Manual Historia Del Arte y Diseño Contemporáneo

Historia del Arte y
Diseño
Contemporáneo
HISTORIA DEL ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO
Curso Historia del Arte y del Diseño

Contemporáneo (2323)
Formato Manual de curso
Autor Cibertec
Versión 2019
Páginas 294 p.
Elaborador Ortiz Elías, Julia Elena
Revisor Domenack Pérez, Jaime Raul
2
CARRERA DE DISEÑO GRÁFICO
ÍNDICE Página
Presentación 5
Red de contenido 6
UNIDAD 1: LA HISTORIA. EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD MEDIA Y EDAD MODERNA 7
Tema 1 : El Arte y el Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media 8
1.1. 1 Arte Rupestre. Diseño Antiguo: Egipto y Mesopotamia 8
1.1. 2 Arte Clásico: Grecia y Roma 21
1.1. 3 Arte Paleocristiano y Bizantino. 32
1.1. 4 Arte Románico y Gótico 38
Tema 2 : El Arte y el Diseño en la Edad Moderna 46
1.2.1 El Renacimiento. El apogeo del arte y diseño en el Renacimiento dentro y fuera de Italia: 46
Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Miguel Angel Buonarroti, Alberto Durero.
1.2.2 El manierismo. La Imprenta en el Renacimiento. 54
1.2.3 Arte Barroco: Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Georges de La Tour, Vermeer, Rubens, 58
Rembrandt.
1.2.4 Arte Rococó: Watteau y Fragonard. 62
UNIDAD 2: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA 65
Tema 3 : El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Primera mitad del siglo XIX) 66
1.3.1 Arte Neoclásico 66
1.3.2 El Romanticismo: Goya, Delacroix, Blake y Turner. Koening y la prensa a vapor. 71
1.3.3 El nacimiento de la fotografía: Un nuevo lenguaje en el Arte. 76
1.3.4 El nacimiento de la Ilustración: Thomas Nast, Charles Danna Gibson y Richard Outcault. 78
Tema 4 : El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Segunda mitad del siglo XIX y cambio de 83
siglo)
1.4.1 El Impresionismo: Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Dégas, Pierre-Auguste Renoir. 83
1.4.2 El Post Impresionismo: Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne y Toulouse Lautrec. 87
1.4.3 Arts and Krafts: Precursor: El Pre rafaelismo y Dante Gabriel Rosetti. Representantes: William 89
Morris, Phillip Webb.
1.4.4 Modernismo: Art Nouveau en diferentes países de Europa. Los pintores, cartelistas e 92
ilustradores y arquitectos más destacados. Toulouse Lautrec, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley,
Gustave Klimt, Charles Rennie Mackintosh y Antonio Gaudí.
1.4.5. El nacimiento del Cine: Los hermanos Lumiere y George Melies. El nacimiento de la Historieta. 98
UNIDAD 3: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LAS PRIMERAS VANGUARDIAS 103
Tema 5: El Arte y el Diseño en las Primeras Vanguardia. 103
1.5.1 Fauvismo y Cubismo: El aporte de Henry Matisse y de Pablo Picasso, Georges Braque y Juan 105
Gris. El desarrollo de la litografía y el grabado.
1.5.2 El Expresionismo alemán. 113
1.5.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera Guerra Mundial: Futurismo y 117
Dadaísmo, manifestaciones dadaístas: caligramas, readymades y collages
1.5.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la Revolución Rusa y las formas 126
geométricas fundamentales.
Tema 6: El Arte y el Diseño desde el Minimalismo al Surrealismo 131
1.6.1. De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg 132
1.6.2. Bauhaus: Inicios del geometrismo en el diseño gráfico e industrial. 133
1.6.3. Art Decó: Un arte decorativo de vanguardia. 138
1.6.4. Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel. 149
UNIDAD 4: EL ARTE Y EL DISEÑO DESDE LOS INICIOS DEL DISEÑO CORPORATIVO HASTA NUESTROS 158
DÍAS
Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño Corporativo 159
1.7.1 Nacimiento de la Identidad Corporativa. Movimiento Isotype. 159
1.7.2 El Auge del afichismo: Afichismo en la Edad de Oro del cine. Influencia del constructivismo para 163
el afichismo Entre – guerras. Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.
3
1.7.3 Nacimiento y Proliferación de Disney 171

1.7.4 La Segunda Guerra Mundial: Afichismo y Publicidad en la Segunda Guerra Mundial 176
y propuestas plásticas de la Pos Guerra 1945 – 1950 (Expresionismo abstracto: Jackson Pollock.
William de Kooning. Op Art. Geometría modular: Maurits Cornelis Escher)
Tema 8: Revalorización del Diseño Impreso y la Gestación del Postmodernidad 191
1.8.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y Conceptualización de la Imagen. 191
Escuela de Nueva York. Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo y los isotipos Olímpicos.
1.8.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Pop Art: David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein 215
y el nacimiento y apogeo del Anime japonés: Ozamu Tezuka, Hayao Miyasaki. Arte psicodélico:
Influencia del Art Nouveau y el misticismo Oriental,
1.8.3 Estética Punk en la Gráfica y el Grafitti de Basquiat y Banksy. 243
1.8.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de Jan Svankmajer y los nuevos soportes para el 258
diseño y la revolución digital.
Bibliografía 293
4
Presentación
El curso de Historia del Arte y Diseño pertenece a la línea de Fundamentos de la Forma, volumen,
color, espacio y cultura visual y se dicta en la carrera de Diseño Gráfico. Brinda al alumno una
visión panorámica básica de la historia del Arte y Diseño desde la edad antigua (Egipto, Grecia y
Roma) pasando por todas las etapas y profundizando en las más importantes hasta llegar al siglo
XXI.
El curso se desarrolla virtualmente con alta participación y análisis de casos visuales. Está
compuesto por unidades que permiten explorar la relación entre las distintas disciplinas en las que
el diseño ha incursionado durante toda la historia de la humanidad.
Las actividades sugeridas en estas unidades de aprendizaje son realizadas en clase a modo de
trabajos personales dedicando cada sesión al análisis y a dinámicas del tema tratado.
5
Red de contenidos
Redes Inteligentes
Unidad 1 Unidad 2 Unidad 3 Unidad 4
LA HISTORIA. EL ARTE Y EL EL ARTE Y EL EL ARTE Y EL

EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA DISEÑO EN DISEÑO EN
DISEÑO EN LA EDAD LAS PRIMERAS LOS INICIOS
EDAD MEDIA Y DEL DISEÑO
CONTEMPORÁNEA VANGUARDIAS CORPORATIVO
EDAD
MODERNA
6
UNIDAD
1
EL ARTE Y DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA,
EDAD MEDIA Y EDAD MODERNA.
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE
Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,

reconociendo e identificando las obras pertenecientes a la Edad Antigua, la Edad
Media y la Edad Moderna, siendo además capaz de comprender sus diferencias
conceptuales.
TEMA 1: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA, EDAD MEDIA
TEMARIO
1.1 Tema 1: El Arte y el Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media

1.1. 1 Arte Rupestre. Diseño Antiguo: Egipto y Mesopotamia
1.1. 2 Arte Clásico: Grecia y Roma
1.1. 3 Arte Bizantino.
1.1. 4 Arte Románico y Gótico
1.2 Tema 2: El Arte y el Diseño en la Edad Moderna

1.2.1 El Renacimiento. El apogeo del arte y diseño Renacentista dentro y fuera de Italia:
Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Miguel Angel Buonarroti, Alberto Durero.
1.2.2 El manierismo.
1.2.3 Arte Barroco: Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Georges de La Tour, Vermeer, Rubens,
Rembrandt.
1.2.4 Arte Rococó: Watteau y Fragonard.
ACTIVIDADES PROPUESTAS
 Analizamos la historia del Diseño a través recursos interactivos que nos ayuden
visualmente a analizar los temas a tratar.
7
1.1 El Arte y Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media
1.1.1 Arte Rupestre, Arte en el Antiguo Egipto y Mesopotamia
En términos generales se denomina Arte a la actividad o producto en los que el ser

humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de
diversos recursos; como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Se considera que
con la aparición del homo sapiens el arte tuvo en un principio una función ritual,
mágico-religiosa, pero esta función cambió a través del tiempo.
La noción de Arte hoy está sujeta a profundas polémicas. Esto debido a que el
significado de la palabra "arte" varía según la cultura, la época, el movimiento, o el
grupo de personas para las cuales el término es productor de sentido.
Las pinturas de las cuevas de Altamira, cerca de Santander, son las primeras que se
descubrieron durante la época moderna, en 1868. Al principio se creyó que se trataba
de una falsificación. Este gran bisonte se halla en el techo de un pasillo largo y estrecho
que lleva a una cueva subterránea en Altamira. No está solo, toda una manada surge
majestuosamente del techo, un animal tras otro -caballos, jabalíes y mamuts, entre
otros, todos ellos presas deseadas del cazador de la edad de piedra. A pesar de la
confusión, imponen una fuerte presencia animal.
Las cuevas son totalmente subterráneas y, por lo tanto, están en permanente oscuridad.
Los arqueólogos han descubierto que los artistas pintaban con la ayuda de pequeñas
lámparas de piedra llenas de grasa animal o tuétano. Los diseños iniciales se grababan
en la roca blanda, o bien se soplaban en la pared finas líneas de pintura con una caña
hueca.
8
Caballo. Cueva de “Lascaux” (Francia)
Para conseguir pinturas coloreadas, los artistas utilizaban el ocre, un mineral natural que
machacaban hasta convertirlo en polvo y con el que podían conseguir pigmentos rojos,
marrones y amarillos; el negro probablemente lo obtenían a partir de carbón
machacado. Los pigmentos en polvo se restregaban por la pared con las manos o se
mezclaban con alguna sustancia aglutinante, como por ejemplo la grasa animal; después
se aplicaban con cañas o con pinceles de cerda. Los medios eran simples; sin embargo,
el efecto es abrumador, especialmente en el sobrecogedor silencio de la cueva.
Se cree que estas pinturas tenían una profunda importancia para la sociedad
prehistórica. El bisonte casi parece vibrar con fuerza al mostrar su imponente pecho, su
compacta rabada y sus patas cortas y delgadas. Además, sacude un agresivo par de
cuernos. Es más que probable que nunca lleguemos a conocer el verdadero significado
de la pintura rupestre, pero casi seguro que tuvo una función ritual, incluso mágica.
Al parecer, el extraordinario naturalismo y la exactitud anatómica del retrato de

animales en estas pinturas tienen relación con el propósito que servían. Los artistas
también eran cazadores, y sus vidas dependían de los animales cuyas imágenes pintaban
en las cuevas. ¿Es posible que estos cazadores-artistas creyeran que al representar con
exactitud la fuerza, el poderío y la velocidad de los animales, adquirirían poderes
mágicos? Así serían capaces de controlar su espíritu y quitarles la fuerza antes de
cazarlos. Muchas de estas pinturas muestran a los animales heridos atravesados con
flechas y lanzas.
En cuanto a su forma de vestir, imagínense a un Neandertal cubierto con pieles. De

