Historicismo

1. HISTORICISMO EN LA ARQUITECTURA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA III SECCION: SA PROF: ARQ.

VANESSA DIAZ AUTOR: SARA RUIZ CI 25150717
2. HISTORICISMO • Se desarrollo principalmente en el transcurso del siglo XIX inicios del siglo XX. • Se basaba
principalmente en la recuperación de la arquitectura perteneciente a épocas anteriores. • Trataba de imitar estilos
arquitectónicos de otras épocas incorporándole algunas características culturales de ese siglo.
3. HISTORICISMO • El término de historicismo fue utilizado por primera vez por el historiador del arte alemán Hermann
Beenken, en 1928. • Estas arquitecturas van a tener un carácter, fundamentalmente, decorativo, de creación de ambiente,
donde se permiten los juegos arquitectónicos más atrevidos. • El historicismo se desarrolla a través de dos vertientes
diferenciadas, el revival y el eclecticismo, además recoge múltiples doctrinas y teorías arquitectónicas.
4. CORRIENTES HISTORICISTAS • Neogótico • Neorrománico • Neorrenacimiento • Neobarroco • Neobizantino •
Neomudéjar • Neoárabe • Neogriego • Arquitectura georgiana
5. NEOGÓTICO • Neogótico es la denominación de un movimiento artístico historicista, principalmente arquitectónico y
decorativo. • El estilo arquitectónico que retoma el movimiento que se origino a finales del siglo XII y que duro hasta el siglo
XVI. • La primera edificación de este estilo aparece hacia el siglo XVIII en Londres con la villa del escritor Horace Walpole.
6. NEOGÓTICO CARACTERISTICAS • Arco apuntado • Bóveda de crucería • Contrafuertes y arbotantes • Ventanas y
vidrieras
7. NEOROMÁNICO • El neorrománico es un estilo arquitectónico, enmarcado en la corriente del historicismo, que surgió en
el siglo XIX, fue usado hasta las primeras décadas del XX. • Se basa en una libre reinterpretación del estilo románico vigente
durante la Edad Media europea. • Se utilizó sobre todo en edificios religiosos y fue común en edificios civiles, y también fue
empleado en la restauración de edificios medievales en toda Europa. Museo de Historia Natural. Londres, Inglaterra.
8. NEOROMÁNICO CARACTERISTICAS • Arcos pesados • Paredes Rusticas • Paredes asimétricas Sinagoga de Colonia.
Koln, Alemania.
9. NEORENACIMIENTO • Es un estilo histórico que surgió en el siglo XIX, sus contornos son imprecisos, es decir que no
son ni neogótico, ni neoclásico, y se asume que este estilo imita y se inspira en las formas renacentistas. • Su principal
manifestación se observa en la arquitectura, pero también se destacó en el ámbito de las artes decorativas. • A principios del
siglo XX el neorrenacimiento era un lugar común en las principales calles de miles de ciudades, grandes y pequeñas, en todo
el mundo. En el sur de Europa el estilo neorrenacentista comenzó a caer en desgracia alrededor de 1900. Sin embargo,
todavía era ampliamente practicado en la década de 1910 en San Petersburgo y en Buenos Aires por arquitectos como Leon
Benois, Marian Peretyatkovich o Francisco Tamburini. Torres de Mentmore Mentmore, Inglaterra.
10. CARACTERÍSTICAS NEORENACIMIENTO • Uno de los elementos más ampliamente copiados de la arquitectura
renacentista fueron las grandes escaleras de los castillos • Una fuerte influencia italiana representada por arcos, arcadas ,
balustradas y, en general, una línea más fluida de diseño que la que había sido evidente en el temprano gótico. • Un uso más
innovador del vidrio también permitió que los patios y arcadas renacentistas abiertos fuesen reproducidos como salones
nobles con techos acristalados. Hotel de Ville. Paris, Francia.
11. NEOBARROCO • Este es el nombre correspondiente a un estilo tanto arquitectónico, escultórico, musical y literario, en
el que son imitadas las características propias del Barroco, florecido en la segunda mitad del siglo XIX. • Su surgimiento se
basa en una reacción en contra de la frialdad académica que dominaba en París, y en otras tantas grandes ciudades
pertenecientes al continente europeo, la cuales actualmente lucen con aspecto neobarroco. El estilo neobarroco, posee
grandes puntos de contacto con el del Romanticismo Ópera Garnier en París. The Garnier Opera Paris, Francia.
12. CARACTERÍSTICAS NEOBARROCO • Se inserta en la segunda mitad del siglo XIX y se extendió sobre todo a partir
de 1880. • Se utilizó especialmente para los teatros, ya que el Barroco había contribuido a un florecimiento de las artes
escenográficas. • En Austria su uso tiene una connotación patriótica, ya que se relaciona supuestamente con el florecimiento
cultural y expansión política de principios del siglo XVII. Catedral de Salta. Cuidad de Salta, Argentina.
13. NEOBIZANTINO • La arquitectura neobizantina es un estilo arquitectónico historicista de la segunda mitad del siglo
XIX e inicios del siglo XX. • Fue empleado principalmente en edificios públicos, institucionales y religiosos • El estilo
neobizantino comenzó a desarrollarse en la Rusia imperial y en la Europa del Este, y tuvo una larga evolución desde la
catedral de Sofía (San Petersburgo), que data de 1782, a la catedral de Alejandro Nevski de Sofía (en Bulgaria), que fue
construida en 1882. Catedral de Alejandro Nevski de Sofía. Sofía, Bulgaria.
14. CARACTERÍSTICAS NEOBIZANTINO • arcadas • cúpulas. • Ladrillo. • Estuco. • Mosáico. Naval Cathedral of Saint
Nicholas. Kronstadt, Rusia.
15. NEOMUDEJÁR • El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente en la Península
Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX • El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter
festivo y de ocio, como salones de fumar, casinos, estaciones de tren, plazas de toros o saunas. • El estilo neomudéjar hubo
de competir con otros estilos también reclamados como estilos nacionales, como fueron el neogótico o el neorrománico,
ambos preferidos por las autoridades eclesiásticas debido a la profusión con que fueron utilizados el románico y el gótico
durante la Edad Media para la construcción de obras religiosas emblemáticas Iglesia de San Pedro. Aragón, España.
16. NEOMUDEJÁR CARACTERÍSTICAS • Califales • Almohades • Nazaríes • Apariencia más básica y modesta. Escuelas
Aguirre Madrid, España.
17. NEOÁRABE • El estilo neoárabe, también llamado neomorisco, neomusulmán o neoislámico, fue un estilo artístico
historicista y romántico, surgido en la Europa del siglo XIX. • Buscaba imitar y recrear el arte islámico antiguo. • El
Neoárabe fue particularmente utilizado en la arquitectura, siendo por ello considerado parte de la arquitectura historicista.
Muchas veces se mezcló con otros estilos, dando origen a edificaciones eclécticas. La Gran Sinagoga. Budapest, Hungría.
18. NEOÁRABE CARACTERÍSTICAS • Estilo exótico que imita a la arquitetura india de influencia mogol. • Algunas de
las primeras manifestaciones del estilo fueron realizadas por arquitectos ingleses. • Siguiendo el gusto orientalista de moda
en el siglo XIX, los estilos neo-islámicos se esparcirían después por otros países europeos y de América. En España y
Portugal esta corriente daría lugar al neomudéjar. Royal Pavilion Brighton, Inglaterra.
19. NEOGRIEGO • Se desarrolló en Inglaterra y en los Estados Unidos durante los siglos XVIII y XIX. • En oposición al
estilo palladiano que se inspira en el modelo clásico italiano, el Greek Revival busca la belleza en la inspiración de las
formas y de las proporciones de los templos griegos antiguos. • El origen del estilo neogriego está en los viajes del Grand
Tour, la publicación de grabados en Antiquities of Athens (1751) o la llegada a Londres de las esculturas del Parthenon por
el Conde de Elgin. Washington Square Park Nueva York, USA.
20. ARQUITECTURA GREGORIANA • Este estilo fue nombrado en honor a los reyes ingleses cuyos nombres eran Jorge o
George, que gobernaron desde el 1714 al 1830. • El estilo barroco de Inglaterra no convencía a los británicos y al llegar el
siglo XVIII, el mismo fue siendo remplazado por el estilo georgiano. • Este se basaba en retornar a las formas clásicas.
Hughenden Manor. Buckinghamshire, Inglaterra. Royal Crescent Bath, Inglaterra.

DIE BRÜCKE.
El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo dentro del Expresionismo alemán que surge, a partir de
1905 en concordancia con el fauvismofrancés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan
las voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las
percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario perfecto por la situación de posguerra.
El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y lider del mismo, al que se incorporaron
Bleye, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y
Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910. El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con
sus compañeros franceses.
Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX. Creían
que el panorama artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar. Hasta 1913 vivieron
en una comuna en la que se creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.
Los principales núcleos en el desarrollo del Expresionismo fueron entre 1905 y 1910 la ciudad de Dresde, donde se gestó
y llevó a cabo su actividad el grupo Die Brücke (El Puente) y Berlín a partir de 1911. La ciudad de Munich se convirtió
al tiempo en escenario de la segunda alternativa expresionista concretada en el grupo Der Blauer Reiter (El Jinete Azul).
A pesar de que ambos grupos mostraron un interés sin límites por el color y en consecuencia por la deformación formal,
mientras que el grupo Die Brücke (El Puente) desarrolló una posición más radical, crítica, dramática y comprometida
ante la vida, que se tradujo en unas creaciones fundamentadas en el anhelo por desentrañar lo que se escondía detrás de
las formas vacías, sin contenido ni espiritualidad, Der Blauer Reiter (El Jinete Azul) se mostró más tendente a la
exploración formal, manifestando unas inquietudes más dirigidas a la experimentación estética.
A partir de la Primera Guerra Mundial Die Brücke experimentó un grado de radicalización que se reflejó en un arte más
dramático y tenso, caracteres que se acusaron aún más a partir de la derrota de Alemania en 1918.
Características:
• rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la
deformación de la realidad.
• emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial,
cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva
• Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel
grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso.
• trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores se reforzaran su luminosidad
mutuamente.
• Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia
emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los
fauvistas.
• Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la
realidad objetiva
• los integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos"auténticos", directos, sinceros en su comunicación con
el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del
Pacífico, Oceanía y África. Tratan de recuperar los temas y la técnica.
• Su estítica estuvo muy ligada al cartelismo de la época.
Después del la I Guerra Mundial el expresionismo se desplegará en la vertiente utópico-visionaria, en el dadaísmo
berlinés o en su polémico maridaje con el realismo de los años 20.
Los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el
nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado, en cambio, los italianos, fueron acogidos en el
seno del fascismo de Mussolinni.
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De Stijl

DIE BRÜCKE
Concepto: Tendencia artística de un grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en
Dresde entre 1905 y 1913.
Die Brücke (El Puente). Grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en Dresde, se
inicia en 1905 hasta 1913. La pintura del grupo Die Brücke es una de las primeras expresiones
de las vanguardias del siglo XX en la que, no solo se busca experimentar e innovar, sino también
se efectúa una protesta contra los academicismos y contra ciertos «ablandamientos» y
rebuscamientos típicos de la Belle Époque. En rigor Die Brücke, como Der Blaue Reiter, señalan
el fin de tal época y trasuntan el inicio de un período de crisis.
Origen
Die Brücke significa en alemán El Puente. Los pintores que integraron tal grupo pretendían reunir determinadas
formas de expresión primitivas con el arte de su tiempo.
La situación estaba radicalizada: por un lado pintores de pésima catadura que se dedicaban a un arte blandengue y
carente del más mínimo interés (floreritos, paisajitos, señoras estupendas para colgar del cuarto de estar); y por otro
la vanguardia radical, la sucesión vertiginosa de los "ismos", alimentados de sí mismos de tal manera que habían
logrado alejarse por completo de la comunicación con el público, incapaz de asimilar las rupturas que planteaban.
Especialmente era el cubismo, tan racional, tan mesurado en su aséptica geometría, el mayor rival de estos pintores.
Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la
realidad objetiva.
Fundación del grupo
El grupo lo aglutinó Kirchner como cabeza pensante. Sus fuentes de inspiración más cercanas en el tiempo fueron
otros pintores cuya obra se consideraba fuertemente volcada hacia la emotividad y la expresión personal:  Cèzanne,
Van Gogh, Gauguin y Edvar Munch.

Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brucke, 1905

El grupo se reunió en Dresde, ciudad donde se afincaban todos ellos, y lo hicieron desde 1905 hasta 1913. Fundado
por cuatro estudiantes de arquitectura, que tenían influencias del Jugendstily de Hermann Olbrich.
 Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)
  Erich Heckel (1883-1970)
 Fritz Bleyl (1880-1966)
 Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)
 En el año 1906 se sumaron al grupo Max Hermann Pechstein(1881 - 1955) y Emil Nolde (1867 -1956). En
el año 1910 también se añadirá Otto Müller (1874 - 1930).
Objetivos
Sus objetivos son los propios del expresionismo pero, como grupo particular, se centrarán en la consecución de un
arte nacional ligado a su propia historia, realizar una crónica de la vida cotidiana y sus significados, desligarse de la
educación oficial y unirse contra la sociedad burguesa.
El grupo fue planteado con unos objetivos claros y normas explícitas:
Se realizaban reuniones semanales (en el taller de Kirchner), en donde se dibujaba y discutía sobre temas estéticos,
sociales
Se estableció el objetivo común de conseguir una comunidad de artistas
las obras que se exhibieran, debían estar aprobadas por todo el grupo
Se tenía que exponer en grupo (de hecho, Max Hermann Pechstein fue expulsado por exponer en solitario).
Características de esta pintura
Estilísticamente, se pueden señalar estridentes colores, trazos caóticos y angulosos, temas llenos de ansiedad,
deformaciones que señalan la inquietud psíquica del autor. A pesar de que negaran todo el pasado, les es imposible
desligarse de su base y formación.
El simbolismo de Munch estará presente de foma continua. También se ve cómo se basan en el color
de Gauguiny Van Gogh, y en las formas del recién apreciado arte africano y de Oceanía.
Usaron diversos medios, reivindicando el uso de la xilografía, lo que determinó que en su arte se produjera rigidez
y angulosidad en los contornos. Además de pintar, cultivaron la litografía o el diseño de muebles.
Rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la
deformación de la realidad.
Emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos
deformados y espacios disueltos sin perspectiva.
Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel
grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso.
Trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores se reforzaran su luminosidad
mutuamente.
Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional
y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los
fauvistas.
Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la
realidad objetiva.
Los integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con
el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes el arte del
Pacífico, Oceanía y África. Tratan de recuperar los temas y la técnica.
Forma de expresión
Su forma de expresión era plana, lineal y muy rítmica, en busca de una simplificación absoluta de la forma y el
color. Existe cierto paralelismo entre sus intenciones y las del grupo de los fauves en París, pero incluso los
alemanes resultaron mucho más salvajes que los franceses.
Ideológicamente estaban muy ligados a la creencia en la necesidad de un Mundo Nuevo, en consonancia con la
adaptación a los tiempos modernos de las vanguardias. Por sus planteamientos, usaron textos de Nietzsche y por
ello se sentían más próximos a la violencia de los futuristas.
Al contrario que los italianos, acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni, los expresionistas tanto del grupo
Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler,
acusados de practicar un arte degenerado.
Dentro del Expresionismo podríamos hacer ciertas
diferenciaciones
Expresionismo en Alemania:
 Die Brücke (El Puente)
 Der Blaue Reiter (El jinete azul)
 El artista Ernst Barlach que no se inscribirá en ningún grupo
Expresionismo en Austria (Viena):
 Gustav Klimt
 Oskar Kokoschka
 Egon Schiele
DER BLAUE REITER
Concepto: Fue el nombre que recibió un grupo de artistas expresionistas, fundado por
Vasili Kandinski y Franz Marc
Der Blaue Reiter "(El jinete azul)". Grupo de pintores formado en 1911 que se unieron
en Munich para luchar contra el academicismo y afirmar la necesidad de expresar la visión
interior del artista a través de su obra.
Antecedentes
El grupo Der Blaue Reiter se reunió en Munich, otro gran centro artístico e intelectual de la Alemania anterior a
la Primera Guerra Mundial. Tal vez la tensión que se sentía en Europa ante las guerras coloniales y las rivalidades
entre viejas potencias, así como la convulsión que planteaba el ritmo de vida del hombre moderno y urbano, se
habían conjurado para dar lugar a un revulsivo tan brutal como fueron las experiencias expresionistas.
La agrupación tuvo lugar en Munich, a partir de 1911, en paralelo a la experiencia de Die Brücke, y terminó
violentamente con la declaración de la I Guerra Mundial en 1914, de forma muy similar a lo que ocurrió con el
movimiento futurista.
Sus integrantes eran pintores de excelente calidad, como Vasili Kandinski, Macke, Paul Klee, Franz Marc, y las
contribuciones esporádicas de artistas que comulgaron eventualmente con sus
planteamientos: Delauny, Braque, Malévicht, Picasso, Vlaminck, e incluso el genial músico Arnold Schönberg.
Nombre del grupo
El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como
ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra programática, entregada por Kandinsky y
Marc recogía, en palabras de Marc:
«Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hílos de conexión con el Gótico y
con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte
infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de Europa de nuestro tiempo».
Arnold Schönberg por ejemplo también aportó junto a textos y cuadros a la composición «Herzgewächse».
Programa del grupo
Su programa estaba basado en el primitivismo, intelectual como concepto pero intuitivo en la aplicación y la
expresión formal. Se inspiraban en el Art Brut, especialmente el de origen infantil, así como el de locos, igual que
hizo Gericaultdurante el Romanticismo Francés.
Sus formas tendían hacia la abstracción, que desarrollaron magistralmente Kandinsky, Malévicht o Paul Klee.
También el simbolismo de los colores y las formas se conjugan con todo un lenguaje psicológico de la línea y el
color, como describe Kandinsky en su obra Punto y Línea sobre el Plano, un estupendo tratado de aproximación al
lenguaje abstracto.

NEOPLASTICISMO
1917–1931
O constructivismo holandés también llamado De Stijl. Es un nuevo (neo) enfoque de las artes plásticas (plasticismo)
basado en relaciones universales.
¡Qué difícil es destilar todo lo que sabemos y sentimos en un sistema simplificado! Pues eso intento Piet
Mondrian. Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de abstracción progresiva donde las formas se irían
reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores a los tres primarios, el blanco y el negro.
No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no existe ni siquiera una simbología. El
neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo espacio.
Para los neoplasticistas era imprescindible rechazar cualquier motivo reconocible, no se debía imitar la vida real.
Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es necesaria su imitación.
La abstracción en este y otros estilos, coincidentes en el tiempo en Europa, era una forma de contribuir a un mundo
nuevo y mejor después de una horrible guerra mundial… Aunque quedaba por venir otra…
Obras representativas

Broadway Boogie Woogie

Piet Mondrian
Países Bajos, 1943
El jazz volvía loco a Mondrian.

Molino al sol
Piet Mondrian
Países Bajos, 1908
Miles de molinos pintó este tío.

Composición en rojo, amarillo y azul

Piet Mondrian
Países Bajos, 1921
Mondrian empieza a dedicarse a pintar líneas rectas y colores primarios.

Entender a Mondrian: Naturaleza muerta con tarro de jengibre.

Piet Mondrian
Países Bajos, 1912
Observemos la evolución del artista para entender su revolucionaria obra.

Bosque
Piet Mondrian
Países Bajos, 1908
Mondrian empieza a tontear con la abstracción.

Artistas representativos
Piet Mondrian
Países Bajos, 1872–1944

Peter Keler
Alemania, 1898–1982

Otros movimientos de Vanguardias

 Arte Abstracto
 Constructivismo
 Cubismo
 Dadaísmo
 Expresionismo
 Fauvismo
 Futurismo
 Nueva Objetividad
 Orfismo
 Pintura Metafísica
 Precisionismo
 Suprematismo
 Surrealismo
SUPREMATISMO
1913–1922
Para mí se hizo evidente que había que crear nuevos marcos para la pintura en colores puros, construidos por
exigencia de los colores; y, en segundo lugar, que el color debería abandonar la mezcla pictórica y
convertirse en un factor independiente, que se incorpora a la construcción como un individuo de un sistema
colectivo y de la independencia individual.
Kazimir Malevich
Por mucho que no se diga, los rusos fueron pioneros en arte en los primeros años del siglo XX. Y uno de los
creadores más vanguardistas de esos primeros años fue el pintor Kazimir Malévich, que promovía nada menos
que la abstracción.
Un universo sin objetos. Sin indicio visual posible. Arte no descriptivo. Quizás conseguir representar «la
nada», que viene a ser representarlo todo.
Pero… ¿cómo representar la nada?. Pues sencillamente no se puede, pero sí se puede crear arte centrado sólo
en las propiedades físicas de la propia obra. De esa manera quizás el espectador podría llegar a la pura y simple
sensación.
Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra
nos olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.

Obras representativas
La carga de la caballería roja
Kazimir Malevich
Rusia, 1932
¿Es una idealización de la revolución rusa o una reflexión sobre la fugacidad de esa utopía?

Blanco sobre blanco

Kazimir Malevich
Rusia, 1918
Del creador de "Cuadrado negro sobre fondo blanco" nos llega este... ¡¡blanco sobre blanco!!

Esfera de color y círculo

Alexander Rodchenko
Rusia, 1918
Símbolo del todo, lo eterno, lo cerrado, lo perfecto...

Golpead a los blancos con la cuña roja

El Lissitzky
Rusia, 1920
En plena experimentación posrevolucionaria, El Lissitzky creó un cartel tan sencillo como eficaz.

Bañistas
Kazimir Malevich
Rusia, 1908
Los años figurativos.

Cuadrado negro sobre fondo blanco

Kazimir Malevich
Rusia, 1915
Ahora también conocido como “Dos negros peleando en una cueva“.
Artistas representativos

Liubov Popova
Rusia, 1889–1924

El Lissitzky
Rusia, 1890–1941

Kazimir Malevich
Rusia, 1879–1935

Otros movimientos de Vanguardias

 Arte Abstracto
 Constructivismo
 Cubismo
 Dadaísmo
 Expresionismo
 Fauvismo
 Futurismo
 Neoplasticismo
 Nueva Objetividad
 Orfismo
 Pintura Metafísica
 Precisionismo
 Surrealismo

SUPREMATISMO
El suprematismo fue uno de los muchos movimientos artísticos que surgieron en los años que rodearon la Primera Guerra
Mundial y que intentaron contextualizar el arte abstracto de acuerdo con su capacidad como un medio para intentar ayudar a
la humanidad a lograr encontrar una existencia más significativa. Puede ser considerado como un arte
espiritual, idealista o utópica; cualquiera que sea la etiqueta que le atribuyamos, el objetivo del suprematismo era buscar
diferentes formas de usar la abstracción para liberarse de las expectativas y limitaciones del mundo físico y conectarse con
algo más puro.
¿Qué es el suprematismo?
El suprematismo es un movimiento de arte que se desarrolló junto al constructivismo que promueve el amor por la abstracción
geométrica y por el arte no figurativo para representar un universo visual lleno de figuras geométricas puras.
En qué consiste el suprematismo
El suprematismo consiste en promover el gusto por la abstracción geométrica y por el arte no figurativo. Consiste en
representar el universo visual lleno de formas geométricas puras, busca la forma de rehacer el arte convencional buscando la
sensibilidad de la geometría alcanzando un abstraccionismo puro, simple e insuperable. El suprematismo se puede manifestar
en tres fases diferentes:
La primera fase fue conocida como la fase negra, ya que en ella prácticamente todas las imágenes presentan formas negras
pintadas sobre un fondo blanco.
La segunda fase sumó otros colores en sus obras, principalmente el color rojo. Por medio de una paleta de colores ampliada,
jugó con la dimensionalidad y la percepción produciendo confusión entre lo racional y la realidad.
La fase final del Suprematismo fue la fase blanca, y eran formas blancas pintadas sobre fondos blancos.
Características del suprematismo
Las principales características del suprematismo son las siguientes:
 Este tipo de pintura se desvinculaba de la naturaleza y le da origen a
una realidad totalmente original.
 El mundo exterior no era útil para el artista.
 Tenía supremacía en la sensibilidad plástica antes que todo fin materialista, práctico,
social, descriptivo o ilusionístico.
 Era un arte con abstracción de formas pues únicamente se utilizaban triángulos, cuadrados,
cruces y círculos.
 Sus formas eran puras y absolutas con armonías sencillas.
 Se utilizaban colores planos que fueran contrastantes, principalmente los colores primarios y algunas gamas
intermedias, blanco y el negro.
 La gama de colores era bastante reducida y principalmente se utilizaba el color rojo, negro, azul, blanco y verde.
 Tenía un fuerte predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.
 Las pinturas proporcionaban una sensación de movimiento y velocidad.
Historia
En 1913, un pintor ruso llamado Kazimir Malevich descubrió mientras elaboraba un proyecto que sentía una conexión especial
entre las formas geométricas básicas y su propia sensación interna de pureza. Formado como un pintor realista, Malevich había
tendido a hacer arte que representaba el mundo físico. Pero como tantos otros de su época, estaba en conflicto sobre la
relevancia del arte representativo para un mundo cambiante.
Malevich experimentó con bocetos de formas geométricas simples, y comenzó a escribir sobre su valor estético. Desarrolló
una teoría que establece que el arte adecuado para la modernidad debe intentar comunicarse a través de un lenguaje
visual puramente abstracto basado en formas geométricas simples. Creía que este tipo de lenguaje podía trascender
la racionalidad y alcanzar el equivalente visual del cero perfecto: una pureza estética total. Malevich llamó a su nuevo enfoque
para pintar suprematismo.
Malevich expuso por primera vez sus pinturas suprematistas en 1915 en Petrogrado, en un espectáculo llamado La Última
Exposición Futurista de Pinturas 0.10. El origen del título del programa era una referencia a la idea de que el  viejo
mundo estaba terminando (de ahí el cero) y que originalmente había diez artistas en la exposición, aunque finalmente se
incluyeron 14 artistas.
Pintura
La pintura se basa en el color y la forma. El color, que se obtiene por medio de la pintura, es aplicable a todos los  planos
geométricos. En los cuadros, el punto de fuga no se sitúa sobre el horizonte, sino en el infinito. Las formas geométricas son
elaboradas en el lienzo en blanco y las ondas de luz en el espacio se desplazan a diferentes velocidades y pueden ser captadas
de diferentes formas. Cuando los planos se colocan en vertical u horizontal, la composición es  estática, y si se estructuran en
diagonal es dinámica. Lo estático y lo dinámico, resaltados por medio del color y la forma establecían el contenido de la
pintura suprematista.
Escultura
La escultura también promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo, para poder alcanzar la supremacía de la nada
y para representar el universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional y buscaba la sensibilidad por medio
de la abstracción geométrica.
Arquitectura
En cuanto a la arquitectura, el suprematismo rechaza completamente el uso del arte convencional y se basa en el comienzo de
una búsqueda de sensibilidad pura dentro del área de la geometría hasta lograr alcanzar una abstracción de formas y colores
muy simples.
Importancia
Su importancia radica en que le permite al ser humano establecer una conexión con su parte interior de forma directa porque
no existe ninguna obligación o fuerza que lo obligue a representar algo que ya existe sino algo que surge pura y
completamente de su interior.
Representantes del suprematismo
Los principales representantes del suprematismo son:
 Kazimir Malévich, ruso, 1879 – 1935
 Aleksandra Ekster, rusa, 1882 – 1949
 Olga Rozanova, rusa, 1886 – 1918
 El Lisitski, ruso, 1890 – 1941
 Alexander Rodchenko, 1891-1956
Obras
Entre las obras más representativas del suprematismo podemos mencionar las siguientes:
 Paisaje con casa amarilla
 En el boulevard
 Manzano en flor
 Descanso, sociedad con sombreros de copa
 Afilador de cuchillos
 Un inglés en Moscú
 Eclipse parcial con la Mona Lisa

RACIONALISMO
El racionalismo, en la filosofía occidental, es la filosofía que considera que la razón es la fuenteprincipal y la prueba de
todo conocimiento. Sosteniendo que la realidad en sí tiene una estructura inherentemente lógica, el racionalista afirma que
existe una clase de verdades que el intelecto puede captar de forma directa. Existen, según
los racionalistas, ciertos principios racionales, especialmente en lógica y matemáticas, e
incluso en ética y metafísica, que son tan fundamentales que negarlos es caer en una pura
contradicción. La confianza que tienen los racionalistas en la razón y la prueba tiende, por
lo tanto, a restar respeto a otras formas de conocimiento.

