Artística.

Folklore dominicano:

El folklore es el conjunto de costumbres y de

tradiciones que pertenecen e identifican a una cultura.
Resulta un concepto flexible y amplio que alude a la
expresión de las tradiciones culturales que se
transmiten de generación en generación, como
la literatura, el arte, la historia, los mitos, las
festividades, entre otras.

La palabra folklore fue designada por el arqueólogo

William Thomas en 1846, para hacer referencia a lo
que en Inglaterra se llamaba antigüedades
populares. El término folklore proviene del inglés folk,
que significa “pueblo” y lore, que significa “saberes”.

A partir de la denominación de folklore se

contemplaron los saberes de una población que son
transmitidos de diferentes maneras a través del
tiempo. El folklore es diferente para cada nación, por
lo que establece una identidad para cada población.

Ver, además: Cultura popular

Características del folklore

El folklore se caracteriza por ser:

• El conjunto de saberes tradicionales de un pueblo.

• La identidad de una nación que la diferencia de
las demás.
• Una reconstrucción antropológica de la cultura,
es decir, de las expresiones sociales, de las
costumbres, de las creencias y de los aspectos
físicos o materiales, como el arte.
 • La ciencia no escrita acerca de las diversas
culturas humanas, que se transmite de generación
en generación.
• Una vía de transmisión de situaciones históricas
de un determinado grupo social, que puede
mantenerse durante varias generaciones, a través
del arte, la literatura, la escultura y la música.
• Antiguo, en el sentido que arrastra o mantiene
vigente ideas y sucesos del pasado.
• Empírico, es decir, basado en las creencias y
vivencias y no en argumentos lógicos o
científicos.

La ópera:

Definición, significado y origen.

La ópera es una obra dramática y musical en la que los

actores se expresan mediante el canto, acompañados
por una orquesta que, a diferencia del oratorio, se
representa en un espacio teatral ante un público.
Existen varios géneros estrechamente relacionados
con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la
opereta.

La ópera es una de las manifestaciones artísticas más

completas que existen. Se desarrolla como una obra
de teatro, en la que la acción transcurre en los
recitativos (momentos en los que los cantantes narran
la historia) y en las arias los personajes expresan sus
sentimientos y pensamientos.

La poesía, música, canto y decoración en la ópera se

unen entre si tan íntimamente, que no puede
considerarse una sin que se consideren las otras. La
ópera es una imitación o representación teatral de una
acción, con la finalidad de deleitar no solo al ánimo,
sino también a la imaginación y al oído. La acción pude
ser vulgar y común como la Comedia, o ilustré y
grande como en la Tragedia.

Son muchos los elementos y las personas que dan

forma a una ópera: tiene que haber un compositor (que
crea la música), el libretista (a veces pude ser el
mismo compositor), los intérpretes (cantantes
protagonistas, cantantes acompañantes y la orquesta
con su director), y los que trabajan en la escenografía
y vestuario.

La ópera nació en los salones florentinos (Italia) a

finales del siglo XVI. En realidad, surgió por la
necesidad de convertir en espectáculo el tipo de arte
simplificado, ordenado y estrictamente definido que
ofrecían las artes plásticas.

El primer gran compositor operístico fue Claudio

Monteverdi, que sentó las bases de lo que serían las
futuras grandes óperas (los recitativos y las arias).
Esta actividad cultural tuvo destacados compositores
como Alessandro Scarlette, Jean Batiste Lully,
Wolfgang Mozart, Ludwig van Beethoven, Vincenzo
Bellini, Richard Strauss, Claude Debussy y el gran
Giuseppe Verdi, que, quizás, junto con Richard Wagner,
ha sido el compositor operístico más prestigioso de la
historia.

Características y grandes expositores de la ópera:

Según su registro vocal, es decir, las notas que puedan

alcanzar, los cantantes característicos de la ópera se
dividen, de más grave a más agudo, en:
 ▪ Contratenor, mezzosoprano y soprano en el
registro femenino, que cuenta además con
sopranos dramáticas, líricas o de coloratura.
▪ Barítono, bajo, tenor o contratenor en el caso de
los hombres.

Hay que tener en cuenta que, poco después de su

nacimiento, la popularidad de la ópera hizo que se
construyeran teatros específicos para este tipo de
espectáculo. La ópera se volvió así un evento accesible
para todos aquellos que pudieran pagar una entrada. Y
al mismo tiempo, necesitaba ser rentable. Para ello, los
empresarios teatrales buscaban cada vez mejores
cantantes, que se convirtieron en auténticos divos.

