Cinematografía

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La cinematografía (del griego: kíνημα kínēma 'movimiento' y γράφειν gráphein
'escritura') consiste en la creación de secuencias de imágenes que simulan
movimiento. Puede englobar tanto el formato en película, como en secuencia de
imágenes digitales, normalmente producidas con una cámara de vídeo. Se encuentra
estrechamente relacionada con la fotografía que presenta imágenes fijas, sin que
suponga una sub-categoría de ella, sino una destreza que el cinematógrafo utiliza
en adición de otras técnicas físicas, organizativas, directivas, interpretativas y
manipuladoras de la imagen para efectuar un proceso coherente. En el momento del
rodaje, mientras la cámara y los elementos de la escena se encuentran en
movimiento, surgen numerosas posibilidades de creatividad, así como también
aparecen dificultades de carácter técnico.

Puede decirse que la cinematografía es una forma de art du spectacle,

corrientemente designada como «séptimo arte», según la expresión utilizada por el
crítico de cine Ricciotto Canudo en la década de los años 20 y el periodista
francés Georges Sadoul, « Histoire du cinéma mondial, des origines à nos jours ».
González Víctor Raúl ofrece la siguiente definición de cinematografía: "Consiste en
plasmar una percepción de imágenes en movimiento con o sin sonido, tal vez
distorsionada en la mayoría de las realizaciones cinematográficas, pero con un
sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de la
realidad, la historia, el concepto de futuro y de la ficción."

Índice
1 Historia
2 Aspectos
2.1 Sensor de la imagen y cinematografía
2.2 Filtros
2.3 Lente
2.4 La profundidad de campo y el enfoque
2.5 Relación de aspecto y el encuadre
2.6 Iluminación
2.7 Movimientos de cámara
3 Efectos especiales
3.1 Doble exposición
3.2 Velocidad de fotogramas
3.3 Otras técnicas especiales
4 Personal
5 Géneros cinematográficos
6 El negocio del cine
7 Evolución de la tecnología: nuevas definiciones
8 Festivales de cine
9 Los premios Óscar
10 Véase también
11 Referencias
12 Bibliografía
13 Enlaces externos
Historia
Artículo principal: Historia del cine
La cinematografía ha sido siempre una forma de arte única para las películas de
cualquier género. Aunque la exposición de imágenes en elementos de luz sensible se
remonta a la temprana era del siglo XX, las películas demandaban una nueva forma de
fotografía e innovaciones técnicas estéticas.

En los inicios del largometraje, el cinematógrafo ejercía al mismo tiempo el papel

de director y camarógrafo. Con el tiempo el arte y la tecnología evolucionaron, en
consecuencia apareció una separación entre el director y el operador de cámara. Más
adelante, con la llegada de la luz artificial, mayor rapidez en las películas (más
sensibles a la luz) y avances tecnológicos como las películas en color y las
panorámicas, provocaron que la producción de películas especialmente en algunos
aspectos técnicos necesitaran de la participación de personal cada vez más
especializado. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo, –no había
sonido aparte de la música de fondo ni diálogo– en ese momento lo fundamental de
las películas era la iluminación y la actuación.

Cinematógrafo, máquina de los hermanos Lumière.

La historia del cine empezó el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière
proyectaron públicamente con el cinematógrafo la salida de obreros de una fábrica
francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco
saliendo del puerto.1El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia,
sino también en toda Europa y América del Norte. Aunque Thomas Edison ya había
grabado numerosas escenas que el espectador podía ver a través de un kinetoscopio.
En un año, los hermanos Lumière crearon más de diez películas marcadas por la
ausencia de actores, los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y
la posición fija de la cámara.

No obstante, Alice Guy fue la primera persona en ser realizadora de una película,
fundadora del cine narrativo y de la narración cultural superando el cine de
demostración de los hermanos Lumière y sentando las bases de lo que en el futuro se
ha considerado ficción. También fue la primera persona que logró mantenerse
económicamente a través de esta profesión. Su primera película -y por tanto, la
primera película de la historia del cine- fue El hada de los repollos (La Fée aux
Choux, 1896). Realizó muchas más películas, entre ellas Sage-femme de première
classe (1902) y La Esméralda (1905).

Tras el éxito de Guy, Georges Méliès decidió introducirse en esta profesión.

Realizó películas con historias y decorados fantásticos como "Fausto" y "Barba
Azul" (1901), desarrolló las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje
a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la técnica
teatral ante la cámara, creando los primeros efectos especiales y la ciencia-
ficción filmada. A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que mejorar y
surgieron grandes directores como Murnau, Erich von Stroheim y Charles Chaplin.

