Catalogo Artes Visuales2008

2008
Muestra de Artes Visuales

CREACIÓN injuve EXPOSICIÓN
2008
injuve
Director General del Instituto de la Juventud
Gabriel Alconchel Morales
Jurado
PRESIDENTA
Anunciación Fariñas
Jefa del Área de Iniciativas INJUVE
VOCALES
David Barro
Comisario independiente
Alejandro Castellote
Crítico de fotografía
Estrella de Diego
Profesora de Hª Arte Contemporáneo. UCM
Javier González de Durana
Director del TEA Tenerife Espacio de las Artes
María Pallier
Directora de “Metrópolis” TVE 2
SECRETARIA
Mercedes Cabrerizo.
Instituto de la Juventud
Exposición
ORGANIZACIÓN
División de Programas INJUVE
COMISARIO
David Barro
DISEÑO Y MONTAJE
Intervento
Catálogo
IMAGEN Y DISEÑO
Carrió/Sánchez/Lacasta
MAQUETACIÓN
Grafismo/Javier Sierra
TRADUCCIÓN
Babel, S.L.
© de los textos e imagenes: sus autores
NIPO XXXXXXXXXXXXX
ISBN XXXXXXXXXXXX
DL XXXXXXXXXXXXXXX
Impresión: XXXXXXXXXXXXXX
Instituto de la Juventud
José Ortega y Gasset, 71
28006 Madrid
T. 91 363 78 12
Información@migualdad.es
www.injuve.migualdad.es
Exposición 2008
04.12.08 ± 11.01.09
Círculo de Bellas Artes
ÍNDICE
Presentación
Gabriel Alconchel Morales 6
Equilibrios en el paisaje del siglo XXI

David Barro 8
Obra realizada
Premios
Elssie Ansareo 16
Verónica Eguarás 26
Marina R. Vargas 34
Accésits
Estéfani Bouza 46
Victoria Diehl 56
Santiago Giralda 66
Amaya Hernández 76
Alain M. Urrutia 86
Zoé T. Vizcaíno 96
Seleccionados exposición
Sae Aparicio 108
Vanesa Busto Bocanegra 118
Miren Doiz 128
Helena Fernández-Cavada 138
Chema García 148
Ignacio García 156
Irma Marco 166
Oriol Nogues 176
Ariadna Parreu 186
Enrique Piñuel 196
Isabel Tallos 206
Arantzazu Tomás 216
Proyectos
Raquel Labrador 228

Flavia Mielnik 238
Damián Ucieda 248
English texts 259

PRESENTACIÓN
Continuando con el apoyo y el respaldo a la joven creación en España, a través de la con-
vocatoria anual de Premios Injuve a la Creación Joven, el Instituto de la Juventud presen-
ta la nueva edición de la Muestra de Artes Visuales que, como cada año desde 1985, da
cabida a las diferentes propuestas artisticas que van entretejiendo y configurando los
modelos o patrones expresivos que reflejan los intereses y las preocupaciones vitales y
estéticas de las distintas generaciones al tiempo que las retratan y caracterizan.
La Muestra, que entre otros aspectos se significa por ser una de las grandes citas de
referencia del ámbito estatal español, facilita la incorporación de jóvenes artistas al cir-
cuito expositivo nacional e internacional de Instituciones culturales, así como a los
espacios específicos del medio profesional, y nutre con nuevas propuestas a los pro-
gramas expositivos contribuyendo de este modo a la renovación de los mismos en su
permanente actualización.
En esta edición se ha seleccionado a 25 artistas, 21 en la categoría de obra realizada y 4

en la de proyectos, tras el examen minucioso y atento por parte de los miembros del
Jurado de los dossieres, presentados por los participantes, en los que se plasma su tra-
yectoria artística y profesional. Sus obras se exponen en la Sala Picasso que, al igual que
en años anteriores, acoge también las de Cómic e Ilustración y Diseño, en el marco del
programa Creación Injuve 2008, programa que se hace extensivo a las artes musicales,
escénicas y literarias, y que se presenta en todo su conjunto en el Círculo de Bellas Artes.
Además, en colaboración con la AECID-Agencia Española para la Cooperación

Internacional y el Desarrollo, y para una mayor difusión del trabajo de los artistas
seleccionados, está prevista la realización de una itinerancia de la exposición que per-
mitirá contemplar sus obras en varios países del continente americano.
Enhorabuena, por tanto, a los artistas que han sido seleccionados en esta edición y
gracias a todos los participantes por el envío de sus dossieres, a todos ellos les dese-
amos los mejores éxitos en su trayectoria artística.
Agradecemos a los miembros del Jurado por su inestimable ayuda y profesionalidad en

la selección de los trabajos y al Círculo de Bellas Artes y a la AECID por su estrecha cola-
boración con INJUVE en la realización y difusión de este programa de apoyo y fomento
a la joven creación en España que se enmarca en el más amplio de Creación Injuve.
Gabriel Alconchel Morales

Director General
del Instituto de la Juventud
EQUILIBRIOS EN EL PAISAJE DEL SIGLO XXI
Existen situaciones que por repetidas no dejan de ser una buena noticia. Cada cita
de la Muestra de Artes Visuales de INJUVE es una de ellas. Por eso se espera siem-
pre con una mirada atenta, de críticos, de comisarios, de galeristas. Nuevos nom-
bres y renovadas propuestas cobran visibilidad pública cada año a partir de uno de
los concursos más celebrados de la historia del arte español. Resulta fácil compro-
barlo: tan sólo una vista por el retrovisor nos advertirá de cuántos de esos nombres
que han participado en ediciones anteriores forman parte hoy de nuestro panora-
ma expositivo.
Como miembro del jurado, y representante de éste a partir de este texto de presen-
tación, me gustaría recalcar, antes de nada, la enorme responsabilidad que supone el
valorar los logros e ilusiones de cada una de las propuestas presentadas. Una carga
de dificultades a la hora de comenzar a ejercer un juicio. Obras que su presentación
no corresponde al formato, medio o soporte para el que fue concebida o que exigen
un mayor detenimiento del que habitualmente se dispone en estos concursos, pue-
den verse perjudicadas en una elección que aún atenta puede ser engañada por
determinadas circunstancias. En muchos de estos casos, vence quien más capacidad
discursiva tenga para dominar la atención del primer jurado; el público será el segun-
do. Y ahí será el jurado quien sea puesto en jaque, quien esté en juicio en su capaci-
dad de pensar el futuro y no en el momento donde la obra es presentada. Para nadie
es fácil este tipo de apuestas por unas determinadas afinidades electivas.
Por todo ello no es la primera vez que confieso las muchas ocasiones que me he
sentido incómodo a la hora de participar como jurado en un premio de arte con-
temporáneo. No por el hecho de la participación en sí, sino porque lo subjetivo del
acto de realizar una crítica o una exposición como comisario, aquí, en un jurado, no
debe tener lugar. La valoración de una obra y/o artista debe ser lo más objetiva y
neutra posible. Sin excepciones de gusto, sino a partir de criterios exclusivos de cali-
dad y posibilidades. Se trata, por tanto, de una responsabilidad colectiva.
Pero esta responsabilidad no es fácil. No es la primera vez que he tenido la posibi-

lidad de redescubrir artistas y obras que antes habían pasado por mis manos como
jurado y la falta de una mirada detenida o lo inadecuado de una presentación o for-
mato, provocó que ese trabajo no llamara mi atención hasta tiempo después. Así,
siempre me planteo la pregunta: ¿Existen obras adecuadas y obras buenas pero no
adecuadas para presentar? ¿Existen obras buenas para concurso o existen obras
buenas? La pregunta es clave y severa al mismo tiempo porque deja advertir cier-
tas carencias: ¿Tenemos capacidad de ver algo bueno cuando no tenemos tiempo
para ver los detalles y ante tanta dispersión? Un amigo me puntualiza: “si estamos
obligados a ver una panorámica de imágenes, es muy posible que algo se pierda en
este viaje”. La visión de un jurado es como un travelling fugaz, contaminado por
pareceres diversos, y entre tanto el artista, el riguroso, el serio, se concentra en el
esfuerzo de construir una imagen, de dar forma a una idea.
Es por tanto que no es fácil que todos los miembros de un jurado quedemos ente-
ramente satisfechos con una decisión final que pasa de mano de varias personas. A
todos nos duele ver obras de buenos artistas que bien por una mala presentación,
bien por no convencer a otros miembros del jurado, no permita su justa defensa.
Muchas veces nos topamos con un muro que radica en la dificultad del mensaje. Por
eso, siempre que me preparo para juzgar pienso en esa responsabilidad implícita –y
estoy seguro que el resto de compañeros del jurado también lo hace- y pienso tam-
bién en una metáfora con forma de obra como la que el artista portugués João
Onofre legó hace casi una década en su trabajo titulado Casting. En éste, una serie
de modelos recitan un fragmento del texto de Stromboli de Roberto Rosellini. El
texto, que pertenece al personaje de la película que interpreta Ingrid Bergman, dice
así: “che io abbia la forza, la convinzione e il coraggio” (“que yo tenga la fuerza, la
convicción y el coraje”). La mujer interpretada por Bergman en el film, trata de esca-
par de una isla y declama el texto desde una montaña; son las últimas palabras pro-
nunciadas en la película. Onofre recoge esa situación de conflicto, de límite o ver-
dadera lucha, para establecer un lazo ante la prueba de un casting, momento de
descarga emocional y, en cierto modo, también producto de una situación límite
para quien se enfrenta al virtual jurado. Cada emoción, cada miedo, refleja diferen-
tes intensidades y experiencias que acaban por vencer nuestras intenciones prime-
ras y dan muestras de nuestras fragilidades. Esa insistencia, idéntica a la que ensa-
yan gran cantidad de artistas que se presentan año tras año a un concurso, se tra-
duce en muchos casos en imposibilidad, en necesidad malograda, en gesto en apa-
riencia inútil. Pero ese gesto nunca es inútil. No me cansaré de repetirlo.
Simplemente, desde esta tribuna, me corresponde animar a los artistas y justificar
que si aquí no están es porque se ha entendido que las obras presentes debían
estarlo antes, sabiendo que esta opinión o verdad nunca será absoluta.
Dibujando un nuevo contexto.
Si los noventa se abrían con una caída, la del muro de Berlín; el siglo XXI lo hacía
con el derrumbe babilónico de las Torres Gemelas. En el arte, nos encontramos con
unos años que funcionan a modo de puntos suspensivos, sin etiquetas claras, sin
posicionamientos de grupo realmente significativos y donde en pocos lugares han
surgido marcas propias o estrategias comunes capaces de lanzar una consigna sin-
gular. Naturalmente hay excepciones, pero, salvando esos casos puntuales, resulta
natural que pocos teóricos se hayan atrevido a trazar un concepto de generación
más o menos firme en sus respectivos contextos. Podríamos hablar de una genera-
ción expandida, híbrida, fragmentada, incluso de una generación ‘sin generación’
para los noventa y de un estallido de las disciplinas y la información para la década
actual, heredera de ese eclecticismo de formas y actitudes.
Entre tanto, se han conseguido las infraestructuras necesarias -que no su efectivi-

dad absoluta, claro. A un auge de galerías privadas siguió el despertar compulsivo
de centros públicos. En 1995 se inauguraba el MACBA, bajo la dirección de Miquel
Molins. También el MEIAC en Badajoz, con Antonio Franco. Mientras se nombraba a
Juan Manuel Bonet director del IVAM. En 1997, un joven Rafael Doctor dirigirá el
recién creado Espacio Uno, importante plataforma de lanzamiento para lo emer-
gente. En 1998 el CGAC destituye a Gloria Moure y nombra a Miguel Fernández-Cid,
al tiempo que Manuel Borja -hoy en el MNCARS- deja la Fundació Tàpies para con-
ducir el MACBA. Un año más tarde se inaugura el Espai d’Art de Castellón con una
línea de actuación muy concreta diseñada con acierto por José Miguel G. Cortés.
Entre tanto, Vicente Todolí ‘cosecha’ éxitos en el Museu Serralves de Oporto que le
llevarán en 2002 a la dirección artística de la Tate Modern de Londres. Ese año se
inaugura Artium en Vitoria, Caixaforum en Barcelona, la Casa Encendida en Madrid
y el Museo Patio Herreriano en Valladolid. También en esos años abrirían sus puer-
tas el Da2 de Salamanca, el MARCO de Vigo, el Centro José Guerrero, el CAC de
Málaga, LABoral en Gijón y el significativo fenómeno del MUSAC de León.
Pero el problema de fondo continuó siendo el mismo: la escasa visibilidad del arte
español en la escena internacional, lo que no es en todo caso un problema creativi-
dad, sino de estrategia. Sin unas estructuras estables de promoción ni una suerte de
exotismo que justifique la circulación de las identidades, la exportación del arte
español es difícil y toda estrategia de salida corre el riesgo de resultar forzada.
Posiblemente haya sido el caso de exposiciones como ‘The Real Royal Trip’, que ate-
rrizó en el P.S.1. de Nueva York en 2003 o, un año antes, ‘Big Sur’ en Berlín, comisa-
riadas por Harald Szeemann y Enrique Juncosa, respectivamente. Otras, como los
‘Bad Boys’ venecianos de Agustín Pérez-Rubio, jugaron otro papel. Aunque la gene-
ración más reciente parece más cerca de conseguirlo con mayor naturalidad, siem-
pre a partir de un esfuerzo individual de artistas que -en muchos casos- se han ido
a vivir al extranjero y han conseguido labrarse un camino por sí mismos, como Ester
Partegás, Lara Almarcegui, Dora García, Fernando Sánchez-Castillo, Ángela de la
Cruz, Sergio Prego o Alicia Framis. Antes el paradigma en este sentido fue clara-
mente Juan Muñoz, pero también Muntadas, o ya en los años noventa Daniel
Canogar. Eulàlia Valldosera es también otra de las artistas que obtuvo antes un
reconocimiento exterior que nacional. Ibon Aranberri es el más reciente de estos
fenómenos.
Esa es la gran caries, el gran clamor en el desierto: la promoción internacional. Eso

que en los últimos años han sido varios los comisarios españoles (Vicente Todolí,
Chus Martínez, Enrique Juncosa) que pasaron a dirigir museos extranjeros o gran-
des citas internacionales como la Bienal de Venecia (María de Corral, Rosa
Martínez). Aunque, tal vez, esa obsesión, ese déficit, no debería intentar solucionar-
se de golpe, ni a partir de fórmulas mágicas. El período que va desde los primeros
años noventa hasta hoy, casi veinte años, se caracteriza, como apuntamos, por
superar otro déficit: el de las infraestructuras. Esa normalidad infraestructural per-
mite mejores condiciones para trabajar y ha significado un cambio: el de la inocen-
cia al profesionalismo, el de la renovación anímica a la normalidad, el del pensa-
miento rápido a la observación de modelos.
Formalmente, a partir de los noventa asistimos a una actitud diferente a la hora de

mirar y solucionar las imágenes por parte de los artistas. La imagen ya no se persi-
gue para mimetizarla, sino que cobra forma una vez asumida su misma ausencia. La
fisura perceptiva construye el discurso. Los discursos espaciales se manifiestan
también diferentes, una vez asumida su condición expandida y temporal. El silencio
y el desplazamiento, en otras palabras, el arte como ciencia de comportamiento,
acabará definiendo también estas actitudes. Naturalmente en el discurso entre la
preponderancia de la pintura y la escultura, a modo de dictaduras tradicionales,
ganará la apertura hacia lo fotográfico, lo videográfico, lo conceptual y lo social. Los
más mayores continúan entendiendo el debate de un modo más gráfico: la lucha
entre picassianos y duchampianos, ganada claramente por los segundos. Y para
que esto sucediera, la pintura llegó a intentar ser borrada de algunos discursos de
conjunto, aunque los pintores de éxito en los ochenta continuaron su carrera indivi-
dual manteniendo hoy, en muchos casos, excesivas cotizaciones logradas en los
tiempos de euforia. En todo caso, ninguna de las dos décadas dejó totalmente de
lado la pintura, como demuestra el éxito de exposiciones como ‘Nuevas abstraccio-
nes’ en el Palacio de Velázquez, comisariada por Enrique Juncosa en 1996.
Así fue como el conceptual de los noventa -ya convertido en academicismo- decli-
nó para sus detractores en una ‘década vanguardista’ que derivó en actividad sub-
vencionada. Para otros, los afines, la década será impregnada de un espíritu posmo-
derno alternativo, filtrado por la vía americana, aunque paradójicamente siga la
esencia de teóricos europeos como Benjamin, Derrida, Barthes o Baudrillard. Si for-
malizamos estas palabras en exposiciones, dos muestras que tuvieron como comi-
sario a Dan Cameron -‘El arte y su doble’ (Fundació La Caixa) y ‘Cocido y Crudo’
(MNCARS)- ilustran lo dicho. Es un momento donde el arte se piensa a sí mismo y
la actividad artística se pregunta por sus funciones. Se busca así la exégesis del len-
guaje artístico, más que la genialidad de los lenguajes individuales. Es el momento
de la llegada de artistas como Antoni Abad, Daniel Canogar, Ignasi Aballí o Eulàlia
Valldosera. Otros como Txomin Badiola, Pello Irazu, Rogelio López Cuenca o Pepe
Espaliú y su acción-escultura social, habían llegado antes. También Valcárcel
Medina, que señalaba en una entrevista reciente que “es más difícil escapar del
dinero que de la policía”. En el contexto teórico lo hacía José Luis Brea con sus
‘auras frías’. Y mientras, el arte contemporáneo español escoraba hacia los márge-
nes conforme avanzaba la década, un tanto al modo fluido que había sido reivindi-
cado décadas atrás. El arte vomita así su esencia en plena calle para primar la expe-
riencia. Artistas como Javier Peñafiel o Tere Recaréns repiensan lo institucional y
practican algo cercano a aquella teoría de la estética relacional que conduce al arte
fuera de su marco habitual. De una manera más festiva tendríamos aquí el caso de
Ana Laura Aláez, paradigma de un momento y una estética concreta que tuvo su
efervescencia a finales de los noventa. Son dos etapas distintas y con casos bien
diferentes pero que, en todo caso, beben de las mismas fuentes.
Lo cierto es que desde los años noventa preocupa la teoría. No es que antes no pre-
ocupara, pero no era el centro de los discursos. La euforia del mercado no lo per-
mitía. Así, cambiarán los modos de los críticos. Del historicismo apasionado se pasa
al debate. El citado Brea, Juan Vicente Aliaga, Miguel Cereceda, Carles Guerra,
Fernando Castro, Estrella de Diego o Rosa Olivares, por citar algunos protagonis-
tas, acompañarán el cambio que también seduce a las Facultades de Bellas Artes,
que compatibilizará la tradicional enseñanza del oficio de las disciplinas con un inte-
rés expansivo por otras disciplinas y por ese debate teórico. El objeto deja paso al
espíritu crítico.
Mientras, en los tiempos más recientes, el que coincide con nuestros protagonistas,
el mensaje pasará a ser algo más transversal y contaminado. El espectador como
voyeur activo, la apropiación y el camuflaje, las relecturas excedidas, el diseño, los
géneros, el humor, la animación, lo digital o la arquitectura son temas que conflu-
yen en una generación marcada por una indiscutible hibridación, mixta y plagada
de intersecciones, mestiza y fragmentaria. Una generación heredera de un clima de
incertidumbre en lo social, de inseguridades políticas y económicas, capaz de refle-
jar ese estado quebradizo en el propio ejercicio del arte contemporáneo. Muchos
hipertextos se podrían trazar para lidiar con la nueva savia aquí presentada a partir
de una serie de artistas que tratan de asomar la cabeza; esperando la vez mientras
hacen equilibrios en el paisaje del siglo XXI.
David Barro
Premios Elssie Ansareo
Verónica Eguarás
Marina R. Vargas
Elssie Ansareo
≤ Sin título. La danse des flâneuses. 2007.
Fotografía B/N. Impresión lambda. 200x180 cm.
18 / 19
Sin título. La danse des flâneuses. Díptico. 2007.