Si seleccionamos a los más famosos cantantes de la

historia de la ópera, nos quedaríamos con tres hombres
y tres mujeres. Farinelli (1705 -1782): un castratti que
llegaba a las voces de soprano, cuando a las mujeres no
se les permitía cantar sobre un escenario; Gilbert
Duprez (1806-1896) y Enrico Caruso (1873-1921).

E Isabella Colbran (1785-1845), Giuditta Pasta (1797-

1865) y María Callas (1923-1977), quien fue conocida no
solo por su talento sino también por su vida.

Sin duda, una de las características de la ópera más

importantes es su estructura. El esquema musical suele
ser el mismo: una parte instrumental precede a la
acción, y luego se suceden diferentes fragmentos
cantados que varían según las necesidades de los
personajes. Un esquema bastante común podría ser
este:
 ▪ Obertura: Con el telón todavía cerrado suena una
parte instrumental que resume el leit motiv
musical principal.
▪ Introducción: En el primer acto, intervienen varios
personajes que explican la situación de la que
parte la historia.
▪ Aria: Un solo cantante expresa el sentimiento
dominante en ese momento. Y en muchos casos se
convierte en una declaración de intenciones.
▪ Recitativo: Normalmente separa dos arias. La
música es más rápida y sin repeticiones, y los
personajes hacen que avance la acción.
▪ Cavatina: Es también un aria, pero se utiliza para
presentar a un nuevo personaje. A menudo, este
introduce un nuevo conflicto.
▪ Final: Al final de cada acto, un conjunto de voces
se une a la orquesta y celebran o lamentan el
desenlace de la historia.

Muchas de las características de una ópera existen

también en el teatro musical (las oberturas, el uso de
los solos para expresar las emociones de un personaje,
etc.). La realidad es que, con la llegada de las
vanguardias, la comedia musical sustituyó a la ópera en
el campo del entretenimiento. Algunos compositores,
como Leonard Bernstein compaginaron ambos tipos de
obra. Principio del formulario

Los compositores de ópera más importantes

Por la popularidad del género en su tiempo, los

compositores de ópera son numerosos, así que en este
artículo mencionaremos solo algunos de los
destacados.
Claudio Moteverdi (1567 – 1643, Italia)
Se le reconoce como el primer gran compositor de la
ópera. Es a él que se le adjudica la primera ópera de la
historia que aún se presenta: Orfeo, favola in
música. Su papel fue crucial en la distribución y el
éxito comercial del género.
Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687, Francia)
Se le considera el fundador de la tradición de “tragédie
en musique” (tragedia en la música) que combina el
canto con la danza y el espectáculo visual. A este
género se le reconoce como el más prestigioso de la
tradición francesa.
Alessandro Scarlette (1660 – 1725, Italia)
Se encargó del desarrollo del subgénero de la “ópera
seria”, que en contraste con la ópera bufa (ópera de
naturaleza cómica y satírica) se basa en mantener las
convenciones del drama y la elegancia. Se dice que
Scarlette afirmó en un momento haber compuesto más
de 100 óperas.
Christoph Willibald Gluck (1714 – 1878, Austria)
Se le atribuye la transición de las características de la
ópera del período barroco al cásico, sirviendo como
influencia luego para grandes compositores como
Mozart. Dentro de sus intenciones se encontraba
reformar las convenciones de ópera seria para
concentrarse en la simplicidad como un factor de
belleza.

La coreografía:

Coreografía (literalmente "escritura de la danza",

también llamada composición de la danza). De las
palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y
"γραφή" (escritura). Es el arte de crear estructuras en
las que suceden movimientos; el
término composición también puede referirse a
la navegación o conexión de estas estructuras de
movimientos. La estructura de movimientos resultante
también puede ser considerada como la coreografía.
Las personas que crean la coreografía son
llamados coreógrafos.
Los elementos (movimientos) y características
específicas de una danza, se utilizan para elaborar una
coreografía, y a partir de ellos pueden inventarse
nuevos movimientos para crear nuevas coreografías.
La coreografía también es utilizada en situaciones
especiales, como en la cinematografía,
el teatro, musicales, conciertos, performances,
eventos y presentaciones artísticas.
Elementos:
La danza se compone de diversos elementos básicos
que se interrelacionan, logrando transmitir emociones
al público y para el mismo bailarín.