En 1919 en Hollywood se creó una de las primeras (que todavía existe) sociedades de
comercio: la Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC), la cual permaneció para
organizar la contribución de los cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación
de las películas. En otros países también se establecieron este tipo de
asociaciones de comercio. Diversos directores importantes para la historia del cine
pertenecieron a esta sociedad como Buster Keaton y Charles Chaplin. ASC define la
cinematografía como "Un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría
de un trabajo original de arte más logrado que una simple grabación de un evento
físico".

En 1927 se estrenó la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de

la cual el cine tal y como se conocía dejó de existir. El cine pasó de utilizar un
lenguaje que primaba la expresividad de segmentos que se contrastaban y juntaban, a
imponer una mayor continuidad del relato y mayor fluidez argumental. En ese mismo
año apareció el doblaje.

En 1935 se filmó en Technicolor La feria de la vanidad (Becky Sharp) de Rouben

Mamoulian; aunque artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con Lo que
el viento se llevó (1939).

La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París2 el 2

de febrero de 2000 utilizando MEMS (DLP (Procesado digital de luz), desarrollado
por Texas Instruments.3

Aspectos
En el arte de la cinematografía confluyen varios aspectos. Estos son:

Sensor de la imagen y cinematografía

La cinematografía puede realizarse con roles de películas o un sensor digital de la
imagen. Los avances en la producción de películas y la estructura granulada
proveyeron un amplio rango de películas fotográficas disponibles. La selección de
una película fotográfica fue una de las primeras decisiones a tomar en la
preparación de cualquier película del siglo veinte.

Aparte de la selección del ancho de la película —8 mm (aficionado), 16 mm (semi-

profesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica que se usa pocas veces
excepto puntos de reunión para eventos especiales)— el cinematógrafo tiene una
selección de reservas en reversión (cuando son reveladas crean una imagen positiva)
y los formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película
(la sensibilidad, hasta la luz) desde ISO 50 (lento, menos sensibilidad a la luz)
hasta 800 (muy rápido, extremadamente sensible a la luz) y diferentes respuestas
para el color (baja saturación, alta saturación), contraste (variando los niveles
entre el negro puro (no hay exposición) y el puro blanco (completa
sobreexposición).

Existían diferentes avances y ajustes para casi todas las medidas de la película.
Entre ellos los “super formatos" donde el área de la película solía capturar un
solo fotograma de una imagen expandida, aunque la medida física de la película
permaneciera igual. Por otro lado, se hallaban super 8 mm, super 16 mm y super 35
mm, todos utilizan más del total del área de la película para la imagen a
diferencia de los que no son "super”. A mayor dimensión de la película, más grande
será la resolución de claridad y calidad técnica de la imagen.

Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película

fotográfica puede también ofrecer una considerable discrepancia en la imagen
producida en el caso que el control de la temperatura y la duración en la que la
película es remojada en los productos químicos, no se siguieran ciertos procesos
químicos o solamente de manera parcial todos ellos. Los cinematógrafos pueden
lograr diferentes vistas de una sola película fotográfica en el laboratorio.
Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado, bypass blanqueador y
proceso cruzado.

El trabajo del siglo XXI utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene

películas fotográficas, pero las cámaras digitales pueden ajustarse produciendo
diferentes formas que llegan más lejos que las posibilidades de una película
fotográfica. En las cámaras digitales se puede variar diferentes aspectos entre
ellos los grados de sensibilidad de color, el contraste de la imagen, la
sensibilidad de la luz, etc. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de
diferentes emulsiones, aunque resulta muy discutido en la captura de la imagen
concretar el “mejor” método. Los ajustes de la imagen digital (ISO, contraste etc.)
son ejecutados estimando los mismos ajustes que tendrían lugar si una película real
estuviera en uso, y así son vulnerables a las percepciones del diseño del sensor de
las cámaras de varias películas fotográficas y los ajustes de los parámetros de la
imagen.

Filtros
Los filtros, como los de difusión o los de efectos de color, también son
ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o los
dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de
vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material de manipulación
de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo se
encuentra en medio un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio
óptico. Estos funcionan mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda del color
de la luz para que no lleguen a la película. Con la película en color funciona muy
intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y amarillo
claro, creando un tinte azul en ella. Con las fotografías en blanco y negro, los
filtros de color se utilizan poco, por ejemplo un filtro de color amarillo reduce
las longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un
cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por
tanto en gran medida subexponiendo el cielo todo azul), aunque genera un tono de
piel poco humano. Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente, o en
algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos. Algunos cineastas, como
Christopher Doyle, son muy conocidos por su uso innovador de los filtros.

Lente
La lente se puede conectar a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el
efecto de enfoque, color, etc.

