Movimientos Culturales: 1870-1914

El Simbolismo:

Es un movimiento artístico y poético de finales del siglo XIX. En sus comienzos fue una
reacción literaria contra el Realismo y el Naturalismo donde se presenta más una
exaltación de la espiritualidad, la imaginación y los sueños.
Abrazan la estética del “arte por el arte” en el plano social, buscan la belleza estática a
través de una poesía descriptiva inspirada en la mitología griega. Según ellos:
“En el mundo no existe el caos, existe un orden sobre el cual, todas las cosas
concretas son solo símbolos de un mundo abstracto”.

Sus principales representantes serán Charles Baudelaire (a quien se llama padre de la

poesía moderna), Mallarmé, Rimbaud y Verlaine. El texto de Baudelaire, “Las flores del
mal”, es el libro emblema del movimiento. El mismo fue prohibido por atentar contra la
moral y las buenas costumbres al retratar el uso de drogas, la sexualidad. Se inclinaban
contra: la tradición, la moral burguesa y la cultura europea. Se los conocía también como
“Poetas malditos” porque publicaban sus poesías en una revista del mismo nombre. “Las
Flores del Mal” abre el camino al Simbolismo y demuestra que la poesía puede existir más
allá de los rígidos preceptos de la retórica tradicional.
Esta poesía y la prosa libre, busca vestir la idea de una forma sensible con intenciones
metafísicas. Trata de utilizar el lenguaje como un instrumento cognoscitivo en el que se
persigue la música de las palabras. Presenta el efecto de la evocación basada en las
imágenes, sin nombrar pero sugiriendo. Despiertan la intuición del lector y buscan evocar
impresiones más que ideas.
Este movimiento no se desarrolló fuertemente en el Teatro y en la narrativa pero en
algunas obras de Oscar Wilde, como en “El retrato de dorian Grey” y en “Salomé” se
pueden rastrear su influencia.

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Artes Plásticas – Simbolismo:

Se desarrolló en la década de 1880 y surgió como reacción al enfoque realista implícito

en el impresionismo, como al realismo. Estos artistas disgustados por la incapacidad de la
sociedad para resolver sus problemas socio-políticos y morales se vuelcan a la búsqueda
de nuevos valores basados en la espiritualidad. Tratan de crear una pintura no
suspendida en la realidad del momento, en la vida diaria, en la actividad industrial. Es
decir, reflejan una decepción frente al positivismo y al cientificismo imperante y van
descubriendo una realidad que va más allá de lo empírico. Defienden no pintar el objeto
en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la
contemplación.
Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la
experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad
de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el
misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible
y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de
comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de
mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia
el mundo de las sombras. La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la
existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista
reivindicando la búsqueda interior.
Cultivan el subjetivismo, el antirracionalismo y aflora el interés por el cristianismo y las
tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la
mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo
del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o
de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.
Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van
más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al
símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el
sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética,
subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau,
Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

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El Art Nouveau:

El Art Nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y
se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la
arquitectura y en el diseño. Se puede afirmar que es un estilo decorativo desarrollado
durante la “Belle Epoque” en Europa y Estados Unidos.
Toma su nombre a raíz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina “La
maison del Art Nouevau”. La fama de su galería se incrementó en la Exposición Universal
de 1900, donde presentó coordinada - en el diseño y el color - instalaciones de mobiliario
moderno, tapices y objetos de arte. Estas opiniones decorativas se hicieron tan
fuertemente asociados con el Art Nouveau que el nombre de su galería presentó
posteriormente un término común usado para el estilo.
Pero también se conoce con distintos nombres según los países: Modernismo en España,
Jugendstil en Alemania, Secesión en Austria, Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia y
Estilo modernista en Cataluña.
Se caracteriza porque recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas.
Generalmente los motivos eran florales, hojas y la figura femenina. La perspectiva plana y
colores fuertes de los grabados japoneses en taco de madera, tuvieron un fuerte efecto en
la formulación de Art Nouveau. El “japonismo” que era popular en Europa durante 1880 y
1890 fue particularmente influyente en muchos artistas, con sus formas orgánicas y las
referencias al mundo natural. De acuerdo con la filosofía de estilo, el arte debe ser una
forma de vida. Para muchos europeos, era posible vivir en casas inspirados en Art
Nouveau, con muebles, cubiertos, vajilla, cerámicas joyas y cigarrillos y sobre todo en la
litografía. Los artistas querían combinar las artes plásticas y las artes aplicadas, incluso
también en los objetos utilitarios. En general se adapta a las circunstancias de la vida
moderna, por lo que se halla íntimamente ligado a la producción industrial.

