Ruiz hdz

Corrientes artísticas
Impresionismo
El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la
segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente
experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la
luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en
la pintura.
Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de
manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una
policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los
lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces
sombras y figuras.
Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el
impresionismo), se produce un crecimiento económico en Europa. La
intensificación del comercio y el progreso técnico lleva a la consolidación
de la burguesía. Las clases sociales se reorganizan y los dirigentes
socialistas de toda Europa se reúnen para hablar de aquellos cambios. La
filosofía de entonces es positivista y realista, donde se prueban las cosas y
se exige la transformación del mundo. El arte cambiaba en conjunto con la
sociedad.
El estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría
en el arte moderno. En los cuadros de los inicios del siglo XIX, no se
valoraban los paisajes ni los bodegones, por lo tanto, el impresionismo, no
sólo abre los ojos del espectador a la técnica, sino que también a la
variedad de formas y la captura de paisajes cotidianos vistos desde las
más ingeniosas perspectivas. Los colores son puros, poco mezclados y se
conjugan en formas de un naturalismo extremo. Las pautas que consuman
esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la naturalidad de las formas
y la pureza.
Ruiz hdz

Pintores impresionistas
Lo que une a estos genios de la pintura es la intención de reproducir
escenas de la vida diaria de un modo creativo. En la mayoría de ocasiones
se pueden distinguir claramente por su estética, imágenes desenfocadas y
obras de apariencia inacabada. Estos pintores han demostrado que se
pueden crear arte mirando lo mismo de distintas maneras, en lugar de
buscar un paisaje u objeto diferente cada vez. De esta manera respondían
a la polémica social del momento: Se puede crear un orden para todos por
igual, pidiendo a cada grupo social su colaboración, en lugar de que el
poder pase de un grupo político a otro.

1. Pierre-Auguste Renoir fue un pintor francés impresionista, que en la

segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos
femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas
renacentistas y barrocas.

Autor: Pierre-Auguste
Renoir

Estilo: Impresionismo

Título original: Bal du

moulin de la Galette

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1876

Se encuentra en:
Museo de Orsa
Ruiz hdz

Autor: Pierre-Auguste
Renoir

Estilo: Impresionismo

Género: Paisaje

Título original: Le
marronnier en fleurs

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Tela

Año: 1881

Se encuentra en: Alte

Nationalgalerie, Berlín

2. Oscar-Claude Monet Claude Monet fue un pintor francés, uno de los

creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del
título de su obra Impresión, sol naciente.Sus primeras obras, hasta la
mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró
exponer algunas en el Salón de París.

Autor: Claude Monet

Estilo: Impresionismo

Género: Paisajes

Título original:
Coquelicots

Título (inglés): Poppies

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1873.

Se encuentra en:
Museo de Orsay, París
Ruiz hdz

Autor: Claude Monet

Estilo: Impresionismo

Tema: Naturaleza

Título original: Le jardin de l'artiste à

Giverny

Título (inglés): The Artist's Garden at

Giverny

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1900

Se encuentra en: Museo de Orsay, París

3. Camille Pissarro La vida cotidiana de las personas sencillas y el

paisaje natural sostenían el pincel del pintor danés Camille Pissarro
(1830-1903). Pintó al aire libre, desde su trópico natal y en las
escenas de una Venezuela rural desde la intuición.

Autor: Camille Pissarro

Estilo: Impresionismo

Tema: Paisajes

Título original: Coucher de

soleil à Eragny

Título (inglés): Sunset at Eragny

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1890

Se encuentra en: Museo de

Israel, Jerusalén
Ruiz hdz

Autor: Camille Pissarro

Estilo: Impresionismo

Título original: Maisons de

paysans, Eragny La Chaumière

Título (inglés): Peasants'

houses, Eragny

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1887

Se encuentra en: Galería de

Arte de Nueva Gales del Sur
(Australia)

Características del impresionismo

• Luz como interés fundamentan
• Encuadres y puntos de vista novedosos
• Abandono del dibujo correcto
• Superposición de colores en el lienzo
• Pinceladas, brochazos y puntos
• Ausencia de acabados y supresión de detalles en favor del
conjunto
• Temas casuales o intrascendentes
• De rechazados a impresionistas: origen del término
Ruiz hdz