• Movimiento corporal
• Ritmo
• Expresión corporal
• Expresión facial
• Espacio
• Estilo

Pasos para hacer una coreografía:

Elige el estilo de baile: Lo primero que debes hacer es

elegir qué estilo de baile utilizarás en tu coreografía.
No hace falta decir que debes elegir un estilo de baile
que ya domines entre las muchas posibilidades
disponibles:

• Bailes de salón: vals, tango, rock and roll, cha cha

cha.
 • Bailes latinos: salsa cubana, samba, rumba.
• Jazz moderno. Etc.

Elige la música: este paso tan fundamental

determinará el resto de tu creación. La música que
elijas debe decirte algo, tener un significado para ti
o transmitirte algún tipo de emoción. No debes elegir
la primera que veas ya que puede que no te salga bien
crear lo que quieres expresar.

Por supuesto, es más fácil elegir una música según el

estilo de baile que quieras coreografiar. La música hip-
hop está asociada con la danza, al igual que la música
oriental o la música africana.

Analiza la música de tu coreografía: Antes de pasar

al trabajo coreográfico, será necesario estudiar bien la
música. Escúchala varias veces para que puedas
interiorizarla. Tienes que aprenderte la música de
memoria para saber exactamente qué viene después
de cada golpe, por ejemplo.

Aprecia qué emoción te inspira: ligereza, tristeza,

alegría, nostalgia, enojo, falta... Si tiene letra...
¿cuenta una historia que te toque personalmente?
Ponles palabras a tus sentimientos para traducir con
éxito la emoción que sientes a través de gestos y
movimientos coreográficos.

Analiza la estructura de la canción en profundidad. La

música pop-rock, por ejemplo, casi siempre se
compone de la misma manera. Así es como deberían
verse sus notas de estructura:

• Introducción: 2 x 8 tiempos.
• Estrofa 1: 4 x 8 tiempos.
• Estribillo: 2 x 8 tiempos.
 • Estrofa 2: 4 x 8 tiempos.
• Estribillo: 2 x 8 tiempos.
• Puente/transición: 3 x 8 tiempos.
• Estribillo x 2: 4 x 8 tiempos.
• Final: 1 x 8 tiempos.

La improvisación a la hora de coreografiar:

¡Ha llegado la hora de pasar a la fase de coreografía!

En tus clases de baile de Street jazz, ragga o danza
africana, tu profesor de baile puede pedirte que
improvises.

En la danza oriental, es bastante frecuente. Hay que

ponerse en un círculo al principio o al final de la clase
y cada alumno se queda en el centro del círculo
durante unos segundos para improvisar con la música.

Si nunca has improvisado, ha llegado el momento de

empezar. La improvisación libera emociones, sin
pensar demasiado en la técnica. Por supuesto, es
necesario ejecutar pasos de baile y ejecutarlos al
ritmo de la música, pero también no bloquearse con
algo demasiado coreografiado.

Secuencias de principio a fin:

Inevitablemente te quedarán espacios vacíos en los

que no sabrás qué hacer, en los que no tienes
inspiración. No te preocupes por eso aún.

Concéntrate en las secuencias que ya tienes y refina

las partes que quieras conservar. Perfecciona los
movimientos: no dudes en grabarte para ver lo que
tienes al poner todas las secuencias de principio a fin.

«Completa» los huecos de tu coreografía:

Al repetir la coreografía varias veces,
podrás improvisar en las partes que te falten para
encontrar poco a poco cómo «rellenar» estos
espacios.

Si no los rellenas, échales un vistazo a los vídeos para

ver si hay movimientos que puedas adaptar, tal vez
incluso colocándolos en otro lugar.

Graba una y otra vez tu improvisación hasta que

encuentres los movimientos que peguen con tu
música, que te digan algo y que te permita hacer una
buena transición entre dos partes coreografiadas.

Características:

Ritmo: en un sentido general, el ritmo es un flujo de

movimiento controlado o medido, sonoro o visual,
generalmente producido por una ordenación de
elementos diferentes del medio en cuestión.

Expresión corporal: la expresión corporal o lenguaje

del cuerpo es una de las formas básicas para la
comunicación humana; ya que muchas personas lo
utilizan para el aprendizaje.

Movimiento: en mecánica, el movimiento es un

fenómeno físico que se define como todo cambio de
posición en el espacio que experimentan los cuerpos
de un sistema con respecto a ellos mismos o a otro
cuerpo que se toma como referencia.

