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George Crumb

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George Crumb

(B 1929)

Entre sus influencias reconocidas están Debussy, Mahler, Bartók e Ives. La mayor parte
de sus composiciones vocales emplean textos de Lorca, que también es continua
referencia estética e ideológica en el resto de su obra.

Conviene citar como sus características fundamentales un refinamiento infinito en el


uso del timbre, que le lleva al uso aconvencional de instrumentos e instrumentistas, con
un especial énfasis en el piano (los cuatro volúmenes del Makrokosmos son quizá la
mayor aportación al lenguaje pianístico de la segunda mitad del XX), un espíritu místico
y un deseo de atravesar las barreras históricas y culturales para crear un estilo propio
esencialmente variado con referencias a múltiples épocas, lenguajes y culturas.

La reputación de George Crumb como compositor de partituras inquietantemente bellos


de él uno de los compositores más frecuentemente realizados en el mundo musical de
hoy en día ha hecho. Desde Los Ángeles a Moscú, y desde Escandinavia a América del
Sur, los festivales dedicados a la música de George Crumb han brotado como flores
silvestres. El ganador de un Premio GRAMMY ® 2001 y el Premio Pulitzer 1968 en
Música, Crumb sigue componiendo nuevas partituras que enriquecen las vidas
musicales de los que entran en contacto con su arte profundamente humanista.

George Henry Crumb nació en Charleston, West Virginia, el 24 de octubre de 1929.


Estudió en el Colegio Mason de Música de Charleston y recibió el grado de Bachiller en
1950. Posteriormente cursó la Maestría en la Universidad de Illinois, Champaign-
Urbana, bajo Eugene Weigel. Continuó sus estudios con Boris Blacher en la Hochschule
fr Musik, Berlín, 1954 a 1.955. Recibió el DMA en 1959 por la Universidad de
Michigan, Ann Arbor, después de estudiar con Ross Lee Finney.

Primeras composiciones de George Crumb incluyen tres primeras canciones (1947),


para voz y piano, Sonata (1955) para violoncello solo, y Variazioni (1959) para
orquesta, la tesis doctoral del autor. En los años 1960 y 1970, George Crumb produjo
una serie de obras muy influyentes que fueron inmediatamente absorbidos por las
solistas y conjuntos de todo el mundo. Muchas de ellas eran obras vocales basados en la
poesía de Federico García Lorca, incluyendo antiguos Voces de los Niños (1970),
Madrigales, Books 1-4 (1965, 69), Noche de las Cuatro Lunas (1969) y Songs, Drones
y Se abstiene de la muerte (1968). Otras obras importantes de este período incluyen
Black Angels (1970), para cuarteto de cuerda eléctrica, Vox Balaenae (1971), para flauta
eléctrico, violonchelo y piano eléctrico amplificado, Makrokosmos, volúmenes 1 y 2
(1972-1973) para piano amplificado, Música Para una noche de verano (1974) para dos
pianos y percusión amplificados, y la puntuación más grande de Crumb, Star-Child
(1977), para soprano, trombón solista, voces de niños antifonales, coro masculino de
hablar-, campaneros y gran orquesta. Las obras más recientes de George Crumb
incluyen Eine Kleine Mitternachtmusik para piano (2001), Resonancias del Otro Mundo
para dos pianos (2002) y un ciclo de canciones de cuatro partes, American Songbook
(El Río de la Vida, un viaje más allá del tiempo, a los montes, La Vientos del Destino)
(2001-2004).
En su música de George Crumb menudo yuxtapone estilos musicales contrastantes. Las
referencias van desde la música de la tradición del arte-la música occidental, a los
himnos y la música popular, a las músicas no occidentales. Muchas de las obras de
Crumb incluyen elementos programáticos, simbólicos, místicos y teatrales, que se
reflejan a menudo en sus partituras bonitas y meticulosamente anotadas. Una tímida, la
personalidad todavía calurosamente elocuente, Crumb se retiró de su puesto de profesor
en la Universidad de Pennsylvania, después de más de treinta años de servicio.
Nombrado doctor honoris causa por numerosas universidades y ha recibido decenas de
premios y galardones, Crumb hace su hogar en Pennsylvania, en la misma casa donde él
y su esposa por más de cincuenta años criado a sus tres hijos. La música de George
Crumb es publicado por CF Peters.

