2.

ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI

Uno de los factores históricos determinantes fue el proceso de involución política que culminó en
1543, con la instauración de la censura de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal
que caracterizó la producción de impresos durante el medio siglo anterior.
Sin embargo, uno de los avances más importantes fue el renacimiento de la caligrafía, que se
produce en medio de un absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que
establecieron una burocracia que favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la imprenta,
en poder de la Iglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de vanguardia y se convirtió en una
actividad conservadora al servicio de las fuerzas políticas y religiosas totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos
los Estados poderosos de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió gran valor en el siglo
XVI y fue divulgada por sus representantes con propósitos didácticos a través de
sus tratados y manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros italianos conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni
Antonio Tagliente y el calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta
una novedad didáctica en la práctica caligráfica al tratar de instruir alternativamente por medio de
textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y económicas de la época, en el campo tipográfico el diseño de
tipos se considera sólo por su función como elemento del proceso de impresión y su mayor
exponente fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la subversión y el
favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los que practicaban esta
labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.
"La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y
contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima Garamond,
fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana…"
En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el impulsor de la tipografía inglesa y diseñó un
tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los aportes de
Baskerville fueron muy innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel satinado para facilitar
una impresión nítida y brillante y la variante del uso a voluntad de la interlínea o espaciado entre
líneas de texto impreso.
Por la gran producción de libros en este siglo, la decadencia del impulso creativo se acentúa, se
degrada el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con
este procedimiento y entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado calcográfico
(sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.
3. EL SIGLO XVII
En este siglo se dio un estilo homogéneo o académico a toda manifestación artística o artesanal, y
a su vez se comenzó a utilizar una nomenclatura metafórica que permitió que la arquitectura fuese
desplazada por la tipografía. En este sentido, el arquitecto Peter Behrens hizo referencia a que el
tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de expresión de la época o estilo, y que
próximo a la arquitectura, este proporciona el más severo testimonio del nivel intelectual de
una nación.
La caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es
importante resaltar que esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que
constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria incorporó a su repertorio lingüístico.
"En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y
la ilustración son componentes que van apareciendo sucesivamente por orden, en un momento
histórico en el que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y no, como hasta
entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público."
A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados, este
propone algo más que el reconocimiento del producto añadiendo un nuevo valor: la imagen
de identidad.
4. SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece la demanda en
el negocio de la venta de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los
Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres el primer diario comercial dedicado a la
publicación de anuncios de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se
encargaron de introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece fueron
utilizadas como cartas comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la publicidad por medio de la repetición se pone
de manifiesto en los impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los establecimientos,
acompañados de una completa argumentación publicitaria. También, se debe tomar en cuenta, que
los sectores comerciales, como la del libro, se encargaron de introducir la práctica del Cartel mural
en formatos pequeños ilustrados con xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la
modernización de la señalización comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o
formato a las necesidades de la época, debido a que estas eran muy rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de
especialistas, fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la imagen
en un contexto más preciso y menos trivial, utilizándola como complemento del texto y completar
con ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta manera la Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo
de la familia de las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es
interesante la creación del alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es una extraña serie de
letras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la letra y representa en cada una
de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la
cual establece una sociedad igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los
diarios y periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.
La practica de la propaganda política introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como nuevo
elemento gráfico desde 1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas
despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización, de esta manera la
caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original, sea este de orden
político, social o religioso.
5. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión
incorporando la máquina semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig,
posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las
arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles
y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las
Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres familias
genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del
comercio. En lo que compete directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de correos,
se asume la técnica del grabado calcográfico como unidad estilística propia y aparece el billete con
el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e instrumento
propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como
elemento simbólico de atracción.
6. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX
El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX,
luego de muchos años de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los
esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas debido a la Automatización y a la Especialización.
Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones de los tipógrafos, así
comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel,
encuadernadores, editores, impresores, etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno
masivo. Creció la demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el
crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel
Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos
históricos (neoclasicismo, neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau
o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte
(arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial, ingeniería de
la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el
diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, no solo
como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al
Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones
que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a
los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, la trama, el proceso de
impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la fotografía
de rayos X, la película de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo
radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas
funcionaron como una línea divisoria. Es así como se desecharon los estilos tradicionales de
tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente moderno de
layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que produjo en la industria, la arquitectura y la
construcción, la nueva maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la construcción modular en
cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en una metáfora para la
construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios
arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicas dentro de
las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y no tradicionales del modernismo.
7. ACOGIDA DE LA BAUHAUS
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías
básicas, colores puros y en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores
y materiales. Para ellos servían como una escritura con la que podría analizarse y representarse
la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación de la
historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas
y los tres colores primarios."
Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto
de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la
tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un
lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron
a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de
la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando
muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada
al pensamiento avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba directamente con
la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para
referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o
imagen simple.
El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y "Punto y línea sobre el plano" de Wassily
Kandinsky, fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de la
escritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la Gestalt para
aportar una racionalidad científica al lenguaje de la visión, la psicología de la Gestalt ha sido desde
entonces una fuente teórica dominante en laenseñanza básica del diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fue Johannes Itten, cuyo misticismo y
excentricidad disonaban de los planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto fundador de la
Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases
sobre color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de formas
básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráfico es un modelo de expresión pictórica y
sus manuales de diseño describen a la línea como un solo punto arrastrado a través de una
página. De igual manera, Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de trazar
correspondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de experiencias no gráficas como el
color, la música, la intuición o la percepción visual.
La serie representa el intento de Kandinsky de probar una correlación universal entre el color y
la geometría, y se ha convertido en uno de los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en
día pocos diseñadores aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue siendo la base de
numerosos libros de texto de diseño básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada participante que
asociase intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar validez mediante
el test psicológico a la serie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje visual como sistema de
oposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación directa con los mecanismos del ojo
y el cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el
espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y
diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre la continuidad y
la discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la
cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como
facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo
neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.
8. MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la disposición repetitiva de una colección de signos según
determinadas reglas de combinación. La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha
sido organizar los elementos geométricos y tipográficos en relación con oposiciones formales tales
como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura / fondo, lineal / plano o regular / irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna del diseño en los años cincuenta y sesenta,
donde la intuición se convirtió en un elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se
aplicaban afirmaciones como: Entre más exactos y completos son los criterios, tanto más creativa
es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la unión entre el sistema racional y la elección intuitiva se
convirtió en la preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma
moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto Neomoderno de
personalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una comunicación universal libre
de valores.
Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueron intentos para lograr un orden
lingüístico, cultural o psicológico que regulara el acto creativo individual, más que personalizar lo
moderno, lo neomoderno trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de los lenguajes que
utilizamos.
9. EL NACIMIENTO DE WEIMAR
Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república con
la capital en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los
alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de
ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación de la nación alemana presenciaron su
desarrollo hasta que se convirtió en la nación más industrializada y militarizada de Europa. Con la
rapidez de su urbanización e industrialización las artes prosperaban en Alemania, Diaghilev, cuyas
producciones toparon con la animosidad de otras capitales europeas fue bienvenido en Berlin.
"Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la
vida, Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar."
En el caos del mundo alemán había la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por
medio de un arte nuevo. Gropius llamó a la unificación de las artes, pero la ausencia de una
república alemana convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la devastación
infligida por los nazis.
10. EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en decadencia,
muchos alemanes sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la
Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre la visión y la función del entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad jerárquica,
muchos miembros de la Bauhaus creían que el futuro dependía de unas leyes universales de la
razón que no estaban vinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo invitó a dirigir el taller de tipografía e
imprenta. Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba
tipos de palo seco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir composiciones limpias
y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las
exigencias de la funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas
de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal diseñado por Bayer
en 1925, representa una reducción de las formas de letras romanas a simples formas geométricas.
Este tipo de letra abarcó a la industria y a la tecnología y se adaptó a las técnicas
de reproducción en masa y métodos racionalizados.
11. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticos se han visto representados por
importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien destaca como dibujante y es
llamado "el discípulo del diablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William Morris y se
caracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte
oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños el predominio de
los espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo
XVII, Christopher Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las
artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm,
Robin Hood y Don Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso de formas geométricas, simples y sin
ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de
artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el estado de las artes
aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado por William Morris, otros artistas
importantes en el movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip
Webb, Alejandro Fisher y Christopher Whall.
Uno de los más notables precursores del racionalismo fue el arquitecto británico Charles R.
Mackintosh, quien se destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su
dedicación en la elaboración de carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la búsqueda de la
estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo
la tutela de James Brooks y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su admiración por el
Renacimiento lo llevó a creer en la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert
P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el periódico del
Gremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado inicialmente por Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera
profesional como diseñador de carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes llamativos
de negro y blanco de su técnica del woodcutting fue acostumbrado a gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartel con sus cuñado James Pryde y los
dos se dieron a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentar con la suma de tintes sutiles de verde
y ocre a sus composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad
e innovación en el medio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos estéticamente y
comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina Victoria, el cual es una de las
impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su
estilo provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la
primera imagen corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la
transición al Clasicismo Industrial, y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.
12. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se
desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los
productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad
consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y
la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas
(collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George
Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.
13. EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno de los países con mayor tradición histórica en el campo de las artes gráficas, la
obra impresa más antigua del país data del siglo XVII. La figura colombiana más relevante es
David Consuegra (1939), quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá brindando su
experiencia y talento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta Granados, Antonio
Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930),
quien después de trabajar en Paris en diversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas,
se establece en Lima implementando las influencias europeas en el diseño gráfico contemporáneo
de América Latina.
El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca los orígenes de la imprenta en este país,
y la iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de la Administración de Correos se debió a un
grupo de diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la calidad del diseño
venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracas y fue autor de 26 sellos para la
Administración de Correos y es calificado como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F.
Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano quien inició su larga e intensa
colaboración con Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson.
En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer libro
impreso en América, casi doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg de América
Latina impresa en Argentina. Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de reproducir
imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de esos menesteres
añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas políticas en periódicos similares a los europeos.
"…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la
historia del diseño gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer
una producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…"
Otros artistas gráficos de gran relevancia además de José Guadalupe Posada, fueron: Trinidad
Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráfico aplicado al consumo, probablemente
la más antigua de Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y de
una practica aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez a un
país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño cubano en litografía la escribió Francisco Murtra, la de la
tipografía José Mora y la del cartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, los mejores cartelistas argentinos de la
historia son Arnaldi y Valerian Guillard. En los años sesenta este país era la primera potencia de
América Latina en la edición de libros y otros materiales de lectura como por ejemplo, los diarios.
Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los argentinos han tenido mayor
proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto el establecimiento de las sucursales de las
grandes agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y
mercantil del Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de producción industrial,
con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitarios en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio
Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela
Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de altísimo nivel como Gui
Bonsieppe.
14. ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico,
facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al
respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand,
Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejores programas gráficos de nuestra
época, ya que han sabido capturar la imaginación del artista, ofreciendo desde un principio la
posibilidad de hacerla realidad. Además, han solucionado con la evolución de sus programas,
ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las
mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una
práctica mini-previsualización de la impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en
un nuevo Menú de Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de la Caja de
Herramientas y nos da acceso a todas las herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha
usar el programa de una manera más productiva y eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas
crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que
podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un
mayor control del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de
comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema
de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución
del diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que
posibilitan la navegación virtual por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor
de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar las
etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto),
necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por este motivo las
páginas presentaban fondo gris, texto y alguna decoración.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web
posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y
una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que
permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos,
gráficos y textos en un ambiente interactivo.Dreamweaver y Front page son reconocidos
programas para la realización de páginas web.