Fotografía B/N. Impresión lambda. 130x117 cm. (cada una)
La danse des flâneuses. Políptico. 2007.
Fotografía B/N. Impresión lambda. 200x1040 cm.
20 / 21
Sin título. La danse des flâneuses.
Detalles del Políptico. 2007.
22 / 23
La danse des flâneuses, título elegido por Elssie Ansareo
para su serie de fotografías, representa y contiene las
claves de la obra en cuestión de un modo más oblicuo, y
también extrañamente más certero, de lo que estamos
acostumbrados a encontrar.
En primer lugar, el flâneur, individuo profundamente consciente de su identidad específica
que asiste con curiosidad y también con cierto cinismo a la vida urbana como si fuera un
espectáculo organizado para su deleite, se convierte aquí en unas flâneuses (¡femenino
plural!) que, además, se encuentran al parecer enfrascadas en una danza. Esta subversión
del término original, en el que el género masculino, la singularidad y la pasividad
desapegada constituían factores determinantes, no es otra cosa que el reflejo más
inmediato y manifiesto de la auténtica contradicción que habita en las imágenes de
Ansareo, y que confiere a éstas toda su fuerza magnética. Tal contradicción es la derivada
de que el espectador sea además autor y principal protagonista de la representación, algo
que únicamente puede ocurrir cuando se alcanza un grado máximo de implicación con ella.
Aquí, la flâneuse elige, instaura y anima, bajo una metodología coreográfica (danse), todo un
sistema complejo a su imagen y semejanza para después ocupar en él aquel puesto que
decide pertinente. El sistema incorpora una multiplicidad de elementos que tienen su
referencia en el otro mundo, que como tal existe y es conocido por todos, pero que al mismo
tiempo son insólitos, intrínsecamente nuevos: todas las relaciones humanas aparecen dotadas
de una naturaleza secreta y misteriosa, de una singularidad ineludible, y eso incluye a las
jerarquías (o la palmaria ausencia de ellas), a los amantes, los amigos, los vecinos, y desde
luego a la familia. En cada uno de estos casos, la asunción del triple cometido que se asigna
Ansareo roza a su vez la triple esquizofrenia. Así, el actor se las arregla para ser otro sin dejar
de ser él mismo en ningún momento, habilidad que distingue en última instancia a los grandes
intérpretes y que introduce la vida genuina en toda ficción de la que forma parte. Igualmente,
el autor y escenógrafo toma como principal criterio de selección la medida en que cada
elemento lo representa a él mismo, siendo consciente sin embargo de que en modo alguno
puede soslayar el componente de artificio (de alteridad) que requiere la dramaturgia. Por
último, el espectador es apartado por decreto de toda toma de decisiones, pero, ¿cómo
acatar la norma cuando se es por vocación una flâneuse dansante?
Vemos por tanto que crear un sistema como éste no es tarea sencilla: conlleva esfuerzos y
sinsabores, a menudo auténtico dolor vital. Por ello, los dioses responsables de todo
génesis de que se tiene noticia tienden a mantenerse en una distancia prudente con
respecto a su creación; cuando contravienen esta sencilla cautela, invariablemente salen
escaldados.
En el caso que nos ocupa, la hacedora-coreógrafa prefiere pulverizar ese margen de
seguridad, asumiendo el riesgo de formar parte del mundo que acaba de engendrar.
Ansareo ha decidido, pues, que no existe otra opción para ser su espectadora que
habitarlo, es decir, ser la flâneuse que observa su espectáculo desde dentro.
Ianko López Ortiz de Artiñano

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Elssie del Carmen Ansareo Núñez

México D.F, 1979.
Licenciatura en B.B.A.A. por la Universidad Premios y Becas

del País Vasco > Cursos de Doctorado
2008 Beca Externa Fundación Bilbaoarte,
“Pensamiento y praxis en el Arte
trabajo conjunto con el artista Eduardo
Contemporáneo” Universidad del País Vasco.
Sourrouille > 2006 Premio en la 1ª Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo.
Exposiciones individuales Almería > Beca de Artes Plásticas de la
2006 Centro Cultural Montehermoso. Diputación Foral de Vizcaya > Seleccionada
Vitoria > Espacio Marzana. Bilbao > 2004 en Ertibil 2006 > 2005 Seleccionada en
Aula de Cultura Ignacio Aldecoa. Vitoria > Generación 2006. Cajamadrid > Obra
Sala de exposiciones Bastero. Andoain. Adquirida en el Certamen de Artes
Guipúzcoa > Arteko. San Sebastián > Plásticas Unicaja 2005. Málaga > Ayudas a
Aula de Cultura de Amorebieta > 2003 la Creación Centro Cultural Montehermoso
Espacio Marzana. Bilbao > La fàbrica de > Mención Especial en el Concurso: Los
Licors. Espai fotogràfic. Palma de Mallorca. libros únicos, en Fotoencuentros 2005.
Cajamurcia > 2003 Beca Endesa para
Exposiciones colectivas (Selección) Artes Plásticas > Espacio de cesión para la
realización de un proyecto artístico.
2008 Calypso. Sala Rekalde. Bilbao > Bilbaoarte > 2000 Publicación del libro
ARCO 08. Fundación Unicaja > 2007 Variaciones de Piel. Editado por Ongarri.
Chacun à son goût. Museo Guggenheim de Prólogo de Adelina Moya.
Bilbao. Comisariada por Rosa Martínez >
Objeto de réplica. La Colección VII. ARTIUM
Obra en colecciones (Selección)
Vitoria > Oasis. Centro de Arte
Contemporáneo. (CAC). Málaga, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte
Comisariada por Fernando Francés > Contemporáneo > Diputación Foral de
ART/Salamanca. Espacio Marzana > 2006 Álava > Fundación Bilbaoarte > Fundación
X Certamen de Artes Plásticas Unicaja. Endesa > Fundación Unicaja > MECA.
Palacio Episcopal. Málaga > ALBIAC. 1ª Mediterráneo Centro Artístico > Museo
Bienal Internacional de Arte Guggenheim de Bilbao > Museo de Teruel
Contemporáneo. Museo Geominero. > Universidad del País Vasco.
Almería > Generación 2006. Premios y
Becas Cajamadrid.. La Casa Encendida. Contacto
Madrid, Sala de Exposiciones del Mercado
610 208 721
del Este. Santander. Espai Cultural de Caja
elssie 24@hotmail.com
Madrid. Barcelona. Sala de las Atarazanas.
Valencia. Sala Santa Inés. Sevilla > Ertibil
Representada por Espacio Marzana
06. > 2005 Síntesis. 15 años de Becas
www.espaciomarzana.net
Endesa. Madrid > DFOTO Feria
Internacional de Fotografía y Vídeo. San
Sebastián. Espacio Marzana > 2004 Ertibil
04. > Getxoarte 04. > 2003 Residentes
Fundación Bilbaoarte > El Paisaje. Espacio
Marzana. Bilbao > Dosmil3 dePRESION.
Windsor Kulturgintza. Bilbao > Getxoarte.
Salón de las artes emergentes.
Verónica Eguarás
Ínodo. 2008
Video animación. DVD. 10 min.
28 / 29
Círculo Virtuoso. 2005
Video animación. DVD. 13 min.
30 / 31
Contar historias. A través de la fábula y ayudada de sus
arquetipos, se puede disfrazar lo subjetivo de universal,
para contar lo personal en clave de cuento. Y la
animación resulta fascinante por su capacidad de
extrañamiento. A través de ella se puede disfrazar lo
siniestro con la apariencia de lo inocente y cautivar a
través de su magia.
Círculo Virtuoso e Ínodo, forman un díptico en el que los personajes están conectados a
través de los símbolos y de sus conflictos. Caminan y buscan hasta llegar a dos finales que
no sospechan, pero desean. El género, lo sensitivo, lo surreal y la introspección personal
son los temas que deambulan a lo largo de los vídeos.
In-habiting es un proyecto planteado a partir de la reflexión en torno al significado y uso
del cuerpo en nuestro tiempo. Nuestro cuerpo empieza a convertirse en un objeto más,
separado conceptualmente de nosotros pero que nos pertenece no como lo que somos,
sino como una posesión más, proclive a ser reparada, vendible, alquilada o desechada. En
In-habiting se representa al cuerpo deshabitado, abandonado y solitario. Un cuerpo con un
interior que se nos muestra caótico pero bello y cálido, y que pretende actuar como mapa
conceptual que nos reconcilie con lo más visceral que nos pertenece a todos. Se plantea
una narración con tres estados (fotografías, escultura y vídeo) en la que el final queda
abierto habiendo dos posibles desenlaces: el cuerpo finalmente habitado o el cuerpo que
se decide a abandonarnos. De nuevo la identidad, el universo femenino, su status y papel
social asoman como temas en este trabajo.
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Verónica Eguarás Alcántara

Pamplona, 1979
Licenciada en Bellas Artes. Universidad del Premios y Becas

País Vasco > Cursos de Doctorado:
2007 Ayudas a las Artes Plásticas.
Investigación y Creación Artística.
Gobierno de Navarra > Ayudas al
Universidad del País Vasco > Curso
Audiovisual. Gobierno de Navarra > 2005
superior de Realización de Video-Cine-TV.
Premio Encuentra. Encuentro de Artistas
Escuela IDEP de Barcelona.
en Uncastillo > 2º premio. Encuentros de
Jóvenes Artistas de Navarra > 2º Premio.
Exposiciones individuales Pamplona Jóvenes Artistas > Ayudas a las
2008 Círculo Virtuoso – Inodo. Horno de la Artes Plásticas. Gobierno de Navarra >
Ciudadela de Pamplona > In-habiting. Ayudas a la Creación Audiovisual. Centro
Centro Huarte de Arte Contemporáneo. Cultural Montehermoso. Vitoria > 2003
Navarra > 2006 Premiados Pamplona Beca de ampliación de estudios. Gobierno
Jóvenes artistas 2005. Ciudadela de de Navarra > 2002 2ª Premio y Premio del
Pamplona > A Tar. Museo Gustavo de Público. Encuentros de Jóvenes Artistas de
Maeztu. Estella. Navarra. Navarra > 2001 Beca Erasmus. Universidad
de Sheffield. Inglaterra.
Exposiciones colectivas (Selección)
2008 Festival de videoarte VIDEOAKT 08.
Selección LiminalB. Centro GLOGAUAIR. Ayuntamiento de Pamplona > Gobierno de
Berlín > 2007 Asado Monstruoso. Sala Navarra. Instituto Navarro de Deporte y
Carlos III. Pamplona > Liminal Transit Video Juventud > Fundación Norte. Zaragoza >
Exhibition. Kforumvienna (Viena) y festival Fundación Uncastillo. Zaragoza.
OFF LOOP. (Ego Gallery, Barcelona) >
2006 5 años encontrándonos. Sala Amadís. Contacto
Injuve. Madrid > Multiculturalidad - Arte sin
667 045 603
límites. Itinerante. Navarra > Getxo Arte:
veronicaube@hotmail.com
salón de las artes emergentes. Getxo >
www.veronicaeguaras.com
Explum 06. Murcia > Me gustas mucho.
Sala Reciclarte. Pamplona > 2005
Encuentro de Artistas de Uncastillo. Sala
de Uncastillo. Zaragoza > Pamplona
Jóvenes Artistas. Ciudadela de Pamplona >
2004 StripArt-2004, Muestra de Jóvenes
Creadores. Barcelona > 2003 Encuentros
Jóvenes Artistas de Navarra. Sala de los
Encuentros. Pamplona.
Marina R. Vargas
≤ Noli me tangere (no me toques). 2008
Dimensiones variables.
36 / 37
De la serie Noli me tangere. 2008

Fotografía color.
Impresión Lambda sobre papel endure
40cm x 50cm
(Foto realizada por: Antonio Navarro)
Jardín de suplicio. 2007
Instalación, dimensiones variables.
Cortesía galería May Moré.
38 / 39
Anunciación (detalle). 2007

Vinilo negro y placas de melamina blanca policromadas. Dimensiones variables.
Colección Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium.
The honey games. 2006
Instalación, dimensiones variables.
Cortesía Colección Privada (Madrid). Foto: Juan Ude.
40 / 41
Tránsito. 2007
Mixta sobre lona, 185x185 cm
Cortesía colección Museo Artium
(Vitoria Gasteiz).
¿Qué pretendo con mi obra?
Quizás perturbar, crear un estado de convulsión, un
paréntesis emocional subconsciente.
Me interesa lo que le interesa a todo el mundo, en
realidad lo básico: el sexo, la vida y la muerte. O
más que la muerte, las formas de morir, o la
violencia; e incluso, más que la violencia, el
padecimiento, el sufrimiento, o igual más que la
violencia misma, el dolor. La muerte es sólo una
metáfora, por ejemplo: cadáver significa en latín
caída. Entonces, como decía Louise Bourgeois, me
interesa el Arte de caer, de saber caer.
De ahí, me remito a los símbolos medievales o los símbolos de la muerte por su
naturaleza orgánica, los cuales siempre coinciden que tienen una relación con la
guerra o la sexualidad, porque hay una línea muy fina entre el deseo y la muerte.
El Arte es un objeto de deseo, el artista es un deseante, es un hacedor de objetos
de seducción, o de amuletos de protección que no dejan de ser objetos de
seducción. Por eso me refiero habitualmente a una estética fetichista, creyendo
que mis obras son imágenes con poder, estoy hablando todo el rato de juegos de
fuerzas y poderes. Y ahí es donde entra el sexo como una conducta vital
(feminismo aparte), como una relación de identidad con lo que soy a nivel
simbólico. En este sentido, me interesa el símbolo porque es como un emblema,
porque en él es como si la imagen hablase por si sola, es como que la imagen se
fundiese con la palabra; señalando a una realidad, sin decir “esta es la realidad”. Es
como hacer un giro elíptico para llegar al mismo punto, nuestro presente, un
presente preñado de nuestro pasado (simbólico).
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Marina Rodríguez Vargas

Granada, 1980
Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Premios y Becas

Granada > Realizando segundo curso de
2008 Accésit en el Premio Internacional de
Doctorado en Bellas Artes. Universidad de
Pintura Fundación Focus Abengoa´08
Granada.
(Sevilla) > 2006-2007 Beca de Estudios y
Creación X Convocatoria Manuel Rivera,
Exposiciones individuales Diputación de Granada. Centro José
2008 Jardín de Suplicio. Galería May Moré. Guerrero > 2005-2006 Beca para Jóvenes
Madrid > Noli me tangere. Instituto Manuel Creadores, Fundación Antonio Gala,
de Góngora. La Noche Blanca, Córdoba > Córdoba > 2006 Encuentro Internacional
2006 Psicoideos. Sala Baja del Palacio de de Arte, Receiving Institución, Instytut
los Condes de Gabia. Centro José Guerrero, Wzornistwa, Polonia (Varsovia) > 2º Premio
Diputación de Granada* > The Honey XV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto
Games, Studio Abierto, Granada > 2004 (Caja Madrid).
Sacrificio. Carmen de la Victoria, Granada*.
Colección Centro-Museo Vasco de Arte
2008 Premio Internacional de Pintura
Contemporáneo. ARTIUM > Colección
Fundación Focus Abengoa. Hospital de los
Fundación Gregorio Prieto, Caja Madrid >
Venerables. Sevilla > Pegamento
Colección Fundación Focus Abengoa.
Aglutinante. Galería Costantini. MIART.
Sevilla > Colección Caja de Extremadura >
Feria de Arte de Milán. Italia > We are is
Colección Caja Granada > Colección
porno, sí. Sala el Aglutinador. La Habana.
Fundación Antonio Gala.
Cuba > Hasta el infinito y más allá... CAS.
Centro de arte de Sevilla > 2007 De Granada
a Gasteiz. Un viaje de ida y vuelta. ARTIUM, Contacto
Centro-Museo de Arte Contemporáneo, 675 523 878
Vitoria-Gasteiz > Ultramar. Centro Damián marinarvargas@hotmail.com
Bayón del instituto de América de Santa
Fe. Granada > Galería Luz y Oficios, Centro Representada por galería May Moré
Provincial de Artes Plásticas y Diseño www.galeriamaymore.com
Ciudad de La Habana (Cuba) > 2006
Hermosos Principios, Fundación Antonio
Gala, Museo de la Ciudad de Madrid > Sin
Miramiento Alguno, paralela a la IX Bienal
de la Habana, La Habana, Cuba > XV
Certamen de Dibujo Gregorio Prieto, Caja
Madrid, Museo de la Fundación Gregorio
Prieto (Ciudad Real) y Museo de la Ciudad
de Madrid > En el País de los Ciegos,
Instituto de América, Santa Fe, Granada >
2005 Cariño Seguro que tu Sabes Hacer
Algo, Círculo de Bellas Artes, Madrid >
2001 Sensexperiment 2001, Festival de
Arte Contemporáneo. Lucena, Córdoba.
Accésits Estéfani Bouza
Victoria Diehl
Santiago Giralda
Amaya Hernández
Alain M. Urrutia
Zoé T. Vizcaino
Estéfani Bouza
≤ 1004 Serie Colección. (Detalle) 2007
Impresión lambda, 33,2x52,9 cm.
48 / 49
2007 Serie 10 años. 2008

Impresión lambda, 68x102 cm.
Acumulaciones I, II, III, IV. Serie. 2007
Impresión lambda, 27,5x27,4 cm.
50 / 51
1015 Serie Colección. 2007
Impresión lambda, 30,3x47 cm.
52 / 53
Hace unos años, vi el documental Los espigadores y la
espigadora de Agnes Varda, en él se ve como gente
recoge cosas que para otros pasaron a ser desperdicios,
apropiándose de esos objetos y dándoles un nuevo uso.
Con el tiempo, me he dado cuenta que yo también soy un poco como esas personas. Así,
tal como ellos hacen, acumulo y recojo objetos que para otros carecen de valor. Además,
hay que añadir mis manías, entre las que están el hecho de contar, catalogar, clasificar, el
orden... Todo esto, son algunas de las cosas que se pueden ver en mis fotografías, que se
terminan convirtiendo en un proceso absurdo y cíclico que nunca termina.
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Estéfani Bouza Arnoso

As Pontes (A Coruña), 1983
Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Premios y Becas (Selección)

