1- ¿EXISTEN ALGUNOS GENEROS PRECURSORES DE LA OPERA?

2. Los orígenes
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos
italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que
se insertaban durante las representaciones teatrales).
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita
alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos
como la "Camerata de' Bardi". Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica,
parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de
la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y
posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar"
esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha
sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de
Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.

La ópera nace en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Entre sus precedentes están los numerosos
madrigales italianos de la época, a cuyas escenas con diálogos, pero sin acción teatral, se pondría música. Otros
antecedentes son los melodramas, ballets de cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de salón propios
del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un grupo de músicos y estudiosos que se denominaban a sí
mismos camerata (en italiano, salón o cámara pequeña). La camerata tenía dos objetivos: revivir el estilo
musical del drama de la antigua Grecia y desarrollar una vía distinta al estilo sobrecargado del contrapunto
propio de la música renacentista tardía. En especial, deseaban que los compositores estuvieran muy atentos a los
textos en los que basaban sus obras, adaptándolos de una manera simple para que la música pudiese reflejar en
cada frase el significado del texto. Estas intenciones probablemente no hayan sido características de la antigua
música griega, pero la camerata no disponía de una información detallada y suficiente sobre ese periodo musical
(ni se dispone de ella hoy día).La camerata desarrolló un estilo llamado monodia (en griego, canción solista).
Tenía líneas melódicas simples con contornos y proporciones que seguían las inflexiones del habla y los ritmos
del texto. La melodía era acompañada por el bajo continuo —es decir, una serie de acordes tocados, por
ejemplo, en el clavicémbalo— y la apoyaba un instrumento melódico bajo. Dos de los miembros de la camerata,
Giulio Caccini y Jacopo Peri, llegaron a la conclusión de que la monodia se podía usar para los monólogos y
diálogos de un drama escenificado. En 1597 Peri tuvo esta intuición cuando escribió su primera ópera, Dafne.
En 1600 se representó en Florencia una ópera llamada Euridice, que incorporaba música de Peri y de Caccini.
El primer gran compositor que se dedicó a la ópera fue el italiano Claudio Monteverdi. Sus óperas no sólo
utilizan el estilo monódico que hace énfasis en la palabra, sino también canciones, dúos, coros y secciones
instrumentales. Las piezas no monódicas tienen una forma coherente basada sólo en las relaciones musicales.
Monteverdi, por ejemplo, demostró que se podían utilizar para la ópera una amplia variedad de procedimientos
y estilos musicales con el fin de realzar el drama. La ópera se difundió rápidamente por toda Italia. El principal
centro italiano durante la mitad y finales del siglo XVII fue Venecia. El siguiente en importancia era Roma,
donde por primera vez se hacía una clara diferenciación entre los estilos cantantes del aria (usados para reflejar
las emociones) y el recitativo (que proviene de la monodia y se utiliza para presentar información y diálogos).
La monodia murió como género, aunque sus principios sigan siendo influyentes. Los principales compositores
de Roma fueron Stefano Landi y Luigi Rossi. El público veneciano prefería las exuberantes puestas en escena y
los efectos visuales espectaculares como eran las tormentas o los dioses que descendían del cielo. Los
compositores más importantes en Venecia fueron Monteverdi, Pier Francesco Cavalli y Marc'Antonio Cesti.
La tragedia griega
La tragedia griega fue una forma de drama popular que se representaba en los teatros de la Grecia antigua desde
finales del siglo VI a.C. Las obras existentes representan un período muy corto de la historia. Las primeras
obras de Esquilo se representaron alrededor del 480 a. C., y las últimas de Sófocles y Eurípides, a fines del siglo
V
Características de la tragedia
Arreglos corales
Debido a que el drama griego evolucionó a partir del desempeño coral, tanto la tragedia como la comedia tenían
coros como elemento importante de las actuaciones. Los coros era algo que no siempre se incluían en otros
géneros dramáticos.

Máscaras y disfraces
Los actores estaban tan lejos de la audiencia que sin la ayuda de disfraces y máscaras exageradas se dificultaba
el entendimiento de la obra.

Las máscaras estaban hechas de lino o corcho. Existían dos tipos, las máscaras trágicas llevaban expresiones
tristes o de dolor, mientras que las máscaras cómicas sonreían o miraban con aire lascivo.

Actores
Según los estándares modernos, el número de actores era más bien pequeño. Usualmente eran dos en el primer
tiempo y tres en la tragedia posterior. Todos los actores eran hombres.