acuerdo con los arqueólogos y antropólogos, los signos de vestimenta más antiguos
probablemente consistieron en pieles, cueros, hojas o pasturas, envueltas o atadas
alrededor del cuerpo como protección de los elementos de la naturaleza. El
conocimiento sobre estas ropas queda en la deducción, ya que los materiales
mencionados se deterioran rápidamente comparados con piedras, huesos, caparazones
y artefactos metálicos. Los arqueólogos han identificado agujas de coser muy antiguas
cerca de Kostenki, Rusia en 1988, de aproximadamente 30.000 años de antigüedad, A.C.
9
Familia de neandertales.
Hombre con piedras las cuales usará como herramientas.
Diseño de herramientas
10
Arte y diseño antiguo: Egipto y Mesopotamia.
Arte Egipcio: Diseño e imagen
Pintura: La mayoría de las pinturas murales egipcias se crearon con la técnica de fresco.
Según este método, la pintura al “temple” se aplicaba sobre yeso que previamente se
había dejado secar, a diferencia del “fresco”, en el que la pintura se aplica sobre yeso
húmedo. En la pintura, las típicas figuras de perfil con los brazos y el cuerpo de frente de
los murales egipcios, son producto de la utilización de la perspectiva aspectiva. Los
egipcios no representaron las partes del cuerpo humano según su ubicación real sino
teniendo en cuenta la posición desde la que mejor se observara cada una de las partes:
la nariz y el tocado de perfil, que es como más resaltan; y ojos, brazos y tronco, de
frente. Esta práctica se mantuvo hasta mediados del Imperio Nuevo, luego se prefirió la
representación frontal.
Escena de pesca
Los jeroglíficos se desarrollaron a partir del año 3.300 a.c. sobre papel fabricado a base a
la planta del papiro. Estrechamente ligada con la pintura, ya que los murales y las
pirámides estaban siempre acompañadas de textos y fórmulas mágicas dirigidas a las
divinidades y a los difuntos.
Escultura: La escultura egipcia fue realizada en base en creencias en seres espirituales,

es decir, fue animista. Eternizaba al hombre después de la muerte. En el Imperio
Antiguo, se exagera el naturalismo por los escultores. La representación de un noble o
un faraón y su reemplazante física del muerto, su doble, en caso de descomposición del
cuerpo momificado.
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Tutankamón y Nefertiti (Ambos del Imperio Nuevo)
Los egipcios no sólo decoraban las tumbas, también pintaban las esculturas. Se cree que
el busto de Nefertiti (arriba), una preciosa escultura de piedra caliza pintada de la
esposa del faraón Akenatón, era una prueba porque fue encontrada entre las ruinas del
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estudio del escultor Thutmosis. Es tan espectacular como un rostro de Botticelli, con el
mismo anhelo exquisito y conmovedor. Muestra una relajación de las rígidas
convenciones que imperaron en el arte egipcio de la primera etapa (y de etapas
posteriores), ya que Akenatón rompió con el estilo tradicional. Durante su reinado, la
pintura, la talla y la escultura fueron muy elegantes y originales. A diferencia del arte
mesopotámico que destacó en la pintura, pero como decoración de exteriores de sus
inmensas estructuras.
Arriba, retazo de pared egipcia. Abajo: figura de Faraón y de pareja egipcia.
13
Esfinge egipcia.
Arquitectura y Diseño de Interiores
Características generales:
 Empleo de la piedra labrada en sillares, perfectamente aparejados, unidos sin

argamasa.
 Muros extraordinariamente gruesos y en talud.
 Muros con pilastras adosadas como elemento decorativo ya que ofrecen
contrastes de luces y sombras.
 Arquitectura que establece una perfecta articulación entre los soportes
verticales y las cubiertas planas adinteladas.
 Predominio de los volúmenes geométricos.
 Edificios de gran tamaño, generalmente desproporcionados con su función.
 Columna: además de ser elemento sustentante juega un importante papel
decorativo. Inspirada en la vegetación de la región, se distinguen por la forma de
su capitel.
Monumento egipcio en el Metropolitan Museum de Nueva York.
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Pirámides de Egipto.
La Esfinge de Egipto, El Cairo.
Diseño textil e indumentaria
La Indumentaria en Egipto era una consecuencia directa del clima: cálido y seco, y de la
forma de vida, al aire libre.
Aunque al principio se usaba el algodón se impuso el posterior uso exclusivo del lino por
la creencia de que era más puro, y se cultivaba para fines textiles en exclusiva. El color
preferido era el blanco, aunque podía llevar algunos dibujos en los bordes. La lana era
conocida, pero fue considerada impura, ya que todas las fibras animales eran objeto de
tabú. A partir de la conquista de Alejandro Magno, comenzó a emplearse la lana en las
prendas de carácter cotidiano y continuando prohibidas en los templos y santuarios,
dónde los sacerdotes debían usar ropas de lino de color blanco.
En la vida cotidiana el hombre común iba descalzo y solo en alguna ocasión especial
usaba sandalias: cuando tenía que ir a algún sitio llevaba sus sandalias en la mano o las
ataba al extremo de un bastón para calzarse al llegar al destino.
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El uso de maquillaje siempre estuvo bien considerado, incluso tenían un mito explicando
esta costumbre: Cuando Horus peleó contra su tío Seth perdió un ojo, por lo que
inventó el maquillaje para restablecer la perfección de su belleza: el uso de productos
cosméticos para reparar los desperfectos del tiempo o maquillar los accidentes de la
vida son por lo tanto legítimos.
Arte en Mesopotamia
Estandarte de Ur, Arte Sumerio.
Mesopotamia fue una zona muy conflictiva política, social y artísticamente, sus culturas
florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Eufrates en el Oriente Medio, y su historia es
paralela a la del antiguo Egipto, comenzando en torno al año 3000 a.C.
Mesopotamia es una tierra que ha dejado un gran legado histórico, casi tan grande
como el de Egipto, a diferencia que en ella se han sucedido diversas civilizaciones.
Geográficamente ocupaba lo que ahora es Siria, Palestina, Irán, Iraq y Arabia Saudita. Al
sur limitaba con el golfo pérsico y al norte con el macizo de Armenia. Está rodeada por el
desierto. Esta es conocida por ser una zona de “paso”, lo que provocó su diversidad y
también hizo que su cultura se transmitiese al resto del mundo. La Biblia situa en esta
zona el comienzo de la historia, la palabra Paraiso es un vocablo persa.
Como se mencionó antes, Mesopotamia fue la cuna de varias culturas. Los Sumerios la
poblaron entre el 3000 y 2350 antes de Cristo. Se asentaron en la parte baja,
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organizaron un sistema de canalizaciones y fundaron las primeras ciudades. Fue un

pueblo pacífico que vivía de la agricultura, su capital fue Ur. Fueron ellos los iniciadores
del Arte Mesopotámico. Le siguieron los Acadios, que sometieron a los anteriores, luego
vendría el primer Imperio Babilónico, Los Hititas, el segundo imperio babilónico,
imponente, invencible que se adueña de todo, pero en constantes golpes de Estado.
Estatua orante de un sacerdote sumerio. Escritura cuneiforme, el primer tipo de escritura conocido.
Cacería de Asurnasirpal. Nínive. Periodo Asirio.
Estado. La religión en Mesopotamia domina todo y permanece más o menos inalterable

hasta la llegada de los musulmanes. Está basada en un principio de fuerzas de la
naturaleza que se identifican con los dioses. Estos dioses adquieren forma humana. La
magia y la astrología tuvieron gran importancia en el mundo mesopotámico. Las
ciudades están aglomeradas en ciudades estado que son autónomas e independientes.
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Altos relieves y esculturas Babilónicos.
Lilith. Babilonia.
León decorativo.
18
Piedra de Hammurabi: Otra de las piezas importantes de la cultura Babilónica es la

estela de piedra con las leyes de Hammurabi, en este inmenso monolito de piedra se
puede apreciar como Shamash (Dios de la justicia) sentado en un trono que simula ser
una puerta, (la puerta que nos lleva a la verdad) entrega las leyes al rey Hammurabi que
se encuentra de pie. El Dios así mismo tiene los pies apoyados sobre una tarima con
decoración de escamas superpuestas que representan a las montañas, lo que simboliza
que la justicia está por encima de todo.
Estela con las leyes de Hammurabi.
Dentro de la arquitectura Mesopotámica se desarrollaron ciertos monumentos, que

fueron el templo, el palacio, la muralla y la tumba. Dentro de la escultura se
desarrollaron tanto las estatuas como el bajo relieve. Y dentro de la pintura y relieve se
puede decir que las obras eran cromáticamente pobres y la temática se basaba en
escenas de guerra y de sacrificios rituales con mucho realismo.
Columnas de entrada Babilónica.
19
Arquitectura babilónica.
Ciudad Sumeria.
Simulación de lo que pudo haber sido “los jardines colgantes de Babilonia” construidos por el rey Nabucodonosor II como un regalo
a su esposa y considerado como una de las 7 maravillas del mundo antiguo.
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1.1.2 Arte Clásico: Grecia y Roma
Partenón, Atenas.
Grecia: Diseño e imagen
Al igual que sus predecesores cretenses, los griegos no daban tanta importancia a las
tumbas como los egipcios. Nos han dejado una serie de estatuillas de bronce, objetos
muy apreciados. Pero su pintura -un arte para el cual, según aseguran sus escritores,
tenían gran habilidad- se ha perdido en casi su totalidad. La razón es que, a diferencia de
los egipcios, de los minoicos y los micénicos, que sólo pintaban murales, los griegos
pintaban sobre paneles de madera, que con el tiempo han perecido.
Una de las escasas muestras de la belleza de la pintura griega de que disponemos es el

arte relativamente menor y especialmente utilitario de la pintura de los vasos griegos.
La palabra vaso, que en un principio se utilizó como término amplio para denominar la
cerámica griega en el siglo XVIII, puede resultar confusa. Los griegos nunca hicieron
vasos con el mero propósito decorativo, como puede suceder en la actualidad, sino que
siempre tenían en mente un propósito concreto. Los ceramistas griegos creaban una
gran variedad de productos de diversas formas: jarras para almacenar, vasijas para
beber, botellas para perfumes y ungüentos y vasijas para los líquidos utilizados en las
ceremonias.
Estilos de pintura de cerámica griega
21
En las pinturas de la cerámica griega podemos ver una preocupación por la anatomía y
por la figura humana que se convirtió en el motivo central del arte y la filosofía griega.
Se aprecia un alejamiento de lo que mostraba la pintura funeraria egipcia, con sus
fórmulas preconcebidas para representar el mundo, y toda una nueva forma de ver el
arte se abre Con respecto a lo que el ojo puede ver ya lo que dicta la mente. Si la pintura
de cerámica fue un arte menor, los profesionales que la llevaron a cabo fueron
importantes.
El artista ateniense Exequias, que vivió alrededor del año 535 a. C., firmó como pintor al
menos dos de sus jarras negras, y su estilo, con su poesía y su perfección de equilibrio,
son reconocibles al instante. Merece la pena destacar que él mismo elaboraba la
cerámica y la decoraba. Las obras de Exequias son importantes porque revelan la
dirección que el arte representacional iba a tomar, y muestran el salto de la
representación simbólica de los objetos del mundo mediante jeroglíficos hacia una
representación que intenta mostrar el mundo tal y como es.
Jarrón.
Rostros griegos, estudio de cabeza.
22
Rostro de la diosa Atenea.
Esculturas en mármol, cuerpos griegos.
Alto relieve en mármol.
23
Arquitectura y Diseño de Interiores
Mientras los pueblos anteriores desarrollaron sólo las arquitecturas militar, religiosa y
residencial, los griegos y romanos fueron responsables del desarrollo de espacios
propios a la manifestación ciudadana y de los quehaceres cotidianos: el ágora griega se
definía como un gran espacio libre público destinado a la realización de asambleas,
rodeado por templos, mercados y edificios públicos, así se convirtió en un símbolo de la
nueva visión de mundo, que incluía el respeto a los intereses comunes, e incentivador
del debate entre ciudadanos, en lugar del antiguo orden despótico.
La arquitectura griega clásica está representada, fundamentalmente, por templos, pues

se desarrolló en torno a los santuarios, siendo los principales los de Olimpia, Delfos,
Atenas, Eleusis, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso y Selinonte. El formato estándar de los
edificios públicos griegos se conoce a través de los ejemplos supervivientes tales como
el Partenón y el Hefestión de Atenas, el grupo de Paestum, el complejo de templos de
Selinunte (Selinus) y los santuarios de Agrigento.
En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador

de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado
fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes
principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y
las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios.
Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes
arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
Teatro griego.
24
Templo griego Erectelón.
25
Columna Corintia.
Estatua de Zeus en Olimpia. Inmensa escultura hecha por Fidias en el 493 a.C. Ubicada en el centro del templo de Zeus en Olimpia,
Grecia. Fue mandada a destruir por el emperador Teodosio el grande tras prohibir cultos paganos. Considerada una de las 7
maravillas del mundo antiguo.
26
Diseño y Arte Romano
Coliseo Romano.
1.2.1. Diseño e imagen
La escultura romana reprodujo en general las tendencias de los modelos griegos, pero
renunció a la desnudez y cubrió a sus personajes con el atavío típico del civil o del
militar. Se destacó especialmente en la elaboración de bustos que no sólo reproducían
los físicos del personaje sino, también, los elementos predominantes de su carácter.
El arte romano, la pintura y los mosaicos sobre muros tuvieron mucha aceptación en la
Época Imperial. A pesar de que la mayor parte de su producción se ha perdido, quedan
muestras muy importantes de ella en Pompeya, una ciudad próxima al Vesubio, que en
el año 79 fue cubierta por capas de ceniza y lava del volcán. Hoy en día se la ha
desenterrado y se puede recorrer sus calles, ver sus casas y mil objetos propios del arte
romano del siglo 1 después de Cristo. Las pinturas romanas se realizan al fresco y se
protegen mediante una capa de cera que acentúa los colores, entre ellos destacan el
negro, rojo, blanco y amarillo, utilizan tambien el azul, verde y violeta, colores conocidos
gracias a la influencia griega y egipcia. Tienen una finalidad práctica: decorar las casas y
palacios.
27
Venatio. Lucha en anfiteatro y circo romano. Fresco
Los Mosaicos romanos son construidos con pequeñas piezas llamadas teselas, estas son
de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica, muy
cuidadas y elaboradas de distintos tamaños. El artista las disponía sobre la superficie
como un rompecabezas, distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una
masa de cemento. Los mosaicos eran para los romanos un elemento decorativo para los
espacios arquitectónicos.
Alejandro Magno, mosaico romano.
28
Marte y Zeus, fresco romano.
Inscripción en Letras Capitales Romanas.
Columna Romana. Metropolitan Museum de Nueva York.
29
Arquitectura y Diseño de Interiores.
Fue dentro del campo del arte romano, la más importante y muestra la influencia
etrusca en el empleo del arco y la bóveda; y griega, en la adopción de las líneas rectas y
de las columnas. Se caracteriza por su monumentalidad y por ser de utilidad pública;
además, se manifestó en todas las regiones del Imperio.
Las principales construcciones romanas fueron los foros, los templos, las basílicas, los
teatros, los anfiteatros, las termas, los circos, los arcos de triunfo, los acueductos y
puentes. Los foros, como las ágoras griegas, eran plazas públicas rodeadas por los
principales edificios de la ciudad. Servían de lugar de reunión, asamblea política y
mercado. Los templos, parte importantísima del arte romano, eran generalmente de
planta rectangular y líneas rectas, como los templos griegos, pero se empleó también la
forma circular y la bóveda de origen etrusco. El templo más conocido es el Panteón, en
Roma, que posee una rotonda y una cúpula de 43 metros de altura. La arquitectura
romana adoptó con frecuencia la superposición de un orden arquitectónico a otro
diferente en un mismo edificio, quedando el más sencillo y robusto debajo del más
elegante y delicado, según es de notar en el grandioso Coliseo romano.
Arco de triunfo Romano.
30
Arco de triunfo Romano junto a coliseo en Roma.
Diseño textil e indumentaria

En los primeros tiempos, se reducían las prendas a la túnica, semejante al quitón de los
griegos y a la toga propia y exclusiva de los ciudadanos romanos que, por ello, se
llamaban gens togata, mientras ellos decían de los griegos gens paliata. A veces,
llevaban otra túnica interior, denominada subúcula, equivalente a nuestra camisa, y la
superior solía ceñirse con un cinturón llamado cíngulum o cintus, cerrado con broche o
fíbula. La toga era una amplia vestidura de lana, de corte elíptico, cerrada por abajo y
abierta por arriba hasta la cintura. Al llevarla, se recogía por los pliegues del lado
derecho y se echaban terciados hacia el hombro izquierdo. Su color era generalmente
blanco (alba, cándida), sobre todo, en los que aspiraban a la magistratura; de donde se
derivó el nombre de candidatos que hoy está en uso en nuestra lengua.
El calzado más común entre los romanos era la sandalia (sólea) atada con unas correas
(corrigia) constituyendo el conjunto la cáliga. Pero se usaba también el cálceus, especie
de zapato con algunas variedades y que llevaban los senadores y otros magistrados
(éstos, de color rojo y aquéllos, negro) y el campagnus o bota más grande, propia
también de nobles. El coturno estaba de uso entre los romanos, lo mismo que entre los
griegos.
Vestuario femenino de la antigua Grecia.
31
Entre los antiguos romanos los gladiadores, eran por lo general, prisioneros, esclavos o
condenados a muerte que combatían entre sí o contra animales feroces en espectáculos
que atraían a gran multitud en los anfiteatros. Esa costumbre data del siglo II a.C., pero
se hizo muy popular en época de los emperadores. Los romanos distinguían a los
gladiadores por sus armas y su manera de combatir. Así estaban los mirmillones, que
tenían un casco con una pieza de metal que cubría totalmente la cara y podía
levantarse; los reciarios, que llevaban un tridente y una red con la que trataban de
envolver la cabeza del adversario; los traces armados con escudo redondo y puñal; los
secutores, con escudo y puñal, adversarios tradicionales de los reciarios. También había
gladiadores que combatían a caballo. Cuando un gladiador era vencido, solo podía salvar
la vida si así lo decidía el emperador o el pueblo.
1.1.3 Diseño y Arte Paleocristiano y Bizantino
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras

maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que
fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue
llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de
simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran
de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc.
Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la
pintura los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de
acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas poseen
un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente.
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco
primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la
32
dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene
su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
Arquitectura y Diseño de interiores
Hasta el año 313, el arte escultórico de los cristianos se centró en la excavación de las
catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Éstas eran cementerios romanos,
excavados, en un principio, en los jardines de algunas casas de patricias cristianos, como
las de Domitila y Priscila en Roma. Más tarde en el siglo V y ante el aumento de
creyentes, estos cementerios se hicieron insuficientes adquiriendo terrenos en las
afueras de las urbes donde surgen los cementerios públicos, en los que se excavan
sucesivos pisos formando las características catacumbas que ahora conocemos.
La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en Roma. El

cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas galerías (ambulacrum)
con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres.
En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada,
cobijando su tumba bajo un arco semicircular (arcosolium)
Plano de la Basílica de San Pedro en Roma
Fuente: Wendy Beckett. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".
33
“El buen pastor”, Mausoleo de Gala Plácida. Arte Paleocristiano.
“Jesús joven y sin barba”. Pintura que decora las catacumbas. Arte Paleocristiano.
“Adán y Eva” Pintura que decora las catacumbas. Arte Paleocristiano.
34
Bizancio
Pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana, asciende de
repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de capital imperial
con el nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide
su reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de
Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio.
Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y
bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que
al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
Fresco Jesucristo.
2.2.1 Diseño de vestuario
La civilización bizantina dio el primer paso para adaptar la vestimenta a las líneas
naturales del cuerpo, ya que en la antigüedad era muy holgada. El atuendo masculino y
femenino estaba constituido por tres prendas: la túnica, que alcanzaba la rodilla en los
hombres y el tobillo en las mujeres, la dalmática, o capa de algodón o lana según las
estaciones, larga y recta pero plegable, y otra especie de echarpe de seda recta echada
sobre los hombros y recogida en el lado derecho con un broche. Las damas de la corte
usaban túnicas de sedas ricas y sedas labradas. Recogían su cabellera con una cofia de
seda o una red de perlas, costumbre que se adoptó luego en el resto de Europa.
En las joyas usaban mucho las perlas que combinaban con diamantes y otras piedras
preciosas. El traje sacerdotal era parecido al de los laicos, pero la túnica talar era
blanca. Sobre ella colgaban la casulla, con una cruz bordada en la parte posterior. Los
obispos usaban una larga banda blanca con una cruz negra.
35
Frescos y pintura bizantina.
36
2.2.2 Arquitectura y Diseño de Interiores
Basílica de Santa Sofía. Obra maestra de la arquitectura bizantina.
Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en
contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en
sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos,
de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más
importantes tenemos: la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los
contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia.
37
Catedral de San Nicolás del Mar.
El Imperio Bizantino duró poco más de diez siglos y, naturalmente, en tan largo periodo
de debió defender muchas veces sus fronteras amenazadas por otros pueblos. En el
orden interno eran frecuentes las intrigas palaciegas y rebeliones. De allí la necesidad de
contar con un fuerte ejército, y para formarlo se recurrió casi siempre a tropas
mercenarias. Cada escudaron tenía su estandarte con diversas insignias, pero en la
mayoría aparecían símbolos cristianos.
1.1.4 Arte y Diseño Románico y Gótico
Descendimiento de la cruz. Cataluña
38
Arte Románico: Diseño e imagen

Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad
Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre
hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte
romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. También se le
denomina románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los
idiomas derivados del latín.
Pintura: En el período románico estuvo subordinada a la construcción, pues era
básicamente mural. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica,
la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su
mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de
Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias
románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico;
y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño
en copiar la naturaleza con fidelidad.
Tabla frontal del apostolado. Cataluña
Arquitectura y diseño de interiores

Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los
conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de
austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico,
pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos
funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación
es estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros
desnudos y lisos, interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van
incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas,
pilares, cúpulas
39
Iglesia Románica.
Castillo Románico.
Arcos románicos, escultura Virgen y niño.
40
Alto relieve en Iglesia. Figura de santo.
Arte y Diseño Gótico
Diseño e imagen
Entre los siglos XII y XVI, florece en Europa un arte poderosamente original, que fue
llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que
sus creadores habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y
a los cuales se les designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte
como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan
una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron
cerca de París, en la región llamada Isla de Francia.
En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue
perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la
pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por
uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y
reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo
más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte.
Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
41
La resurrección de Lázaro. Giotto
El beso de Judas. Giotto
42
Madona con ángeles y San Francisco de Asís Cimabue hacia 1280
El arte gótico inicia en París a partir de la construcción de la catedral de Saint Denis.