Vigo > Máster en Fotografía en EFTI.
2008 Seleccionada para participar en el
Madrid > Cursando Postgraduado de
apartado de Tentaciones en Estampa >
Estudios Fotográficos en la Universidad de
2006–2007 Beca para el
Westminster, Londres (2008-2009).
perfeccionamiento de estudios artísticos
de la Diputación de A Coruña > 2005–2006
Exposiciones individuales Beca de colaboración otorgada por el
2008 Colección. Espacio Abierto. EFTI. Ministerio de Educación y Ciencia para la
Fuenterrabía. Madrid. realización de un proyecto de colaboración
con el departamento de pintura de la
Exposiciones colectivas (Selección) facultad de Bellas Artes. Universidad de
Vigo > 2005 Beca Erasmus de la
2008 Tentaciones. XVI edición ESTAMPA. Universidad de Vigo para realizar estudios
Recinto ferial de IFEMA. Madrid > en Kingston University. Londres.
Entrefotos 08. Centro Cultural Conde
Duque, Madrid > Outonarte, sobre el
espacio infinito. La creación alrededor del
mar. Sala Salvador Madariaga, A Coruña > Colección EFTI.
2007 V Premio Auditorio de Galicia para
nuevos artistas 2007. Auditorio de Galicia. Contacto
Santiago de Compostela > Ya están aquí.
658 563 039
Galería Bacelos. Vigo > PhotoEspaña,
najerome7@hotmail.com
20+20, Presente y Futuro de la Fotografía.
Casa de Vacas, Ayuntamiento de Madrid.
Retiro, Madrid. Sala de exposiciones de
EFTI. Fuenterrabía. Madrid > PhotoEspaña,
Colectiva Master 2006-2007. Sala de
exposiciones de EFTI. Fuenterrabía. Madrid
> 2006 Proyecto Vidrio. CGAC (Centro
Galego de Arte Contemporánea). Santiago
de Compostela > 2005 Ya estamos aquí.
Sala de exposiciones de facultad de Bellas
Artes. Pontevedra > Germany Vs Spain.
Seminar room, Kingston University.
Londres > 2003 Arte Ayuda Galicia.
Exposición itinerante: Villagarcía, Vigo,
Ourense, San Sebastián, Santiago de
Compostela, Pontevedra > 2002
Saturación. Galería Sargadelos. Pontevedra.
Victoria Diehl
≤ Sin título. (Detalle) 2007
Fotografía digital. 103x125 cm.
58 / 59
Sin título. 2007

Sin título. 2007
60 / 61
Sin título. 2007 Sin título. 2007 ±

Fotografía digital. 83x125 cm. Fotografía digital. 83x125 cm.
Estableciendo una relación entre el aspecto físico y el
interior del cuerpo humano como lugar que alberga
sentimientos además de órganos vitales, continúo
elaborando imágenes que reflexionan sobre la belleza y
la anatomía del mismo. Al igual que Barthes buscando
rasgos en las fotografías de su madre en los que
reconocerla, yo fotografío buscando imágenes en las que
reconocer el propio cuerpo.
Para hablar de anatomía y de muestro interior lo mas evidente seria buscar en las imágenes
que nos proporciona la tecnología actual como los rayos x, ecografías, endoscopias,
tomografías y resonancias para mostrar el interior del organismo, los microscopios
electrónicos hasta permiten, la observación de las células y las micrografías por escáner de
barrido son capaces de producir una imagen tridimensional de hasta el elemento más
pequeño de nuestro cuerpo.
Y aunque la utilización de estos recursos tecnológicos produce imágenes que facilitan la
visualización del cuerpo humano, nosotros no lo reconocemos inmediatamente así como se
nos aparece en estas imágenes de diagnostico médico.
Somos conscientes de cómo es nuestro cuerpo y de qué esta constituido, pero nos es
extraño el descubrirlo así, porque no lo sentimos de este modo. No lo reconocemos.
Existe un gran distanciamiento entre el cuerpo sentido y el verdadero funcionamiento de
éste. Cuando tenemos un sufrimiento emocional seguimos localizando el dolor en el
corazón, aun conscientes de que este órgano es “solamente” un músculo que actúa como
una bomba aspirante e impelente.
Escondido bajo la piel sentimos un interior muy distinto.
Para estas representaciones utilizo imágenes de esculturas, no es aleatorio el simbolismo
creado por la utilización de imágenes de divinidades como las representaciones de Venus
para crear estas imágenes de cuerpos femeninos
64 / 65
Victoria Eugenia Diehl López

A Coruña, 1978
Licenciada en Bellas Artes, especialidad Premios y Becas (Selección)

Pintura. Universidad de Vigo > Diploma de
2006 Beca de la Academia de España en
Estudios Avanzados en Fotografía.
Roma. Ministerio de Asuntos Exteriores y
Universidad de Vigo.
Cooperación > 2005 Adquisición en
Generación 2005. Caja Madrid > Beca
Exposiciones individuales Tentaciones. Estampa’05 > 2004 1º Premio
2008 Victoria Diehl. Escuela de Arte de en el 1º Certamen de Pintura Ayuntamiento
Mérida. Mérida (Badajoz) > 2007 Leben de Monforte de Lemos > Medalla de Honor
und Tod der Statuen. Instituto Cervantes de en el IV Certamen Nacional Parlamento de
Viena. Austria > Dalla Carne a la Pietra. La Rioja > Adquisición en el VII Certamen de
Instituto Cervantes de Milán. Italia > 2006 Artes Plásticas Sala El Brocense > Finalista
Dalla Carne a la Pietra. Instituto Cervantes en el XIX Premio de Pintura BMW > Finalista
de Roma. Italia > El tiempo, gran escultor en el III Certamen de Artes Plásticas
(Con Maribel Domenech). Espacio de Arte Diputación de Ourense > 2003 1º Premio en
Contemporáneo La Barbera. Villajoyosa, el XX Certamen de Pintura del
Alicante > 2003 Otoño Fotográfico. Ayuntamiento de Cambre > Accésit en el
Fundación Caixa Galicia. Ourense > 1ª Beca Certamen de Fotografía INJUVE’03.
de Creación Fotográfica del Ayuntamiento
de Santiago de Compostela (Con Olalla Obra en colecciones (Selección)
García). Museo do Pobo Galego. Santiago
Colección de Arte Contemporáneo de
de Compostela.
ARTIUM, Museo Vasco de Arte
Contemporáneo > Colección Norte de Arte
Exposiciones colectivas (Selección) Contemporáneo > Colección de Arte INJUVE
2008 Atemporalidad. Colección Pecar. > Colección de Arte de la Academia de
Museo de Bellas Artes de Santander > Unha España en Roma > Colección de Arte Caja
marea de amor. Fundación Caixa Galicia. La Madrid > Colección de Arte de la Diputación
Coruña > 2006 Catarsis. Rituales de Provincial de Cáceres > Colección de Arte
Purificación. ARTIUM, Museo Vasco de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de
Contemporáneo. Vitoria > Academia’06. Santiago de Compostela > Colección de
Academia de España en Roma. Italia > Pintura del Ayuntamiento de Cambre >
Urban/Suburban. Fotografia-Festival Colección de Pintura del Ayuntamiento de
Internazionale di Roma. Italia > 2005 Monforte de Lemos > Colección de Arte del
Mensajes Cruzados. ARTIUM, Museo Vasco Museo de Pontevedra > Colección privada
de Arte Contemporáneo. Vitoria > de Rafael Tous, Metronom.
Generación 2005. Caja Madrid. Madrid,
Barcelona, Valencia, Salamanca, Santander Contacto
> IV Premio Auditorio de Galicia para Novos
665 377 390
Artistas. Santiago de Compostela > 2004
victoria.diehl@gmail.com
VIII Mostra Unión Fenosa. MACUF. A Coruña
> Certamen de Fotografía Injuve’03. Sala
Representada por la galería Bacelos y
Amadís. Madrid > XIX Premio de Pintura
galería María Llanos.
BMW. Madrid > Otoño Fotográfico. Casa da
www.galeriamariallanos.com
Xuventude. Ourense.
www.bacelos.com
Santiago Giralda
≤ Roast chilli Ronald Mc donald´s utopie. (Detalle). 2007 La ventana. 2007
Óleo sobre lienzo. 180x180 cm. Óleo sobre lienzo. 150x150 cm.
68/ 69
Accidental Tourist Room. 2008

Óleo sobre lienzo. 195x195 cm.
The best of me is never good enough. 2008
70 / 71
Das Appartment. 2008

72 / 73
Alex Playroom. 2008

- Por lo demás no será la última vez que ocurra un ligero
choque contra el espacio que un rato después se
convierte en una realidad independiente. No es nuevo
descifrar lo reconocible aunque no se entienda,
adaptarse al cambio perpetuo en un entorno
sobresaturado y a la confusión de la que se alimenta. Se
repiten una sucesión de acontecimientos de los que es
imposible predecir sus consecuencias.-
Consumo imágenes pre-existentes tomadas de otras disciplinas para reinterpretar los códigos
dados.
Construyo escenarios como ejercicios estrictos de individualización. El proceso creativo y su

contexto arquitectónico se manifiestan libremente. Son actos de simulación donde los
parámetros físicos, el uso compulsivo de los recursos materiales y los límites dimensionales del
lienzo condicionan las formas de percepción del espectador, aunque no pretenden limitar sus
interpretaciones.
No me interesa el aspecto descriptivo de un acontecimiento, sino la forma en la que es revelado

y su manipulación dependiendo del contexto y el medio utilizados.
Cuestiono mi actitud como creador y para ello me sirvo de un proceso de apropiación extremo
y circunstancial para precisar mi posición respecto a la obra, evitando imponer
intencionadamente su significado.
Tomo la pintura como acto de exploración, investigando en espacios que son recorrido más que
localización.
74 / 75
Santiago Giralda Sato

Madrid, 1980
Licenciado en Bellas artes. Universidad Pintores. Fundación La Gaceta. Salamanca

Complutense de Madrid > Estudios de > Selección Premio de Pintura de la
Postgrado,. Hochschule für bildende UNED.Madrid > Beca Leonardo. Prácticas
Künste Hamburg, Hamburgo (Alemania). Estudio fotográfico RobinK con el
fotógrafo Robert Kührt. Hamburg/Berlín.
Exposiciones individuales (Alemania) 2006 Finalista Premio de
Pintura Honda. Madrid > Accésit. Certamen
2007 Outsider. Ol-früh Galerie, Hamburgo.
Jóvenes pintores de la Fundación La
Alemania.
Gaceta. Salamanca > Mención de honor.
XXI Certamen de Pintura BMW. Madrid >
Exposiciones colectivas (Selección) Selección Premio de Pintura Carriegos.
2008 Galeria Punto. Preview 2009. León > Tercera Medalla de Honor
Valencia > Generaciones 2008. Exposición Fundación Valparaíso. Madrid > Beca
itinerante > 2007 Fernweh/ Heimweh. AOL Erasmus. Hochschule für bildende Künste
Gebaude. Hamburgo. (Alemania) > La Hamburg. Hamburgo. Alemania > 2005
Casona. Premio Carriegos. León > Premio Adquisición. Premio Alicia Alonso.
Certamen de pintura BMW. Exposición Madrid > Primera Mención de Honor.
itinerante > Instituto francés. UNED. Madrid. Concurso de pintura de la Facultad de
> 2006 Jahresaustellung. Hochshule für Medicina UCM. Madrid > Selección.
bildende Kunst. Hamburgo.(Alemania) > Concurso Jardín botánico UCM. Madrid.
Casa demolida. Haucbachstrasse 7a.
Hamburgo. (Alemania) > Sala de Publicaciones
Exposiciones de La Salina. Fundación la
Centenario del Quijote. Libro realizado por
Gaceta. Salamanca > Palacio de Vacas del
el Ayuntamiento de Madrid con la
Retiro. Certamen de pintura BMW. Madrid >
participación de diferentes ilustraciones
Galería Kreisler. Certamen pintura >
realizadas por artistas jovenes 2005 >
Valparaiso. Madrid > Sala de exposiciones
Anonym Zeichnen. Public. Hochschule für
Caixa de Galicia. Premio Carriegos. León >
bildende Kunst, 2005, Hamburg. Seminar
2005 Galeria Annta. Certamen Alicia
ei Susan Turcot.
Alonso. Madrid > Sala de juntas. Certamen
de pintura de la Facultad de Medicina.
Obra en colecciones
UCM. Madrid > Ayuntamiento de Madrid.
Exposición itinerante con motivo Obra Social Cajamadrid. Madrid > Fundación
centenario de Don Quijote. Carriegos. León > Ayuntamiento de Arenas
de San Pedro. Ávila > Biblioteca Nacional.
Premios y becas (Selección) Comunidad de Madrid > Consejo Superior
de Deportes. Madrid > Universidad Alfonso X
2008 Premio adquisición Certamen
El Sabio. Madrid > Fundación La Gaceta.
Generaciones 2008 Obra Social
Salamanca.
Cajamadrid. Madrid > 2007 1er Premio
Premio de Pintura Carriegos, León > 1er
Contacto
Premio Certamen de Pintura de Gredos.
Arenas de San Pedro. Ávila > Selección 635 590 255
Certamen de Pintura de Manzanares del santiagogiralda@gmail.com
Real > Selección Certamen Jóvenes
Amaya Hernández
≤ Ciudad I. 2008
Fotografía siliconada sobre metacrilato, bastidor de aluminio. 90x130 cm.
78 / 79
Detrás del gris I, II, III, V. 2008

Resistencias I. 2007
80 / 81
Resistencias III. 2007

Ciudad II. 2008
82 / 83
La observación de la transformación del espacio es un
aspecto fundamental en mi trabajo.
La construcción de maquetas me sirve de fuente de
estudio. A través de ellas puedo contemplar la alteración
y comportamiento de dicho espacio dependiendo de dos
elementos: la materia (cuerpos físicos) y la luz.
Haciendo uso de la fotografía muestro en imágenes las construcciones, creándose una
realidad ficticia en la que se descubre un mundo inventado pero que encuentra siempre un
referente en la realidad. Mis imágenes hablan metafóricamente de sentimientos íntimos, de
sensaciones y de cómo el ser humano se relaciona con el espacio en el que vive, siendo los
“límites” los que ordenan caracterizan y construyen su espacio.
Existe en todo ello una reflexión sobre lo que considero esencial y a través del lenguaje
fotográfico me acerco a su comprensión.
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Amaya Hernández Sigüenza

Madrid, 1980
Licenciada en Bellas Artes. Universidad Premios

Complutense de Madrid > Master
2008 Mención de Honor. Concurso de
Internacional de fotografía. EFTI, Madrid >
fotografía Purificación García > Circuitos
Dirección de fotografía y cámara de cine.
de las artes plásticas y la fotografía.
TAI. Madrid.
Comunidad de Madrid > 2007 Premio
Futuro 2007. Efti. Madrid > Jóvenes
Exposiciones individuales Creadores Avenida de América. Comunidad
2008 Detrás del gris. Galería Efti. Madrid > de Madrid > 2006 Obra seleccionada en el
Resistencias. Centro de Arte Joven Avenida certamen “Arte Joven Latina 06”.
de América. Madrid.
Contacto
Exposiciones colectivas (Selección) 616 226 488
2008 Selección de fotografía. Concurso amayahernandez@gmail.com
Purificación García. Círculo de Bellas Artes. www.amayahernandez.blogspot.com
Madrid > Circuitos de las Artes Plásticas y
la Fotografía. Centro de Arte Joven Representada por galería Bacelos.
Avenida de América. Madrid > 2007 www.bacelos.com
Galería Bacelos. Vigo > Selección 2007.
Master Oficial de fotografía. Centro cultural
de Alcorcón. Madrid > Galería Efti. Madrid >
20+20 Presente y Futuro de la fotografía.
Casa de Vacas, Retiro. Madrid >
Proyecciones plaza Santa Ana, Madrid.
PHE > 2006 Certamen Arte Joven Latina
2006. Madrid.
Alain M. Urrutia
≤ Matin... I. (Detalle). 2008 S/T. (Artium). 2008
Oleo y esmalte sobre lienzo. 130x162 cm. Oleo y esmalte sobre lienzo. 200x250 cm.
88 / 89
S/T. (Artium). 2008 Poema para zuhar. 2008

Oleo y esmalte sobre lienzo. 200x250 cm. Oleo y esmalte sobre lienzo. 130x162 cm.
Matin... II. (Fragmento). 2008
Oleo y esmalte sobre lienzo. 130x162 cm.
S/T. (Artium). 2008
Stricto sensu. Serie. 2008
Oleo sobre lienzo. 130x162 cm.
90 / 91
Stricto sensu. Serie. 2008

Menchen Glyptothek. 2008
92 / 93
Fuerza tigres! 2008

Son situaciones dotadas de cierta veracidad en
referencia directa a experiencias vividas a través de los
sentidos o en mayor medida, a través de la sensibilidad.
Tales figuraciones, lejos de reflejar el mundo ambiental
como sucede con la fotografía, proceden del uso de los
medios artesanales de la pintura, que existen con más
fuerza que como simples representaciones o simulacros
desprovistos de vida.
Las referencias, parten del hecho de que muchas de las cosas que nos rodean y de que
situaciones que en un principio podrían pasar desapercibidas tengan una lectura y un
carácter estético que se formaliza con su representación. Su elección no ha sido arbitraria,
pero por el momento, tampoco las puedo justificar de manera escrita.
94 / 95
Alain Martínez Urrutia

Bilbao, 1981
Licenciado en Bellas Artes. Universidad del Premios y Becas (Selección)

