Biografía

Infancia
Véase también: Relación entre Picasso y Málaga

Vista del norte de la plaza de la Merced de Málaga. En el número 15 de este edificio,

ubicado en el número 36 de la Plaza de la Merced de Málaga, nació Pablo Ruiz
Picasso, justo donde hoy se encuentra ubicada la Fundación Picasso Museo Casa
Natal.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la
Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento)
o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los
Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según
su partida de bautismo),6a fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María
Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España), en el
seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-
1958) y Concepción (1887-1895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso
(nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y
se trasladó a España alrededor del 1807.7
De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en
la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce
poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y
Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos
creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.8 Pablo empezó a pintar desde
temprana edad; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la
dirección de su padre pintó El picador amarillo,9 primera pintura al óleo1011
de la que siempre se negó a separarse.
Pablo Picasso y su hermana Lola en 1889.
En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca
estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había
comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —
donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes
tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en
1888.12b El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda
plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta
etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada».1314«Solamente
para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.»15 En Galicia, Pablo trabajó en
sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez
años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz,
mostraban una temprana predilección por los personajes populares.8 En La
Coruña hizo su primera exposición con trece años y publicó caricaturas y
dibujos en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" y
"Torre de Hércules".1615
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero,
falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una
cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo
fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le
condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en
los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de
los retratos que había realizado en La Coruña.8
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de
catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le
permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las
muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario
talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó
sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.8
A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente
percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece
gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un
verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar
desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis
primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles.
Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a
la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.
Picasso

Juventud: sus amistades en París

En 1912 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de
un círculo de amigos distinguidos en los barrios
de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume
Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue
arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser
parte de una banda de ladrones internacional. Apollinaire culpó a su amigo
Picasso, quien también fue sometido a un interrogatorio, pero ambos fueron
exonerados más tarde.17
Primeras pinturas

Entrada al café Els Quatre Gats.

En el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera
comunión (Museo Picasso, Barcelona),18 en Barcelona, ciudad en la que
residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias
más o menos largas en Madrid y París.19 En 1897 presentó el lienzo Ciencia
y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas
Artes de Madrid.20 Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en
Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.21
En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de
San Fernando,21 pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera
intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso
intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que
tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante,
aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la
obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del
siglo XIX.22
Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como
«Pablo R. Picasso», y solo como «Picasso» desde 1901. El cambio no
parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al
deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos
catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno,
mucho menos corriente que el Ruiz paterno.23

Ramón Casas: Pablo Picasso, 1900, Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a
Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel
Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra
Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces
primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en
consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los
primeros episodios «primitivistas» de su carrera.24
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los
grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,25
donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la
bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición
individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este
ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista,
implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de
Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la
desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social
que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente
político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos
dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.2627
En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición
Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente
desaparecida.28 En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista
catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influido por
el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de
siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de
Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el
estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La
espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901.2927
También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le
ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en
contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de
diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó
consigo a celebrar el fin de año en Málaga.28
Entre Barcelona y París. El período azul
Artículo principal: Período azul de Picasso
El entierro de Casagemas
El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida
del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El
entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente
entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama
cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos
Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.30
Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine,
una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas
españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la
muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de
Casagemas,31 cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período
azul. La división del espacio del cuadro en dos
partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de
Orgaz, del Greco.32
Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van
Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se
refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque
también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos
que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción
universal de la sentimentalidad.30 Picasso manifestaba la soledad de los
personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo
del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente
carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de
las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el
estilo del Greco.
Entre Barcelona y París
Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó
a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Reina Sofía, Madrid)33 en
la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde
se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que
Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año,
Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en
París.34 Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el
que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El
poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo
crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco
después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven
representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que
estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella
época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento
cincuenta francos en la Rue Laffite.35 Durante el otoño pintó Los dos
saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo Pushkin,
Moscú),36 Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York)37 y acabó El entierro de
Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de
Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona),38 el Retrato de Mateu
Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga)39 y el Autorretrato azul (Museo
Picasso, París).40
A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la
liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el
estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la
Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su
obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó
reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra
un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la
tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer41 y La macarra
(composición alegórica),42 propiedad del Museo Picasso de Barcelona.

Max Jacob en 1934. Fotografía de Carl van Vechten.