Datos de George Crumb

El compositor y profesor estadounidense George Crumb (nacido en 1929)


desarrolló un estilo inmediatamente reconocible basado en el potencial colorista de
instrumentos y voces, que evoca el misterio, la sensualidad y gran dimensión
espacial.

George Crumb nació en Charleston, West Virginia, el 24 de octubre de 1929. Comenzó


a escribir música poco después de su décimo año, motivado por su padre, que era un
clarinetista y director de orquesta, y en la música popular y religiosa de su Apalaches
nativo. Este último, sobre todo, se mantuvo una influencia en sus composiciones
maduras. Su madre también fue un violonchelista, por lo que la infancia de Crumb fue
saturada con inspiración musical, de manera que por nueve años ya tocaba el piano de
oído. Obtuvo grados de Mason College, Charleston, (BM, 1950); la Universidad de
Illinois (MM, 1952); y la Universidad de Michigan (DMA, 1959), donde estudió con
Ross Lee Finney. Crumb también estudió con Boris Blacher en el Centro de Berkshire
Music y en la Hochschule für Musik de Berlín (1955-1956). Una cita en la Universidad
de Colorado (1959-1965) y una posición como socio creativo en el Centro de Artes
Creativas y Escénicas en Buffalo (1964-1965), precedidas su puesto desde hace mucho
tiempo en la Universidad de Pennsylvania.

Un eclecticismo muy bien integrado caracteriza obras de madurez de Crumb después de


la década de 1960. Aunque Crumb aparece Debussy, Mahler y Bartók como sus
principales influencias musicales, las obras mismas sugieren orígenes mucho más
amplios. La concisión y la atención al detalle son una reminiscencia de Webern, y la
delicadeza de la línea deriva de la música oriental. Crumb utilizar el vocabulario de las
técnicas vocales e instrumentales extendidas comunes a muchos compositores del siglo
20 y que se expandió considerablemente. Algunos de los efectos más llamativos se
consiguen en las siguientes formas: golpeando un gong mientras lo levanta y sale de un
cubo de agua (llamado el gong de agua); tocando el violín y otros instrumentos de
cuerda "de estilo cuello de botella" (es decir, con una varilla de vidrio o tubo en el
diapasón); jugar directamente sobre las cuerdas del piano, a menudo con los dedos-
dedal tapado; y colocar una cadena de metal de luz sobre las cuerdas del piano para que
las cuerdas, cuando sonaba, vibrará contra. La cantante, también, se le pidió a producir
sonidos no tradicionales y vocalizaciones fonéticos, a veces sobre la base de partes de
un texto, y que a menudo requiere un gran virtuosismo.

En su mayor parte, los sonidos de Crumb se produjeron acústicamente, aunque con el


uso de amplificación para aumentar la variación pandero y para refinar la gradación
dinámica. Esta base colorista también permitió la fácil asimilación de folk, popular, y
los instrumentos no tradicionales en su paleta. Estos incluyen banjo, arpa de boca,
armónica, guitarra eléctrica, vasos de agua, y las piedras de oración tibetanas.

Casi toda la música vocal de Crumb, que comprende una gran parte de su producción
total, se basaba en la poesía de Federico García Lorca, para quien el compositor tenía
una afinidad verdaderamente raro. En cuanto a las voces antiguas de niños para soprano,
niño soprano, e instrumentos (1970), Crumb escribió: "He buscado imágenes musicales
que mejoran y refuerzan la imagen de gran alcance, pero extrañamente inquietante, de la
poesía de Lorca". La resonancia de sus efectos pandero y duraciones prolongadas y el
ritmo armónico lento se combinan para crear una sensación física de la inmensidad y la
impotencia que es muy afín al espíritu de los versos de Lorca.

La cita es otro dispositivo que ocurren con frecuencia en composiciones de Crumb. Él


escribe, también en lo que se refiere a la antigua voz de los niños, "Yo estaba intrigado
por la idea de convivencia de lo aparentemente incongruente: una sugerencia del
flamenco con una cita barroco, o una reminiscencia de Mahler con un soplo de Oriente."
Una vez más, el resultado no fue sencillo collage; las citas, aunque reconocible, se
integraron en un efecto total que era a la vez surrealista y sin embargo, musicalmente
lógico.