También, había extras (llamados «máscaras silenciosas») que desarrollaban papeles de asistentes de la obra,
soldados y público espectador, entre otros. Los especialistas aseguran que en las tragedias, al menos, los propios
dramaturgos en ocasiones también actuaban.

Coro
Originalmente, el coro consistía en una docena de personas, todos hombres o niños. Pero posteriormente
Sófocles lo aumentó a quince, y a partir de allí todas las obras respetaron ese número.

Los miembros del coro eran aficionados, excepto el líder quien era un profesional. Cada integrante era elegido
para para representar su área local en el festival.

Lenguaje y música
Todas las obras de tragedia griega se escribieron en verso. Esto fue en parte convencional. Desde la época de
Homero, el verso había sido utilizado para lo que se podría definir como «literatura imaginativa», y la prosa se
había reservado para lo que se podría llamar «no ficción»: discursos, registros públicos, escritos filosóficos e
históricos.

Competencias
En las competencias de tragedia griega, cada dramaturgo debía presentar cuatro obras de teatro. Por lo general,
algunos de ellos, como Esquilo realizaba sus cuatro obras conectadas por completo.

De esa manera, las primeras tres actuaban como tres actos de un gran drama. En relación a la cuarta (el juego de
los sátiros), era un epílogo más ligero.

Teatro
Los edificios del teatro se conocían con el nombre de theatron. Estos eran grandes estructuras al aire libre
construidas en las laderas de las colinas. Tenían tres elementos principales: orquesta, skené y audiencia.

En primer lugar, la orquesta era una gran área circular o rectangular en el centro del teatro. Desde allí, se
desarrollaba la obra, la danza y los ritos religiosos. Detrás de ella se encontraba un gran edificio rectangular que
se utiliza como bastidor, el skené. En este sitio los actores podían cambiar sus disfraces y máscaras.

Anteriormente, el skené era una tienda de campaña o cabaña, más tarde se convirtió en una estructura de piedra
permanente. Estas estructuras algunas veces se pintaban para servir como telones de fondo.

Finalmente, estaba la zona correspondiente al público (espectadores), que se situaba en una posición elevada
por encima del círculo de la orquesta. Los teatros fueron originalmente construidos a gran escala para dar cabida
a una gran cantidad de espectadores.

Los antiguos actores griegos tenían que hacer gestos grandilocuentes para que toda la audiencia pudiera ver y
escuchar la historia. Sin embargo, los teatros griegos eran hábilmente construidos para transmitir incluso el
sonido más pequeño a cualquiera de los asientos.

Cantos carnavalescos italianos

Las fiestas de Carnaval de Florencia alumbraron un género musical propio, los canti carnascialeschi o canciones
de Carnaval, que viven su época de máxima popularidad entre aproximadamente 1460 y 1570.
Se trataba de canciones populares interpretadas durante las celebraciones por grupos de hombres disfrazados,
representando las distintas profesiones y gremios, bien a pie, a caballo o en carretas.

Dos eran los principales formatos de estas canciones carnavalescas: mascherate y carro o trionfo.

El primer tipo acompañaba el canto con la mímica y los ejecutantes interpretaban los textos de las canciones,
parodiando distintos acentos o comportamientos de los grupos sociales de la Florencia renacentista.

Los principales subgéneros estaban compuestos por los canti di donne (canciones sobre mujeres), canti de arti
mesterisi (canciones de oficios) y los canti di lanzi (canciones que se burlaban de grupos de soldados que
huyendo de la derrota solicitaban asilo en Florencia).

Por otro lado, el género denominado carro o trionfo era cantado sobre carretas adornadas suntuosamente por
artistas plásticos y los textos solían estar basados en temas alegóricos de la mitología clásica y estaban
orientados a ensalzar la grandeza de Florencia.

La letra de las canciones estaba escrita en italiano vernáculo y las estructura incluía estribillos entre las estrofas.

De esta forma, aparecen varias formas de ballata, un popular género musical y poético de la Italia medieval:
ballata minore, con un estribillo de dos versos, ballata mezzana, con uno de tres, y finalmente, ballata grande,
con un estribillo de cuatro versos.

Los cantos carnavalescos eran canciones polifónicas, generalmente para tres o cuatro voces, que se transmitían
oralmente de generación en generación.

Han llegado hasta nosotros nueve manuscritos recopilatorios de este tipo de piezas, probablemente escritos a
finales del siglo XV y principios del XVII por encargo de nobles y grandes señores.