Antecedentes
El libro de Kells —una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses
del siglo IX— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo del concepto de diseño
gráfico. Se trata de una manifestación gráfica, de gran valor artístico, de altísima calidad, y que
incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues incluso supera en calidad a muchas de las
producciones editoriales actuales—, y además desde un punto de vista funcional contemporáneo
esta pieza gráfica responde al conjunto de necesidades planteadas al equipo de personas que lo
realizó, no obstante otros opinan que no sería producto del diseño gráfico, pues entienden que su
concepción no se ajusta a la idea del proyecto de diseño gráfico actual.

La historia de la tipografía —y por carácter transitivo, también la historia del libro— está
estrechamente vinculada a la del diseño gráfico; esto puede ser así porque prácticamente no
existen diseños gráficos en los que no se incluyan elementos gráficos de este tipo. De ahí que
cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de la columna
trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la
industria del libro, los afiches parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William
Morris, la Bauhaus, etc.

La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo a los libros más baratos de
producir, además de facilitar su difusión. Los primeros libros impresos (incunables) marcaron el
modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta época se ha llegado a conocer como
Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros tipógrafos usaron) o Humanista,
debido a la escuela filosófica predominante de la época.

Tras Gutenberg, no se vieron cambios significativos hasta que a finales del siglo XIX,
específicamente en Gran Bretaña, se hizo un esfuerzo por crear una clara división entre las Bellas
Artes y las Artes Aplicadas.

Primeras vanguardias
Escuela de la Bauhaus. Fundada en 1919 por Walter Gropius, es considerada la cuna de la
profesión del diseño.

La organización tipográfica libre, expresa el espíritu del movimiento Dada, su irracionalidad, busca
de la libertad y oposición al estado de las cosas y expresiones visuales de la época.

La escuela de Ulm fue un punto inflexión en la historia del diseño, ya que allí se perfiló la profesión
del diseño mediante una metodología científica.

La idea de simplificar al máximo las formas en los símbolos se desarrolló durante la década de
1950.

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una
reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una
misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines
del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un
mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo
dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una
misma pieza gráfica.

Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los
acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo,
Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas
las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes
decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés
por la geometría evolucionó hacia el art déco. Todos estos movimientos aparecieron con un
espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período
también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores
mostraron sus opiniones.

Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño
gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el
organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y
geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el
De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño
gráfico del siglo XX. Otro elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el
creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional. Este elemento apareció sobre
todo en los diseños producidos por el Dada y el De Stijl.

El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos
industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro
de Londres, y Eric Gill.

Las escuelas de diseño

Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New
Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista,
pero continuó siendo muy influyente. Herbert Bayer, que dirigió desde 1925 hasta 1928 el
taller de tipografía y publicidad en la Bauhaus, creó las condiciones de una nueva profesión: el
diseñador gráfico. Él puso la asignatura de “Publicidad” en el programa de enseñanza
incluyendo, entre otras cosas, el Análisis de los medios de publicidad y la Psicología de la
publicidad. Cabe destacar que el primero en definir el término Diseño Gráfico fue el diseñador
y tipógrafo William Addison Dwiggins en 1922.

Es así como Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, y El Lisitski se convirtieron en

los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de
producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han
alterado drásticamente los sistemas de producción, pero el enfoque experimental que
aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la experimentación e incluso
cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvética es un revival;
originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las
composiciones ortogonales.

En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba.
Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrián Frutiger, diseñador
de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los
años cincuenta y sesenta.

La Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la

profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible
afiliación con la publicidad. Al comienzo, el departamento en cuestión se denominó Diseño
Visual, pero rápidamente quedó claro que su objetivo actual era resolver problemas de diseño
en el área de la comunicación de masas, en el año académico 1956/57 el nombre se cambió
por el de Departamento de Comunicación Visual, según el modelo del Departamento de
Comunicación Visual de la New Bauhaus en Chicago.2 3 En la HfG de Ulm, se decidió trabajar
primordialmente en el área de la comunicación no persuasiva, en campos como el de los
sistemas de signos de tráfico, planos para aparatos técnicos, o la traducción visual de un
contenido científico. Hasta ese momento no se habían enseñado sistemáticamente esas áreas
en ninguna otra escuela europea. A comienzos de los años1970, miembros de la Bund
Deutscher Grafik-Designer (Asociación de diseñadores gráficos alemanes), dieron a conocer
varios rasgos de su identidad profesional, como en el caso de Anton Stankowski entre otros.
Mientras que en 1962 la definición oficial de la profesión se orientaba casi exclusivamente a
las actividades publicitarias, ahora se extendía hasta incluir áreas ubicadas bajo la rúbrica de
la comunicación visual.4 Las imágenes corporativas elaboradas por el Grupo de Desarrollo 5
de la HfG de Ulm, como aquellas creadas para la firma Braun o para la compañía
aérea Lufthansa fueron asimismo decisivas para esta nueva identidad profesional.