La música de Crumb fue ordenado en gran parte libre y no tonal. Microtones, aunque
utiliza, no tenían importancia estructural, como cuando las dobles cuerdas de la
mandolina se afinan un cuarto de tono (las notas entre las teclas adyacentes del piano),
aparte de antiguas voces de niños para agregar sabor picante al sonido. Formas
abstractas no jugaron un papel importante en la organización incluso aquellas obras no
construidas en el marco de un texto. Con frecuencia sus formas eran palindrómico (que
leen los mismos hacia delante como hacia atrás, como ABCBA), y la estructura general
que se apoya en las secciones escritas en notación "circular" (por lo que el personal está
en la forma de un círculo). Cuando los productos tales como isorhythm (que tienen un
esquema repetido de los valores de tiempo) hicieron aparecer, por lo general refuerzan
un texto-un retroceso a Renaissance pintura verbal.

Aspectos visuales también fueron importantes a la música de Crumb, evidente tanto en


la caligrafía fina de sus partituras y en las direcciones a los artistas, que a menudo
requieren el uso de máscaras, como en Lux Aeterna para soprano, flauta baja,
grabadora, sitar y percusión ( 1970) y Vox Balanae para flauta eléctrica, piano eléctrico,
y el violonchelo eléctrico (1971), o las procesiones requeridas y posar sorprendente,
como en Echoes of Time y el río para orquesta (1967). Colocación fuera del escenario
de instrumentistas o cantantes mejoradas tanto visuales como acústicas dimensiones
espacial se ha descrito anteriormente.
Debido al mayor énfasis puesto en la imaginación musical pura y no en el artificio
estructural, la música de Crumb suena más improvisado de lo que realmente es.
Operaciones aleatorias, cuando se especifica, permiten la elección del tiempo y el orden
de entrada, pero las propias notas son fijos. La versión original de la noche Música para
soprano, celesta, piano y percusión (1963) especifica las áreas para la improvisación,
pero para el 1979 la grabación de Crumb escribió los pasajes a cabo en su totalidad, con
la explicación de que la improvisación "rara vez se alcanza un grado consistente de
congruencia estilística . "

Otras composiciones importantes fueron: cuatro libros de madrigales para soprano y


diversas combinaciones instrumentales (libros I y II de 1965, los libros III y IV, 1969);
Canciones, Drones y estribillos de la Muerte para barítono, instrumentos eléctricos y
percusión (1968); La noche de las cuatro lunas de contralto, banjo, flauta alto,
violonchelo eléctrico y percusión (1969); Black Angels (Imágenes I) para cuarteto de
cuerda eléctrico (1970); Makrokosmos I y II para piano amplificado (1972, 1973), III:
Música para una noche de verano para dos pianos y percusión amplificados (1974), y
IV: Mecánica Celeste para piano amplificado, cuatro manos (1978); Dream Sequence
(II Imágenes) para violín, cello, piano y percusión (1976); las Variaciones Gnomic para
piano (1982); y un paisaje encantado para orquesta (1984).

Algunas de las últimas obras de Crumb incluido Niño-Estrella para soprano, voces de
niños, coro antifonales habla masculina, campaneros y gran orquesta (1977);
Apariciones para soprano y piano amplificado (1979); y The Sleeper para soprano y
piano (1984). En este último período, Crumb compuso algunas de sus piezas más
elaboradas. Star-Child, por ejemplo, tiene una puntuación tal involucrado que requiere
de cuatro conductores para conducir a los ocho percusionistas, que realizan en más de
70 instrumentos diferentes, que van desde tapas de ollas, cadenas de hierro, y las
máquinas de viento para otros instrumentos de percusión más tradicionales. Pero tiempo
después de Crumb no se limitó a piezas complejas; también compuso coros de repuesto,
tales como apariciones, que fue su primera composición estrictamente vocal en más de
diez años.

A pesar de que fue uno de los compositores americanos más famosos de las décadas de
1960 y 1970, la popularidad de la obra de Crumb se desvaneció en los años 1980 y
1990, cuando su estilo se vio ensombrecida por los compositores emergentes como
Phillip Glass. En el número de abril de 1995, de Commentary, Terry Teachout escribió:
"Un cuarto de siglo después de los hechos, es difícil recordar la frecuencia con la
música de Crumb solía ser jugado, o por qué una vez que sonaba tan fresco y original;
Black Angels ahora viene a ser tan irremediablemente delgada en la inspiración, un
mero esqueleto de espectaculares efectos instrumentales sin ningún tejido conectivo de
la música ".