Desde allí y durante los siglos XII al XVI se extendió por toda Francia y el resto de Europa
en sustitución del estilo Románico. Se construyeron casas particulares, palacios, edificios
públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de
estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a
quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la
bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de
equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de
impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia de
elementos puntiagudos.
43
Bóveda gótica. San Juan (Świętej Janów), Toruń
Interior gótico.
En un principio, el término Gótico fue considerado peyorativo, ya que provenía de la

palabra “godos”, que se asociaba a un concepto inferior del Arte Grecoromano. Fueron
los románicos y los movimientos nacionalistas quienes lo consideraron a partir del siglo
XIX uno de los momentos artísticos más brillantes de la cultura occidental.
El rígido equilibrio simétrico, la regularidad y el geometrismo Románico fueron

desplazados en el arte y la arquitectura y el empirismo que lo sustituyó permitió
inventar soluciones para que los edificios ganaran en altura y luminosidad.
44
La arquitectura gótica presenta tres elementos innovadores con respecto a la románica:

el arco apuntado u ojival, la bóveda de crucería y los elementos de soporte o
arbotantes. Además, existen otros ornamentos destacados: las gárgolas, figuras de
monstruos cuyas bocas servían de desagüe del agua de lluvia al tiempo que
ahuyentaban a los malos espíritus.
Catedral y gárgola.
Al igual que el período Románico Con la invasión árabe en España y el suroeste de

Francia, llegaron a Europa abundantes y diversos materiales orientales. Pero el gran
cataclismo de la moda se produjo en el siglo XII con las Cruzadas. Los cruzados, hombres
y mujeres, trajeron a su vuelta no solo nuevos tejidos como sedas, damascos y
terciopelos de brillantes colores y complicadas tramas, sino también nuevos estilos. Las
45
calzas sustituyeron a los pantalones y las prendas se adornaron con joyas, bordados y
pieles.
TEMA 2: EL ARTE Y DISEÑO EN LA EDAD MODERNA
1.2.1 EL RENACIMIENTO
El apogeo del Arte y diseño del Renacimiento, dentro y fuera de Italia.
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en

Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal
característica, manifestada particularmente en las artes, su admiración por la
antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que
este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el
signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados,
46
desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida
cristiano.
Leonardo Da Vinci. “El hombre Vitruviano”
Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un
himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como
base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero
gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los
cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la
expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de
ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión
de Adán y Eva del paraíso.
Estudio anatómico de Leonardo Da Vinci.
47
En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta

retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos
quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de
vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en
ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y
pecadores.
Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban en la
periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de
expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo
femenino.
“El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli.
48
“La Gioconda” de Leonardo Da Vinci
Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus
majestuosas obras pictóricas y escultóricas a Sandro Botticelli, Alberto Durero,
Tintoretto, El Greco, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, y Rafael Sanzio; de
ellos, sobresale la figura de Leonardo Da Vinci, destacó tanto en el arte como en el
dibujo y diseño de maquinarias, inventos, estudio anatómico, a través del dibujo realiza
sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes,
destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos
en una sutil y fina aureola de luz difusa y ambientes nebulosos que sugieren
profundidad, los que trabajó con la técnica del sfumato.
49
Alberto Durero. Autorretrato.
El Renacimiento se difunde por toda Europa principalmente Alemania y península

Ibérica.
Las principales causas del Renacimiento fueron:

- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de
autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los
curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas,
filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de
las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y
estimulan a la acción.
Las características generales del arte renacentista fueron:

- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal,
les dan una validez permanente.
50
Rafael Sanzio. “La escuela de Athenas.”
Etapas del Renacimiento:

- Prerenacimiento o Trecento: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
- Quattrocento: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
- Cinquecento: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
“El David” Miguel Angel Buonarotti
51
Fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina (1541). Miguel Ángel Buinarotti.

La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico),
combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen
en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del
arquitecto renacentista, de esta manera surge el estilo "colosal" propio de esta
arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura
civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el
Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma
de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas
en las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios
internos, jardines y parques.
52
Cúpula de la catedral de Florencia (Duomo) hecho por Brunelleschi
Cúpula de la iglesia de San Pedro diseñada por Miguel Angel Buonarotti
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica

cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la
Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas
circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros son de
ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto;
las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio
punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.
53
Cúpula de la Capilla Sixtina. Miguel Angel. “La creación de Adán”
En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se

emplearon varios elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus
inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto
lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los
cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron
el mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos
colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se
empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y
ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o
curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen
sus orígenes en la arquitectura romana.
Arquitectos Renacentistas:
- Italia: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel
Buonarroti.
- España: Diego de Siloé, Juan Herrera. Francia: Salomón de Brosse.
54
1.2.2. EL MANIERISMO Y LA IMPRENTA EN EL RENACIMIENTO
Parmigianino. Virgen del cuello largo.
MANIERISMO
Se le llama Manierismo al período y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en
las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última
del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento).
Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como la
imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el
propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano),
posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una
complicación laberíntica tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis,
exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados,
alteración del orden en los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando
el decorum y equilibrio alto-renacentistas, una "violación de la figura"), que prefigura el
"exceso" característico del Barroco. Por otro lado, también se identifica el Manierismo
con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte sensorial y
popular. Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los grandes
genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos
(como los leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y
la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un
refinamiento erótico y una "afectación artificiosa" cuya elegancia y grazia no fue
apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de
forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.
55
EL Greco” El entierro del Conde de Orgaz”.
En el manierismo, el cuerpo humano, tanto vestido como desnudo se representa en

toda clase de complicadas posturas, difíciles y artificiosas, de una extraña gracia y
elegancia. Las extremidades son raramente alargadas, las cabezas aparecen pequeñas y
el semblante estilizado. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños,
fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.
El propio Miguel Ángel o el académico Rafael experimentaron en sus últimas obras el
placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras. La
escultura manierista busca "la multiplicidad de las vistas", superando no sólo las
concepciones alto renacentistas.
El disegno ("dibujo") se estableció como algo más que una mera función subsidiaria para
las obras pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. A mediados del siglo XVI ya era
considerado un arte con categoría autónoma y los dibujos obras de arte con valor
propio, resultado acabado de la tarea de artistas como Pontormo, Parmigianino o
Tintoretto. Su importancia en el mercado de arte fue creciendo. El grabado tuvo una
evolución semejante. Incluso sin genios como habían sido años atrás Durero o
Mantegna, o posteriormente Ribera o Rembrandt, el oficio se asentó a través de la
actividad de figuras menores, que se dedicaban más bien a la copia y reproducción de
pinturas que a la creación. Se desarrolló una técnica impecable y una gran sensibilidad
en la resolución de las serias dificultades inherentes al género de la copia. Éste fue un
periodo de extraordinaria actividad grabadora, solamente comparable a los siglos de la
Edad Contemporánea. En Italia y los Países Bajos había talleres que eran verdaderas
empresas industriales de reproducción de grabados a gran escala, que desarrollaron
innovaciones técnicas.
56
Ugo Da Carpi. “Diógenes”
La Imprenta en el Renacimiento
Johann Gutenberg, natural de Maguncia (Alemania), está considerado tradicionalmente
como el inventor de la imprenta en Occidente. La fecha de dicho invento es el año 1450.
Ciertos historiadores holandeses y franceses han atribuido este invento a paisanos
suyos, aduciendo abundantes pruebas. Sin embargo, los libros del primer impresor de
Maguncia, y en concreto el ejemplar conocido como la Biblia de Gutenberg, sobrepasa
con mucho en belleza y maestría a todos los libros que supuestamente le sucedieron. El
gran logro de Gutenberg contribuyó sin duda de forma decisiva a la aceptación
inmediata del libro impreso como sustituto del libro manuscrito. Los libros impresos
antes de 1501 se dice que pertenecen a la era de los incunables.
57
En el periodo comprendido entre 1450 y 1500 se imprimieron más de 6.000 obras

diferentes. El número de imprentas aumentó rápidamente durante esos años. En Italia,
por ejemplo, la primera imprenta se fundó en Venecia en 1469, y hacia 1500 la ciudad
contaba ya con 417 imprentas.
Los impresores del norte de Europa fabricaban sobre todo libros religiosos, como biblias,
salterios y misales. Los impresores italianos, en cambio, componían sobre todo libros
profanos, por ejemplo, los autores clásicos griegos y romanos redescubiertos
recientemente, las historias de los escritores laicos italianos y las obras científicas de los
eruditos renacentistas. Una de las primeras aplicaciones importantes de la imprenta fue
la publicación de panfletos: en las luchas religiosas y políticas de los siglos XVI y XVII, que
circularon de manera profusa. Estos tuvieron también una gran difusión en las colonias
españolas de América en la segunda mitad del siglo XVIII.
La máquina que se utiliza para transferir la tinta desde la plancha de impresión a la
página impresa se denomina prensa. Las primeras prensas de imprimir, como las del
siglo XVI y anteriores, eran de tornillo, transmitían una cierta presión al elemento
impresor o molde, que se colocaba hacia arriba sobre una superficie plana. El papel, por
lo general humedecido, se presionaba contra los tipos con ayuda de la superficie móvil o
platina.
Las partes superiores de la imprenta frecuentemente iban sujetas al techo y una vez que
el molde se había entintado, la platina se iba atornillando hacia abajo contra el mismo.
La prensa iba equipada con raíles que permitían expulsar el molde, volviendo a su
posición original, de modo que no fuera necesario levantar mucho la platina. Sin
embargo, la operación resultaba lenta y trabajosa; estas prensas sólo producían unas
250 impresiones a la hora, y sólo imprimían una cara cada vez.
En el siglo XVII se añadieron muelles para ayudar a levantar rápidamente la platina.
Hacia 1800 hicieron su aparición las prensas de hierro, y por aquellas mismas fechas se
sustituyeron los tornillos por palancas para hacer descender la platina. Las palancas eran
bastante complicadas; primero tenían que hacer bajar la platina lo máximo posible, y al
final tenían que conseguir el contacto aplicando una presión considerable. Aunque las
mejores prensas manuales de la época sólo producían unas 300 impresiones a la hora,
las prensas de hierro permitían utilizar moldes mucho más grandes que los de madera,
por lo que de cada impresión se podía obtener un número mucho mayor de páginas. La
impresión de libros utilizaba cuatro, ocho, dieciséis y más páginas por pliego.
58
1.2.3 ARTE Y DISEÑO BARROCO

Diseño e Imagen
El Estilo Barroco se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se
extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada
país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales,
vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
dramática y el empleo del color.
En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en
este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia
destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el
barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de
Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En
los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el
siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob
Jordanes, y la holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes
personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, fue en su punto de partida
Italia, Roma, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De
Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se
difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.
59
Joven mendigo. Esteban Murillo
Niño con cesto de frutas. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
60
Baco. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
“El triunfo de Baco”. Diego Velasquez.
61
Los síndicos del gremio de pañeros. Rembrandt Harmenszoon van Rijn
62
Diego Velásquez. “Las Meninas.”
Diego Velásquez: Pintor de la corte española destacó por la expresividad en los rostros
de sus retratos pictóricos, el capturar una escena de tal modo con bellas composiciones,
pinceladas pequeñas y contundentes como un antecesor al impresionismo, los colores
se unen en la retina del espectador.
Gian Lorenzo Bernini: Por el lado de

la escultura, este artista italiano
llegó a lo más alto del realismo
escultórico del alto barroco gracias a
su fascinante precisión en las formas
y por captar el momento álgido de
una acción, con el mármol lograba
infinidad de texturas e ilusiones tales
como tela, piel, madera. Sin duda el
más destacado escultor de la historia
occidental.
Gian Lorenzo Bernini. “EL éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni.”
63
Gian Lorenzo Bernini. “Apolo y Daphne”
1.2.4 ARTE ROCOCÓ