Gui Bonsiepe y Tomás Maldonado fueron dos de las primeras personas que intentaron aplicar
al diseño ideas extraídas de la semántica. En un seminario realizado en la HfG de Ulm en
1956, Maldonado propuso modernizar la retórica, el arte clásico de la persuasión. Bonsiepe y
Maldonado escribieron luego diversos artículos sobre semiótica y retórica para publicación
inglesa Uppercase y la revista Ulmque resultarían un importante recurso para los diseñadores
a esa área. Bonsiepe sugirió que era necesario contar con un sistema moderno de retórica,
actualizado por la semiótica, como herramienta para describir y analizar los fenómenos de la
publicidad. Por medio de esta terminología, podía exponerse la llamada "estructura
omnipresente" de un mensaje publicitario.5
La idea de simplicidad como característica de buen diseño continuó presente por muchos
años, no sólo en el diseño de alfabetos sino también en otras áreas. La tendencia de
simplificar influyó todos los medios en la vanguardia del diseño en la década de 1950. En ese
momento, se desarrolló el consenso de que simple, no sólo era equivalente de bueno, sino
que también era equivalente de más legible. Una de las áreas más afectadas fue el diseño de
símbolos. Los diseñadores se plantearon el problema de hasta qué punto se los podía
simplificar sin destruir su función informativa. Sin embargo, recientes investigaciones, han
demostrado que sólo la simplificación de formas de un símbolo no incrementa necesariamente
su legibilidad.

Segundas vanguardias
La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero inexorable. Los
orígenes de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento humanista de los años
cincuenta. En este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó dos tipografías hoy
omnipresentes Palatino (1948) y Óptima (1952). Difuminando la línea entre las tipografías con
serifa y las de palo seco y reintroduciendo las líneas orgánicas en las letras, estos diseños
sirvieron más para ratificar el movimiento moderno que para rebelarse contra él.

Un hito importante fue la publicación del Manifiesto lo primero es lo primero (1964), que era

una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie,
carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores
gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.

Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible
campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos
de la cultura popular de los sesenta y setenta.

Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances
tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología
tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso
atrás. Zuzana Licko comenzó a usar ordenadores para composiciones muy pronto, cuando la
memoria de los ordenadores se medía en kilobytes y las tipografías se creaban mediante
puntos. Ella y su marido, Rudy VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición
de tipos del mismo nombre. Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores,
liberando un gran poder creativo. La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.

David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la constricción del diseño
moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles,
diseñados para ser más experiencias visuales que literarias.
Actualidad
Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por herramientas
digitales. El diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A
partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores
personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza
analógica por sistemas digitales. Por lo tanto los ordenadores se han transformado en
herramientas imprescindibles y, con la aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han
extendido como medio de comunicación. Además, la tecnología también se ha hecho notar
con el auge del teletrabajo y en especial del crowdsourcing o tercerización masiva, ha
comenzado a intervenir en las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la
necesidad de reflexionar sobre tiempo, movimiento e interactividad. Aun así, la práctica
profesional de diseño no ha tenido cambios esenciales. Mientras que las formas de
producción han cambiado y los canales de comunicación se han extendido, los conceptos
fundamentales que nos permiten entender la comunicación humana continúan siendo los
mismos.6

A la par del desarrollo tecnológico y del diseño y comunicación visual también se han
modificado nuestras necesidades, hábitos cotidianos y condiciones de emisión y recepción de
mensajes, Hoy más que nunca es indispensable recurrir nuevamente a las posibilidades
expresivas de la imagen en la búsqueda de una mayor eficiencia en la comunicación y con
significado en el contexto del lenguaje y la “alfabetidad visual”.

La sociedad demanda nuevas soluciones ante la saturación de información visual

y multimedia que nos atrapa y desvía hacia el consumo de productos comunicativos ajenos a
nuestro interés, por lo cual resulta imprescindible la participación de las instituciones
educativas para promover el desarrollo de estrategias más creativas que se enfoquen más al
aprovechamiento de la información y al aprendizaje que a la acumulación arbitraria de datos.