Planigrafia: consiste en plasmar los movimientos de

los artistas en un papel, la planigrafia normalmente la
hace el coreógrafo, ya que este con material puede
dirigir a un grupo grande de personas en el escenario.
Representación: consiste en representar un baile e
inspirarse en él.

Tipos:

▪ Coreografía monologa.
▪ Coreografía grupal.
▪ Coreografía expresiva.
▪ Coreografía distributiva.
▪ Coreografía principal.
▪ Coreografía folclórica.
▪ Coreografía histórica.
▪ Coreografía simétrica.
▪ Coreografía asimétrica.
▪ Coreografía del espacio parcial.

Creador:

Pierre Beauchamp: Fue nombrado director de la

«Académie Róllale de Dance» en 1671 (aunque no era
un miembro fundador de la Academia como con
frecuencia se afirma). Fue el coreógrafo principal de la
compañía de Molière (la «Troupe du Roy») durante
1664-73; además fue maestro de ballet en la
«Académie Róllale de Musiqué» y «Compositor des
Ballets du Roí». En estos puestos fue muy influyente y
una de las más grandes figuras de la «belle dance»
francesa del siglo XVII, la danza barroca.

Importancia:

A la hora de pensar en el baile y la danza hay que tener

en cuenta un elemento muy importante, la coreografía,
la escritura de la danza. ... En cualquier caso, este
elemento básico es el que nos va a permitir desarrollar
unos bailes con un sentido concreto.
La danza:

Concepto y definición:

La danza es un arte que se basa en la expresión

corporal, generalmente acompañada de música. Es
una de las formas de expresión más ancestrales
del ser humano que puede tener fines artísticos, de
entretenimiento o religiosos.

Es también llamada “el lenguaje del cuerpo” y se vale

de una secuencia de movimientos corporales que
acompañan de manera rítmica a la música. También es
entendida como una expresión de emociones, ya que,
en algunos casos, a través de los movimientos se
persigue la intención de comunicar los sentimientos.

Existen muchas danzas alrededor del mundo y en las

diferentes culturas, cada una de ellas tiene sus
propias reglas y pasos que deben ser respetados para
su ejecución y requieren del entrenamiento y de la
cualidad particular de cada bailarín. Además, cada
danza se caracteriza por tener su propia vestimenta.

Origen de la danza:

Se encontraron registros pictóricos de la danza en

todas las épocas y en los distintos continentes, si bien
a través del curso del tiempo se fue modificando su
forma, su sentido y significado.

En la prehistoria se bailaba al compás de

los sonidos de la naturaleza, que más tarde fueron
acompañados por las palmas, el choque de los pies o
de bastones, que luego se vieron evolucionados en
instrumentos musicales. Por último, se incorporó la
voz. Estas danzas primitivas eran pasionales y
espontáneas, buscaban expresar sentimientos y
estados de ánimo.

Las grandes civilizaciones de la antigüedad,

como Roma, Egipto y Grecia, utilizaron la danza en
rituales: defunciones, bodas, recibimientos, danzas a
las divinidades, entre otros.

Características de la danza:

Existen ciertas características que identifican a los

diversos tipos de danzas. Algunas son:

• Coreografía. Implica unir diferentes movimientos

corporales para formar un baile que puede ser
ejecutado por uno o varios bailarines y suele ser
creado por un coreógrafo. Algunas danzas tienen
pasos preestablecidos y otras permiten la
improvisación y creación de nuevos pasos.
• Vestimenta. Implica el uso de un vestuario
especial que es utilizado por los bailarines a la
hora de ejecutar la danza. La ropa y accesorios
que se usan varían según el tipo de baile, muchas
danzas son representadas con sus trajes típicos,
algunos solamente se usan para la representación
frente a un público.
• Entrenamiento. Implica el estudio y la práctica de
cada danza, el entrenamiento es una pieza
fundamental para lograr una mejor ejecución de
las piezas.
• Interpretación. Implica las particularidades que
aporta cada bailarín al bailar, aunque la
coreografía sea la misma, cada individuo la
interpretará con sus matices y estilos propios.