País Vasco > Cursos de doctorado
2008 Beca de Intercambio con el
Departamento Pintura. Universidad del
Rogaland Art Centre De Stavanger
País Vasco > Realizando trabajo de
(Noruega) > Premio pintura UNED Bizkaia
investigación, Departamento de Escultura.
(IX) > Residentes Fundación Bilbaoarte >
Universidad del País Vasco > Proyecto
2005 Beca Rodríguez Acosta, Granada >
Closing Time de Iñigo Cabo (Biennale de
2004 Beca de Pintores Pensionados del
Paris).
Palacio de Quintanar. Segovia > 2003 Rojo.
convivencia artística. Concello de
Exposiciones individuales Sanxenxo > 2002 Beca Erasmus.
2008 Abierto por vacaciones. Galería Accademia di Belle Arti Brera. Milano.
Michel Mejuto, Bilbao > Aktionismus.
Espacio MenosUno. Madrid. Obra en colecciones
Artium. Museo de Arte Contemporáneo
Exposiciones colectivas (Selección) de Vitoria > Fundación Obra social Caja
2008 Entornos próximos. CENTRO MUSEO Madrid > Colección El corte Inglés >
ARTIUM Vitoria-Gasteiz > Art>30, Sala Patrimonio UPV Bizkaia > Patrimonio UPV
Pares. Barcelona > Ertibil 08, Muestra Alava > Gobierno de Navarra. Deporte y
Itinerante de Artes Visuales > Explum-08. juventud > Ayuntamiento de Pamplona >
Puerto Lumbreras, Murcia > 2007 Universidad Pública de Navarra.
Getxoarte 2007. Getxo > Inondik Inora/
señalética de un viaje no deseado. Contacto
Departamento de Dibujo. Universidad del
658 703 122
País Vasco > Artezubiarte. Instalaciones
alainurru@hotmail.com
artísticas. (Proy. Ingravidad con Kepa
Garraza). Centro Comercial Zubiarte,
Bilbao.
Zoé T. Vizcaíno
Estudio sobre el umbral I. 2006 2007
Fotografía. Impresión LAMBDA. 90x130 cm.
98 / 99
Estudio sobre el umbral II. 2007 2008
100 / 101
Estudio sobre el umbral II. 2007 2008
102 / 103
RUPTURA: acción y efecto de romper.
ROMPER: Separar con más o menos violencia las partes
de un todo, deshaciendo su unión. Quebrar o hacer
pedazos una cosa.
Actualmente mi trabajo gira en torno a la idea de ruptura. Romper significa deshacer un
todo. Al romper, se destroza, destruye, quiebra, se despedaza o se fragmenta la unión de
una totalidad. Cuando una totalidad se rompe genera un sin fin de posibilidades. La
posibilidad es la aptitud, potencia u ocasión para que algo exista o suceda. Si hay una
posibilidad, existe entonces la probabilidad verosímil y fundada de que algo pueda suceder.
Pero antes habrá que generarla.
Umbral, por definición, es el paso primero y principal o entrada de cualquier cosa. Desde la
Psicología es el valor a partir del cual empiezan a ser perceptibles los efectos de un agente físico.
Es la cantidad mínima de señal que ha de estar presente para ser registrada por un sistema.
A partir de la idea en torno al umbral, he desarrollado hasta ahora tres estudios, dos de
ellos series fotográficas de género paisajístico. En ambos estudios el paisaje no representa
el espacio físico real sino la superficie líquida que lo refleja. Aunque se trata de una imagen
compleja de aparente tridimensionalidad, no es mas que un reflejo. La superficie del agua a
pesar del artificio no deja de ser plana, la fotografía representa un espacio bidimensional.
La elección no es gratuita. Se trata de un paisaje de naturaleza por la inevitable asociación
con lo bello, con ese posible espacio idílico; una evocación a la tranquilidad y sosiego.
En el ESTUDIO SOBRE EL UMBRAL I, los elementos presentes sobre la superficie del agua
provocan intervenciones azarosas en la imagen; ruidos o alteraciones que rasgan o dañan el
paisaje. La convivencia entre el paisaje y las pequeñas huellas, produce cierta confusión o
desasosiego que confronta la idea original de dicha representación de la realidad visible.
En el ESTUDIO SOBRE EL UMBRAL II, la intervención ya no es casual. Una piedra irrumpe
violentamente y causa el accidente: la implosión -acción de romperse hacia dentro-. La
quietud se interrumpe y dentro de aquel idílico paisaje amenaza un agujero. El contacto
violento entre la piedra y el agua, introduce un primer plano en la imagen que acrecienta la
sensación de profundidad y por ende de tridimensionalidad al mismo tiempo que rompe la
posibilidad de serlo, ya que evidencia la cualidad líquida de la realidad visible. La imagen
congela un instante prácticamente imperceptible al ojo humano. El impacto se manifiesta y
convive con el paisaje instantes antes de que se desvanezca. El registro fotográfico sucede
segundos antes de que se destruya el paisaje o al tiempo que se roba un trozo de él.
Siempre una sola toma, no hay trabajo posterior de montaje.
La intención es provocar a través de la ruptura, la abolición de la escena y el espacio
representativo. El paisaje se desgarra al tiempo que el umbral se hace visible. La imagen
nos revela sintéticamente ambas posibilidades y la confusión que se genera de ello. El
Umbral es una puerta que bruscamente se abre, la efímera oportunidad para la fuga.
104 / 105
Zoé Treviño Vizcaíno

Ciudad de México, 1979
Licenciada en Psicología por ITESO – Premios y Becas

Instituto Tecnológico de Estudios
2008 Premio Fundación Arte y Derecho >
Superiores de Occidente. Jalisco. México >
Selección/Finalista Beca OFE. Otoño
Cursos monográficos en Escuela de
Fotográfico en Extremadura 2008 >
Cinematografía y Audiovisual de la
2006/2007 Beca Master de Fotografía por
Comunidad de Madrid (ECAM) > Curso
EFTI - Escuela de Fotografía Centro
Profesional de Fotografía EFTI, Escuela de
Imagen, Madrid > 2006 Finalista, I
Fotografía Centro de Imagen. Madrid >
Concurso Nacional de Fotografía Calzarte -
Máster en Fotografía Concepto y Creación
Ciudad de Elda, Alicante.
EFTI, Escuela de Fotografía Centro de
Imagen, Madrid > Curso Digital Avanzado.
Contacto
Escuela de Fotografía Centro de Imagen,
EFTI. Madrid. 600 353 571
zoetvizcaino@gmail.com
Exposiciones individuales zoe@slideluckpotshow.com
www.zoetvizcaino.com
2007 The last picture show (cinema
mundial). Galería Can Ramis, Área de
Cultura Ajuntament de Sant Celoni,
Cataluña.

2008 Otoño Fotográfico 2008, Badajoz >
2007 Galería Bacelos, Vigo, Pontevedra >
20+20 Presente y Futuro de la Fotografía.
Centro Cultural Casa de Vacas, Parque de
El Buen Retiro, Madrid > 20+20 Presente y
Futuro de la Fotografía. Galería Sala EFTI,
Madrid > 2006 Museo del Calzado Ciudad
de Elda, Alicante > CalzArte. Escuela de
Fotografía Centro de Imagen, Madrid >
CalzArte. Salón Internacional del Calzado,
IFEMA, Madrid > La Inquietante Semana de
la Mujer Invisible. Casa Refugio Citlaltépetl,
Ciudad de México.
Seleccionados Sae Aparicio Enrique Piñuel
Vanesa Busto Bocanegra Isabel Tallos
exposición
Miren Doiz Arantzazu Tomás
Helena Fernández-Cavada
Chema García
Ignacio García
Irma Marco
Oriol Nogues
Ariadna Parreu
Sae Aparicio
≤ Quería ser modelo. 2007 Cuerva. 2008
Tintas, lápiz y purpurina sobre papel. 29x21 cm. Collage y tinta sobre papel de acuarela. 70x50 cm.
110 / 111
Deja de leer revistas de moda, sólo te harán Para todos ustedes. 2008 ±
sentir pobre, fea y cutre. 2008
¡Tinta china y tinta serigráfica sobre
Tinta sobre lienzo. 35x24 cm. papel de acuarela. 50x70 cm.
From lost to the rave. 2007
Tinta y acrilico sobre lienzo. 24x35 cm.
La espera. 2007
Tinta china sobre papel de acuarela. 21x29 cm.
114 / 115
La unión hace la fuerza. 2008

Tinta y acrilíco sobre papel de acuarela. 50x70 cm
Mi sueño, lo que me impulsa a dibujar todos los días es el
ser capaz de crear una serie de "dibujos fulminantes"
que provoquen la muerte al espectador de aguzada
sensibilidad.
116 / 117
Saelia Aparicio Torinos

Ávila, 1982
Actualmente cursando 5º de BB. AA. Premios y Becas (selección)

Universidad de Castilla la Mancha.
2008 Seleccionada "Alumna del año" por
la Diputación de Cuenca y el
Exposiciones individuales Departamento de Artes de la Facultad de
2008 Dejadme en paz hasta que inagure, Bellas Artes de Cuenca para exponer el
Facultad de Bellas Artes de Cuenca > proyecto en la Diputación de Cuenca >
Diputación de Cuenca > 2006 Facultad de 2007 Beca Erasmus en Edimburgo > 2006
Bellas Artes de Cuenca > Fundación 2º Premio en el Certamen de animación
Gigante-Peréz, Valencia. Cine Joven > Obra animada seleccionada
en Notodo Opel Corsa.
Exposiciones colectivas
Contacto
2007 Follow the deer ECA´s Sculpture
983 303 278
Corridor, Edimburgo > Come on and see
saelita@gmail.com
Wee Red Lounge, Edimburgo >
www.saelia.blogspot.com
Möbelzuliefer Zow (Para Decotec Printing
S.A.) > Nude Valencia (Para Atttua) > 2006
Ayer y mañana, 20 años de Cuenca, Cuenca.
Vanesa Busto Bocanegra
≤ Sin título II (acopio de muebles durante 24 horas). 2008
Pollença, Mallorca.
Barbacoa*. 2008
Instalación [restos de contenedores de obra recogidos durante 24 horas en Madrid] y vídeo.
Fotografía: Xantir.
*Término coloquial que da nombre al banco de guadua en las zonas rurales del Tolima, Colombia.
Extensión I. 2006
Madrid. Fotografía digital.
122 / 123
Construir al padre I. 2006 Sin título (acopio de muebles durante 24 horas). 2007 ±
Venezuela. Fotografía digital. Fotografía: Xantir.
El espacio urbano es inmensamente atractivo; dentro de
esa eterna búsqueda de control y civilización, siempre
podemos encontrar a cada paso las improntas de los
gestos de otros, pequeñas acciones rebeldes que
torsionan el espacio hacia lo caótico, lo sucio o lo
abandonado. Es ahí donde para mí reside el encanto de
la ciudad, un esfuerzo continuado por fusionar y regular
la naturaleza y el artificio, por dividir el espacio,
ordenarlo y sistematizarlo, mientras nosotros mismos nos
proyectamos en él como eslabones que lo mantienen en
movimiento, lo nutren y a la vez lo destruyen en una
narración continua del ahora.
Contemplando la ciudad pienso que no cabe hablar de vacíos, sino de espacios que se
rellenan y desplazamientos de sentido, lo que me sugiere plantearme la obra de arte como
una entidad en continuo proceso, una imagen que debe dialogar con elementos reales
como la gravedad o las características del material y donde la acción y el movimiento
adquieren un papel esencial.
Trabajando de fuera a dentro he descubierto en lo imperceptible, lo indeseable o lo azaroso
territorios que me estimulan para construir, paradójicamente, elementos de grandes
dimensiones que cubran el espacio y dialoguen con él, que transformen el modo de
observar y transitar ese espacio, permitiendo una reflexión en conjunto, una visión
completa y compleja, y la permanencia de las cosas encontrándose.
Trato de conjugar en ese espacio, en sus límites y limitaciones, inquietudes que tienen que
ver con la realidad que conozco y una biografía vinculada al mestizaje y la emigración,
elementos que me han permitido analizar y enfrentar mi trabajo en otros ámbitos sociales
muy alejados de los grandes centros.
126 / 127
Vanesa Busto Bocanegra

Cantabria, 1984
Licenciatura en Bellas Artes, Escuela Premios y Becas

Superior de Arte y Arquitectura,
2008 Accésit. VII Concurso de Artes
Universidad Europea de Madrid > (Post)
Plásticas Universidad de Zaragoza > 2006
memorias globales: museo, monumento y
Primer premio. Concurso de Arte Público
desterritorialización. Universidad
Parque Lineal de Rivas Vaciamadrid.
Complutense de Madrid > Scuola Estiva
Madrid > 2005 Primer premio. IV Certamen
Internazionale Alghero Design e Ambiente
de Artes Visuales de la UEM. Madrid.
ADA. Organizada por la Facultad de
Arquitectura de Alghero, Universidad de
Contacto
Sassari y Facultad de diseño Politécnico de
Milán. Bosa (Cerdeña). 626 313 325
bocanegrabocanegra@gmail.com
Exposiciones individuales
2008 Imágenes akeropitas, imágenes
auráticas. Centro de Arte Joven de la
Comunidad de Madrid. Madrid.
2008 X Edición Tentaciones. Feria
Estampa. Madrid > I Edición Emprovima.
Coín, Málaga > XLV Certamen Internacional
de Artes Plásticas de Pollença. Mallorca > ·
Located Work (Madrid). Proyecto
expositivo elaborado por Joseph Kosuth.
Fundación La Casa Encendida. Madrid >
2007 Blog ‘07 Todas direcciones. Centro de
Arte Joven de la Comunidad de Madrid > ·
Barajas ‘07. Terminal 2 del Aeropuerto de
Madrid-Barajas. Madrid > MP26. Off Limits.
Madrid.
Miren Doiz
≤ Sin Título. 2007 Capriccio. 2007
Fotografía digital, 100x66 cm. Fotografía montada en aluminio, 110x170 cm.
130 / 131
Capriccio III. 2007

Fotografía montada en aluminio, 109x170 cm.
Capriccio II. 2007
Fotografía montada en aluminio, 109x170 cm.
132 / 133
Capriccio VI. 2007 El cuadro habitado I. 2005

Fotografía montada en aluminio, 109x170 cm. Impresión digital, 50x221 cm.
El cuadro habitado II. 2006
Impresión digital, 110x247 cm.
134 / 135
Siempre con la pintura como eje fundamental, mi trabajo
se sitúa entre lo pictórico, la instalación y la fotografía.
La alteración estética de la realidad, como propuesta
artística, me permite ahondar en la búsqueda de una
nueva perspectiva para la pintura. En cierto modo,
intento romper la actitud reverencial que su observación
nos provoca. La interacción radica en la ilusión de poder
entrar en el cuadro, de dejarnos rodear por la pintura, de
ser parte escénica...
Mientras que a su vez, la fotografía, intermediaria e inductora, permite mostrar esos
espacios reales y habitados.
De este modo, los filtros de lo real y preciso, de lo adulterado e imaginado, lo vivido y lo
recreado ficticiamente, se superponen sutilmente condicionando, así, nuestra mirada sobre
la obra. Una veces convirtiéndonos en cómplices espectadores, otras, erigiéndonos como
parte consustancial a ella. Los límites siempre son imprecisos...
Además de la experimentación a través de la obra, conceptos como habitabilidad,
singularidad o privacidad entendida como antítesis a una esfera pública cada vez más
perniciosa para el individuo, son colaterales a mi discurso.
136 / 137
Miren Doiz Larraz

Pamplona, 1980
Licenciada en Bellas Artes. Universidad del Premios y Becas (Selección)

País Vasco > “Arquitectura efímera.
2008 Ayudas para el alquiler de espacios
Montaje de exposiciones”. Escola Massana
para la creación artística del Gobierno de
dÁrt y Disseny. Barcelona > “Pintura y
Navarra > 2006 Ayudas a la Creación del
proyección profesional” impartido por
Gobierno de Navarra > 2005 2º premio
Gino Rubert. Escola Massana dÁrt y
Encuentros Jóvenes Artistas de Navarra >
Disseny. Barcelona.
2003 2º premio concurso Jóvenes
Artistas del Ayuntamiento de Pamplona.
2008 Instalación en el Atrio del Museo Obra en colecciones (Selección)
Gustavo de Maeztu. Navarra > 2007 Galería
Colección Arte Contemporáneo del
Reciclarte, Pamplona > 2004 > Ganadores
Ayuntamiento de Pamplona > Fundación
Jóvenes Artistas 2003. Ciudadela de
Coca Cola.
Pamplona.
Contacto
636 763 702
2008 Gogoan. Sanfermines 78. Casa de
mirendoiz@yahoo.es
cultura de Burlada. Navarra > Feria ARCO.
Madrid. (Galería Moisés Pérez de Albéniz) >
Feria MACO. México D.F. (Galería Moisés
Representada por la galería Moisés Pérez
Pérez de Albéniz) > 2007 Planes futuros.
de Albéniz.
Arte español en los 2000. Pamplona >
Feria DFOTO. San Sebastián. (Galería
Moisés Pérez de Albéniz) > Feria KIAF. Seúl,
Corea. (Galería Moisés Pérez de Albéniz) >
Ayudas a la creación 2006. Museo Gustavo
de Maeztu. Navarra > 2006 5 Años
encontrándonos. Sala Amadís. Madrid >
Artfermín. Galería Reciclarte. Pamplona.
Helena Fernández-Cavada
El rebaño mecánico. 2008
≤ Detalle
Acuarela, grafito y tinta sobre papel. 210x370 cm. (obra completa)
La Edad de Hierro. 2008
Acuarela, grafito y tinta sobre papel. 100x70 cm.
142 / 143
El espectáculo debe continuar (Sangre, sabor y lágrimas). 2007

Grafito sobre papel. Tres piezas de 40x32 cm. (cada una)
Esperando a los Bárbaros (Homenaje). 2007
Grafito sobre papel. 31x92 cm.
La sombra del prisionero. 2006
Ácido sobre cristal. 200x150 cm.
144 / 145
El regocijo de la transformación. 2006

Ácido sobre cristal. Dos piezas de 200x120 cm. cada una.
146 / 147
Helena Fernández-Cavada Romero

Madrid, 1979
Licenciada en Bellas Artes. Universidad Premios y Becas (Selección)

Complutense de Madrid > DEA en
2007 Ayudas de Bancaja para
Departamento de Historia III. Facultad de
investigaciones en el extranjero >
Bellas Artes. Universidad Complutense de
Convenios internacionales de la
Madrid > Postgrado de "Arte y nuevas
Universidad Complutense de Madrid para
tecnologías". Universidad Europea. Madrid.
investigaciones en el extranjero. México >
2006 Residencia artística. Centro Nacional
Exposiciones individuales de Artes Plásticas y Secretaría de
2007 Radiaciones. Casa Vecina. Ciudad de Relaciones Exteriores. Ciudad de México >
México > 2006 Mirar y ser mirado. Centro 2005 Premio Joven U.C.M. Mención de
de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. honor y adquisición de obra. Madrid.
Madrid.
Obra en colecciones
Exposiciones colectivas (Selección) Accademia di Belle Arti de Torino. Italia >
2008 Borderless. Instituto de México en Fundación Complutense. Madrid.
Washington DC. Washington > 2007
Hablando de estar. Antiguo casino Contacto
metropolitano. Ciudad de México > 2006
615 157 968
XV Certamen de dibujo Gregorio Prieto.
hfarera@gmail.com
Fundación Gregorio Prieto. Valdepeñas.
Museo de la Ciudad. Madrid > 2005
Miradores 04. Berzosa. Madrid > Premio
CARSA. Exposición itinerante: San
Sebastián, Vitoria, Bilbao > Premio de Arte
Joven La Latina. Madrid > 2004 Apoyo a
las desaparecidas de Juarez.
Aguascalientes, México > Casas y calles 02.
Madrid > 2003 Miradores 03. Berzosa.
Madrid > 2002 XIV Certamen Nacional de
pintura rápida. Casa de Vacas. Madrid > 24
Moussem cultural internetional dÀssilah.
Marruecos > Caos y Comunicación Bienal
de jóvenes artistas del Mediterráneo.
Sarajevo.
Chema García
Flashback al revés. 2007
Video Clip
2’ 30’’ PAL
Vídeo (Dvd, miniDV, betacam…)
Director, Productor, Guión, Cámara, Edición: Chema García Ibarra
Ayudante de Dirección: Leonor Díaz Esteve
Musica: Klaus&kinski
Actores: Klaus&kinski, Leonor Díaz.
150 / 151
152 / 153
Video a partir de la canción “flashback al revés” de Klaus
& Kinski. Hecho con 1800 fotografías, 7 cartuchos de
tinta y mucha paciencia.
El grupo fue grabado con una cámara doméstica.
A continación se imprimió cada fotograma en un folio y
se fotografió cada uno de ellos. Finalmente, esas fotos
sustituyeron a los fotogramas originales.
154 / 155
José María García Ibarra

Elche (Alicante),1981
Cortometrajes
El ataque de los robots de Nebulosa-5
(2008): más de 25 premios y 30
selecciones en festivales de España,
Francia, Italia, Canadá y Suecia.
Miaau (2007): finalista en el Festival de
Cine de Sarajevo (Bosnia Herzegovina);
finalista en el festival de Cine de Tirana
(Albania).
El camino de carne (2004): finalista en el
Festival de Cine Curtocircuito de Santiago
de Compostela.
Aneurisma (2000): Primer Premio en el
Certamen de Cortometrajes de Elche;
premio al Mejor Guión y del Público en el
Cinema Jove Valencia.
Contacto
605 544 045
chemagarciaibarra@gmail.com
Ignacio García
≤ Exilio voluntario. 2007
Tinta y acuarela sobre papel. 79x66 cm.
Cazadores y recolectores. 2008
Maestro anciano. 2007
Tela. 83x64x86 cm.
158/ 159
Intentos de salvación. 2008