Debido a la convergencia y democratización de los medios y al exceso del componente

tecnológico que ha irrumpido también en el panorama del diseño, se ha relegado a un
segundo plano los aspectos estéticos y de comunicación. Incluso cualquier usuario con
undispositivo móvil puede editar y publicar contenidos digitales y multimedia. En este sentido,
hay que considerar que la creatividad es una cualidad, un proceso y búsqueda constante que
se puede asociar con formas de pensamiento constructivo para promover el uso razonado de
las tecnologías en el diseño ante los nuevos escenarios de la comunicación visual.
CORRIENTES EN EL DISEÑO GRAFICO
Art nouveau

Llamado también modernismo, es una corriente artística que nació a finales del siglo XIX y
principios del XX. Esta fue creada por la necesidad que tenían en esa época de ver cosas
innovadoras y diferentes; sus representantes se basaban en la naturaleza a partir de líneas
onduladas y decoraciones florales. Se optó por aspectos hechos por el hombre para
plasmarlo, como lo son carteles, afiches empaques, anuncios…En cuanto al cartel tomo un
papel muy importante en Francia, en estos se plasmaba toda clase de información
(exceptuando religión e informes policiacos), dejando de lado los carteles tipográficos; los
carteles gráficos adquirieron fama en toda Europa. Uno de sus máximos exponentes fue
Jules Chéret, quien promovió la imprenta y publicidad. Las formas básicas y contornos
fueron tomados muy en serio en esta corriente, esto ayudo a unificar la decoración
innovando en cada trazo, haciéndolos más fluidos y tratando de innovar, para no llegar a
la imitación. Se puede observar que los motivos más frecuentes eran pájaros, las mujeres,
que en esa época estaban teniendo un papel importante en la sociedad y las flores. Cabe
resaltar que gracias a esto se tomaron tres aspectos importantes para diseñar: la
decoración, la estructura y la funcionalidad.

Cubismo

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia,
el cual se caracteriza por el uso de figuras geométricas y de monocromía en sus obras;
dando un toque de abstracción al igual de múltiples y opuestos puntos de vista. Según los
críticos, da una apariencia de vidrios rotos. Luego de esto usan tonos más llamativos con
textos cítricos. Como consecuencia, el cubismo rompió todos los esquemas de lo que el
dibujo había sido cuatro siglos antes. Una de las técnicas más usadas fue el collage ya que
este les daba libertad en la composición. Piccaso y Braque fueron unos de sus máximos
exponentes.

Futurismo

Nació en Milán, inducido por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien fundó
una corriente revolucionaria en el que los principios del futurismo están plasmados en un
manifiesto. El futurismo fue una vanguardia que buscaba manifestar el movimiento, el
tiempo, la velocidad, la fuerza de las cosas, la fogosidad de la guerra, las máquinas y todo
lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con cualquier esquema tradicional. En
esta no había armonía y la tipografía no iba sujeta a la gramática, se podían usar
diferentes colores en un texto y distintas letras. Se puede apreciar también la
colaboración de uno de los defensores del cubismo y rival de Marinetti, Guillaume
Apollinaire quien aporto al diseño grafico un libro llamado Caligramas, en donde se puede
observar poemas que forman figuras.

Dadaísmo

Surgió en Suiza, entre 1916 y 1922. Es de naturaleza anarquista, está en contra de las
guerras y de todo esquema anterior de arte, a tal punto que cuestiona su existencia.
Tendía a no tener sentido y ser absurdo. Sus representantes buscaban innovar
combinando distintitos materiales y hacían sus manifiestos con tipografía radical,
empezando esta a ser considerada como pieza fundamental del diseño. Fue considerado
un movimiento liberador. Fueron promotores del fotomontaje.

Surrealismo

Influenciado en las teorías de Freud, acerca del psicoanálisis, los sueños el consciente y el
inconsciente, André Bretón en el año 1924 se inspiro en estas para instaurar una corriente
artística que se basaba en la lucha del inconsciente reprimido por la conciencia. Dio un
gran aporte al diseño grafico gracias a diferentes técnicas que contenían imágenes
sugestivas y perspectivas; cabe resaltar que también hizo estallar la imaginación. Salvador
Dalí uno de sus principales exponentes se inspiro en el sexo y la paranoia, haciendo de sus
imágenes excéntricas y provocadoras.