Intermezzo
Un intermezzo (palabra italiana que significa literalmente «interludio», en plural es intermezzi) es una ópera
cómica breve, a menudo de argumento realista y ambiente popular que se representaba en los entreactos de una
ópera seria. En el siglo XVIII adquirió importancia con La serva padrona de Pergolesi (1733), que se considera
el origen de la ópera bufa de a escuela napolitana.
1El término Intermezzo es una palabra italiana (en plural es Intermezzi) que significa “Interludio”. Comienza a
utilizarse en el renacimiento italiano a finales del siglo XV. Se presentaban diferentes actuaciones usualmente
de opera, música y en algunas ocasiones danza. La idea era que estas pausas fueran refrescantes e interesantes.
Aunque, por supuesto, con el tiempo fueron evolucionando y requerían una elaboración compleja y llena de
escenografías espectaculares. Todo esto, transcurría entre acto y acto siendo lo que se conoce en la actualidad
como intermedio.

Los Intermezzi fueron creados como espacios ingeniosos, obras breves que entre acto y acto permitieron una
representación con escenografías revolucionarias. Eventualmente, estas innovadoras pausas fueron creando
nuevos lenguajes en el ballet.

2Se convirtieron en una nueva categoría en el arte, espacios que situaban los diferentes festines o fiestas como
inacabables. Los patios de los castillos y las plazas eran los lugares más frecuentes donde se llevaban a cabo
estos festines y por supuesto, los entremeses o intermedios, conocidos como Intermezzi serian incluidos en la
mismas.

3El surgimiento de los Intermezzi se debe a que durante los siglos XIV y XV familias destacadas como lo
fueron los Medicis de Florencia anhelaban derrochar su poder y clase social mediante estos imponentes festines.
Continuado por un movimiento cultural donde en Italia se consideraba el no bailar bien como un detrimento
cultural obligando a que los maestros de ballet del siglo XV buscaran crear danzas para grandes oportunidades
como lo fueran las victorias políticas, alianzas políticas y bodas. De esa manera, el Renacimiento hace medrar a
Italia con muchos espectáculos nuevos y de calidad.

4Se define un ambiente escénico sustentado en la antigüedad, definido por diferentes ángulos ampliando así el
numero de espectadores. Esto fueron los famosos representados intermedios, intervenciones musicales, entre los
diferentes actos. Desde la tragedia, comedia, plazas- jardín se idealiza un espectáculo. Además de Italia también
hubo en Francia lo que se conocía como Intermède, algo mas dependiente de la danza italiana. Todo esto bajo
Catalina de Medici en la corte Francesa. Los Intermezzi mejor conocidos como, los interludios del siglo XV,
fueron apoyados en la estética antigua y teorías de humanistas. Nutridos algunos del legado mitológico, los
Intermezzi compusieron una fórmula desde la unidad temática. Más adelante, en el siglo XVll se siguió
desarrollando y podía convertirse en una obra de teatro dentro de otra obra por las distintas partes en las que
podía dividirse. Por lo tanto, posteriormente tuvieron su propia puesta en escena aunque fueran con temas
mitológicos que requerían mas elaboración.

Estos intermedios fueron escritos e interpretados a partir de los siglos XV al XVll y tuvieron un gran auge en el
público de la época. En la actualidad, ya no se presentan este tipo de intermedios aunque sí mantenemos la
costumbre de tener un descanso entre acto y acto.
2- ¿QUE FUE LA CAMERATA FLORENTINA? Y POR QUE SE DENOMINO ASI?
La Camerata Florentina (Camerata Bardi, en italiano: Camerata Fiorentina o Camerata de' Bardi) fue un grupo
de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de Florencia de finales del Renacimiento que estaban unidos bajo
el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente en la
música y el drama. Se reunieron principalmente entre cerca de 1573 (la primera que se tiene noticia fue el 14 de
enero) hasta fines de los años 80, en casa de Bardi, y sus reuniones tenían la reputación de tener a los hombres
más famosos de Florencia como huéspedes frecuentes. Los miembros conocidos del grupo además de Bardi
incluyeron a Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Emilio de' Cavalieri y Vincenzo Galilei (padre del astrónomo
Galileo Galilei).

El motivo de su asociación fue la creencia de que la música se había corrompido, y de que mediante el retorno a
las formas y el estilo de la Grecia Antigua, el arte de la música podría ser mejorado, y así la sociedad también
mejoraría. Estuvieron influenciados por Girolamo Mei, el primer erudito de su tiempo en la Grecia Antigua, que
sostenía - entre otras cosas - que la tragedia griega había sido más predominantemente cantada que hablada. Si
bien él estaba equivocado, el resultado fue la efervescencia de la actividad musical totalmente diferente a
cualquier cosa por entonces, sobre todo por la tentativa de recuperar los métodos antiguos.