Al igual que el ojo humano, la cámara crea perspectiva y relaciones espaciales con
el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía puede
seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la
distancia focal es una de las ventajas principales. La longitud focal de la lente
determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los directores
de fotografía pueden elegir entre una amplia gama de lentes angulares, “normales”,
y lentes de enfoque largo, así como los objetivos macro y otros sistemas especiales
de lentes de efectos tales como lentes de baroscopio. Los objetivos de un gran
ángulo tienen longitudes focales cortas. Una persona en la distancia parece mucho
más pequeña, mientras que alguien de cerca es más grande. Por otro lado, las lentes
de enfoque largas reducen tales exageraciones, que representan los objetos lejanos
aparentemente tan próximos entre sí y la perspectiva de aplanamiento.

Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido a la

longitud focal por sí mismo, sino por la distancia entre los sujetos y la cámara.
Por lo tanto, el uso de diferentes longitudes focales en combinación con otra
cámara a distancia de los sujetos crea esta representación diferente. Cambiando
solamente la distancia focal mientras se mantiene la posición de la misma cámara no
se afecta la perspectiva, únicamente el ángulo de visión. Una lente de zoom permite
a un operador de cámara cambiar su longitud focal dentro de la grabación de una
secuencia o rápidamente entre configuraciones para los tiros. Como objetivos
principales, se ofrece una mayor calidad óptica y son “más rápidas” las grandes
aperturas de diafragma, que puedan utilizarse con menos luz que los objetivos zoom,
que se emplean a menudo en el cine profesional sobre las lentes de zoom. Ciertas
escenas o incluso tipos de cine podrían requerir el uso de un zoom de velocidad o
facilidad de uso, así como vacunas que implican un movimiento zoom.

Como en la fotografía, el control de la imagen expuesta se hace en la lente con el

control de la apertura del diafragma. De la selección, el director de fotografía
necesita que todas las lentes sean grabadas con T-Stop, no con f-stop, por lo que
la pérdida de luz es eventual, el vidrio no afecta al control de la exposición
cuando se ajusta utilizando los medidores habituales. La elección de la apertura
también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y a la profundidad de campo
(véase más adelante).

La profundidad de campo y el enfoque

Un ejemplo de enfoque de tiro profundo se encuentra en el film Ciudadano Kane
(1941). Todo, incluso el sombrero en el primer plano y el muchacho (el joven
Charles Foster Kane) en la distancia, se encuentran con un enfoque nítido. En
Ciudadano Kane los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan
estrictas aperturas para crear profundidad de campo muy grande en las escenas, a
menudo haciendo que cada detalle del primer plano y fondo se junten en un enfoque
nítido. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico
popular de la década de 1940 en Hollywood.

La distancia focal y la apertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de

una escena, es decir, hasta qué punto el fondo y el primer plano se representará en
el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) en
la película o de destino de vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse
con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura y la
distancia focal. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una
apertura muy pequeña del iris y centrándose en un punto en la distancia, mientras
que una menor profundidad de campo se logra con una gran apertura del iris
acotándose más cerca de la lente.

La profundidad de campo también se rige por el tamaño del formato. Si se considera

el campo de visión y el ángulo de visión, menor será la imagen, la distancia focal
debe ser más corta, como para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto
menor sea la imagen, la profundidad de campo será mayor para el mismo campo de
visión. Muchos camarógrafos tratan de emular el aspecto de película de 35mm con las
cámaras digitales, con excesiva profundidad de campo y el uso de dispositivos
ópticos adicionales para reducirla.

Hoy en día, la tendencia es un mayor enfoque superficial. Cambiar el plano de

enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de la grabación de una secuencia se
conoce comúnmente como un foco de rack.

Relación de aspecto y el encuadre

La relación de aspecto de una imagen es el cociente de su anchura por su altura.
Esto se puede expresar como una relación de 2 enteros, tales como 4/3, o en un
formato decimal, como 1,33. Las diferentes proporciones ofrecen diferentes efectos
estéticos. Las normas para la relación de aspecto han variado significativamente
con el tiempo.

Durante la época del cine mudo, las relaciones de aspecto abarcaban desde la plaza
1,1, hasta el extremo de pantalla ancha 4,01 Polyvision. Sin embargo, desde la
década de 1910, las imágenes mudas en movimiento, en general se establecieron en la
proporción de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película estrecha la
relación de aspecto para dejar espacio a una banda de sonido. En 1932 se introdujo
un nuevo parámetro, con la proporción de 1,37, con el fin de ensanchar el marco.