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Características Generales del Art Noveau:

- Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

- Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de
estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo...) en
busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
- Utiliza técnicas que son propias de la reproducción mecánica: xilografía, el
cartelismo, la impresión.
- Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a
una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la
figuración para centrarse en el adorno, muy cerca del diseño industrial.

- Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del
Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y
Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura,
ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos
hechos que aparecen en la década de 1890.

Arquitectura

En la arquitectura, las hipérbolas y parábolas en las ventanas, arcos y puertas son

comunes, con molduras decorativas 'crecer' en formas de origen vegetal. Como la
mayoría de estilos de diseño, de estilo Art Nouveau trató de armonizar sus formas. Como
ejemplo clásico se encuentra en la entrada del metro de París que presenta estas
cualidades en las estructuras de hierro. El Art Nouveau en la arquitectura y el diseño
interior evita los estilos del renacimiento ecléctico del siglo 19. Aunque algunos los
diseñadores modernistas incorporaron elementos más abstractos de estilo rococó y
defendieron el uso de las formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración,
ampliando el repertorio "natural", para usar las algas, la hierba y los insectos. La
arquitectura Art Nouveau hizo uso de grandes innovaciones tecnológicas de finales del
siglo XIX, sobre todo el uso del hierro y grandes piezas de vidrio que se incorporan a la
obra. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, sin embargo, la naturaleza estilizada de
diseño Art Nouveau - que era caro para producir - comenzó a ser abandonado en favor de
un modernismo más ágil y rectilíneo, que era más barato y más fiel a la industria de la
estética más simple que se convirtió en Art Deco.

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Arts and Crafts (Artes y Oficios)

El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX en Inglaterra
como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado a lo largo de
esa centuria; el llamado estilo victoriano.
Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace
de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal
gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progreso industrial
comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a
los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las
funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó “Arts and
Crafts”, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y
de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y
bello.
Primeras propuestas:
Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos o
satisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las reacciones al
recargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la década de 1840. A este
respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Journal of Design and
Manufactures desde 1847.

Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, “Las siete lámparas de la
arquitectura” y “Las piedras de Venecia”, obras fundamentales de la crítica de arte del
siglo XIX, donde analiza la importancia religiosa, moral, económica y política de la
arquitectura doméstica. Se rebela contra el entumecimiento estético y los perniciosos
efectos sociales de la Revolución Industrial.

El Arts & Crafts se asocia con la figura de William Morris; fue el creador de este
movimiento, lenguaje o estilo. Él acuñó el término y fue el miembro de los prerrafaelitas
más interesado en la manualidad, en el retomar el modo de hacer de la edad media,
huyendo de la revolución industrial. Fue artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta,
activista político, es decir un hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de
artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.

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El movimiento revalorizó los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser
humano sobre la máquina. Su filosofía se presentaba como un utilizar la tecnología
industrial al servicio del hombre, pero potenciando la creatividad y el arte frente a la
producción en serie. En lo expresivo se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y
asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.
En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron
tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de
toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes
editoriales comerciales durante varias décadas.

Principios del Arts & Crafts

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos,
éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacando lo más importante:

● Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos

útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
● Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la
obra que realiza, fragmentado sus tareas.
● Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el
neogótico) como en las artes aplicadas.
● Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una
idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
● Propuesta de agrupación de los artesanos en talleres, siguiendo el modelo
medieval de trabajo colectivo.
● Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y
para el cliente.