδοσιακού στρατοπέδου. Το ρεπερτόριο των κοινών αυτών μελωδιών περιλαμβάνει συνή-θως σύντομα (ειρμολογικά) μέλη, όπως προσόμοια, καθίσματα. κοντάκια, απολυτίκια, εξαποστειλάρια, αλλά και τα εγκώμια του Επιταφίου (για τα οποία γίνεται εκτενής αναφορά). Ενδιαφέρον παρουσιάζει και το θεοτοκίο της αρτοκλασίας («Θεοτόκε Παρθένε») σε ήχο πλ.Α’ που φαίνεται πως φτάνει οριστικά στη σημερινή μορφή του μετά τα μέσα του 20ου αιώνα. Μια ενότητα είναι επίσης αφιερωμένη στη διάδοση των κοινών αυτών μελωδιών στη σχολική εκπαίδευση μέσω σχολικών βιβλίων μουσικής (που χρησιμοποιούν συνήθως την ευρωπαϊκή σημειογραφία).
This paper attempts to document the oral function of 20th century chant by identifying and studying melodies that have survived in the mouth of the average believer and the empirical chanter/priest. These melodies are a considered a corrupted for of the "official" repertoire of the Constantinopolitan tradition (included in printed publications bearing a patriarchal seal) and began to appear sporadically from the late 19th century in anthologies of ecclesiastic music published in Athens by well-known chanters and music instructors. These common melodies bear (though not always) European influences, associated with Ioannis Sakellaridis, but should not identify with him, as most of them existed and were recorded in earlier anthologies of the traditional camp. The repertoire of these common melodies usually includes (ermological) short melodies, such as kathismata, kontakia. and the encomiums of the Epitaph (which are extensively mentioned here). Interestingly, the troparion of artoklasia ("Theotoke Parthene") is also present, and seems to have reached its present form after the middle of the 20th century. A section is also devoted to the dissemination of these common melodies in education through school music books (usually using European notation).
Η εργασία μελετά τη μετάφραση από το Ρήγα του λιμπρέτου της όπερας Ολύμπια (L’Olimpiade) του μεγά... more Η εργασία μελετά τη μετάφραση από το Ρήγα του λιμπρέτου της όπερας Ολύμπια (L’Olimpiade) του μεγάλου Ιταλού δραματουργού Pietro Metastasio (1698-1782). Πρόκειται για ένα από τα πιο δημοφιλή μελοδραματικά έργα του 18ου αιώνα που μελοποιήθηκε από 60 περίπου συνθέτες και μεταφράστηκε στις μεγαλύτερες ευρωπαϊκές γλώσσες της εποχής. H πρεμιέρα του έργου έγινε το 1733 στη Βιέννη, όπου ο Metastasio υπηρετούσε ως αυλικός ποιητής, ενώ τον επόμενο χρόνο ανέβηκε στη Βενετία σε μουσική Antonio Vivaldi. Ο Metastasio έχει επικριθεί για το ότι παρεκκλίνει συχνά από το ιστορικό υπόβαθρο των Ολυμπιακών Αγώνων, αν και επικαλείται αρχαίους συγγραφείς (όπως ο Ηρόδοτος και ο Παυσανίας). Δύο είναι τα κύρια σημεία του λιμπρέτου που έχουν γίνει στόχος των επικριτών: οι Ολυμπιακοί αγώνες και ο Ναός του Ολυμπίου Διός. Εντούτοις, στη μετάφρασή του, ο Ρήγας υιοθετεί όλες τις αποκλίσεις του Metastasio, χωρίς καμία προσθήκη ή διόρθωση, όπως κάνει σε άλλα έργα του μεταφράζοντας ξένους συγγραφείς. Η εργασία προσπαθεί να απαντήσει σε αυτά τα ερωτήματα.
Διαδρομές στο χώρο της λογοτεχνίας για παιδιά και νέους, τ. 83, σ. 49-57 - Routes to Literature for Children and Ypung Adults, vol. 83, pp. 49-57, 2006
Το κείμενο προσεγγίζει μια μικρή ηρωίδα από το επικό έργο του Λ. Τολστόι "Πόλεμος και Ειρήνη" (18... more Το κείμενο προσεγγίζει μια μικρή ηρωίδα από το επικό έργο του Λ. Τολστόι "Πόλεμος και Ειρήνη" (1865) και τη σχέση της με τη μουσική. από την περίοδο της αθωότητας (με την απλοϊκή και απροσποίητη μουσική πράξη) έως την απώλειά της (μέσω της επαφής με την όπερα) - This study is an examination of the musical activity of a little heroine from Tolstoy's epic work, War and Peace (1865), from a period of innocence (through a simplistic but honest activity) to her loss of it (through her acquaintance with the world of opera).
BULLETIN OF THE INSTITUTE OF ETHNOGRAPHY SASA Vol 71 No 2 (2023): Mobility, Identity(/ies) and Various Functions of the Urban Space: Case Studies from Belgrade and Athens , 2023
This study deals with the use (and misuse) of music in modern Greek public transport, particularl... more This study deals with the use (and misuse) of music in modern Greek public transport, particularly in the long-distance buses, commonly known as KTEL (from their acronym). In short, Greek drivers seem to impose their own repertoire, often loudly, through speakers on passengers, who are not able (or willing) to react efficiently. This happens despite official restrictions by the Ministry of Transport on the public use of music both for drivers and passengers. This phenomenon, allied with other incidents of inappropriate treatment of passengers, has been seen by the latter as a display of power or a sign of indifference. It is also connected with other (occasional) violations by some drivers, such as smoking and talking on mobile phone (both prohibited by the law). Furthermore, the use of music is placed in the broader context of musical entertainment in modern-Greek daily life. This is probably the first such study in Greek bibliography, and among the few in international bibliography, where the issue has recently been taken up. Although I was not allowed to take formal interviews, I managed to talk to several passengers (and to a lesser extent to drivers) and keep detailed notes on the spot. Therefore, my study may be said to employ the method of autoethnography, since I have been a regular passenger for several years.
Musicology Today: Journal of the National University of Music Bucharest / Volume 13 / Issue 1 (49) / January-March 2022, pp 27-50
This paper deals with an important aspect of nationalism in south-east-
ern Europe in the 20th ce... more This paper deals with an important aspect of nationalism in south-east- ern Europe in the 20th century: the inclusion of several national figures into the list of recognized saints of the Church of Greece. That practice began to take momentum after 1921, when the Church of Greece decided to canonize Patriarch Gregorios V of Constantinople, who was hung by the sultan for his inability to supress the Greek uprising (1821). The canoniza- tion coincided with the Greek army expedition to Asia Minor following the dissolution of the Ottoman Empire and its partition by the Great Powers. The Patriarch’s body was eventually interred in the Athens Cathedral and is still commemorated as national martyr (ethnomartyr). In the same year (1921), Gregorios’ service was published containing various hymns with several nationalistic overtones. Another example discussed is the canon- ization of Bishop Chrysostom of Smyrna (1992), who was lynched and dragged around the city following the defeat and retreat of the Greek Army from Asia Minor (1922). The paper will also examine other related issues, such as the Church’s involvement in politics, the identity of the hymnogra- phers and composers of the services, their reception by the press and the public, etc.
Πρακτικά Διεθνούς Συνεδρίου «Εθνικά Κινήματα και Φιλελληνισμός» 4-6 Φεβρουαρίου 2021 - Proceedings of the International conference “Nationalist Movements and Philhellenism“ 4-6 February 2021, Σ. Ματθαίου / S. Matthaiou, A. Σφοίνη / A. Sfoini, Μ. Χ. Χατζηιωάννου / M. C. Chatziioannou (eds.), 2022
This article attempts to shed light on a little-known –albeit very important–aspect of the artist... more This article attempts to shed light on a little-known –albeit very important–aspect of the artistic creation of European philhellenism: the musical dramas/melodramas staged in European theatres during Greek Revolution (1821-1827). The reason why these works have not been studied in the context of philhellenism is that they do not refer directly to the historical events of the revolution, but draw their subject matter either from Greek mythology/history or from the Byzantine period and the Crusades. However, a closer study of the operatic works of the revolutionary period proves that the choice of their subject matter was often based on contemporary historical events.
For example, two months after the outbreak of the revolution in Messenia, “The sacrifice of Aepytus” (Il sacrifizio d’Epito), a musical drama by the Italian composer and activist Michele Carafa, was staged in Naples (30 May 1821), having as its main character the Messenian hero Aristodemus and his struggle against the Spartans. In 1827, when the strong Egyptian army led by Ibrahim Pasha plundered the Peloponnese before its final defeat at Navarino, the most popular musical drama in European scenes was “The Crusader in Egypt” (Il Crociato in Egitto), by the German-Jewish composer Giacomo Meyerbeer, which narrated the story of a Christian crusader who attracts and converts to Christianity the daughter of the Egyptian sultan. This phenomenon was mainly due to the fact that, at least until 1825, Europe was dominated by conservative governments, under the control of the ubiquitous Austrian chancellor Klemens von Metternich, while Italy was largely under Austro-Hungarian rule. Since most composers and librettists were employed or invited by local rulers/emperors, they functioned as “crypto-philhellenes” to an extent, expressing in this covert way their solidarity with the Greek struggle, and “conversing” with the “declared” philhellene artists of the time, such as Lord Byron, Victor Hugo and Gioachino Rossini.