Nietos de la clase dirigente. 2007
Tinta y acuarela sobre papel. 66x103 cm
Héroes de la contrarrevolución. 2008
Hallazgo de los restos del aparato. 2007
Visita a las instalaciones. 2007
162 / 163
Objecciones al progreso. 2008

Joven proletario. 2008
Tela, madera y hierro. 110x52x38 cm.
Las líneas estructuran de forma orgánica el vacío del
papel, hasta crear un espacio autónomo en el que se
inscribe la información. Cada dibujo sintetiza, en una
representación codificada y concreta al mismo tiempo,
un concepto o reflexión abiertos a la interpretación, pero
dirigidos intencionadamente por el autor. De los
acontecimientos reales se extraen las ideas arquetípicas,
las que pueden desarrollarse con mayor amplitud
dialéctica y ser aplicadas a un gran número de
situaciones concretas. Las imágenes aisladas tienen
sentido por sí mismas, pero cuando se contemplan varias
a la vez se establece un diálogo que hace posible una
comprensión más completa y profunda de cada una; no
existe entre ellas una continuidad lineal en sentido
estricto, pues la narración subyacente que las engloba no
es otra que la propia Historia.
Los procesos históricos esenciales están contenidos en el intervalo cotidiano, en lo que
sucede antes o después del momento culminante. La representación queda despojada de
dramatismo o heroicidad individuales, los personajes actúan como representantes de clase,
matizados pero no individualizados. Existen unos tipos básicos que se van repitiendo en
cada imagen, si bien en cada situación y en cada época su lugar en la sociedad es
diferente. Los conflictos se presentan desde un punto de vista no maniqueo que permite al
espectador posicionarse libremente, siempre evitando caer en un relativismo que neutralice
la posibilidad de juicio; las contradicciones, a veces irresolubles, se entienden no sólo como
reflejo de lo real sino también como factores del cambio.
La claridad descriptiva y la abundancia de detalles convierten las metáforas en nuevas
realidades, codificadas de forma coherente: fábulas sin una moraleja obvia, fragmentos de
una mitología contemporánea.
164/ 165
Ignacio García Sánchez

Madrid, 1987
Cursando 4º de Bellas Artes en la

Universidad Complutense de Madrid.
2007 Exposición itinerante con la Red de
Arte Joven de la Comunidad de Madrid >
2006 Centro Cultural Paco Rabal. Madrid.
Café El Despertar. Madrid.
Premios y Becas (Selección)

2008 Beca Erasmus en la Hochschule für
bildenden Künste. Hamburgo, Alemania.
Contacto
629 267 272
ignaciovk@gmail.com
ignacio vk@hotmail.com
Irma Marco
≤ Happy birthday, dear friend Lisa - Jens Lekman. 2007
Acrílico y bordado sobre tela. 16x13 cm.
Oh Mandy! - Spintoband. 2007
168 / 169
Dinosaurs – Remate. (díptico) 2008

Acrílico sobre chapa entelada. 5,8 cm. (diámetro cada una)
Life on Mars? - David Bowie. (díptico) 2008
Acrílico sobre chapa entelada. 5,8 cm. (diámetro cada una)
Afterhours - The Velvet Underground. 2007
170 / 171
Hopelessly devoted to you - BMX Bandits. 2007

Don´t be afraid, you´re already dead - Akron/Family. 2007
Long drive home - Adem. 2007
172 / 173
You can have it all - Yo la tengo. 2007 Boys don´t cry - The Cure. 2007
Acrílico y bordado sobre tela. 7x10 cm. Acrílico y bordado sobre tela. 9x16 cm.
En estos mini-relatos pictóricos trato de retener la huella
de apenas un momento, una persona, una canción con-
creta. Ésto supone idear un tiempo metafísico donde el
“instante fotográfico” quede liberado de su dependencia
a unas fracciones de segundo. La música marca la puesta
en escena y mientras el personaje llena el espacio, el
tiempo se detiene.
Así comienza el proceso creativo, en esta espiral intrincada de melodías, presencias y tiem-
po, que se funden en una liturgia sembrada de matices.
Utilizo el pequeño formato para hablar de una observación minuciosa y detallista del ins-
tante, al cual atribuyo gran contenido onírico. Las personas que pinto, se convierten en per-
sonajes de un cuento que se narra sobre el propio “lienzo” pasando a formar parte de un
universo claramente intimista.
En mi afán por rescatar una memoria de la cotidianeidad, pinto sobre telas que en el pasa-
do tuvieron usos domésticos, por el contexto que sugieren de objeto de consumo desecha-
do y recuperado.
174 / 175
Irma Marco Cánoves

Valencia, 1981
Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Premios y Becas (Selección)

San Carlos de Valencia.
2008 XXIX Certamen de Minicuadros,
Huestes del Cadí. Selección de obra >
Exposiciones individuales 2007 Primer premio Coolcarmen #6 >
2008 Home Sweet Home. Sala Urban Zoo, Concurso fotográfico Ich liebe Lisboa - Eu
Valencia > 2007 Histórias para levar nos amo Bremen. Selección de obra > 2006
bolsos. Galería Fabrica Features XXVII Certamen de Minicuadros, Huestes
(Benetton). Lisboa, Portugal > 2006 del Cadí. Premio Libertad > VII Concurso
Retratos Mínimos. Sala La Lila, Oviedo > Fotográfico de Velluters, Junta municipal
2003 Angustia y palomitas. Sala Le Club du de Ciutat Vella > 2005 III Certamen
Pop, Valencia > 2002 Pintura y Fotografía. “Pintura para el fondo”. Selección de obra
Casa rural “Casa Garrido”, Ademuz. > 2004 5º Certamen de Creación Joven,
VALENCIA CREA. Mención especial en
Exposiciones colectivas (Selección) Diseño Gráfico > Premio Bancaja-UPV al
proyecto fin de carrera “Comunicación
2008 XXIX Certamen de Minicuadros. Creativa“.
Museo del Calzado de Elda, Alicante >
30x40 150. Galería Mister Pink, Valencia >
2007 Concurso Ich liebe Lisboa - Eu amo
Bremen. Galería KUBO, Bremen, Alemania Museo del calzado de Elda, Alicante.
> 2006 XXVII Certamen de Minicuadros.
Museo del Calzado de Elda, Alicante > Contacto
1808-2008, La Revisión. Galería El
636 019 522
Caballero de la Blanca Luna, Valencia >
calamarte80@yahoo.es
2005 III Certamen Pintura para el fondo.
Sala de exposiciones de Rectorado de la
UPV, Valencia > Tintas Vegetales. Jardín
Botánico, Valencia > 2004 Exposición del
5º Certamen de Creación Joven, Valencia
crea. Casa de Cultura Mesón de Morella,
Valencia > La Mirada de después. Imágenes
de nuevos creadores para el XXV
Aniversario de la Constitución. Palacio de
Colomina, Valencia > Exposición colectiva
Visual. Galería Ibalart, Valencia > 2003
20 Propuestas. Ibercaja, Valencia > 2002
Miradas Travestidas. Facultad de Bellas
Artes de San Carlos, Valencia.
Oriol Nogues
≤ Autoretrato. 2008
Impresión digital. 40x30 cm.
Como transformar un hombre en roca. 2008
Acción filmada. Video 0’ 21”
178 / 179
Una fuente. 2008

Como llenar un espacio con immaterial. 2008
Performance en la Ecole National Supérieure des Beaux Arts de Paris.
180 / 181
Los verbos de la vida. 2007

Vista de la exposición El Gran Teatro del Mundo. 2008. Ecole National Supérieure des Beaux Arts de Paris.
Deseo. 2007
182 / 183
Asesinato. 2007
PLAYTIME
Con la acción como medio principal (no el único) al
servicio de la expresión y de la construcción de sentido,
me propongo un trabajo centrado sobre la búsqueda y la
explotación de nuestras implicaciones con objetos
producidos masivamente y que invaden nuestro
cotidiano más inmediato.
Entre el teatro y las artes plásticas, alternando la utilización de dispositivos con la presencia
de un público o no, tomo la acción y la “máscara” que la realiza, como vehiculo y elemento
constructivo de base del discurso.
La acción entendida como tal, siendo parte de lo que puede llamarse vocabulario personal,
ya sea de forma aislada y filmada para explotar su autonomía y su carga poética individual;
o reinvestida delante de público, para probar su eficacia en generar un espacio y un tiempo
que le sean propios.
Una acción que desemboca en una máscara, una acción hecha por una máscara, una
máscara que implica y requiere una acción para materializarse... ese es el “juego” retórico
que me permite interactuar con ese cotidiano, con el objetivo de hacerlo más visible (o
soportable), entenderlo o simplemente no olvidarlo.
184 / 185
Oriol Nogues Balaña

Reus (Tarragona), 1984
Licenciado en Arte Dramático con la Premios y Becas (Selección)

especialidad de escenografía. Escuela
2008 Beca de la Obra Social de “La Caixa”
Superior de Arte Dramàtico de l’Institut del
para estudios de postgrado en el
Teatre de Barcelona > Obtención del
extranjero > Ecóle National Supérieure des
Diploma Nacional de Artes Plásticas
Beaux-Arts, Paris > 2002 II Premi Beca
(DNAP) en el taller de Jean Luc Vilmouth.
“Gabriel Ferrater”. Reus.
Ecole National Supérieure des Beaux-Arts
(ENSBA) de París.
Obra en colecciones
Exposiciones individuales Artium. Museo de Arte Contemporáneo
de Vitoria > Fundación Obra social Caja
2008 Le grand théâtre du monde et deux
Madrid > Colección El Corte Inglés >
autres petites actions. Ecole National
Patrimonio UPV Bizkaia > Patrimonio UPV
Supérieure des Beaux-Arts. París.
Alava > Gobierno de Navarra. Deporte y
juventud > Ayuntamiento de Pamplona >
Exposiciones colectivas (Selección) Universidad Pública de Navarra.
2008 Con motivo de las puertas abiertas
de l’ENSBA, exposición en el taller de Contacto
JLVilmouth > CRAZY. Soirée performances.
650 861 587
Ecole National Supérieure des Beaux-Arts.
contact@yahoo.es
París > Presentación de Comment remplir
oriolnogues@.com
un espace avec de l’immateriel > Proyecto
www.oriolnogues.com
My favourite things presentado en “Atelier.
Work in progress”, un proyecto del dúo de
comisarios L’Ambassade. Bétonsalon
Centre d’Art et de Recherche (París) >
2007 Performance/Conferencia Máscaras
de deseo. Notas para una teoría personal
de la máscara. Auditorio del Institut del
Teatre de Barcelona > 2006 Performance
Save our souls. Festival Internacional
Temporada Alta de Girona > Proyección
del film I no’m doldrà la meua vida. Festival
Internacional NEO y Auditorio del Institut
del Teatre de Barcelona > Performance I
no’m doldrà la meua vida. Centro de
creación AREAtangent. Barcelona > 2005
Performance I just called to say I love you.
Centro de creación AREAtangent de
Barcelona > Performance Noche infernal.
Centro de creación AREAtangent de
Barcelona.
Ariadna Parreu
Gerundios domésticos. Serie. 2007
Fotografía color. 137x96 cm.
188 / 189
Casa domótica. 2007
DV PAL. 3’ 40’’
190 / 191
Teleretratos. 2008 14:11/15:47. 2008

web (http:www.teleretratos.com) DV PAL. 1’ 32’’
Autoretrato. Serie. 2007
192 / 193
Vídeo-momento. Serie. 2007

DV PAL. 2’ 30’’
Es para mi mucho más impactante la escena en primer
plano de un elemento asimilado que
supercontextualizado, adquiere un significado
amenazador y ansiolítico, mucho más verosímil pero
irreal, por sus connotaciones de tiempo, del que había,
hay y habrá, que no la acción verbalizada en sí misma.
El devenir se explica en décimas de segundo adulteradas,
porque se amplifican para concretar el cambio, la tensión.
Quizás, el hecho de una sociedad burbuja dónde el peligro está contenido por la pantalla,
el recurso que revive el miedo real y no el terror virtual, es eso cotidiano en superlativo. Lo
supongo, porque el verbo pretender quedaría aquí ridículo.
Intuyo el espacio cotidiano y los elementos conformativos, es decir, la casa, con el cambio,
el juego y el tiempo. La ansiedad en lengua materna. La visión poética, concreta, ridícula,
contrapuesta, cómica o amenazadora del entorno adoptivamente natural, manipulado para
exagerar el tiempo y el significado.
Compongo series que relatan, de una manera poco ortodoxa (con el empleo y des-uso del
“jaitec”), el hecho y la acción congelada, procuro un malentendido inicial que conduzca a
un posible reconocimiento, derivados de lo rebuscado o por lo megalíticamente
improcedente.
194 / 195
Ariadna Parreu Alberich

Reus (Tarragona), 1982
Licenciada Bellas Artes. Universidad de Premios y Becas (Selección)

Barcelona > Actualmente realiza los cursos
2008 Seleccionada en la convocatoria de
de Historia del Arte. Universidad de
Can Felipa: Creación artística, Barcelona >
Barcelona.
2007 3er Premio en el VI Concurso de Artes
Plásticas de la Universidad de Zaragoza >
Exposiciones colectivas (Selección) Seleccionada al VI premio Climent
2008 Il·lusionistes. Can Felipa, Barcelona > Muncunill Roca para jóvenes artistas >
2007 Drawings selection. Itinerancia por 2006 Seleccionada en el XVI Certamen de
diferentes ciudades alemanas > VI Dibujo Gregorio Prieto y Caja Madrid >
concurso de artes plásticas de la Beca Erasmus, Kunstchochschule Berlin-
Universidad de Zaragoza. Teruel y Weissensee für Gestalung, Berlín.
Zaragoza > Drawings 5. Blütenweiss
Galerie, Berlín > XVI Certamen Gregorio Obra en colecciones
Prieto. Museo de la Ciudad, Madrid. Museo
Fondo de la Universidad de Zaragoza.
Fundación Gregorio Prieto, Madrid > 2006
Diploma, Kunstchochschule Berlin-
Contacto
Waissensee, Berlín > 2004 Natures Mortes.
SALADESTAR, Barcelona. 645 108 696
ariadna.parreu@gmail.com
Enrique Piñuel
Vida y muerte de una cerilla alemana. 2008
1 segundo (Proyección en loop)
Producción Playtime Audiovisuales
MiniDv (720x576 px | 4:3 | 25 fps)
Vídeo monocanal, DVD
198 / 199
Veni vidi vici. 2008
4 minutos 45 segundos (Cada uno de los tres vídeos)
MiniDv (720x576 px | 4:3 | 25 fps)
Instalación de tres vídeos simultáneos, DVD
200 / 201
The dancer’s cut. 2007
Música Ninotchka art project (Dj set)
7 minutos 29 segundos
DVD (720x576 px | 4:3 | 25 fps)
Vídeo monocanal, DVD
202 / 203
....... [Sobre mi trabajo]
El ejercicio de escribir sobre mi trabajo me resulta
demasiado agotador más aún cuando otros ya han
puesto letras a lo que pienso.
La apropiación, el reciclaje y la manipulación de imágenes en movimiento, es una de las
bases sobre las que construyo mis obras, este es el momento de hacer lo mismo con la
palabra escrita. Hace cerca ya de un siglo que Vertov se me adelantó con el manifiesto del
“Cine – Ojo”, mejor entonces reproducir un fragmento que acabar parafraseándolo.
«Hundiéndose en el interior del aparente caos de la vida, el "Cine-ojo" intenta encontrar en
el interior de la vida misma la respuesta al tema tratado. Encontrar la resultante entre los
millones de hechos que presentan una relación con este tema. A montar, a arrancar, gracias
a la cámara, aquello que resulte más característico, más útil, organizar los fragmentos
filmados, arrancados a la vida, en un orden rítmico visual cargado de sentido, en una
fórmula visual cargada de sentido, en un resumen del "yo veo".»
Dziga Vertov,
El cine ojo
204 / 205
Enrique Piñuel Martín

Salamanca, 1978
Licenciado en Historia del Arte. Premios y Becas

Universidad de Salamanca > Licenciado en
2008 Seleccionado Injuve > 2º Premio
Comunicación Audiovisual. Universidad de
modalidad videocreación en
Salamanca.
Vanguarclasidia 07. Salamanca > 2003 2º
Premio en el Festival de cine y vídeo de
Exposiciones individuales Leioa. Bilbao.
2008 Pantallas sensibles. DA2, Domus
Artium 2002. Salamanca. Contacto
661 083 405
Exposiciones colectivas (Selección) funkyke@yahoo.es
2008 Festival Memorimage. Reus,
Tarragona > In–Sonora, Festival de arte
sonoro e interactivo. Madrid > Pentedattilo
film festival. Calabria – Italia > Loop
08–Festival de videoarte de Barcelona. NIU,
Espai Artistic Contemporani. Barcelona >
Noveaux cinema, Festival de cine digital.
París > C.I.C.L.I.C.O.S., Mostra Internacional
Audiovisual Mínima. Gandía > En.piezas. La
Casa Encendida. Madrid > ACT Festival.
San Francisco Kultur Etxea, Barakaldo >
Festival del cine pobre de Cuba. Gíbara,
Cuba > Vanguarclasidia 07. Salamanca >
2007 > F.I.F.E. Carbunari 07. Florean´s
Museum, Baia Mare – Rumanía > Festival
internacional de cine experimental Vallecas
Puerta del Cine. Madrid > Muestra itinerante
de cine Playtime. MACUF – A Coruña. El
Ojo Atómico – Madrid. Festival OpenMeM–
Bilbao.
Isabel Tallos
≤ Inhabitados. (Detalle) Serie. 2008 Encriptadas. Serie. 2008
Fotografía color. Fotografía color. 120x120 cm.
208 / 209
Encriptadas. Serie. 2008
210 / 211
Inhabitados. Serie. 2008
212 / 213
Una de las escenas más sublimes de la película El espejo
de Andrei Tarkovsky nos presenta a una mujer esperando
la llegada de su marido. Cuentan que durante el rodaje,
la actriz no conocía el desenlace de la escena, ella tenía
que esperar, simplemente esperar. El director no le había
dicho si su marido, ausente durante varios años, iba a
aparecer en algún momento o no.
Cuando un espacio hermético se vacía de referencias, se anula la posibilidad de que el
espectador reconozca. Es imposible descifrar la ubicación, la época, el sentido. El tiempo
pierde, de esta manera, la sensación del instante, su característica discontinua. No existe
un antes o un después. Cualquier elemento o habitante vivirá en un aura de irrealidad, en
una extraña sensación de espera, sin expectativas, espera dócil y carente de angustia.
Una espera que no se sabe cuando comenzó, que no se sabe cuando va a terminar.
La desaparición del contexto encierra al espacio en una burbuja atemporal. Una burbuja
que flota y gira lentamente, confundiendo lo que esta delante y lo que está detrás, lo que
está arriba y lo que está abajo, anulando la ley de la gravedad.
214 / 215
Isabel Tallos Tanarro