Durante años, los directores de fotografía tradicionales se limitaron al uso de la

razón de la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de
Cinerama, las tasas de pantalla ancha se introdujeron en un esfuerzo por sacar al
público de nuevo al teatro/cine fuera de su casa y lejos de sus televisores. Estas
nuevas panorámicas proporcionaban a los productores un fotograma mucho más amplio
para componer sus imágenes.

En los años 50 se inventaron y utilizaron varios sistemas de fotografía para crear

películas, pero existió uno que sigue dominando en la actualidad: el proceso
anamórfico, que exprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del tamaño
en el área horizontal y el mismo tamaño vertical como las lentes “esféricas"
estándar.

El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope, que usó una proporción
de 2.35, aunque originalmente era de 2.55. CinemaScope se usó desde 1953 hasta
1967, debido a defectos técnicos en el diseño y su posesión por Fox. Terceras
compañías dirigidas por las mejoras técnicas de Panavision en los años 50, dominan
ahora el mercado de lentes anamórficas.

Los cambios en las proyecciones estándar de SMPTE alteraron las proporciones

proyectadas de 2.35 a 2.39 en 1970, aunque esto no alteraba nada excepto los
estándares anamórficos de fotografía; todos los cambios respecto a las proporciones
de fotografía anamórfica de 35 mm son específicos a una cámara o proyector, y no al
sistema óptico.

Tras la “guerra de las panorámicas” de los años 50, la industria cinematográfica

estableció 1.85 como estándar para las proyecciones en Estados Unidos y Reino
Unido. Esta es una versión corta de 1.37. Europa y Asia optaron por 1.66 al
principio, aunque el 1.85 ha dominado ampliamente estos mercados las últimas
décadas. Ciertas películas “épicas” o de aventuras utilizaban el anamórfico 2.39.

En los años 90, con la llegada del vídeo en alta definición, los ingenieros de
televisión crearon la proporción de 1.78 (16:9) como compromiso matemático entre el
estándar del cine de 1.85 y el de la televisión de 1.33, ya que no resultaba
práctico producir un tubo de televisión CTR tradicional con una anchura de 1.85.
Hasta aquel momento, no se había creado nada en 1.78. Hoy en día, este es un
estándar para vídeos de alta definición y para televisiones panorámicas. Algunas
películas del cine se graban actualmente usando cámaras HDTV.

Iluminación
La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma
de una película o en una tarjeta digital (CCD, etc.). El arte de la iluminación en
cinematografía se aleja de la exposición básica, no obstante, en la esencia de
cuenta-cuentos. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta
emocional que la audiencia recibe al ver imágenes en movimiento.

Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la diferencia entre porno y
erotismo es la iluminación (simplemente remarcando la importancia de la iluminación
en cinematografía).

Movimientos de cámara
Artículo principal: Movimientos de cámara
La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede
usar una cámara representando el punto de vista o perspectiva de la audiencia,
moviéndose durante la filmación. El movimiento juega un rol considerable en el
lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la
audiencia a la acción. Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos
del “panning” (movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija;
como si giraras tu cabeza de un lado a otro) y “tilting” (movimiento vertical de un
punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para
mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el “dollying” (posicionando la
cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto),
“tracking” (posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para moverla
hacia la izquierda y la derecha), "cranning" (moviendo la cámara en una posición
vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a
otro desde una posición fija) y combinaciones de las anteriores.

Las cámaras han llegado a montarse en casi cualquier medio de transporte

imaginable; la mayoría de las cámaras también pueden ser de mano, eso quiere decir
que están en manos del cámara, que la mueve de una posición a otra mientras filman
la acción. Las plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finales de los
años 70, durante la invención de Garret Brown, conocida como “Steadicam”. La
“Steadicam” es un arnés y estabilizador de brazos que se conecta con la cámara,
apoyándola mientras se aísla de los movimientos de quien la usa. Después de que la
patente de “Steadicam” caducara a principios de los 90, muchas otras compañías
comenzaron manufacturando su concepto del propio estabilizador de cámaras.

Efectos especiales
Artículo principal: Efectos especiales
Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película
estaba siendo filmada. Estos empezaron a conocerse como los efectos “in-camera”.
Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y
artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso manipulando la película
en posproducción. Se pueden ver muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera”
en obras de Georges Méliès.

La película de 1896 La ejecución de María Estuardo muestra a un actor vestido de la

reina colocando su cabeza en el bloque de ejecución delante de un grupo de
espectadores con ropajes isabelinos. El verdugo baja el hacha y la cabeza cortada
de la reina cae al suelo. Este truco se realizó parando la grabación, cambiando al
actor por un muñeco y resumiendo la grabación antes de la caída del hacha. Después,
los fragmentos de película fueron recortados y fusionados para que la acción
pareciera continua al proyectar la película, creando así una ilusión y sentando las
bases de los efectos especiales con éxito.