This article is about the notions of secular music among the Greek writers of
the 18th century. ... more This article is about the notions of secular music among the Greek writers of
the 18th century. In broad lines, we may distinguish three tendencies: i) a
progressive one, represented here by Eugenios Voulgaris, ii) a conservative one,
whose main exponent was Nikodimos of Mount Athos (so-called Hagioritis), and
iii) a «third-way» one represented by Chrysanthos of Madytos. Eugenios, a
bishop who studied philosophy in Europe and lived in Russia, allows music to
have a say not only on people's character but on their working-time, too. He is
also tolerant towards instrumental music in every-day life as well as in worship,
which was (and still is) forbidden in the Orthodox Church. Nikodimos, on the
other hand, a monk and sermon writer who did not travel abroad, rejects all
sorts of music, if they do not serve the spiritual needs of the faithful. He scorns
instruments, and is particularly severe against music as leisure, which he sees as
corrupting the soul. Chrysanthos stands somewhere in-between them, as he was
a musician himself and a music teacher at the Greek Patriarchate in Istanbul. He
approaches music as a blessing from God, which should be exercised by human
beings, though with caution, in order to prevent its ill-effects. This dialogue may
be said to correspond with the «querelle des anciens et modems» which upset
Europe around the same time
Ελευθερία και Θάνατος στην Ελληνική Επανάσταση του 1821: Μικροϊστορικές προσεγγίσεις από τον αγώνα στον Ηπειρωτικό και στον ευρύτερο Βαλκανικό χώρο, Πρακτικά Επιστημονικού Συνεδρίου, Α. Β. Μανδυλαρά κ.ά. (επιμ.), Παν/μιο Ιωαννίνων, Ιωάννινα 2022, σ. 98-101
We can distinguish two major phases in the use of a certain mourning motif in pre-revolutionary a... more We can distinguish two major phases in the use of a certain mourning motif in pre-revolutionary and revolutionary Greek folk songs examined: the first and oldest concerns Ottoman (including Albanian) personalities, mourned by their familiar female figures (wife, mother, etc.); in the second phase the pattern "passes" into Greek hands, to emphasize the loss of great heroes (such as Markos Botsaris and Odysseas Androutsos) not only from female but also from male lips. We can also identify a third phase of "de-escalation" of mourning from the historical-war context, through its use in family and pastoral songs. In terms of gender approach, in the non-Greek context, only in one case, laments are "masculine"; in most cases what comes out of a woman's lips are "tears and laments", while in three cases, laments have been described as "feminine". In one case the mourners' laments are "black", while the Turkish concubines (hanums) emit "Turkish laments". A Greek mother's tears are described as masculine". These differences give us information about the perceptions of each peoples about the opposite sex, the foreigner and in general the otherness and need to be studied in more detail.
Πρακτικά επιστημονικού συνεδρίου "Ο Έρωτας μέσα από το Δημοτικό Τραγούδι" αφιερωμένο στον Claude Fauriel (1772 – 1844). Μορφοβούνι, Δήμος Λίμνης Πλαστήρα Καρδίτσας, 1-3 Ιουνίου 2018, Πανεπιστήμιο Θεσσαλίας, 2020
Αφορμή για τη συγγραφή της παρούσας εργασίας αποτέλεσε η σχετικά διαδεδομένη εντύπωση ότι η έννοι... more Αφορμή για τη συγγραφή της παρούσας εργασίας αποτέλεσε η σχετικά διαδεδομένη εντύπωση ότι η έννοια του έρωτα δεν απαντά ως τέτοια στα τραγούδια του ελληνικού λαού. Ο έρωτας, θέμα δημοφιλές στη λόγια ποίηση από την αρχαιότητα μέχρι τις μέρες μας, θεωρείται από πολλούς ως έννοια ασύμβατη με το δημοτικό τραγούδι, που υποτίθεται ότι μιλά κυρίως για αγάπη και αγαπητικούς. Και τούτο, παρά το γεγονός ότι από τον 19ο αιώνα, τα σχετικά τραγούδια περιγράφονται σε κάποιες συλλογές ως «ερωτικά» . Η προσέγγιση που επιχειρείται εδώ είναι περισσότερο πραγματολογική, υπό την έννοια της παράθεσης και επεξεργασίας στατιστικών στοιχείων και ενδεικτικών παραδειγμάτων, που κρίθηκαν απαραίτητα για να φθάσει κανείς σε σχετικά ασφαλή συμπεράσματα. Η έννοια της αμεσότητας έχει εδώ διπλή διάσταση: από τη μία αναφέρεται στη μνεία της λέξης «έρωτας» και στα παράγωγά της (π.χ. ερωτικός) και από την άλλη, στην άμεση επίκληση του στιχουργού στον φτερωτό θεό (σε δεύτερο πρόσωπο). Από την επεξεργασία της διαθέσιμης ύλης προκύπτει ότι το πρώτο επίπεδο (της αδιαμεσολάβητης επικοινωνίας του στιχουργού με τον έρωτα) είναι πολύ πιο περιορισμένο απ’ ότι το δεύτερο (της περιγραφής των γεγονότων).
The reason for writing this work was the relatively widespread impression that the concept of eros does not appear as such in the songs of the Greek people. Eros, a theme popular in poetry from antiquity to the present day, is considered by many as a concept incompatible with folk song, which is supposed to refer mainly to love and the beloved. This happens, despite the fact that since the 19th century, the relevant songs are described in some collections as "erotic". The approach attempted here is pragmatistic, in the sense of quoting and processing statistical data and indicative examples, which were deemed necessary to reach relatively safe conclusions. The concept of immediacy has a double dimension here: on the one hand it refers to the mention of the word "eros" and its derivatives (e.g. erotic) and on the other hand, to the lyricist's direct invocation to the winged god (in the second person). The analysis of the available material shows that the first level (of the lyricist's direct communication with eros) is much more limited than the second (of the description of the events).
Greece and the Balkans: Identities, Perceptions and Cultural Encounters since the Enlightenment, Routledge, 2017
Greece and the Balkans explores the cultural relationships between Greece and other Balkan countr... more Greece and the Balkans explores the cultural relationships between Greece and other Balkan countries in the domains of language, literature, thought, translation, and music, and examines issues of identity and perception among the Balkan peoples themselves. The essays bring together scholars from across a range of disciplines: historians, anthropologists, linguists and musicologists with specialists on literature, translation, the history of ideas and religion. By raising issues of cultural hybridity, and nationalist or pre-nationalist interpretations of culture and history it lays claim to a place in the context of studies on nationalism and post-colonialism. Greece and the Balkans also contributes to a recognition of the Balkans as a site, like some postcolonial ones, where identities have become fused, orientalism and eurocentrism blurred and where religion and modernity clashed and co-existed. By approaching cultural encounters between Greece and the Balkans from a fresh and informed perspective, it makes a substantial contribution to the study of a rather neglected aspect in the history of a region which has suffered in the past from narrow-minded, nationalistic arguments.
Гласник Етнографског института САНУ, [S.l.], v. 68, n. 3, p. 779–783, jan. 2021., 2021
Διδακτορική διατριβή, Τμήμα Μουσικών Σπουδών της Φιλοσοφικής Σχολής του Εθνικού και Καποδιστριακο... more Διδακτορική διατριβή, Τμήμα Μουσικών Σπουδών της Φιλοσοφικής Σχολής του Εθνικού και Καποδιστριακού Πανεπιστημίου Αθηνών, «Εργαστήριο Βυζαντινής Μουσικολογίας», Αθήνα 2019 [PhD Dissertation, Department of Music Studies of the Faculty of Philosophy of the National and Kapodistrian University of Athens, “Laboratory of Byzantine Musicology”, Athens 2019].