En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la
galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y
otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En
Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en
octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue
proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien
Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al
15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por
Mañach en la galería Berthe Weill.
De esa fecha data un Retrato de Germaine43 que Acquavella Galleries
adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en
2006.44 En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max
Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación solo disponía de
una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras
Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse
a dibujar.45
La vida
En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el
cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts),46 uno de los mayores y
más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más
importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en
sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre
las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos
preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al
menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó
siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su
amigo Carlos Casagemas.47 La Vida resume la mayor parte de los temas y
la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su
época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades
materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y
del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés.48 La soledad de los niños, la
miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los
cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San
Petersburgo),49 Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de
Arte, Washington D. C.),50 El viejo guitarrista ciego (Instituto de
Arte de Chicago),51 El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia),52 y La
Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París)53 se cuentan entre las
primeras obras maestras de Picasso.
Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que solo estableciéndose
permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de
España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934),
quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28
del Carrer del Comerç de Barcelona,54 donde finalizó La Celestina (Carlota
Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes
Museum, Oslo)55 que finalizó en la primavera de 1904.56
París, Bateau Lavoir. El período rosa
Artículo principal: Período Rosa de Picasso
La belle Fernande

Pablo Picasso fotografiado por Ricard Canals. La instantánea está dedicada a sus

amigos Suzanne y Henri Bloch, París, 1904.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en
el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco
Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas
españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente
con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la
técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su
esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su
amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación
con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer
del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)57 e inspiró el tema de La familia
de Arlequín (1905).58 En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera
compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y
amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre
la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con
veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y
se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no
acabaría definitivamente hasta 1912.56
La bohemia del Lapin Agile
En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también
a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los
que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo
del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que
se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a
cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y
saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la
época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus
colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial
énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó
trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su
admiración por el Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)59 o en la
acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona),60 un recurso a
fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso
constante a lo largo de su carrera.61Los temas que trataba eran la alegría y
la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque
de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas
referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines,
domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas.
Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha
con balón) (Museo Pushkin, Moscú),62 La familia de saltimbanquis (Galería
Nacional de Arte de Washington),63 Acróbata y joven arlequín (Barnes
Foundation, Filadelfia)64 y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs
Kunstmuseum, Gotemburgo).65
La familia de saltimbanquis
Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de
la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus
primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación
luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire
describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los
oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la
piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y
mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello
para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las
corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo;
amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local
violento.66
En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese
año, La familia de saltimbanquis,63 una clara evolución hacia la época rosa;
un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien
dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya
vida solitaria impresionaba a Picasso.67 Una tarde, tras abandonar el Cirque
Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme
trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles
de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El
loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París),68 que el
galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.69
Gertrude Stein
Gertrude Stein, fotografía de Carl van Vechten, 1935
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció
en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom
Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella
holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane),70 y Las tres
holandesas (Museo Picasso, París),71 una versión personal del tema clásico
de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en
agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en
septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-
Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que
realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal.
Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con
Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.69
Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban
su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo
Stein compró Familia de acróbatas con mono65 al marchante Clovis Sagot,
por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso
y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en
un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París;
pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre
ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo
Metropolitano de Arte, Nueva York).72 Gertrude había comprado
recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas
debían encontrarse.69
Primitivismo ibérico
La Dama de Elche (Museo Arqueológico Nacional de España, Madrid).
En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude
Stein,72 lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las
señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y
jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de
Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal,
que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el
arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas
ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se
encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la
mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande
Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante
el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el
primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y
desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de
Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un
retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.73 Esto le inspiró una serie
de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese
primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de
rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, esta fue una
etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo
reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos
faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse
comparándolos con los autorretratos de esta serie.74 Esta estancia tuvo un
impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol
marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más
tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo,
en su época neoclásica.
Protocubismo
Picasso en 1908.
En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude
Stein72 trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su
rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.7572
Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella
no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá
parecerse a él.»73 Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura
de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso
investigaba la forma y el volumen,76 lo que puede apreciarse en
el Autorretrato con paleta (Museo de Arte de Filadelfia),77 cuadro de un
arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas
por Picasso desde 1905.7874
El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que
impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el
Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas
fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva
York),79 en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la
monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras
remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de
pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para
una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría
en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.73
Un burdel de la calle Avinyó
La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de
las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de
entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo
describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede
expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la
primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges
Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la
gran pintura.80
A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):81
la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las
facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas
llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del
lienzo sin pintar.82 Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las
señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas,
un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue
reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.80
Influencias africanas