Art Nouveau
Art Nouveau (del francés “arte nuevo”) es el nombre que se dio en Francia
(y Bélgica) a finales del siglo XIX a lo que hoy llamamos Modernismo. Es
decir, se trata de uno de los muchos nombres que recibió esta tendencia
estética nacida en Europa y Estados Unidos durante el período del fin de
siècle (“fin de siglo”) y belle époque (“época hermosa”)
Se trató de una corriente artística de renovación, muy influida por la idea
del progreso y de la libertad, de que el futuro de la humanidad “ya había
comenzado”. Tuvo una importante presencia tanto en la pintura y la
escultura, como en la arquitectura, las artes gráficas, las artes decorativas
y el diseño de mobiliario urbano.
arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo
internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte
nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil
y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la
arquitectura y las artes aplicadas.
la artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente
industrialización. El art nouveau también valoró las artes aplicadas y la
naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los materiales
y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo moderno.
La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse
a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era
industrial. Gracias a esto, no solo cerró el siglo XIX y abrió el XX, sino que
preparó la transición entre dos eras artísticas totalmente distintas.
Conozcamos sus características, representantes y obras a continuación.
Ruiz hdz

Artistas
1. Gustav Klimt fue un artista simbolista austríaco, además de
convertirse en uno de los representantes del Art Nouveau y el
Modernismo por el lujo y la voluptuosidad de sus obras.Uno de
sus sellos más característicos fue el uso del pan de oro y los
tonos brillantes, además de introducir como protagonistas a
mujeres soñadoras y glamurosas, además de, como es el caso de
Hope II (1907-1908), convertirlas en alegorías.
Ruiz hdz

2. Aubrey Beardsley es otro de los artistas del Art Noveau más

destacados. Un pintor e ilustrador inglés que tiene en su
producción artística una ilustración que ejemplifica las
características básicas del Art Nouveau, La falda del pavo real
(1894). Esta obra es una ilustración hecha para la obra de teatro
Salomé de Oscar Wilde. En su diseño, Aubrey emplea la línea
abstrayendo las figuras para producir curvas sinuosas, siendo
notoria la influencia de los grabados japoneses.
Ruiz hdz

Características del art nouveau

El arte académico del siglo XIX estaba dominado por el historicismo,
particularmente en arquitectura (neoclásico, neorrománico, neogótico,
neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo
moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y
apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este
modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un
deseo profundo de originalidad y libertad que definió las características del
movimiento.
• Inspiración en la naturaleza
• Dominio de la línea ondulante
• Asimetría y dinamismo
• Eclecticismo
• Riqueza ornamental
• Gusto por lo elegante, lo lujoso y lo exótico
• Materiales y técnicas de la era industrial
La pintura del art nouveau se conoce también como pintura modernista.
Coincidió generacionalmente con el postimpresionismo y se inspiró en la
literatura simbolista. Bajo la influencia del simbolismo de Jean Moréas, hizo
énfasis en la imaginación, lo onírico, lo extraño y lo artificial, y rechazó los
temas históricos o cotidianos del arte academicista.
• contornos pronunciados
• líneas ondulantes y entrelazadas
• motivos vegetales
• decorativismo
Ruiz hdz

Cubismo
El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX.
Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo
Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera
precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido
contemporáneo.
El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una
auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en
la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso
entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores.
La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto
en lo artístico como en lo cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que
llamaban la atención de los jóvenes artistas. No solo había ideas nuevas,
sino que había disponibles nuevas formas de mirar el mundo disponible.
Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del
postimpresionista Paul Cézanne, para quien “todas las formas de la
naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto,
comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de
hallar sus elementos geométricos esenciales.
El cubismo tuvo sus orígenes en un grupo de discusión artística instalado
en el boulevard de Montmartre, en un edificio al que llamaban “Bateau-
Lavoir”. Este edificio era la residencia de Pablo Picasso, Georges Braque,
Juan Gris, Max Jacob, Kees Van Dongen, Constantin Brancusi, Amedeo
Modigliani y otros artistas más
El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues
desapareció en el año 1914 con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aun
así, la propuesta estética del cubismo penetró el imaginario artístico y se
convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales.
Ruiz hdz