¿Qué es el racionalismo?
Es un movimiento que coloca a la razón como su pilar y su sostén y que afirma que
el raciocinio es la herramienta fundamental para poder general el saber, dejando la percepción y la experiencia de las
personas relegado a un segundo plano.
En qué consiste el racionalismo
Cuando nos referimos a la teoría del conocimiento, el racionalismo se conoce como la tendencia que reconoce la razón como
la única fuente del genuino conocimiento, opuesto al empirismo. Es un tipo de orientación que dice que la única fuente de
conocimiento que puede considerarse auténtica es la razón. En otras palabras nos dice que la universalidad y la necesidad no
infieren de la experiencia si no que son extraídas del entendimiento propio, de conceptos que son considerados como innatos
o de conceptos que se crean en forma de aptitudes.
Características
Las principales características del racionalismo son:
Sostenía que la base de la sociedad tenía que ser la razón.
Para ellos la sociedad podía progresar por medio del entendimiento y de la búsqueda del mismo.
Para los racionalistas el mundo era un lugar lleno de lógica, ordenado y racional.
El origen del conocimiento no se basaba en la experiencia, pues ésta se basaba en los sentidos, y éstos a su vez, eran
considerados como engañosos.
Buscaba explicar las diferentes experiencias humanas sobre una base lógica y racional.
Para ellos la razón no conocía el límite y era capaz de llegar a cualquier lugar.
Estaban en contra de todo lo que no pudiese ser medido por medio de la razón y no podían demostrar la divinidad de Dios.
La fe nunca podía estar delante de la razón.
Las matemáticas y la geometría eran ciencias en las que se podían basar ya que en estas ciencias todo podía ser demostrado.
Origen
El origen del racionalismo lo podemos encontrar en el siglo XVII y XVIII en Europa. Esta corriente de pensamiento
filosófico surgió como una antítesis al pensamiento que prevalecía durante la Edad Media, el cual se fundamentaba en la
búsqueda de las respuestas a los problemas y a las situaciones a través de la fe que tenían las personas en Dios.
Historia
El racionalismo es una corriente de la filosofía de Europa que fue subdividida en dos partes muy antagónicas,
el racionalismo y el empirismo. Se dio a lo largo del siglo XVII, momento en el cual se dieron grandes progresos con
el renacimiento. El racionalismo apareció de diferentes maneras desde que se inició la filosofía occidental pero
principalmente se desarrolló con Descartes.
Tipos de racionalismo
Existieron varios tipos de racionalismo a pesar de que fue una corriente filosófica muy cerrada, éstos fueron:
 Racionalismo trascendente: era apoyado por Platón quien afirmaba que el mundo de la experiencia siempre se
encontraba en un constante cambioy movimiento y que por esta razón, no se debía confiar en ella en ningún
momento. Los pensadores del racionalismo trascendente se basaron en las ideas de Platón para sacar adelante esta
variante dentro de la corriente filosófica del racionalismo.
 Racionalismo teológico: se dio gracias al aporte de San Agustín, una persona que consideraba que Dios era
el espíritu que se encargaba de guiar a toda la humanidad.
 Racionalismo inmanente: en este tipo de racionalismo se ubicaba el pensamiento de Descartes con sus ideas innatas.
 Racionalismo lógico: este tipo de racionalismo sostenía que el pensamiento era la única fuente posible de obtener
el conocimiento.
Ideas principales
El racionalismo establece la separación que hay entre la razón y la experiencia y las sensaciones convirtiendo los conceptos
en absolutos. Basaron sus ideas en la explicación que pudiera ser medida y cuantificada de todo acontecimiento por medio de
ciencias exactas, principalmente las matemáticas. Le daban importancia a la sustancia, la cual podía ser pensante (mente)
o extensa (cuerpo), la cual tenía un tipo de naturaleza que podía ser interpretada en términos mecánicos y ser sometida
a leyes. No creían que los conocimientos podían ser percibidos por los sentidos y por eso creían que todo lo que era percibido
no era de fiar.
Creían también que la mente no se podía someter a las diferentes leyes de la naturaleza porque era independiente de ella,
consideraban que el individuo estaba atrapado en un cuerpo que poseía una mente y que ésta era la única que tenía la
capacidad de dar una respuesta a las cosas. No creían tampoco en las percepciones porque para ellos, los sentidos engañaban
a la realidad, por esta razón tenían la idea de que se podía dudar de todo, pero no se podía dudar de
la existencia del ser humano.
Representantes del racionalismo
Los principales representantes del racionalismo fueron:
 Descartes: principal representante del racionalismo quien fundamentó la omnipotencia de la razón, porque la
consideraba verídica en sí misma. Entendía que, el filósofo podía concebir la verdad por la fuerza de
la inteligencia y pensaba que los datos sensibles nos engañan; por lo que únicamente por medio de la razón se podía
concebir lo existente.
 Gottfried Wilhelm Leibniz: fue un importante pensador y matemático de origen alemán que creó el cálculo
 infinitesimal. Para Leibniz las substancias infinitas de la estructura metafísica de los seres hacen referencia a
la unidad, lo que nos hace representarla como elemento último e indivisible.
 Spinoza: pensaba que la noción de la sustancia era lo que existe por sí mismo y que es conocido por sí mismo. Para
él, entre el orden del conocimiento y la realidad existe una correspondencia perfecta. La realidad era un todo y cada
parte tiene una totalidad con justificación y fundamento.
 Blaise Pascal: creía que el progreso del hombre se podía estimular por medio de la acumulación de
los descubrimientos científicos. Defendía la aceptación de una forma de vida cristiana aplicado al cálculo de
las probabilidades argumentando el valor de la felicidad eterna.
Obras
Entre las principales obras que podemos mencionar del racionalismo tenemos:
 Renati Descartes Principia Philosophiae
 Filosofía racional, natural, metafísica y moral
 Análisis del pensamiento racional / por Julián Sanz del Río
 Racionalidad e Interés: tratado de hombre económico contemporáneo / Jon Elster
 ¿Coherencia o racionalidad? / Manuel Atienza
 Nuestro tiempo y la misión de las Españas / por César E. Pico
 Precompresiones, racionalidad y métodos, en las resoluciones judiciales / Enrique P. Haba
En qué se diferencia del empirismo
El racionalismo es una teoría que afirma que la razón es la única fuente del conocimiento, mientras que el empirismo se basa
en alegar que la experienciaes la fuente de conocimiento. El racionalismo cree en la intuición y el empirismo no, para el
racionalismo, los individuos poseen conocimientos que son innatos pero en el empirismo, los individuos no tienen ninguno
de estos conocimientos. El empirismo se fundamenta en la razón y la lógica, en el conocimiento innato y la deducción,
mientras que el empirismo en la experiencia, las experiencias sensoriales, la inducción y la experimentación. 
Importancia del racionalismo
El racionalismo es importante porque hizo que los hombres tuvieran la necesidad de buscar una  respuesta a todos
los fenómenos que ocurrían a su alrededor, y por esta razón, tuvieron que aprender a desarrollar adecuadamente
las ciencias para continuar en la búsqueda de respuestas. Esto los llevó a realizar importantes descubrimientos que los ayudó
a salir del pensamiento teocentrista que había en la edad media, pasando a un pensamiento antropocéntrico en donde lo más
importante es el hombre, tal como lo vemos en la actualidad.
Ejemplos
Algunos ejemplos de racionalismo son:
 Engaño de los sentidos o falsas ideas que producen aspectos empíricos.
 Ideas innatas que son las que no necesitan de la experiencia para su conocimiento.
 Método matemático pues en esta ciencia no existen errores, y siempre se llega al mismo punto, la verdad.
 Universalidad porque el racionalismo formaba un método para evitar que todo conocimiento que fuera falso llegara
a la verdad con un método mecánico.

ARTE CONSTRUCTIVISMO, MOVIMIENTO ARTÍSTICO Y ARQUITECTÓNICO

¿Qué fue el constructivismo?
El constructivismo fue una corriente artística y arquitectónica que tuvo lugar luego de la Revolución de
Octubre en el territorio de Rusia. El arte constructivista se basa especialmente en la corriente que proponía el
movimiento del cubismo, de manera que el constructivismo empieza a tomar para las piezas artísticaslos
campos del tiempo y espacio con la finalidad de crear figuras dinámicas.
Se ha denominado constructivismo también al movimiento que estuvo en servicio de la revolución  debido a
un carácter utilitario donde los artistas empiezan a buscar mecanismos que les permitan crear piezas de utilidad en
zonas como el diseño industrial, servicio a la sociedad comunista y la comunicación de tipo visual.
Características del Arte Constructimo
Una de las principales características por las que se distingue el arte constructivismo es por ser utilizado
principalmente con el fin de difundir y propagar mensajes revolucionarios a partir de propagandas, carteles,
ilustraciones, fotografías, entre otros medios.
Por otro lado, el arte constructivismo toma un predominio marcado por manejar la tridimensionalidad, motivos
de carácter abstractos, formas y figuras geométricas y líneas inclinadas. Este movimiento también enfatizó en el
uso de colores en específico, como lo fueron: el azul, el rojo, el amarillo, el blanco, el naranja y el negro. Se hacen
constantes alusiones a elementos que simbolizaban el progreso, las formas pesadas y las tonalidades basadas en
los colores anteriores.
El constructivismo expone una obra que está en comunicación con el espacio y el ambiente que rodea la
pieza, cuenta con una estructura que se percibe como el espacio para materializarse e integrarse con el elemento.
Con frecuencia se puede observar que los elementos tienen especialmente formas geométricas, son planas, son
líneales y a veces transparentes, enfatizando en su intención.
Surgimiento del movimiento constructivismo

El constructivismo nace en el año 1914 en Rusia, posterior a la Revolución de Octubre, se

escuchó el término como construction art (arte para construcción), se hizo con el fin de describir de manera
despectiva el trabajo de Aleksandr Ródchenko, un artista escultor, diseñador gráfico, pintor y fotógrafo ruso
calificado como un artista polifacético en el medio y fundador del movimiento, usada por Kasimir Malevich,
pintor y creador del movimiento suprematismo. No obstante, es más adelante cuando empieza a tomar mayor
forma e importancia.
Para el año 1920, en el Manifiesto Realista de Gabo Diem, aparece el término del ‘Constructivismo’, como un
movimiento positivo, donde usó esta palabra como título para su libro y que posteriormente sería usado para
simbolizar a su labor.
La Revolución Soviética, inicia la búsqueda de nuevos canales para poder expresarse en relación con su
intención de sustituir al sistema capitalista por procesos democráticos con respecto a la distribución de bienes y
acciones de producción. Es este el momento en el que artistas como Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin,
Naum Gabo, Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky y El Lissitzky, inician el proceso buscando una técnica
estética que les permitiera tener nuevos diseños relacionados a la producción industrial. Esto permitió que sus
creaciones carecieran de objetos fantasiosos y empezaron a basarse en la construcción matemática valorizando el
tiempo y espacio como esencia de cada pieza.
La principal fuente de inspiración de estos artistas era, entonces, la producción técnica a partir de una perspectiva
de carácter estética donde empezaron a usar diferentes medios artísticos, usando y participando en campos como:
la fotografía, la tipografía, las ilustraciones, el diseño de carteles, diseños de moda, la arquitectura interior y las
propagandas.
IMPORTANTE: Es así como el movimiento constructivista empieza a dejar de lado la intención de proyectar la
razón o el valor de un sólo objeto dentro de cada obra, y empieza a generar la sensación de que es el elemento
quien se integra con el espacio.
El Constructivismo en la revolución
Uno de los aspectos más representativos del movimiento constructivista tiene que ver con su servicio hacia la
revolución, donde participó en una serie de eventos de alta importancia para este proceso, como lo fueron en los
festivales públicos y en la creación de carteles para ubicar en la calle que realizó para el gobierno de la revolución
bolchevique luego de la Revolución de Octubre. El constructivismo también estuvo fuertemente ligado a las artes
escénicas, en especial al teatro para el cual realizó distintos trabajos.
Alrededor de los años veinte, el constructivismo representado por una serie de artistas participantes está presente
en lo que fue la campaña de información pública de los bolcheviques llamado “Ventanas ROSTA”, siendo un
proceso cultural creado con el fin de responder a la necesidad de una estructura artística, este fue uno de los
hechos más importantes para el movimiento.
Campos de participación del constructivismo
Diferente a otras corrientes, el constructivismo participó de manera diferente en otros campos que explicaremos a
continuación:
Diseños de tela

Inicia el proceso de diseño de telas en los cuales se empieza a ver diseños gráficos audaces que
han sido llevados al material textil, por lo que inicia la producción de estas. Los diseños estaban basados en la
paleta de colores hacia los azules, rojos, naranjas, blancos y negros especialmente, algunos podían llevar por
paletas o con dos tintes únicamente. La forma y las figuras geométricas también fue un elemento visible en
cada una de las piezas textiles, donde se podían ver formas claras como: triángulos, cuadrados, círculos,
rectángulos, entre otros, incluyendo líneas, rombos, etc. La intención era crear diseños que generaran una
sensación de dinamismo y multidimensionalidad, lo cual se logró con los diseños variados que se crearon para
entonces.
Ropa deportiva
 Sin duda una de las prendas y materiales textiles que más importancia representaba para este momento era la ropa
deportiva en la sociedad soviética. La nueva sociedad tenía al deporte como un elemento de estado, por lo que se
veía como un deber con relación a lo revolucionario y donde también podía llegar a ser un requisito contar con un
cuerpo renovado que tuviera una condición física adecuada para poder estar al servicio del estado del momento.
Ropa teatral 
Actividades como el teatro y el cine fueron procesos sumamente importantes para el pueblo, por lo que se empezó
a enriquecer cada uno de los dos campos en materia de espectadores. Esto llevó a que se buscaran nuevas
presentaciones con textiles nuevos, diseños exclusivos y piezas que resaltaran. La necesidad, entonces, en
cuanto al diseño de las ropas que vestían los personajes y representantes, eran diseños innovadores para las
escenas, por lo que también era necesario contar con artistas de diversos campos que pudieran aportar a este
proceso, tales como fotógrafos, arquitectos, pintores, diseñadores, entre otros que crearon piezas sumamente
interesantes y únicas. Las prendas permitían que en presencia, las mujeres empezaran a igualar a los hombres.
Tal fue el éxito de las piezas realizadas que sirvieron de influencia no sólo en Rusia, sino también en otros
países del continente europeo teniendo lugar en otros campos del arte. Los diseños incluían especialmente
nuevos usos del color con diseños novedosos donde también estaba presente la aplicación de la imaginería
industrial y que permitían fácilmente el movimiento.
Escultura del constructivismo
Para la creación de obras en el campo de la escultura, era un requisito debido a la corriente artística, que en sí la
escultura no debía ser una realidad en ella misma, sino que debía estar en relación y empezar a integrar el espacio
que la rodea, esta será la finalidad del constructivismo.
La escultura empezó a implementar elementos muy variados para sus creaciones, como por ejemplo: alambres,
vidrio, plástico, yeso, la madera, entre otros. Adicional a ello, dejan a un lado la intención del arte como forma
de cumplir y ser de utilidad para la sociedad, sino que empiezan a basarse en lo abstracto, por lo que podremos ver
luego la tecnología y la maquinaria moderna. Sin embargo, posteriormente empiezan a dirigirse a fin del
utilitarismo para expresar al artista como ingeniero en el proceso de resolución de problemas y necesidades de la
sociedad.
Cerámica: El constructivismo se dedica a la creación de cerámicas como uno de los pocos proyectos que la
inestabilidad del tiempo en aquella época le permitió. La cerámica de esta corriente estaba decorada a partir de
elementos suprematistas, los cuales se basaban en el diseño de figuras geométricas en un sólo plano y sobre un
fondo de color blanco que daba la sensación de modernidad y de dinamismo.
Pintura del arte constructivismo

En cuanto a la pintura constructivista, este fue un campo de gran importancia para otras áreas, ya
que serviría especialmente para la fotografía y el diseño de los textiles y prendas que fueron desarrollados luego.
La pintura de la corriente constructivista se especializaba en diseños especialmente abstractos donde se
empieza a observar el uso de formas geométricas y otros elementos que pretendían generar la sensación de
cuerpos y actores con un mayor nivel de expresividad a través de sus trajes y la escenografía que estaba presente
en relación con el espacio.
Obras más importante del movimiento constructivismo
Las obras que fueron más importantes para el movimiento constructivista se relacionaron principalmente
con creaciones textiles con las que innovaron en campos artísticos como la danza, el teatro y el cine.  Veamos
las más importantes del movimiento:
Cabeza de mujer
La figura creada por el escultor, también, Naum Gabo, muestra con una serie de elementos que van en línea y con
pocas curvas, el rostro de una figura humana. Una de las más importantes características de esta obra es el uso de
la geometría para la composición, saliendo también de la expresión subjetiva como idea del arte.
Monumento a la III Internacional
Esta obra, creada por Tlalín, es considerada como una de las piezas más importantes de todo el movimiento
constructivista y en este sentido, una de las estructuras más impresionantes que se han hecho. Particularmente esta
obra tenía la intención de convertirse en el símbolo de lo que sería el socialismo, además de convertirse también
en la sede del Komintern.
La pieza tiene una estructura en forma de espiral que fue fabricado con vidrio y acero. Aunque si bien en el
momento de su exposición tuvieron un gran éxito, pronto la decadencia económica que sufría el Estado y las
fuertes críticas que recibió, fueron elementos suficientes para evitar su aspiración.
Artistas representativos del constructivismo ruso
Dado el contexto en el que se desarrolló el movimiento constructivista, entre sus artistas más representativo es
común encontrar figuras de diferentes campos artísticos, dentro de los cuales encontramos los siguientes:
Vladimir Tatlin (del año 1885 a 1953)
Este artista ruso, arquitecto, escultor y pintor, fue declarado “enemigo del pueblo” luego de que anunciara su
declaración a favor de lo que era la Revolución de Octubre que tuvo lugar en el año 1917. Fue uno de los
principales representantes del movimiento al estar destacado dentro de la vanguardia del continente creando
obras en las que su principal elemento eran las chapas metálicas dobladas, la tensión de alambres, la modelación
de yeso y el rompimiento de cristales para la creación de cada pieza que fue realizada. Cumple un desempeño
fundamental en el proceso de la participación del arte con la sociedad que se estaba conformando.
Sus obras son evidencia del rechazo hacia el vestigio o la imitación de la escultura de carácter estilizada y
perfecta para crear nuevas propuestas de escultura innovadoras que se ajustaban a sus límites. Su especialidad se
basa en exponer las áreas internas de los materiales que son manipulados por él dando así paso a nuevos
elementos, por lo que en su camino se aleja de la escultura clásica y busca elementos que se encuentran en
espacios reales y cotidianos.
Aleksandr Rodchenko (del año 1891 a 1956)

En compañía de Vladimir Tatlin, este artista también fue uno de los que encabezaron la corriente
del constructivismo de Rusia. Fue pintor, escultor, fotógrafo y diseñador gráfico, que realizó durante alguna
época una serie de esculturas colgantes y fotomontajes, así como también en un período de tiempo empieza a
elaborar piezas monocromáticas.
En sus obras es posible evidenciar una influencia del movimiento del cubismo pero también del futurismo.
Realizó varias obras de pintura en las que predominaban los colores negros para luego empezar a diseñar quioscos
excéntricos que servirían al proceso y situación a modo de contribución a la revolución bolchevique.
Naum Gabo (del año 1890 a 1977)
Escultor y pintor ruso que se dedica a la creación de obras constructivistas en el momento en el que se pone en
contacto con otros artistas como Tatlin y Rodchenko. En compañía de su hermano proponen un manifiesto en
el que rechazan directamente las corrientes del cubismo y el movimiento que proponía el futurismo , además
de la combinación con los aspectos políticos. Será el momento en el que aparece el realismo socialista en el año
1920 y donde sus obras cinéticas tomarán vida.
Posteriormente se dedica al diseño de trajes de colectivos y grupos de las artes escénicas, danza y teatro donde
también se ocupan de las decoraciones que pronto empezarán a trasladarse.
Varvara Stepánova (del año 1894 a 1958)
La artista rusa se interesa por crear elementos visuales que tuvieran nuevos lenguajes y que estuvieran al servicio
de las masas, por lo que inicia con la creación de diseños de telas y prendas de vestir que en poco tiempo fueron
reproducidas a nivel industrial y que eran usadas para artistas de las artes escénicas. Posteriormente sus creaciones
se empezaron a comercializar.
Entre las principales características de estas piezas estaban forma de figuras geométricas impresas en las telas,
variedad de colores y gamas implementadas, diseños siempre variados, líneas rectas, círculos,  entre otros
elementos claros de esta corriente. Las composiciones de la artista buscan llegar a un formato que tuviera
dimensiones y generara también esta intención. No obstante, estos no fueron los únicos campos donde debutó la
artista, pues también estuvo en el campo de la pintura tradicional, la fotografía, y el diseño de espacios públicos
para realizar decoraciones.
Legado del movimiento constructivista
Debido a que es el constructivismo una corriente que toma y aporta a diferentes campos del arte, usando técnicas
experimentales, logra aportar significativamente al teatro, la danza, el cine, la arquitectura, las artes gráficas,
la moda, entre otras a partir de influencias de otras corrientes importantes que habían tenido lugar, como el
cubismo, especialmente, movimiento del cual incorpora varias herramientas y recursos.
En Latinoamérica, el constructivismo fue una pieza esencial para que los artistas empezaran a buscar nuevos
caminos usando las nuevas combinaciones que proponen las corrientes de las vanguardias.

ARTE AMBIENTAL
Concepto: Es una manifestación artística realizada dentro de un espacio natural, urbano o semi urbano con el
fin de lograr un diálogo estético o la transmisión de un mensaje.
Arte ambiental. Llamado ecológico o ecoarte (Environmental art), es el arte basado en el convencimiento de la
fragilidad de la naturaleza y busca generar acciones sobre un territorio. Constituido por obras que aluden al tema
ecológico o al medio ambiente natural permite que el vínculo con el espectador se establezca a través de diversos
géneros artísticos: fotografía, pintura, dibujos, libros, obras y esculturas con elementos propios del lugar, como
ramas, hojas, agua, piedras, plumas y tierra.
Usos del término
El término puede usarse generalmente en referencia a un arte que trata de temas
ecológicos o el medio ambientenatural, mediante:
La conciencia de la fragilidad de la naturaleza (lo que incluye fotografía basada en
el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar).
Investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica así como prácticas
artísticas interdisciplinares).
Usando materiales naturales reunidos en el exterior (como
ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la
naturaleza).
No contribuyendo a la degradación medioambiental (lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales
biodegradables o reciclados; la «Eco escultura», que está sensiblemente integrada en un hábitat natural).
El término también se usa para referirse a un arte específico de un lugar o a  escultura medioambiental, que a
menudo se usan para crear una obra que es «medioambiental» en el sentido anterior, pero que también puede
relacionarse con otros aspectos del «medio ambiente», tales como el contexto formal, político, histórico o social.
Historia
Comenzó como un movimiento, a finales de la década de los '60. Desde un principio este tipo de arte paralelo al
surgimiento de la conciencia ecológica aparece en escena como una forma de expresar el arte medioambiental el
cual acentúa los orígenes biológicos del hombre, su parentesco con toda la vida, la continua pertenencia y
dependencia de la comunidad biótica.
Características
El arte como idea, obliga a una decodificación del significado conceptual de la obra e involucra al público con las
problemáticas ambientales. Entre las características que presenta el arte ambiental se encuentra:
 Los artistas pueden tener diferentes miradas sobre el mundo para interpretar las condiciones artísticas y
contextuales de una situación comunitaria particular.
 El núcleo conceptual del arte ecológico es la idea interdisciplinaria sobre los puntos de encuentro entre: la
ecología y la vida, la participación comunitaria, el diálogo y la comunicación.
 El enfoque sobre ecología y vida se refiera a crear conciencia partiendo de un pensamiento crítico sobre
la comunidad y el ambiente.
 El trabajo del arte ambiental se centra en cuestionar las injustas prácticas laborales, la superpoblación, el
derroche nuclear, los químicos tóxicos, la extinción y desechos de los animales, el agotamiento
del bosque, el suelo y los cambios del clima.
 El arte ecológico como conjunto de acciones de diverso tipo que responden a un objetivo común de
respeto al entorno es una buena manera de trabajar actitudes y valores de respeto al medio y de
acercamiento a sus elementos más cercanos y cotidianos. Sirve para acercarse a actitudes y valores críticos
con el consumismo y con todo aquello que no respete la relación con la naturaleza.