Esta película estuvo entre las que fueron exportadas a Europa con los primeros
Quinetoscopios en 1895 y llegó a manos de Georges Méliès, que hacía espectáculos de
magia en el Teatro Robert-Houdin en el París de aquella época. En 1896 empezó a
hacer películas y, tras algunas imitaciones de las obras de Edison, Lumière y
Robert Paul, llevó a cabo su película Desaparición de una dama en el teatro Robert-
Houdin. Esta muestra a una mujer a la que se hace desaparecer utilizando la misma
técnica de "stop motion" que la película anterior de Edison. En los años
siguientes, Méliès realizó varias películas utilizando este mismo truco.

Doble exposición
La otra técnica básica para los trucos cinematográficos tiene que ver con la doble
exposición de la película en la cámara. El primero en hacer esto fue George Albert
Smith en julio de 1898 en Reino Unido. Su película The Corsican Brothers (1898) fue
descrita en el catálogo de la Warwick Trading Company, que distribuyó las películas
de Smith a partir de 1900, de la siguiente manera:

"Uno de los gemelos vuelve a casa después de practicar tiro en las montañas de
Córcega y es visitado por el fantasma del otro gemelo. Gracias a una fotografía
realizada con gran cuidado, el fantasma parece bastante transparente. Después de
explicar que le mataron con la espada y expresar su deseo de venganza, desaparece.
Entonces, se proyecta una visión en la que vemos el duelo fatal en la nieve. Para
la sorpresa del corso, el duelo y la muerte de su hermano están representados
vívidamente en la visión y, abrumado por sus sentimientos, cae al suelo al tiempo
que su madre entra en la habitación".

El efecto del fantasma se consiguió cubriendo todo el plató de terciopelo negro

después de filmar la acción principal, y volviendo a exponer el negativo a
continuación, esta vez con el actor que hacía del fantasma llevando a cabo sus
acciones. De la misma manera, la visión, que aparecía dentro de una viñeta
circular, fue superpuesta sobre un área negra en el fondo de la escena, y no sobre
una parte del set con detalles, para que no se viera nada a través de la imagen,
que, en este caso, era bastante sólida. Smith volvió a utilizar esta técnica en
Santa Claus (1898).

Georges Méliès utilizó la superposición sobre un fondo negro por primera vez en La
Caverne maudite (1898), y la desarrolló con varias superposiciones en un plano en
El hombre de las cabezas. En películas posteriores, creó más variaciones de esta
técnica.

Velocidad de fotogramas
También conocida como frecuencia de fotogramas, la velocidad de fotogramas es la
cantidad de veces que una cámara captura una imagen para crear un vídeo. Por lo
general, la velocidad de fotogramas se define como "fotogramas por segundo" (o
FPS).4

Las imágenes en movimiento se representan a una velocidad constante. En el cine la

velocidad es de 24 fotogramas por segundo (FPS), en NTSC (EE. UU.) la televisión es
de 30 fotogramas por segundo (29.97 para ser exactos), en PAL (Europa) la
televisión es de 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de representación no
varía.

Sin embargo, cambiando la velocidad en la que la imagen es capturada, varios

efectos pueden crearse sabiendo que la imagen grabada más rápida o lentamente se
presentará a una velocidad constante. Por ejemplo, la fotografía “time-lapse” se
crea mediante la exposición de una imagen a una velocidad muy lenta. Si un
cinematográfico coloca una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante
cuatro horas, y después ese material se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un
evento de 4 horas tardará 10 segundos en representarse, y cualquiera puede
presentar los eventos de un día entero (24 horas) en un solo minuto.

A la inversa, si una imagen es capturada a velocidades mayores de las que serán

expuestas, el efecto será ralentizar las imágenes (cámara lenta). Si un director de
fotografía captura a una persona zambulléndose en una piscina a una velocidad de 96
fotogramas por segundo y la imagen es expuesta a 24 fotogramas por segundo, la
representación durará 4 veces más que la acción real. La captura extrema de cámara
lenta, capturando miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas invisibles
al ojo humano, como las balas en una guerra y las ondas expansivas viajando por el
aire, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.

Con imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y del espacio es un factor

que contribuye considerablemente a las herramientas para contar historias. La
edición de películas juega un rol mucho más fuerte en esta manipulación, pero la
selección de la velocidad de fotograma en la fotografía de la acción original
también es un factor contribuyente en cuanto a la alteración del tiempo. Por
ejemplo, Modern times de Charles Chaplin fue filmada a una “velocidad silenciosa”
(18 fps) pero proyectada a “velocidad de sonido” (24 fps), que hace que las
payasadas parezcan más frenéticas.