Las críticas acerca de la música contemporánea que hizo la Camerata se centraron en el uso excesivo de la
polifonía, la cual perjudicaba la inteligibilidad del texto cantado. Paradójicamente, esta fue la misma crítica
dada por el Concilio de Trento unas décadas antes, aunque los puntos de vista de ambas no podría ser más
diferente. Cautivada por las descripciones antiguas del efecto emocional y moral de la tragedia y de la comedia
griega antigua, que presumían debía haber sido cantado como una sola línea con un acompañamiento
instrumental simple, el Camerata propuso crear una nueva clase de música.

En 1582, Vincenzo Galilei realizado una musicalización, compuesta por él mismo, del lamento de Ugolino en el
Infierno de Dante; era una imitación franca de lo que él creyó podía ser la música de la Antigua Grecia. Caccini
también es conocido por haber interpretado varias de sus propias canciones que fueron cantadas más o menos
melódicamente sobre un acompañamiento sencillo de acordes. El estilo musical que se desarrolló a partir de
estos tempranos experimentos fue llamado monodia; se convirtió, hacia los años 1590, gracias a las obras de
compositores como Jacopo Peri, trabajando conjuntamente con el poeta Ottavio Rinuccini, en un vehículo capaz
de una amplia expresión dramática. En 1598, Peri y Rinuccini produjeron Euridice, un drama entero cantado en
estilo monódico: era la primera creación de una forma nueva llamada ópera. Otros compositores los siguieron
rápidamente, y por la primera década del siglo XVII el nuevo "drama en música" era compuesto, escenificado y
diseminado ampliamente. Debe observarse que la nueva forma de ópera también tomó prestado de una forma
poética pastoral existente llamada intermedio, especialmente en los libretos: fue el estilo musical lo que era
principalmente nuevo.

De todas las revoluciones en la historia de la música, ésta fue quizás la más cuidadosamente premeditada: es
uno de los pocos ejemplos en música, antes del siglo XX, de la práctica que precede a la teoría. Bardi y Galilei
dejaron textos que exponían sus ideas. Bardi escribió el Discorso (1578), una larga carta a Giulio Caccini, y
Galilei publicó el Dialogo della música antica et della moderna (1581-1582).
Camerata Florentina. También conocido por Camerada Bardi fue un grupo que intenta resucitar la tragedia
griega clásica, compuesto de intelectuales, poetas, cantantes y músicos que se reunían en el Palacio Bardi para
discutir y analizar las diversas expresiones artísticas, literarias y musicales del momento.
De la misma surgiría la que para muchos es considerada la primera ópera en el sentido actual de la acepción.
Ella es “Euridice” de Jacobo Peri, estrenada en 1597.
Historia
Su fundador y gran impulsor fue Giovanni Bardi, soldado en su juventud, sirvió a las órdenes de Cosimo I
Medici, Gran Duque de la Toscana participando en el cerco de Malta (1565) contra los turcos. El punto de
encuentro del grupo fue el aproximadamente de 1573 hasta finales de 1580

Motivo de su creación
Fue a creencia de que la música se había corrompido, y que mediante el retorno a las formas y el estilo de la
Grecia Antigua, el arte de la música podría ser mejorado, y así la sociedad también mejoraría, por lo que
intentan resucitar la tragedia griega clásica con el propósito de infundir nueva vida al teatro clásico griego y
romano, en el que la música tenía un papel esencial.

Intrigado por las antiguas descripciones de los efectos morales y emocionales de la tragedia y la comedia griega,
la cual presumían que era cantada como una única línea y un simple acompañamiento instrumental, la Camerata
se propuso crear un nuevo tipo de música.

Buscan la representación de un texto dramático como diálogo cantado de los personajes. Así nace un nuevo
estilo, el estilo recitativo, que consiste en una línea vocal entonada de modo declamatorio y libre y apoyada de
un sencillo acompañamiento instrumental.

Facetas discutidas
De entre las múltiples facetas del arte discutidas en la Camerata Florentina se encontraba la disquisición de
cómo participaba la música en las antiguas tragedias griegas. He aquí el germen fundacional de la nueva ópera.
Galilei estudió el tema con sus amigos eruditos en la Antigüedad Clásica y llegó a tres conclusiones que
hicieron posible una nueva aproximación a la música escénica. Son estas:

El teatro en la antigua Grecia era todo él cantado.