BIOARTE
Un ejemplo de bioarte, hecho con las bacterias expresando 8 colores diferentes de proteínas
fluorescentes
D.N.A. mitocondrial, un hilo de pelo del artista cosido a la obra Self Portre 1988 Yin-Yang
(BioArt)
Bioarte o Bio-Art es un término que apareció en la primera década del siglo XXI 1 y
se trata de las más recientes corrientes desarrolladas por el arte contemporáneo. Es el arte en los albores
de la revolución genética2 y tiene la particularidad de asumir a la biotecnología como un medio. Cultivo de tejidos vivos,
genética, transformaciones morfológicas, construcciones biomecánicas son algunas de las técnicas utilizadas por los artistas
del bio-art, planteando cuestiones éticas y sociales al desarrollo en biotecnología.
Esta experimentación puede implicar al propio cuerpo de los artistas (cultivos en la piel, transfusiones de sangre animal),
encarnando, a menudo, ellos mismos los tradicionales miedos y esperanzas asociados a estas tecnologías.
Existe cierto debate por la inclusión de obras que no trabajen con técnicas sobre tejido vivo en la corriente del bio-art. Las
obras que participan del bio-art deberían ser reconocidas en la medida en que reflejen un nivel de crítica o comenten la
relación problemática existente entre la sociedad y el desarrollo en biotecnología.
George Gessert es considerado por muchos como un importante iniciador del movimiento bio-art. Eduardo Kac es otro de los
iniciadores de la corriente y de su trabajo con seres vivos el más conocido es el del conejo Alba, trabajo en la que, mediante
la manipulación genética del animal, se le cambia el color. Además, la forma del cuerpo del mamífero y su coloración son
del mismo tipo que las que encontramos en los conejos albinos3.
El SymbioticA es un grupo fundado por Oron Catts y Ionatt Zurr, con base en la escuela de anatomía y biología humana de
la University of Western Australia. Ellos suelen usar tejidos vivos como formas escultóricas, comprometiendo en las obras
juicios éticos, a menudo de manera controvertida. Joe Davis trabaja en MIT y, con la colaboración de científicos, produjo
varias exposiciones.
En este movimiento artístico también se encuentra la obra de Allison Kudla, en la que destaca Growth Pattern, donde utiliza
hojas de tabaco para crear un mosaico. Heather Dewey-Hagborg es otra artista del bioarte y su proyecto más famoso se titula
Stranger Visions, en el que cogió ADN de diferentes personas y recreó sus caras en un software en 3D. Este ADN fue
extraído, en gran parte, de colillas con saliva y pelo que la artista iba encontrándose por la ciudad.

Amy Karle 2016 - Regenerative Reliquary (BioArt)

El bioarte también ha sido desarrollado desde la corriente artística plástica la cual involucra un proceso de fabricación en
equilibrio con el ambiente, es decir, se toma en cuenta el uso de materiales reciclables y reutilizables para la fabricación de
piezas artísticas en equilibrio con el ambiente. El objetivo del bio-art es brindarle al público la posibilidad de desarrollar y
contemplar la expresión de cada artista volviendo a las raíces, a la expresión de cada cultura que nace de la tierra y no la
perjudica. En Venezuela es desarrollada por diferentes artistas, siendo los pioneros el Taller Bioartesanal "Un Mundo en
Botellas".

ARTE DIGITAL
El arte digital es un tipo de expresión artística que se elabora por medio del uso de la
tecnología digitalo electrónica. Este tipo de arte se realiza por medio de la creación
de imágenes digitales que son el resultado de un proceso en el cual la luz es sustituida por
el cálculo matemático que es realizado por medio de una computadora.
¿Qué es el arte digital?
El arte digital es el tipo de arte que puede ser entendido como el resultado de un proceso creativo por medio del cual se
utilizan una serie de recursos digitales para elaborar la obra artística o para que ésta pueda ser disfrutada por otras personas.
Definición
El arte digital es considerado como un tipo de disciplina artística que se caracteriza por agrupa obras de arte que son creadas
con medios digitales. Es entonces toda creación que es realizada por medio de las
diferentes tecnologías, procesos y dispositivos digitales, y que abarca áreas como la ingeniería, mecánica, neumática,
robótica, biotecnología, electrónica, música, etc. Podemos decir entonces que el arte digital es un producto
de tecnología informática y que esta tecnología a su vez actúa como un instrumento o procedimiento que hace posible crear
algo de la misma manera que lo haría un pincel o una espátula.
Características del arte digital
La principal característica del arte digital es que es un tipo de arte inmaterial, pues la información necesita de un dispositivo
de reproducción.
Origen
El origen del arte digital se encuentra en un artista y profesor norteamericano, Charles “Chuck” Csuri, quien es considerado
como el padre del arte asistido por ordenador y pionero de la animación. Su primer trabajo lo realizó con gráficas por
computadora en el año 1964 y, en 1965, comenzó a crear animaciones computarizadas. Las primeras formas de arte
asociadas a la informática y las computadoras nacieron en la segunda mitad del siglo XX. Estas primeras obras artísticas que
fueron creadas por una computadora fueron ejecutadas tanto por artistas como por investigadores del campo de las ciencias.
Historia
La primera animación artística de la que se tiene registro se realizó por medio de un ordenador llamado Hummingbird y fue
realizada por el artista Charles Csuri. En 1967 recibió un premio en la Competencia Internacional de Cine Experimental de
Bélgica. El tema de la animación era un colibrídibujado solo con líneas y para poder realizaron más de 30.000
imágenes fueron generadas con el fin de lograr unas 25 secuencias de movimiento. La computadora usada por Csuri fue
una IBM 1130, y la animación fue identificada como «62.mov».
El primer uso del término arte digital se hizo a principios de la década de 1980 cuando los ingenieros informáticos idearon
un programa de pintura que fue utilizado por el artista digital considerado como uno de los pioneros más importantes de este
tipo de arte, Harold Cohen. Este programa se conoció con el nombre de AARON, y era una máquina robótica diseñada para
hacer dibujos grandes en hojas de papel colocadas en el piso. Desde esta incursión temprana en la  inteligencia artificial,
Cohen ha seguido afinando el programa AARON a medida que la tecnología se vuelve más sofisticada.
Tipos
Los principales tipos de arte digital los mencionamos a continuación:
Modelado 3D, arte tridimensional.
Airbrushing o aerógrafo digital.
Pixelart o arte hecho con pixeles.
Vectorart o arte vectorial.
Fractales.
art o arte con internet como medio de soporte.
Arte digital por país
Argentina
En este país, uno de los principales exponentes es Solimán López, quien ha hecho que el público reflexione con respecto a
este tipo de tecnología contemporánea enfrentándolo al arte clásico y material. Este tipo de arte aún no ha sido bien
propagado a lo largo del país por lo que el autor ha impulsado las exposiciones basadas en la era digital.
España
En España se ha desarrollado positivamente el arte digital e incluso existen centros de educación en donde se imparten
diferentes lecciones para aprender a desarrollar este tipo de arte. También se están realizando
constantemente exposiciones en diferentes centro para lograr captar la atención de los espectadores.
Chile
En Chile, el arte se ha desarrollado positivamente y cada día nacen verdaderos profesionales y profesores de la  animación y
de los video juegos, basados en el arte digital. Diferentes cursos enseñan las técnicas fundamentales del arte digital.
Representantes
Algunos de los principales representantes del arte digital han sido:
 George Nees
 Manfred Mohr
 Vera Molnar
 Laurence Gartel
 Victor Acevedo
 Margaret Eicher
 Myron Krueger
 Norman White
 Yves Netzhammer
Obras
Entre las obras más reconocidas de este tipo de arte podemos citar:
 Satori de Sam Hue
 Isolation de Daniel Tatarinow
 Harlem Renaissance de Joseph Converse
 Lit de Howard Winterson
 Voyage de Adrien Andre
 Temple de Ari Bennett
 Sanguine de Christopher Pham
 Leviathan de Clyzm
 Return of the Debris de Josue Iniguez
Libros de arte digital
Se han escrito varios libros de arte digital e incluso revistas. Libros como los Discursos sobre Arte Digital, Técnicas de Arte
Digital para Ilustradores, El Artista Digital, Digital Art Masters, La Enciclopedia de Arte Digital, Fantasía Digital y
muchos más.
Programas para hacer arte digital
Los programas más utilizados para realizar arte digital son los siguientes:
Photoshop: este es uno de los programas más utilizados a nivel mundial y pertenece a Adobe. Principalmente se usa
para editar, para hacer retoques en fotografías y como un lienzo de pintura digital. Permite también el uso
de pinceles, texturas, filtros, modificadores de sombras de y de color y es de bastante utilidad.
Easy Paint Tool SAI: este programa es muy sencillo de aprender y de trabajar y se enfoca principalmente en el dibujo y en
la pintura. Con el se pueden realizar mezclas de color y personalizar los pinceles para poder cambiar las texturas y las
formas, tamaños y densidades.
Painter: es un programa que se enfoca en producir pintura digital, muy similares a las pinturas acrílicas o las acuarelas en un
lienzo. Es un software bastante pesado y se necesita un computadora con bastante potencia para poder trabajar con él.
Clip Studio Paint: este tipo de software trabaja principalmente en la elaboración de cómics o de mangas y tiene instrumentos
que son muy fáciles de usar para expresar velocidades y estados de ánimo. Tiene además una biblioteca de poses en 3D para
poder modificar la apariencia.
Importancia
Además de haber tenido una gran evolución con el paso del tiempo, el arte digital es un medio de comunicación sumamente
importante debido a su eficacia y que en la actualidad vivimos en mundo completamente tecnológico y visual. Por medio del
arte digital somo capaces de lograr expresaremociones y al mismo tiempo desarrollar
aplicaciones digitales interactivas e innovadores en muchas áreas, haciendo que el usuario interaccione cada día más con la
tecnología.
POSTMODERNIDAD
1975
Moe: Es posmou.
Carl, Lenny y Homer: ¿…?
Moe: Posmouderno.
Carl, Lenny y Homer: ¿…?
Moe: Cosas raras porque sí.
Carl, Lenny y Homer: ¡Ah…!
Moe Szyslak
Otra vez los Simpsons dan en la diana y definen a la perfección otro de los aspectos de nuestra sociedad. Por cierto,  los
Simpsons es algo bastante postmoderno…
Etimológicamente la postmodernidad (o postmodernismo) hace alusión al arte realizado después del modernismo, es
decir, después de los años 60, contando el minimalismo como el último movimiento moderno.
Mientras la modernidad buscaba continuamente una forma universal de creación, los postmodernos no eran tan
optimistas. Ya sabían de qué iba todo, estaban de vuelta de todo. Ya habían visto lo ocurrido con todos los
movimientos anteriores, como caducaban. Ya habían visto fracasar a los grandes sistemas políticos e ideológicos.
Habían visto como pasaban de moda y se marchitaban las grandes corrientes culturales.
El humano postmoderno se vuelve más individualista y menos idealista. Pasa de ideologías, el progreso ya no es un
concepto a tener en cuenta. Sabe que al final ha triunfado el materialismo y el consumismo. Sabe que los medios
mienten para que siga así. Sabe que somos una sociedad de masas formada por individuos ajenos a las preocupaciones
y los problemas de la misma.
Es por ello que los postmodernistas no se mojan demasiado. Mientras que la modernidad tenía los límites muy
precisos, la postmodernidad es difusa, borrosa.Carece de unos contornos definidos. Es ambigüa, es falsa, es viperina y
venenosa. Parece trivial, tonta, pero en su conjunto no lo es…
La postmodernidad se caracteriza por su cinismo, en el sentido de no creer demasiado en la sinceridad o bondad
humana, ni en sus motivaciones ni en sus acciones, y expresa esta actitud mediante la ironía y la burla. Los
postmodernos suelen presentar una astuta insolencia y una evidente distancia cínica.
La postmodernidad se caracteriza por su relativismo. No existen las verdades absolutas. Todo es relativo, no existe una
verdad universal ni objetiva. Y eso implica desde el arte y las ideas que se tenían de belleza, hasta la moral, pues ahora
no hay bien o mal absolutos, sino dependientes de circunstancias concretas.
La postmodernidad se caracteriza por ser juguetona. Son muy graciosillos los artistas postmodernos y siempre que
pueden sacan a relucir su espíritu lúdico. Siempre que pueden nos enseñan su ironía mordaz. El sarcasmo es una de las
principales herramientas postmodernas y lo usan para estimular la admiración o la adversión del espectador, porque da
igual lo uno que lo otro. Sabían que todas las principales corrientes artísticas habían sido vapuleadas al principio.
La postmodernidad se caracteriza por ser subversiva. Los postmodernos son tipos que se nutrieron de todo el arte
anterior (o más bien de un «greatest hits» del arte anterior). Por ello su arte está repleto de referencias, no sólo al arte,
sino a toda la cultura popular, que como ya demostró el Pop, era también digna de ser considerada arte. Todo lo
anterior lo mastican, lo traga, lo digieren… y bueno, ya sabemos lo que pasa después… lo subvierten.
La postmodernidad es un collage de referencias. Y por supuesto, el espectador disfruta más del arte postmoderno si
conoce las referencias. La postmodernidad recompensa el conocimiento. Recompensa que el espectador sepa
deconstruir los elementos utilizados, sepa identificar sus fuentes… El artista postmoderno suele dejar pistas sobre sus
referencias. Miguitas de pan. Un poco de trabajo para que el espectador no se duerma entre el sopor que puede llegar a
ser el arte.
La postmodernidad implica la desaparición del objeto. Y la aparición del concepto. Esto lo emparenta directamente con
el arte conceptual. Lo postmoderno suele ser un arte muy intelectual, aunque a veces nos haga reír, o produzca
vergüenza ajena.
La postmodernidad se caracteriza por su superficialidad. Como no existe una respuesta única para nada (menos aún
para el arte), todo merece consideración. Ya todo vale. Desaparece toda definición, y se funden significantes y
significados. La superficie se convierte en lo único importante, aunque con ello se quiera dar un mensaje falso o
contradictorio.
Evidentemente, a veces eso es precisamente lo que critica la postmodernidad.
La cultura de la modernidad líquida ya no tiene un populacho que ilustrar y ennoblecer, sino clientes que seducir.
Zygmunt Bauman

Obras representativas
Mi cama
Tracey Emin
Reino Unido, 1998
La horrible obra de arte que abrió el siglo XXI.

Michael Jackson y Bubbles

Jeff Koons
Estados Unidos, 1988
¡Qué talento, madre mía...!

Fotogramas sin título

Cindy Sherman
Estados Unidos, 1980
Ninguno de estos "autorretratos" es la verdadera Cindy Sherman.

Raw Materials
Bruce Nauman
Estados Unidos, 2004
El sonido también es arte. Aunque los vigilantes de seguridad de la Tate escuchando durante horas la obra de Nauman
quizás no opinen lo mismo.

Recordando
Ai Weiwei
China, 2009
Miles de mochilas como tinta para una denuncia.
Retratos de políticos
Mark Wagner
Estados Unidos, 2013
Wagner trabaja exclusivamente con billetes de 1 dólar.

Artistas representativos

Mike Kelley
Estados Unidos, 1954–2012

Louise Bourgeois
Francia, 1911–2010

Jeff Koons
Estados Unidos, 1955

Oliver Jeffers
Irlanda, 1977

Cindy Sherman
Estados Unidos, 1959

Bruce Nauman
Estados Unidos, 1941
Barbara Kruger
Estados Unidos, 1945

Otros movimientos de Arte contemporáneo

Acción
Art Brut
Arte Cinético
Arte conceptual
Expresionismo Abstracto
Hiperrealismo
Informalismo
Minimalismo
Nouveau Réalisme
Nueva Figuración
Nuevo Realismo
Op-Art
Pop-Art
Realismo social
Street Art

ARTE POSTMODERNO
Arte postmoderno. Es el arte propio de la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de
un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica
propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la ilustración, en lo político por la  Revolución
Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial.
Conceptos teóricos
Actualmente existe mucha controversia sobre si efectivamente el proyecto moderno está superado o no;
ciertamente existe poca perspectiva histórica para poder establecer una ruptura con el periodo anterior e iniciar
una nueva era, tan sólo la distancia en el tiempo y un más profundo análisis podrán establecerlo.
Surgido tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de los años 70, enmarca diversos movimientos
como son la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, el neominimalismo, el
neoconceptualismo, el simulacionismo, etc.
El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión, sustituidos por la
razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias
capacidades del ser humano; políticamente supone el fin de las monarquías absolutas y su sustitución por la
democracia, el poder pasa de la aristocracia a la burguesía, el ciudadano adquiere mayores derechos;
económicamente se da el paso de la economía agraria a la economía industrial, al capitalismo.
En contraposición a esto, la postmodernidad sería la superación de estos esquemas: se habla del fracaso del
proyecto moderno, debido a la actual crisis política, cultural e ideológica. Ya no se cree en el progreso, no hay
confianza en el futuro, se ha renunciado a las utopías, las clases sociales se han diluido, la economía se ha
globalizado; es una época de desencanto, de individualismo, de introspección.
El arte postmoderno se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como
un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte
de vanguardia de principios del Siglo XX.
Los postmodernos asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno:
las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno,
en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social.
El arte moderno había admitido la imposibilidad de aprehender la realidad, evolucionando incluso a formas
artísticas inmateriales: el minimal, el arte conceptual, el land-art, el body-art, el arte povera, el happening; esta
crisis del objeto artístico fracasó en gran parte debido a las galerías, que se apropiaron de estos nuevos estilos y
los mercantilizaron.
El arte postmoderno vuelve sin pudor al sustrato material tradicional, a la obra de arte-objeto, al ”arte por el arte”,
sin pretender hacer ninguna revolución, ninguna ruptura. Así como en el pop-art la imagen tenía por misión
desmitificar, hacer una alienación y objetualización del mundo contemporáneo, en el arte postmoderno se da la
imagen por la imagen, sin contenido ni significación, como simple producto de la sociedad consumista.
Los postmodernos afirman que el fracaso del arte de vanguardia es la imposibilidad de incidencia en la Historia
real, en el comportamiento de las colectividades, por mucho que recurra a la denuncia y el compromiso. Se ha
producido un desfase entre el arte y la sociedad, ya que el artista ha evolucionado, pero el público se ha quedado
en un modelo de percepción proveniente de cánones clásicos.
Ante la crisis del objeto artístico en los años 70, los postmodernos lo retoman como reivindicación del arte como
institución, toda vez que ha fracasado la pretensión vanguardista de integrar el arte con la sociedad. Frente a las
propuestas del arte de vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan sólo
reinterpretan la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierden así su
sentido.
La repetición encierra el marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la
incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana.
Queda por ver en el futuro devenir histórico cómo se establecerán las actuales corrientes postmodernas en el
marco histórico-social, así como su relación con los otros movimientos aún calificados de modernos, que en
muchos casos conviven en el tiempo.
La historiografía no está de acuerdo en marcar tan rápidamente diferencias y rupturas entre ambos periodos;
incluso algunos historiadores ven una relación intrínseca entre ellos: Valeriano Bozal afirma que no hay ruptura
entre modernidad y postmodernidad, sino una interrelación entre ambas; la postmodernidad sería una etapa de la
modernidad, una fase de reflexión sobre sí misma.
El tiempo dirá cuál de las dos posturas es la correcta, si presenciamos un nuevo periodo histórico o una fase más
del que actualmente vivimos.
Características del arte postmoderno
Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte postmoderno defiende la
cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” ir de un estilo
a otro, la deconstrucción tomar elementos estilísticos del pasado, etc.
Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los postmodernos vuelven a
los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcolanza de estilos,
cayendo en la repetición, la reinterpretación; el resultado de esta mezcla indiscriminada de temas y estilos da lugar
al “pastiche”, concepto que los postmodernos asumen con orgullo.
Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de programa artístico. El artista es libre para transitar en
cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Suelen ser obras
figurativas aunque sin rechazar lo abstracto, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario.
Los artistas postmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos
inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti,
imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas,
desde las tradicionales a las derivadas de las nuevas tecnologías.
Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin
pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad
en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.
Por último, hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual, los
diversos movimientos que lo integran –y dentro de éstos los diferentes artistas, cada uno con su sello personal–
son heterodoxos y diversificados, sin carácter programático, cada uno con distintas finalidades y muy diversas
peculiaridades.
Hay notables diferencias según la geografía, sobre todo entre Europa y Estados Unidos, donde tiene quizá un tinte
más crítico y reflexivo que el arte postmoderno europeo. Quizá por eso muchos críticos no ven un sello unívoco al
arte postmoderno, sino que lo consideran un “cajón de sastre” donde situar diversas tendencias que sólo tienen en
común su oposición al proyecto moderno.
Aún así, el arte posmoderno será sin duda, con ese nombre u otro que pueda recibir en el futuro con más
perspectiva histórica, el arte propio de finales del siglo XX y principios del XXI.
Movimientos postmodernos
 Transvanguardia
 Neoexpresionismo
 Figuración Libre
 Neomanierismo
 Simulacionismo
 Bad painting
 Neo-pop
 Nueva imagen

TRANSVANGUARDIA
Concepto:Movimiento artístico italiano de la postmodernidad.
Transvanguardia. Movimiento artístico italiano de la postmodernidad. Sinónimo
de nomadismo o libertad de reciclar lenguajes del pasado, a través de revitalizar
determinados fragmentos. Se caracteriza, por la posibilidad que tiene el artista de
transitar libremente por cualquier período del arte del pasado, tomando aquellos
fragmentos que más le interesan para la consecución de su propia obra.
Inicio
Se enmarca la Transvanguardia italiana en el movimiento neoexpresionista que emergió a principio de los años
ochenta ligado a los discursos de eclecticismo, citacionismo, negación y progreso de la primera postmodernidad.
Al igual que los neoexpresionistas alemanes, los transvanguardistas italianos tomaron la citación como principal
modelo creativo, una citación que, en el caso italiano, incluye tanto motivos iconográficos y formales extraídos de
la Antigüedad Clásica, como aspectos de las vanguardias históricas (futurismo, pintura metafísica, etc.) sin excluir
citaciones “antimodernas” de los períodos tardíos de Marc Chagall y del propio Chirico, así como de la vuelta al
orden, protagonizada en plena década de los años treinta por Alberto Savino.

En todos los casos las citas fragmentarias sustituían la comprensión existente en la obra original por un alto grado
de ambigüedad. Dichos procesos de citación, junto a la tendencia anacronista liderada por el crítico Maurizio
Calvesi y volcada hacia una mirada formalista de la gran tradición pictórica, tanto la clásica como la barroca o la
del clasicismo francés (a lo Poussin) constituyeron la base de la transvanguardia italiana.
Aparición del neologismo
Aflora inicialmente en un artículo de Bonito Oliva que publica en la revista Flash Art “The italian Trans-
Avanguarde”, artículo que concertó con la exposición Opere fatte ad Arte. Apoyado por los conceptos de
oposición y diferencia, aquí se presentó a los artistas de la década del setenta como los originales los que se
consideran como los que atesoraron conciencia del colofón de la coerción de lo nuevo y la crisis de la mentalidad
evolucionista de las vanguardias, o sea, la crisis de la evolución de los lenguajes artísticos. Delante de una
estructura sociocultural con una travesía por distintos sistemas (el político, el psicoanalista, el científico), a la
impersonalidad y al afán de totalidad metafísica, conceptos asociados a las prácticas Povera.
Bonito Oliva protegió un nomadismo diversificado, una nueva subjetividad y la autenticidad de una obra cuyos
componentes materiales no estuviesen momificados por posiciones ideológicas ni por proyectos intelectuales, sino
transidos de materia viva; apostó por un arte que, en tanto que producción biológica, creaba desequilibrios en el
sistema metafísico y que frente a la unidad y al equilibrio, oponía lo fragmentario, el residuo y la teoría de la
catástrofe desarrolladas de discontinuidades. El término "transvanguardia" por tanto se define como la travesía de
la noción experimental de vanguardia y se convierte, así en una apertura hacia el logo-centrismo de la cultura
occidental y de la afirmación del pragmatismo capaz de recuperar lo instintivo de la obra de arte descubriendo así
los artista de este movimiento la posibilidad de clarificar la obra a través de la presentación de una imagen al
mismo tiempo enigma y con solución.
Obra de Francesco Clemente
Artistas que se destacan en este movimiento
Italia
 Achile Bonito Oliva,
 Sandro Chía (1946),
 Mimmo Paladino (1948),
 Enzo Cucchi (1950),
 Francesco Clemente (1952),
 Nicola de María (1954)
 Sandro Chia,
 Francesco Clemente
Alemania
 Baselitz,
 Penck,
 Lupertz
América
 Schnabel,
 David Salle
Francia
Matisse
Técnicas utilizadas
Las temáticas desarrolladas son muy diversas y abarcan desde los retratos y paisajes - urbanos y rurales - hasta
escenas extraídas de una iconografía que entronca con el propio arte primitivo. Los formatos suelen ser de gran
tamaño.
Propósitos conquistados
Recupera el erotismo del arte, rescata el cuerpo del arte. Lo hace a través de la introducción de la manualidad, el
placer del color, la articulación del signo, el entrecruzamiento estilístico y la definición de la obra como objeto
definido. Los artistas de la transvanguardia hacen "ready-made" a través de los estilos del pasado.
En este caso, el objeto es un objeto impalpable, cultural, abstracto: el lenguaje del pasado. Este ‘objeto’ cultural
viene extrapolado de su obra histórica y se reinserta, reciclado, en la nueva obra. Aquí se ve cómo en la memoria
de la transvanguardia hay una persistencia incluso de la modernidad.
NEOEXPRESIONISMO
Concepto: Movimiento artístico que recupera modelos propios del expresionismo
Neoexpresionismo. Movimiento artístico que recupera modelos propios del expresionismo. Además
sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismosino de
movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo.
Movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. Este aspecto es
común a otros movimientos europeos contemporáneos como la Nueva Figuración francesa o
la Transvanguardia en Italia.
Surgimiento
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero
adquiere su consolidación en la década posterior.
Objetivo del movimiento
Se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso
de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Historia
Los historiadores y críticos del arte postulan al neoexpresionismo como la transición coyuntural estilística entre
las últimas vanguardias de la modernidad y la posmodernidad. Su apogeo abarca desde la década de los 70´s hasta
los 80´s. Aún en la década de lo 90´s se puede encontrar obra actual de esta corriente.
Para tal diferenciación de época se ha determinado encontrar las características entre aquella propuesta y la más
reciente, por lo que se distinguen dos generaciones, la primera es la “Generación del G1” sus integrantes nacieron
antes de la Segunda Guerra Mundial, y la otra que suele conocerse como “Segunda Generación de
neoexpresionistas”, estos artistas nacieron en las posguerra.
El neoexpresionismo en ocasiones es considerado como un momento o proceso que abarcan dos vertientes
estilísticas: la Transvanguardia italiana y el neoexpresionismo o nuevos salvajes (fauces). Pero la nueva pintura
alemana se apropió del sustantivo que definía el regreso de la pintura figurativa, quedándose con el nombre de
neoexpresionismo alemán o nuevos salvajes. Algunos críticos de arte señalan que nunca se ha dejado de
producir pintura expresiva.
Características
 Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
 Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
 Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de
color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
 Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
 Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
 Ejecución de trazos amplios.
 Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas
industriales, temple, acuarela, fresco).
 Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
 Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas,
temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
 Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer),
primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
Influencias
De movimientos figurativo-expresivos de principios de siglo (simbolismo nórdico, expresionismo, fauvismo,
nueva objetividad), del arte del pasado, de la cultura clásica y moderna, y de la tradición y cultura popular.
Artistas
 Padres del Neoexpresionismo alemán
 Georg Baselitz (1938), Ansel Kiefer (1945]), Markus Lüpertz (1941), A. R. Penck (Ralf Winkler; 1939),
Jörg Immendorff (1945).
 Artistas de la "Heftige Malerei"
 Rainer Fetting (1949), Helmut Middendorff (1953), Salomé (1954) y Bernd Koberling (1938).
 Artistas de la "Mülheimer Freinheit"
 Hans-Peter Adamski (1947), Peter Bömmels (1951), Walter Dahn (1954), Jiri Georg Dokoupil (1954).
 En Austria
 S. Anzinger, E. Bohartsch, J. Kern, A. Klinkan, A. Mosbacher, O. Oberhuber, entre otros.
 En España
 Miquel Barceló (1957), Ferran García Sevilla (1949), José María Sicilia (1954), Rosa Nicolás, Chema
Cobo, M.A. Campano, Navarro Baldeweg, Manuel Valdés, entre otros.
 En Francia
 Jean-Michel Alberola
 Gérard Garouste 1946.
 En Italia Ver Transvanguardia.
  Enzo Cucchi,, Mimmo Paladino, Nicola De Maria
 En Suiza
 M. Diesler.
 Estados Unidos
 Jean-Michel Basquiat (new fauvism, punk art o bad painting), Eric Fischl, David Salle, Julian Schnabel,
Jeff Koons, Kenny Sharf, Edgar Yaeger.
 Reino Unido
 David Hockney, Frank Auerbach, Leon Kossoff.
 Países Bajos
 Menno Baars
 Sudáfrica
 Marlene Dumas
 República Checa
 Jiří Georg Dokoupil
 Australia
 George Gittoes
 Venezuela
 Pedro Sandoval