Artistas
1. George Braque, antes de iniciarse en este nuevo movimiento
vanguardista, fue un pintor fauvista, nada que ver con el cubismo.
Eran conocidos como los autores de la corriente salvaje y la
utilización de los colores fuertes y llamativos eran una de sus
principales características. Con base en la temática, sintió una gran
predilección por las naturalezas muertas, los bodegonees y los
paisajes, entre ellas tenemos que destacar Naturaleza muerta sobre
la mesa (1912).
Ruiz hdz

2. Juan Gris fue junto a Pablo Picasso, uno de los mejores pintores
españoles del cubismo. Este, en 1906 con tal de evitar el servicio
militar, marcha a París, allí conoce a Picasso, haciéndole que se
uniera al movimiento, y aunque desde un principio se inició en los
postulados de la primera fase cubista, es decir, el cubismo analítico,
sus mejores obras pertenecen al cubismo sintético. Sus obras
destacan por la gran coherencia que existen entre todas las partes y
el todo, el colorido que había en ellas y la utilización de una de las
técnicas pictóricas del collage, Entre sus obras más significativas,
destacamos Botella y frutero (1919) que se encuentra actualmente
en el Museo Thyssen Bornemisza.
Ruiz hdz

Características del cubismo

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de
elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no
se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido
concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas
esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el
análisis.
• Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte
• Síntesis y geometrización
• Supresión de la perspectiva y el claroscuro
• Superposición de planos
• Incorporación de técnicas no pictóricas
• Predominio de la forma sobre el fondo
• Preferencia por el bodegón y la figura humana
Futurismo
Nace como un movimiento literario, pero un año después de la publicación
del manifiesto, el futurismo se cuela entre los artistas italianos, que,
imitando a su fundador, se expresan en la publicación de varios
manifiestos. A saber: Manifiesto de los pintores futuristas (1910); Manifiesto
de la escultura futurista (1912); Manifiesto El arte entre los ruidos, dedicado
a la música (1912), y Manifiesto de la arquitectura futurista (1914).
Aunque el futurismo fue un movimiento italiano, ejerció un importante
impacto internacional gracias a su capacidad de autopromoción y su
radicalidad. Influyó en artistas como Marcel Duchamp y Joseph Stella, este
último radicado en Nueva York. Del mismo modo, influyó en tendencias
como el cubofuturismo y el rayonismo ruso.
Asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento
orientado hacia el futuro'.
Ruiz hdz

Artistas
1. Nikolai Ivanovich Kulbin fue un artista, músico y teórico futurista ruso.
Kulbin primero se formó como médico en el Instituto Médico Militar
Imperial y se graduó en 1893. Luego se convirtió en profesor en la
Escuela de Asistentes Médicos Militares mientras también
investigaba el alcoholismo.
Ruiz hdz

2. Giacomo Balla fue uno de los principales componentes del

movimiento futurista italiano.De formación artística autodidacta,
estudió durante un tiempo en la Accademia Albertina de Turín y en
1895 se trasladó a Roma. En 1900 residió durante unos meses en
París, donde visitó la Exposición Universal. Muchacha bajando la
escalera de Giacomo Balla, la obra del Futurismo más
representativa. Es quizás la obra que mejor represente ese ansiado
movimiento que tanto buscaban todos los representantes del
Futurismo.
Ruiz hdz

Características del Futurismo

• Ruptura con la tradición estética
• Celebración de la era de la máquina
• Inquietud por la cuarta dimensión (el tiempo)
• Glorificación del patriotismo, la violencia y el machismo
• Exaltación de la velocidad como Belleza
• estéticas y vanguardias
• Principio de “líneas de fuerza”, que favorecía la interrelación y fusión
entre los objetos y su entorno.
• Principio de continuidad del espacio plástico.
• Ritmo y dinamismo.
• Color vibrante y enérgico en la pintura.
• Angulosidad frecuente.
• Descomposición geométrica.
• Cruzamiento de diferentes planos en un plano único.
• Uso de la técnica de exposición fotográfica múltiple (secuencia de
imágenes sucesivas en un segundo que, al superponerse, generan la
percepción del desplazamiento), creada por Giacomo Balla
Art Deco
El art decó es un estilo artístico cuyo auge tuvo lugar entre los años 1920 y
1939, caracterizado como un movimiento de diseño popular que influyó
notablemente en las artes decorativas, como el diseño gráfico y la
arquitectura de interiores e industrial; y también de manera importante en
las artes visuales, entre las que se hallan la escultura, la cinematografía, la
moda, el grabado y la pintura.
Las expresiones de este movimiento se dieron a conocer formalmente en la
Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas de 1925,
celebrada también en París, y se caracterizaron por presentar una estética
de estilo clásico, simétrico y rectilíneo, que fue predominante hasta el final
del período de entreguerras. El término art decó fue acuñado en
Ruiz hdz