La música no era polifónica sino monódica.
El canto era individual por personaje y no colectivo, práctica habitual en el Renacimiento donde varias voces
representaban un mismo papel.
Características de sus obras
Sus representación es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias,
coros, interludios, recitativos...). Tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático.
Entre estos artistas están los nombres del Conde Bardi, el poeta Rinuccini y los músicos Galilei, Vecchi, Peri,
Caccini, entre otros. Buscan una línea melódica adaptada al texto. La ópera se configura como una forma
musical profana, de carácter narrativo, con representación escénica y las primeras óperas se deben a Peri y
Caccini.

La primera obra puesta en escena por los miembros de la camerata fue Dafne, fábula dramática en un prólogo y
seis escenas con música de Jacopo Peri y texto de Octavio Rinuccini. El estreno tuvo lugar en el Palacio de
Jacopo Corsi, en Florencia, durante los carnavales de 1594.

No es hasta los esponsales de la princesa María de Medici con el rey de Francia, Enrique IV, que se vuelve a
escuchar la representación de una “opera in musica”. El matrimonio por poderes celebrado en Florencia era una
ocasión excepcional para demostrar a todo el mundo el boato y la magnificencia de los Medici florentinos.

Así que encargaron a los miembros de la Camerata una obra bajo las premisas del nuevo estilo. “Euridice” con
versos de Rinuccini y música de Jacopo Peri fue la obra compuesta para tal efecto.

Su estreno tuvo lugar el 6 de octubre de 1600 en el Palacio Pitti de Florencia. El éxito fue tremendo. Tal es así
que la existencia de este nuevo espectáculo corrió de boca en boca por todo el norte italiano y muchos fueron
los nobles de las cortes contiguas que le pidieron permiso a los Medici para la representación de esta obra.

3- CARACTERISTICAS DE LA OPERA ORIGINARIA RENACENTISTA

CARACTERISTICAS DE LA OPERA

La ópera es una forma vocal compleja de carácter narrativo que utiliza representación escénica. Escrita para
orquesta, coros y solistas, se desarrolla en tres partes fundamentales:
· Obertura: introducción musical que da comienzo a la obra.

LOS CASTRATI

Cantantes masculinos castrados antes de la pubertad para evitar el cambio de la voz.

MUSICA VOCAL
Partes cantadas: por solistas y coros. Distinguimos dos estilos de canto según el contenido del texto:

a) Estilo aria: melodías expresivas para textos emotivos.

b) Estilo recitativo: texto declamado para pasajes que requieren un desarrollo más ágil de la acción.

Interludios: secciones instrumentales que se intercalan articulando y uniendo las distintas partes de la obra.

Ópera en Roma
En Roma la ópera conoce su período más importante entre los años 1620 y 1660, lo que lo ubica en finales del
barroco temprano hasta mediados del barroco medio. Si tomamos las óperas de esta época se pueden distinguir
fácilmente que los compositores utilizaban con frecuencia 3 tipos de libretos:

1. Mitología

2. Historia Antigua

3. Poemas Épicos del Renacimiento

En los libretos de los Poemas Épicos del Renacimiento era común que se tratasen con una gran libertad. Una de
las características de la escuela romana era el empleo de temas religiosos alegóricos. La obra más notable de
este género es "San Alessio", de Stefano Landi, sobre un libreto del cardenal Claudio Rospigliosi y extraído de
la vida de San Alexis del S. XV, y que fue presentada en la inauguración del teatro ¨Le Quattre Fontane¨ con
capacidad para 3000 personas, ubicado en el Palacio Barberini en Roma en 1632. El autor, aunque trata el tema
con respeto, da a la acción un marco contemporáneo ya que los personajes secundarios son de tipo humano
tomados de la vida romana de la época. Con mayor frecuencia se encuentran en Roma operas alegóricas en las
que los personajes eran abstracciones personificadas por ejemplo como la virtud, la inocencia, la razón, el
placer, etc, ya que tenían por finalidad ser obras moralizantes. Una de las paradojas graciosas de la historia de la
opera es el hecho que la opera BUFFA es originaria de Roma y que su creador era el cardenal Rospigliosi,
cuyas óperas principales son: "Chi Soffri Speri" (1639) y "Dal Male Il. Bene" (1654), la primera con música de
Mazzochi y Marazzoli; la segunda celebraba el retorno a Roma de la familia Barberini luego del exilio en Paris
bajo el papado de Inocencio X.
A medida que los libretos de las óperas en Roma fueron sufriendo diversas transformaciones, los mismo fueron
acompañados de una evolución paralela en las diversas formas musicales, de las cuales podemos destacar como
las más importantes a la diferenciación progresiva del estilo entre los recitativos y arias, y a su vez dentro de las
arias los diferentes tipos y formas de las mismas

Debido a su relativa brevedad, y por el interés que despertaba el método nuevo entonces (la declamación
monódica del texto), la necesidad de una diferencia de estilos entre las partes solistas no se habían hecho sentir
en las primeras obras de Peri y Caccini, pero a medida que las operas se hicieron más largas, se reprochaba el
aburrimiento que producían los recitativos.