Tipos de danzas:
Existen muchos tipos y géneros de danzas,
generalmente se clasifican en:

• Las danzas populares o folclóricas. Son las que se

basan en la transmisión de la cultura tradicional
de un lugar. Expresan los valores de una cultura y
las características de su ambiente: el clima,
la fauna y la flora. Algunos ejemplos son: el
flamenco, el tango, la danza árabe o los bailes de
salón.
• Las danzas clásicas. Son una herencia de tiempos
antiguos, principalmente del periodo clásico de la
antigüedad medieval, pero que sufrieron cambios
a través del tiempo hasta llegar a nuestros días.
Estas danzas se identifican porque quienes
ejecutan los movimientos lo hacen teniendo en
cuenta pasos armoniosos y coordinados. Por
ejemplo: la danza Ballet.
• Las danzas modernas. Son aquellas que reflejan
una identidad social que se manifiesta en los
movimientos o el vestir. Por ejemplo: el looping, el
Funky, el break dance, el jumpstyle, el hip hop o
el rock and roll.

El Ballet.

El Ballet es una danza clásica cuya representación se

desarrolla de manera grupal sobre un escenario. El
concepto, de origen francés de acuerdo con lo
indicado en el diccionario de la Real Academia
Española (RAE), también se utiliza para nombrar a
la compañía de bailarines y a la música compuesta
para este tipo de baile. El Ballet es una danza
clásica cuya representación se desarrolla de manera
grupal sobre un escenario.
En su formato clásico, el Ballet exige al bailarín
el dominio completo de su cuerpo. Por eso los
expertos sugieren que los potenciales bailarines
aprendan Ballet a temprana edad (desde los seis años)
debido a que, de lo contrario, les resultará muy difícil
llegar a controlar sus movimientos con el nivel de
precisión que exige esta danza.
El Ballet es una danza
clásica cuya representación se
desarrolla de manera grupal
sobre un escenario.
Por eso los expertos sugieren
que los potenciales bailarines
aprendan Ballet a temprana edad (desde los seis años)
debido a que, de lo contrario, les resultará muy difícil
llegar a controlar sus movimientos con el nivel de
precisión que exige esta danza.
Por el esfuerzo que requiere el perfeccionamiento y la
capacidad de concentración que se necesita para la
ejecución de los pasos, es habitual que el Ballet se
considere como una forma de vida para quienes lo
practican. El desafío es conseguir que, sobre el
escenario, todos los músculos y las partes del cuerpo
se muevan en absoluta armonía, algo que requiere de
mucho ensayo y entrenamiento.
Las bailarinas de Ballet, por ejemplo, deben ser
capaces de desplazarse apoyándose sobre las puntas
de los dedos de sus pies. Para esto cuentan con
zapatos especiales, aunque lo esencial es que
desarrollen una enorme fuerza en los músculos de la
pantorrilla y de los pies.
Uno de los beneficios del Ballet es el
profundo desarrollo de toda la musculatura del cuerpo,
además de la potenciación de la conciencia temporal y
espacial que se desprende de los años de
entrenamiento. Los bailarines son personas
especialmente esbeltas y sus movimientos suelen ser
muy coordinados, incluso mientras realizan
actividades cotidianas. Además, la flexibilidad que se
obtiene de la práctica no se pierde en la adultez.
Origen del Ballet:
El Ballet es el más formal de los estilos de movimiento
clásico que conocemos y adhiere a la técnica
académica tradicional.

Existen diversas opiniones en relación con su origen y

procedencia.

Según las fuentes convencionales el Ballet nace en el

marco del periodo renacentista en Europa, más
precisamente en Italia.

Luego de años de desarrollo es llevado a Francia de

Catherine de Medici y se instala en las cortes del siglo
XVI que hasta ese entonces estaban representadas
por aristócratas sin estudio ni formación en la técnica
de Ballet.

En el siglo XVII comienza a crecer la popularidad del

Ballet y se convierte en un arte profesional gracias a la
formación técnica de los bailarines de ese entonces.
Precisamente en 1661 nace la primera escuela de
Ballet llamada Académie Royale de Danse.

Como característica principal sus bailarines

demostraban una extrema precisión en la ejecución de
los pasos. El objetivo de esta academia fue potenciar
la calidad en la formación de los intérpretes y crear
una técnica que pudiera ser bailada por futuros
especialistas

Con el tiempo se inclinó el Ballet hacia una disciplina

formal de carácter profesional.

Alrededor del 1700 termino de publicarse la totalidad

de los pasos cifrados y es precisamente en ese
momento que nace el primer sistema de notación
sobre las figuras de la técnica clásica.