NEOMANIERISMO
Neomanierismo. Movimiento postmoderno, se caracteriza por ser una
tendencia transvanguardista y neoexpresiva, que buscan expresar el culto a la figura humana en actitudes
incómodas y rebuscadas, así como el ritmo curvo y ondulante.
Denominaciones
Anacronistas, Nuevo clasicismo, Nuevo manierismo, Hipermanieristas, Citacionistas o pintura culta. La
denominación pintura de la Nuova Maniera también se ha usado para los artistas de la  transvanguardia italiana. Se
inspiran en el renacimiento, como en el manierismo y el barroco.
Surgimiento
Surge en Europa en la década de los ochenta. Promovida por artistas italianos, franceses y españoles, dentro del
Nuevo Clasicismo, Pintura Culta o Nuova Maniera se le ha denominado para los artistas de la transvanguardia
italiana.
Objetivo
El período entre el Renacimiento y Barroco recibió el nombre de "manierismo", en su complejo edípico de no
poder liberarse del padre artístico (el Renacimiento), la metáfora biológica utilizada por Dubois establece un
principio fundamental: "los artistas se colocan bajo un modelo magistral y reivindican como un honor el derecho a
reproducirlo".
Pero la imitación está muy cercana al remedo y el remedo se establece por medio de la hiperbolización de las
formas imitadas. Además la creación manierista se define por la importancia otorgada a la noción de imitación,
por ser una escritura "a la manera de", de donde extrae esa fidelidad subversiva que la caracteriza.
La imitación manierista se funda frecuentemente en este principio, pero al relacionar el modelo con estructuras
formales y lingüísticas contemporáneas, no sólo las actualiza, sino que también produce un efecto desestabilizador
que impide concentrarse sólo en las virtudes miméticas para abrirse a problemas actuales.
Precursores en la pintura
Se caracterizan por estilo clasicista, estereotipado y amanerado (hipermanierismo). La figura se detiene en lo
decorativo, lo alegórico y lo retórico. Incongruencias compositivas, perspectivas desproporcionadas entre las
diferentes estructuras de la obra. Empleo de escorzo y figuras en equilibrio, aplicando estilo academicista y
elaborando claroscuros y modelados.
Destacados en esta corriente son los españoles Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948), F.J. Rodríguez Quesada,
los italianos L. Bonechi, A. Abate, Carlo Maria Mariani, Ubaldo Bartolini, los franceses Gérard Garouste,
(París; 1946), Laget, Jean-Michel Alberola.
Precursores en la Literatura
Lo aplicado a la poesía contemporánea es que el neomanierismo recurre a dos estrategias clave: a) la parodia, y b)
la "imitación diferencial, que otorga a la poesía lo que le han llamado "doblaje mimético". Destacados en esta
corriente: Enrique Lihn, Gilbert Dubois, Oscar Hahn.
Actualidad
Gracias a la infinitas bondades de photoshop, hoy, lejos del renacimiento y en medio de la era del vacío, los
editores y estilistas deforman el cuerpo restándole tamaño, borrando marcas, cicatrices, atenuando o reforzando
colores, no para alcanzar la “maniera”, sino para satisfacer el canón irreal-absurdo de la belleza actual.
FIGURACION LIBRE
1980-2016
La figuración libre se inscribe, en un primer tiempo, a falta de medios, sobre soportes de recuperación: lienzos sueltos,
carteles, cartón de empaquetado, bidones usados. Irrumpe a mediados del año 1981, en casa del crítico de arte Bernard
Lamarche-Vade. Cuando se traslada de casa, presta el espacio vacío a un grupo heteróclito de pintores muy jóvenes.
Ellos improvisan una exposición que bautizan “Acabar resplandeciendo”. Nacidos en un entorno ciudadano,
reivindican su pertenencia a una cultura urbana de masa, una cultura popular que enriquecen con experiencias
personales. La propuesta de estos artistas es anti-cultural, anti-histórica y… auto-irónica. Muy mediatizados se
introducen en el ambiente de la publicidad y de la moda. La creación de los F.R.A.C.(Fondos regionales de arte
contemporáneo) por Jack Lang, el entonces ministro de la cultura, en 1981, va a beneficiar ampliamente a este
movimiento. Grafiti Art sería el equivalente norteamericano de la figuración libre, aunque los pintores franceses, a
diferencia de ellos, no emiten mensajes políticos y sociales.
A R T I S T A S F U E R A D E G A L E R Í A :  Rémy Blanchard, Richard Di Rosa, Louis Jammes, etc.
A R T I S T A S E N G A L E R Í A :  Jean-Michel Alberola, Bruno Baeriswyl, Jean-Charles Blais, François
Boisrond, Robert Combas, Hervé Di Rosa.

MOVIMIENTOS DEL ARTE DEL SIGLO XX

 1855-1890I M P R E S I O N I S M O
 1880-1895J A P O N I S M O
 1888-1910M O V I M I E N T O N A B I S
 1900-1932E X P R E S I O N I S M O
 1902-1907F A U V I S M O
 1907-1912N E O P R I M I T I V I S M O
 1907-1925C U B I S M O
 1909E L R A Y O N I S M O
 1909-1916F U T U R I S M O
 1912-1920O R F I S M O
 1913A R M O R Y S H O W
 1915-1920S U P R E M A T I S M O
 1915-1935E S C U E L A D E P A R I S M O N T P A R N A S S E
 1916-1924D A D A I S M O
 1918-1939F O T O G R A F Í A P L Á S T I C A
 1919-1933E S C U E L A D E L B A U H A U S
 1920-1927P U R I S M O
 1920-1950R E A L I S M O S O C I A L
 1922-1933N O V E C E N T O I T A L I A N O
 1922-1960M U R A L I S M O
 1924-1969S U R R E A L I S M O
 1925-1935A R T D E C O
 1927-1965T A L L E R 1 7
 1930-1970E S C U L T U R A M O D E R N A
 1931-1938A B S T R A C C I Ó N - C R E A C I Ó N
 1933G R U P O U N I T O N E
 1935-1980R E A L I S M O M A G I C O
 1938-1968E S P A C I A L I S M O
 1942-1957E X P R E S I O N I S M O A B S T R A C T O
 1942-1975A R T E N O F I G U R A T I V O
 1945-1960E S C U E L A D E P A R I S
 1945-1985A R T E B R U T O
 1946-1956N U E V A S R E A L I D A D E S
 1948-1952C O B R A
 1950-1960N E O D A D A I S M O
 1950-1960A R T E L Í R I C O , A B S T R A C C I Ó N , T A C H I S M O
 1951G R U P O E S P A C I O
 1954-....N U A G I S M O
 1955-1968A R T E C I N E T I C O Y O P ' A R T
 1955-1970P O P A R T
 1960E S C U E L A D E L O N D R E S
 1960-1970N E O R E A L I S M O
 1960-1972F L U X U S
 1960-1980N U E V A F I G U R A C I Ó N
 1962-1965M E C A R T
 1962-1980A R T E M Í N I M O
 1965-1975E S C U E L A D E N I Z A
 1965-1975F I G U R A C I Ó N N A R A T I V A
 1965-1980A R T E C O N C E P T U A L
 1965-1985H I P E R R E A L I S M O
 1966-1971A R T E P O V E R A
 1968-L A N D A R T
 1970-1972S U P P O R T S / S U R F A C E
 1975-F O T O G R A F Í A D I R I G I D A
 1975-1985E X P R E S I O N I S M O A L E M Á N
 1979-1990T R A N S - V A N G U A R D I A I T A L I A N A
 1980-2016F I G U R A C I O N L I B R E
 Siglo XXA R T I S T A S D E H O Y
 XX° sigloA R T I S T A S S I N G U L A R E S
 CHRONOLOGIE
FIGURACIÓN LIBRE
En esta nueva entrada os voy a hablar de otro movimiento artístico del siglo XX. A pesar de que  aún me
faltan movimientos artísticos de los que hablaros, espero concluir ésta semana con el arte del siglo XX. El
movimiento artístico del que hoy presento mi entrada se denomina figuración libre.
Origen:
La figuración libre surge en Francia en los años 60, como reacción contra la deshumanización del minimalismo y
del arte conceptual, de los que ya hemos hablado en entradas anteriores. Sus fuentes de inspiración son la
historieta y el rock, así como otros elementos de la cultura de masas, como la publicidad, los dibujos animados o
el cine.

Características:
Las principales características de la figuración libre son las siguientes:
- Pintura figurativa, espontánea, primitiva, con gran intensidad cromática, es decir con gran colorido.
- Figuración de carácter irónico y sarcástico que hace suyo el lenguaje de las tiras cómicas.
- Exaltación y recuperación de lo marginal e instintivo.
- Estilo espontáneo, rápido y voluntariamente simple.
- Combinación heterogénea de materiales y técnicas: telas, superficies metálicas, pintura acrílica, óleo, esmaltes...
- Composiciones abigarradas y de gran formato, es decir composiciones de varios colores generalmente mal
combinados.
- Colores planos e intensos.
Autores destacados:
Los principales representantes de este movimiento artístico son:
- Robert Combas (1957-... Francia)
- François Boisrond (1959-... Francia)
- Hervé di Rosa (1959-... Francia)
-Richard si Rosa (1963.. Francia)
 Robert Combas

François Boisrond

Hervé di Rosa  y Richard

si Rosa

Esto es todo por hoy, espero que os haya gustado la entrada acerca de este fantástico movimiento artístico del
siglo XX denominado figuración libre. ¡Nos vemos en la próxima con más arte del siglo XX!!!
FIGURACIÓN LIBRE
Concepto: Movimiento pictórico que surge en Francia a finales de los años setenta. Es el equivalente francés
a la Bad Painting y el Neoexpresionismo en Estados Unidos y Europa, Junge Wilde en Alemania y
Transvanguardia en Italia. El término Figuration Libre fue acuñado por Ben Vautier, artista Fluxus.
Figuración libre. Reacciona contra movimientos intelectualizados como el Minimalismo y el Arte Conceptual.
Se enmarca en un contexto de recuperación de la Figuración y elaboración plástica de la obra de Arte que tiene
lugar en Europa y Estados Unidos. 
Origen
El origen de este movimiento se sitúa en Francia. Su momento fundacional tiene lugar en la exposición que el
crítico de Arte Bernard Lamarche-Vadel realizó en su apartamento el año 1981. Viollet, Alberola, Di Rosa,
Blanchard, Blais, Boisrond, Maurige y Combas son sus principales representantes.
Son obras que se caracterizan por el uso de colores planos e intensos. Los efectos visuales que producen se
potenciaron mediante composiciones abigarradas y de gran formato. El mundo del cómic, el cine o los dibujos
animados eran fuentes de inspiración. Su estilo es simple por voluntad propia. La ironía tuvo un peso específico
importante en los temas que tratan. La recuperación de lo instintivo y marginal les acerca a planteamientos
similares al Graffiti norteamericano.
Proclaman la total libertad de expresión desde una ideología anticultural y populista. La Libre Figuración francesa
formó parte de un momento cultural, el de los años ochenta, en el que diferentes países europeos aportaron sus
propias soluciones al retorno de la Figuración.
Características
La figuración libre surge, como oponente al Minimalismo y el Arte Conceptual. Su postulado es recuperar la
figuración y las obras de arte de Europa y Estados Unidos.
Se caracteriza por ser obras de gran formato y por el uso de múltiples colores planos, intensos y mal combinados.
Usan diversos soportes y materiales como telas metálicas, esmaltes, acrílicos, óleo.
Su estilo es simple por elección y son inspirados en el cómic y los dibujos animados. Reclaman la total libertad de
expresión y espontaneidad.
La ironía es comúnmente usada en los temas y su carácter es marginal e instintivo. Se asemeja al Graffiti
norteamericano.
Pintores de este movimiento
 Jean-Michel Alberola
 Jean-Charles Blais
 Rémy Blanchard
 François Boisrond
 Robert Combas
 Jean-François Maurige
 Hervé di Rosa
 Richard di Rosa
 Catherine Viollet
 Hiroyuki Korigawa

ARTE CINÉTICO
1954
El término apareció por primera vez en 1920. Gabo habla en su Manifiesto Realista de «el error heredado ya
del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica», por lo tanto quiere
hacer «formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real».
El arte cinético es pues una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo, por lo que
suelen interactuar con elementos «exteriores» como pueden ser el viento oel agua; algunos tipos de motores;
e incluso la luz o el electromagnetismo.
Destacamos tres tipos
Los estables: Son obras fijas, y es el espectador quien tiene que rodearlas para percibir el movimiento.
Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura
constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta.
Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas,
siendo el espectador el productor de movimiento.
Artistas representativos

Alexander Calder
Estados Unidos, 1898–1976

Otros movimientos de Arte contemporáneo

Acción
Art Brut
 Arte conceptual
 Expresionismo Abstracto
 Hiperrealismo
  Informalismo
 Minimalismo
 Nouveau Réalisme
 Nueva Figuración
 Nuevo Realismo
 Op-Art
 Pop-Art
 Postmodernidad
 Realismo social
 Street Art
ARTE CINÉTICO
Arte Cinético. Cinetismo, "Op art" o Arte óptico, en líneas generales podemos definirlo como la
forma de crear que se basa en el movimiento de los elementos que componen la obra o que se
disponen en el espacio de la representación gráfica. Los autores, usando técnicas opticas y de una
ejecución de la obra muy estudiada, generan sensaciones de movilidad, para ello usan los
conocimientos técnicos como son el juego con luces y sombras, el contraste de colores, el tamaño
y proporcionalidad de los objetos, incluso insertan pequeños motores que dotan la obra de movimiento. El artista
húngaro Victor Vasarely ha sido considerado por la historiografía del arte contemporáneo como el padre del Arte
Cinético.
Descripción
El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos
y las fuerzas que actúan sobre ellos. Se incluye también en el arte Cinético construcciones tridimensionales con
movimiento mecánico y los móviles sin motor, como los de Alexander Calder. Hoy en día se conoce como arte
cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que
cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban . También están
incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento
mecánico.
Características
Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier referente narrativo, literario o
anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con respecto a su creador, la abolición del soporte tradicional del
cuadro, la incorporación de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit,
etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.
El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no
virtual.
Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz,
electromagnetismo.
Busca la integración entre obra y espectador.
Evolución

Marcel Duchamp
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas
obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por
alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire
ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en
movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70. Es una
tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El
nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las
fuerzas que sobre ellos actúan.
Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad,
gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que
reciban (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento los
móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.
Escultura cinética

Alexander Calder
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente
representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.
Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la
imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
(Op Art). Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años  1910, en el movimiento futurista y en
ciertas obras de Marcel Duchamp.
Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de
metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte
cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los
espectadores y/o un mecanismo motorizado.

Vasarely
En el año 1955 se celebra una exposición que reunió una serie de manifestaciones artísticas que poseían como
elemento común el hecho de estar dotadas de movimiento. Se trataba de obras correspondientes a artistas muy
diversos como, por ejemplo, Jean Tinguely, Yaacov Agam, Bury, Alexander Calder, Marcel Duchamp, Jesús
Soto, Victor Vasarely y Jacobsen. Esta muestra se efectuó en la Galeria Denise René de París y, con motivo de la
misma, se publicó el llamado Manifiesto amarillo, en el que surgía varias veces el concepto cinético.
No era la primera vez que se ponía de relieve el hecho de que unos artistas deseasen incorporar el movimiento, no
sólo ilusorio, sino real, a la obra artística, pues a lo largo del  siglo XX ha habido muchos pintores y escultores que
se han preocupado por esta cuestión. Tales como Gabo y Pevsner, o László Moholi-Nagy y su obra el Modulator
Lichtrequisit, así como el propio Marcel Duchamp y sus piezas conocidas como Rotoreliefs.
El término cinético apareció por primera vez en 1920 cuando Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error
heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso
reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”.
Utilizó esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un
motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a
utilizarse de forma habitual a partir del año 1955. Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que
causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el
punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos).
También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales
con movimiento mecánico.
Tipos de arte cinético
Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que produzca sensación de movimiento:
Estables
Móviles
Penetrables
Artistas cinéticos
 Victor Vasarely
 Yaacov Agam
 David Ascalon
 Jo Andres
 Daniel Buren
 Alexander Calder
 Carlos Cruz-Díez
 Mark di Suvero
 László Moholí-Nagy
 Arthur Ganson
 Bruce Gray
 Theo Jansen
 Starr Kempf
 Frederick Kiesler
 Gyula Kosice
 Gilles Larrain
 Julio Le Parc
 Len Lye
 Franco Gaston Otero
 Darío Pérez-Flores
 Naum Gabo
 Marcel Duchamp
 Juvenal Ravelo
 George Rickey
 Nicolas Schöffer
 Jesús Soto
 Takis
 Jean Tinguely
 Gregorio Vardanega
 Panayiotis Vassilakis
 Lyman Whitaker

KINETIC ART
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen
movimiento o parecen tenerlo.
es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas
creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre
tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación
que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan
Este término apareció por primera vez en 1.920 cuando Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya
del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los
ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó esta expresión coincidiendo con su
primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese
momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año 1.955. Hoy
en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a
ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un
ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor
y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.

El arte cinético engloba todas aquellas manifestaciones artísticas que están dotadas de movimiento. Entre estas
podemos distinguir varios grupos:
1) Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real.
2) Obras que son estáticas pero que, con el movimiento del espectador, permiten más de una lectura.
3) Obras que no tienen movimiento real  pero que, mediante algún efecto óptico, dan la sensación de tenerlo. Es lo que
llamaríamos op art.

.
"Physichromie 21"(Carlos Cruz Díez) desde dos ángulos diferentes.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS
Marcel Duchamp fue quién consiguió que con el movimiento de un objeto este pueda tener aspecto de algo diferente.
Así con su "Rotative Plaque Verre" demostró que si giramos un disco pintado con círculos concéntricos este adquiere
aspecto de objeto sólido.

 
Un efecto similar es el que ha perseguido en su obra  Jesús Rafael Soto, que dijo estar interesado en "la transformación
de los elementos, la desmaterialización de la materia sólida". Así, por ejemplo, coloca objetos detrás de un fondo
de moiré de manera que, al moverse el espectador, apenas distingue sino puntos en el espacio. "A lo que aspiro -dice
Soto- es a liberar a la materia hasta que se haga tan libre como la música". Y así, utilizando elementos sencillos
consigue efectos sorprendentes.

Otros artistas han realizado obras más cercanas a la pintura si bien requieren del movimiento del espectador para
alcanzar el efecto necesario. Es el caso de Agam y de algunas obras de Vasarely. También trabajan en esta línea Carlos
Cruz Díez, cuyas fisicromías son pinturas que cambian de tonalidad según el ángulo en que las observemos, o Asís.
Citamos dos importantes exposiciones del género:  en Abril de 1955 en la Galería "Denise René", la exposición "El
movimiento" con artistas como Agam, Duchamp, Soto o Vasarely. Y en 1967,  "Luz y movimiento" en el Museo de
Arte Moderno de París, donde intervienen Agam, Le Parc o Vasarely entre otros. Esta última, la primera de arte
cinético que se realiza en Francia en un museo, se pretende presentar tanto los orígenes del movimiento como trabajos
de la época.
Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier referente narrativo, literario o anecdótico;
la desvinculación de la obra de arte con respecto a su creador, la abolición del soporte tradicional del cuadro, la
incorporación de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit, etc.) y la intención
de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.

Escultores cinéticos seleccionados

 Yaacov Agam
 Jonatán Borofsky
 Daniel Buren
 Entierro de Pol
 Alexander Calder
 Carlos Cruz Diez
 Marcel Duchamp
 Arturo Ganson
 Gris de Bruce
 Theo Jansen
 Starr Kempf
 Frederick Kiesler
 Gyula Kosice
 Gilles Larrain
 Julio Le Parc
 Lejía de Len
 George Rickey
 David C. Roy
 R. Bruce Salinger
 Andrew Smith
 Nicolas Schöffer
 Jesús Rafael Soto
 Mark di Suvero
 Takis
 Jean Tinguely
 Panayiotis Vassilakis
  Lyman Whitaker

Escultores cinéticos seleccionados del lumino

Ellis D Fogg

OP ART

 
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su
acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la
composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional,
engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a
otras tendencias racionales,

 
el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un
arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la
configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico
interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica,
situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia
sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto
Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la
interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o
confusión.
Artistas de Op. Sys. cinéticos seleccionados
 Nadir Afonso
 Getulio Alviani
 Carlos Cruz-Díez
 Ronald Mallory
 Youri Messen-Jaschin
 Abraham Palatnik
 Bridget Riley
 Vencedor Vasarely
 Jean-Pierre Yvaral
Publicado por universidad de la salle en 20:44 
NUEVO REALISMO
1929
Mi objetivo en la pintura ha sido siempre la transcripción más exacta posible de mi impresión de lo más
íntimo de la naturaleza. Si pudieras resumirlo en palabras, no habría ninguna razón para pintar.
Hopper
Fue el realismo norteamericano del siglo XX, una pintura figurativa que pretende ser realista y eficaz en su
mensaje social.
El movimiento tiene sus raíces en el realismo del siglo anterior, pero los tiempos habían cambiado. Estamos
hablando del siglo XX nada menos, con sus nuevas y variadas formas de arte, nuevos inventos, nuevas
ciudades, nuevos paisajes… en definitiva una nueva sociedad…
Estados Unidos había experimentado enormes cambios y a través de la expresión artística (no sólo la pintura,
también la literatura y la música), se intentó retratar el agotamiento y la exuberancia cultural del paisaje
figurativo estadounidense. Este realismo quiere ensalzar (o quizás criticar o exponer) a la sociedad
americana y su progreso tecnológico e industrial, y lo hace con cierta poética.
Podemos hablar en algunos casos de «regionalismo» al mostrar la América profunda, hasta ahora ignorada en
la historia del arte.
El Nuevo Realismo Americano muestra el paisaje americano, rural o urbano, y lo hace de forma realista. Tan
realista a veces, que parece surrealista, o expresionista. Y de pronto, en los Estados Unidos las obras realistas
intentaron definir lo que era real.

Obras representativas
Antes y después
Norman Rockwell
Estados Unidos, 1958
El candidato Casey se queda de piedra al conocer los resultados de las elecciones.

Pacific
Alex Colville
Canada, 1967
Pacific es una de las pinturas más famosas del artista canadiense.

Perro y sacerdote
Alex Colville
Canada, 1978
Los Coen o el mismísimo Kubrick se basaron abiertamente en su obra para hacer algunas de sus películas.
Blue Night
Edward Hopper
Estados Unidos, 1914
Una cosa siempre está presente en los cuadros de Hopper: el silencio.

El problema con el que vivimos

Norman Rockwell
Estados Unidos, 1964
Ruby fue la primera niña negra en ingresar en una escuela pública reservada para blancos.

Desnudo reclinado
Edward Hopper
Estados Unidos, 1927
El Hopper acuarelista.