Escultura fang del siglo XIX, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes
de finalizar Las señoritas de Aviñón.
Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de
Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto
con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain
como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,c pero a las cuales
Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El
descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a Las señoritas
de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo
escultórico.83 Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las
señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan
a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de
los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro
de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas
egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de
Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período
protocubista,84 que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como
el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo
se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista
pretendió siempre lo contrario.85
Las señoritas de Aviñón
Artículo principal: Las señoritas de Aviñón
Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)86 supuso un nuevo punto de
partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo
con el realismo, abandonando los cánones de profundidad
espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del
cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin
fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están
marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son
característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro
los convierte en agresivos.
El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas
del Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso
posiblemente vio ese verano en París;80 su estructura y composición deriva
de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los
objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso
de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo.
Según Fermigier, 1969, p. 69, su retrospectiva en el Salón de Otoño de
1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado
por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición
del fovismo a su época protocubista.80
Hacia el cubismo
Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible
influencia.
La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de
verano de 1907,d aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su
ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de
fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el
temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de
Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la
bailarina de Aviñón) (colección privada, Lausana),87 un epílogo a Las
señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y
africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo
estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del
Hermitage, San Petersburgo),88 iniciado en verano y que fue comprado por
Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo;80
también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York).89 En las
subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y
Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus
cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio,
fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y
definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules
en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La
amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)90 y Desnudo con
toalla (colección privada, París).91 El estudio de Picasso se convirtió en un
centro de discusiones y debate, y no solo sobre su obra. Braque llevó sus
propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el
bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)92 de
Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse.80 La relación de
Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa
admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como
Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.93
Cubismo
Véase también: Cubismo
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso
acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de
inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto
de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando
la descripción naturalista en beneficio de composiciones de
formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la
tridimensionalidad y la estructura de las superficies.94 Esta técnica, iniciada
por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis
Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Cubismo cezannesco

Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes

de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Academie Matisse. Por otro
lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su
creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los
Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros
inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto
entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de
arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración;
especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no
había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del
Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos
africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de
efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el
reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.95
Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una
velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia
convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo
de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San
Petersburgo),96 finalizado a finales de primavera, podría ser una
conmemoración de la muerte de Wieghels.95
Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes
cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva
mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor.
Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60
kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso
buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels
le había provocado.95 Ambos artistas comenzaron a representar la
sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras
en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al
extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de
Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y
verdes.97 En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri
Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.
Matisse bautiza el Cubismo. Período verde

Henri Matisse en mayo de 1933.

Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el
jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según
Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y
«cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta
historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep
Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que
denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época
muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación
de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse
a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva
consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo
que puede hablarse de un relieve plano.98 Durante todo el verano y el mes
de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del
Hermitage, San Petersburgo),99 donde las influencias africanas de los
primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período
verde.
El banquete de Rousseau

Henri Rousseau: Portrait de femme (1895), Museo Picasso, París.

Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry
Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas
al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un
banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una
obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de
antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas
entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su
amistad se consolidaba.95 El bodegón de frutas, un motivo emblemático de
Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este
momento:100 Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva
York),101 Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne
de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).102 También trabajó durante el invierno
en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París),103 que cristalizaría a
principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de
Arte de Basilea).104
Cubismo analítico
Retorno a Horta de San Juan
Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein,
que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann
Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque)
inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de
France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció
impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron
a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel
Pallarés (The Detroit Institute of Arts)105 en el estudio de su amigo.
Posteriormente se trasladaron a Horta de San Juan, once años después de
su primera visita.106 Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos
retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección
privada, Francia)107 y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of
Art).108 La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer
con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).109 También realizó seis grandes
paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);110 La
fábrica de Horta (Museo del Hermitage, San Petersburgo)111 y Casas en la
colina (Horta de Ebro) (Nueva Galería Nacional, Berlín).112 Fueron los inicios
del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva
inversa» y modelado de Cézanne.

Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje

catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones
coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo
Picasso.113
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron
obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos
para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en
algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía
una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la
perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario,
estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante,
el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición;
el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado,
reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición
europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la
representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su
punto de partida.113
Traslado al bulevar de Clichy
En septiembre se trasladó a París, al n.º 11 del bulevar de Clichy. Volvió
cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en
la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de
coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Serguéi Shchukin seguía
comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el
cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un
grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo
estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El
cubismo se extendía por Europa, con
el constructivista y suprematista Malévich en Rusia y Mondrian en los
Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de
Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las
formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no
formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y
las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también
inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en
Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y
ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación
pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su
necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia
vida interna.114
En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer
(Fernande) (Museo Picasso de Barcelona115 inspirada en las telas que pintó
en Horta.106 Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se
producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus
primeros tiempos juntos.116
Los retratos cubistas
Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su
disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a
una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y
en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),117 pintado durante
el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes,
hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se
rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros
los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),118 Wilhelm
Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)119 y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto
de Arte de Chicago),120 en los que, a pesar de su tendencia progresiva a
pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza,
trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del
de Gertrude Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de
segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía
de los personajes.121
Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona,
España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron
una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las
vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo
patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;122 en el Retrato de
Daniel-Henry Kahnweiler120 que pintó tras las vacaciones el personaje es
tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos
trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples
ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,123 como también
sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de
Filadelfia).124
El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración
tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos
pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se
les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que
avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la
referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la
realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente
al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que
rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y
ponían en cuestión los principios de la pintura misma.125
Reconocimiento del cubismo
Retrato de Picasso por Juan Gris (1912) en estilo cubista.
Picasso viajó a Céret, un pueblo francés situado en la región histórica
del Rosellón, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él
en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en
la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían
la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica
reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona,
Suiza).126 El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de
Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque
estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York,
Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que
ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos
en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se
había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva
Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor
polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus
pinturas.127
A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura
construida,128 Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha
de cartón, cordel y alambre.129 Picasso inició en gran medida un proceso
que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el
volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo
de técnicas constructivas que constituyeron una transformación
revolucionaria en la escultura.130 En un paralelismo con la técnica
del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla
trenzada (Museo Picasso, París),131 creado en la primavera de 1912,128 las
formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los
conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de
nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas
perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos
escultóricos de importancia equivalente a la masa.130
Cubismo hermético
Entre Céret y Sorgues
Entre 1912 y 1915, Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del
cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos
tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas,
objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la
superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los
planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y
apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados
decorativos.132
Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería
Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con
Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado
tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza
algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos
de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a
Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga
que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al
tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus
pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo
femenino ('J'aime Eva') (Museo de Arte de Columbus, Ohio),128 donde
aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra
más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la
construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que
estaba aplicando en sus dibujos.133 Escapando de la visita de Fernande, el
25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze.
Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión
sobre Violín ('Jolie Eva') (Nueva Galería Estatal de Stuttgart),134 en la que
pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o
sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).135 Braque se
instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron
perfilando sus conceptos artísticos.128
Traslado al bulevar Raspail

Cartel del Armory Show (1913).

En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su
traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a
Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de
Arte de Basilea).136 El endurecimiento y aplanamiento de las formas
caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición
al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva
para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se
instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la
primera serie de papiers collés,137 en respuesta al trabajo de Braque en este
medio,128 aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de
materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio,
Texas):138 sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de
papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las
palabras La bataille s'est engagé[e] (ha empezado la batalla).
A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con
Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913,
donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas
Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la
pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante
planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura
de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages,139 al tiempo
que realizó una segunda serie de papiers collés140 en los que utiliza diarios
contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en
la que se observa un incremento de la abstracción y mayor colorido.141
A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso
en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich;
también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International
Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th
Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de
los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que
también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel
Duchamp.141
Cubismo sintético
Cubismo poético
Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en
varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y
Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y
empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo
que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a
finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo.
En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA,
Nueva York),142 en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado:
motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes
y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el
19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en
el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas
al cementerio del Montparnasse. En ese momento se inició el periodo
llamado cubismo poético.141
Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras
de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),143 que
contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa
sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan
el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético.
Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el
ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de
Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las
construcciones de este. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras
construcciones.141
Cubismo surrealista
En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.144 El 14 de
enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por
Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista.145 También trabajó en sus
construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva
York),146 de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en
bronce,147 pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras
con textura de arena.145
Cubismo puntillista y cubismo frío

Modigliani, Picasso y André Salmon frente al Café de la Rotonde, París, en 1916.

A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain,
que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de
Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de
Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario;
Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la
estación de Aviñón el 2 de agosto de 1914.145 En otoño, aún en
Aviñón, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B.
Bloch, Chicago)148 abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series
de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla,
en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista
y su modelo (Museo Picasso, París),149 que presumiblemente sería Eva,
muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que
resurgirá posteriormente.145
De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo
ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes
Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres
jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con
desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra,
periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París),150que introdujo el
periodo llamado cubismo frío,145donde la composición se trabajaba en
colores fríos, con una predominancia del azul.
Enfermedad y muerte de Eva
En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo
Picasso, París),151 en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando
y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio,
Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese
mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro
dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva
York),152 de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos
seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas,
como Arlequín (MoMA, Nueva York),153 una composición austera de grandes
áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie
larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la
pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al
hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi
vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de
diciembre de 1915.154
Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de
estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo
coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió
trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió
poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente
desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.155
Los Ballets Rusos
Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista
de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira
Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición
de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresó herido del
frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres
meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),156 también en un
estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Víctor-
Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y
de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que
recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera
exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que
organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue
bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.157
Parade

Retrato de Jean Cocteau (1916) por Amedeo Modigliani.

Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre
del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para
la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto
del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un
retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a
visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En
agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso
introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las
de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,157 y en
enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados
y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos
adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre
el Telón para el ballet Parade (Musée National d'Art Moderne, Centro
Georges Pompidou, París).158
El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los
Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en
la esquina de Vía del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos
dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para
los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la
Vía Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el
coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst,
Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas.
También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares
famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y
los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés
en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en
los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga
Jojlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría
casándose.155