Madrid, 1983

Complutense de Madrid > Cursos de
2008 Mención de Honor en el XXXV
doctorado "Imagen, tecnología y diseño”.
Premio Bancaja de Arte Digital > Premio
Facultad de Bellas Artes, Universidad
adquisición en el XVIII Certamen de Artes
Complutense de Madrid.
Plásticas de la UNED > Obra seleccionada
en la VIII Bienal de Artes Plásticas de
Exposiciones individuales Albacete > Premio Beca Roberto Villagraz
2008 Galería Tolmo, Toledo, España > > Premio Madrilonia DeArte 2008. Feria
Galería La Zúa, Madrid, España. DeArte Contemporáneo 2008 > 2007
Premio del jurado en la Primera Muestra
Exposiciones colectivas (Selección) Internacional de arte ARTEfactos07 >
2006 Accésit en la modalidad de
2008 Junge Talente aus spanien. Galeria fotografía en el XI Certamen de Arte Joven
100Kubik de Colonia, Alemania > la Latina > Premio en el Certamen de
Contemporary art ruhr, Essen. Alemania > jóvenes creadores. Ayuntamiento de San
II Art Investment Conference. London Martín de la Vega.
Business School, Reino Unido > Re-género.
Centro Cultural de España en Lima, Perú >
Obra en colecciones
Entrefotos X. Palacio del Conde Duque,
Madrid > 15 posiciones. Sala de Fondos del departamento de Dibujo de la
exposiciones Fábrica de Harinas, Albacete, facultad de Bellas Artes de la Universidad
España > 2007 Kaunas Photo 07, Complutense de Madrid > Fondos de la
Mysteries, Secrets, Illusions, at National Sede Institucional de la Universidad de Las
MK.Ciurlionis Museum, Kaunas Picture Palmas de Gran Canaria.
Gallery, Kaunas, Lithuania > Photoespaña
2007, sección de descubrimientos, Contacto
expuesto en el Museo de Arte
626 472 377
Contemporáneo de Madrid > Entrefotos IX.
isabel tallos@hotmail.com
Palacio del Conde Duque, Madrid.
www.isabeltallos.com
Arantzazu Tomás
218 / 219
220 / 221
222 / 223
“Sistemas” es un sueño desde sus comienzos hasta el
infinito y mas allá. Trata de muchas cosas, del todo
simplificado y visto desde una mirada concreta: la de
Silvestra.
El mundo, la vida, el tiempo, el futuro, la realidad: incontables sistemas que fluyen como
una máquina de engranajes.
Pero… ¿porqué este empeño por dar forma al mundo imaginario de un personaje fantástico
que se hace a sí mismo no sabemos si por casualidad?
Silvestra es una modista futurista que quiere tener claro el momento en el que nos
encontramos y hasta donde podemos llegar en esa explosión de arte en movimiento que
son las personas jugando con la moda.
Afortunadamente, mientras me veía inmersa en la creación por dibujos coloreados de el
“generador de silvestravestimentas”, una persona muy cercana a mí me mostró su interés
por este artilugio. Le expliqué que no es mas que una complicada máquina más cuya
función es analizar los diferentes parámetros que las personas tenemos en cuenta a la hora
de vestirnos y crear in situ la vestimenta adecuada para la ocasión.
Es esta persona, Luis Lopez Ortiz, animador 3d y
sobretodo amigo de sus amigos, quien da forma, color y
textura a este proyecto con una precisión propia del amor
al arte.
Este video de animación consta de dos partes: la primera
es silvestra mostrándonos sus ideas en forma de viaje
astral y la segunda es una visita a hurtadillas en su espacio
vital mientras duerme y en la que somos testigos del
funcionamiento real de “la máquina”.
Dos son también los objetivos de este corto: hacer una visión personal de Silvestra para
poder expresarla a través de sus creaciones como si fuera un filtro por el que destilarlas. Y
segundo objetivo es situar la firma de Silvestra en este motor de contrastes en el que
existimos.
Una idea producto de la necesidad de alguien de despertarse por la mañana, o no, o por la
noche, meter la mano en el armario y cubrirse con una prenda que le evita la duda, la
composición de un cuadro hecho de jirones de otro medio mundo, la incomodidad y le
hace soñar y hacer soñar.
Los monos de Silvestra tienen toda la plenitud de su sentido en este punto. No pretenden
quedarse en el límite de la imagen.
224 / 225
Arantzazu Tomás Serrano

Bilbao, 1981
Quien ve esta historia puede quedarse con la

sensación de no tener claro quien es y quien no
es silvestra, y es lógico porque es algo que se
ve reflejado en muchas cosas, porque al final
silvestra es una actitud. Un punto de vista
insignificante entre tanta gente que cree en las
cosas bonitas y que sueña con la felicidad
como motor de los sistemas, que no quiere
pasar por alto la realidad y que cree en las
personas.
Contacto
697 204 359
soymuyfashion@hotmail.com
www.silvestra.es
Proyectos Raquel Labrador
Flavia Mielnik
Damián Ucieda
Raquel Labrador
≤ Hotblondes.com. 2007
Collage sobre papel. 27x21 cm.
230 / 231
La aventura de la araña
¿Cómo somos en la red? ¿Cómo somos en la vida real? ¿Nos parecemos? estas son las dudas que me llevan a
emprender esta aventura.
En espacios virtuales como MySpace, Facebook, hi5, etc. la gente construye su perfil, añadiendo imágenes, datos
personales y toda una presentación de sus intereses, gustos y objetivos. Estos espacios se están convirtiendo en
una herramienta de construcción de identidades y van a cambiar nuestra percepción de los modelos identitarios. Es
por esto, que el objetivo de mi propuesta es la de establecer una comparación entre la información que los usuarios
nos dejan ver en su perfil virtual y su identidad física.
Observando la gran repercusión que Internet tiene en nuestra sociedad actual, sobre todo con el impacto de las
redes sociales; creo que mi papel como artista está en utilizar estos recursos y descubrir sus posibilidades para la
difusión y permeabilización del arte en la sociedad y conocer más a fondo la realidad de estos nuevos medios.
El proyecto consiste en construir una red de contactos en MySpace con la que conocer a usuarios españoles que
quieran colaborar con el proyecto. Una vez conseguidos los contactos, determino un calendario de viaje para
conocerlos personalmente. Antes, después o durante el encuentro les pediré que me respondan un cuestionario
sobre el papel de la web2.0 en sus vidas, les pediré que lleven al encuentro un objeto que les identifique y durante
el encuentro les tomaré una foto. Al exponerse este proyecto, se muestran los datos que me han dado físicamente
junto a la información que estos colaboradores muestran en su perfil virtual.
La aventura de la Araña. 2008

Web 2.0. myspae.com/laaventuradelaaranya
Imágenes de videodanzas. 2004 2008
Vídeo monocanal. Dimensiones: Variables.
232 / 233
Imágenes de videocreaciones. 2001 2008

Vídeo monocanal. Dimensiones: Variables.
Émulo. 2007
Autores: D forma.
Instalación audiovisual interactiva/Interactivo en la red.
(Google Blogs, RSS, Flash, Pyton, LameMP3, PyTTS)
Dirección: http://www.dforma.net/emulo. Dimensiones: Variables. Duración: Variable
234 / 235
Diestra y Siniestra. 2006 2008

Autoras: APATCHES (Raquel Labrador y Noemí Laviana). Audiovisuales en directo y danza.
Dimensiones: Variables.
Duración: 40 min.
En este momento, mis proyectos tratan de encontrar en
Internet la manera de combinar los nuevos modos de
comunicación con el vídeo y otros lenguajes expresivos
como el dibujo, la fotografía y la música. Otro aspecto
que me interesa de los proyectos en red es el hecho de
obtener una respuesta directa y de cualquier tipo de
público a mi trabajo, así como explorar las posibilidades
de la creación colectiva en este medio.
Otra aspecto importante en mi carrera es el de realizar proyectos en colaboración con
otros artistas para cuestionarme las nociones de singularidad e individualidad asociadas
tradicionalmente a la creación artística. He realizado varios trabajos colaborativos con el
músico Anders Hattne y con la bailarina Mayte Vaos y Victoria Macarte. Trabajo junto a
Noemí Laviana (www.apatches.net) en propuestas de artes escénicas donde el video en
directo y la danza se complementan. También formo parte del colectivo D forma
(www.dforma.net), con residencia en HANGAR, llevando a cabo proyectos multimedia
relacionados con el Arte Digital.
236 / 237
Raquel Labrador Cuellar

Sevilla, 1980

Politécnica de Valencia > Máster en Artes
2008 Fons 08. Barcelona. Como
Digitales de la Universidad Pompeu Fabra.
componente del grupo Apatches para la
Barcelona.
realización de la performance Entretiempo
> 2007 Fons07. Québec. Como residente
Exposiciones colectivas (Selección) en AxenèO7 > Hangar. Residente como
2008 Festival de Cortometrajes Baumann. parte del colectivo D forma > 2005 Obra
Terrassa > Alicia/Aicila. Identidades Social La Caixa, Barcelona. Para la
Digitales. Bogotá > CASM (Centro de Arte realización del Máster en Artes Digitales de
Santa Mónica) 24horas! HANGAR. la Universidad Pompeu Fabra > 2004
Barcelona > Otoimatge. Music VIDEO ART. Injuve. Londres. Colaborando con Space
Vicerrectorado de Cultura UPV y Tokio Studios > 2001 Europa a tu alcance,
University of Arts. Valencia > CeC&CaC. Londres. Concedida por la Junta de
The Carnival of e-Creativity. Nueva Delhi > Andalucía por un trabajo de investigación
Festival Loop08. Festival de videoarte. sobre Louise Bourgeois en la Tate Modern.
Barcelona > Digital Media. Muestra
Internacional de Arte Digital. Valencia > La Contacto
Mirada Exposada. Exposición de videoarte.
659 238 034
Barcelona > 2007 AxenèO7. Centro
labradorcuellar@yahoo.es
Cultural de Arte Contemporáneo. Québec
> Caixa Fórum. I-Dissabtes. Barcelona >
Hangar 10º Aniversario. Centro de
Producción Artística. Barcelona > Alter
Arte. Festival de arte emergente. Murcia >
Video Shorts. Ámsterdam > Festival de
Cortometrajes Baumann. Terrassa > Jamm
Festival. Muestra Multimedia. Barcelona >
IDN Festival de Danza y Nuevos Medios.
Barcelona > 2006 Vidifestival. Festival
Internacional de Videocreación. Valencia >
Vad. Festival Internacional de Vídeo y
Artes Digitales. Girona > Zemos 98.
Festival Audiovisual. Sevilla > 2005 La
Casa Encendida. Caja Madrid. Madrid >
VAIA. Festival Internacional de Videoarte.
Alicante > Crea.R tu videodanza. Sala
Endanza. Sevilla > 2004 Triangle Gallery.
Galería de Spacestudios. Londres.
Flavia Mielnik
Dibujo de la caja: para construirla y visualizarla. 2006
Madera, fotografía digital, metacrilato transparente,
tornillo y pintura azul.
Serie Cuarto plano.

≤ Escalera en Raval. (Detalle). 2008
Lavanderia. 2006
Madera, fotografía digital, metacrilato transparente, tornillo y pintura azul. 27x32x3,5 cm.
240 / 241
Casa. 2006 El baño. 2006

Exposición Cuarto plano en Sao Paulo SESC Pompéia
Serie “Cuarto Plano” en Barcelona, España: estudios, proyectos y más descubiertas
Barcelona guarda en sus lindas calles millares y millares de terrenos en ruinas. Desde que
llegué a esta ciudad los encuentro en muchos barrios y casi diariamente descubro uno
nuevo. Los trabajos presentados aquí en este conjunto de imágenes, son respectivamente
del barrio del Raval y del Poblenou, situados en el centro de Barcelona.
Dibujando sobre las fotografías sacadas por estos barrios, cosa que estoy haciendo
desde hace un año, percibo ahora que las marcas que permanecen en las paredes de los
terrenos, revelan pictóricamente una organización única espacial que puede existir en un
edificio, en un piso, en una cocina o en un baño de esta ciudad. Así constaté que un
dibujo hecho sobre una fotografía de un terreno de Barcelona será siempre distinto de un
dibujo hecho sobre una fotografía de uno brasileño. Los objetos que componen un piso
aquí, no son los mismos que lo componen allá, mientras que aquí tenemos un calentador
en la cocina, el butano bajo la mesa, el mocho y la lavadora de ropa al lado del horno, allá
nuestro “tanque de lavar ropa”, el “ralo”, y el “filtro de barro” son indispensables en una
cocina brasileña.
Así que, a parte de dibujar los ambientes, busco a través de la fotografía imaginar una
historia, elaborar los personajes que hacen parte de ella y por fin intentar encontrar
alguna vida en estas interesantes marcas del pasado.
Fotografía digital sacada en julio de Trabajo realizado con la fotografía sacada

2007, en la calle Hospital, Raval. en Raval y dibujo en negro reconstruyendo
una escena típica y rutinaria de los edifícios
de la ciudad.
Escalera en Raval. 2008

242 / 243
La cocina. 2008
Sofá. 2008. 12x12x2,3 cm.
El baño 2008. 9x11x2,3 cm.
Madera, fotografía digital, metacrilato transparente, tornillo y pintura azul.
244/ 245
Cocina de la Boquería. 2008. 12x12x2,3 cm.

El taller 2008. 12x12x2,3 cm.
Madera, fotografía digital, metacrilato transparente, tornillo y pintura azul.
La ciudad hoy camina deprisa. Las transformaciones son
constantes, lo antiguo es destruido y tomado por lo
nuevo en una fracción de tiempo cada vez más corta. Es
difícil acompañar el ritmo de sustituciones en los centros
urbanos, un edificio de espejos toma el lugar de una
antigua casa rosada y no nos damos cuenta.
Sobre la serie “Cuarto plano”
Busco en las superficies tumultuadas de la ciudad rastros humanos supervivientes a las
transformaciones diarias provocadas por la prisa del hombre, por la agilidad de las
máquinas, por la necesidad de construir lo nuevo y destruir lo antiguo. Busco reconstruir
ambientes que tuvieron sus historias machacadas por tractores y por el tiempo.
El trabajo titulado “Cuarto plano” presenta un conjunto de cajas de maderas pintadas de
azul, con fotografías digitales que revelan imágenes reales de un terreno cuya edificación
ha sido demolida. Bajo metacrilatos transparentes, sirviendo de tapas para las cajas, trazos
finos en negro reconstruyen con dibujos ambientes y situaciones que podrían haber
ocurrido allí.
Los azulejos floridos del baño, el gancho de porcelana con la toalla lila colgada, la jabonera
amarilla, las marcas de la escalera que llevaba del primero al segundo piso revelan historias
ahora expuestas a la calle y a los transeúntes.
Protegidos por tapias, los terrenos continúan estáticos, como se casas aún estuvieran allí,
como si una llave penetrara la cerradura de la puerta de entrada, una mano girara el pomo
y una familia entrara como en todos los días de su vida.
Actualmente, viviendo en Barcelona, sigo recorriendo esos terrenos llenos de detalles e
historias. La serie, ya desarrollada en Brasil, São Paulo y Bahia, ahora amplía su abanico de
memorias en esta ciudad europea.
246 / 247
Flavia Mielnik
São Paulo, Brasil, 1982
Licenciatura en Bellas Artes FAAP, Sao Premios y Becas

Paulo, Brasil > Permanent Escuela
2006 6º Salón de Arte del SESC Amapá,
Massana, Barcelona, España.
Macapá, Brasil.
Obra en colecciones
2008 Affordable Art Fair Paris, Francia >
Laminas pertenece a la colección del SESC
Hazlo tu mismo, Quickflick, Barcelona,
Sao Paulo, Brasil.
España > La mirada exposada, Centro Civic
Barceloneta, Barcelona, España > Acción
Contacto
artística en el barrio de Grácia, Galería
Paspartú, Barcelona, España > 2007 Três 630 494 601
miradas urbanas, SESC Ribeirão Preto, flavia.mielnik@gmail.com
Brasil > 2006 Tripé urbano, SESC Pompéia, flaviamielnik.blogspot.com
Sao Paulo, Brasil > 2005 VI Bienal
Internacional de Arquitectura. Viver en la Representada por la galeria Villa del Arte,
ciudad - Arquitectura, realidad e utopía, Barcelona, España.
estándar SESC ArquitecturaViva, Sao
Paulo, Brasil.
Damián Ucieda
≤ Sin Título #1, 2005 Promesa Rota, 2007
250 / 251
Running Man I. 2008 ±

Sin Título #8, Serie Simulacrum, 2008 Digital C Print. 114x140 cm.
Lady and Fish Boxes. 2007
Digital C Print. 94x120 cm.
254 / 255
Sin Título, Serie Simulacrum, 2005

Artist Statement
A través de la puesta en escena se construye una
fotografía narrativa en la que espacio y personajes son
claves de una realidad paralela suspendida en un
espacio-tiempo indefinidos. Con una fuerte presencia
cinematográfica, las imágenes están llenas de atmósferas
cargadas de emociones, enigmas y cuestiones sin
resolver.
256 / 257
Damián Ucieda Cortes

A Coruña, 1980
Estudios de Ilustración e Imagen. Escola Premios y Becas (Selección)