El Rococó consistía en que los
adornos representaban falsas
rocas, adheridas a la arquitectura
de las grutas y las cascadas,
llamados rocallas. Estas
características fueron el principal
elemento nuevo, introducido para
sustituir el rígido sistema de los
órdenes clásicos, para evocar en la
arquitectura el frescor y la alegría
de lo primitivo y lo campestre. Los
palacios son los primeros en
adoptar como elementos básicos
caprichosos recuadros, columnas
esculpidas, conchas, etc.
64
Salvi. “Fontana Di Trevi”. Palacio Poli.
Es un estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al
neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la
decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. Floreció
principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un
lenguaje propio que se difundió por toda Europa.
Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos
decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue
sobre todo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.
El carácter de la época rococó,
enamorada de la intimidad, favoreció
en pintura, lo mismo que en la
escultura, el cultivo del retratismo.
Este hubiese carecido de gracia sin el
realismo, y, por tanto, se inspiró en la
pintura holandesa y flamenca,
especialmente en Van Dyck. El cliente
ya no es el Rey, con las grandes
necesidades decorativas de un
palacio, sino que se halla entre los
nobles y burgueses adinerados a los
que ha dejado de interesar las
composiciones históricas y
mitológicas, aunque a menudo, se
complacen todavía en hacerse
retratar caracterizados como
personajes de fábula.
Jean Honoré Fragonard. “EL columpio”
65
Resumen
1. La historia del diseño inicia con la necesidad del hombre y por su instinto de
supervivencia. Dentro de la llamada Edad Antigua tenemos la etapa pre-histórica, el arte
egipcio, griego, romano y paleocristiano las que hemos estudiado desde diversos puntos
de vista estéticos como lo son la pintura, el diseño arquitectónico, de interiores y su
diseño de vestuario.
2. En el caso de Egipto, Mesopotamia, Grecia y Roma nos hemos detenido en

manifestaciones artísticas propias de cada periodo como son el relieve, la escultura y el
mosaico.
3. Hemos revisado el diseño del arte Bizantino, Románico y Gótico desde diversos puntos
de vista estéticos como lo son el mosaico, la pintura, el diseño arquitectónico, de
interiores y el diseño de vestuario, comprendidos en la edad media.
4. Dentro de la edad moderna destacan el arte Renacentista, el origen de la imprenta, el

manierismo, el arte y diseño de las corrientes Barroco y Rococó.
5. Hemos destacado las figuras de: Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio,
Miguel Angel Buonarotti, Alberto Durero dentro de la corriente renacentista.
6. Para el arte en el barroco, ponemos especial énfasis en Caravaggio, Gian Lorenzo

Bernini, Remrandt, Rubens.
7. Destaca la importancia del pintor Fragonard en la corriente rococó.
Recursos
https://www.youtube.com/watch?v=AqEy7vTjKZM
https://www.youtube.com/watch?v=jDPtOAnPRiU
https://www.youtube.com/watch?v=dZOoo0XOqHI
https://www.youtube.com/watch?v=qvWf7fjylw4
https://www.youtube.com/watch?v=LsNBNJJfiN8
https://www.youtube.com/watch?v=xCYZ88uKdtg
https://www.youtube.com/watch?v=QReDjayTO7E
66
UNIDAD
2
DISEÑO Y ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA EN EL
SIGLO XIX
Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo, reconociendo e

identificando los estilos pertenecientes a las diversas etapas del Arte que se dieron lugar
en el siglo XIX.
TEMARIO
Tema 3: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Primera mitad del siglo XIX)
1.3.1 Arte Neoclásico
1.3.2 El Romanticismo: Goya, Delacroix, Blake y Turner.
1.3.3 El nacimiento de la fotografía: Un nuevo lenguaje en el Arte.
1.3.4 El nacimiento de la Ilustración: Thomas Nast, Charles Danna Gibson y Richard Outcault.
Tema4: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Segunda mitad del siglo XIX y cambio de siglo)
1.4.1 El Impresionismo: Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Dégas, Pierre-Auguste Renoir.
1.4.2 El Post Impresionismo: Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne y Toulouse Lautrec.
1.4.3 Arts and Krafts: William Morris, Phillip Webb y Dante Gabriel Rosetti.
1.4.4 Modernismo: Art Nouveau en diferentes países de Europa. Los pintores, cartelistas e ilustradores y
arquitectos más destacados. Toulouse Lautrec, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Gustave Klimt, Charles
Rennie Mackintosh y Antoni Gaudí. El nacimiento del Cine: Los hermanos Lumiere y George Melies.
 Analizamos la historia del Diseño a través de recursos interactivos que nos ayuden
67
TEMA 3: EL ARTE Y DISEÑO EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA (PRIMERA

MITAD DEL SIGLO XIX)
1.3.1 Cambio de siglo, la Revolución Industrial y el Neoclásico
Diseño Industrial
El cambio que se produce en la Historia Moderna de Europa por el cual se desencadena

el paso desde una economía agraria y artesana a otra dominada por la industria y la
mecanización es lo que denominamos Revolución Industrial.
En la segunda mitad del siglo XVIII, en Inglaterra, se detecta una transformación

profunda en los sistemas de trabajo y de la estructura de la sociedad. Es el resultado de
un crecimiento y de unos cambios que se han venido produciendo durante los últimos
cien años; es una revolución lenta e imparable, no repentina. Se pasa del trabajo manual
al de la máquina. Los campesinos abandonan el viejo mundo rural de los campos y se
trasladan a las ciudades; surge una nueva clase de profesionales.
Algunos de los rasgos que han considerado definitorios de la revolución industrial se
encuentra en el montaje de factorías, el uso de la fuerza motriz además de los cambios
que trajo: se pasa de un taller con varios operarios a grandes fábricas, de la pequeña
villa de varias docenas de vecinos a la metrópoli de centenas de miles de habitantes.
Esta revolución viene a ser un proceso de cambio constante y crecimiento continuo

donde intervienen varios factores: las invenciones técnicas (tecnología) y
descubrimientos teóricos, capitales y transformaciones sociales (economía), revolución
de la agricultura y al ascenso de la demografía. Estos factores se combinan y potencian
entre sí, no se puede decir que exista uno que sea desencadenante.
Las enormes transformaciones económicas que conocerá Europa (comenzando estos

cambios Gran Bretaña) a partir del siglo XVIII modificarán en gran medida un conjunto
de instituciones políticas, sociales y económicas vigentes en muchos países desde al
menos el siglo XVI que suelen denominarse como El Antiguo Régimen. El nombre fue
68
utilizado por primera vez por dirigentes de la Revolución Francesa en un sentido crítico:
los revolucionarios pretendían terminar con todo lo que constituía ese Antiguo
Régimen.
La máquina a vapor.
Uno de los elementos sustanciales de la mecanización y modernización industrial fue la

aplicación de un nuevo tipo de energía: el vapor, cuya producción requería carbón. La
máquina de vapor del escocés James Watt (1782) se convirtió en el motor incansable de
la Revolución Industrial.
La tipografía en una época industrial
La Ilustración inglesa influyó en Francia y estableció los cimientos de la Revolución

francesa de 1789, de tintes burgueses y favoreció el nacimiento de la Prensa como una
nueva fuerza en toda la Europa continental.
En 1777 nació el primer diario francés, Le Journal de París que tenía sólo cuatro páginas.
En la capital de la prensa italiana, Milán, apareció el primer periódico literario Il Café. En
1785, John Walter fundó el decano de la prensa inglesa, el Times. Se produjo tal auge de
los periódicos, que se crean las primeras formas de verdadero periodismo político, sobre
todo en Francia e Italia, donde aparecen los Monitori.
Con el surgimiento de la Revolución Industrial la inversión de capital en máquinas, para

la fabricación masiva, llegó a ser la base del cambio industrial y del desarrollo. Se
estableció un ciclo de producción en espiral. La demanda de una población urbana que
crecía rápidamente y poseía gran poder de compra, estimuló las mejoras tecnológicas.
Esta circunstancia produjo un incremento en la presencia de productos disponibles en el
mercado, y la reducción de costos.
El progreso vertiginoso de la Revolución Industrial no se realizó sin costo social. Esta

enorme fuerza de trabajo de hombres, mujeres y niños, a menudo era fuertemente
recortada; algunas de las causas que provocaron esta situación eran la sobreproducción
anticipada (con el consecuente almacenamiento de mercancía o la saturación del
mercado), el incremento desmesurado en los costos de la materia prima y la
incapacidad o la avaricia de los patrones para comprarla, las crisis comerciales, el
fracaso en los negocios, los errores de los bancos y la pérdida de la fuente de trabajo,
ocasionada por el desplazamiento de la mano de obra humana por nuevos adelantos
69
técnicos. Sin embargo, en lo que cabe, el nivel de vida de las personas en Europa y
América mejoró notablemente durante el siglo XIX.
Los críticos de la nueva era industrial, pensaban que la civilización estaba cambiando los
valores humanos por el interés económico.
El grado más alto de igualdad que se inició a partir de la revolución francesa y

americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y, por tanto, la
posibilidad de leer y escribir, por lo que el público lector, consecuentemente, aumentó.
Este periodo inestable con continuos cambios se caracterizó por una mayor
trascendencia y disponibilidad de la comunicación gráfica.
Las artesanías desaparecieron casi por completo. La unidad de diseño y producción que
tenía un artesano llego a su fin.
Las fábricas, nuevos centros de producción masiva.
El desarrollo de la Litografía
Aloys Senefelder (1771-1834). Inventó la litografía (del griego literalmente “impresión

sobre piedra”), en el año 1796. La litografía se basa en el sencillo principio químico de
que el agua y el aceite no se mezclan.
70
Piedra litográfica con dibujo.
Godefroy Engelmann. Impresor francés, designó el sistema cromolitografía, el cual se

basaba en una placa generalmente impresa en negro y otras placas detrás de ésta
proporcionaban la plasta de color o los matices.
La Escuela de Cromolitografía de Boston:

1. William Sharp (nacido en el año 1803). Introdujo la cromolitografía en América.
2. Richard M. Hoe (1812-1886). Inventor americano y genio mecánico, perfeccionó la
prensa litográfica giratoria que fue apodada “prensa relámpago” porque incrementaba
seis veces más la producción litográfica, en relación con las prensas de imprimir planas
entonces en uso.
3. John H. Bufford (muerto en 1870). Gran innovador de la cromolitografía en Boston, y
un hábil dibujante cuyas imágenes dibujadas al crayón lograron un sorprendente
realismo. Llegó a ser el primer litógrafo americano, no asociado con Sharp. Se
especializó en impresos de arte, carteles, portadas e ilustraciones de libros y revistas y a
menudo usaba cinco o más colores.
4. En el año 1864, los hijos de Bufford se asociaron a su empresa. El sello distintivo
consistía en un dibujo tonal minucioso y convincente. Una preocupación muy
importante del diseño gráfico de esta empresa era la integración de la imagen y los
letreros en un diseño unificado.
5. las décadas de los años 1860 a 1900, fueron la mejor época de la litografía; esta llegó
a ser el medio predominante para imprimir.
DISEÑO Y ARTE DEL NEOCLASICISMO
Diseño e imagen
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al

movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la
Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y
que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin
embargo, coincidiendo con el ocaso de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue
perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.
Al producirse el desgaste de la cultura barroca, el Neoclasicismo aspiraba restaurar el
gusto y las normas de la denominada época clásica (Grecia y Roma), por la influencia de
los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David
fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como
Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del
Romanticismo.
En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia
el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento.
71
Jacques-Louis David. “El juramento de los Horacios.”
Jacques-Louis David. “La coronación de Napoleón.”