Artistas representativos

Norman Rockwell
Estados Unidos, 1894–1978

Andrew Wyeth
Estados Unidos, 1917–2009

Kenne Gregoire
Países Bajos, 1951

Edward Hopper
Estados Unidos, 1882–1967

Alex Colville
Canada, 1920–2013

Ivan Albright
Estados Unidos, 1897–1983

Grant Wood
Estados Unidos, 1891–1942

Otros movimientos de Arte contemporáneo

 Acción
 Art Brut
 Arte Cinético
 Arte conceptual
 Expresionismo Abstracto
  Hiperrealismo
 Informalismo
 Minimalismo
 Nouveau Réalisme
 Nueva Figuración
 Op-Art
 Pop-Art
 Postmodernidad
 Realismo social
 Street Art

NUEVO REALISMO
El nuevo realismo fue un movimiento artístico fundado en 1960 por el
crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein durante la primera
exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El nuevo realismo
fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de
la vanguardia de los años sesenta del siglo XX.
Definición
Nombre que designa al movimiento adoptado por artistas europeos bajo la coordinación del crítico
francés Pierre Restany, quien en 1960 publica un manifiesto donde lo define como un nuevo enfoque de
lo real.
Aplicado a las corrientes de reacción contra el expresionismo abstracto, se caracteriza por recurrir a la
apropiación de imágenes triviales realistas, representando objetos de deshecho de la sociedad, así como
imágenes obtenidas de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la
industria. Técnicamente, gusta de los assemblage y del azar, recordando en todo momento la importancia
de lo real, sin ser necesaria para ellos la transposición de emociones. Arman, Daniel Spoerri y [Jean
Tinguely]], son algunos de sus miembros más destacados. Su obra ejerce importante influencia en el
sucesivo tratamiento del objeto.
Características
La sociedad y sus problemas se constituyeron en el tema central. En el realismo ya no importaba el
mundo subjetivo del autor, sino el entorno social y personal de los personajes.
Los autores retrataban fielmente lo que veían. Por eso la literatura realista presentó asuntos verosímiles,
posibles y objetivos.
En esta búsqueda de objetividad, los autores realistas adoptaron la actitud de un cronista que observa lo
que ocurre y se esfuerza por describirlo minuciosa y exhaustivamente.
La descripción objetiva tenía un fin didáctico: pretendió mostrar los defectos de la sociedad para crear la
necesidad de corregirlos.
Historia

Al fin de la primera década del siglo XX, los integrantes del Grupo de Boedo experimentan cambios
hacia una pintura de contenido político y social. Prefieren las partes feas de la sociedad. Al pintar figuras
humanas, su expresión y vestimenta muestran las necesidades que tienen por llevar una vida angustiosa,
llena de privaciones. El artista quiere que el espectador acepte, a través de sus obras, a los humildes. Las
obras de intención social pueden ser de una temática simple, o muy complejas con simbolismos y
técnicas originales.
El realismo que practica el Grupo de Boedo va cambiando con el tiempo. La renovación de técnicas que
hacen nos permite considerar un nuevo realismo o neorrealismo.
Los integrantes de este movimiento son: Carlos Alonso, Antonio Berni, Juan Carlos
Castagnino, Demetrio Urruchúa y Enrique Policastro.
El artista del Nuevo Realismo se centra en el mundo que le rodea, en lo urbano. Por ello
toman imágenes procedentes de la industria y de los desechos producidos por la sociedad de consumo.
La aportación visual de los medios de comunicación también fue una fuente importante para sus obras.
De esta forma el objeto urbano, sea cual sea su morfología, es reorientado hacia su aspecto estético.
Emplearon con asiduidad el Assemblage para el tratamiento de imágenes y materiales. En esta especie de
collage con objetos tridimensionales el azar tenía un papel preponderante.
La publicación en Francia de su manifiesto en 1960 dio comienzo a su andadura. Dar un nuevo enfoque
de lo real era el objetivo principal del texto que confeccionó el teórico y crítico  Pierre Restany. El Nuevo
Realismo surge en un contexto de reacción contra el Expresionismo Abstracto estadounidense.
Jean Tinguely, César, Martial Raysse, Yves Klein, Christo, Jacques Villeglé, Gérard Deschamps, Lucian
Freud, Arman, Alex Katz, Mimmo Rotella y Niki de Saint Phalle son algunos de sus artistas más
representativos.
Nuevo realismo son los testimonios plásticos y visuales de un movimiento que a partir del  27 de octubre
de 1960cuestiona tanto el abstraccionismo como el arte pop estadounidense.
Los artistas de esta tendencia: Arman, Tinguely, Rayss, Niki de Saint Phalle, César, se caracterizan por
sus fuertes personalidades, con reacciones y opciones incontrolables.
Los excesos de la sociedad de consumo de los años sesenta, les lleva a saturar sus obras de productos de
recuperación industrial y urbana sin tenerle miedo a las proporciones que estos excesos podían lograr.
Triunfó el objeto como producto industrial de consumo y también como objeto plástico.
Arman, trituró con golpes de hachas, pianos de cola, violines de Stradivarius, como una manera de
destruir el valor especulativo de los objetos y como él mismo expresaba hacer de la creación un acto de
destrucción y anulación del tiempo. Los nuevos realistas tenían el sentido del espectáculo; creían en la
puesta en escena de sus sentimientos, siendo así creadores y objetos de arte. De Francia, surgió el
Manifiesto y alcanzó características específicas en su corriente alemana, a través de artistas
como Wolf, Vostele y otros.
Fueron libres en sus actos, empujados por la poética anarquista, sin reparos. El pop art estadounidense
les observaba con la tentación de atraerlos. Se resistieron, los nuevos realistas franceses no tenían cálculo
de carrera en el movimiento y mucho menos un mercado del arte que los sustentara o apoyara. Fue un
momento corto, espontáneo, que solo dependía del ánimo de cada uno de ellos. Abrieron muchas
ventanas de libertad y muchos aspectos del artista actuante convirtiendo su obra en espectáculo; fue
retomado diez años después en el arte conceptual precisamente en los performances.
El público puede apreciar a casi 50 años de distancia, toda la materia técnica y estética que el nuevo
realismo ofreció a las siguientes generaciones, pues se observan todavía sus huellas profundas en el arte.
El nuevo realismo consiste en retomar las consecuencias de la realidad, con una mirada visual que la
regenere; para entenderlo, las pinturas murales callejeras de Villeglé son auténticas joyas de esta
tendencia.
El artista persigue las trazas de todos los carteles pegados en las paredes de la ciudad, le interesa el
devenir de esas gráficas, enfrentadas al viento, a la lluvia, pero también, al vencimiento de su fecha que
significa el momento en que serán arrancadas para dejar espacio y tiempo al próximo afiche. El resultado
de las diferentes capas arrancadas es lo que Villéglé convierte en obra.
Esos cuadros, murales ocasionales de los años sesenta-setenta, pertenecen hoy a grandes colecciones
privadas, en el presente, expuestos en las Galerías del Gran Palais de París, permiten reconsiderar un
movimiento exclusivamente francés, integrador de artistas italianos y germanos que participaron en el
gran cuestionamiento visual de la realidad y de la cotidianidad.
Daniel Spoerri, parte del objeto electrodoméstico: cuchillos, tenedores, platos, mesas y sillas, y las
convierte en elementos de una gran composición. Sus obras fueron grandes performances, otras efímeras,
que se han mantenido en espacios y límites, que en el presente pertenecen al  Museo de Arte Moderno de
París.
La obra de Spoerri se inscribe en la revolución de las imágenes que se inició en Estados
Unidos de Norteamérica con el pop art, pero que en Europa y particularmente en Francia giró hacia un
lenguaje de mayor poética y con un discurso perteneciente a la totalidad de la sociedad.
El nuevo realismo buscó una dualidad de acción en la que el artista visual es actor y a la vez ejecutante
de la obra. Esos aires también soplaron en los plateaux de la nouvelle vague. Es una actitud con el arte
que define la dualidad de papeles, el artista está dentro y fuera de la obra, como el mismo Godard, quien
dirigía y actuaba en sus películas.
El movimiento no duró, apenas nació y se dividió. Todos decidieron llevar solos su camino. César,
siguió su carrera de escultor de recuperación industrial, participando en las grandes colecciones del arte
público de los años setenta-ochenta, dejando en París esculturas monumentales en LasTullerías, y en
diferentes parques de la ciudad, como su famosa escultura de Pegaso, caballo monumental alado que se
ha convertido en un punto de cita y encuentro en la plazoleta que divide la rue du Cherche Midi, y la rue
du Dragon, en el Barrio Latino de París.
Arman, después de un éxito exclusivo en los años setenta, se afianzó en Estados Unidos, que sedujo
hasta el último aliento de su carrera.
Nikki de Saint Phalle y Tinguély, optaron por una obra de sutil movimiento que atrae un discurso de
construcción mecánica más que de reconstrucción o destrucción… Los móviles, las fuentes en
movimiento, son elementos activos e interactivos con el medioambiente en estos dos artistas. Es
interesante, después de las dos grandes exposiciones parisinas del pop art y del surrealismo, volver a las
aventuras del nuevo realismo. Se encuentra en esta última tendencia la posibilidad de repensar el arte en
su espacio público y urbano.
La relación del artista con su obra en el marco de los vectores urbanos y medioambientales, son aspectos
muy actuales, en este sentido han sido visionarios de los planteamientos del arte en las sociedades
industriales.
Las apariciones públicas de Arman destruyendo objetos de valor millonario escandalizó en su momento.
Para este artista, se trataba de relativizar el arte como objeto, y a la vez cuestionar su sentido mismo, en
una sociedad completamente invadida por la obsesión de productividad y el consumismo.
Hoy día, el planteamiento continuo vigente, pero el tiempo demuestra que por encima de todos los
factores económicos y sociales se sigue haciendo arte, se siguen produciendo obras mayores, prueba de
que el arte es el resultado de una dimensión humana que está por encima de las conyucturas materiales
de la sociedad.
Happening, Performance, Instalación
HAPPENING
Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso).
Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en
los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran
el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de
participación.
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en
objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con
su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común
confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es
difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que
busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares
públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados
por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Principales Referentes:
Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor, Joseph
Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein, Youri Messen-
Jaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yōko Ono, Robert Rauschenberg, Wolf Vostell y Robert Whitman, Charlotte
Moorman, Marta Minujín.
Performance:
Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la
provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesaperformance art con el
significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y
al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas
a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos
vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo
las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard
Huelsenbeck yTristan Tzara. 
Principales artistas de performance
Alan Abel, Marina Abramovic, Laurie Anderson, Joseph Beuys, George Breelit, Alexander Brener, Stuart Brisley,
Günther Brus, Chris Burden
Instalacion:
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la
década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un
ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos
resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico.
La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de
1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como
video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.
Artistas
 Marina Abramović
 Lara Almarcegui
 Txomin Badiola
 Mirosław Bałka
 Vanessa Beecroft
 Lee Bul
 Daniel Buren
 Daniel Canogar
 Christo y Jeanne-Claude
 Maurizio Collini
 Jordi Colomer
NUEVA ABSTRACCIÓN, ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICAANTE en Estados Unidos desde la década
anterior. Fue Clement Greenberg quien utilizó ese término p kenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Nicholas
Krushenick, Alexander Liberman, Morris Louis, Howard Mehring, Kenneth Noland, Jules Olitski, Frank Stella y una
serie deorteamericanos y canadienses que se dieron a conocer en los años se

La Abst racción Postpictórica tiende a la aplicación uniforme del color sin que exista intención
previa de transmitir un mensaje. La pintura ocupa casi siempre grandes superficies y justifica por sí misma su propia existencia. 
 Son varias las corrientes que conviven en este movimiento y se distinguen en función del dominio del color (Pintura de Campos de
Color o Colour Field Painting) y la nitidez de los contornos (Hard Edge Painting o Pintura de Contornos Nítidos, Nueva Abstracción y
Arte Frío). Más tarde llegaría el Minimalismo como una radicalización de los planteamientos con un contenido formal y cromático
aún más bajo que las anteriore
ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA
Abstracción Postpictórica.
El término lo acuñó Clement Greenberg para titular una exposición que comisarió en el LACMA de Los
Ángeles en 1964 y que después itineraría.

Entre los artistas participantes estaban Sam Francis, Helen Frankenthaler, Ellsworth Kelly, Morris Louis,
Keneth Noland o Frank Stella, que ya eran conocidos en el mundo del arte.
Se considera que el origen inmediato de la Abstracción Postpictórica radica en los estudios sobre psicología
de las formas de la Escuela Bauhaus, que Josef Albers difundiría en Estados Unidos. Éste, había estado ligado
a la Bauhaus hasta su cierre en 1933 y también se sumó a muestras del grupo Abstraction-création. Su interés
por la Gestaldt le llevó a explorar los efectos de la ilusión óptica y la mutua influencia entre colores. Este
nuevo movimiento en pintura derivaba del expresionismo abstracto de los años 40 y 50 pero que era mucho
más claro y abierto que el anterior, que era denso tanto en significado como en pintura.

Esta nueva pintura no conlleva una intención de trasmitir un mensaje, sino que existe por sí misma: Hablamos
de lienzos de gran formato basados únicamente en el empleo del color, donde la pintura justifica por sí misma
su propia existencia. Se habla de zonas cromáticas, no de formas.

Se le denominó en algunos casos como un "arte inexpresivo", ya que no contiene significación alguna
determinada por el artista, no hay intencionalidad de manifestar estados de ánimo o visiones del mundo o
nada por el estilo. No pretende motivar "sentimientos" en el espectador.
Se dividió en dos tendencias: La Colorfield (campos de color con K. Noland y M. Louis como ejemplo) y
Hard Edge (borde duro).
A Ellsworth Kelly se le debe la creación de los lienzos en forma de triángulos, círculos, polígonos...
Esta pintura siguió avanzando en distintas direcciones, el término "Abstracción postpictórica" fue superado
por el de pintura de "contornos duros" y la de los "campos de color"; o convergió con otras tendencias, como
el Minimalismo o la Abstracción lírica.

     
  El Árbol de Stella. F. Stella.  Frank Stella  Sam Francis.
Kenneth Noland. Beginning,
1958, 

Morris Louis (abajo),

  ejemplo de los "campos de Helen Frankenthaler 
E. Kelly. color"

8.3. La abstracción postpictórica y el minimal art.

18. Las artes plásticas en la segunda mitad del siglo XX

18.2. El 18.4. La nueva
18.3. La abstracción
expresionismo figuración. El pop art. El
18.1. Introducción   abstracto y el   postpictórica y el   hiperrrealismo. Últimas
minimal art
informalismo tendencias.
En 1964 nace un nuevo movimiento en pintura (la abstracción postpictórica) que
derivaba del Expresionismo abstracto de los años cuarenta y los cincuenta y que
«favorecía la apertura o claridad» en oposición a las superficies pictóricamente densas
de aquel estilo pictórico.
La abstracción postpictórica sustituyó al Expresionismo abstracto en los años Vir Heroicus Sublimis
sesenta. La pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por 1950-51. Barnett
sí misma: lienzos de grandes dimensiones que emplean sólo el color, de forma Newman.(Pintura de los
absoluta. Es un enfriamiento del arte. El arte vuelve a la reflexión intelectual y campos de color).
abandona el gesto intuitivo.
Barnett Newman y Lucio Fontana se encuentran en el origen de la Abstracción
postpictórica o el arte óptico. Son los primeros en rechazar la pintura de la Escuela de
Nueva York y buscan, como otros cóetáneos, la absoluta libertad del artista, en este
caso mediante el recurso a la progresiva simplificación de las formas, que lo hace estar
muy próximo a los planteamientos minimalistas.
Uno de los pintores más importantes de la abstracción postpictórica es F. Stella. Se le Concepto
debe la creación de los lienzos con forma, los «Shaped Canvas», en los que el cuadro espacial, (1959).
ya no es rectangular, sino que puede adoptar muchas formas (triángulos, uves,   Milán. Lucio Fontana
polígonos).
Conforme la pintura siguió avanzando en diferentes direcciones, impulsada por el
espíritu de innovación de la época, el término Abstracción postpictórica, que había
circulado bastante durante los años sesenta, fue gradualmente suplantado
por Minimalismo.

Louisiana Lottery
Co.  (1962). Frank Stella
(pintura de borde duro)

  Sinjerli. Frank
Variation IV, 1977
Stella

Minimal art

La pintura minimalista. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en
Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los últimos años del siglo XX.

Emplean formas elementales: cubos, pirámides, esferas repetidas en series con algunas variaciones. La escultura
fue una de las expresiones artísticas más utilizadas por los minimalistas. Robert Ryman, Richard Serra.
  

Serie de esculturas
Ryman investiga todos los efectos visuales posibles que pueden obtenerse a partir de Richard
de las variaciones de texturas, de bordes, de soportes y brillos.   Serra titulada La materia
del tiempo
 
 
 
Optical Art

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente
ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones
ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. De clara tendencia racional, el Arte Óptico se
basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. 
Es importante destacar su influencia en el diseño y la decoración de los años sesenta y setenta.

      

Movimiento en
  cuadrados. Bridget
Riley
  
Triond.  Vasarely 
La composición del plano carece de tridimensionalidad y, en cambio, crea ilusorios
espacios multidimensionales. Estos elementos básicos de la pintura se ven
complementados por el factor cinético. La idea del movimiento había obsesionado a
Vasarely, su pretensión es que su pintura se mueva: hecha para la observación del  
espectador, sólo cuando este mira, la pintura alcanza la perfección y el pintor acaba
la obra. La obra no es estática, al mirarla cambia, y no tiene un significado único ni
definitivo.

PINTURA MATÉRICA
Concepto: Corriente pictórica gestada dentro del informalismo y cuyas
composiciones son realizadas con el uso de materias diversas a las
tradicionales; incluyendo en los cuadros arena, aserrín, vidrio, yeso, etc. Otra
característica de las producciones matéricas está determinada por las acciones
de destrucción de la obra a través de cortes, perforaciones o desgarros. En la
pintura matérica el colorido es variado y son visibles las diferencias entre las
zonas trabajadas o no con materia.
Pintura matérica. Corriente pictórica gestada dentro delinformalismo y cuyas composiciones son
realizadas con el uso de materias diversas a las tradicionales; incluyendo en los cuadros arena, aserrín,
vidrio, yeso, etc. Otra característica de las producciones matéricas está determinada por las acciones de
destrucción de la obra a través de cortes, perforaciones o desgarros. En la pintura matérica el colorido es
variado y son visibles las diferencias entre las zonas trabajadas o no con materia.
Generalidades
Anterior al arte pictórico matérico ya existían antecedentes o precedentes de la incorporación en el lienzo
de elementos extraños a la pintura; tal es caso de los dadaístas y sus “objets trouvés”, o de los cubistas
con la anexión en sus collages de elementos como la madera, los naipes, la tela, los fragmentos de
periódicos, etc.
La pintura matérica se gesta dentro de la corriente informalista europea posterior a la Segunda Guerra
Mundial. Se desarrolló desde finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Se considera que
surgió en Francia, con la obra de Jean Fautrier y Jean Dubuffet.
Los artistas posteriores al expresionismo abstracto recuperaron la idea de introducir en la tela los más
variados objetos y materias de la cotidianidad. Con tal finalidad cargaron sus paletas no solo con colores,
sino además de las más variadas búsquedas expresivas, llegando a conformar una nueva dimensión de lo
tangible en el plano bidimensional.
Características
 Predominio de los efectos de la materia en lo agregados pictóricos.
 La composición que se manifiesta como no pensada, por el inaparente orden interno.
 Búsqueda de nuevas soluciones espacio-matéricas
 El lienzo se convierte en espacio para el estudio y la experimentación con los agregados
matéricos.
 Ausencia total de concepto o idea.
 Predominio del automatismo.
 Búsquedas de texturas fluidales, tersas, duras, densas, etc.
Representantes
Entre los artistas que tienen una tendencia matérica se encuentran: Antonio Tapies, con sus añadidos de
arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio cuadro;  Giuseppe
Bertini, Joseph Beuys introdujo en su obra objetos encontrados, creando trabajos pictórico-
plásticos; Alberto Burri, usó arpillera quemada y destruida, junto a zonas coloreadas; Jean
Dubuffet; Jean Fautrier; Lucio Fontana; Zoltán Kemény; Manolo Millares; Toti Scialoja; Luigi
Malice; Josep Guixá, entre otros.
PINTURA MATERICA
By andres arias
plastico rosa, Alberto Burri
La pintura matérica es una tendencia del informalismo que se desarrolla en
Europa hacia finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta del
siglo XX.
Los artistas franceses Fautrier y de Dubuffet fueron los creadores
simultáneos de esta tendencia. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la
galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos
matéricos de sus cuadros. Por otra parte, Dubuffet también realizó obras ricas en textura y materia, que
denominó “art brut” (arte tosco, bruto) por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se
expresan los niños, los locos o los aficionados.
Una variante de la pintura matérica es el espacialismo de Fontana.
CARACTERISTICAS
– Gran preocupación por el aspecto físico y técnico.
– Creación de efectos matéricos y de forma muy expresivos, mediante estratificación de colores mezclados
con materias diversas como arena, serrín, yeso, vidrios rotos, etc…
– Inserción en la pintura de arpilleras, maderas, harapos, chatarra, etc. (Burri, Millares).
– Utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las
arpilleras (Burri, Millares, Fontana).
– Planteamiento cromático muy diverso: desde tonos suaves y evanescentes (ocres, rosas, verdes y azules
pastel) de Fautrier, hasta colores planos y fondos monocromos de Fontana, pasando por los colores
sangrientos y dramáticos de Burri y Millares.
– La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia.
– Ausencia de perspectiva y de forma.
Artistas que tienen una tendencia matérica son:
Giuseppe Bertini
Joseph Beuys introdujo en su obra objetos encontrados, creando trabajos pictórico-plásticos;
Alberto Burri, usó arpillera quemada y destruida, junto a zonas coloreadas;
Jean Dubuffet
Jean Fautrier
Lucio Fontana
Manolo Millares
Toti Scialoja
Antoni Tàpies, con sus añadidos de arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio
cuadro.
ANTONI TAPIES

claro-oscuro, Antoni Tapies

Antoni Tàpies i Puig (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teórico del arte español.
Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más
destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y
conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el
que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando
gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista
a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición
humana.
La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel internacional, estando expuesta en los más
prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre
los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la
Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la
Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003).
“La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se
producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con
irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración.”

espiral, A. Tapies
Técnica
En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies emplea técnicas que mezclan los
pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el
assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve.
Tàpies define su técnica como “mixta”: pinta sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal,
disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplica la “mixtura”, mezcla de
polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.[37]
Cuando está casi seco hace un grattage con tela de arpillera, aplicada sobre la superficie, y cuando está
adherida la arranca, creando una estructura de relieve, con zonas rasgadas, arañadas o incluso horadadas, que
contrastan con los cúmulos y densidades matéricas de otras zonas del cuadro. A continuación, hace un nuevo
grattage con diversos útiles (punzón, cuchillo, tijeras, pincel). Por último, añade signos (cruces, lunas,
asteriscos, letras, números, etc), en composiciones que recuerdan el graffiti, así como manchas, aplicadas
mediante dripping.
No añade elementos de fijación, por lo que las obras se degradan rápidamente -la mixtura es bastante
efímera-; sin embargo, Tàpies defiende la descomposición, como pérdida de la idea de la eternidad del arte, le
gusta que sus obras reflejen la sensación del paso del tiempo. A ello contribuyen también sus propias huellas
en la obra, las incisiones que práctica, que para él son un reflejo de la naturaleza.

mirada y ma, A. Tapies

rectangulo negro y collage, A. Tapies

ALBERTO BURRI

Blanco, Alberto Burri

sin titulo, Alberto Burri

TOTI SCIALOJA

es, Toti Scialoja

marte, Toti Scialoja

soda parlour, Toti Scialoja
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REPORT THIS AD

ART BRUT
1945
Claro que este arte está loco ¿Qué arte no es loco? Cuando no está loco no es arte.
Dubuffet
El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes
ajenas al mundo artístico, sin una formación académica.
Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte
creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos…
Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura
como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la
invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites.
El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural,
reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo
autárquico de las producciones.
Es por tanto un arte ecléctico, son casi obras «no encasillables», y se caracterizan como un rasgo
común por su política de abstención en cuanto a toda operación comercial. El carácter no
lucrativo es una regla esencial. A nivel estético abunda de todo, pero se prodrían apreciar
características comunes con el expresionismo.
Se le llamó también Arte Marginal, fuera de los límites de la cultura oficial.
Echad un vistazo a la alucinante colección de Art Brut de Dubuffet en Lausanne.

Obras representativas

Sitio habitado por objetos

Jean Dubuffet
Francia, 1965
Una de las obras típicas de la "segunda" etapa de Dubuffet.

Artistas representativos
Jean Dubuffet
Francia, 1901–1985

Otros movimientos de Arte contemporáneo

Acción
Arte Cinético
Arte conceptual
Expresionismo Abstracto
Hiperrealismo
Informalismo
Minimalismo
Nouveau Réalisme
Nueva Figuración
Nuevo Realismo
Op-Art
Pop-Art
Postmodernidad
Realismo social
Street Art

ARTE NAÍF
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La denominación naíf, naif o naïf (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la
ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la interpretación libre
de la perspectiva o incluso la ausencia de ella.
Concepto
El concepto naíf alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de
conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un
ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que podríamos decir que los autores pintaban
lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. En este sentido lo naíf puede estar dado por
dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ingenuidad (que ronda la "ignorancia" respecto a las
técnicas y teorías para realizar obras de arte) y, en segundo lugar, una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión
que evocan a la infancia. En el primer caso, la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones; en el segundo,
para que el naíf sea auténtico, la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a una
infancia supuestamente ingenua. Este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado
a un público-meta que puede ser potencial comprador.[cita  requerida]

Yo mismo: Retrato-Paisaje, de Henri Rousseau.

Motivo
Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural
en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión,
representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de  "arte
naíf" a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente
ingenuo).
Historia
El interés por la frescura y el lirismo, se desarrolla primero mayormente en Francia a fines del siglo XIX, de la mano de
artistas como "El Aduanero" Henri Rousseau (Le Douanier Rousseau), que influye en la pintura presuntamente naíf
de Grandma Moses en los Estados Unidos y Alfred Wallis en Inglaterra. En Argentina, coetáneo al francés
Rousseau, Cándido López llegó a una expresión formal muy próxima al naíf aunque ambos pintores jamás tuvieron
conocimiento de sus respectivas vidas y obras, y por ende no hubo influjo mutuo. Otro ilustrador argentino que ha sido
incluido frecuentemente en este estilo es Florencio Molina Campos.
El naíf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas. De estas las más conocidas durante
el siglo XX se han producido en Haití, incluyendo figuras como Hector Hyppolite y Wilson Bigaud y en Croacia, siendo en
Croacia conocidos sus autores, destacando Ivan Generalić.1 En Bulgaria, Radi Nedelchev se ha conocido como el
representante del arte naíf.[cita  requerida]

ORFISMO

Orfismo. El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913por el poeta Guillaume

Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la
luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano
manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía. Al poseer elementos
propios de los cultos mistéricos, se le suele denominar también como misterios órficos.
Introducción
El movimiento órfico supone un enfrentamiento a las tradiciones religiosas de la ciudad griega y, en definitiva,
una nueva concepción del ser humano y su destino. Bajo el nombre del mítico Orfeo, cantor y trágico viajero del
Más Allá, surgen una serie de textos que predican y atestiguan esa nueva religiosidad, una doctrina de salvación
sobre el hombre, su alma, y su destino tras la muerte.
El orfismo se mueve exclusivamente en un plano religioso. Es una secta que cuestiona la religión oficial de las
ciudades peninsulares helénicas. En particular, a dos niveles: uno de pensamiento teológico, otro de prácticas y
comportamientos. El orfismo es, fundamentalmente, una religión de textos con las cosmogonías, teogonías e
interpretaciones que estas no dejan de producir. En lo esencial, toda esta literatura parece elaborada contra la
teología dominante de los griegos, es decir, la de Hesíodo y su Teogonía. Al ser el orfismo una literatura
inseparable de un género de vida, la ruptura con el pensamiento oficial entraña diferencias no menos grandes en
las prácticas y en los comportamientos. Aquel que opta por vivir a la manera órfica, el bíos orphikós, se
presenta, en primer lugar, como un individuo y como un marginado, es un hombre errante, semejante a esos
Orfeo-telestes que van de ciudad en ciudad, proponiendo a los particulares sus recetas de salvación, paseándose
por el mundo como los demiurgos del pasado. Miembros de una secta al margen de la política, gente de libros y
textos sagrados, y al mismo tiempo practicantes de sus ritos mistéricos y de un peculiar ascetismo (con preceptos
estrictos como el no comer carne ni derramar sangre animal o vestir telas de lino), los órficos dejaron una larga
huella en varios textos, pero también importantes ecos en muy diversos autores, especialmente en algunos
filósofos.
Definición

Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados
por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Es arte puro. Meditaciones estéticas.
Obras del orfismo
Apollinaire situó dentro del orfismo o cubismo órfico a las obras de Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel
Duchamp y, sobre todo, de Robert Delaunay, que actuaba como abanderado de esta tendencia.
En esta época surgió una controversia sobre el papel que hubiera tenido en la definición del orfismo la obra
de Frank Kupka, jamás citado por Apollinaire. De cualquier forma, el término orfismo ha quedado muy
impreciso y tiene más valor por su carga poética que por su valor crítico e histórico.
Características
Exaltación del color puro que es "forma y tema".
Prescinde de la identificación del espacio pictórico.
Sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.
ORFISMO (ARTE)
Para religión de la Antigüedad clásica, véase orfismo.
El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y
abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega
que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía.1
Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados por el artista y dotados por
él de una poderosa realidad. Es arte puro.
Meditaciones estéticas
Apollinaire situó dentro del orfismo o cubismo órfico a las obras de Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp y,
sobre todo, de Robert Delaunay, que actuaba como abanderado de esta tendencia. En esta época surgió una controversia
sobre el papel que hubiera tenido en la definición del orfismo la obra de Frank Kupka, jamás citado por Apollinaire. De
cualquier forma, el término orfismo ha quedado muy impreciso y tiene más valor por su carga poética que por su valor
crítico e histórico.
Características
Exaltación del color puro, que es "forma y tema".
Prescinde de la identificación del espacio pictórico.
Sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.