El “Slow motion” o “Speed ramping” es un proceso por el cual la velocidad de

captura del fotograma cambia con el tiempo. Por ejemplo, si durante el proceso de
10 segundos de captura, la velocidad se ajusta de 60 a 24 fotogramas por segundo,
cuando se pone en marcha a la velocidad estándar de 24, se consigue una
manipulación de tiempo excepcional. Por ejemplo, alguien abriendo una puerta
saliendo a la calle parecería que empezara con cámara lenta, pero unos segundos más
tarde, y en la misma toma la persona parecería estar caminando a “tiempo real”
(velocidad normal). De forma contraria se utiliza el “Speed ramping” en The Matrix
cuando Neo vuelve a entrar en Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Tal como
sale del almacén, la cámara se acerca a Neo a una velocidad normal, pero cuanto más
se acerca a la cara de Neo el tiempo parece que se vaya ralentizando, prefigurando
la manipulación del tiempo que luego se ve en la película de Matrix.

Otras técnicas especiales

G. A. Smith inició la técnica del movimiento inverso o rebobinado y mejoró la
calidad de las imágenes auto-motivadas. Lo hizo repitiendo la acción una segunda
vez, filmándola con una cámara invertida y después uniendo ambos negativos. Las
primeras películas que usaron esta técnica fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward
Sign Painter. Esta última mostraba a un pintor rotulando una señal y después las
pintadas desapareciendo bajo el pincel. El ejemplo más temprano de esta técnica que
haya sobrevivido es The House That Jack Built de Smith, realizada antes de
septiembre de 1901. En ella, vemos a un niño pequeño destrozando el castillo que
acaba de crear una niña con bloques de construcción. Aparece un título que dice
"Reversed" y, a continuación, vemos la acción repetida pero invertida, de manera
que el castillo se reconstruye bajo los golpes del niño.

Cecil Hepworth mejoró esta técnica imprimiendo el negativo del movimiento hacia
delante al revés, fotograma por fotograma, para que la acción original estuviera
invertida exactamente. Hepworth hizo The Bathers en 1900, en la cual dos bañistas
que se han desvestido y se han metido en el agua parecen salir rebotados de esta y
su ropa vuelve a sus cuerpos mágicamente.

El uso de diferentes velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900. En

la película On a Runway Motor Car through Piccadilly Circus (1899) de Robert Paul,
se giró la cámara tan despacio que, cuando se proyectó a la velocidad normal de 16
fotogramas por segundo, el paisaje parecía pasar a una gran velocidad. Cecil
Hepworth utilizó el efecto opuesto en The Indian Chief and the Seidlitz powder
(1901), en la que un ingenuo indio toma mucha medicina para el estómago gaseoso,
haciendo que su estómago se expanda y que él empiece a volar como un globo. Esto se
hizo moviendo la cámara más rápido, consiguiendo así el primer efecto de cámara
lenta.

Personal
En orden jerárquico descendiente, este es el personal que está involucrado:

Director de fotografía, también llamado cinematógrafo.

Operador de cámara, también llamado camarógrafo.
Primer asistente de cámara, también conocido como foquista.
Segundo asistente de cámara, también conocido como claquetista.
En la industria cinematográfica, el director de fotografía es el responsable de los
aspectos técnicos de las imágenes (iluminación, elección de las cámaras,
composición, exposición, los filtros, selección de la película), pero trabaja de
cerca con el director para asegurar que la estética apoya la visión de la historia
contada por el director. Los directores de fotografía son los responsables del
cámara, el maquinista y el equipo de iluminadores en plató, y por ello suelen ser
llamados directores de fotografía o DFs. Según la tradición inglesa, si el propio
DF maneja la cámara, será llamado cinematógrafo. En pequeñas producciones
generalmente todas esas funciones las cumple una sola persona. La progresión de la
carrera habitualmente implica subir la escala en segundo lugar, para finalmente
manejar la cámara.

Los directores de fotografía toman muchas decisiones creativas e interpretativas en

el transcurso de su trabajo, desde la pre-producción hasta la postproducción, las
cuales afectan el aspecto general de la película. Muchas de esas decisiones son
similares a lo que un fotógrafo necesita tener en cuenta cuando va a hacer una
foto: el cinematógrafo controla todas las decisiones de la película (from a range
of available stocks with varying sensitivities to light and color), la selección de
las cámaras, los focos, apertura y exposición. Sin embargo, la cinematografía tiene
un aspecto temporal (ver persistencia de la visión), no como la fotografía, que es
simplemente una imagen quieta. También es más voluminoso y agotador trabajar con
cámaras de vídeo e implica elecciones más complejas. Un cinematógrafo necesita
trabajar en equipo más que un fotógrafo, quien frecuentemente puede ser una sola
persona. Como resultado, el trabajo del cinematógrafo también incluye organización
logística y gestión personal.