retrospectiva, en un evento conmemorativo de la citada exposición,

celebrado en 1966 y llamado Les Annés 25.
El art decó estuvo influenciado por importantes corrientes artísticas que lo
antecedieron, entre las que destacan el cubismo y el futurismo; pero, como
valor añadido, adoptó elementos de culturas antiguas, como la egipcia, la
asiática, la mesopotámica y la prehispánica, que ampliaron su alcance
internacional. Este movimiento se extendió rápidamente a lo largo de todo
el territorio europeo, a los Estados Unidos e incluso a algunos países de
Sudamérica. El art decó es considerado, desde entonces, como el primer
estilo decorativo global.
Artistas
1. Paul Landowski (1875-1961) Fue un escultor franco-polaco con un
aporte significativo en cantidad de obras. Tras la guerra mundial,
levantó al menos 80 monumentos como homenaje a los fallecidos.
Fue el creador del proyecto Cristo redentor de Río de Janeiro, Brasil.
Ruiz hdz

2. Tamara de Lempicka (1898-1980) Fue una pintora polaca, icono

femenino del movimiento. En sus obras destacan las figuras
femeninas, con alta carga de dramatización, lograda con el uso del
claroscuro. Su aporte significó un importante cambio cultural para la
época.
Ruiz hdz

Características del art decó

los elementos que caracterizan esta corriente para comprender su

influencia en los distintos campos o ámbitos de expresión del arte.

• La geometrización: los diseños o expresiones artísticas se

basan en la utilización de figuras geométricas que son
delineadas con precisión. Emplean principalmente la línea
recta, aunque esta también puede combinarse con el uso del
zig-zag, curvas, círculos y espirales.
• La simetría: como complemento del elemento anterior, el art
decó contempla también un gusto particular por la simetría. Se
vale especialmente de figuras como el hexágono y el octágono
y, en ocasiones, del cubo, caracterizados por sus
representaciones proporcionales.
• La coloración llamativa: la utilización de paletas de colores
fuertes, vivos y llamativos, es uno de los recursos empleados
en la expresión de este estilo, fundamentalmente en el diseño
de interiores, el diseño de mobiliarios, el recubrimiento de
exteriores y la pintura.
• Los materiales caros: los exponentes solían utilizar materiales
naturales ostentosos como las pinturas y pieles de zapa, de
tiburón y de carey, así como las maderas de ébano, ambón y
palisandro. También empleaban materiales industriales como
el cromo, el plástico y la baquelita.
• Los motivos vanguardistas: los modos de expresión
simbolizaron un cambio cultural por cómo fueron tratados los
distintos temas. Hombres vigorosos, mujeres estilizadas,
figuras humanas-aladas, representación naturalista y
faunística, o máquinas y energía eléctrica como símbolo de
modernidad fueron los principales aportes.
Ruiz hdz

Surrealismo
El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional
como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por
medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una
serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo
propio.
El movimiento tiene como base teórica la interpretación de los sueños de
Freud, que supone un rechazo de la cultura tradicional basada en el poder
de la razón; defiende la revolución y se compromete con movimientos
activistas y de izquierdas, quiere convertirse en germen del desarrollo del
Dadaísmo en cuanto a crítica constructiva del arte tradicional, rompe con
los convencionalismos sociales e incorpora la experimentación de los
métodos del psicoanálisis en literatura y pintura; lo vemos en la escritura
automática y los cadaveres exquísitos.
El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a pocos
años de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II guerra
Mundial. Por ende, la influencia de este movimiento ha llegado hasta
nuestros días.
El desarrollo de este movimiento otorgó mayores libertades a los artistas
para la expresión de sus ideas, más allá de las limitadas tradiciones
realistas y con obras extravagantes que captaban la atención del público
muy fácilmente.