El problema se encontraba principalmente en hallar una manera de asegurar un desenvolvimiento tan rápido
como fuera posible de aquellas partes del libreto en las que la acción se desarrolla por medio del dialogo, a los
fines de dejar a la música en otras partes la libertad de explotar los recursos de expresión que le son propios.
Para esto el dialogo de la acción recibía un mínimo de tratamiento musical, limitándose de hecho a una
recitación rápida del texto sin melodía, acompañadas de pocos acordes mientras que los pasajes liricos se
desarrollaban para convertirse en unidades musicales completas de largas expansiones vocales sobre algunas
líneas de texto cuya forma musical estaba construida de manera más o menos simétrica por medio de relaciones
entre los sonidos, de repeticiones, de variaciones y de contrastes entre motivos y temas. La separación completa
de los dos estilos era el rasgo característico que se dio progresivamente en la ópera Italiana. Después de 1640 se
empiezan a encontrar arias de grandes dimensiones, de estilo característico y de forma musical significativa y
variada. El Orfeo de Luigi Rossi es muy rico en este sentido. Las arias van desde simples melodías estróficas,
pasando por todo tipo de formas simétricas. El desarrollo del estilo recitativo progresa más rápidamente en las
operas buffas: la declamación rápida que se designaría luego con la expresión "recitativo secco", ya existía en
1639 en el dialogo cómico de "Chi Soffri Speri". Sin embargo en la ópera seria, el recitativo conservo a el
carácter melódico y expresivo del periodo anterior uniéndose libremente con los pasajes arioso. Uno de los
rasgos notables de la opera romana sería el coro. Los coros de la opera romana eran en el conjunto, los pasajes
que recibían los tratamientos más elaborados y los más sofisticados desde el punto de vista artístico. Las
escenas pastorales se presentaban para coros idílicos de ninfas y pastores. Era costumbre terminar cada acto con
un coro, por lo cual poetas y compositores aunaban esfuerzos para sacar partido de esa costumbre. Para ello
escribían finales dramáticos y musicales bien construidos para esos grandes momentos de la acción.

En la opera romana del S. SXVII la formación de la orquesta era la misma que se mantendría por casi 100 años
sin cambios, la misma se concentraba en las cuerdas a las que se le agregaba un bajo continuo.

La escuela romana de opera desapareció después de 1660, esto se explica en parte por el hecho de que en ese
momento el nuevo estilo veneciano comenzaba a eclipsar los otros tipos de ópera italiana. A partir de ese
momento los compositores romanos consagraron sus talentos dramáticos sobre todo a la cantata y el oratorio.

Ópera en Venecia
En Venecia se hacen cargo del mecenazgo las familias que habían adquirido riquezas a través del comercio. Las
producciones de acontecimientos musicales comenzaron a ser empresas cooperativas, de esta manera se hace
comercial y a la vez popular, y se mantienen los teatros por medio de los alquileres o arrendamientos de palcos
y venta de entradas.

Se contrataba a un empresario de una compañía para poner en funcionamiento una obra que satisficiera al
público. Este sistema funciono de tal manera que para 1700 había 16 teatros construidos y se habían puesto en
escena 388 operas.

El primer teatro fue el "San Cassiano", reconstruido por la familia Tron y se inauguro en 1637 con la opera
"Andrómeda" producida por Ferrari (poeta y compositor) y Manelli (cantante y compositor), quien canto con su
esposa, fue entonces cuando la palabra "Ópera" que literalmente quiere decir "obra" u "opus" se empezó a
utilizar para designar el nuevo género.

Los teatros de Venecia eran celebres en toda Europa por el esplendor de sus efectos escénicos, con numerosos
cambios de cuadros que producían contrastes fantásticos, y maquinarias ingeniosas para la puesta en escena de
batallas, naufragios, sucesos sobrenaturales y espectáculos de todo tipo. El coro a diferencia de la opera romana,
prácticamente ha desaparecido, salvo en algunas grandes operas escritas para fiestas brillantes, esto se debía a
dos razones: por un lado lo económico y, por el otro el público se inclinaba mas por los efectos de escenas
complicadas y los solos cantados, así las arias, los pasajes ariosos, los dúos a la manera de madrigales y las
ariettas cómicas ocupaban gran proporción de la música vocal, junto con los recitativos.