La Arquitectura del Neoclásicismo se caracterizó por la simetría, la elegancia y la
sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la
superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división
tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los
arcos de triunfo y las columnas conmemorativas. La columna recobra su antigua
importancia y se vuelve a utilizar el orden arquitectónico con todo su fundamento.
Vuelven también los frontones, los cuales se decoran con esculturas en sus tímpanos. El
72
margen de creatividad es muy pequeño y predomina la copia sobre la imaginación. En

Francia, Napoléon manda a construir muchos edificios e iglesias bajo este estilo. En
Inglaterra el estilo neoclásico no tuvo mucha aceptación porque todavía predomina el
gusto neogoticista. En Alemania el Neoclásico se difunde con más facilidad por los
estados del norte mientras por los estados del sur todavía se prefieren los edificios
barrocos.
La puerta de Brandenburgo.
1.3.2 EL ROMANTICISMO.
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
Su pintura se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones
dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura
fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya, Blake, Turner y Caspar Friedrich.
Francisco de Goya. “El Aquelerre.” ó “El cabrón”
73
Francisco de Goya. “El Coloso.”
Eugène Delacroix. “La Libertad guiando al pueblo.”
74
Koening y la prensa a vapor
Friedrich Koenig es un impresor alemán que llegó a Londres alrededor de 1804 y

presentó sus planos para una máquina de imprimir operada a vapor, a los impresores
más importantes de Londres. Finalmente, después de recibir ayuda económica por parte
de Thomas Bensley en 1807, Koenig obtuvo la patente para su prensa en marzo de 1810.
En abril de 1811 fabricó su primera producción de prueba; 3000 hojas del Annual
Register. Esta prensa imprimía 400 hojas por hora, en comparación con la producción de
250 hojas por hora de la prensa manual de Stanhope. Es la primera prensa mecánica
conectada a una máquina de vapor. Otras innovaciones incluyeron un método de
entintado de los caracteres por medio de rodillos, en lugar de utilizar las balas de
entintar manualmente.
Inicios de la prensa masiva
El primer diario estadounidense nace en Filadelfia, el Pennsylvania Evening Post en

1783. A principios del XIX había unos veinte periódicos diarios, cifra que fue en aumento
según se propagaba la Revolución Industrial. En 1833, Benjamin Henry Day editó la
primera edición del New York Sun, pionero de la prensa barata que dominó el mercado
periodístico de este país hasta finales del XIX y que dio paso al periódico moderno
destinado a una audiencia masiva, con unos contenidos de "interés humano",
abiertamente sensacionalista y cuyo precio era un centavo.
Tuvo un gran éxito por lo que tenía mucha publicidad que ocupaba gran parte del
periódico. Pronto aparecieron imitadores: el New York Tribune en 1841, de Horace
Greeley, republicano y antiesclavista, considerado un gran vivero del periodismo
norteamericano, y el sudista New York Herald (fundado por Gordon Bennett en 1835),
que alcanzaron decenas de miles de ejemplares. El tercer gran periódico que nace en
esta época es The New York Times, en 1851, de Henry Raymond. Las razones por las que
surge este tipo de prensa de masas son: los adelantos tecnológicos, un papel más
barato, el desarrollo de unas rotativas más rápidas, un fuerte porcentaje de publicidad y
la creación de la Agencia AP (Associated Press), en 1848, mediante la unión de seis
periódicos de Nueva York, para compartir los costes de la transmisión telegráfica de
noticias desde Washington y Boston hasta Nueva York.
La prensa rotativa
Los avances en el mundo de la impresión tienen como objetivo aumentar la velocidad, y

fue durante el siglo XIX cuando se van a producir las mejoras necesarias para el
desarrollo de la prensa. Una de las consecuencias fue la prensa de cilindro, que utilizaba
un rodillo giratorio para prensar el papel contra una superficie plana. Con la rotativa,
unos años más tarde, se iba a permitir la impresión simultánea por ambas caras del
papel.
Cuando en 1829 surgen los estereotipos, que permiten fabricar duplicados de planchas
de impresión ya compuestas, se incrementaron las ediciones de las publicaciones. En
1846, el inglés Smart inventa una rotativa para la impresión litográfica, en la que todo el
75
proceso se automatiza excepto para la entrada (alimentación) y salida (retirada) del

papel. Surge así la primera imprenta de offset automática.
Aunque en 1845 Richard Hoe (EEUU) ya había obtenido una patente referida a la
primera rotativa moderna. La gran demanda en este período de grandes tiradas de los
periódicos existentes, llegando a superar incluso la producción de libros, hizo posible el
éxito de las rotativas.
Imagen del libro de Phillips, B. Meggs. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
Así, en 1848 el diario londinense The Times pone en funcionamiento por primera vez
una rotativa rápida de este tipo. Esta máquina fue perfeccionada por Augustus
Applegath y Edward Cooper, ingenieros ingleses, siguiendo el principio de la máquina
inventada por Hoe, aunque seguía trabajando únicamente con pliegos sueltos de papel.
Algunos años después, en 1851, el constructor británico T. Nelson logra por fin
desarrollar una rotativa para la impresión sobre bobinas continuas de papel y, más
tarde, en 1863, el inventor estadounidense William A. Bullock obtendrá la patente de la
primera prensa rotativa que se alimentaba por bobinas, para la impresión de libros
sobre papel continuo, modelo para las rotativas posteriores, esto es que permitía
imprimir los periódicos en rollos en lugar de hojas sueltas.
Esto origina algunos problemas, que van a ser corregidos años después: Los cuellos de
botella producidos en las fases de cortado y plegado del material impreso, así como la
lenta tarea de la composición de los textos a mano, una interesante propuesta para
solucionar el problema es la del inglés Black, que inventó en 1850 una máquina plegadora
automática capaz de plegar en octavo hasta dos mil pliegos por hora, al estar equipada con
dispositivos de plegado y corte.
76
Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
En 1884 destaca un hito importante en la historia de la impresión, el invento de la

linotipia por parte del relojero alemán Ottmar Mergenthaler, basado en la composición
totalmente automatizada de los textos. La innovación consistía en la posibilidad de
poder escribir una a una las líneas del texto mediante un teclado, en lugar de ir
componiéndolas letra a letra con sus correspondientes tipos de plomo manualmente.
Así, una vez finalizada la composición de una línea, se fundía el molde de impresión en
negativo, con plomo líquido, obteniéndose un sello de plomo para la impresión.
77
1.3.3. EL NACIMIENTO DE LA FOTOGRAFÍA: UN NUEVO LENGUAJE EN EL ARTE.
La primera fotografía de la historia fue tomada por Joseph-Nicéphore Niepce (1765-

1833). Esto sucedió en el 1826/27 cuando logró fijar una imagen permanente del patio
de su casa. Se obtuvo con una cámara oscura y una exposición de ocho horas sobre una
emulsion química de sales de plata.
Poco después Niepce y Louis Daguerre, entran en contacto y firman un acuerdo para
seguir con los procesos formando la imagen sobre una superficie de plata pulida como
un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo
era necesario disponer de una cara plateada.
Alrededor de 1831 el pintor francés Louis Daguerre realizó fotografías en planchas

recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Después de exponer la
plancha durante varios minutos, Daguerre empleó vapores de mercurio para revelar la
imagen fotográfica positiva. En 1833 fallece Niépce y el invento pasa a llamarse
Daguerrotipo.
78
Atelier de Louis Daguerre en 1837
París, Boulevard du Temple, en abril o mayo de 1838, por Daguerre.
79
Barcelona en 1848. Vista al daguerrotipo, con la Muralla del Mar y la Casa Vidal Quadras.
Federico Chopin, pianista polaco (1810 - 1849)

Daguerrotipo de 1849.
80
1.3.4. EL NACIMIENTO DE LA ILUSTRACIÓN: THOMAS NAST, CHARLES DANNA

GIBSON Y RICHARD OUTCAULT.
En Nueva York en el año 1817, los hermanos James (1795-1869) y John (1797-1875)
Harper, establecieron una imprenta. Sus hermanos menores Wesley (1801-1870) y
Fletcher (1807-1877) se unieron a la empresa en los años 1823 y 1825 respectivamente.
Para mediados del siglo, Harper y Hnos. había llegado a ser la empresa publicitaria e
impresora más grande el mundo. Durante la década del año 1840, Harper y Hnos. lanzó
un proyecto monumental que estaba destinado a convertirse en el máximo logro del
diseño gráfico y la producción de libros hasta la fecha en la historia del joven país, la
Nueva Biblia Pictórica e Iluminada de Harper.
Thomas Nast (1840-1902), un precoz y talentoso artista se le conoce como “El padre de
las Caricaturas Políticas de los Estados Unidos”
“Uncle Sam” Santa Claus” y “The Brains” Caricatura política de Thomas Nast
81
Edwin Austin Abbey (1852-1911) un experto en dibujos a pluma. Arthur B. Frost (1851-
1928) llegó a ser querido por sus dibujos a pluma de animales y campesinos americanos.
Howard Pyle ((1853-1911), su trabajo y sus notables dotes como maestro lo convirtieron
en la fuerza más importante que lanzó la etapa conocida como “La edad de Oro de la
Ilustración Estadounidense”.
Charles Dana Gibson (1867-1944), es el creador de bellas mujeres jóvenes y hombres de

mandíbula cuadrada que establecieron reglas de perfección en los prototipos durante
décadas. Uniendo las décadas del año 1890 hasta las del año 1940, se observa que, en
esta época, las comunicaciones visuales en Norteamérica quedaron bajo el dominio del
ilustrador.
Charles Dana Gibson, Mujeres, 1905.
La repercusión de la fotografía, la nueva herramienta de las comunicaciones, sobre las

ilustraciones gráficas puede ser rastreada en la carrera de Pyle, que evolucionó con las
nuevas tecnologías para la reproducción En el año 1893, Pyle logró otro avance cuando
el ilustrador de 40 años realizó su primera ilustración a dos colores.
En el año 1841, Volney Palmer de Filadelfia abrió la que se considera la primera agencia
de publicidad. Vendía espacio a los editores; la agencia de publicidad como empresa de
consulta con un conjunto de especialidades fue promovida por otro agente de
publicidad de Filadelfia, N.W. Ayer e hijo. En la década del año 1800 Ayer afirmó la idea
de que una agencia de publicidad debía proporcionar los servicios que los clientes no
podían realizar y que los editores no ofrecían; a fines de siglo, Ayer estaba bien
encaminado para ofrecer un espectro completo de servicios: redacción de textos
publicitarios, dirección de arte, producción y selección del medio.
82
Afiche de Coca Cola de los años 1890`s
El uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.
Londres y Paris. Capitales del Diseño comercial del s. XIX

El uso de la prensa a vapor y posteriormente la linotipia condujo a un cambio conceptual
notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los
formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los
límites de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del
palo), y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se
distinguen tres familias genuinas: las egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la
escritura inglesa.
Diseño de Modas
83
La moda en 1909.
El diseño de modas es un arte que se dedica al diseño de

ropa y accesorios. El primer diseñador de modas fue
Charles Frederick Worth (1826-1895) que fue el primero
en ponerle una etiqueta con su nombre a sus diseños. De
hecho, el termino costurero fue echo para referirse a él.
Charles tuvo muchísimo éxito Solo la ropa creada después
de 1858 se puede considerar diseño de modas.
Charles Frederick Worth (1826-1895)
Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar artistas
para bosquejar o pintar diseños de prendas, estas imágenes podían ser presentados a
los clientes de forma mucho más económica que produciendo una prenda de muestra
en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Así
comenzó la tradición de bocetos de prendas en de las casas de modas, como método
para economizar. En la década de 1850 surgieron los grandes almacenes, donde se
comercializaban productos a precios más asequibles; también las revistas de moda
comenzaron a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la vestimenta; por
último, la evolución de los transportes, con el consecuente crecimiento de las
exportaciones, logró una democratización en el vestir. La industria de la ropa interior
evolucionó notablemente, llegando a la creación del brassiére, el prototipo del moderno
sujetador.
84
Princesa Pauline Sandor de Matternich, traje nupcial creado por Worth
TEMA 4: EL ARTE Y DISEÑO EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA (SEGUNDA MITAD DEL

SIGLO XIX Y CAMBIO DE SIGLO)
1.4.1 Impresionismo y Post- Impresionismo
Claude Monet. “Impresión Sol Naciente.”
La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y

el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos que no veían
con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y
de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos,
pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en
términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El
fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel
cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da
por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron
en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos.
La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que
será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran
iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también
se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la
característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo
paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte.
85
Edgar Degas. “Estrella del ballet.”
86
Monet Painting in His Floating Studio
Bar at the Folis-Bergère de Édouard Manet
87
Renoir. El Siena en asnieres.
88
1.4.2 Posimpresionismo
A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran
perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento,
estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este
movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautrec.
Vincent Van Gohg “La noche estrellada”
Paul Cezanne. Bodegón.
89
El Cartel como Medio de Comunicación: Henry de Tolousse Lautrec
Tolouse Lautrec. Carteles.
Fue en las calles de las ciudades que crecían vertiginosamente al final del siglo XIX
donde se presentaron los carteles como una expresión de vida económica, social y
cultural, compitiendo por la atención de los compradores de las nuevas mercancías y
audiencias para las diversiones.
Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico, atrapaban

la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el texto, revelaban un
contexto preciso, introduciendo una nueva estética de imágenes simplificadas
ordenadas por los medios de reproducción gráfica.
En su libro "Introducción al diseño gráfico", Peter Bridgewater enfatiza la influencia de