RAYONISMO
Rayonismo. Estilo pictórico practicado por artistas rusos, como Gontcharova y Larionov,
entre 1912 y 1914.
Origen
El Rayonismo es un movimiento artístico iniciado en Rusia en el Salón de la libre
Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionovy Natalia Goncharova, y
profundizado en 1913.
Es una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo.
Surge como adaptación propia de los artistas hacia el futurismo, dándose a conocer por medio de un manifiesto
redactado por Larinov y que es a su vez parte de una miscelánea editada con motivo de la exposición Blanco,
celebrada en Moscú en 1913. Basado en unas composiciones construidas a partir de rayos de luz que se cruzan y
se disuelven en motivos que cambian constantemente, es el rayonismo un importante foco de teoría artística al
fundir en sus lienzos una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del movimiento propiamente
futurista, siendo el conjunto de la obra totalmente abstracto al romper el tema en haces de líneas sesgadas tal y
como se observa en Bosque verde y amarillo de Gontcharova, llegando el tema a desaparecer en otras ocasiones,
como en Vidrio (Solomon R. Guggenheim Mus. de Nueva York, 1912 1913) de Larionov. El movimiento tuvo
corta vida por lo que no llegó a crear escuela.
Que propone?
El rayonismo propone la descomposición del tema en haces de líneas oblícuas, una especie de rayos de luz de
diferentes tonalidades. Aspectos como la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo son de gran importancia en el
rayonismo.
Herencia
Este movimiento artístico cuenta con una gran herencia estética del futurismo, en lo que se refiere a los aspectos
formales de la obra de arte, pero ideológicamente son diferentes.
  EL RAYONISMO
El rayonismo  es un movimiento artístico ruso que nació en el año 1909. Como cualquier otro
movimiento de vanguardia, el rayonismo cuenta con su propio manifiesto ideológico, el manifiesto
rayonista de 1913.
Esta vanguardia artística se desarrolló de la mano de Mijaíl Larionov, y su pareja sentimental Natalia
Gontcharova.
El rayonismo propone la descomposición del tema en haces de líneas oblicuas, una especie de rayos de
luz de diferentes tonalidades. Aspectos como la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo son de gran importancia en
el rayonismo.
En sus obras dio gran importancia a la composición y el espacio. Por otro lado tuvo muy presente el efecto del
movimiento a través de la luz y el color. El resultado son cuadros atravesados por haces luminosos de colores
irisados que rompen con cualquier referencia figurativa al mundo real. Por ello se incluye dentro de la Abstracción.
Este movimiento artístico  cuenta con una gran herencia estética del futurismo, en lo que se refiere a los aspectos
formales de la obra de arte, pero ideológicamente son diferentes.
Estilo pictórico practicado por artistas rusos, como Gontcharova y Larionov, entre 1912 y 1914.
Surge como adaptación propia de los artistas hacia el futurismo, dándose a conocer por medio de un
manifiesto redactado por Larinov y que es a su vez parte de una miscelánea editada con motivo de la
exposición Blanco, celebrada en Moscú en 1913.
El movimiento tuvo corta vida por lo que no llegó a crear escuela.
Características:
Utiliza formas espaciales que resultan del cruce de los rayos reflejados por los diferentes objetos.
Rechaza lo individual y desarrolla la autonomía del cuadro.
Simplicidad de las formas
Uso restringido del color: Malevitch llega al blanco y negro.
Influencia determinantes del rayonismo.
El futurismo que influye en lo que respecta al interés por expresar el dinamismo o energía de la vida real.
El cubismo de donde surge la vinculación de los problemas tradicionales y la preocupación por expresar un
nuevo concepto de espacio.
El impresionismo y El orfismo, que influye en lo que respecta a la preocupación por la luz y por la
configuración basada  en la supremacía del color.
Las artes populares rusas y la pintura de iconos, que determinan el cromatismo. 

Este cuadro es una muestra del estilo pictórico que Mijail Lariónov desarrolló y al que denominó
"Rayonismo". En éste el autor cubre el lienzo de pinceladas enérgicas, como rayos que los atraviesan
en todas las direcciones, cruzándose y dispersándose. Según formuló el mismo Lariónov en su
manifiesto "Teoría del rayonismo": "El Rayonismo opera con formas espaciales, escogidas a
voluntad del pintor y que pueden aparecer en el punto de intersección de los rayos reflejados desde
diferentes objetos”.
 Natalia Goncharova
Título: El bosque
Fecha: 1913
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 130 x 97 cm.
Ubicación: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Numero de inventario

Otros cuadros interesantes:

PINTURA METAFÍSICA
Concepto: Corriente pictórica italiana desarrollada fundamentalmente por Giorgio di
Chirico y Carlo Carrà. Los pintores adscriptos a esta tendencia pretendieron representar
imágenes más allá de la realidad física.
Pintura metafísica. Corriente pictórica italiana que se caracterizó por las
yuxtaposiciones de objetos en perspectivas abiertas y por la representación de un mundo
onírico y desolado. El movimiento pictórico metafísico proveyó de significantes a
movimientos ulteriores como el dadaísmo y surrealismo. Este movimiento tuvo corta
vida y se disolvió definitivamente en 1920.
Historia
La pintura metafísica surgió a partir del deseo de explorar la vida interior e imaginada de objetos cotidianos,
para ello los pintores los representaron en contextos no habituales; contextos que sirvieron para explicarlos o
condicionar la actitud intelectual en la obra.
En las pinturas metafísicas lo inverosímil e ilógico parece creíble. Se destacan en el tratamiento pictórico
metafísico de los objetos, su solidez, su separación en el espacio y el diálogo secreto entre ellos, así lo
condiciona. Para los pintores metafísicos la atención a la simplicidad de las cosas ordinarias constituyó el leit
motiv para sus obras, y en la que apuntan, muchas veces, a un estado más oculto y cargado de metáforas.
Generalidades
La pintura metafísica aparece como reacción opuesta al dinamismo futurista y a la destrucción formal que había
planteado expresionismo. En este sentido la se torna esencialmente estática y figurativa; rescatando la forma y
dotándola de un lenguaje metafórico en el subyace cierta carga simbólica.
El término «pintura metafísica» es el equivalente en español del italiano «Pittura metafísica». Los pintores de
este movimiento usaron la técnica realista para representar perspectivas tradicionales; a través de las cuales
representaron escenas oníricas y visionarias; generalmente vacías, y en las que propiciaban las relaciones de
objetos insólitos como estatuas, maniquíes, artefactos, elementos de arquitectura, etc. De manera general los
pintores metafísicos intentaron representar lo oculto tras la apariencia de las cosas corrientes y simples.
El juego con las sombras es uno de los elementos más característicos de las producciones metafísicas, pues su
contraste en las acentuadas perspectivas y fugas en los lejanos horizontes dotó de singularidad única a
producciones de un artista como Giorgio di Chirico. Para este representante el lienzo se convierte en receptáculo
para un misterio sobrecogedor y enigmático; en el que el silencio invade totalmente la escena y se torna
protagónico. En las obras de Chirico son frecuentes ideas como las anteriores; ideas que fueron reafirmadas por
él cuando expresó:
“Hay más misterio en la sombra de un hombre caminando en un día soleado, que en todas las religiones del mundo".
Representantes
Entre los exponentes de este movimiento se destacan Carlo Carrá, pintor que había sido uno de los líderes
del futurismo y Giorgio di Chirico, también artista que había estado trabajando en París y había sido admirado
por Guillaume Apollinaire y por otros artistas de vanguardia como un pintor de escenas misteriosas, urbanas y
de bodegones. Otros pintores vinculados al arte metafísico fueron Giorgio Morandi y Filippo de Pisis.
Características
Representación naturalista de las figuras, los objetos y las acciones en un espacio escénico-pictórico controlado.
 Escenas colmadas de misterio y quietud.
 Imágenes que se alejan del mundo corriente y ordinario.
 Lenguaje pictórico altamente poético, fuerte y correctivo en lo formal.
 Exploración de la naturaleza enigmática de los objetos y sus posibilidades dentro de la pintura.
 Representación de ambientes desolados, carentes de vida y en los que se yuxtaponen figuraciones
variadas.
 Uso de la perspectiva convencional, ponderando lo espacial.
 Marcado efectismo y énfasis en los efectos de sombra como elemento para potenciar los efectos de
relaciones espaciales, luz y profundidad.
 Marcado deseo por representar la vida interior de los objetos y su interrelación.

ARTE DEL SIGLO XIX

Introducción
Hablar de arte del siglo XIX es hablar de numerosos movimientos artísticos, cada vez más complejos
y relacionados entre ellos. 
El arte neoclásico es, probablemente, el último estilo artístico que podremos adscribir, con todas las
reservas, a un momento histórico concreto. A partir de ese momento, se entremezclan distintas
tendencias globales o centradas en alguna de las artes tradicionales (arquitectura, pintura o escultura)
además de artistas a los que resulta complicado adscribir a alguno de los grupos.
De esta forma, en arquitectura hablaremos de:
 Historicismos.
 Nuevos materiales (hierro, acero, cristal...)
 Modernismo.
 En pintura de:
 Romanticismo.
 Realismo.
 Impresionismo.
 Posimpresionismo.
Además de artistas tan destacados e inclasificables como Goya, ejemplo de obra que participa de distintas tendencias
y abre el camino de otras. (En la imagen capricho de Goya: Tú que no puedes).
En escultura de: Impresionismo y, sobre todo de Rodin.
 A lo largo de este apartado, presentaremos las características de los artistas o movimientos, sus circunstancias
históricas y, sobre todo, imágenes de sus obras. No pretendemos una memorización de estilos obras o autores, sino
una reflexión acerca de cómo se reflejan esos rasgos generales en las creaciones concretas, una visión pausada y sin
condicionantes de tipo académico que lleve a un análisis personal y estético de la obra de arte.
En muchas ocasiones, acompañamos el texto con presentaciones que es necesario descargar primero y ejecutar
después, en otros casos, aparecen enlaces a museos o a páginas de artistas, se trata de observar y de aprender por
medio de la observación.

NEORROMÁNICO.
Es un estilo arquitectónico, enmarcado en el historicismo del siglo XIX, basado en la reinterpretación del estilo
románico, caracterizado por el empleo de arcos pesados, paredes rústicas y efectos asimétricos, especialmente en la
arquitectura pública.
Algunos ejemplos del Neorrománico están la Catedral de Marsella, en Francia, fue construido según los planos de
planos del arquitecto Léon Vaudoyer.
La Real de Covadonga, en España, el templo fue levantado por el arquitecto Federico Aparici y Soriano.
La Catedral de Medellín, en Colombia diseñado por el arquitecto francés Charles Émile Carré.
Publicado por Paulo en 8:17 
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Neogótico

El Big Ben y el Parlamento de Londres, ejemplos de la arquitectura neogótica.

El neogótico es un movimiento artístico nacido en Gran Bretaña hacia mitad del siglo XIX que basa su
estética en el estilo gótico de la Edad Media.
Coetáneo sucede con otros estilos "neos" del momento, algunos generalizados por todos los paises
occidentales, como éste, y otros más localizados como el neomudéjar en España, el neogótico está
relacionado con el movimiento romántico que desde varias décadas antes estaba generalizado en la sociedad,
siendo una de sus principales características la vuelta a las corrientes estéticas medievales.
Separándose con firmeza del estilo de las obras clásicas que predominaban en la arquitectura inglesa del siglo
XVIII, estas obras reproducen soluciones formales del gótico, a veces combinadas con otras que recuerdan al
rococó.
En este tiempo apareció también una nueva corriente de literatura que se conoció como novela gótica (La
conocida Nuestra Señora de París (1831), de Victor Hugo es de esa época), en la que la trama solía trnascurrir
en iglesias o cementerios góticos, lo cual dio lugar a que se consolidara esta tendencia artística en la sociedad.
Durante este tiempo algunas grandes catedrales góticas se reconstruyeron o de reformaron, como ocurrió con
las de Notre Dame de París o con la Catedral de Barcelona. Pero también fue frecuente que se llevaran a cabo
grandes obras de nueva construcción usando este estilo, como es el caso del conocido Parlamento
de Londres y su torre del Big Ben, obra realizada en 1836.

ARQUITECTURA NEOGÓTICA
Arquitectura neogótica. Fue un movimiento que comenzó
en Inglaterra para revivir las formas góticas durante la segunda mitad
del siglo XVIII y duró hasta el siglo XIX. Los ejemplos del neogótico
fueron arquitectura doméstica altamente decorativa como se ve
en Strawberry Hill que puso este estilo de moda.
Historia
Forma parte de las corrientes históricas que surgen de manera nostálgica para exaltar lo que fue el
mundo medieval. Imitando al gótico original, se opone al movimiento neoclásico que le precede. La
palabra gótico proviene de “godo”, que se usaba de manera peyorativa para definir el estilo de los
bárbaros, ya que sus componentes parecían confusos y poco dignos frente a los clásicos.
Surgido en el siglo XIX, peyorativamente denominado como pseudogótico, consistente en la
arquitectura realizada a imitación de la góticamedieval. Por su común rechazo al racionalismo
neoclásico, es un estilo vinculado con el romanticismo, y por sus implicaciones políticas, con el
nacionalismo. Como arquitectura historicista es una reelaboración que reproducía el lenguaje
arquitectónico propio del estilo gótico con formas más o menos genuinas.
Apareció en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. En el siglo XIX la Europa continental vivió una
auténtica fiebre neogótica que restauró y completó catedrales, como la de Barcelona.
En 1836 Parlamento de Londres. En Franciadestacó la labor restauradora y reconstructora del
francés Eugène Viollet-le-Duc.
Características
Las características principales son:
Arco apuntado
Bóveda de crucería
Contrafuertes y arbotantes
Ventanas y vidrieras
Obras más representativas
Entre las obras más representativas del Neogótico a nivel mundial se pueden indicar:
El Castillo de Neuschwanstein, en Baviera, Alemania.
Abadía de Maredsous en Bélgica.
La restauración de la Catedral de Colonia en Alemania.
La Iglesia Votiva, en Viena.
La restauración de de la Sainte Chapelle, en París, Francia.
Numerosos edificios colegiales en Cambridge y en Oxford.
El Palacio de Westminster en Londres.
La Catedral Nueva de Vitoria, en España.
El Parlamento de Budapest.
El Bastión de los Pescadores en Budapest.
NEOBARROCO
Movimiento romántico de mediados del siglo XIX que afectó a todas las artes y se hizo especialmente
visible en arquitectura dando paso a formas recuperadas del barroco de los siglos XVII y XVIII.
Floreció en toda Europa, y en España —con especial incidencia en Andalucía— y Latinoamérica se
prolongó hasta la segunda mitad del siglo XX. Estilo historicista como otros de la época, surge, al igual
que lo hiciera el barroco frente al clasicismo, como reacción contra el neoclasicismo, que venía
imperando desde mediados del siglo XVIII.
En un principio el estilo neobarroco europeo se utilizó sobre todo para el diseño de nuevos y
esplendorosos edificios públicos, en general civiles, como palacios, sedes de gobierno y de tribunales,
así como nuevos teatros, ya que el barroco había contribuido al florecimiento de las artes escénicas. Pero
la moda neobarroca no tardó —en España especialmente— en calar también en la burguesía adinerada,
que vio en esa exhibición la forma más elegante de dar nobleza y lustre a su apellido. Y así no es difícil
encontrar en nuestras ciudades edificios de tal índole, que perpetúan todavía hoy aquel propósito.
Salvo excepciones, el arte neobarroco se reviste de grandiosidad y magnificencia, exponentes
coyunturales de una vida próspera y de emulación entre las regiones, y se preocupa menos del retorno a
los cánones más ortodoxos del barroco anterior. Solo en la escasa producción de construcciones
neobarrocas de índole religiosa —escasez debida probablemente a la ya abundante presencia de iglesias
netamente barrocas— se siguen mayormente las trazas del barroco tradicional. La arquitectura civil, en
cambio, tiende a la complejidad, a recrear un barroco acorde con la modernidad, una modernidad que no
renuncia a la efectividad de lo ecléctico entreverado de elementos alegóricos; lo cual se percibe
claramente en la ornamentación, que es  a la postre el fin último del estilo neobarroco, ya que no aportó
nada nuevo —como tampoco lo hizo su inspirador— a la esencia de la arquitectura.
Ver también este artículo.

Teatro Arriaga. Bilbao. 1890.

Casa del Cura de San José. Madrid.

1912.

Palacio Teatro Valdés. Avilés (Asturias). 1920.

Palacio Consistorial o Casona del Parque.

Málaga. 1919.

Teatro-Casino de Vigo (Pontevedra). 1927.

Basílica de Jesús del Gran Poder. Sevilla.

1965.

 
 El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las
primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño 

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque

Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza
Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid
Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países:
modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria),
Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en
Cataluña etc.
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más
frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de
interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que
alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna,
por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la
arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:

Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo,
Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se
alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento
llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada
y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890. 
ART NOUVEAU
El Art Nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo
XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa
en la arquitectura y en el diseño. Una de las características principales del Art
Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla
intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes:
la arquitectura y el Diseño gráfico.
Origen
Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque
en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la
galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se
conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania,
Sezession en Austria, Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista
en Cataluña. Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes
eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de
interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran
popularidad gracias al invento de la litografía.
Historia
Paling stijl (estilo anguila en Bélgica), Style Nouille, Style 1900, Modern Style (Inglaterra) o Style
Moderne (Francia), son sólo algunas de las denominaciones que asumió el Art Nouveau, indicativas
de sus avatares hasta alcanzar el reconocimiento general, y una identidad en los especialistas de arte.
Jugend (título de una revista de la época), Schonorkelstil (estilo caracol) y Wellenstil (estilo onda),
entre otros, lo refirieron en Alemania. El término francés que lo dejaría acuñado definitivamente no
surgiría hasta la apertura en 1896 de La Maison de l’Art Nouveau, tienda parisina del
marchante Sigfried Bing.
Dentro de un movimiento mucho más complejo que abarcaba toda la vida espiritual de la época, el
llamado decadentismo de finales del siglo XIX, el Art Nouveau venía a concretar la respuesta a una
exigencia de regeneración que recorría el sentido común colectivo de los artistas de las finiseculares.
Fuentes diversas en ese contexto, como la poesía e ilustración del británico William Blake, el
Cronología Principales Movimientos Artísticos
Publicado por Mónica Grille en 13:30 . domingo, 18 de enero de 2015
Etiquetas: Arte, Mapas Conceptuais

movimiento prerrafaelista, el boom de lo exótico nipón y oriental, los revival gótico y celta,

resurrecciones del barroco, el rococó y el movimiento Arts and Crafts, propiciaron el surgimiento
del Art Nouveau.
Descripción
El principal elemento ornamental del Art Nouveau es la línea ondulada, cargada de asimetrías,
movimiento y energía. Pero el verdadero valor del estilo se aprecia cuando entramos en contacto con
la obra real, tridimensional en muchas ocasiones, donde la línea dialoga con el espacio y la forma
general. La ornamentación Art Nouveau es inquieta, pero logra encontrar el camino para mantenerse
equilibrada. Uno de los logros artísticos principales de sus creadores es alcanzar una compensación
del efecto de movimiento por medio de la armonía equilibrada. “Su aspecto más importante es su
habilidad para acentuar la estructura de la forma y, a renglón seguido, fusionar el objeto y su
ornamentación en una cantidad orgánica: el fin es unidad y síntesis.”
Como elementos decorativos, los tópicos de la naturaleza ocupan un lugar preponderante, sobre todo
los vegetales, como retoños y capullos.
La fuerza emanada de la línea vegetal ocupó un lugar central en la teorización sobre el arte llevada a
cabo por algunos de los impulsores del Art Nouveau. Sobre la base de conocimientos de botánica,
artistas como Christopher Dresser, diseñador y escritor, postularon ideas acerca de la forma y la
energía de las plantas en los diferentes momentos de su evolución. Puede decirse que el motivo
vegetal y la entronización del hierro dentro de la superficie visible de la edificación, modelaron el
Art Nouveau europeo. Una de las cualidades esenciales del Art Nouveau como estilo arquitectónico,
es la “habilidad para poner en práctica la teoría estructural, exponiendo los elementos constructivos,
particularmente el hierro, para que sean visibles y a menudo decorativos. El ornamento sirve para
EL SIGLO XX EN 20
simbolizar y darMOVIMIENTOS
énfasis al enfoqueARTÍSTICOS
estructural.”
Por
Un país donde el Art Nouveau dejó huella de marca mayor fue, sin dudas, España. Allí perduró
 Academia Play
 - algún tiempo después de que viera su ocaso en el resto del continente europeo luego del inicio de
 26 octubre, 2016 
la Primera Guerra Mundial. Tuvo Barcelona, como ciudad particular, la suerte de prohijar a Antoni
El arte del siglo XX
Gaudí, uno es deactivo y participativo.
los artistas que con Pormásprimera vez,estilo
peculiar abandona
tradujola exclusividad
el influjo deldemovimiento. Sus
las élitessingulares
para empezar a representar los convulsos escenarios políticos
creaciones, como el parque Güell, las casas Milá y Battlo, y sociales que
o la famosaseSagrada Familia,
vivieron todas
en el mundo
situadasenen aquel momento.
la capital de Cataluña, juegan con las formas ondulantes y asemejan organismos
El arte se pone al servicio
naturales emergidos del depavimento.
la protesta individual y colectiva, como un modo de
escenificar las fuertes emociones que impregnaban el ánimo social de una etapa marcada
Características generales
por el cambio.
A continuación, el
Se desligósiglo XX en 20 movimientos
del Simbolismo en artísticos.
busca de una autenticidad de época.
1. MODERNISMO | 1900
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores
(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano
Fue una corriente artística
y lo moderno, de carácter
puesto renovador,
que nacía un nuevoque alcanzó su máximo apogeo en la etapa
siglo.
de la Belle Époque.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo,
Fue un arte novedoso, de características juveniles, símbolo de la libertad y de la etapa
la impresión.
moderna.Estéticamente
Rompe por finresultan
con losimágenes
estilos academicistas imperantes
planas, lineales, hasta la fecha.
ornamentales, que se reducen a una economía de
Estuvo altamente influenciado por motivos exóticos como las estampas
medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para japonesas o la
centrarse en el mero adorno,
naturaleza exuberante.
muy cerca del diseño industrial
2. FAUVISMO | 1904
Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último
Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión
El fauvismo francés lo
contribuyó fueagradable
un movimiento
y fácilartístico exclusivamente
de su lectura, ayudada pictórico. El uso
por el inicio de del color ilustrada y las
la revista
en su másexposiciones
puro estado internacionales,
es su característica principal.
dos hechos que aparecen en la década de 1890.
Contrastes cromáticos fundamentados en la teoría del color dan sentido a la obra. La
perspectiva o el modelado pierden todo su sentido en esta corriente, aportando un toque de
espontaneidad al resultado final. El pintor fauvista expresa sus emociones y percepciones a
través del color y las líneas desfiguradas.
3. CUBISMO | 1907

La corriente cubista rompe radicalmente con la pintura tradicional, materializada en el uso

de la perspectiva.  La figuración geométrica se convierte en el medio de representación de
la naturaleza y el entorno.
Los colores se vuelven tenues, desaparece la potencia del color en favor de tonalidades
apagadas y frías. Fue común el uso del collage.
La obra cubista a menudo supone un reto interpretativo al perder los referentes naturalistas.
4. FUTURISMO | 1909
QUÉ ES EL MESOLÍTICO?
El mesolítico (que comprende entre el año 10.000 A.C hasta el 6.000 A.C) significa edad media de la piedra.
Este periodo histórico se ubica entre el paleolítico (piedra antigua) y el neolítico (piedra nueva). Juntos, estos
3 períodos constituyen lo que se dio en llamar Edad de Piedra.
En el mesolítico se mantienen las sociedades nómades, aunque es justamente en este período que comienzan
las primeras sociedades sedentarias. Sus habitantes basaban su alimentación en la caza, la recolección de
frutos y el nacimiento del dominio de la pesca.
Además, continúa la expresión artística pero esta vez marcada por el cambio climático y la finalización del
período glaciar. A modo de resumen del mesolítico, exponemos sus principales características.
ETAPAS DEL MESOLÍTICO
Se puede dividir el mesolítico en 2 etapas fundamentales:
Epipaleolítico. Que significa por encima del Paleolítico.
Protoneolítico. Que significa período anterior al neolítico y a la edad de los metales.
Cambios climáticos del mesolítico

El cambió climático modificó las costumbres y hábitos en los seres humanos.

Durante este periodo histórico se da la finalización del último período glaciar. Paulatinamente comienza la
llegada de un clima templado. Esto permitió la modificación de costumbres y hábitos en los seres
humanos así como también en su estilo de vida.
Flora del mesolítico
Como consecuencia del fin de la era glaciar, hubo un aumento de la vegetación que primero se convirtió en
estepas y posteriormente en bosques frondosos. Esto permitió que los seres humanos tuvieran mayor cantidad
de vegetación para incorporar como base de su alimentación.
FAUNA DEL MESOLÍTICO
En cuanto a la fauna, se produce la migración hacia zonas más nórdicas de determinados animales como el
reno y bisonte. También este cambio climático favoreció la reproducción de otras especies entre las que se
destacaban el ciervo, jabalí, alce, mamíferos pequeños y aves como gansos, faisanes, tordos o palomas.
ALIMENTACIÓN DEL MESOLÍTICO

El hombre del mesolítico se valió de mamíferos pequeños como base de su dieta. 