Η Βυζαντινή Μουσική μέσα από την Νέα Μέθοδο Γραφής 1814-2014 Πρακτικά Διεθνούς Μουσικολογικοὐ και Ψαλτικού Συνεδρίου - Byzantine Music through the New Method of Notation 1814-2014 Proceedings of the International Musicological and Psaltic Conference, 2021
Η μουσική μεταρρύθμιση του 1814 δεν επηρέασε μόνο την εκκλησιαστική μουσική (στην οποία κυρίως απ... more Η μουσική μεταρρύθμιση του 1814 δεν επηρέασε μόνο την εκκλησιαστική μουσική (στην οποία κυρίως απευθυνόταν) αλλά και τη λεγόμενη εξωτερική μουσική, δηλ. την κοσμική (ελληνόγλωσση και μη) μουσική. Μέχρι τότε, είχαν συνταχθεί αρκετές χειρόγραφες ανθολογίες κοσμικών ασμά-των (μισμαγιές) στην παλαιά παρασημαντική, αν και σε ένα εξελιγμένο της στάδιο. Τα άσματα αυτά χρησιμοποιούσαν τους οθωμανικούς τρόπους (μακάμ) και ρυθμούς (ουσούλ), τους οποίους προσάρμοζαν σε ελληνικές φόρμες (κυρίας από το δημοτικό τραγούδι). Οι ανθολογίες αυτές κυκλοφορούσαν κυρίως στην Κων/πολη και τις Παραδουνάβιες Ηγεμονίες και περιείχαν συνθέσεις πατριαρχικών μουσικών, όπως του Πέτρου Λαμπαδαρίου, του Ιακώβου Πρωτοψάλτου, του Πέτρου Βυζαντίου κ.ά. Η σύνταξη ανθολογιών στην παλαιά γραφή συνεχίστηκε μέχρι και το 1820, αν και η μεταγραφή ενός μικρού μέρους τους στο νέο σημειογραφικό σύστημα είχε ήδη ξεκινήσει (κυρίως από τον Γρηγόριο Πρωτοψάλτη). Οι πρώτες έντυπες ανθολογίες κοσμικών ασμάτων εκδίδονται μια δεκαετία αργότερα, με πρώτες την Ευτέρπη (1830) και την Πανδώρα (1843), με επιμελητή τον Θεόδωρο Φωκαέα, ενώ δεν σταματά και η σύνταξη χειρόγραφων ανθολογιών που φτάνει μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα. Από την αντιπαραβολή των καταγραφών στα δύο σημειογραφικά συστήματα προκύπτει ότι η νέα μέθοδος αλλοίωσε τα ρυθμικά και μελωδικά χαρακτηριστικά των ασμάτων, διπλασιάζοντας τις χρονικές αξίες και επιτρέποντας την παρεμβολή μελισμάτων. Το φαινόμενο αυτό παρατηρείται την ίδια περίοδο στην ευρύτερη οθωμανική μουσική και, σύμφωνα με έγκριτους μουσικολόγους, οφείλεται στην επιβράδυνση της ταχύτη-τας των ασμάτων κατά την επιτέλεσή τους. Η ανακοίνωση εξετάζει αυτή τη διαδικασία σε τρία στάδια: α) επιβεβαιώνοντας την ακρίβεια των κατα-γραφών στην παλαιά παρασημαντική μέσα από την αντιπαραβολή τους με σύγχρονές τους καταγραφές στο πεντάγραμμο, β) αναλύοντας τους μηχανισμούς ρυθμικής επιβράδυνσης και μελωδικής πυκνότητας μέσα από τη σύγκριση των καταγραφών στην παλαιά και τη νέα μέθοδο και γ) αποδεικνύοντας ότι οι μετά τη μεταρρύθμιση καταγραφές στην παλαιά παρασημαντική δεν διαφέρουν από αυτές στη νέα μέθοδο.
The musical reform of 1814 influenced not only Greek ecclesiastical music (which it mainly targeted) but also the exoteriki or secular music. By then, several handwritten anthologies of secular songs had been compiled in the old notation, albeit in an analytical way. These songs used the Ottoman modes (makams) and rhythmic units (usuls), which they adapted to Greek forms (mainly from the Greek folk song). These anthologies circulated mainly in Constantinople and the Danubian Principalities, and contained compositions by patriarchal musicians, such as Petros Lampadarios, Iakovos Protopsaltis, Petros Byzantios, etc. The writing of anthologies in the old notation continued until 1820, although the transcription of a small part of them into the new method had already begun. The first printed anthologies of secular songs were published a decade later, the first ones being Euterpe (1830) and Pandora (1843), while the compilation of handwritten anthologies went on up to the middle of the 19th century.
The comparison of the transcriptions in the two notational systems shows that the new method altered the rhythmic and melodic elements of the songs, doubling the time signatures and allowing the insertion of melismas. This phenomenon is observed at the same time in the wider Ottoman music and, according to eminent musicologists, is due to the slowdown of the tempo during musical performance. The paper examines this process in three steps: a) by confirming the accuracy of the transcriptions in the old notation through their comparison with their modern transcriptions on the stave, b) by analyzing the mechanisms of rhythmic retardation and melodic density through the comparison of the transcriptions in the old and the new method and c) by proving that the post-reform transcriptions in the old notation do not differ from those in the new method.
This paper was written to commemorate the 200th anniversary of the publication of musical treatis... more This paper was written to commemorate the 200th anniversary of the publication of musical treatise by Archbishop Chrysanthos of Madytos (c.1770-1846), the first work towards a ‘scientific’ treatment of Greek ecclesiastical music (1821). Chrysanthos attempted to reorganize the modal and rhythmic theory of this music, and reform the musical notation that has remained to this day. The paper deals with an aspect of Chrysanthine modal system that has not received due attention so far: the abandonment of the traditional authentic-plagal order and its substitution by a new one that does not make sense if placed outside its cultural context and historical antecedents. Chrysanthos’ main point of reference seems to be the Ottoman makam system that had already penetrated post-Byzantine chant but was now given a new momentum. Before that, Greek composers used the Byzantine modal division into four authentic (kurioi) and four plagal (plagioi), positioned a fifth apart from each other. The authentic modes were mostly ascending in terms of melodic movement, whereas the plagal were descending (though one has first to ascend in order to get down!). Otherwise, every authentic-plagal pair shared the same melodic scale (usually an octave), which they traversed according to certain melodic motifs (some common to all, others unique to every mode).
Επετηρίς του Κέντρου Ερεύνης της Ελληνικής Λαογραφίας της Ακαδημίας Αθηνών - Annual of the Hellenic Folklore Research Centre of the Academy of Athens, 35-36 (2014-2019), σ. 647-670., 2021
Η παρούσα μελέτη επανεξετάζει το αμφιλεγόμενο θέμα του επτάσημου ρυθμού και της φερόμενης καταγωγ... more Η παρούσα μελέτη επανεξετάζει το αμφιλεγόμενο θέμα του επτάσημου ρυθμού και της φερόμενης καταγωγής του από την αρχαία ελληνική μετρική. Ο επτάσημος ρυθμός (κυρίως με δομή 3+4) είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς στην ελληνική δημοτική μουσική και έχει ταυτιστεί με τον λεγόμενο «Καλαματιανό» χορό. Το θέμα αυτό απασχόλησε αρκετούς ερευνητές (μουσικολόγους και φιλολόγους, έλληνες και ξένους) καθόλη τη διάρκεια του 20ού αιώνα. Οι περισσότεροι από αυτούς φαίνονται μάλλον πεπεισμένοι για την προέλευση του επτάσημου ρυθμού είτε από τον αρχαίο επίτριτο (μετρικό πόδα από τρεις μακρές και μία βραχεία συλλαβή) είτε από κάποια άλλη παραλλαγή του. Εντούτοις, οι μεταξύ τους διαφοροποιήσεις και διαφωνίες αλλά και η απροσδιοριστία του αντίστοιχου αρχαίου μέτρου δημιουργούν σοβαρές αμφιβολίες στον σημερινό ερευνητή. Αυτό που προτείνει η παρούσα μελέτη είναι η απαγκίστρωση από την αρχαία μετρική και η διερεύνηση της σχέσης του επτάσημου με άλλες (λίγο μεταγενέστερες) μετρικές μορφές σε δημοφιλή έργα της χριστιανικής εποχής, όπως το Ψαλτήριο του Δαβίδ (που είχε όμως μεταφραστεί από τον 2ο π.Χ. αιώνα), τα Ευαγγέλια και η πρώιμη βυζαντινή ποίηση και υμνογραφία. Στα έργα αυτά, εντοπίζεται πληθώρα στίχων και περικοπών που χρησιμοποιούν τη δομή του «Καλαματιανού» (3+4), η δε δημοτικότητα και διάδοσή τους στο ελληνόφωνο κοινό φανερώνει μια βαθύτερη σχέση και ένα είδος διάρκειας και «συνέχειας». Η ρυθμοτονική προφορά της βυζαντινής περιόδου είναι τέλος ένας αρκετά ασφαλής οδηγός προς μια πιο αξιόπιστη μελέτη και κατανόηση του επτάσημου ρυθμού.
This study revisits the controversial issue of the seven-beat (heptasemic) rhythm and its alleged origin from the ancient Greek metrics. This rhythmic genre (with a 3+4 structure) is one of the most popular in Greek folk music and has been identified with the so-called “Kalamatianos” dance (from the city of Kalamata, southwestern Greece). This issue occupied several researchers worldwide (musicologists and philologists) throughout the 20th century. Most of them pointed either to the ancient epitrite (a metrical foot consisting of three long and one short syllables) or other variants. However, the differentiations and disagreements among the researchers as well as the inaccuracy of the ancient models (due to the lost prosody of the time) pose serious concerns to modern researchers. Therefore, instead of ancient metrics, this study proposes the exploration of the rhythm’s relation to other (not-much later) metrical traditions found in seminal works of the Christian era, such as the Psaltery of David (which, however, had been translated into Greek by the 2nd century BC), the Gospels and the early-Byzantine poetry and hymnography. In these works, a plethora of verses and passages using the heptasemic structure (3+4) are found, which have become quite popular over time to the Greek-speaking audience, a fact that reveals a kind of “continuity” and duration. At the end of the day, the rhythmotonic (instead of prosodic) pronunciation of the Byzantines is a safer guide to a more reliable study and understanding of the seven-beat rhythm.