Toulouse-Lautrec, al utilizar la litografía a gran escala, en el desarrollo del diseño gráfico
de los carteles: "Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901) influyó notablemente en la
elaboración del cartel moderno (poster). Entendía que los carteles como medio de
comunicación. Descubrió la importancia de trasladar su trabajo a la imprenta, y
aprovechó la litografía a gran escala. La tradición clásica de la tipografía centrada,
usando varias formas de letras, tuvo sus orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero
hubo innovadores que estaban preparados para desafiar los valores existentes, en busca
de una forma de comunicación más efectiva y original.”
Los artistas de todo el mundo miraban París como la capital del arte mundial y
admiraban sus carteles. Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich, Budapest,
Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también nutrieron escuelas de
artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales. Milán produjo el número más
destacado de creadores de carteles, cuya originalidad desafió a los de París.
90
1.4.3 ARTS AND CRAFTS (MOVIMIENTO ARTES Y OFICIOS)
El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento artístico
que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en
los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX, alcanzando su cenit entre 1880 y
1910. Reacciona tanto contra el estilo Victoriano como contra el estilo industrial, que
eran los dominantes a finales del siglo XIX. Si bien, las construcciones en fierro y la
industria pujante a mediados del siglo XIX eran dignos de admiración, las personas
extrañaban el acabado estético que la manufactura posee, pero a la vez no se quería
caer en la sobrecarga de elementos edulcorados que entonces eran muy comunes.
Ante la necesidad de otorgar a los objetos de la vida cotidiana una dimensión estética
que acompañase sus funciones naturales surge el Arts and Crafts pretendiendo elevar la
dignidad social y estética al diseño y todas las Artes aplicadas. Se trató de un
movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes
decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de
jardines.
En 1861 William Morris, (Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896)

artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre
polifacético, funda la empresa Morris & Company empresa de arquitectura y diseño
industrial que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando
de las nacientes formas de producción en masa.
Talleres Morris and Company.
Antecedentes: Prerrafaelismo y Dante Gabriel Rosetti
Es una asociación de pintores ingleses que se denominan "Cofradía prerrafaelista"

fundada en 1848 por cuatro artistas, uno de los cuales, el de mayor personalidad, fue
Dante Gabriel Rossetti. Pretendían renovar el arte observando con precisión la
naturaleza y volviendo a la simplicidad y sinceridad de la pintura de los primitivos
florentinos o vieneses anteriores a Rafael. Estuvieron interesados por temas sociales de
su tiempo y por la leyenda medieval y el ciclo artúrico. El grupo se disolvió en 1852.
Como dijimos anteriormente, si revisamos una corriente que se desarrolló casi medio
siglo atrás al momento histórico que estamos trabajando es porque ex miembros suyos
apoyaron al movimiento Arts and Krafts en décadas posteriores en especial en lo que a
carácter editorial concierne, aportando a los principios en los que se fundamentó este
movimiento. Sus principales exponentes son John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti
91
y John William Watherhouse.
John Everett Millais. “Ophelia”
Kelmscott Press
Asimismo, en 1891 Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la cual salieron tiradas
reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente facturados de toda la
historia. Allí produjo trabajos originales (The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the
Nibelungs, etc.), así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida la
edición de los Cuentos de Canterbury, de Chaucer, ilustrada por Burne-Jones e impresa
en Kelmscott Press en 1896.
Libro publicado, tipografía y colofón de la Kelmscott Press,
92
Principios del Arts and Crafts
Los principios filosóficos, éticos, políticos y estéticos más destacados del Arts and Crafts
fueron:
 Rechazo de la separación entre arte y artesanía. El diseño de los objetos útiles es
considerado como una necesidad funcional y moral.
 Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la
obra que realiza.
 Regreso al medievalismo en arquitectura (estilo neogótico) y en artes aplicadas.
 La arquitectura es vista como el centro de todas las actividades de diseño. Esta
idea sería recogida por el racionalismo a inicios del siglo XX.
 Se sigue al modelo medieval de trabajo colectivo, agrupando a los artesanos en
guildas o talleres.
 Nivel de excelencia tanto en factura como en acabados para que el trabajo sea
de plena satisfacción para artista y cliente.
Principales Representantes del Arts and Crafts
Fuera de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T.
J.Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland,
Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav
Stickley.
Libro publicado, tipografía y colofón de la Kelmscott Press,
93
1.4.4. EL ART NOVEAU Y EL CAMBIO DE SIGLO
Diseño de Alphonse Mucha
Estas portadas de Alphonse Mucha, con su inconfundible estilo lleno de curvas y suavidad gráfica, que tanto gustó
desde finales del XIX y que ha influido a tantos diseñadores, incluidos los "psicodélicos" de la década de los 60.
Dos décadas contemplaron (del año 1890 al año 1910, aprox.) el desarrollo de un estilo
decorativo que dejó huellas en todo el mundo.
El Art Nouveau, llamado modernismo en España y Moderns Style en Inglaterra, es el

“estilo de transición” que se desvió del historicismo que dominó al diseño durante la
mayor parte del siglo XIX. El historicismo es el uso casi servil de las formas y los estilos
del pasado, niega la invención de nuevas formas para expresar el presente. Al
reemplazar el historicismo por la innovación, el Art Nouveau se convirtió en la fase
inicial del movimiento moderno. Preparó el camino del siglo XX al eliminar lo que
consideraba un espíritu decadente del diseño.
Relacionado al diseño del ornamento, determinaba un principio nuevo del diseño: la

decoración, la estructura y la función propuesta unificadas. Debido a que las formas y las
líneas del Art Nouveau eran a menudo inventadas en lugar de copiarse de la naturaleza
o del pasado, se logró una revitalización del proceso de diseño que apuntaba hacia el
arte abstracto. El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el
diseño de mobiliario, la arquitectura y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana.
94
Entrada al metro de París. Hector Guimard.
Diseño arquitectónico y de interiores estilo Art Nouveau.
Los diseñadores gráficos y los ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer del arte
parte de la vida cotidiana; fueron capaces de mejorar significativamente la calidad visual
de las comunicaciones masivas. En la ilustración tenemos a artistas como Aubrey
Beardsley, llenos de envolvencia y formas orgánicas.
95
El carácter internacional del Art Nouveau fue posible gracias a los avances de la
tecnología de la transportación y comunicaciones. La comunicación entre los artistas de
varias naciones, principalmente por intermedio de la imprenta, permitió que sus
trabajos y conceptos se conocieran recíprocamente.
La influencia de la pintura de fines de la década de 1880 que se encontraba bajo el

hechizo oriental fue muy importante. Las formas turbulentas de Vicent Van Gogh (1853-
1890), los colores uniformes y contornos orgánicos estilizados de Paul Gauguin (1848-
1903), y el trabajo del grupo Nabis de artistas jóvenes, desempeñaron un papel
fundamental. Los Nabis exploraron colores simbólicos y modelos decorativos. Dedujeron
que una pintura era, ante todo, un arreglo de color de patrones bidimensionales.
96
INFLUENCIA JAPONESA
Tal vez la influencia japonesa fue troncal para el Art Nouveaou, principalmente el que
corresponde al periodo Ukiyo – e (“Pinturas del mundo flotante”), en el cual la línea
ondulante predomina al volumen aún en sus representaciones naturalistas que guardan
especial predilección por motivos de la naturaleza, flores, animales y lo eternamente
femenino. Aunque la corriente Ukiyo – e se desarrolló en el siglo XVIII fue a finales del
siglo XIX que Europa recoge sus importantes aportes.
Aubrey Vincent Beardsley (1872-1898), fue el más innovador ilustrador de finales del siglo XIX.
“La gran ola” de Hokusai.
97
El Modernismo
El Modernismo español se identifica con el movimiento catalán, en cuyo vértice se

encuentra Antonio Gaudí, el increíble arquitecto y diseñador nacido en 1852 y muerto
en 1926.
Su extraordinaria arquitectura, apadrinada por el visionario mecenas Don Eusebio Güell,

puede considerarse única en el mundo por su fantasía y libertad. Además de algunos
edificios privados, este hombre hizo posible la construcción del parque público
bautizado con su nombre situado en el noroeste de la ciudad de Barcelona. Este parque
constituyó el punto culminante en la fase madura de Gaudí, cuya meta ya no era la
superposición de elementos diferentes, sino el conjunto.
Esta obra monumental e intacta puede apreciarse hoy en la ciudad de Barcelona, así
como la de sus seguidores. Entre las principales construcciones destacan: El Parque
Güell y La Sagrada Familia (Catedral de la Ciudad).
98
SECESIÓN VIENESA
Secesión Vienesa, movimiento artístico vienés, nacido en 1897, encabezado por Klimt y
que agrupaba artistas como Otto Wagner, Koloman Moser, Ferdinand Hodler y Joseph
Maria Olbrich. Todos estos artistas pertenecían a la Asociación de los Artistas de las
Artes Visuales de Austria y decidieron romper con el academicismo imperante en el
momento, es decir, con las pautas establecidas. Exaltaban la libertad creativa y la
sexualidad como tema motivador y desafiante a la vez.
El 27 de junio de 1897 se reunió la Secesión por primera vez para delinear sus acciones.
Concordaron editar una publicación sobre arte y la construcción de una sala propia de
exposiciones. La revista publicada era Ver Sacrum (primavera sagrada). El edificio de la
Secesión fue construido por Joseph Maria Olbrich.
Edificio diseñado por Joseph Maria Olbrich.
Uno de los temas recurrentes es la mujer y el erotismo, cosa que escandalizaba a la

sociedad clásica de la época. En los cuadros de Klimt (primer presidente de la Secesión
Vienesa) puede verse una provocante y expresiva recurrencia a este motivo.
99
Gustav Klimt.
NACIMIENTO DEL CINE Y LA HISTORIETA
Nacimiento del Cine
Antecedentes del Cine