Con el cambio de clima y la migración de los animales que comprendían la base de la alimentación, los
humanos tuvieron que modificar sus hábitos alimenticios.
Se valieron de nuevos mamíferos pequeños para incorporarlos como base de su dieta. Por otra parte existe,
durante el mesolítico hubo un gran auge de la pesca. En cuanto a la recolección de frutos y cereales
continuaban haciéndolo de manera silvestre.
CAZA, PESCA Y MÉTODOS DE RECOLECCIÓN DEL MESOLÍTICO
Como se mencionó arriba, durante esta etapa se presenta un salto evolutivo en cuanto al modo de pescar. Así
se muestra una gran evolución en cuanto a la construcción de anzuelos, redes y embarcaciones hechas con
pieles y cortezas de árboles.
La fabricación de herramientas, en esta etapa, se especializa para poder hacer frente a las nuevas costumbres
y hábitos alimenticios propios de la época. Para desplazarse fabrican trineos que, en un primer momento son
tirados por seres humanos y luego por perros. Como resultado de estos avances, el hombre comienza la
diversificación de su especie y dominación del planeta.
Población del mesolítico

En el mesolítico abandonan las cuevas para comenzar a construir chozas al aire libre.
Durante este período se incrementa el índice de la población. También abandonan las cuevas para comenzar a
construir chozas al aire libre. Nacen así las primeras aldeas.
ARTE MESOLÍTICO
El arte también recibió modificación como resultado del cambio climático. De esta forma se vuelve un tipo
de arte más racional y abstracto. La figura humana continúa siendo escasa en las pinturas pero sí
representaban batallas y escenas bélicas en las pieles que utilizaban como abrigo. Surgen también las
primeras cerámicas.
Creencias del mesolítico
Como parte de las creencias religiosas que caracterizan al período mesolítico, surge la fundación de los
primeros cementerios.
Revolución mesolítica
Muchos autores sostienen que la revolución neolítica tuvo sus comienzos durante el periodo mesolítico. Esto
se debe a que es durante este período nace el concepto de sedentarismo, comienza la expansión demográfica
gracias al dominio de animales producto de la evolución en la fabricación de herramientas. Para ciertos
autores las bases que dieron lugar a la revolución neolítica tuvieron su tiempo de gestación en los avances
tecnológicos de esta era.
ARQUITECTURA MEGALÍTICA
A menudo la arquitectura de estos lugares es de una precisión por ejemplo Stonenhge cuya estructura
geométrica es un verdadero modelo de los conocimientos de la época.
Situado a 150 km al oeste de Londres es el ejemplo perfecto de lo que los celtas llamaban Cromlech
un muro de piera en forma de círculo.
Su construcción se habría desarrollado en 3 fases entre el año 3000 y el 1500 antes de Cristo, casi
1000 después de Carnac. Observatorio astronómico, sepultura real, centro ceremonial, monumento
conmemorativo, las teorías se suceden con los años.
¿Cómo construyeron los monolitos de piedra?
El procedimiento para la construción de estos monolitos consistía en 3 pasos: 1) Trasladaban las
piedras con troncos y cuerdas hacia el lugar donde querían erigir el monumento. El traslado lo hacía
una gran cantidad de hombres. 2) Realizaban un agujero en la tierra, disponían la piedra sobre él y
entre varios levantaban la piedra hasta quedar vertical para que quede encajada en el hueco. 3) A
través de una rampa muy rudimentaria, colocaban el dintel o piedra superiro que subían con cuerdas
de un lado y a empujones de otro. En esta imagen se puede ver bien el proceso.

Construcciones megalíticas y sus tipos

Menhires: Se trata de un monumento monolítico que consta de una sola pieza de piedra elevada.
Encastrada de modo vertical el menhir tiene un porcentaje de su extensión (entre un 10 y un 20%)
enterrada en el suelo para evitar que caiga. A veces aparece un menhir en forma aislada y otras veces
en grupo.

Dolmen: En bretón significa “mesa grande de piedra”, se trata de una construcción más compleja
que la anterior. Se compone de una o varias piedras enterradas en el suelo con alguna inclinación,
coronadas por otra piedra en forma horizontal.
Cromlech: Construcción megalítica formada por una serie de menhires que cierran un espacio de
terreno de figura elíptica o circular.

El cromlech de Stonehenge, en más famoso.

Desarrolladas en la ead de los metales en las Islas Baleares existen tres tipos de construcciones
megalíticas que no aparecen en otras zonas:
Talayots: Son torres que conforman la base de una pirámide. Por ejemplo el Tayalot de Talatí de Dalt
en Menorca o el Talayot de Torrelonet Vell en Menorca.
Navetas: Es una especie de nave y eran tumbas colectivas o viviendas familiares. Siempre aisladas.
Por ejemplo la Naveta de Tudons (Ciudadela, Menorca) Construcción ciclópea que encierra una
cámara funeraria.
Taulas: Es como un martillo gigante. Una plataforma horizontal de piedra apoyada en otra vertical.
Por ejemplo. Taula de Torralba, Menorca.

Tipos de arquitectura megalítica

Existen 3 tipos de diseños o arquitectura megalítica encontrados son: los alineamientos de piedras,
un círculo de piedras y una tumba.
Características de la arquitectura megalítica
La característica principal es que están construídos en piedra y se trata de bloques gigantes de varias
toneladas de peso apenas tratados.
Funciones de la arquitectura megalítica
Aún se desconoce la función específica de la arquitectura megalítica. Pero se presume que tenían
fines astrológicos pues se ha demostrado que algunas formaciones apuntan a las estrellas.
Especialistas más arriesgados aseguran que además, podrían haberse cometido en ellos danzas,
brujería, aberraciones y sacrificios rituales (sacrificios de animales y humanos). Costumbre pagana
muy habitual entre las tribus bárbaras. Varios Papas de la cristiandad han opinado sobre las
construcciones megalíticas y han dicho que se trataba de lugares donde se tenía contacto con el
demonio.
CULTURA MEGALÍTICA
La cultura megalítica se extiendió por toda Europa donde podemos hallar millares de piedras
monumentales de miles de años de antigüedad formando figuras geométricas. Estas construcciones
megalíticas fueron erigidas desde el el 8º milenio antes de Cristo hasta la invención de la metalurgia.
¿Quienes las crearon y por qué? ¿Qué significan estas misteriosas obras? No existen inscripciones,
tradiciones o manuales de construcción que nos puedan aportar información directa.
Orígen de la cultura megalítica
Desde hace siglos los hombres se preguntan sobre el origen y el significado de estos extraños
monumentos. La Edad Media veía en ellos la obra del Diablo a través de los hechizeros. Más tarde
fueron atrubuídos a los druidas, los sacerdotes celtas que los habrían erigido allí para celebrar sus
rituales y en la actualidad algunos los asocian con fuerzas extraterrestres.
En la costa atlántica y francesa del Reino Unido y Francia es donde encontramos los conjuntos más
antiguos y espectaculares, los megalitos, del griego megas (grande) y litos (piedra) dibujan
imponentes conjuntos de menhires que sucitan numerosas preguntas. Algunos los consideran
elementos conmemorativos o bien, vestigios de antiguas prácticas rituales o deportivas
absolutamente aberrantes en nuestra civilización.

Sitios emblemáticos de la cultura megalítica

Los sitios emblemáticos de la cultura megalítica se extienden desde el oeste de Francia hasta el
extremo norte de Escocia.
Carnac, Francia: Los menhires o piedras altas (en celta) se despliegan aquí en filas impresionantes.
Es un sitio único de la cultura megalítica porque aquí se concentran más de 3000 piedras a lo largo
de casi 4 kilómetros. Se calcula que este conjunto data del 4000 antes de Cristo, datación que ha sido
posible gracias al carbono 14 y al carbón de madera descubierto al pie de algunos menhires. Parece a
simple vista un alineamiento de piedras sin labrar pero su disposición es mucho más compleja de lo
que parece a simple vista. En algunos estudios realizados sobre la morfología de las piedras, los
investigadores descubrieron que las piedras están pulidas en una de sus caras. Se trata de una
escenografía premeditada. ¿Podría tratarse del recorrido de una procesión o bien algo más siniestro
como las cacerías humanas? El contexto social y simbólico es muy fuerte pero aún estamos lejos de
obtener todas las respuestas. Aquí no hay ningún alineamiento orientado a los ejes lunares, al sol o a
alguno de los solsticios. El concepto del conjunto es otro, no se entiende aquí la disposición
geográfica de este sitio. Es el conjunto de menhires más grandes construidos en Europa.

Los antropólogos encontraron debajo de los círculos de piedra del norte de Inglaterra, huesos
humanos que se cree podían ser de guerreros o caudillos. Pero los círculos de la región meridional de
Inglaterra como los de Avesbury al sur de Stonehenge no aparecieron restos óseos ni de
herramientas. Esto indica que no eran sepulturas ni viviendas ya que no se han hallado restos de
vasijas o utensilios de piedra. Podían ser centros religiosos de reunión o de sacrificios humanos a los
dioses.
Los arqueólogos encontraron en un centro megalítico de Escocia una piedra yacente, pulida con los
lados completamente lisos, ¿por qué se afanaron en lograr tal exactitud? Aseguran que la piedra
yacente tiene que ver con la luna llena. Se cree que aprovechaban la luna llena para realizar
sacrificios humanos a dioses paganos.
Los crómlech de Callanish: Conocido como el S del norte, este círculo de piedra está situado en la
Isla Louise en el extremo norte de Escocia. Su emplazamiento hace pensar que está orientado a los
ciclos lunares. La Isla de Louise está orientada a 58º de latitud norte y el solsticio de luna llena se
produce sólo en ésta latitud. El otro lugar en el mundo donde se puede apreciar este fenómeno es
Cabo Cod en el sur de Chile.

De formas fálicas los menhires de Callish son uno de los más visitados.
El solsticio de luna llena, se produce cada 19 años cuando la luna se encuentra en su punto más bajo
en el horizonte y lo roza. Aquí hay un grupo de colinas y en ese momento la luna parece recorrer
esas colinas. Este sitio es único en Europa dentro de la cultura megalítica porque concita los 3 tipos
de arquitectura megalítica: los alineamientos, un círculo de piedra y una tumba.
La inhumación de los muertos ilustra una revolución cultural, social y espiritual. El neolítico
transformó la relación del hombre con la naturaleza. Las tumbas en las colinas significa una
apropiación del espacio.
Al sur de Callanish, hay una serie de arcos de menhires en la Isla de Erlanick en el Golfo de Morland
ha sido declarada reserva natural.
Estos menhires son un enigma. Es un hemiciclo doble, vemos monolitos ne la primer alínea y otros,
más grandes, completamente sumergidos.
Las excavaciones arqueológicas realizadas hay más de una tonelada de elementos de cerámica y
otros elementos rituales. Flechas de cilex, urnas con huesos de bóvidos incinerados.
Los pueblos que levantaron estos monumentos serían los primeros astrónomos de la Humanidad
además de excelentes geómetras dada la exactitud milimétrica de los círculos y óvalos que diseñaron.
El apogeo de las culturas megalíticas europeas es tan misterioso como su desaparición. ¿Dónde fue a
parar la sabiduría de aquella época? No existen pruebas de nexos entre los difrentes pueblos
megalíticos del mundo y sus obras colosales permanecen enigmáticas y silenciosas.
En el Este de Turquía, sobretodo en Göbekli Tepe se han descubierto complejos megalíticos que
datan del 9.500 antes de Cristo.

LAS CONSTRUCCIONES MEGALÍTICAS  

Las construcciones megalíticas o megalitos son obras prehistóricas ejecutadas con grandes piedras (megas =
grande, lithos= piedra) que hicieron su aparición a finales del Neolítico y durante la Edad de los Metales. Son las
primeras grandes obras arquitectónicas de Europa occidental.

Cromlech de Stonehenge, Inglaterra

 Tabla de contenidos
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 1 Contexto histórico
 2 Tipos de megalitos
 3 Arquitectura
megalítica
 4 Referencias
 5 Véase también
 6 Enlaces externos
Contexto histórico
El Neolítico o Edad de la piedra pulimentada surge hacia el 10.000 a. de C. en el Próximo Oriente, la cuna de la
revolución neolítica. De allí pasará a Occidente.
El hombre neolítico conoce nuevas formas de vida. De la economía depredadora se pasa a la productora, con ganados y
cosechas. Inventa la cerámica y el tejido, abandona el nomadismo y se hace sedentario, construyendo sus primeras
viviendas.
La construcción de los megalitos implica una organización social más compleja, ya que se requería un trabajo colectivo
para realizarlos. Los más antiguos (hacia el V milenio) y abundantes se encuentran en la Bretaña francesa, de donde se
extienden a otros países europeos. algunos megalitos tienen mas de 7000 años en todo el mundo esas pesan entre 180
toneladas las cuales cargaban a mano
Tipos de megalitos
1. Menhires: enormes piedras hincadas en forma vertical en el suelo; relacionados con la fertilidad (forma fálica).
2. Alineamientos: menhires colocados en fila, como el de Carnac (Francia).
3. Dólmenes: son sepulcros colectivos formados por varios piedras verticales, con una o más grandes losas
horizontales encima, cubiertos posteriormente con tierra. Evolucionan hacia los sepulcros de corredor con
cámara circular, como los de la Cueva de la Menga y la del Romeral(Antequera, Málaga) y el de Soto (Huelva).
4. Cromlech: menhires en círculo. El más famoso es el de Stonehenge (Inglaterra), III-II milenio a. de C. que era
un santuario dedicado al sol. 1
5. Palafitos: viviendas construidas alrededor de un rio Neolitico)'
Arquitectura megalítica
En las Islas Baleares, en la Edad del Bronce, se desarrolla la arquitectura megalítica. Hay tres tipos de
construcciones:
1. La naveta, construcción funeraria de planta rectangular y forma trapezoidal, como una nave invertida; en su
interior hay una cámara. La más conocida es la Naveta des Tudons (Menorca).
2. El talayot es una atalaya o torreón circular, que tenía una función defensiva.
3. La taula, formada por dos grandes piedras rectangulares, una vertical y otra horizontal sostenida por aquélla,
con forma de T. Su función sería religiosa o funeraria (una mesa para sacrificios) probablemente. Es conocida la
del poblado de Talatí de Dalt (Menorca).
Estas construcciones baleáricas están relacionadas con las realizadas en otras islas del Mediterráneo, como
las nuragas de Cerdeña y los templos megalíticos de Malta.

CULTURA HEBREAConcepto: Cultura de los pueblos que vivían en la región del

Oriente Medio a partir del segundo milenio a.c. y que dan origen a los pueblos semitas,
antepasados de los actuales judíos
Para idioma de esta cultura, véase Idioma hebreo.
Cultura Hebrea. Los Hebreos, es el nombre dado a los pueblos que vivían en la región
del Oriente Medio a partir del segundo milenio a.C., y que daría origen a los pueblos semitas
como los árabes y a los israelitas, antepasados históricos y espirituales de los actuales judíos.
Ubicación geográfica
La región de Palestina fue la meta territorial de todos los pueblos semitas del Desierto de Arabia. Los primeros en
llegar fueron los semitas cananeos, tomaron el nombre del país de Canaán. Fueron vencidos por los semitas
hebreos que divididos en tribus se asentaron en la región (siglo XIV y XI a.n.e.); fundaron dos
reinos: Israel (capital Samaria) y Judá (capital Jerusalén) en los siglos XI y VIII a.n.e. Posteriormente fueron
conquistados por civilizaciones poderosas. Su principal aporte fue religioso (El monoteísmo), se elevaron a la
creencia de un Dios único, Jehová, cuyo culto no exigía estatuas ni figuraciones materiales.
Historia
Cronología: 2000 a 70 d.c
Se inicia con la llegada de los primeros pobladores a la orilla del Río Jordán y se extiende hasta la destrucción de
Jerusalén por el emperador Tito.
Patriarcas
Se llama así a la época en que las tribus eran gobernadas por los ancianos, llamados patriarcas.
Periodo también llamado de peregrinación por el desierto (Éxodo)
Gobiernan los ancianos, pues la sabiduría estaba dada por la experiencia
Abraham
Fue el primero de los patriarcas. Nació en la ciudad de Ur, en Mesopotamia. La Biblia nos relata que a los 75 años
este patriarca oyó la voz de Dios, que le ordenaba abandonar la tierra de Ur. Los historiadores aseguran que dicho
acontecimiento ocurrió en el reinado de Hammurabi, hacia el año 2050 a.c. Inicia la peregrinación y la búsqueda
de la tierra prometida, se dirigió con su gente al desierto, donde Jehová, en recompensa a su obediencia, le
aseguro las tierras de Canaán. Los hijos que tuvo con su esposa Sara, Isaac, y su esclava Agar, Ismael, son el
génesis de muchos conflictos en el Oriente Medio, ya que esos hijos darían origen a los judíos y árabes
respectivamente.
Jacob
Hijo de Isaac y nieto de Abraham, llamado también Israel, que quiere decir el que lucha con Dios. Se casó en
Caldea y regresó a Palestina. Tuvo 12 hijos, que fueron los fundadores de las doce tribus de Israel.
Moisés
Su nombre significa salvado de las aguas. Liberó a su pueblo de la opresión egipcia a través del Éxodo. Recibió
los diez mandamientos en el Monte Sinaí. Su pueblo fue castigado durante 40 años por idolatría. Llegó casi hasta
la Tierra Prometida (Palestina) y dejó a su pueblo bajo el mando de Josué, quien sí llegó a dicha Tierra.
Historia de los Patriarcas
Tras su salida de la ciudad de Ur, Mesopotamia, este pueblo viajó hacia Palestina (estrecha franja de tierra
entra Fenicia, actual Líbano, y Egipto), los hebreos se dividieron en tribus, formando así clanes patriarcales que
adoraban a un solo Dios (monoteísmo), acreditaban ser el pueblo elegido, y por eso Dios escogería a determinados
miembros del grupo para que fueran cumplidos los planes divinos. Los clanes eran gobernados por un Patriarca,
practicaban una economía basada en el pastoreo, que evolucionó hacia la agricultura gracias a la fertilidad de las
tierras del norte y a las zonas montañosas del Sur de Palestina.
Los Hebreos permanecieron por alrededor de tres siglos en Palestina, hasta la ocurrencia de una violenta sequía
que arrasó la región. Algunas tribus, bajo el liderazgo de Jacob, migraron hacia Egipto y se afincaron por
cuatrocientos años, periodo que coincidió con la dominación de Egipto por parte de los Hicsos, que cooperaron
con los hebreos. Cuando los Hicsos fueron expulsados los hebreos pasaron a sufrir persecuciones, fueron
condenados a pagar altos impuestos y luego fueron transformados en esclavos.
Esta opresión se terminó con el surgimiento de Moisés que lideró al pueblo hebreo hacia la libertad en marcha a
Canaán (la llamada "Tierra Prometida"). Este episodio fue conocido como el Éxodo, y fue retratado en el libro
bíblico del mismo nombre. Moisés, de acuerdo a la biblia, recibió de Jehová, en el monte Sinaí, los Diez
Mandamientos, que contienen principios éticos, morales y religiosos que deberían orientar la conducta del pueblo
hebreo y, principalmente, reforzar la creencia en un solo Dios. Moisés y el pueblo Hebreo permanecieron por
cuarenta años en el desierto del Sinaí. Las dificultades encontradas en el camino de retorno a la Tierra Prometida
fueron acompañados, en varios momentos, de regresos a la idolatría y el politeísmo, obligando a Moisés a reforzar
cada vez más su autoridad. Entretanto, Moisés moriría antes de la llegada a Palestina.
El Sucesor de Moisés sería Josué, que acabaría de concluir con la larga jornada hacia Palestina. Al llegar verían
que la Tierra Prometida estaba ocupada por otros pueblos como cananeos y filisteos. Sería necesario luchar para
conquistar Canaán. Como los Patriarcas eran líderes religiosos y no militares, ellos darían lugar a los Jueces, jefes
militares que pasarían a comandar a los hebreos en la lucha por la "Tierra Prometida".
Jueces
Periodo en que los hebreos se establecen definitivamente en Palestina, abandonan la vida nómade y se dividieron
en doce tribus, que nombraban a los Jueces para su gobierno. En este segundo periodo de la historia hebrea, este
pueblo lucha por el afianzamiento, en la Tierra Prometida donde habrían de asentarse definitivamente. Los jueces
más celebres fueron: Gedeón, Jefte, Sanson y Samuel.
Gedeón
Es el quinto Juez que aparece en el libro de la biblia "Jueces" (Capítulo VI a VIII). También se le menciona en la
epístola de los Hebreos como un ejemplo de un hombre de fe. Es hijo de la tribu de Manases. El nombre de
Gedeón significa "Destructor", "poderoso guerrero". Gedeón fue el juez que liberó a los hijos de Israel de los
Madianitas. Los madianitas eran pueblos nómadas árabe de los desiertos de Siria y Arabia. Estas personas
oprimían a los hebreos robándoles sus cultivos y sus animales domésticos. Ellos habían invadido la parte central
de Palestina.
Fue entonces que Gedeón fue llamado por Dios, para hacer libertar a su pueblo. Dios le ordenó destruir el altar de
Baal (falso dios en el Asia Menor, algunos hebreos habían caído en la idolatría ante este Dios) y levantar un altar
dedicado a Dios. Luego de derrotar a los medianitas, fue considerado un héroe militar , Israel quería hacer de él un
rey , pero, sorprendentemente , Gedeón se negó a esta oferta, lo único que quería era los zarcillos de oro que había
tomado como parte del botín de guerra para honrar el altar de Yahveh (Jueces 8:27). El servicio prestado por
Gedeón era un paso muy importante en la historia de Israel, antes de monarquía. Gedeón fue un ejemplo de siervo
humilde y fiel de Dios.
Sanson
De la tribu de Dan, que represento la encarnacizada defensa contra los filisteos. Era poseedor de una fuerza
extraordinaria vinculada a su larga cabellera y cuyo secreto fuera revelado por la desleal Dalida. La Biblia
menciona que con una quijada de un burro mato a mil filisteos.
Samuel
Último de los jueces a fines del siglo VI a.c., derrotó a los filisteos, pero cuyo prestigio radicó en el ascendiente
espiritual y religioso que tenía. Combatió, tenazmente la idolatría y unificó a los hebreos quienes decidieron
reconocer una autoridad común a todos formando, así, un solo estado monárquico cuyo primer rey fue Saúl.
Reyes
Periodo en que los hebreos eran gobernados por un Rey, surgió por la necesidad de unificarse y defenderse contra
sus enemigos, los filisteos en la costa y de los nómades del desierto.
Periodo de los Reyes
Más tarde, para unir más al pueblo y centralizar los poderes religiosos, políticos y militares, fue fundada la
monarquía. Saúl, sería el primer rey hebreo, se suicidaría después de una humillante derrota, le sucedería David,
quien había matado al gigante Goliat con una piedra. En el año 966 a.c., David moriría y en su lugar sería
coronado Salomón. En esos momentos los hebreos ya poseían un gran ejército, una administración y un gobierno
centralizado. Todo eso favoreció al rey Salomón, pero el gasto excesivo de la corte real obligaría a elevar los
impuestos causando así un descontento en la población.
A la muerte de Salomón ocurriría la división de la monarquía en dos reinos (Cisma): El Reino de Israel, al norte
con su capital en Samaria formado por diez tribus; Reino de Judea, al sur, constituida por dos tribus y
como Jerusalén como su capital. En el año 721 a.c., el reino de Israel sería conquistada por los asirios y
aproximadamente doscientos años después el reino de Juda fue conquistado por los babilonios al mando del
rey Nabucodonosor II, de esta forma los hebreos volverían a ser esclavizados, este periodo se conoce como el
Cautiverio de Babilonia.
A raíz de esta división en dos Reinos, sobrevino la decadencia, siendo dominados por los asirios con  Salmanzar
V y Sargón II; luego, por los persas con Ciro el Grande; los griegos con Alejandro Magno, y, por último, por los
romanos cuando Palestina pasó a ser provincia romana en tiempos de Pompeyo.
Saúl (1117 a.c.)
Fue nombrado rey a petición del pueblo. Tuvo un magnífico ejército, que les permitió a los hebreos vivir en paz y
asegurar sus fronteras. Se convirtió en un brillante guerrero, combatiendo a los filisteos.
David (1077 a.c.)
Sometió definitivamente a los filisteos al vencer al gigante Goliat. Extendió sus dominios desde el  Mar Rojo hasta
el Éufrates, construyó la capital del reino que fue Jerusalén, considerándose el verdadero fundador del reino
hebreo (Israel).
Salomón (1037 a.c.)
Caracterizado por su sabiduría; bajo su reinado se alcanzo gran prosperidad debido al incremento comercial entre
el Nilo y la Mesopotamia, siendo Palestina el paso obligado de los mercaderes que traficaban hacia estas dos
regiones. Construyó el gran Templo de Jerusalén; no alcanzo guerras y su vida transcurrió en medio de la más
completa paz habitando en grande y suntuosa palacio, en donde alguna vez recibiría a la exótica reina Saba, de
Arabia, y en donde también, gracias a la tranquilidad reinante, escribiría tres famosos libros integrantes de la
biblia: "El Cantar de los cantares", "Los Proverbios" y "El Eclessiastes".
Jeroboam (931 a.c.)
Muerto Salomón, debió sucederle su hijo Roboam, pero diez de las doce tribus eligieron a Jeroboam quien fundo
el reino de Israel. En cambio, las dos restantes, las tribus de Benjamín y de Juda, formaron el reino de Juda. Este
cisma o separación fue solamente de carácter político más no religioso, puesto que ambos reinos seguían lo
impuesto por Jehová o Yahveh.
Aportes de la cultura hebrea
La religión monoteísta (creencia en un solo Dios: Yahveh o Jehová): El pueblo hebreo tuvo la convicción de creer
en un solo dios universal, Jehová, creador de todas las cosas. Esto fue producto de una larga evolución religiosa,
cristalizada por Moisés, quien impulso vigorosamente el monoteísmo durante los 40 años de vida errante a través
del desierto, luego del éxodo.
Religión de los Hebreos
-El Decálogo: comprende los diez Mandamientos que dicto Jehová a Moisés en el monte Sinaí. -Festividades
religiosas:
Fiesta de Pascua: Recuerdo de la huida de Egipto
Fiesta de Pentecostés: Recuerdo de la recepción de los mandamientos de la Ley de Dios
Fiestas de los tabernáculos: Recuerdo de la vida nómade en el desierto
-Los Profetas: Fueron hombres independientes por su origen de la casta sacerdotal; criticaron públicamente los
actos que juzgaban contrarios a las creencias hebreas. Actuaron entre la época del Cisma y el cautiverio en
Babilonia. Los más destacados fueron: Amós, Jeremías, Isaías, Ezequiel, etc.
La Biblia
(1657 a.c.): comprende dos partes:
Antiguo Testamento
Trata la historia, costumbres y tradiciones hebreas.
I. Comprende al Pentateuco, cinco primeros libros de la Biblia:
Génesis (comprende la creación del mundo, el gran diluvio y el periodo de los patriarcas)
Éxodo (Moisés y la recepción de los diez mandamientos)
Levítico (culto, derecho civil y penal de los hebreos)
Números (marcha de los hebreos desde el Sinaí al Jordan)
Deuteronomio (Segunda Ley: discursos de Moisés "Ley mosaica").
II. Los profetas: Es la segunda parte del antiguo Testamento, formado por 21 libros que relatan minuciosamente
las predicciones de los profetas
III. Los hagiógrafos: Es la tercera parte del antiguo Testamento, integrado por quince libros de carácter religioso,
moral y poético.
IV. El Talmud: Es el libro escrito por los judíos, varios siglos después del cautiverio, para afirmar y conservar
sus creencias, amenazadas por el contacto con los extranjeros. Escrito por los judíos en el siglo III d.c. que vivían
dispersos por todas las ciudades del imperio romano: para conservar las creencias, los rabinos escogieron las
doctrinas tradicionales. El Talmud comprende:
a. Mischina (gran recopilación escrita de la tradición oral judía)
b. Guemara (complemento y conclusión de la primera)
El antiguo testamento también abarca libros históricos, proféticos y sapienciales. En total son 21 libros de
escritores sagrados, de diverso valor y de índole filosófico literario.
Nuevo Testamento
27 libros, trata de la vida de Jesús, hechos de los apóstoles, etc, consta de:
Los Cuatro Evangelios (San Marcos, San Lucas, San Mateo y San Juan)
Hechos de los apóstoles
Epístolas de San Pablo y San Pedro
Apocalipsis de San Juan
Dispersión del Pueblo judío
Sectas
La destrucción del reino de los judíos en el siglo VI a.c. genero distintas sectas. Así tenemos:
Saduceos.- Partidarios de las costumbres romanas: Clase adinerada que negaban la inmortalidad del alma.
Fariseos.- de cierto espíritu nacionalista esperanzados en el Mesías y se consideraban únicos interpretes de la ley.
Esenios.- Formaban pequeñas comunidades, donde reinaba una moral severa y se aplicaba, al pie de la letra, los
principios de Moisés.
Celotes.- Se oponían a la conquista de palestina por los romanos. Preconizaban la violencia y el exterminio de los
invasores.
Diáspora
En el año 70 d.c. el emperador romano Tito, se apodero de Jerusalén: muchos judíos fueron vendidos como
esclavos y los restantes expulsados de su país, dispersándose por todas las regiones del imperio romano
(Diáspora)
Estado de Israel
En la actualidad, el pueblo judío, después de haber sufrido diferentes dominaciones, se encuentra establecido en
parte del territorio de Palestina, como resultado del esfuerzo realizado los Sionistas, para obtener un territorio.
Surgió después de la Segunda Mundial, en 1948, como Estado de Israel, con su capital en Jerusalén, contando con
la oposición de los estados árabes vecinos. Desde entonces ha tenido una serie de enfrentamientos bélicos, con sus
vecinos, los árabes, como las de 1949, de 1956, de 1973 y, en la actualidad, se encuentra en conflicto con los
palestinos que reclaman su territorio, a pesar de esto, Israel ha alcanzado apreciable desarrollo en lo político,
social y económico.