Paulatinamente las presentaciones de Ballet

comenzaron a incorporar pasos y movimientos
acrobáticos que solo se podían ser interpretados por
artistas con mucho estudio y formación.

Características del Ballet:

Las mujeres desarrollan su técnica sobre las puntas de

Ballet y los hombres con zapatillas medias puntas.

La diferencia de altura que consiguen las bailarinas al

subir al extremo de la punta marca una
notable diferencia en el trabajo diario y la consecuente
ejecución de la técnica clásica.

Hombres y mujeres bailan los mismos pasos, pero los

estudian y aplican en su anatomía de manera distinta.

Tipos:
El Ballet posee manifestaciones escénicas que se
adaptan a períodos y momentos históricos dentro del
arte mundial.

Ballet romántico. En esta etapa el Ballet expresa

argumentos románticos de amores no correspondidos.
La figura de la mujer se sitúa en el centro de la
atención mientras los bailarines influenciados por el
romanticismo acérrimo la depositan en un lugar
idealizado.

Como figuras destacadas de la coreografía dentro de

esta etapa del Ballet podemos nombrar a Bournonville
y Filippo Taglioni. Marie Taglioni y Jules
Perrot son emblemas de la danza clásica en su
expresión romántica.

Ballet clásico. En este período, el Ballet expresa como

en ninguna otra etapa la intención de definir su
movimiento de manera perfeccionista.

Es la etapa en que se define la estructura clásica de

un Ballet. Por lo general compuesto por 3 etapas;

• Pas de deux o adagio.

• Variaciones y grupales del cuerpo de baile.
• Pas de deux final o coda.

También se define una estética para la indumentaria

femenina en escena dando lugar a vestidos de hadas y
tutus de Ballet.

Marius Petipa y Lev Ivanov destacan como

coreógrafos de esta época.

▪ Ballet neoclásico. En este período el Ballet rompe

esquemas corporales y comienza a suavizar la
 definición del movimiento propia de la etapa
clásica.

El torso comienza a ablandarse generando

curvas y la estructura de los pasos es menos
rígida.
A su vez, la dramaturgia da lugar a
representaciones simbólicas o abstractas y la
danza ya no tiene la necesidad de contar una
historia.
Aquí también el cuerpo expresa emociones y
sentimientos.

▪ Ballet Ruso. Si bien el inicio de la difusión del

Ballet ruso se produjo gracias, Pedro el Grande, la
popularidad de esta escuela fue gracias al
empresario Serguei Diaguiley.
▪ Serguei se encargó de promocionar las
maravillosas bailarinas rusas y el talento
gigantesco de Nijinsky. Fue a partir de 1909 que
“les Ballet rusos” se dan a conocer al mundo.
▪ Ballet de acción o de carácter. El Ballet de acción
o Ballet de pantomima fue creado por el francés
Jean-Georges Novare en el siglo XVIII.
▪ El objetivo de este espectáculo es narrar por
medio del lenguaje de la danza una historia corta.
▪ Posteriormente fue desplazado por la aparición e
imposición del Ballet romántico.
▪ Ballet Italiano. El renacimiento irrumpe en el
mundo para deshacer y transformar antiguas
tradiciones adoptadas en la edad media.
▪ El mundo del Ballet y la danza clásica no son la
excepción y las transformaciones no tardan en
llegar. Tal y como lo plantea este período
 histórico, el hombre es el centro de atención y su
figura se realza divinizando la existencia humana.
▪ Desde este punto de vista, el Ballet orienta la
atención hacia el virtuosismo y estética corporal.
▪ El primer coreógrafo renacentista del que se tiene
noticias es Doménico Da Piacenza
▪ Ballet Frances. Es en Francia donde surge la
necesidad de organizar y profesionalizar el Ballet.
De la mano de Jean Philippe Rameau se
perfeccionan todas las técnicas de ese entonces
y en 1661 crea la Académie Royale del
dance dando lugar a la actual escuela francesa.

▪ Ballet Estadounidense. Con la influencia

de bailarines, coreógrafos y docentes a lo largo
del siglo XX se desarrolla un sólido repertorio
basado en innovaciones y creaciones nacionales.
▪ El aporte de bailarines y coreógrafos como George
Balanchine, o Mijaíl Barýshnikov han
aportado grandes y sólidas raíces para definir el
estilo propio de la escuela americana.

Entre otros…

El cine.