Entre las numerosas subvenciones, premios y encargos que recibió fueron los
siguientes: Beca Fulbright (1955-1956); Premio BMI en la composición (1957), para el
cuarteto de cuerdas (1954), y la Sonata para cello solo (1955); Beca de la Fundación
Rockefeller (1965); Becas de la Fundación Guggenheim (1965, 1971); Beca de la
Fundación Koussevitzky (1966) para Madrigales, Libros I y II; elecciones en el Instituto
Nacional de las Artes y las Letras (1967); Premio Pulitzer de Música (1968) para
Echoes of Time y el río; Elizabeth Sprague Coolidge Comisión Foundation (1970) para
los antiguos Voces de los Niños; y De la Comisión de la Fundación de Música (1974)
para Makrokosmos III. Doctorados honorarios le fueron otorgados por Norris Harvey
College, la Universidad de Marshall, y Oberlin College. En 1967 Crumb fue elegido
para el Instituto Nacional de las Artes y las Letras.

En su libro, American Composers, David Ewen cita Crumb en el trabajo de su vida: "La
música es tangible, casi palpable, y sin embargo, irreal, ilusoria música es analizable
sólo en el nivel más mecanicista, y los elementos-el importante impulso espiritual, lo
psicológico. curva, los metafísicos implicaciones son comprensibles sólo en términos de
la música en sí ".

Black Angels de George Crumb

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los


cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos.

Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues


requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros
elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza.

George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de


técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado
contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como
un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que
canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno).

También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues
se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o
lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con
claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del
compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel
caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como
las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del
compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los
músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas,
incluyendo el lenguaje Swahili.
Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como
el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz
Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el
uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la
cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe
Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno), pero cada


uno de ellos a su vez se divide en partes:

I. DEPARTURE
1. Threnody I: Night of the Electric Insects
2. Sounds of Bones and Flutes
3. Lost Bells
4. Devil-music
5. Danse Macabre
II. ABSENCE
1. Pavana Lachrymae
2. Threnody II: Black Angels!
3. Sarabanda de la Muerte Oscura
4. Lost Bells (Echo)
III. RETURN
1. God-music
2. Ancient Voices
3. Ancient Voices (Echo)
4. Threnody III: Night of the Electric Insects

George Crumb y la Notación Musical Gráfica

El compositor norteamericano George


Crumb (n. 1929) se conoce por sus investigaciones de timbres particulares y sus técnicas
extendidas para instrumentos y voces. Aunque no se le considera un compositor de música
electrónica, sus composiciones a menudo utilizan la amplificación de ciertos instrumentos. Su
intervención llega al punto de pedir a los musicos que se desplacen por el escenario o que
abandonen sus posiciones naturales al tocar. Naturalmente, sus exploraciones lo han llevado
también a manipular la notación musical, haciendo uso de sistemas gráficos en sus partituras.
Durante los años 70, escribe su Makrokosmos, título inspirado por el clásico Mikrokosmos del
húngarlo Béla Bartók, uno de los compositores favoritos de Crumb. Consiste de cuatro libros:
los primeros dos escritos para piano, el tercero para dos pianos y percusión, y el cuarto para
piano a cuatro manos.

En el volumen I, para piano amplificado,


Crumb indica que el pianista por momentos debe cantar, gemir, gritar, y susurrar, además de
tocar su instrumento en una manera no convencional. Es aquí donde se pueden apreciar
algunos de los ejemplos más claros del sistema de notación gráfica que a menudo empleaba
Crumb.

“Crucifuxus”, Makrokosmos I
“Spiral Galaxy”, Makrokosmos I

“Agnus Dei”, Makrokosmos II

“Twin Suns”, Makrokosmos II

Crumb alguna vez definió la música como “un sistema de proporciones al servicio del impulso
espiritual.” Es quizás por eso que vemos las proporciones de su notación musical modificadas
en esta manera visual. De cualquier manera, su forma de entender la interpretación musical va
mucho más allá de lo que escuchamos, y pasa al ámbito de lo que vemos, sentimos, y
pensamos.

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