CULTURA HEBREA
La Cultura Hebrea: Localización y límites, historia hebrea: períodos, economía,
sociedad. Religión hebrea antigua: El decálogo, festividades, los profetas, la biblia.
Decadencia hebrea.
» Ver: Historia Universal | Cuadro Cronológico
1. Datos generales
Cultura Hebrea:
A. Datos generales:
✍ Localización: País de Canaán, llamado también Palestina, situado en Asia menor, al sur de Siria y Fenicia.
✍ Extensión territorial: 25000 km².
✍ Regiones: Galilea (norte), Samaria (Centro), Judea (sur).
✍ Principal río: Jordán recorre el territorio de Norte a Sur (desemboca en el Mar Muerto).
✍ Patriarcas: Abraham, Jacob, Moisés (II mileno a.C)
✍ Periodos históricos: Patriarcas, Jueces, Reyes, Cisma (División), invasiones.
✍ Religión: Monoteista y espiritualista.
B. Límites geográficos:
✍ Norte: Montañas del Líbano.
✍ Sur: Desierto de Sinaí.
✍ Este: Río Jordán.
✍ Oeste: Mar Mediterráneo.
2. Períodos Históricos
Periodos históricos de la antigua civilizacion hebrea:
A. Patriarcas:
✍ Vida errante o nómada (2000-1200 a. C.).
✍ Recorrían los desiertos guiados por sus jefes.
✍ Dirigidos por los patriarcas (jefes).
✍ Funciones del patriarca: jefe de la tribu, padre, sacerdote y juez.
✍ Principales patriarcas: Abraham, Isaac, Jacob, Moisés, Josué.
PATRIARCAS HEBREOS
PATRIARCAS HECHOS HISTÓTICOS
ABRAHAM Condujo a los hebreos de Caldea a Palestina (Canaán).
ISAAC Hijo de Abraham.
Su gobierno fue tranquilo y próspero.
Tuvo hijos gemelos Jacob y Essaú.
JACOB Llamado también Israel, "El que combate por Dios".
El pueblo hebreo se asentó en el delta del Nilo.
MOISÉS Convenció a los hebreos de la necesidad de huir de Egipto
(Éxodo)
Permaneció con su pueblo cuarenta años en el desierto.
Recibió de Dios las Tablas de la Ley.
  Finalmente el pueblo hebreo llegó a la "tierra prometida".
JOSUÉ Tiene diverso valor e índole filosófico y literario.
❋ Tabla N° 1: Patriarcas Hebreos / Elaborada por Carpetapedagogica.com
B. Jueces:
✍ Afianzamiento Nacional (1200-1075 a. C.).
✍ Termina la vida nómade y se establecen definitivamente en Palestina. 
✍ Los jueces asumen la jefatura de las tribus. 
✍ Destacan: Gedeón, Sansón, Jefté, Samuel, etc.
✍ Gedeón: Venció a las tribus madianitas.
✍ Jefte: Venció a las tribus amonitas.
✍ Débora: Venció a las tribus cananeas.
✍ Sansón: Luchó contra los filisteos.
✍ Samuel: Último juez. Unificó las doce tribus, formó un solo estado; ungió a los dos primeros reyes.
C. Reyes:
✍ Monarquía (1075-930 a. C.).
✍ Los hebreos divididos en doce tribus se agruparon en un solo Estado bajo la autoridad de un rey, Saúl fue primer rey
hebreo, luego David y Salomón.
✍ Saúl: Primer rey; desobedeció a Dios. Envió a David a pelear con Goliat.
✍ David: Creador del Estado Hebreo; venció definitivamente a los filisteos, fundó Jerusalén y escribió los «Salmos».
✍ Salomón: Hijo de David. Construyó el templo de Jehová en Jerusalén. Se le atribuye el «Cantar de los cantares»,
«Eclesiastés» y «Proverbios». A su muerte el reino se fraccionó.
D. Cisma:
✍ Tras la muerte de Salomón, la rivalidad tribal entre Israel y Judá provocó la rápida división o cisma del reino hebreo. 
✍ Israel y su capital Samaria, dirigido por Jeroboam (diez tribus del norte).
✍ Judá y su capital Jerusalén, dirigido por Roboam (dos tribus del sur).
E. Invasiones:
Israel fue conquistado por los asirios (Toma de Samaria 722 a. C.).
Nabucodonosor II se apoderó de Jerusalén en el año 586 a. C.
Nabucodonosor II llevó a los israelitas cautivos a Babilonia.
Luego Israel fue conquistada, sucesivamente, por persas, griegos y romanos.
La conquista de Babilonia por los persas permitió a los judíos volver a sus tierras.
Durante este periodo los profetas anunciaron la llegada de un libertador: el Mesías.

3. Economía Hebrea
Actividades económicas de la Cultura Hebrea:
✍ Actividad económica más importante: el comercio, debido a que Palestina era tierra puente: lugar de tránsito de
mercaderes entre Mesopotamia y Egipto. 
✍ Otras actividades económicas: La agricultura y a la ganadería. 
✍ Cultivos: El olivo y la vid, legumbres: habas y lentejas. 
✍ Ganadería: Pastoreo de ovejas, asnos, bueyes, cabras, caballos y camellos.
✍ Exportaciones: Aceite y vino.
✍ Importaciones: Metales, por ejemplo:
→ El cobre de Chipre.
→ El hierro de Anatolia.
→ El oro de Arabia. 
→ Marfil y especias.
4. Sociedad Hebrea
Sociedad de la Cultura Hebrea:
✍ La sociedad israelita íntimamente relacionada con su religión. 
✍ Núcleo de la sociedad hebrea era la familia (carácter patriarcal).
✍ Máxima autoridad familiar: El padre.
✍ Clase oprimida: Los esclavos, obtenidos por compra o por ser prisioneros de guerra.
5. Religión Hebrea
Religión de la Cultura Hebrea:
A. Características
✍ Monoteísta: un solo dios, Jehová o Yahvé.
✍ Espiritualista: no lo concibieron bajo forma alguna, espíritu invisible.
✍ Dualidad religiosa: Concibieron la existencia del bien y del mal, como sistemas antagónicos y eternos.
B. El Decálogo Hebreo:
✍ “Las tablas de la ley de Dios”. 
✍ Diez mandamientos que dictó Jehová a Moisés en el Monte Sinaí.
✍ Destinados a regir la vida de los pueblos hebreos y más adelante de todos los hombres de creencia cristiana.
C. Festividades religiosas:
✍ Fiesta de Pascua: Recuerdo de la huida de Egipto.
✍ Fiesta de los tabernáculos: Recuerdo de la vida nómade en el desierto.
✍ Fiesta de Pentecostés: Recuerdo de la recepción de los mandamientos de la ley en el Monte Sinaí.
D. Los Profetas:
✍ Fueron hombres independientes, por su origen, de la casta sacerdotal.
✍ Criticaron públicamente los actos que juzgaban contrarios a las creencias hebreas.
✍ Actuaron entre la época del cisma y el cautiverio en Babilonia.
✍ Protestas más destacados fueron Amós, Jeremías, Ezequiel, Daniel, Baruch, etc.
E. La Biblia: 
✍ Cronología: 621 a. C.
✍ Libro sagrado, divino y humano. 
✍ Fuente de carácter histórico, literario, código religioso político y penal. 
✍ Depósito de valores morales y espirituales.
F. Partes de la Biblia:
Comprende dos partes: Antiguo testamento y nuevo testamento.
F.1. Antiguo testamento:
✍ Trata de la historia, costumbres y creencias hebreas. 
✍ Se divide en tres partes: Pentateuco, profetas, hagiógrafos.
ANTIGUO TESTAMENTO
 PARTES CARACTERÍSTICAS
PENTATEUCO Génesis: Creación, diluvio y los Patriarcas.
Éxodo: Moisés y la recepción de la ley.
Levítico: Culto, derecho civil y penal.
Números: Marcha de los hebreos desde el Sinaí al
Jordán.
Deuteronomio: Segunda ley: discursos de Moisés.
PROFESTAS 21 libros.
  15 libros de escritores sagrados.
HAGIÓGRAFO Tiene diverso valor e índole filosófico y literario.
S
❋ Tabla N° 2: Antiguo Testamento / Elaborada por Carpetapedagogica.com
F.2. Nuevo testamento:
✍ Trata de la vida de Jesús, hechos de los apóstoles, etc.
NUEVO TESTAMENTO

N° LIBROS

1. Los cuatro evangelios: San Marcos, San Lucas, San Mateo y San Juan.

2. Hechos de los apóstoles.

3. Epístolas de San Pablo y San Pedro.

4. Apocalipsis de San Juan.

❋ Tabla N° 3: Nuevo Testamento / Elaborada por Carpetapedagogica.com

G. El Talmud: (S. III d.C.)

✍ Escrito por los judíos que vivían dispersos por todas las ciudades del Imperio Romano. 
✍ Finalidad: conservar las creencias, los rabinos recogieron las doctrinas tradicionales. 
✍ Contenido del Talmud:
→ Mischna: Repetición o Segunda ley. 
→ Guemara: Complemento, conclusión.
H. Torah
✍ Se compone de los cinco libros del Pentateuco. 
✍ No es una doctrina sino una ley de vida.
6. Decadencia Hebrea
Decadencia de la Cultua Hebrea:
✍ Se generaron distintas sectas.
✍ Dispersión del pueblo judío (diáspora).
✍ Destrucción del reino de los judíos.
A. Sectas: siglo VI a.C.
✍ Saduceos: Partidarios de las costumbres romanas. Clase adinerada que negaba la inmortalidad del alma.
✍ Fariseos: De espíritu nacionalista. Esperanzados en el Mesías, se consideraban únicos intérpretes de la ley.
✍ Esenios: Formaron pequeñas comunidades, reinaba una moral severa y se aplicaba, al pie de la letra, los principios de
Moisés.
✍ Celotes: Se oponían a la conquista de Palestina por los romanos. Preconizaban la violencia y el exterminio de los
invasores.
B. Diáspora: 70 d.C.
✍ Al volver a Palestina, los hebreos volvieron a ser sometidos: tras los persas llegaron los griegos y finalmente los romanos.
✍ En el año 70 d.C. Los hebreos se rebelaron en contra de sus opresores romanos.
✍ En respuesta a la rebelión hebrea, Roma comenzó la gran diáspora o dispersión.
✍ Gobernador de la región Tito (futuro Emperador romano) se apoderó de Jerusalén.
✍ Emperador Tito destruyó Jerusalén y expulsó a los judíos.
✍ Muchos judíos fueron vendidos como esclavos. 
✍ Otros judíos fueron expulsados de su país.
✍ Judíos se dispersaron por todas las regiones del Imperio (diáspora).
✍ La diáspora fue anunciada previamente en el libro sagrado de: Deuteronomio.
✍ Deuteronomio 4,27: “Yahvé os dispersará por todos los pueblos y quedaréis pocos en número entre las gentes”.
❋ Cíta: Carpetapedagogica.com (2019). "Cultura Hebrea".

LA CULTURA HEBREA
Ubicación Geográfica.- Los hebreos se desarrollaron en la región de Palestina, que se encuentra ubicado en la parte central
occidental de Asia Menor, frente a las costas del Mediterráneo. Tiene los siguientes límites:
  Por el norte con Siria.
  Por el sur con la península de Sinaí.
  Por el este con el mar Muerto y el rio Jordán.
  Por el oeste con el mar Mediterráneo.
Recibe este territorio el nombre de “Tierra Prometida” o “País de Canaán”.
El territorio presenta algunas llanuras y pequeñas elevaciones. El clima es cálido y seco, mientras que el rio Jordán atraviesa la
región de norte a sur, y desemboca en el mar Muerto a 400 m bajo el nivel del mar. Este lago debe su nombre a las grandes
cantidades de sales que contienen sus aguas y que no permiten el desarrollo de alguna forma de vida animal o vegetal. En las áreas
fértiles, se practica la agricultura con productos como el trigo, el olivo, la vid; el ganado caprino y el ovino.
Antiguamente, el territorio presentaba tres regiones: Galilea, con su capital Nazaret; Samaria, con su capital del mismo nombre;
y Judea, cuyo capital era Jerusalén.

PERIODOS Y ORGANIZACIÓN POLÍTICA.

1.   PERIODO DE LOS PATRIARCAS (2000-1000 a.n.e.). También llamado de peregrinación por el desierto. Gobiernan los
ancianos, pues la sabiduría estaba  dada por la experiencia. Entre ellos tenemos a:
  Abraham
  Moisés
  Jacob
2.   PERIODO DE LOS JUECES. También llamado del “afianzamiento nacional”. Los hebreos se constituyen como nación por
primera vez. El nombre de Jueces se les da a los gobernantes siguientes:
  Jefte
  Gedeón
  Sansón
  Samuel
3.   PERIODO DE LOS REYES (1030-931 a.n.e.). También llamado “periodo del apogeo” o de los monarcas. Entre ellos tenemos:
  Saúl
  David
  Salomón
ORGANIZACIÓN ECONÓMICA.
Los hebreos se dedicaron a:
1.   La Ganadería: crearon el ganado caprino y ovino, bueyes, caballos y camellos, obteniendo leche, queso y lana.
2.   La Agricultura: cultivaron trigo, olivo, vid, frutales, que les garantizaban alimentos. También obtuvieron legumbres y lentejas.
3.   Al Comercio: era otra salida. Entre la ciudad de Ur (cerca al golfo Pérsico) y la de Harán (cerca de las nacientes del Éufrates y
de los montes Armenia) existía un flujo comercial intenso de caravanas que los hebreos no desaprovecharon. Exportaban aceite y
vino e importaban metales (cobre de Chipre, hierro de Australia, oro de Arabia), marfil y espacias.
ORGANIZACIÓN SOCIAL.
Inspirados en sus concepciones religiosas, en que predicaban igualdad y justicia; podríamos decir, que en la Cultura Hebrea no
existieron las profundas diferencias sociales.
Estas tribus errantes crearon la idea de un dios único y se autoconsideraron el pueblo “elegido por dios”, como una manera de
mantener su unidad y lograr fuerza nacional.

RELIGION.
La religión de los hebreos constituye el mayor legado para los pueblos del mundo occidental. Tuvo las siguientes características:
a)   Monoteísta: porque crían en un solo dios, creador del universo, del hombre y de todo lo existente.
b)   Espiritualista: concebían a su dios un espíritu invisible, sin representaciones físicas (estatuas), al que se llegaba por medio de
oraciones y cumpliendo los diez mandamientos.
c)   Moralista: porque tuvo exigencias de prácticas morales como el bien, lo noble, lo justo, contra las costumbres bárbaras e
inhumanas.

ASPECTOS CULTURALES.
El valioso aporte de los hebreos a la cultura humana es la religión de carácter monoteístapor cuanto tienen la creencia en un solo
Dios, que es Jehová, el cual espiritualmente está en todas partes y no se le puede representar con imágenes.
Esta religión está normalizada por el decálogo de los Diez Mandamientos que le fueron entregados a Moisés en el monte Sinaí.

Un documento importante para el pueblo hebreo y la humanidad es la Biblia, a la que se le considera como fuente de eterna moral y
que vincula al hombre con Dios, consta del Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento y se constituye, además, una fuente para el
estudio de la Historia.

RESUMEN EN MAPA MENTAL.

CIVILIZACIÓN HEBREA
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Descendientes de personajes como Abraham, Isaac y Jacob, los hebreos eran una sociedad
monoteísta, cuya principal referencia se halla en la Biblia, siendo antepasados de los israelitas y los judíos.
UBICACIÓN Y MAPA DE LA CIVILIZACIÓN HEBREA
La civilización hebrea se ubicaba en la zona de Mesopotamia en el tiempo que siguió al diluvio. La
conformación de la nación hebrea tuvo lugar unos 2000 años antes de la era común, posiblemente  alrededor
de 1800 A.C.

Mapa de la Civilización Hebrea

ORGANIZACIÓN POLÍTICA DE LOS HEBREOS
Los hebreos estaban distribuidos en doce tribus. Los nombres de estas tenían origen de diez hijos de Jacob
y dos de José. Los nombres de los hijos (y por ende de las tribus) eran:
Rubén
Simeón
Levi
Judá
Dan
Manasés
Gad
Aser
Isacar
Zabulón
Benjamín
Efraín
Estas tribus no formaban un estado en sí pero si se presentaban situaciones que los ponían peligro, los
comandaba un Juez que jugaba el papel de caudillo del pueblo. Luego de mucho tiempo se conformó el
reino unido de Israel, del cual fueron reyes personajes como Saúl, David y Salomón (en ese órden).
Luego de morir Salomón, hubo una fuerte rivalidad entre las tribus del reino lo que produjo a la división del
reino en dos facciones: El reino de diez tribus de Israel y el reino de dos tribus de Judá. Esta división conllevó
a un deterioro de los aspectos políticos, religiosos y económicos del pueblo hebreo.
ORGANIZACIÓN SOCIAL DE LOS HEBREOS
Los hebreos eran nómadas, vivían en tiendas de campaña transportables lo que les facilitaba ir de un lugar a
otro. Eran pastores de rebaños de ovejas y cabras, lo cual no es problema para su estilo de vida ambulatorio.
El foco de la sociedad hebrea es el grupo familiar, el cual es de naturaleza patriarcal. En esta sociedad el
padre adopta la figura de máxima autoridad, dirigía la guerra, administraba la justicia cuando era necesario y
mandaba durante los ritos religiosos.
Durante esta época de la humanidad, existían los esclavos los cuales se conseguían por medio de la compra o
porque era prisioneros de guerra y se les condenaba a servir.
El primer patriarca del que se tiene registro fue Abraham, quien dejó su ciudad natal para asentarse en la
tierra de Canaán. Una vez allí, los hebreos vivían en casas de piedra más cómodas que las tiendas a las que
estaban acostumbrados, y comenzaron a formar una civilización como hoy en día la conocemos.
Lectura recomendada: El Faro de Alejandría
RELIGIÓN DE LOS HEBREOS
Los hebreos eran completamente monoteísta. Creian en un Dios que les exigía exclusividad, y aunque
estaban rodeados por naciones politeístas, idólatras y fetichistas, rechazaban por completo estas prácticas,
pues entendían que aceptarlo los llevaría a la desaprobación de Dios y su eventual destrucción.
El nombre de Dios es expresado a través de cuatro letras o tetragrámaton sin vocales YHWH y que ha sido
transliterado de distintas maneras en el mundo actual. En español las pronunciaciones más aceptadas son
Yahvé o Jehová.
Dios no tiene forma humana ni tampoco es la naturaleza, sino el creador, posee atributos como el amor,
poder, justicia, sabiduría. Los hebreos no representan a Dios en términos visuales, hacerlo implicaba caer en
la idolatría. Adicionalmente hay tres elementos en la religión hebrea:
Existe un conjunto de leyes conocido como los diez mandamientos o preceptos que le dictó Dios a Moisés
en el Monte Sinaí, también se le conoce como decálogo.
Jueces a manera de profetas: Estos hombres independientes eran los que estaban a cargo de juzgar toda
conducta que iba en contra de las creencias que seguía el pueblo hebreo.
Las celebraciones religiosas: La más importante era la Pascua, pues conmemoraba el éxodo de los hebreos
de Egipto. Seguida en orden de importancia por el Pentecostés, el cual celebraba el momento en el que
Moisés había recibido la Ley de Dios. Y además, la fiesta de los tabernáculos, que les servía como
recordatorio del tiempo que vagaron por el desierto.
ECONOMÍA DE LOS HEBREOS
Luego de establecerse en la región de Canaán, los hebreos se dedicaron a la agricultura y la ganadería,
tenían rebaños de ovejas y cabras a los cuales pastoreaban con la ayuda de caballos, camellos y bueyes.
Cultivaban vides y olivares, así como también obtenían de la tierra legumbres y lentejas.
La faceta más importante de su economía fue el comercio, pues se hallaban entre Mesopotamia y Egipto,
el cual era un paso obligado de los mercaderes que transitaban por esa zona, lo que les permitía exportar
vinos y aceites e importar metales preciosos, marfil y especias exóticas, que ellos no conseguían donde
vivían.
Por otro lado, se dedicaron a la confección de tejidos a base de lana y lino, obtenidos obviamente de su
ganado ovino y de la cosecha de sus tierras.
PERSONAS DESTACADAS DE LOS HEBREOS
Abrahám: Fue el primero de los patriarcas. Era natural de la ciudad caldea de Ur. Comenzó su peregrinación
en el desierto hacia la tierra de Canaán, donde iba a vivir los restantes cien años de su existencia en tiendas de
campaña como nómada. Llego a ser un hombre muy rico, con extensos rebaños y vacadas, y una casa grande
que contaba con centenares de esclavos. Los hijos que tuvo con Sara y su sierva Agar, a saber Isaac e Ismael
respectivamente, son el comienzo de conflictos del Medio Oriente, cada uno dio origen a los judíos y a los
árabes.
Jacob: Era el Hijo gemelo menor de Isaac y Rebeca. Tuvo doce hijos, diez de los cuales le dieron nombre a
las doce tribus de Israel. Se le llamó también Israel.
Moisés: Llevó a cabo la liberación del pueblo del yugo que tenía la potencia egipcia sobre los hebreos.
Recibió las diez leyes o Diez Mandamientos en el Monte Sinaí.
Saúl: Fue el primer rey de Israel, de hecho, su gobernación fue una petición del mismo pueblo. Procedía de
una familia próspera. Se le conocía por su gran fuerza física y agilidad. Fue un brillante militar que peleó en
contra de los filisteos. Su gobierno data del 1117 a.c.
David: Subió al trono en el año 1077 a.c. Fue un valeroso luchador en el campo de batalla que venció al
gigante Goliat. Era un dirigente y comandante audaz, no se dejó amedrentar, era humilde y supo reconocer
sus faltas. Construyó la capital del reino de Israel que era Jerusalén.
Salomón: Hijo del rey David, se caracterizó por su actuar sabio. Durante su gobernación hubo prosperidad y
muy buena economía. Construyó el Gran Templo de Jerusalén. En su reinado no hubo guerras sino paz.
Escribió tres de los libros que se encuentran en la Biblia: El Cantar de los Cantares, Los Proverbios y
Eclesiastés.
Conoce más sobre la civilización egipcia aquí.
MÚSICA DE LOS HEBREOS
Los hebreos tuvieron un sistema musical propio tradicional. Recibieron además la influencia de reyes
persas y de los fenicios.
La música en forma de alabanza jugó un papel importante en el culto que el pueblo hebreo le daba a Dios.
David, en su faceta de rey, organizó al grupo de los levitas y los sacerdotes para que ofrecieran
composiciones e instrumentos de música.
El sistema de organizacion del Rey David permaneció vigente aun en el templo construido por Salomón, su
hijo. Y en años posteriores, los sacerdotes y los levitas siguieron participando de esta manera en la adoración.
Muchas veces la música era en forma de coro y a veces en forma de música sin letra.
Los instrumentos musicales que el pueblo hebreo conocía y dominaban eran y estaban clasificados en:
Instrumentos de viento: Entre estos se encontraban la gaita, flauta, cuerno (shofar), caramillo, y la trompeta
o hasosra.
Instrumentos de percusión: Se tiene registro de címbalos, sistros y panderos.
Instrumentos de cuerda: Los más conocidos eran el arpa o kinnor, que era un arpa de forma triangular, laúd
y la cítara. Tras la conquista de Alejandro Magno en 322 a. E.C., la música hebrea siguió evolucionando. Fue
influenciada por el movimiento Helenístico que al combinarla con coros crearon una maravillosa fusión.
LITERATURA DE LOS HEBREOS
El punto focal de la literatura hebrea son las Sagradas Escrituras. En estas se narran una serie de
experiencias y hechos entre los hebreos y Dios. En la Biblia no solo se hallan relatos históricos; además se
busca la manera de dejar una enseñanza, un pensamiento sabio. Tal es el caso de los Salmos, que son
composiciones musicales que no solo se erigen en alabanza sino que también transmiten una moraleja. Los
géneros que se hallan en el Antiguo Testamento son:
Prosa: Narraciones históricas de hechos, profecías, consejos prácticos para actuar de manera sabia y estatutos
legales como la Ley de Moisés.
Poesía: Por medio de este se busca expresar sentimientos íntimos. Ejemplo de ellos son los libros de los
salmos, Job, El Cantar de los Cantares y Lamentaciones.
GRANDES APORTES DE LA CULTURA HEBREA
Se puede dividir en tres aspectos el aporte de la cultura Hebrea a la humanidad:
La primera fe monoteísta. A diferencia de sus coterráneos, los hebreos solo creían en un Dios.
Origen de 3 grandes religiones del mundo actual: Es la base del judaísmo, el cristianismo y el islamismo.
El nuevo y el viejo testamento: Puesto que los hebreos tenían prohibido hacer una representación visual de
Dios, se estimuló la producción literaria, lo que llevo a la escritura de la Biblia.