El cine, mejor conocido como la cinematografía, es

una técnica y un arte que consiste en la captura,
montaje y proyección de fotogramas de manera rápida
y sucesiva. El resultado es la ilusión de una imagen en
movimiento.

El cine emplea la tecnología fotográfica para crear la

sensación del movimiento. Las grabaciones de audio
que suelen acompañar estas imágenes ayudan a
construir una experiencia estética o informativa
audiovisual. Además de la ficción, puede emplearse
también para la filmación de documentales o incluso
para el periodismo audiovisual.

Dada su capacidad de narrar historias empleando

ilusiones y efectos especiales, el cine es considerado
una de las bellas artes: el séptimo arte. Por otro lado,
a veces se lo considera como un punto de encuentro
de las artes: la fotografía (cámara),
la escritura literaria (guion), la música, etc.

En la realización de las obras cinematográficas

interviene un grupo importante de personas,
encargadas de diferentes tareas como:

• Dirección
• Producción
• Guionaje
• Edición
• Manejo de cámara
• Grabación de sonido y muchos más.

Por eso, el cine ha devenido hoy en día un asunto

masivo. Aunque existen proyectos que se llevan a
cabo con fondos limitados, habitualmente cada uno
requiere grandes inversiones por parte de los centros
cinematográficos como Hollywood en EE. UU. o
Bollywood en India.

Origen y creador:

Con la instauración de las ciudades como eje de

las sociedades, surgió un público y una cultura de
masas.
Además de este contexto social, la ciencia estaba
experimentando con nuevos materiales a través de las
nuevas ramas de la química moderna.

Entre los avances tecnológicos que propiciaron el

invento del cine están las invenciones derivadas de
la electricidad.

Además, fueron indispensables las experiencias

previas en la captura fotográfica, como los
daguerrotipos y las primeras fotografías.

El propio Thomas Alva Edison estuvo a punto de

patentar el cine, cuando en su laboratorio William
Dickson inventó el kinescopio. Este artefacto fue
precursor de los primeros proyectores y sirvió de base
a los inventores del cine.

Los hijos del fotógrafo francés Antoine Lumière,

conocidos como los hermanos Lumière, inventaron el
primer proyector cinematográfico a finales del siglo
XIX. La primera presentación formal del cine en la
historia tuvo lugar el 28 de diciembre de 1895 en París.

Todas las primeras cintas cinematográficas eran

tomas documentales. Por ejemplo, puede observarse
un bebé almorzando, obreros derribando una pared, un
tren arribando a la estación, entre otras.

Historia:

Luego de las primeras experiencias de los hermanos

Lumière, el cine durante años fue considerado una
atracción de feria. En ese contexto, el ilusionista
Georges Méliès exploró las posibilidades del invento a
través de pequeños relatos ficcionales en los que
ponía en práctica rudimentarios efectos especiales.
El atractivo que la ficción causaba en el público
motivó que a principios del siglo XX surgieran diversos
estudios fílmicos en Europa y Estados Unidos. En
aquella época sólo se podían capturar imágenes en
blanco y negro y sin sonido. Por eso, las proyecciones
se acompañaban de música en vivo o comentarios.

El primero en intentar acoplar el fonógrafo con las

proyecciones de cine fue Charles Pathé. Aunque no
tuvo mucho éxito en ello, logró fundar la primera
compañía que integró las tres ramas de la industria
cinematográfica: producción, distribución y exhibición.
La célebre Pathé Frères (“Hermanos Pathé”).

El éxito del cine como entretenimiento masivo fue

inmenso, y pronto surgieron los grandes estudios
fílmicos del siglo XX. Entre ellos se encuentran
empresas de Hollywood que aún existen como Fox,
Paramount, Universal. Entre productoras
norteamericanas y europeas se disputaban
el mercado mundial del cine.

En ese período, aún mudo, se filmaron dos películas

consideradas pioneras del lenguaje
cinematográfico: El nacimiento de una nación de David
W. Griffith (1915) y El acorazado Potemkin de Serguéi
Eisenstein (1925).

El cine a colores surgió en 1916, con la aparición de

Technicolor, una tecnología tricromática a partir de
rojo, verde y azul. En 1935 La feria de las vanidades de
Rubén Mamoulian fue el primer largometraje en color
en proyectarse.

Luego de una serie de experiencias más o menos

exitosas que se venían produciendo desde inicios del
siglo, en 1923 el ingeniero Lee De Forest, resolvió los
inconvenientes de sincronización y amplificación del
sonido. Así, patentó el cine sonoro como Phonofilm.