A los 46 años Monteverdi se muda a Venecia, allí consigue el puesto musical de mayor prestigio en toda Italia,
"Director Musical de la Basílica de San Marcos", en el cual trabajo durante unos 30 años. Fue la riqueza
comercial de Venecia la que llevó a la Opera al siguiente gran paso en su desarrollo.

Monteverdi compuso cuatro operas para los teatros venecianos de las cuales solo se conserva la música de las
dos últimas: "el regreso de Ulises a su patria" y "la Coronación de Poppea".

Monteverdi escribió su última obra maestra "La Coronación de Poppea" en 1643 para el teatro comercial. En la
obra, el papel de Nerón debido a la prohibición de la presentación de las mujeres en los teatros era interpretado
por un castrato, un varón con aptitudes para el canto que había sido castrado antes de la pubertad, lo que le daba
una voz aguda natural y poderosa, y el cual era el sonido de moda en aquella época.

La orquesta estaba formada principalmente por la familia de las cuerdas, a la que después se le agrego
instrumentos de viento de madera y bronce. Monteverdi logra en Poppea una real unión entre las necesidades
del texto, la escena y la música, empleando a veces efectos como el "stile concitato" (estilo agitado) que el
utilizaba para describir galope de caballos y furia del combate, por medio de figuras rítmicas reiteradas (nota
repetidas rápidas). La música para complacer a un público popular más que aristocrático, busca grandes efectos,
contraste de atmosfera, liricas muy melodiosas, ritmos fuertemente marcados; estas características se ven en las
cuatro operas de Cavalli (quien fue el primer compositor de opera para publico popular) que fueron
representadas en varios teatros venecianos entre 1639 y 1669. Su obra más conocida fue "Giasone", Cavalli aun
se apoya en el recitativo, igual que Monteverdi, en el cual recae el peso del drama. El aria suele estar en lugares
importantes como al comienzo o al final de una escena.

La fuerte tendencia hacia la expresividad melódica y la integración de las voces e instrumentos se vio en la obra
de Cesti "Orontea", la misma fue su opera más conocida que se estreno en 1649 y se repitió durante cuarenta
años con pequeñas adaptaciones en distinto lugares de Europa. Esta vigencia muestra la solución que Cesti le da
al problema de la unidad entre poesía, música y drama. Esta solución consistió en utilizar el estilo recitativo
para las narraciones, el dialogo y, situaciones dramáticas entre los personajes mientras que las arias quedan
reservadas a expresiones de tipo emocional, situaciones cómicas, etc. Para lograr esto se requirió una gran
colaboración entre Cesti y el libretista Cicognini, ya que tal esquema es evidente tanto en el texto como en la
música.

La opera mas celebre de Cesti es "Il. Pomo d´oro", fue compuesta para la boda del emperador Leopoldo I y la
infanta Margarita de España. Tenía más de veinticuatro cambios de decorados, la mayoría con maquinas muy
complicadas.

Durante el S. XVII gran parte de la ornamentación vocal e instrumental era obra de los intérpretes. En las
operas Romanas y Venecianas de Monteverdi y Cavalli, los pasajes de coloratura (escritos) no son de gran
amplitud y a menudo no tienen una fuerza expresiva apropiada, en Cesti y otros compositores, se encuentra una
creciente proporción de arias cuya finalidad es poner en relieve la agilidad de los cantantes y los "trucos" del
virtuosismo.

En estas obras al igual que en ¨La coronación de Poppea", la mayoría de los papeles importantes están escritos
para voces agudas, las arias para contralto eran escasas, y la voz del bajo se empleaba solo en las arias buffas.
Los papeles de sopranos estaban destinados a los "castrati", recién en 1671 la iglesia levanto la prohibición de
que las mujeres actuaran en los teatros, pero debido al prejuicio existente aún entre el público, la mayor
cantidad de los papeles principales continuaban siendo interpretados por los castrados. A Ferri, el más famoso
en la segunda mitad del siglo, se le atribuye la introducción del "aria da capo". Su estructura era tripartita (A-B-
A), proporcionaba una esfera de acción mayor que la estrófica y era más simple y corta que la rondó.