Géneros cinematográficos
Cine comercial: Son las películas creadas por la industria cinematográfica
orientadas al gran público con la generación de beneficios económicos como objetivo
principal. A esta categoría pertenecen la mayoría de las películas que se proyectan
en las salas de cine, y algunas de ellas son promocionadas mediante grandes
campañas de publicidad.
Cine independiente: Una película independiente es una película de bajo presupuesto
y hecha por pequeñas productoras, por tanto no está realizada por los grandes
estudios.
Cine de animación: Es aquel en el que se usan mayoritariamente técnicas de
animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo,
descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de
animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las
imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras
múltiples técnicas, como el Stop Motion), de forma tal que al proyectarse
consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el
cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de
animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
Cine documental: Es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad.
Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente
un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un
género televisivo.
Docuficción (híbrido entre el documental y la ficción): es un género practicado
desde el primer documental que se renueva desde finales de los años cincuenta.
Cine experimental: Es aquel que utiliza un medio de expresión más artístico,
olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine
narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y
sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o
rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.
Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de Cahiers
du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel
preponderante en la toma de todas las decisiones, donde toda la puesta en escena
obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas
basándose en un guion propio y al margen de las presiones y limitaciones que
implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor
libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin
embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden
ser considerados «autores» de sus películas. Se define de acuerdo con su ámbito de
aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria,
y no se dirige a un público amplio sino específico, comparte a priori un interés
por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante
podría ser el cine abstracto.
El negocio del cine
Históricamente una película obtenía sus ingresos por alquilar los derechos de
exhibición en un cine y, a su vez, el dueño del cine cobraba una entrada a todo
aquel que quisiera ver la película.

Con los ingresos de esas entradas, ese propietario del cine pagaba:

Gastos de personal, limpieza, luz, etc.

Promoción local (en carteles y periódicos locales): se paga al 50/50 con la casa
productora.
Cuota acordada con la productora de la película, que normalmente es variable y
depende del éxito de la película pero puede estar entre un 30 a un 70 por ciento
del precio de entrada.
El resto lo guardaba como beneficio.
Así funcionó hasta la llegada de la televisión. Con la televisión, la casa
productora que es la distribuidora de los derechos, acuerda con el canal de TV el
alquiler de su película por un precio y unas condiciones:

Se podrá transmitir la película durante un período acordado, normalmente de tres a

cinco años por un precio total.
Se limita el número de veces que en ese período el canal de TV podrá repetir la
transmisión de la misma película, normalmente entre dos y cinco veces máximo, para
no quemar la película.
Al poco tiempo aparecieron nuevas formas de exhibición o transmisión, como por
ejemplo:

Pago por visión o televisión de pago (pay-per-view): esta ventana se suele abrir a
los seis meses del estreno, por unos pocos meses.
Canales de televisión de pago, como Showtime o HBO: la ventana se abre al año,
durante un año.
Los networks o grandes cadenas de televisión, cuya ventana se abre a los dos años,
normalmente por tres más.
Sindicación de canales de TV: agrupación de estaciones de TV que solo cubren un
área local, no nacional. Esta ventana se encuentra abierta cuando se acaba la de
las grandes cadenas y está constantemente renovándose con distintos distribuidores.
Lo normal es un contrato por cinco o siete años. A su vencimiento, se vuelve a
vender esos mismos derechos a otro o al mismo, por otros tantos años y así
constantemente.
Venta de vídeos, VHS, Betamax, etcétera: con ventas tanto a tiendas de vídeo para
alquilar como a particulares. La ventana se abre a los seis meses del estreno con
ventas a distribuidores que los colocan en distintas tiendas. Al finalizar el
contrato, se busca otro nuevo distribuidor para continuar con esas ventas de video.
Estos videos posteriores tienen precios mucho más baratos que los iniciales.
Actualmente, ya casi no hay venta de vídeos. Se evolucionó a DVD o Blu-Ray, pero el
sistema es exactamente el mismo. También hay ingresos derivados del streaming, bien
sea por Internet o por canales de televisión especializados. Además, hay algunos
ingresos de mercadotecnia, bien sea por venta de cualquier objeto, prenda, diseño o
uso de marca que aparece en la película.[cita requerida]

Evolución de la tecnología: nuevas definiciones

Tradicionalmente el término “cinematografía” se ha referido al trabajo con una
clase de película hecha con pintura al agua, pero ahora es un sinónimo de la
videografía y el vídeo digital debido a la popularidad de la cinematografía
digital.