Η παρούσα ανακοίνωση αποπειράται να φωτίσει μια σημαντική αλλά λίγο μελετημένη πτυχή της εξέλιξης... more Η παρούσα ανακοίνωση αποπειράται να φωτίσει μια σημαντική αλλά λίγο μελετημένη πτυχή της εξέλιξης της εκκλησιαστικής μουσικής δημιουργίας και ερμηνείας, υπό το φως σύγχρονων κοινωνιολογικών θεωριών. Πρόκειται για τη λεγόμενη «διάσπαση» του κλασικού μουσικού έργου, δηλ. τη διατάραξη της ενότητας μεταξύ των μερών αλλά και μεταξύ των μερών και του όλου ενός μουσικού έργου, που άρχισε να κυριαρχεί στην παγκόσμια μουσική σκηνή από τις αρχές του 19ου αιώνα και κορυφώθηκε στον 20ο αιώνα. Την εξέλιξη αυτή επισήμανε και μελέτησε, μεταξύ άλλων, ο μεγάλος κοινωνιολόγος και μουσικοσυνθέτης Theodor Adorno. Ο Adorno απέδωσε την εξέλιξη αυτή στην αλλαγή του αισθητηρίου κατά την περίοδο του Ρομαντισμού και στην επακόλουθη
εμπορευματοποίηση της μουσικής, που προώθησε την κυκλοφορία των μεγάλων κλασικών έργων σε αποσπασματική μορφή (για να χωρέσει στους δισκογραφικούς και ραδιοφωνικούς χρόνους). Τη διαδικασία αυτή φαίνεται ότι ακολούθησε και η «βυζαντινή» εκκλησιαστική μουσική, ιδίως οι μεγάλες συνθέσεις (π.χ. Χερουβικός ύμνος), που μέχρι και την εποχή του Πέτρου Πελοποννησίου παρουσίαζαν μια ενότητα στη δομή, με τις μελωδικές φράσεις να λειτουργούν αλληλοσυμπληρωματικά, χωρίς να ξεχωρίζουν μεταξύ τους. Η αρχή αυτής της εξέλιξης εντοπίζεται στην εποχή του Θεόδωρου Φωκαέως, οι συνθέσεις του οποίου παρουσιάζουν για πρώτη φορά μία ανισορροπία μεταξύ των μερών, προκρίνοντας κάποιες φράσεις έναντι άλλων και τονίζοντας συγκεκριμένα σημεία
του ποιητικού κειμένου. Η διαδικασία αυτή υποβοηθήθηκε τον 20ο αιώνα με την έλευση της δισκογραφίας και την εφεύρεση του ραδιοφώνου. Άρχισαν να δημιουργούνται «έτερες θέσεις», ενώ σε συναυλίες και ραδιοφωνικές εκπομπές ακούγονταν «highlights». Υπάρχει άραγε περιθώριο επανόδου στην ενότητα των κλασικών έργων ή μια τέτοια απόπειρα είναι σήμερα τεχνητή και ως εκ τούτου ανειλικρινής (όπως πίστευε ο Adorno);
This paper sheds light on an important but little studied aspect of the evolution of chant creation and interpretation, in the light of modern sociological theories. This is the so-called "split" of the classical musical work, i.e. the disruption of the unity between the parts but also within the parts and the whole musical work, which began to dominate the musical scene from the beginning of the 19th century and culminated in the 20th century. This development was pointed out and studied by the great sociologist and composer Theodor Adorno. Adorno attributed this development to the change of the senses during the Romantic period, in the ensuing music
commercialization, which promoted the release of major classical works in fragmentary form (to fit the discographic and radio times). This process seems to have been followed by the Greek monophonic chant, especially the large compositions that until the 18th century showed a structure unity, with the melodic phrases functioning complementary, without standing out from each other. The beginning of this development is located in the early 19th century, when Greek chant presents for the first time an imbalance between the parts, preferring some phrases over others and emphasizing specific points of the poetic text. This process was aided in the 20th century with the advent of discography and the invention of the radio. more melismatic phrases began to be created, while "highlights" were heard in concerts and radio shows. Is there room for a return to the unity of the classics or is such an attempt today artificial and therefore "insincere" (as Adorno believed)?
Folk and Church Music Issues: Scientific Conference Papers Collection, Giorgi Garaqanidze Folk and Church Music 15th International Festival, Edited by Khatuna Managadzel, Batumi, 2020
This paper discusses the available information of the cultural activity of the Greek community of... more This paper discusses the available information of the cultural activity of the Greek community of Batumi, during an important but rather neglected period of Georgian history, namely the British occupation of the city. This was a transitional political period of Georgia, having come out from an Ottoman occupation and before being ceded to the Bolsheviks, who seized Tbilisi in February 1921. The British occupation, destined to secure a relative stability of the region, was effected between December 1918 and July 1920. The Greeks of Batumi formed one of the strongest Christian communities of the city, at least since the early 19th century, when many Greeks settled in Georgia, following the outbreak of the Greek Revolution (1821) and the Russo-Turkish War (1828-9). Most of those Greeks came from Pontus, the region on the north coast of Turkey that included prosperous and dense-populated cities, such as Trabzon, Samsun, etc. The information comes mainly from a Greek newspaper, called Free Pontus (Eλεύθερος Πόντος), one of the two Greek newspapers at the time (the other being The Echo of Batumi), published in Batumi twice a week, from June 1919 until November 2020, when it was closed down by the authorities. Amid various political and military reports, one may find a lot of information of the cultural activity of the Greek community, such as religious festivities, theatrical or musical events, and literary publications, which will be treated separately.
Musicology Today: Journal of the National University of Music Bucharest / Volume 10 / Issue 3 (39) / July-September 2019, pp 175-200, 2019
This paper deals with some early instances of salon music in late
18th-century Istanbul, as attes... more This paper deals with some early instances of salon music in late 18th-century Istanbul, as attested in the Greek literature of the time. The indication “early” has been preferred here because, in the European context, this music genre is said to have been “officially” launched in the early 19th century, its heyday being reached in mid-century. However, musical performances are known (and well-documented) to have taken place since the 18th century in Parisian and other western-European salons. In fact, Parisian salons had appeared a century earlier, to counteract the court culture, although the nobility also participated along the rising middle-class. Nevertheless, in this early stage, such events were mainly literary gatherings, in the sense that music was part of a broader cultural activity that encompassed other performative events, such as book reading, recitation of poetry, theatre acting, etc. Music was often performed by way of airs, those originally being vocal compositions taken from larger works (operas, cantatas, oratorios) but gradually turned to pieces for instrumental ensembles.
Λαϊκή Ιατρική και Ιατρική Επιστήμη: Σχέσεις Αμφίδρομες. Τόμος Β ́ ΠΡΑΚΤΙΚΑ ΠΑΝΕΛΛΗΝΙΟΥ ΕΠΙΣΤΗΜΟΝΙΚΟΥ ΣΥΝΕΔΡΙΟΥ (Αθήνα, 7-11 Μαρτίου 2012). Δημοσιεύματα του Κέντρου Ερεύνης της Ελληνικής Λαογραφίας της Ακαδημίας Αθηνών 33. Επιμέλεια: Κυριακή Χρυσού-Καρατζά, 2018
Από τη διερεύνηση του θέματος της σχέσης μουσικής και θεραπευτικής στην ευρωπαϊκή γραμματεία του ... more Από τη διερεύνηση του θέματος της σχέσης μουσικής και θεραπευτικής στην ευρωπαϊκή γραμματεία του 18ου αιώνα προκύπτει ότι η μουσική αντιμετωπιζόταν ως μια υποβοηθητική πλην όμως σημαντική πρακτική από την ιατρική επιστήμη της εποχής. Η επίδρασή της αφορούσε τόσο μουσικούς ασθενείς (οι οποίοι λόγω της ενασχόλησής τους ήσαν εμφανώς πιο ευεπίφοροι σε μουσικά ερεθίσματα) όσο και μη μουσικούς όλων των κοινωνικών τάξεων (βασιλείς, επαγγελματίες, ιθαγενείς), αν και φαίνεται πως οι περισσότεροι ανήκαν στα ανώτερα κοινωνικά στρώματα της εποχής. Διαπιστώνεται επίσης ότι η ευεργετική επίδραση της μουσικής περιορίζεται κυρίως σε συμπτώματα που ανήκουν σήμερα στον κλάδο της Ψυχολογίας (κατάθλιψη, μανιοκατάθλιψη, μελαγχολία κ.ά.). Το δε είδος της μουσικής που χρησιμοποιήθηκε φαίνεται ότι ανήκει στο οικείο ρεπερτόριο κάθε κοινωνικής ομάδας (κλασική μουσική για τους ευγενείς, λαϊκή μουσική για τους ιθαγενείς κ.λπ.). Η αντίληψη αυτή μεταφέρθηκε με σχετική καθυστέρηση στην ελληνική γραμματεία του αρχόμενου 19ου αιώνα, μέσω της μετάφρασης αποσπασμάτων της γαλλικής Εγκυκλοπαιδείας. Ο μεταφραστής δεν απευθύνεται στους ομοεθνείς τους ιατρούς αλλά στους ομοτέχνους του μουσικούς (αφού και ο ίδιος δεν είναι ιατρός αλλά μουσικός) και σκοπός του είναι να δείξει την οικουμενική διάσταση της μουσικής και την πολλαπλή της ωφέλεια σε διάφορες εκφάνσεις του ανθρώπινου βίου (όπως η ασθένεια). Ο μεταφραστής μεταφράζει και τις αναφορές της γαλλικής πηγής του σε αρχαίους Έλληνες συγγραφείς (π.χ. Ασκληπιάδης), δημιουργώντας έτσι ένα ιστορικό προηγούμενο για τους νεοέλληνες αναγνώστες του. Εντούτοις, η ελληνική μετάφραση διακρίνεται σε κάποια σημεία από πλημμελή απόδοση όρων ή ονομάτων, ενώ δεν αραπέμπει στην πηγή του (τη γαλλική Εγκυκλοπαιδεία), κάτι βέβαια που δεν σπάνιζε μέχρι εκείνη την εποχή στη διεθνή βιβλιογραφία.