Constructivismo

Surgio en Rusia en 1914, de las cenizas de una guerra y de una revolución, queriendo
innovar y cambiar lo que era el arte moderno de esa época, crearon unos principios de
construcción de imágenes que debía ser como la construcción de un edificio, organización
visual, dando a entender que lo que importa es la técnica y el proceso del diseño. Esta
corriente se desenvolvió más en la política, utilizado más que todo en carteles usando
simbolismo con fácil comprensión para que todos pudieran comprender el mensaje.

Art decó
Llamado también Arte Moderno, nació en 1920 con influencias del cubismo,
constructivismo, futurismo y el Art nouveau. Puede evocar todo lo retro. Fue una
corriente artística que tenía como uso principal la geometría y simetría, los colores y la
abstracción. Utilizaron figuras geométricas tales como el hexágono y octágono, las líneas
rectas y el zigzag son unas de sus favoritas. Creado para el arte y la decoración.

Luego de este recorrido de las corrientes del diseño gráfico se puede concluir que todo
esto fue un intento vanguardista para unir las fuerzas del arte con la ciencia y la
tecnología, de reorganizar la estética del entorno y transformar la sociedad de ese
entonces, mediante la innovación y la ruptura de esquemas tradicionales; viendo la
evolución de las tipografías, la organización de las imágenes, el uso de figuras geométricas
y líneas, lo abstracto y el realismo más las imágenes sugestivas. Gracias a esto podemos
comprender el mundo del diseño gráfico y la comunicación visual.

Henri de Toulouse-Lautrec un artista extraordinario que se interesó por el

cartelismo en una etapa ya avanzada de su itinerario creativo, mostró el afán por romper
con las fórmulas establecidas por el Art Nouveau. Coincidiendo con la eclosión del
movimiento modernista, Toulouse-Lautrec, marcó de manera importante el arte gráfico
catalán de principios del siglo XX. Sus pinturas, grabados y dibujos, interpretaron la
modernidad y utilizaron la imagen impresa para comunicar con una finalidad publicitaria.
Henri de Toulouse-Lautrec, a través del cartel artístico, inicia los primeros pasos en la
publicidad y el diseño moderno.

Behrens Peter (1868-1940)

Arquitecto, diseñador industrial y gráfico nacido en Alemania. Inició su carrera como
grafista, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó
muy pronto del Art Nouveau hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se
impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial. Buscó mejorar la calidad del
arte industrial local.

Se lo considera un antecedente del funcionalismo, concebía la idea de un arte total (uno

de los conceptos del Art Nouveau). La simplificación de sus realizaciones responden
plenamente a las exigencias de la época.

Behrens trabajó en el campo editorial para la editorial de Frankurt Insel Verlag, en el

diseño de la marca editorial y algunas cubiertas de libro.

Desarrolló una considerable cantidad de proyectos de arquitectura y diseño de interiores,

en 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la Allgemeine Elektricitaets
Gesellschaft, AEG (Sociedad General de Electricidad), empresa para la que diseñó una gran
cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores.
Finalmente la empresa decide contratar a Behrens para la planificación y el desarrollo de
una nueva línea de electrodomésticos. Además se encargó de diseñar la imagen
corporativa de la AEG, tanto arquitectura como diseño industrial.

Prácticamente al mismo tiempo que empezó a trabajar en la AEG, se crea en 1907 el

Deutscher Werkbund, que reflejaría las ideas de Behrens y donde también trabajó; el
Werkbund sería una fuerte referencia ideológica para La Bauhaus.

Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas

constructivas. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los
maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe y Le
Corbusier.

FRANK LLOYD WRIGHT Y LA ESCUELA DE GLASGOW

Durante los últimos años de la década del año 1890, el trabajo del arquitecto americano
Frank Lloyd Wright (1867-1959) empezaba a ser conocido por los artistas y diseñadores
europeos; él era una inspiración para el diseñador que evolucionaba del Arte Nuevo
curvilíneo hacia la fase rectilínea.