El aria propiamente dicha marca emociones generales y estados anímicos primarios. Desde este punto de vista,
podemos diferenciar 3 tipos de arias:

1. Aria di Bravura: Rápida virtuosita, para caracterizar las emociones de la ira, la venganza, la pasión, etc.

2. Aria di Mezzo Carattere: aria de carácter medio, para estados anímicos como la intimidad, el amor, el dolor,
etc.

3. Aria Parlante: consistía en una declamación rápida

La función de la Orquesta era de acompañar a los cantantes y la mayoría de las arias eran acompañadas con bajo
continuo (viola o violoncelo) y uno o varios instrumentos que producían acordes como el clave, alud, órgano o
guitarra.

Los principales compositores posteriores a Cavalli y Cesti fueron Stredella, Palavicino, Legrenzi. Con ellos la
polifonía y el contrapunto comienzan a reaparecer, los bajos son más característicos en su melodía, las voces se
muestran más independientes y a la orquesta se le da una participación más sustancial en la obra.

Estilo del Bel Canto

Si bien el estilo del Bel Canto podemos encontrarlo inmerso dentro de la opera romana así como en la
veneciana, es bastante amplio y complejo por lo cual debe describirse por separado para así comprenderlo
mejor.

El estilo del Bel Canto surge entre 1630 y 1640, este estilo representa la reacción de los músicos frente a los
dictados de los poetas: con él la música se coordino en lugar de subordinarse a las letras.

El Bel Canto fue en escénica música vocal plasmada en la cantata, oratorio y la opera. A partir de ellas su
influencia se extendió también a la música instrumental.

En el estilo del bel canto, la melodía asumió una fluidez animada y no interrumpida por las coloraturas
exuberantes de los cantantes, aunque se siguieron usando secciones floridas para plasmar determinadas letras.
Se abandono el virtuosismo a favor de un idioma vocal más moderado, basado fundamentalmente en el
volumen mantenido y penetrante de la voz del castrato.

La organización de la melodía se basaba en pautas de danzas estilizadas, en especial la de la zarabanda y el

courante, las ideas melódicas eran breves y se veían limitadas por cadencias que anticipaban de manera
estereotipada la nota final. Otra característica importante del bel canto radica en la integración del bajo y la
melodía. El bajo se movía, al igual que la melodía en un ritmo de danza estilizado y, a menudo dependía
también melódicamente del perfil de la línea vocal. Esta equivalencia contrapuntística de las partes cobro cada
vez mayor importancia y finalmente dio pie a la imitación, con carácter anticipatorio de la melodía por el
continuo al comienzo del aria. La armonía del bel canto difería de la del primer barroco por su notable sencillez.
Los acordes del nuevo estilo servían para perfilar una tonalidad rudimentaria mediante repeticiones insistentes
en la cadencia de IV-V-I ó II6-V-I, con notas muy relacionadas entre sí.

Unido a una simplificación armónica, surgió un desarrollo formal importante: la diferenciación gradual entre el
recitativo y el aria. Las características mencionadas anteriormente eran referentes al aria o arietta. Sin embargo,
el recitativo, se hizo más moderado y menos afectivo y dio paso al "parlando" rápido para expresar los pasajes
muy afectivos: ¨el arioso¨, que empleo efectos de "gorgia", bajos estáticos y experimentos armónicos; el arioso
no es más que un nuevo nombre del antiguo recitativo florentino que abarcaba tanto el aria como el recitativo
italiano secco.

Conclusiones
Si bien los estilos operísticos de Roma y Venecia tienen en común el ser italianos, poseen características y
aportes al género operístico los cuales los diferencia.

ROMA VENECIA

 Opera Cortesana

 Grandes Coros
 Opera Comercial y Popular
 Obras con sentido moralizante
 Teatros famosos por su esplendor, efectos y cambios de
 Temas religiosos alegóricos, mitológicos, Historia Antigua y cuadro
Poemas Épicos del renacimiento
 Sin Coros, solo en algunas excepciones debido a su costo
 Personajes son abstracciones de la vida real
 Temas centrales referidos al amor y personajes basados en la
 Diferenciación PROGRESIVA de los Recitativos y Arias vida real
 Arias de grandes dimensiones  Aria y recitativo claramente diferenciados
 Exhibición del virtuosismo  Recitativo menos afectivo y resalta el aria
 Recitativo extremadamente afectivo  Orquesta igual que en Roma pero se le agregan vientos de
 Creación de la Orquesta que se mantendría por casi 100 años madera y bronce
basado en las cuerdas a las cuales se le agrega un bajo
continuo