Πρακτικά 2ου Διεθνούς Μουσικολογικού και Διεπιστημονικού Συνεδρίου του Τομέα Ψαλτικής Τέχνης και Μουσικολογίας της Ακαδημίας Θεολογικών Σπουδών Βόλου. 9-11/6/2016. «Από Χορού και Ομοθυμαδόν» – Εξελίξεις και Προοπτικές της Διεπιστημονικής Έρευνας για την Ψαλτική, Βόλος 2017, σ. 307-339
Η παρούσα εργασία αποπειράται να ψηλαφήσει με τεκμηριωμένο τρόπο τη λειτουργία της προφορικό-τητα... more Η παρούσα εργασία αποπειράται να ψηλαφήσει με τεκμηριωμένο τρόπο τη λειτουργία της προφορικό-τητας στην ψαλτική τέχνη του 20ου αιώνα, μέσα από τον εντοπισμό και τη μελέτη μελωδιών που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα στο στόμα του μέσου πιστού και του εμπειρικού ιεροψάλτη/ιερέα. Οι μελωδίες αυτές αποτελούν πα-ραφθορά των «επίσημων» μελών της παράδοσης της Κων/πόλεως (όπως αυτή αποτυπώθηκε σε έντυπες εκδόσεις με πατριαρχική σφραγίδα) και αρχίζουν να εμφανίζονται σποραδικά από τα τέλη του 19ου αιώνα σε ανθολογίες εκκλησιαστικής μουσικής που εκδίδονται στην Αθήνα από επώνυμους ιεροψάλτες και μουσικοδιδασκάλους. Οι κοινές αυτές μελωδίες φέρουν κάποτε (αλλά όχι πάντα) ευρωπαϊκές επιδράσεις συνδεόμενες με την παρουσία και δράση του Ιωάννη Σακελλαρίδη, αλλά δεν ταυτίζονται μαζί του, καθώς οι περισσότερες προϋπήρχαν και καταγράφηκαν από ανθολόγους του παραδοσιακού στρατοπέδου. Το ρεπερτόριο των κοινών αυτών μελωδιών περιλαμβάνει συνή-θως σύντομα (ειρμολογικά) μέλη, όπως προσόμοια, καθίσματα. κοντάκια, απολυτίκια, εξαποστειλάρια, αλλά και τα εγκώμια του Επιταφίου (για τα οποία γίνεται εκτενής αναφορά). Ενδιαφέρον παρουσιάζει και το θεοτοκίο της αρτοκλασίας («Θεοτόκε Παρθένε») σε ήχο πλ.Α’ που φαίνεται πως φτάνει οριστικά στη σημερινή μορφή του μετά τα μέσα του 20ου αιώνα. Μια ενότητα είναι επίσης αφιερωμένη στη διάδοση των κοινών αυτών μελωδιών στη σχολική εκπαίδευση μέσω σχολικών βιβλίων μουσικής (που χρησιμοποιούν συνήθως την ευρωπαϊκή σημειογραφία).
This paper attempts to document the oral function of 20th century chant by identifying and studying melodies that have survived in the mouth of the average believer and the empirical chanter/priest. These melodies are a considered a corrupted for of the "official" repertoire of the Constantinopolitan tradition (included in printed publications bearing a patriarchal seal) and began to appear sporadically from the late 19th century in anthologies of ecclesiastic music published in Athens by well-known chanters and music instructors. These common melodies bear (though not always) European influences, associated with Ioannis Sakellaridis, but should not identify with him, as most of them existed and were recorded in earlier anthologies of the traditional camp. The repertoire of these common melodies usually includes (ermological) short melodies, such as kathismata, kontakia. and the encomiums of the Epitaph (which are extensively mentioned here). Interestingly, the troparion of artoklasia ("Theotoke Parthene") is also present, and seems to have reached its present form after the middle of the 20th century. A section is also devoted to the dissemination of these common melodies in education through school music books (usually using European notation).
Το βιβλίο πραγματεύεται λίγο γνωστές (έως άγνωστες) πτυχές της εξέλιξης του δημοτικού τραγουδιού ... more Το βιβλίο πραγματεύεται λίγο γνωστές (έως άγνωστες) πτυχές της εξέλιξης του δημοτικού τραγουδιού στα τέλη του 19ου αιώνα και της "διαπλοκής" του με την εθνική ιδεολογία. The book deals with various (uknown or little-known) aspects of the intersection of Greek folk song with national (and nationalist) ideology in the late-19th century.
Mια μελέτη που προσπαθεί να εντοπίσει τους κοινούς τόπους, πάνω στους οποίους προβληματίστηκε ο έ... more Mια μελέτη που προσπαθεί να εντοπίσει τους κοινούς τόπους, πάνω στους οποίους προβληματίστηκε ο έλληνας για τη μουσική του, από την αρχαία ως τη νεότερη εποχή (4ος π.X.- 19ος αι. μ.X). Πώς έβλεπαν οι έλληνες το φαινόμενο «μουσική»; Ποια θέση της έδιναν στην καθημερινή ζωή τους; Τι φόβους και επιφυλάξεις εξέφραζαν απέναντι στη γενικευμένη χρήση της; Ποια η σχέση οργανικής και φωνητικής μουσικής; Υπάρχει άραγε μια διάρκεια στον τρόπο που οι Έλληνες αντιμετώπιζαν όλα αυτά; Σε ερωτήματα αυτού του τύπου επιχειρεί να δώσει απάντηση η παρούσα μελέτη, η πρώτη του είδους της, καθώς προσπαθεί να εντοπίσει τους κοινούς τόπους, πάνω στους οποίους προβληματίστηκε ο έλληνας για τη μουσική του, από την αρχαία ως τη νεότερη εποχή. Γνωστοί φιλόσοφοι, όπως ο Πλάτων και ο Αριστοτέλης, μεγάλοι εκκλησιαστικοί συγγραφείς, όπως ο Μέγας Βασίλειος και ο Ιωάννης Χρυσόστομος και άλλοι νεότεροι διανοητές, όπως ο Ευγένιος Βούλγαρης και ο Νικόδημος Αγιορείτης διασταυρώνουν τα «ξίφη» τους στο θέμα της μουσικής και των οργάνων. (ΑΠΟ ΤΗΝ ΠΑΡΟΥΣΙΑΣΗ ΣΤΟ ΟΠΙΣΘΟΦΥΛΛΟ ΤΟΥ ΒΙΒΛΙΟΥ)
Επτά πορτρέτα ελλήνων μουσικών της περιόδου του Νεοελληνικού Διαφωτισμού (1770-1820) έχουν συγκεν... more Επτά πορτρέτα ελλήνων μουσικών της περιόδου του Νεοελληνικού Διαφωτισμού (1770-1820) έχουν συγκεντρωθεί σε αυτή την μελέτη, που είναι η πρώτη του είδους της. Ανάμεσα σε αυτά ξεχωρίζει ο Παλαιών Πατρών Γερμανός, που επιδόθηκε στη σύνθεση ερωτικών ασμάτων και ο Πέτρος Πελοποννήσιος, Λαμπαδάριος της Μεγάλης Εκκλησίας, που συμμετέσχε ενεργά στις τελετές των μουσουλμάνων καλογήρων (δερβίσιδων). Η μελέτη δεν είναι γραμμένη αποκλειστικά για μουσικούς και μουσικολόγους, καθώς δεν προϋποθέτει εξειδικευμένες τεχνικές γνώσεις. Στο τέλος παρατίθεται Μουσικό Παράρτημα όπου βρίσκονται ενδεικτικά αποσπάσματα από τα μουσικά έργα κάθε ιστορούμενου συνθέτη. Η διάταξη της ύλης επιτρέπει στον αναγνώστη να μπορεί να διαβάζει κάθε κεφάλαιο μεμονωμένα, αφού κάθε προσωπογραφία έχει τη δική της αυτοτέλεια. Ο συγγραφέας της μελέτης αυτής καλεί τους αναγνώστες του σε ένα ταξίδι στον χρόνο, για να γνωρίσουν τον συναρπαστικό μουσικό κόσμο του Νεοελληνικού Διαφωτισμού!