El Estudio y sus reproducciones de trabajos hechos por Beardsley y Toorop tuvieron una
fuerte influencia sobre un grupo de jóvenes artistas escoceses, que se hicieron amigos en
la Escuela de Arte de Glasgow. A este grupo estrechamente unido encabezado por Charles
Rennie Mackintosh (1868-1928), se les unió J. Herbert McNair y dos hermanas, Margaret
(1865-1933) y Frances Macdonald (1874-1921). En el año 1899 se casaron McNair y
Frances y al año siguiente, lo hicieron Mackintosh y Margaret.

Conocida como la Escuela de Glasgow y también llamada los Cuatro Macs, estos jóvenes
colaboradores desarrollaron un estilo único cuya originalidad lírica y complejidad
simbólica fueron celebradas en el continente, especialmente en Viena, pero a menudo
ignoradas en las Islas Británicas.

La Escuela de Glasgow desarrolló una composición más geométrica, combinando

elementos florales y curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas. El tema del diseño
principal de Mackintosh consiste en líneas que se elevan, a menudo con curvas sutiles en
los extremos para combinar su unión con las horizontales. Ángulos rectos angostos, tiras
altas de rectángulos y el contrapunto de óvalos, círculos y arcos caracterizan su trabajo.
Las hermanas Macdonald tenían fuertes creencias religiosas y adoptaron ideas misticas y
simbólicas. La confluencia de la estructura de Mackintosh con el mundo de sueños y
fantasías de su esposa originó un estilo trascendental sin precedente que ha sido
diversamente descrito como femenino, un mundo mágico de fantasía y de deprimente
desasosiego.

Su modesta producción de diseño gráfico es uniformemente majestuosa. Entre sus

seguidores que desarrollaron estilos personales inspirados por la Escuela de Glasgow,
Jessie Marion King (1876-1949) desarrolló un estilo de ilustración imaginario y medieval, y
Annie French (1872-1965), llegó a ser una prominente ilustradora de libros

CHARLES RENNIE
Arquitecto y diseñador escocés, cuya obra de carácter sobrio y desnudo influyó en la
evolución de la arquitectura y la decoración durante el siglo XX. Mackintosh nació en
Glasgow el 7 de junio de 1868 y se formó en la escuela de arte de la misma ciudad. Pronto
abandonó el rebuscado estilo victoriano para adoptar un estilo basado en una sencillez
personal, caracterizada por las formas geométricas y las superficies despojadas. Entre
1899 y 1910 construyó numerosas residencias cerca de Glasgow, pero su consagración se
produjo principalmente gracias al proyecto para la Glasgow School of Art (1897-1899), un
edificio racionalista en el que yuxtapone largas y delicadas curvas con una potente
estructura rectangular. Más tarde amplió esta obra mediante una biblioteca (1907-1909),
compuesta sólo por el diálogo rítmico y ortogonal de las vigas horizontales con los pilares
verticales. Otra de sus facetas más representativas es la de diseñador e interiorista. Entre
1897 y 1912 diseñó el prototipo para la cadena de salones de té de Mrs. Cranston, en
Glasgow. Sus muebles combinan la rudeza expresiva de la tradición medieval escocesa con
la delicadeza de la nueva modernidad, definida por suaves curvaturas, motivos
geométricos y el empleo frecuente de maderas lacadas y decoradas. Así, aunque se le
considera adscrito al movimiento Art Nouveau, su obra no guarda demasiada relación con
la riqueza ornamental de sus coetáneos franceses o catalanes. Sin embargo, ejerció una
profunda huella en los diseñadores de la secesión vienesa, en cuya exposición de 1900
obtuvo un merecido reconocimiento internacional. Su obra ejerció una gran influencia en
el desarrollo del movimiento moderno, sobre todo gracias a su poética sencilla y
racionalista. A pesar de todo, y al parecer debido a sus excentricidades, el genial escocés
abandonó la arquitectura y murió en Londres, olvidado, el 10 de diciembre de 1928. Más
tarde se le ha reconocido como una de las figuras fundamentales del diseño y la
arquitectura del siglo XX. A finales de la década de 1970 la casa-estudio de Mackintosh en
Glasgow se reconstruyó y hoy alberga un museo sobre su obra.