Massana, Barcelona > BA (Hons) Visual
2008 Premio de ayuda a la producción
Communication in Photography. Edinburgh
Injuve > Primer Premio Julián Trincado >
College of Art.
Finalista de la X Mostra Internacional Unión
Fenosa. MACUF > Finalista del Premio
Exposiciones colectivas (Selección) Purificación García > Primer Premio en II
2008 Territorio Infinito: O Mar Na Arte Premio Fotografía Digital Ayuntamiento
Actual en Galicia. Ayuntamiento de A Santander > 2007 Nominación en Nikon
Coruña > X Mostra Internacional Unión Discovery Awards > Primer premio en el
Fenosa. MACUF. A Coruña > A Través de la certamen The Helen A. Rose Bequest 2007
Cámara. Galería Adhoc. Vigo > Premio > 2006 Finalista del premio a la mejor
Purificación García. Circulo de Bellas Artes. fotografía de moda de la Graduate Fashion
Madrid > II Premio Fotografía Digital Week. Londres, UK. > 2005 Primer premio
Ayuntamiento Santander. Centro Cultural en el certamen de comunicación visual de
Doctor Madrazo. Santander > Convivir ECA. Edimburgo, UK.
Convivencias. Parlamento Gallego.
Ourense, Lugo, Santiago, A Coruña > Obra en colecciones
Realidades Abiertas. Galería Sargadelos. A
Ayuntamiento de A Coruña. España.
Coruña > 2007 Nikon Discovery Awards.
Olympia. London. U.K. > Realidades
Contacto
Abiertas. Galería Sargadelos. Santiago de
Compostela > SWG3 Gallery. Glasgow. U.K. 653 089 455
> Degree Show. Edinburgh College of Art. info@damianucieda.com
Edimburgo, UK. > Fotografía Soñada. www.damianucieda.com
Galería Cámara Oscura. Madrid > National
Portrait Gallery, Edimburgo, UK. > David
Photograph Class Exhibition. Galerie Representado por la galería Cámara
Wessraum. Japón > 2006 Parte del Oscura y la galería Goran Govorcin
Edinburgh Annuale 06. Cell 77 Gallery. www.camaraoscura.net
Edimburgo, UK. > Holly Road Park House. www.gorangovorcin.com
Edimburgo, UK.
English Texts
Presentation I would like to congratulate the artists
Gabriel Alconchel Morales selected in this edition and to thank all
General Director of the Spanish the participants for sending their dossiers.
Youth Institute We wish them all lots of success in their
artistic careers.
Continuing its efforts to support and
promote young artists in Spain, through We would also like to thank the members
the annual awards event Premios Injuve a of the jury for their invaluable help and
la Creación Joven, the Youth Institute professionalism in the selection of the
presents the new edition of the Visual work and Círculo de Bellas Artes and the
Arts Exhibition which, like every year AECID for their close collaboration with
since 1985, houses the different artistic INJUVE in realising and disseminating this
projects that are interweaving and support and promotion of young art in
shaping the expressive models or patterns Spain programme under the umbrella of
reflecting the vital and aesthetic interests Creación Injuve.
and concerns of the different generations
whilst portraying and characterising them.
Balacing acts in the landscape of the
The Exhibition, which among other 21st century
aspects stands out as one of the major David Barro
referential events at national level,
facilitates the incorporation of young No matter how repeated, some things are
artists into the national and international always welcomed. Each edition of the
exhibition circuits of cultural institutions, INJUVE Visual Arts Exhibition is one of
as well as into the specific spaces of the those things. That is why it is always
professional scene, feeding exhibition awaited with expectation by critics,
programmes with new projects and organisers and gallery owners. New
contributing to their renewal and names and renewed proposals step into
permanent update. the public eye every year as a result of
one of the most famous competitions in
Twenty-five artists have been selected in the history of Spanish art; this can easily
this edition: twenty-one in the realised be confirmed by taking a quick look in the
work category and four in the projects rear-view window and seeing how many
category, after the jury’s thorough and of the names that took part in past
detailed examination of the dossiers editions are now part of our exhibition
presented by the participants, which reflect scene.
their artistic and professional careers. Their
work is exhibited in the Sala Picasso which, As member and representative of the jury,
as in previous years, also houses the Comic in this presentation text I would first like
& Illustration and Design categories within to emphasise the enormous responsibility
the framework of the programme Creación entailed in assessing the achievements
Injuve 2008, a programme that also and hopes of each of the projects
includes music, performing and literary presented. Exercising the role of judge is
arts, and is presented as a whole in charged with difficulties. Work whose
Madrid’s Círculo de Bellas Artes. presentation does not match the format,
medium or support that they were
In addition, in collaboration with the conceived for or that require more
Spanish Agency for International Co- meditation than normally dedicated in
operation and Development (AECID), the these kinds of competitions may find
exhibition is expected to travel to various themselves losing out in a selection that,
countries of the American continent to although alert, may have been deceived
ensure a wider dissemination of the work by specific circumstances. In many of
of the selected artists. these cases, the winning work is the one
260 / 261
with the strongest discursive capacity to effort to construct an image, to give

dominate the attention of the first jury; shape to an idea.
the public will be the second. And that is
when the jury will find itself with its back It is therefore unusual for all the jury
against the wall, the one being judged on members to be entirely satisfied with a
its capacity to think ahead and not just final decision that has passed through
the moment the work is presented. Such several hands. We all feel sad when the
inclinations for specific selection affinities work of good artists cannot be fairly
are never easy for anyone. defended either because of a poor
presentation or a failure to convince other
Therefore, this is not the first time that I jury members. We often come up against
confess that on many an occasion I have a brick wall derived from the difficulty of
felt uncomfortable about participating as the message. This is why whenever I
a jury member in contemporary art prepare myself to judge I think about this
awards. Not that I mind participating, but implicit responsibility (and I am sure that
because in reviewing art, or arranging an the rest of my jury colleagues do the
art exhibition as organiser, here, in a jury, same) and I also think about a metaphor
there should be no room for subjectivity. in the form of the video that the
Assessing a work of art and/or an artist Portuguese artist, João Onofre, left us
must be as objective and neutral as nearly a decade ago called Casting. In it, a
possible, without exceptions of taste, and series of models recite a fragment of
be exclusively based on quality and Roberto Rossellini’s Stromboli. The text,
promise criteria. It is therefore a collective which corresponds to the character
responsibility. interpreted in the film by Ingrid Bergman,
reads: “che io abbia la forza, la
However, this responsibility is not easy. On convinzione e il coraggio” (“that I may
more than one occasion I have had the have the strength, conviction and
opportunity to rediscover artists and courage”). The woman interpreted by
works of art that had previously passed Bergman tries to escape from an island
through my hands as a jury member but a and recites the text from a mountain top;
missing closer look or an inadequate they are the last words in the film. Onofre
presentation or format led to the work not picks up this situation of conflict,
attracting my attention until later. extremity and authentic fight to establish
Therefore, I always ask myself the a connection with a casting audition, a
question: Are there adequate works of art moment of letting off steam and, in a
and good works of art that are certain sense, an extreme situation for the
nevertheless inadequate for presentation? person in front of a virtual jury. Each
Are there good works for art for emotion and each fear reflects different
competitions or are there good works of intensities and experiences that end up
art? The question is key and at the same taking over our initial intentions to reveal
time blunt because it highlights certain signs of our weaknesses. That insistence,
deficiencies: Are we capable of seeing identical to the one experienced by so
something good when we don’t have time many artists who year after year present
to appreciate the details in the midst of so their work to a competition, often results
much dispersion? A friend of mine once in impossibility, in an ill-fated need, in a
pointed out, “If we are forced to see a gesture of apparent futility. But this
panoramic view of images, we are likely to gesture is never futile. I will never cease to
miss something in this journey”. The vision repeat it. From this platform, my
of a jury is like a fleeting travel experience, responsibility is to encourage artists and
contaminated by different opinions, and in justify the fact that, if their work is not
the meantime the rigorous and here, it is because in the minds of the jury
professional artist concentrates on his members the work that is here had to be
here first, knowing that this opinion or Vitoria, Caixaforum in Barcelona, Casa
truth is never absolute. Encendida in Madrid and Museo Patio
Herreriano in Valladolid. Also those years
Sketching a new context. saw the opening of Da2 in Salamanca,
MARCO in Vigo, Centro José Guerrero,
If the decade of 1990 began with a fall, CAC in Málaga, LABoral in Gijón and the
the Berlin wall; the 21st century did so
major phenomenon of MUSAC in León.
with the Babylonian collapse of the Twin
Towers. In art, we are facing years that act But the real problem continued to be the
as ellipsis, without clear labels or any same: the limited public visibility of
really significant group stances, where Spanish art in the international scene,
individual marks or common strategies which is not a problem of creativity but
capable of launching a unique slogan strategy. Without stable structures for
have emerged in very few places. There promotion or any kind of exoticism to
obviously are exceptions to this but, apart justify the circulation of identities,
from the odd case, it seems only natural
exportation of Spanish art is not bound to
that few theorists have been bold enough
happen and any outflow strategy runs the
to define a more or less solid concept of
risk of appearing forced. This is probably
generation in their respective contexts.
what happened in the case of exhibitions
We could talk about an expanded, hybrid,
like ‘The Real Royal Trip’, which landed in
fragmented generation, and even of a
New York’s P.S.1. in 2003 or, the year
generation ‘without generation’ for the
before that, ‘Big Sur’ in Berlin, organised
decade of 1990 and of a burst of
by Harald Szeemann and Enrique
disciplines and information for the current
Juncosa, respectively. Others, like the
decade, heir of that eclecticism of forms
Venetian ‘Bad Boys’ of Agustín Pérez-
and attitudes.
Rubio played a different role. However,
In the meantime, the necessary the latest generation appears to be closer
infrastructures have been obtained – to achieving it in a more natural way,
albeit not their total effectiveness, of always as a result of the individual efforts
course. A boom in private galleries has of artists who -in many cases- went to live
been followed by a compulsive awakening abroad and managed to carve out a
of public centres. In 1995, the MACBA was future for themselves, like Ester Partegás,
inaugurated under the direction of Miquel Lara Almarcegui, Dora García, Fernando
Molins. Also, the MEIAC in Badajoz, with Sánchez-Castillo, Ángela de la Cruz,
Antonio Franco at the front. Whilst Juan Sergio Prego and Alicia Framis. Prior to
Manuel Bonet was appointed director of that the paradigm in this respect was
the IVAM. In 1997, a young Rafael Doctor clearly Juan Muñoz, but also Muntadas, or
directed the then recently created already in the decade of 1990, Daniel
Espacio Uno, important launching Canogar. Eulàlia Valldosera is another
platform for emerging art. In 1998, the artist who obtained recognition abroad
CGAC removed Gloria Moure to appoint before doing so at home. Ibon Aranberri is
Miguel Fernández-Cid, whilst Manuel the latest phenomenon.
Borja – currently in the MNCARS- left the
Fundació Tàpies to direct the MACBA. A That is the major toothache, the great
year later, the Espai d’Art in Castellón was clamour in the desert: international
inaugurated with a very specific objective promotion. Despite the fact that, in
wisely conceived by José Miguel G. recent years, various Spanish curators
Cortés. In the meantime, Vicente Todolí (Vicente Todolí, Chus Martínez, Enrique
‘reaped’ successes in the Museu Serralves Juncosa) have been directing foreign
of Oporto, leading him to become artistic museums or large international events like
director of London’s Tate Modern in 2002. the Venice Biennial (María de Corral, Rosa
That year, Artium was inaugurated in Martínez). Although perhaps we should
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not seek to resolve this obsession or declined for its detractors to an ‘avant-
deficit in a hurry or through magic gardist decade’ which led to subsidised
formulas. The period spanning from the activity. For others, its supporters, the
early part of 1990 to today, nearly twenty decade would be impregnated with an
years, is characterised, as mentioned alternative post-modern spirit, filtered
above, by having solved the other deficit: from America, although paradoxically it
infrastructures. This infrastructure followed the essence of European
normality paved the way for improved theoreticians like Benjamin, Derrida,
working conditions and has given rise to a Barthes and Baudrillard. If we translate
change: from innocence to these words into exhibitions, two
professionalism, from renovation of mood exhibitions organised by Dan Cameron -El
to normality, fast thought to observation arte y su doble (Fundació La Caixa) and
of models. Cocido y Crudo (MNCARS)- illustrate this.
It is a moment when art rethinks itself and
Formally, as of the decade of 1990 we artistic activity questions its functions.
witness a different attitude in the way The exegesis of artistic expression is
that artists view and solve images. The sought, more than the originality of
image is no longer sought to be individual expressions. It is the moment of
mimicked, but takes on shape in the the arrival of artists like Antoni Abad,
presence of its absence. The perceptive Daniel Canogar, Ignasi Aballí and Eulàlia
fissure constructs the discourse. The Valldosera. Others like Txomin Badiola,
spatial discourses also manifest Pello Irazu, Rogelio López Cuenca and
themselves in a different way, having Pepe Espaliú and their social sculpture
assumed their expanded and temporal action had arrived before. Also, Valcárcel
condition. Silence and displacement, in Medina, who in a recent interview
other words, art as behavioural science, affirmed “It is harder to escape from
will also end up defining these attitudes. money than from the police.” In the
Naturally, in the discourse between the theoretical context, José Luis Brea
preponderance of painting and sculpture, followed suit with his auras frías. And, in
as traditional dictatorships, the opening the meantime, Spanish contemporary art
towards the photographic, the heeled over towards the fringes as the
videographic, the conceptual and the decade advanced, somewhat in the fluid
social prevails. The older generation manner that had been claimed in the
continues to understand the debate in a previous decades. Thus, art vomits its
more graphic way: the fight between essence in the middle of the street and
Picassians and Duchampians, clearly won experience prevails. Artists like Javier
by the latter. And for this to happen, Peñafiel and Tere Recaréns rethink the
attempts are made to wipe painting off institutional approach and practice
several general discourses, although something close to the theory of
successful painters in the decade of 1980 relational aesthetics, steering art outside
pursued their individual careers and, in its habitual framework. In a more festive
many cases, currently maintain the style, we have the case of Ana Laura
excessive prices clenched in the years of Aláez, a paradigm of a moment and
euphoria. In any case, neither of the specific aesthetics that reached a height
decades left painting totally on the side, at the end of 1990. They are two different
as evidenced by the success of exhibitions periods and very different cases but
like Nuevas abstracciones held in the which, in any case, drink from the same
Palacio de Velázquez in 1996, organised fountains.
by Enrique Juncosa.
The fact is that theory became of concern
That is how the conceptual art of the as of the decade of 1990. Not that it
1990s – already turned academicism- wasn’t before; it just wasn’t the centre of
discourse. The euphoria of the market did
not allow it. Thus, the ways of critics
changed. Passionate historicism shifted to
debate. The above-mentioned José Luis
Brea, Juan Vicente Aliaga, Miguel
Cereceda, Carles Guerra, Fernando Castro,
Estrella de Diego and Rosa Olivares, to
mention just some of the key figures,
would accompany the change, also
seducing university departments of fine
arts, which would combine traditional
teaching of the trades of the disciplines
with an expansive interest in other
disciplines and theory debate. The object
makes way for a critical spirit.
Meanwhile, in more recent times, the time

that coincides with our protagonists, the
message has become somewhat more
transversal and contaminated. The
spectator as active voyeur, appropriation
and camouflage, exceeded re-readings,
design, styles, humour, animation, digital
imaging and architecture are subjects that
converge in a generation marked by an
unquestionable hybridisation, mixed and
riddled with intersections, crossbred and
fragmentary. A generation heir to a
climate of social uncertainty and political
and economic insecurity, capable of
reflecting this fragile state in the exercise
of contemporary art. Many hypertexts
could be devised to contend with the new
vitality presented here by a series of
artists attempting to get a foot in the
door; waiting for their turn whilst doing
balancing acts in the landscape of the 21st
century.
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AWARDS manages to become another without at

any moment ceasing to be himself, an
Elssie Ansareo ability that ultimately sets great actors
apart and introduces real life into all the
La danse des flâneuses, the title chosen by fiction that he is part of. Likewise, the
Elssie Ansareo for a series of photographs, author and set designer takes as main
represents and contains the keys to the selection criterion the measure in which
work in question in a more oblique, and each element represents himself, aware
also strangely more accurate, that we are however that he cannot avoid the
accustomed to finding. affectation component (otherness)
required in drama. Lastly, the spectator is
First of all, the flâneur, an individual deeply
removed from all decision making by
conscious of his specific identity who
decree, but, how to comply with the rule
watches urban life with curiosity and with
when the spectator is by nature a flâneuse
certain cynicism as if it were a performance
dansante?
organised for his delight, is transformed
here into flâneuses (¡plural feminine!) who, We can therefore see that creating a
additionally, seemingly find themselves system like this one is not an easy task: it
immersed in a dance. This subversion of entails effort and upsets, often authentic
the original term, in which the masculine
vital pain. This is why, the gods responsible
gender, the singularity and the indifferent
for all geneses known to us stay at arm's
passivity constitute determining factors, is
length from their creations; and when they
nothing more than the most immediate
break this simple rule, they invariably learn
and manifest reflection of the authentic
their lesson.
contradiction that inhabits in the images of
Ansareo, and that confers them all their In the case that concerns us here, the
magnetic force. Such contradiction derives maker-choreographer prefers to shatter
from the fact that the spectator is also that safety margin, assuming the risk of
author and main protagonist of the forming part of the world that she has just
representation, something which can only engendered. Ansareo has therefore
occur when a maximum level of decided that to be her spectator there is
involvement in the representation is no other option but to live it, i.e., to be the
achieved. flâneuse that observes her performance
from within.
Here, the flâneuse selects, establishes and
animates, under a choreographic Ianko López Ortiz de Artiñano
methodology (danse), a whole complex
system in her own image to subsequently
occupy in it the position that she decides. Verónica Eguarás
The system includes a wide variety of
elements that bear reference to the other Telling stories. Through fables and ably
world which, as such, exists and is known assisted by their archetypes, it is poss ble
by all, but at the same time are unusual, to disguise the universally subjective, to
intrinsically new: all the human relate things personal in the encoded form
relationships appear to be endowed with a of a story. And the animation is fascinating
secret and mysterious nature, with an because of its ability to surprise. It can be
inevitable peculiarity, and that includes the used to disguise sinister elements so that
hierarchies (or the glaring absence of they appear in the guise of innocence and
them), lovers, friends, neighbours, and captivate through their magic. Círculo
obviously the family. In each of these cases, Virtuoso and Ínodo, form a diptych where
the assumption of the triple mission that the characters are connected through
Ansareo assigns herself in turn borders on symbols and through their conflicts. They
triple schizophrenia. Thus, the actor walk and search until they reach two ends
that they do not expected, but hope for. nature, which always seem to have an
Gender, sensitivity, surrealism and personal association with war or sexuality. Because
introspection are the themes that pervade there is a very thin line drawn between
the videos. desire and death. Art is an object of
desire, the artist is a desirer, he is a maker
In-habiting is a project that has been of objects of seduction, of protective
approached from a perspective of amulets and charms that are still objects
reflecting on the meaning and use of the of seduction. Therefore, I habitually refer
body in our times. Our body is beginning to a fetishist aesthetic, believing that my
to turn into just another object, works are images with power, I am forever
conceptually separate from us but it
talking about games of forces and
belongs to us not as we are, but rather as
powers. And that is where sex rears its
just another possession, one which can be
head as a behavioural life force (feminism
repaired, sold, rented or disposed of.
apart), as a relationship of identity with
In-habiting represents the uninhabited,
what I am on a symbolic level. In this
abandoned and solitary body. A body with
sense, what interests me is the symbol,
an interior that shows itself to be chaotic
because it is like an emblem, because it is
yet beautiful and warm, which endeavours
though it were speaking for itself through
to act as a conceptual map that reconciles
the symbol, it is as if the image merged as
us with the most visceral aspects. A
one with the word; pointing out a reality,
narrative with three states is approached
(photographs, sculpture and video), where without saying “this is reality”. It is like
the end is left open, leaving to possible revolving elliptically to return to the same
denouements: either the body eventually point, our present, a present that is
inhabited or the body that decides to imbued with our past (symbolic).
abandon us. Once again, the identity, the
female universe, its status and social role CONSOLATION PRIZE
stand out as the major subjects in this
work.
Estéfani Bouza
Marina R. Vargas A few years ago, I saw the documentary
Los espigadores y la espigadora
What am I trying to do with my work?
(Beachcombers) by Agnes Varda, in which
Maybe to disturb, create a state of people pick up and collect things that go
convulsion, a subconscious emotional unnoticed to other people, taking on those
parenthesis. objects and putting them to new uses.
With the passage of time, I have come to
What interests me is the same as what realise that I, too, am a bit like those
interests everybody else, really the basic people, I collect hoard objects that are
things: sex, life and death. Or, rather than valueless to others. My own obsessions
death, the ways of dying, or violence; and must also be added to that, and these
even, not so much violence, as ailments include counting, cataloguing, classifying
and suffering, rather than violence itself, and structuring them all. All of this,
pain. Death is merely a metaphor, for amongst other things, can be seen in my
example, for example: in Latin, the word photos, which end up by turning into an
cadaver means fall. So, as Louise Bourgeois absurd and cyclical process that never
said, what interests me is the Art of Falling, comes to an end.
of knowing how to fall.
Hence, I resort to medieval symbols or

symbols of death due to its organic
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Victoria Diehl used to create these images of female