Το δοκίμιο του μεγάλου δανού φιλοσόφου Σαίρεν Κίρκεγκωρ "Τα άμεσα ερωτικά στάδια ή το μουσικό ερω... more Το δοκίμιο του μεγάλου δανού φιλοσόφου Σαίρεν Κίρκεγκωρ "Τα άμεσα ερωτικά στάδια ή το μουσικό ερωτικό" (1843), που μεταφράζεται για πρώτη φορά στα ελληνικά, είναι αφιερωμένο στην ιδιοφυΐα του Μότσαρτ και ιδίως στο αριστούργημά του, την όπερα "Δον Τζοβάννι" (1787). Το δοκίμιο του Κίρκεγκωρ καταπιάνεται με τη φιλοσοφική διερεύνηση της μουσικής του Μότσαρτ και όχι τόσο με το λιμπρέτο του. Γι' αυτό και επικεντρώνεται στην προσωπικότητα του μουσικού Δον Τζοβάννι, με την έννοια του άμεσου καρδιοκατακτητή και όχι του στοχαστικού αποπλανητή. Για τον δανό φιλόσοφο ο Δον Τζοβάννι (που αποτελεί μετεξέλιξη του Δον Ζουάν του Μολιέρου) ενσαρκώνει το πνεύμα του αισθησιασμού στον κόσμο. Κατ' αυτόν, ο Μότσαρτ ήταν ο πρώτος και τελευταίος μουσικοσυνθέτης που κατάφερε να συλλάβει τόσο αριστουργηματικά αυτή τη διάσταση του Δον Τζοβάννι στο ομώνυμο έργο. Παρ' ότι φιλοσοφική, η γλώσσα του Κίρκεγκωρ διαθέτει λογοτεχνικές αξιώσεις και έχει γίνει αντικείμενο θαυμασμού από πολυάριθμους αναγνώστες παγκοσμίως.
This study is about the music of an ethnic group in eighteenth-century Ottoman Empire, namely the... more This study is about the music of an ethnic group in eighteenth-century Ottoman Empire, namely the Phanariot Greeks. Although professing a different religion from their Turkish overlords, they played a seminal role in the Ottoman bureaucracy. They were entrusted with important offices, such as the administration of the Danubian principalities and the Grand Interpreter of the Sublime Porte.Their contribution to Ottoman music was no less significant, and can be better exemplified in the musical life at the Danubian courts. There, they kept a Turkish military band; they cultivated Byzantine chant by establishing the first printing press to use Byzantine characters; they employed local musicians (mostly of Gypsy origin); they frequently invited European orchestras to perform classical music.This study (the first ever of Phanariot music) shows how this ethnic group sought to explore the dominant Ottoman music, while preserving its own Greek identity. During the eighteenth century, Phanariot produced their own treatises of Ottoman music, as well as a light urban repertoire, combining Ottoman, Greek as well as European elements, which found its way in manuscript collections of the time.
Η ιστοσελίδα του συνεδρίου, όπου κανείς θα μπορεί να δει τις ανακοινώσεις:
www.greekorthodoxrevo... more Η ιστοσελίδα του συνεδρίου, όπου κανείς θα μπορεί να δει τις ανακοινώσεις:
www.greekorthodoxrevolution.com
Uploads
Papers by John Plemmenos
ern Europe in the 20th century: the inclusion of several national figures
into the list of recognized saints of the Church of Greece. That practice
began to take momentum after 1921, when the Church of Greece decided
to canonize Patriarch Gregorios V of Constantinople, who was hung by the
sultan for his inability to supress the Greek uprising (1821). The canoniza-
tion coincided with the Greek army expedition to Asia Minor following the
dissolution of the Ottoman Empire and its partition by the Great Powers.
The Patriarch’s body was eventually interred in the Athens Cathedral and
is still commemorated as national martyr (ethnomartyr). In the same year
(1921), Gregorios’ service was published containing various hymns with
several nationalistic overtones. Another example discussed is the canon-
ization of Bishop Chrysostom of Smyrna (1992), who was lynched and dragged around the city following the defeat and retreat of the Greek Army
from Asia Minor (1922). The paper will also examine other related issues,
such as the Church’s involvement in politics, the identity of the hymnogra-
phers and composers of the services, their reception by the press and the
public, etc.
For example, two months after the outbreak of the revolution in Messenia, “The sacrifice of Aepytus” (Il sacrifizio d’Epito), a musical drama by the Italian composer and activist Michele Carafa, was staged in Naples (30 May 1821), having as its main character the Messenian hero Aristodemus and his struggle against the Spartans. In 1827, when the strong Egyptian army led by Ibrahim Pasha plundered the Peloponnese before its final defeat at Navarino, the most popular musical drama in European scenes was “The Crusader in Egypt” (Il Crociato in Egitto), by the German-Jewish composer Giacomo Meyerbeer, which narrated the story of a Christian crusader who attracts and converts to Christianity the daughter of the Egyptian sultan. This phenomenon was mainly due to the fact that, at least until 1825, Europe was dominated by conservative governments, under the control of the ubiquitous Austrian chancellor Klemens von Metternich, while Italy was largely under Austro-Hungarian rule. Since most composers and librettists were employed or invited by local rulers/emperors, they functioned as “crypto-philhellenes” to an extent, expressing in this covert way their solidarity with the Greek struggle, and “conversing” with the “declared” philhellene artists of the time, such as Lord Byron, Victor Hugo and Gioachino Rossini.
the 18th century. In broad lines, we may distinguish three tendencies: i) a
progressive one, represented here by Eugenios Voulgaris, ii) a conservative one,
whose main exponent was Nikodimos of Mount Athos (so-called Hagioritis), and
iii) a «third-way» one represented by Chrysanthos of Madytos. Eugenios, a
bishop who studied philosophy in Europe and lived in Russia, allows music to
have a say not only on people's character but on their working-time, too. He is
also tolerant towards instrumental music in every-day life as well as in worship,
which was (and still is) forbidden in the Orthodox Church. Nikodimos, on the
other hand, a monk and sermon writer who did not travel abroad, rejects all
sorts of music, if they do not serve the spiritual needs of the faithful. He scorns
instruments, and is particularly severe against music as leisure, which he sees as
corrupting the soul. Chrysanthos stands somewhere in-between them, as he was
a musician himself and a music teacher at the Greek Patriarchate in Istanbul. He
approaches music as a blessing from God, which should be exercised by human
beings, though with caution, in order to prevent its ill-effects. This dialogue may
be said to correspond with the «querelle des anciens et modems» which upset
Europe around the same time
The reason for writing this work was the relatively widespread impression that the concept of eros does not appear as such in the songs of the Greek people. Eros, a theme popular in poetry from antiquity to the present day, is considered by many as a concept incompatible with folk song, which is supposed to refer mainly to love and the beloved. This happens, despite the fact that since the 19th century, the relevant songs are described in some collections as "erotic". The approach attempted here is pragmatistic, in the sense of quoting and processing statistical data and indicative examples, which were deemed necessary to reach relatively safe conclusions. The concept of immediacy has a double dimension here: on the one hand it refers to the mention of the word "eros" and its derivatives (e.g. erotic) and on the other hand, to the lyricist's direct invocation to the winged god (in the second person). The analysis of the available material shows that the first level (of the lyricist's direct communication with eros) is much more limited than the second (of the description of the events).
The musical reform of 1814 influenced not only Greek ecclesiastical music (which it mainly targeted) but also the exoteriki or secular music. By then, several handwritten anthologies of secular songs had been compiled in the old notation, albeit in an analytical way. These songs used the Ottoman modes (makams) and rhythmic units (usuls), which they adapted to Greek forms (mainly from the Greek folk song). These anthologies circulated mainly in Constantinople and the Danubian Principalities, and contained compositions by patriarchal musicians, such as Petros Lampadarios, Iakovos Protopsaltis, Petros Byzantios, etc. The writing of anthologies in the old notation continued until 1820, although the transcription of a small part of them into the new method had already begun. The first printed anthologies of secular songs were published a decade later, the first ones being Euterpe (1830) and Pandora (1843), while the compilation of handwritten anthologies went on up to the middle of the 19th century.
The comparison of the transcriptions in the two notational systems shows that the new method altered the rhythmic and melodic elements of the songs, doubling the time signatures and allowing the insertion of melismas. This phenomenon is observed at the same time in the wider Ottoman music and, according to eminent musicologists, is due to the slowdown of the tempo during musical performance. The paper examines this process in three steps: a) by confirming the accuracy of the transcriptions in the old notation through their comparison with their modern transcriptions on the stave, b) by analyzing the mechanisms of rhythmic retardation and melodic density through the comparison of the transcriptions in the old and the new method and c) by proving that the post-reform transcriptions in the old notation do not differ from those in the new method.
This study revisits the controversial issue of the seven-beat (heptasemic) rhythm and its alleged origin from the ancient Greek metrics. This rhythmic genre (with
a 3+4 structure) is one of the most popular in Greek folk music and has been identified with the so-called “Kalamatianos” dance (from the city of Kalamata, southwestern Greece). This issue occupied several researchers worldwide (musicologists and philologists) throughout the 20th century. Most of them pointed either to the ancient epitrite (a metrical foot consisting of three long and one short syllables) or other variants. However, the differentiations and disagreements among the researchers as well as the inaccuracy of the ancient models (due to the lost prosody of the time) pose serious concerns to modern researchers. Therefore, instead of ancient metrics, this study proposes the exploration of the rhythm’s relation to other (not-much later) metrical traditions found in seminal works of the Christian era, such as the Psaltery of David (which, however, had been translated into Greek by the 2nd century BC), the Gospels and the early-Byzantine poetry and hymnography. In these works, a plethora of verses and passages using the heptasemic structure (3+4) are found, which have become quite popular over time to the Greek-speaking audience, a fact that reveals a kind of “continuity” and duration. At the end of the day, the rhythmotonic (instead of prosodic) pronunciation of the Byzantines is a safer guide to a more reliable study and understanding of the seven-beat rhythm.