Artistas
1. Max Ernst (1891, Brühl, Alemania - 1976, París, Francia) fue uno de
los pioneros del Dadaísmo y luego se incorporó al Surrealismo,
destacando en la pintura y en la poesía. Ernst participó activamente
en la I Guerra Mundial, hecho que dejó marcas profundas en él y,
eventualmente, influenció su trabajo como artista. Haber estado
expuesto a los horrores de la Gran Guerra hizo que se posicionara
Ruiz hdz

en contra de la sociedad y los valores de la época con mayor

vehemencia.
Ruiz hdz

2. Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, España) es el más famoso de

los surrealistas y su nombre pasó a ser, con el tiempo, sinónimo del
movimiento. Esto ocurrió a pesar de que, alrededor de 1937 y como
consecuencia de la transformación de su estilo y de sus posiciones
políticas, Breton lo expulsara del Surrealismo. Por ende, Dalí es el
más controversial. La persistencia de la memoria - Óleo sobre tela,
1931 - Salvador Dalí, MoMa, NY

Caracteristicas del Surrealismo

• Acceso a los campos más profundos del pensamiento con completa
distancia de la atadura racional.
• Mezcla de conceptos, figuras o emociones que no tendrían cabida en
el marco de un pensamiento lógico.
• Empleo de recursos como la crueldad o el humor para generar
atracción en las obras y en su combinación de elementos e historias.
Ruiz hdz

• Relación estrecha con los postulados marxistas, en especial con la

idea de representación de un nuevo ser humano, de un hombre
nuevo.
• Desarrollo de técnicas de creación libre cuya finalidad se centra en la
liberación del ser humano de represiones personales y sociales.
• Imágenes de libres o múltiples interpretaciones a través de una
presentación de objetos carente de cualquier sentido lógico es un
rasgo característico de la pintura surrealista.
• Representación de contextos como el misterio, la destrucción, lo
distópico, lo contradictorio o lo absurdo, entre otros campos.
• Construcción de objetos, fotografía y cinematografía a partir del
ensamble de elementos o collages.
• Crítica, en varios casos, a la vida moderna y a las concepciones
tradicionales tanto del arte como del pensamiento.
• Uso del método cadáver exquisito, que se basa en el dibujo de
distintas partes de un texto o una figura, así como el empleo de la
técnica del Forttage, que consiste en dibujos creados a partir del roce
con superficies rocosas.
• Afinidad con los pensamientos prohibidos, en especial con la
representación del sexo de manera impúdica.

Renacentismo
La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la
comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia
individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del
conocimiento.
El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de
desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de
manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se
destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
Ruiz hdz

Artistas
1. Pieter Bruegel ‘El Viejo’, artista del renacimiento entre 1525-1569, al
pintor y grabador Pieter Bruegel se le reconoce como un artista
maestro del Renacimiento holandés y flamenco. Muchas de sus
pinturas se concentran en la vida de los plebeyos. Ello le valió el
apodo de “campesino Bruegel”, así como la mala reputación, para
esa época, de ser de origen campesino.

2. Jan Van Eyck y la pintura flamenca (hacia 1390-1441) Fue un pintor

neerlandés temprano considerado como figura clave del arte del
Renacimiento en el norte de Europa. Tenía un buen ojo crítico para
los detalles y una habilidad única para el naturalismo que se
evidencia en sus obras de pinturas al óleo como ‘El retrato Arnolfini’
(1434) y ‘La Lucca Madonna’(1436).
Ruiz hdz

Características del arte renacentista

La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los
detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en base a la
observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga
para la concepción de los espacios.
La nueva técnica al óleo sobre el lienzo, que predominó sobre la clásica
pintura al temple o témpera de secado rápido, permitió perfeccionar el
efecto de las luces y las sombras, permitiendo alcanzar mayor realismo en
los retratos
El arte renacentista atravesó dos etapas principales:
Ruiz hdz

• El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las

construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la
perspectiva y la pintura al óleo.
• El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época
renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época,
tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael,
entre otros.
El arte renacentista se caracterizó por:
• Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la
armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas
mitológicos.
• Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las
cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si
bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles,
a los apóstoles y a Dios).
• Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva
concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea
de razón por sobre la fe.
• Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la
ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del
hombre.
• Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la
pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.
• Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos
de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.
• Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la
naturaleza.
• Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
• Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.