bodies.
Establishing a relationship between the
physical appearance and the inside of the
human body as the place that harbours Santiago Giralda
feelings as well as vital organs, I carry on
- As to the rest, it won’t be the last time
preparing images that reflect upon beauty
that a small crash occurs into a space that
and its anatomy. Like Barthes seeking
while later becomes an independent reality.
traces and features in the photos of his
It is not new to decipher the recognisable
mother to recognise her, I took photos
even if not understood, adapt to perpetual
seeking images in which to recognise the
change in an oversaturated environment
body itself.
and to the confusion that it feeds off. A
To talk of anatomy and interior traces, the succession of events is repeated whose
clearest thing would be to look in the consequences are impossible to predict.-
images that provide us with the current
I consume pre-existing images taken from
technology such as x-rays, echographies,
other disciplines to reinterpret the given
endoscopies, tomographies and
codes.
resonances to reveal the interior of the
organism, electronic microscopes even I construct scenes as strict individualisation
enable us to observe the cells and exercises. The creative process and its
micrographies taken by scanner can architectural context manifest themselves
produce a three-dimensional image of even freely. They are acts of simulation where
the smallest element in our body. the physical parameters, the compulsive
use of the material resources and the
Even though the use of these technological
dimensional limits of the canvas condition
resources produces images that make it
the spectator’s ways of perception,
possible to visualise the human body, we
although they do not intend to restrict their
do not recognise it immediately as it
interpretations.
appears in these images produced for
medical diagnosis. I am not interested in the descriptive
aspect of an event but rather the way it is
We are aware of what our body is like and
revealed and its manipulation based on the
what it is composed of, but we find it
context and medium used.
strange to discover it in this way, because
we do not feel it in that way. We do not I question my attitude as artist and to do
recognise it. so I turn to a circumstantial and extreme
appropriation process to determine my
There is a major gulf between the body
stance towards the work, trying to avoid
that is felt and the way it actually functions.
intentionally imposing its meaning.
When we have an emotional setback we
still locate the pain in the heart, while at the I take painting as an act of exploration,
same time being fully aware of the fact that investigating spaces that are more a
this organ is “merely” a muscle that acts as trajectory than a location.
a pump for driving the blood.
Under the skin, we feel a very different Amaya Hernández

interior.
The observation of the transformation of
For these representations I used images of space is one basic aspect of my work.
sculptures, the symbolism created by the Constructing models serves me as a source
use of images of deities such as the of study. Through these models I can see
representation of Venus is not randomly how the disturbance to and behaviour of
that space depends on two elements: whole. On breaking, one destroys, smashes,
matter (physical bodies) and light. crushes, or fragments the union of a whole.
When a whole is broken, endless
I make use of photography to show the possibilities are generated. Possibility is
constructions in images, creating a aptitude, power, capacity and an occasion
fictitious reality in which an invented world for something to exist or happen. If there is
is discovered, yet there is invariably an a possibility, the probability, likely and
element of reality to serve as a benchmark. founded, that something might happen
My images speak metaphorically of highly also exists. But first, it will have to be
personal feelings, sentiments and how generated.
human beings relate to the space in which
they live, the “limits” being what structures, Threshold, by definition, is the first and
characterises and constructs their space. major step forward or point of entry to
anything. From a psychological perspective
A reflection of what I consider to be it is the value as from which the effects of a
essential is to be found in all of this, and I physical agent begin to be perceptible. It is
come closer to comprehending it through the minimum sign that has to be present to
the language of photography. be registered by a system.
So far, I have developed three studies on the

Alain M. Urrutia basis of the idea revolving around the
threshold, two of which are photographic
They are situations imbued with a certain
series of the landscape genre. In neither
veracity in direct reference to experiences
study does the landscape represent real
gained through the senses, or to a greater
physical space, but rather the liquid surface
extent, through sensitivity, Such figurations,
that reflects it. Although it is a complex and
far from reflecting the environmental
apparently three-dimensional image, it is
world, as happens with photography, are
merely a reflection. In spite of the artifice,
fruit of the use of the artisanal resources of
the surface of the water is still flat. The
painting, which exist with greater force
photography represents a two-dimensional
than merely as representations or
space. The selection is not gratuitous. It is a
camouflages devoid of life.
nature landscape because of the inevitable
association with beauty, with that potentially
The starting point for the references is that
idyllic spot, evoking peace and quiet.
many of the things that surround us and
many of the situations that could initially
In THRESHOLD STUDY I, the elements lying
go unnoticed, have an interpretation and
on the surface of the water cause random
an aesthetic character that is formalised
phenomena affecting the image; noises or
when they are represented. Their choice
disturbances that tear or damage the
has not been arbitrary, but for the moment,
landscape. The coexistence between the
I cannot justify them in written.
landscape and the slight traces, give rise to
certain confusion or disquietude that
Zoé T. Vizcaíno confronts the original idea of the
representation of the visible reality.
BREAKAGE: act and effect of breaking.
In THRESHOLD STUDY II, the intervention is
TO BREAK: Separate the parts of a whole no longer coincidental. A pebble violently
with differing levels of violence, undoing bursts onto the scene and causes the
their union. Breaking something up or into accident: the implosion – an act of breaking
bits... inwards - . The quietude and stillness are
interrupted and a hole serves to threaten
My work currently revolves around the idea that idyllic landscape. The violent contact
of breakage. To break means to undo a between the pebble and the water, brings a
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new forefront to the image that Contemplating the city, I think that we
accentuates the sense of depth and should not talk about voids, but about
profundity and hence three-dimensionality, spaces that are filled and meanings that
while at the same time breaking the shift, which suggests to me that I should
possibility of being so, because it proves approach the work of art as an entity in
the liquid quality of the visible reality. The continuous process, an image that must
image freezes an instant that is practically establish a dialogue with real elements like
imperceptible to the naked human eye. The gravity or the characteristics of the
impact becomes apparent and coexists material, and where action and movement
with the landscape split seconds before it acquire a fundamental role.
fades away. The photographic record
occurs seconds before the landscape is Working from the outside in, in the
destroyed or at the same time as a piece of imperceptible, the undesirable and the
it is stolen. Invariably one single shot, there random I have discovered territories that
is no subsequent editing encourage me to construct, paradoxically,
elements of large dimensions that cover
The intention is cause through the
the space and establish a dialogue with it,
breakage, the abolition of the scene and
the representative space. The landscape is that transform the way of observing and
torn at the same time as The Threshold moving through that space, allowing an
becomes visible. The image synthetically overall reflection, a full and complex vision,
reveals both possibilities to us as well as and the continuance of things
the confusion that is caused. The Threshold encountering one another.
is a door that is suddenly flung open, the
fleeting opportunity to escape. I try to combine in that space, in its limits
and limitations, concerns to do with the
reality that I know and a biography linked
SELECTED TO BE EXHIBITED to mixed races and emigration, elements
that have allowed me to analyse and
affront my work in other social spheres
Sae Aparicio
very far removed from the large centres.
My dream, what motivates me to draw
everyday, is the ability to create a series of Miren Doiz
"devastating drawings" that cause the
death of the sharply sensitive spectator. My work lies between the pictorial,
installation and photography, invariably
Vanesa Busto Bocanegra with painting as the essential core.
The urban space is immensely attractive; in The aesthetic alteration of reality, as an

that eternal search for control and artistic proposal, enables me to gain a
civilisation, with every step we can always deeper insight into the quest for a new
find the marks of others’ gestures, small perspective for painting. To a certain
rebellious actions that distort the space extent, I endeavour to break the reverential
towards the chaos, dirt or abandonment. It attitude that we lapse into on observing it.
is there where, in my opinion, resides the The interaction lies in the illusion of being
charm of the city, a continuous effort to able to get into the painting, of letting
fuse and regulate nature and artefact, to ourselves become enveloped by the
divide the space, organise and systemise it, painting, of coming to be part of the scene.
whilst we project ourselves in it as links
that keep it in movement, fuel it and, at the While at the same time, photography,
same time, destroy it in an endless take of intermediary and inducer, makes it possible
the present. to show those spaces as real and inhabited.
Along these lines, the filters of what is real dialogue is established that makes possible
and exact, what is adulterated and a more complete and profound
imagined, what is lived and experienced comprehension of each one; in the strictest
and what is created fictitiously, are sense of the term, there is no linear
superimposed to subtly condition our way continuity between them, because the
of contemplating the work. Sometimes it underlying narrative that encapsulates
turns us into accomplice onlookers, while them is History itself.
at other times raising us into being a co-
substantial part thereof. The limits are The essential historical processes are
always imprecise. contained within the period of time, in
what happens before or after the
Apart from experimenting through the outstanding moment. The representation is
work, other concepts that are collateral to left bereft of dramatic elements or
my discourse include habitability, individual heroics, the characters act as
singularity or privacy, understood as being representatives of class, qualified but not
the antithesis of a public domain that is individualised. There are certain basic types
becoming increasingly harmful to the that recur in every image, although their
individual. place in society is different in each
situation and in every period. The conflicts
are presented from a perspective that is
Chema García
not Manichaean, which allows viewers to
Video based on the song “flashback al position themselves freely, invariably not
revés” by Klaus & Kinski. Made using 1800 falling into the trap of a relativism that
photographs, 7 ink cartridges and a lot of neutralises the possibility of judgement,;
patience. the contradictions, at times unsolvable, are
understood not only as a reflection of
reality but also as factors of change. The
The group was filmed using a home descriptive clarity and the abundance of
camera. Afterwards, each photogram was details turn the metaphors into new
printed on a folio, and each folio was realities, encoded in a coherent way: fables
photographed. Finally, the original with no obvious moral, fragments of a
photograms were substituted with the contemporary myth.
photographs.
Irma Marco
Ignacio García
The tranquil look
The lines organically structure the
blankness of the paper, until they create an In these shot stories, I try to capture and
autonomous space in which the conserve the traces of what amounts to
information is inscribed. Every drawing hardly a moment, a person or a particular
synthesises, in a representation that is both song. This means coming up with a
encoded and specific at the same time, a metaphysical time where the
concept or reflection that are open to “photographic instant” is released from its
interpretation, but at the same time dependence upon a few split seconds.
deliberately channelled by the author. The The music marks the staging and while
archetypal ideas are extracted from the the character fills the space, time stands
real events, which can be developed with still.
broader dialectic expanse and can be
applied to a large number of specific That is how the creative process begins, in
situations. The isolated images make sense this intricate spiral of melodies, presences
by themselves, but when several of these and time, which merges in a liturgy full of
are contemplated at the same time, a nuances.
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I use the small format to relate a detailed Ariadna Parreu

and thorough observation of the instant, to
which I attribute great dreamlike content. I find the scene in the foreground of a
The people that I paint become characters highly-contextualised assimilated element
in a story that is narrated on the canvas much more striking, because it takes on a
itself, coming to form part of a universe threatening and anxiolytic meaning, which
that is clearly intimist. is much more likely by unreal, because of
its time connotations, that there were, are
In my attempt to retrieve a memory of day- and will be, , than the verbalised action in
to-dayness, I paint on fabrics that used to itself. The change of state is explained in
be put to domestic use, because of the adulterated tenths of a second, because
context that hints of a consumer item that they are amplified to define the change,
has been rejected and recovered. the tension.
Perhaps, the fact that there is a bubble

Oriol Nogues society where the danger is held back by
the screen, the technique that revives the
Playtime
genuine fear and not the virtual terror, is
that everyday experience in superlative. I
With action as the main medium (but not
assume that this is so, because the verb “to
the only one) at the service of expression
pretend” would be rather ridiculous here.
and the construction of meaning, I am
proposing a work that revolves around the
I sense the ordinary space and the
search for and exploitation of our
constituent elements, that is to say, the
involvement with mass-produced objects
house, with the change, the game and the
that have invaded our most immediate
time. The anxiety in mother tongue. The
everyday lives.
poetic vision, specific, ridiculous,
contrasting, comical or threatening from
Between theatre and plastic arts,
the environment adoptively natural,
alternating between the use of slides with
manipulated to exaggerate the time and
or without the presence of the public, I
take the action and the “mask” that realizes meaning.
it, as a vehicle and a constructive element
I compose series that relate, in a rather
forming the basis of the discourse.
unorthodox way (with the use and disuse
Action, understood as such, constituting of “Hi-Tech”), the deed and the action
part of what one could term personal frozen, I try to get an initial
vocabulary, whether in an isolated and misunderstanding that leads to a potential
filmed way to exploit its autonomy and its recognition, derived from the recherché or
individual poetic weight, or reinvested the megalithically unseemly.
before the public, to test its effectiveness in
generating its own particular space and Enrique Piñuel
time.
....... [On my work]
An action that leads to a mask, an action
performed by a mask, a mask that involves I find the act of writing about my work to
and requires an action so that it can exhausting, and all the more so when other
materialise... that is the rhetorical “game” have already put pen to paper about what I
that enables me to interact with the think.
commonplace, with a view to making it
more vis ble (or tolerable), with a view to The appropriation, the recycling and the
understanding it or, simply, with a view to manipulation of images in motion, is one of
not forgetting it. the foundations upon which I construct my
works; this is the moment to do the same The disappearance of the context
with the written word. Round about a encapsulates the space in a timeless
century ago, Vertov anticipated me and bubble. A bubble that floats and turns
pre-empted me with the manifesto The slowly, confusing what lies ahead with what
"Kino - Eye”, so it would be better to lies behind, and what lies above wit what
reproduce a fragment than to end up lies below, confounding and cancelling out
paraphrasing. the laws of gravity.
«Sinking into the interior of the apparent

Arantzazu Tomás
chaos of life, the "Kino-Eye" endeavours to
find, in the interior of life itself, the
“Systems” is a dream from its beginnings,
response to the subject being dealt with. through to infinity and beyond. It deals
The find the result from among the millions with many things, all of which are simplified
of acts and deeds that are associated with and viewed from a specific perspective,
this subject. To assemble, to mount and to that of Silvestra.
extract, thanks to the camera, whatever
happens to be the most characteristic, the The world, life, time, the future, reality:
most useful, with a view to organising the countless systems that flow like a
fragments filmed, extracted from life, into a meshwork of cogs.
rhythmical visual order that is imbued with
meaning, into a visual formula imbued with Yet … Why this insistence on giving form to
meaning, into a summary of "I Spy" the imaginary world of a fantasy character
that creates itself perhaps by coincidence?
Dziga Vertov, The Kino Eye
Silvestra is a futuristic fashion designer
who wants to be in no doubt about the
Isabel Tallos moment in which we find ourselves and
how far we can go in that explosion of art
One of the most sublime scenes from the in motion that is epitomised by those who
film “The Mirror” by Andrei Tarkovsky is the toy with fashion.
one where a woman is waiting for her
husband to arrive. It has been said that Fortunately, while I found myself immersed
during the filming, the actress did not know creation through coloured drawings of the
how the scene was going to develop, all she “generator of Silvestra-Vestments”, a
had to do was wait, just wait. The director person very close to me showed interest in
had not told her whether her husband - this contraption. I explained to him that it is
who had been away for several years -, was nothing more and nothing less than a
complicated machine whose purpose is to
going to turn up at any time, or not.
analyse the different parameters that we
When an airtight space is devoid of take into account when it comes to
references and left in vacuum, the dressing and creating in situ the right outfit
audience has no possibility of recognising for the occasion.
it. It is impossible to discern the location,
It is this person, Luis Lopez Ortiz, 3-D
the period, the meaning. Time thus loses
animator and, above all, friend of his
the sense of the instant. There is no
friends, who gives form, colour and texture
“before” and no “after”. Any element or to this project with a precision that is
inhabitant will live in an aura of unreality, befitting to the art lover.
with a strange feeling of waiting, devoid of
expectation, waiting in a docile way This animated video is composed of two
without anxiety. A wait whose starting parts: the first is Silvestra showing us her
point is not known and nobody knows ideas in the form of an astral voyage, and the
when it will end. second one pays a sneaking visit to her
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space while she sleeps, in which we can bear response to my work from any type of
witness to how “the machine” actually works. public, as well as the potential for exploring
the possibility of collective creation using
The aims of this short video are likewise this medium.
twofold: to create a personal vision of
Silvestra so that she can be expressed Another important aspect in my career is
through her creations as though she were a undertaking projects in collaboration with
filter through which to distil them. And the other artists with a view to questioning the
second aim is to locate Silvestra’s firm in notions of singularity and individuality that
this motor of contrasts in which we live. have traditionally been associated with
artistic creation. I have taken part in several
An idea that is fruit of someone’s need to joint projects with the musician Anders
wake up in the morning, or not, or to wake Hattne and with the ballet dancer Mayte
at night, and to put their hand in the Vaos and Victoria Macarte. I am working
wardrobe, take out a garment and cover with Noemí Laviana (www.apatches.net)
themselves with this item of clothing that on scenic art proposals where live video
makes them feel confident, to compose a and dance complement one another. I also
portrait made of shreds from another form part of the group D forma
world, discomfort, and makes them dream (www.dforma.net), based in HANGAR,
and others dream. carrying out multimedia projects
associated with Digital Art.
Silvestra’s overalls are imbued with all the
fullness of her sense at this point. They are
not prepared to remain at the fringes of the Flavia Mielnik
image.
Today, cities are in a rush. Transformations
Whoever sees this story can end up with are constantly taking place, the old is
the feeling that they are not sure who destroyed and taken over by the new in an
silvestra is and who she is not, and this is increasingly brief period of time. It is
only to be expected, because it is difficult to keep up with the pace of the
something that is reflected many things, replacements in urban centres, a building
because what it all boils down to is that full of mirrors takes the place of an old
silvestra is an attitude. An insignificant house and we fail to realise it.
viewpoint between all those people who
believe in beautiful things and who dream On the series “Cuarto Plano” (Fourth
of happiness as the driving force lying Plane)
behind systems, those who do not want to
overlook reality and who believe in people. I search on the disturbed surfaces of the
city, for human traces that have survived
the daily transformations caused by man’s
PROJECTS
urgency, by the agility of machines, by the
need to construct anew and to destroy
Raquel Labrador what is old. I seek to reconstruct
atmospheres whose histories were
Definition of my work (statement) pummelled by excavators and by time.
A the present time, my projects try to find The work entitled “Cuarto Plano” (Fourth
in Internet the way to combine new modes Plane) presents a set of wooden boxes
of communication with video and other painted blue, with digital photos that reveal
expressive languages such as drawing, real images of a zone whose buildings have
photography and music. Another aspect been demolished. Under transparent
that I find interesting with network projects methacrylates, serving to cover the boxes,
is the fact that one can obtain a direct fine strokes in black, reconstructing with
drawings, atmospheres, environments and
situations that might well have existed
there.
The florid tiles of the bathroom, the

porcelain hook with the lilac towel hanging
from it, the yellow soap dish, and the marks
on the staircase leading from the first floor
to the second reveal a past that is now
exposed to the street for all the passers-by
to see.
Protected by walls, the ground remains

static, as though houses were still there, as
though a key were being inserted into the
lock on the front door, as if a hand were
turning the doorknob and a family were
entering, just as they used to every single
day of their lives.
Now, living in Barcelona, I carry on going

through those areas full of details and
steeped in history. The series, already
developed in Brazil, São Paulo and Bahia,
broadens its range of memories in that
European city.
Damián Ucieda
Artist statement
The staging is used to construct narrative

photography in which space and
characters are the keys to a parallel reality
suspended in undefined space and time.
There is a strong cinematographic
presence; the images are full of
atmospheres that are pregnant with
emotions, enigmas and unanswered
questions.
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2008

Muestra de Artes Visuales

© de los textos e imagenes: sus autores

Equilibrios en el paisaje del siglo XXI

Raquel Labrador 228

English texts 259

En esta edición se ha seleccionado a 25 artistas, 21 en la categoría de obra realizada y 4

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Agradecemos a los miembros del Jurado por su inestimable ayuda y profesionalidad en

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Licenciada en Bellas Artes. Universidad del Premios y Becas (Selección)