εμπορευματοποίηση της μουσικής, που προώθησε την κυκλοφορία των μεγάλων κλασικών έργων σε αποσπασματική μορφή (για να χωρέσει στους δισκογραφικούς και ραδιοφωνικούς χρόνους). Τη διαδικασία αυτή φαίνεται ότι ακολούθησε και η «βυζαντινή» εκκλησιαστική μουσική, ιδίως οι μεγάλες συνθέσεις (π.χ. Χερουβικός ύμνος), που μέχρι και την εποχή του Πέτρου Πελοποννησίου παρουσίαζαν μια ενότητα στη δομή, με τις μελωδικές φράσεις να λειτουργούν αλληλοσυμπληρωματικά, χωρίς να ξεχωρίζουν μεταξύ τους. Η αρχή αυτής της εξέλιξης εντοπίζεται στην εποχή του Θεόδωρου Φωκαέως, οι συνθέσεις του οποίου παρουσιάζουν για πρώτη φορά μία ανισορροπία μεταξύ των μερών, προκρίνοντας κάποιες φράσεις έναντι άλλων και τονίζοντας συγκεκριμένα σημεία
του ποιητικού κειμένου. Η διαδικασία αυτή υποβοηθήθηκε τον 20ο αιώνα με την έλευση της δισκογραφίας και την εφεύρεση του ραδιοφώνου. Άρχισαν να δημιουργούνται «έτερες θέσεις», ενώ σε συναυλίες και ραδιοφωνικές εκπομπές ακούγονταν «highlights». Υπάρχει άραγε περιθώριο επανόδου στην ενότητα των κλασικών έργων ή μια τέτοια απόπειρα είναι σήμερα τεχνητή και ως εκ τούτου ανειλικρινής (όπως πίστευε ο Adorno);
This paper sheds light on an important but little studied aspect of the evolution of chant creation and interpretation, in the light of modern sociological theories. This is the so-called "split" of the classical musical work, i.e. the disruption of the unity between the parts but also within the parts and the whole musical work, which began to dominate the musical scene from the beginning of the 19th century and culminated in the 20th century. This development was pointed out and studied by the great sociologist and composer Theodor Adorno. Adorno attributed this development to the change of the senses during the Romantic period, in the ensuing music
commercialization, which promoted the release of major classical works in fragmentary form (to fit the discographic and radio times). This process seems to have been followed by the Greek monophonic chant, especially the large compositions that until the 18th century showed a structure unity, with the melodic phrases functioning complementary, without standing out from each other. The beginning of this development is located in the early 19th century, when Greek chant presents for the first time an imbalance between the parts, preferring some phrases over others and emphasizing specific points of the poetic text. This process was aided in the 20th century with the advent of discography and the invention of the radio. more melismatic phrases began to be created, while "highlights" were heard in concerts and radio shows. Is there room for a return to the unity of the classics or is such an attempt today artificial and therefore "insincere" (as Adorno believed)?
18th-century Istanbul, as attested in the Greek literature of the time.
The indication “early” has been preferred here because, in the European
context, this music genre is said to have been “officially” launched in the early
19th century, its heyday being reached in mid-century. However, musical
performances are known (and well-documented) to have taken place since the
18th century in Parisian and other western-European salons.
In fact, Parisian salons had appeared a century earlier, to counteract the court
culture, although the nobility also participated along the rising middle-class. Nevertheless, in this early stage, such events were mainly literary gatherings, in the sense that music was part of a broader cultural activity that encompassed other performative events, such as book reading, recitation of poetry, theatre acting, etc. Music was often performed by way of airs, those originally being vocal compositions taken from larger works (operas, cantatas, oratorios) but gradually turned to pieces for instrumental ensembles.
Η αντίληψη αυτή μεταφέρθηκε με σχετική καθυστέρηση στην ελληνική γραμματεία του αρχόμενου 19ου αιώνα, μέσω της μετάφρασης αποσπασμάτων της γαλλικής Εγκυκλοπαιδείας. Ο μεταφραστής δεν απευθύνεται στους ομοεθνείς τους ιατρούς αλλά στους ομοτέχνους του μουσικούς (αφού και ο ίδιος δεν είναι
ιατρός αλλά μουσικός) και σκοπός του είναι να δείξει την οικουμενική διάσταση της μουσικής και την πολλαπλή της ωφέλεια σε διάφορες εκφάνσεις του ανθρώπινου βίου (όπως η ασθένεια). Ο μεταφραστής μεταφράζει και τις αναφορές της γαλλικής πηγής του σε αρχαίους Έλληνες συγγραφείς (π.χ. Ασκληπιάδης), δημιουργώντας έτσι ένα ιστορικό προηγούμενο για τους νεοέλληνες αναγνώστες του. Εντούτοις, η ελληνική μετάφραση διακρίνεται σε κάποια σημεία από πλημμελή απόδοση όρων ή ονομάτων, ενώ δεν αραπέμπει στην πηγή του (τη γαλλική Εγκυκλοπαιδεία), κάτι βέβαια που δεν σπάνιζε μέχρι εκείνη την εποχή στη διεθνή βιβλιογραφία.
This paper attempts to document the oral function of 20th century chant by identifying and studying melodies that have survived in the mouth of the average believer and the empirical chanter/priest. These melodies are a considered a corrupted for of the "official" repertoire of the Constantinopolitan tradition (included in printed publications bearing a patriarchal seal) and began to appear sporadically from the late 19th century in anthologies of ecclesiastic music published in Athens by well-known chanters and music instructors. These common melodies bear (though not always) European influences, associated with Ioannis Sakellaridis, but should not identify with him, as most of them existed and were recorded in earlier anthologies of the traditional camp. The repertoire of these common melodies usually includes (ermological) short melodies, such as kathismata, kontakia. and the encomiums of the Epitaph (which are extensively mentioned here). Interestingly, the troparion of artoklasia ("Theotoke Parthene") is also present, and seems to have reached its present form after the middle of the 20th century. A section is also devoted to the dissemination of these common melodies in education through school music books (usually using European notation).
ern Europe in the 20th century: the inclusion of several national figures
into the list of recognized saints of the Church of Greece. That practice
began to take momentum after 1921, when the Church of Greece decided
to canonize Patriarch Gregorios V of Constantinople, who was hung by the
sultan for his inability to supress the Greek uprising (1821). The canoniza-
tion coincided with the Greek army expedition to Asia Minor following the
dissolution of the Ottoman Empire and its partition by the Great Powers.
The Patriarch’s body was eventually interred in the Athens Cathedral and
is still commemorated as national martyr (ethnomartyr). In the same year
(1921), Gregorios’ service was published containing various hymns with
several nationalistic overtones. Another example discussed is the canon-
ization of Bishop Chrysostom of Smyrna (1992), who was lynched and dragged around the city following the defeat and retreat of the Greek Army
from Asia Minor (1922). The paper will also examine other related issues,
such as the Church’s involvement in politics, the identity of the hymnogra-
phers and composers of the services, their reception by the press and the
public, etc.
For example, two months after the outbreak of the revolution in Messenia, “The sacrifice of Aepytus” (Il sacrifizio d’Epito), a musical drama by the Italian composer and activist Michele Carafa, was staged in Naples (30 May 1821), having as its main character the Messenian hero Aristodemus and his struggle against the Spartans. In 1827, when the strong Egyptian army led by Ibrahim Pasha plundered the Peloponnese before its final defeat at Navarino, the most popular musical drama in European scenes was “The Crusader in Egypt” (Il Crociato in Egitto), by the German-Jewish composer Giacomo Meyerbeer, which narrated the story of a Christian crusader who attracts and converts to Christianity the daughter of the Egyptian sultan. This phenomenon was mainly due to the fact that, at least until 1825, Europe was dominated by conservative governments, under the control of the ubiquitous Austrian chancellor Klemens von Metternich, while Italy was largely under Austro-Hungarian rule. Since most composers and librettists were employed or invited by local rulers/emperors, they functioned as “crypto-philhellenes” to an extent, expressing in this covert way their solidarity with the Greek struggle, and “conversing” with the “declared” philhellene artists of the time, such as Lord Byron, Victor Hugo and Gioachino Rossini.
the 18th century. In broad lines, we may distinguish three tendencies: i) a
progressive one, represented here by Eugenios Voulgaris, ii) a conservative one,
whose main exponent was Nikodimos of Mount Athos (so-called Hagioritis), and
iii) a «third-way» one represented by Chrysanthos of Madytos. Eugenios, a
bishop who studied philosophy in Europe and lived in Russia, allows music to
have a say not only on people's character but on their working-time, too. He is
also tolerant towards instrumental music in every-day life as well as in worship,
which was (and still is) forbidden in the Orthodox Church. Nikodimos, on the
other hand, a monk and sermon writer who did not travel abroad, rejects all
sorts of music, if they do not serve the spiritual needs of the faithful. He scorns
instruments, and is particularly severe against music as leisure, which he sees as
corrupting the soul. Chrysanthos stands somewhere in-between them, as he was
a musician himself and a music teacher at the Greek Patriarchate in Istanbul. He
approaches music as a blessing from God, which should be exercised by human
beings, though with caution, in order to prevent its ill-effects. This dialogue may
be said to correspond with the «querelle des anciens et modems» which upset
Europe around the same time
The reason for writing this work was the relatively widespread impression that the concept of eros does not appear as such in the songs of the Greek people. Eros, a theme popular in poetry from antiquity to the present day, is considered by many as a concept incompatible with folk song, which is supposed to refer mainly to love and the beloved. This happens, despite the fact that since the 19th century, the relevant songs are described in some collections as "erotic". The approach attempted here is pragmatistic, in the sense of quoting and processing statistical data and indicative examples, which were deemed necessary to reach relatively safe conclusions. The concept of immediacy has a double dimension here: on the one hand it refers to the mention of the word "eros" and its derivatives (e.g. erotic) and on the other hand, to the lyricist's direct invocation to the winged god (in the second person). The analysis of the available material shows that the first level (of the lyricist's direct communication with eros) is much more limited than the second (of the description of the events).