El Proceso de imagen moderno también hizo posible modificar imágenes de manera

radical. Esto permitió a las nuevas disciplinas aprovechar algunas de las
oportunidades que un día fueron del dominio exclusivo de los cinematógrafos.

Festivales de cine
Un festival de cine consiste en la proyección de cortos o largometrajes en un lugar
determinado durante un tiempo limitado. Las proyecciones pueden estar abiertas al
público o ser reservadas para críticos, periodistas o profesionales.

El festival de cine en muchas ocasiones es el primer encuentro entre la obra, sus

creadores y el público. Es un momento clave en la vida de la película, dado que la
misma puede ser muy cuestionada o consagrada si obtiene un premio internacional,
como por ejemplo un León de Oro en el Festival de Venecia, el Oso de Oro en el
Festival de Berlín o la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Por otra parte, los
festivales permiten el descubrimiento de nuevos directores y sirven para la
promoción de las películas.

Los premios Óscar

La 61ª entrega de los premios Óscar

El premio Óscar —también llamado «premio de la Academia» o en inglés, Academy Award
— es un premio anual concedido por la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas (en inglés: AMPAS; Academy of Motion Picture Arts and Sciences) 5
en reconocimiento a la excelencia y activismo social de los profesionales en la
industria cinematográfica incluyendo todos los empleados en una producción
audiovisual, es considerado el máximo honor en el cine.

El acto formal, en el cual los premios son presentados, es una de las ceremonias
más prominentes y prestigiosas del mundo, es transmitida en vivo, frecuentemente
entre febrero y marzo, anualmente para más de cien países, seis semanas después de
revelarse los candidatos. La ceremonia reconoce los logros obtenidos en cuestión de
cinematografía del año anterior y es la culminación de la temporada de entrega de
premios, la cual se inicia entre noviembre y diciembre. Además es la ceremonia de
entrega de premios más antigua en los medios de comunicación. La primera ceremonia
de premios tuvo lugar el 16 de mayo de 1929 en el hotel Roosevelt en Los Ángeles,
en honor a los logros cinematográficos obtenidos en los años 1927 y 1928.

Véase también
Cinematógrafo
Película
Actuación
Cortometraje
Largometraje
Efectos especiales
Óscar a la mejor fotografía
Cine digital
Equipo
Producción audiovisual
Dispositivo cinematográfico
Turismo cinematográfico
Teoría cinematográfica
Historia del cine
Película fotográfica
Festivales de cine
Premios Óscar
Referencias
«Institut Lumière».
«Biografía: Philippe Binant».
«Texas Instruments».
«Velocidad de fotogramas».
«Academy Awards».
Bibliografía
Gubern, R. (2016). Historia del cine. Barcelona: Anagrama.

Bazin, A. (2001). ¿Qué es el cine?. Madrid: Rialp.

Aumont, J., Taléns, J., & Zunzunegui, D. S. (2008). Historia general del cine.
Madrid: Cátedra.

Sánchez, N. J. L., & Gubern, R. (2012). Historia del cine: Teoría y géneros
cinematográficos, fotografía y televisión. Madrid: Alianza.
Zavala, Lauro. (2005). Cine Clásico, Moderno y Posmoderno. ITESM Campus Estado de
México: Proyecto Internet.

Andrew, D. (1993). Las principales teorías cinematográficas. Madrid: Rialp.

Seger, L., & Whetmore, E. J. (2004). Cómo se hace una película: Del guion a la
pantalla. Barcelona: Ma non troppo.

Arnheim, R., & Revol, E. L. (1996). El cine como arte. Madrid (España: Paidós)

Giroux, H. A. (2003). Cine y entretenimiento: Elementos para una crítica política

del filme. Barcelona: Paidós.

Fernández, D. F., & Martínez, A. J. (2010). La dirección de producción para cine y

televisión. Barcelona: Paidós.

Heritage, A. (2013). Grandes películas: 100 años de cine. Bath: Parragon.

Hamilton, J. (1998). Efectos especiales en el cine y la televisión. Barcelona:

Molino.

Cortés-Selva, L. (2018). Tres décadas de estilo visual en el cine, evolución de la

fotografía cinematográfica (1980-2010).

Samuelson, D. W. (1988). La cámara de cine y el equipo de iluminación: Elección y

técnica. Madrid: Instituto Oficial de Radio y Televisión.

Carmona, L. M. (2016). Enciclopedia de los Oscar: La historia no oficial de los

premios de la Academia de Hollywood (1927-2015). Madrid: T & B.

Enlaces externos
Comienzos del cine
Cambios en la narrativa del cine
7 avances técnicos que revolucionaron la historia del cine
Historia de los festivales y mercados de cine internacionales
Premios Oscar