Géneros:

Con el desarrollo de la ficción

cinematográfica, algunas películas mostraron
similitudes argumentales o formales. Esto permitió
agruparlas en diferentes géneros. La lista de géneros
posibles es demasiado extensa para intentar hacer
una lista, pero algunos de los más comunes
actualmente son:

• Cine documental. Aquel que no emplea la ficción,

sino que aspira a mostrar eventos reales del
mundo, como un reportaje.
• Cine animado. Sus imágenes no son captura de un
movimiento real, sino cuadros dibujados y
reproducidos según el mismo sistema del cine,
dando así “vida” a personajes de caricatura.
• Cine de terror. En general son obras de ficción que
utilizan efectos especiales para simular escenas
perturbadoras, impresionantes o atemorizantes.
• Comedia romántica. Un género centrado en las
relaciones interpersonales y amorosas, que suele
culminar con la realización de la pareja y con
finales felices.

Elementos:

Una obra cinematográfica consiste en:

• Actores. Quienes interpretan a los personajes.

• Locaciones. Las ubicaciones en las que se graba
el material.
 • Efectos especiales. Artificios e intervenciones
para simular un evento o un suceso que no ocurre
realmente durante la filmación.
• Diálogos. Las conversaciones entre los personajes
que presenciamos.
• Acciones. Los eventos que ocurren dentro de la
trama del filme.

Importancia:

El cine es una de las más importantes formas de arte

contemporánea, debido a su enorme difusión. Un
número variable pero abundante de espectadores
pueden disfrutar simultáneamente del relato
cinematográfico.

Junto con la literatura, es una de las principales

formas en que se difunden historias de ficción.
Además, permite compartir registros de realidades
lejanas, opiniones, visiones de mundo, biografías y
otros tipos de relatos.

Características:

Arte. - El cine se convirtió en una forma de expresión

que fue dominada plenamente por el régimen artístico,
y debido a ello el cine se convirtió en el séptimo arte.

Difusión. - El cine se convirtió en un medio de difusión

más preciso que el texto y la radio, pues no se
requiere de mucho esfuerzo en aceptar la información
transmitida.

Fantasía. - El cine expresa básicamente guiones

fundamentados en ideas falsas, pero en algunas
ocasiones se hacen filmaciones históricas y verídicas.
Propaganda. - El cine se convirtió en un medio de
propaganda que podía convencer a grandes cantidades
de personas para seguir una idea o filosofía específica.

Evolución. - El cine también ha tenido un efecto

evolutivo, pues éste ha evolucionado a la par, pero
sólo en términos artísticos y tecnológicos, al hombre,
acompañando al hombre durante las actividades y
movimientos del siglo XX y ahora del XXI.

Géneros. - El cine tiene múltiples géneros que se han

producido por las divisiones y subdivisiones realizadas
por los industriales del cine, géneros como los
siguientes:

1. Acción
2. Animación
3. Artes marciales
4. Aventura
5. Bélico
6. Biográfica
7. Ciencia Ficción
8. Cine negro
9. Comedia
10. Cortometrajes
11. Deporte
12. Drama
13. Documentales
14. Fantástico
15. Infantil
16. Intriga
17. Musical
18. Religioso
19. Romance
20. Terror
21. Thriller
 22. Western
23. XXX (Propia de adultos) etc.

Industria. - El cine se convirtió en un régimen de índole

industrial, pues existen grandes consorcios que se
dedican a la producción en gran escala y con gran
calidad. En la industria del cine, existe una maquinaria
logística que permite crear filmaciones de todos los
temas y géneros, convirtiéndolo en un medio
cosmopolita y plural.

Información. - Se puede considerar al cine como una

herramienta idónea para difundir información, incluso
en tiempos de la segunda guerra mundial donde los
soldados fueron aleccionados por medio de
filmaciones que les indicaban el manejo de los
aviones, tanques y armamento; esto se repitió en
tiempos de la guerra de Corea en estados unidos e
igualmente en la guerra de Vietnam. Esto se debe a
que el cine no exige demasiada concentración para
que la información sea asimilada por la persona.

Tecnología. - La tecnología en el cine no abarca

solamente al celuloide el cine ha impulsado la
tecnología del maquillaje, la de decoración,
iluminación, así como muchos otros aspectos.