The musical reform of 1814 influenced not only Greek ecclesiastical music (which it mainly targeted) but also the exoteriki or secular music. By then, several handwritten anthologies of secular songs had been compiled in the old notation, albeit in an analytical way. These songs used the Ottoman modes (makams) and rhythmic units (usuls), which they adapted to Greek forms (mainly from the Greek folk song). These anthologies circulated mainly in Constantinople and the Danubian Principalities, and contained compositions by patriarchal musicians, such as Petros Lampadarios, Iakovos Protopsaltis, Petros Byzantios, etc. The writing of anthologies in the old notation continued until 1820, although the transcription of a small part of them into the new method had already begun. The first printed anthologies of secular songs were published a decade later, the first ones being Euterpe (1830) and Pandora (1843), while the compilation of handwritten anthologies went on up to the middle of the 19th century.
The comparison of the transcriptions in the two notational systems shows that the new method altered the rhythmic and melodic elements of the songs, doubling the time signatures and allowing the insertion of melismas. This phenomenon is observed at the same time in the wider Ottoman music and, according to eminent musicologists, is due to the slowdown of the tempo during musical performance. The paper examines this process in three steps: a) by confirming the accuracy of the transcriptions in the old notation through their comparison with their modern transcriptions on the stave, b) by analyzing the mechanisms of rhythmic retardation and melodic density through the comparison of the transcriptions in the old and the new method and c) by proving that the post-reform transcriptions in the old notation do not differ from those in the new method.
This study revisits the controversial issue of the seven-beat (heptasemic) rhythm and its alleged origin from the ancient Greek metrics. This rhythmic genre (with
a 3+4 structure) is one of the most popular in Greek folk music and has been identified with the so-called “Kalamatianos” dance (from the city of Kalamata, southwestern Greece). This issue occupied several researchers worldwide (musicologists and philologists) throughout the 20th century. Most of them pointed either to the ancient epitrite (a metrical foot consisting of three long and one short syllables) or other variants. However, the differentiations and disagreements among the researchers as well as the inaccuracy of the ancient models (due to the lost prosody of the time) pose serious concerns to modern researchers. Therefore, instead of ancient metrics, this study proposes the exploration of the rhythm’s relation to other (not-much later) metrical traditions found in seminal works of the Christian era, such as the Psaltery of David (which, however, had been translated into Greek by the 2nd century BC), the Gospels and the early-Byzantine poetry and hymnography. In these works, a plethora of verses and passages using the heptasemic structure (3+4) are found, which have become quite popular over time to the Greek-speaking audience, a fact that reveals a kind of “continuity” and duration. At the end of the day, the rhythmotonic (instead of prosodic) pronunciation of the Byzantines is a safer guide to a more reliable study and understanding of the seven-beat rhythm.
εμπορευματοποίηση της μουσικής, που προώθησε την κυκλοφορία των μεγάλων κλασικών έργων σε αποσπασματική μορφή (για να χωρέσει στους δισκογραφικούς και ραδιοφωνικούς χρόνους). Τη διαδικασία αυτή φαίνεται ότι ακολούθησε και η «βυζαντινή» εκκλησιαστική μουσική, ιδίως οι μεγάλες συνθέσεις (π.χ. Χερουβικός ύμνος), που μέχρι και την εποχή του Πέτρου Πελοποννησίου παρουσίαζαν μια ενότητα στη δομή, με τις μελωδικές φράσεις να λειτουργούν αλληλοσυμπληρωματικά, χωρίς να ξεχωρίζουν μεταξύ τους. Η αρχή αυτής της εξέλιξης εντοπίζεται στην εποχή του Θεόδωρου Φωκαέως, οι συνθέσεις του οποίου παρουσιάζουν για πρώτη φορά μία ανισορροπία μεταξύ των μερών, προκρίνοντας κάποιες φράσεις έναντι άλλων και τονίζοντας συγκεκριμένα σημεία
του ποιητικού κειμένου. Η διαδικασία αυτή υποβοηθήθηκε τον 20ο αιώνα με την έλευση της δισκογραφίας και την εφεύρεση του ραδιοφώνου. Άρχισαν να δημιουργούνται «έτερες θέσεις», ενώ σε συναυλίες και ραδιοφωνικές εκπομπές ακούγονταν «highlights». Υπάρχει άραγε περιθώριο επανόδου στην ενότητα των κλασικών έργων ή μια τέτοια απόπειρα είναι σήμερα τεχνητή και ως εκ τούτου ανειλικρινής (όπως πίστευε ο Adorno);
This paper sheds light on an important but little studied aspect of the evolution of chant creation and interpretation, in the light of modern sociological theories. This is the so-called "split" of the classical musical work, i.e. the disruption of the unity between the parts but also within the parts and the whole musical work, which began to dominate the musical scene from the beginning of the 19th century and culminated in the 20th century. This development was pointed out and studied by the great sociologist and composer Theodor Adorno. Adorno attributed this development to the change of the senses during the Romantic period, in the ensuing music
commercialization, which promoted the release of major classical works in fragmentary form (to fit the discographic and radio times). This process seems to have been followed by the Greek monophonic chant, especially the large compositions that until the 18th century showed a structure unity, with the melodic phrases functioning complementary, without standing out from each other. The beginning of this development is located in the early 19th century, when Greek chant presents for the first time an imbalance between the parts, preferring some phrases over others and emphasizing specific points of the poetic text. This process was aided in the 20th century with the advent of discography and the invention of the radio. more melismatic phrases began to be created, while "highlights" were heard in concerts and radio shows. Is there room for a return to the unity of the classics or is such an attempt today artificial and therefore "insincere" (as Adorno believed)?
18th-century Istanbul, as attested in the Greek literature of the time.
The indication “early” has been preferred here because, in the European
context, this music genre is said to have been “officially” launched in the early
19th century, its heyday being reached in mid-century. However, musical
performances are known (and well-documented) to have taken place since the
18th century in Parisian and other western-European salons.
In fact, Parisian salons had appeared a century earlier, to counteract the court
culture, although the nobility also participated along the rising middle-class. Nevertheless, in this early stage, such events were mainly literary gatherings, in the sense that music was part of a broader cultural activity that encompassed other performative events, such as book reading, recitation of poetry, theatre acting, etc. Music was often performed by way of airs, those originally being vocal compositions taken from larger works (operas, cantatas, oratorios) but gradually turned to pieces for instrumental ensembles.
Η αντίληψη αυτή μεταφέρθηκε με σχετική καθυστέρηση στην ελληνική γραμματεία του αρχόμενου 19ου αιώνα, μέσω της μετάφρασης αποσπασμάτων της γαλλικής Εγκυκλοπαιδείας. Ο μεταφραστής δεν απευθύνεται στους ομοεθνείς τους ιατρούς αλλά στους ομοτέχνους του μουσικούς (αφού και ο ίδιος δεν είναι
ιατρός αλλά μουσικός) και σκοπός του είναι να δείξει την οικουμενική διάσταση της μουσικής και την πολλαπλή της ωφέλεια σε διάφορες εκφάνσεις του ανθρώπινου βίου (όπως η ασθένεια). Ο μεταφραστής μεταφράζει και τις αναφορές της γαλλικής πηγής του σε αρχαίους Έλληνες συγγραφείς (π.χ. Ασκληπιάδης), δημιουργώντας έτσι ένα ιστορικό προηγούμενο για τους νεοέλληνες αναγνώστες του. Εντούτοις, η ελληνική μετάφραση διακρίνεται σε κάποια σημεία από πλημμελή απόδοση όρων ή ονομάτων, ενώ δεν αραπέμπει στην πηγή του (τη γαλλική Εγκυκλοπαιδεία), κάτι βέβαια που δεν σπάνιζε μέχρι εκείνη την εποχή στη διεθνή βιβλιογραφία.
This paper attempts to document the oral function of 20th century chant by identifying and studying melodies that have survived in the mouth of the average believer and the empirical chanter/priest. These melodies are a considered a corrupted for of the "official" repertoire of the Constantinopolitan tradition (included in printed publications bearing a patriarchal seal) and began to appear sporadically from the late 19th century in anthologies of ecclesiastic music published in Athens by well-known chanters and music instructors. These common melodies bear (though not always) European influences, associated with Ioannis Sakellaridis, but should not identify with him, as most of them existed and were recorded in earlier anthologies of the traditional camp. The repertoire of these common melodies usually includes (ermological) short melodies, such as kathismata, kontakia. and the encomiums of the Epitaph (which are extensively mentioned here). Interestingly, the troparion of artoklasia ("Theotoke Parthene") is also present, and seems to have reached its present form after the middle of the 20th century. A section is also devoted to the dissemination of these common melodies in education through school music books (usually using European notation).
www.greekorthodoxrevolution.com