El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus posibilidades
artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas.
En 1877 el fotógrafo angloestadounidense Edward Muybridge empleó una batería de 24
cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo. Asimismo, Jules
Marey también realizó experimentos posteriores de tomas fotográficas consecutivas
para crear movimiento.
El Zootropo, Taumatropo fueron algunos de los tantos juguetes desarrollados previos al invento del cinematógrafo para mostrar
imágenes en movimiento. Muybridge mismo diseñó el zoopraxiscopio. Aparato en el cual se insertaban discos con una serie de
ilustraciones pintadas a mano, que al girar creaban la ilusión de movimiento
100
El Zootropo y disco para Zoopraxiscopio diseñado por Muybridge.
Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la

fotografía más que la cinematografía. Esto cambió cuando el antiguo inventor, y
entonces ya industrial, Thomas Alva Edison diseña la primera máquina de cine, el
kinetoscopio, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el
espectador —individual— tenía que ver a través de una pantalla de aumento. El
artefacto, que funcionaba depositando una moneda, no puede considerarse por tanto
un espectáculo público, y quedó como una curiosidad de salón que en 1894 se veía en
diferentes locales y eventos ambulantes en Nueva York, sin embargo, poco antes de
finalizar el año siguiente, en Londres, Berlín y París. ¡Eureka! aparece “le cinema”, de los
hermanos Lumière.
La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de1895, cuando los hermanos Louis y
Auguste Lumiere realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento
en un café de París. El cinematógrafo, tenía por antecedente el kinetoscopio de Thomas
Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel
artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de
reproducirlas. Los hermanos Lumière produjeron una serie de cortometrajes con gran
éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en
movimiento: Por un lado, exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores:
trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes, olas rompiendo en la orilla del
mar y un jardinero regando el césped y, por otro, representaciones escenificadas
grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas
Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895). El modelo del
cinematógrafo de los hermanos Lumiere y las películas se comenzaron a comercializar a
escala internacional.
101
Escenas del “Regador regado” y “Lllegada del tren”, cortos de los hermanos Lumiére. Diciembre de 1895.
Aunque los hermanos Lumiere nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades
técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a
un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban
indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine
documental y el cine de ficción que tiene por pionero a George Melies, considerado el
padre de los efectos especiales.
“Viaje a la luna” de Georges Mélies. Considerada la primera película de ciencia ficción.
102
Nacimiento de la Historieta
En 1896 aparece la historieta. En el marco de la competencia entre los diarios por captar
lectores, el 24 de diciembre de 1893 aparece el primer suplemento cómico a color de la
prensa, en el diario World de New York, propiedad de Joseph Pulitzer. Para el
suplemento dibujaba Richard Felton Outcault, desarrollando un cartoon llamado
Hogan's Alley, donde entre muchos personajes se destacaba un chico que vestía un
camisón amarillo, en el que el autor comenzó a insertar textos.
“Hogan's Alley” de Richard Felton Outcault. 22 de Noviembre, 1896

“A Turkey Raffle in Which the Yellow Kid Exhibitts Skill with the Dice” New York Journal.
En 1896 Outcault es contratado por la competencia, el Journal de William Randolph

Hearst, al que lleva su personaje. El 25 de octubre Outcault dibuja a su personaje
protagonizando una tira titulada The Yellow Kid and His New
La tira llamada “Phonograph”, es la primera en la que el protagonista y un loro hablaban

utilizando globos. Se presentaban de esta manera los elementos que caracterizan a la
103
historieta: un personaje con continuidad, secuencialidad en las imágenes y el habla

mediante globos. De la popularidad de Yellow Kid surge el nombre de prensa amarilla
para denominar a la prensa sensacionalista, como los diarios en los que aparecía este
personaje. La historieta tiene un origen espurio: su fin era aumentar las ventas de los
diarios sensacionalistas pertenecientes a los magnates norteamericanos, Joseph Pulitzer
y William Randolph Herst, que competían ferozmente entre sí. Yellow Kid era una tira
humorística, de allí que también le dio nombre al género: comic.
“The Yellow Kid and His New Phonograph” de Richard Felton Outcault 25 de Octubre, 1896 New York
Journal
104
Resumen
1. Esta unidad ha cubierto las principales corrientes artísticas y de diseño del siglo XIX,
desarrolladas en una centuria de grandes cambios industriales y tecnológicos que
repercutirán directamente en el arte y diseño (sobretodo editorial), como la prensa a
vapor, la fotografía y el cine.
2. Las principales corrientes artísticas – de carácter opuesto – que surgen en los albores
del siglo XIX son el Neoclasicismo y el Romanticismo.
3. Las corrientes Impresionista y Post- impresionista se centran en la exploración pictórica.
4. Al término del siglo XIX encontramos el Arts and Crafts y el Art NOVEAU que anticipan
las vanguardias del siglo XX y corrientes contemporáneos. Estos han sido estudiados
desde diversos puntos de vista estéticos como lo son el diseño gráfico, editorial, el
cartelismo, el diseño arquitectónico, de interiores y su diseño de vestuario.
Recursos
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artscrafts.htm
http://cartoons.osu.edu/yellowkid/1896/1896.htm
http://www.guzmanurrero.es/index.php/Arte/japonismo-la-influencia-japonesa-en-el-
arteeuropeo.html
http://html.rincondelvago.com/art-nouveau_1.html
http://doctorado07.wikispaces.com/La+Revoluci%C3%B3n+industrial
105
UNIDAD
3
EL DISEÑO EN LAS PRIMERAS
VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

investigando la influencia de las vanguardias en el diseño de las décadas de 1900 y 1920.
TEMARIO
Tema 5: El Arte y el Diseño en las Primeras Vanguardias

1.5.1 Fauvismo y Cubismo: El aporte de Henry Matisse y de Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El
desarrollo de la litografía y el grabado.
1.5.2 El Expresionismo alemán.
1.5.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera Guerra Mundial: Futurismo y
Dadaísmo, manifestaciones dadaístas: caligramas, readymades y collages.
1.5.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la Revolución Rusa y las formas geométricas
fundamentales.
Tema 6: El Arte y el Diseño desde el Minimalismo al Suprarealismo

1.6.1. De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg
1.6.2. Bauhaus: Inicios del geometrismo en el diseño gráfico e industrial.
1.6.3. Art Decó (Un arte decorativo de vanguardia).
1.6.4. Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel.
106
Tema 5: TENDENCIAS ARTÍSTICAS DE VANGUARDIA

INFLUYENTES EN EL DISEÑO: (1900 – 1920)
1.5.1 Fauvismo y Cubismo

Con el nombre de Vanguardia o ismo se conoce las diferentes rupturas con los modelos
de belleza dominantes que se produjeron en Europa durante el primer tercio del siglo
XX. Las denominamos en plural porque no constituyen un estilo artístico único, sino que
son tendencias y movimientos. Los primeros movimientos artísticos del siglo XX,
aquellos que se extienden en el tiempo desde 1910 hasta el estadillo de la segunda
guerra mundial. Son muchos los nombres que se suceden, los artistas que colaboran en
unos y otros movimientos y que pasen de uno a otro. Sus características principales son:
la ruptura con el arte anterior, el deseo de novedad, y la experimentación.
Fauvismo: El aporte de Henry Matisse.
También conocido como Fovismo, movimiento pictórico francés caracterizado por la

provocación del color. Su nombre procede del calificativo “Fauve” (en francés, fiera o
bestia en español) usado por el crítico francés Louis Vauxcelles, durante la celebración
del Salón de otoño 1905, al verlas dijo Mais c'est Donatello parmi les fauves. (“Pero si es
Donatello entre las fieras”) La mención a Donatello se debe a que en la sala había una
escultura de corte renacentista, rodeada por estas pinturas. Hubo problemas al calificar
esta serie de pinturas por sus particulares tonos de color muy provocativos. Los autores
de estas obras no le dieron importancia a este peyorativo, más bien lo adoptaron como
distintivo para sus obras.
107
Henri Matisse y su influencia y legado para el arte fue la utilización libre del color. En
1904 pinta Lujo calma y voluptuosidad (Luxe, calme et volupté), inspirada en un verso
del poema de Charles Baudelaire “l’invitation au voyage” Obra considerada como
síntesis del Post impresionismo, y al mismo tiempo convirtiéndose en el manifiesto del
Fauvismo.
En la obra de Matisse encontramos las características más resaltantes del Fauvismo:

subjetividad del color, simplificación del dibujo, desinterés por el acabado y colores
chillones, sorprendieron y le ganaron el desprecio de la crítica, cuando expuso sus
paisajes de Colliure en el Salón de Otoño. Igualmente, el Retrato de la señora Matisse o
La Raie Verte (la raya verde), caricatura femenina, excentricidad en el arte. El repudio de
la crítica convirtió al Fauvismo en el grupo de VANGUARDIA de París.
Retrato, Henry Matisse.
108
Les demoiselles d’Avignon. Pablo Picasso.
Cubismo.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en

Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert
Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Forma parte de las Vanguardias históricas del siglo
XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término “Cubismo” fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
bautizó a los Fauvistas. Al ver la pintura de Paul Cèzanne, del Monte Santa Victoria,
despectivamente dijo que las casas pintadas parecían pequeños cubos. Este nombre
nuevamente en lugar de ofender sirvió de estandarte para la corriente de artistas que
adoptaron el estilo geométrico de cubos.
El Cubismo no solamente se circunscribió a las artes plásticas, se manifestó también en

la literatura. El cubismo literario es una rama que se expresa con poesías cuya
estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no
tienen una métrica específica.
109
Mont Sainte-Victoire. Paul Cezanne.
EL cubismo es considerado por muchos la primera vanguardia, pues es la que rompe por
completo con el último vestigio renacentista vigente hasta inicios del siglo XX, la
perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las
formas de la naturaleza con figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se
adopta así la llamada perspectiva múltiple: se representa todas las partes de un objeto
en un mismo plano. Por ejemplo, podemos ver un rostro de perfil y una nariz de frente
en un solo plano. Una botella aparece en su corte horizontal y vertical a la vez. Los
detalles se suprimen y no hay profundidad.
A pesar de ser una pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos:
bodegones, paisaje y retratos. Se eliminan la gama de colores fuertes y chillones
característicos del impresionismo y el fauvismo para dar paso a una paleta más sobria
donde resaltan los grises, verdes ocres y marrones. Posteriormente se abrió más la
paleta.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista, es por

ello que fue la primera corriente en necesitar una exégesis por parte de la crítica,
llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica
artística. De ahí en adelante todos los movimientos artísticos de vanguardia venían
acompañados de textos.
110
Busto de mujer y Arlequín. Cubismo analítico. Picasso
Pablo Picasso fue un pintor español muy destacado, iniciador del Cubismo por su obra
“Les demoiselles d’Avignon”. Pintor prolífico, pintó más de 2 mil obras, que se
encuentran repartidas en los principales museos de Europa y el mundo. Incursionó en
varios géneros tales como el dibujo, la escultura, el grabado, la ilustración de libros, la
cerámica y el diseño de escenografía y vestuario.
La obra de Picasso pasó por varias metamorfosis y se dividen en periodos o épocas:

Periodo Azul, predominó los colores azules, formas realistas.
Periodo rosa: Su paleta se torna roja y rosa, duro tan solo de 1905 a 1906.
Protocubismo: Se desvincula de la representación exacta de la realidad
transformándolas con parámetros geométricos simples.
Cubismo: las formas geométricas aplanando todo y a su vez comprende el cubismo
analítico y sintético. Posteriormente Picasso entraría en el Surrealismo y Expresionismo.
Fue un artista muy polifacético y considerado uno de los más grandes del siglo pasado.
Bodegón. Cubismo analítico. Picasso.
111
Georges Braque Artista importante del siglo XX, Funda junto a Picasso el movimiento
Cubista y junto a Juan Gris la técnica del collage a través de su experimentación con los
papiers collés (papeles pegados)
Violin y jarra. Braque.
Guitarra y frutero. Juan Gris.
112
Pintura y collage. Juan Gris.
Desarrollo de la litografía y el grabado.
Piedra litográfica. Museo de la ciudad de Nueva York.
La litografía es un proceso de impresión ideado en 1796, hoy casi en desuso, salvo en el

campo del arte. Su creador fue el tipógrafo alemán Aloys Senefelder. Etimológicamente
su nombre viene de los términos griegos lithos (piedra) y graphe (dibujo). En la técnica
litográfica se utiliza la diferente adherencia entre sustancias hidrofílicas e hidrofóbicas.
Como el agua rechaza las tintas grasas, no se imprimen las zonas grasas, aunque se
encuentran en el mismo nivel, por ello las matrices litográficas se llaman también
planográficas.
113
En las técnicas manuales la formación de la matriz consiste en la adhesión de las tintas

grasas y resinosas sobre el papel litográfico. Con estas tintas se traza el dibujo que se va
a reproducir, el cual queda fijado mediante una solución de ácido nítrico y goma
arábiga. La adhesión de la sustancia grasa produce un jabón calcáreo o metálico
insoluble que constituye la base de señales de impresión.
Proceso para crear una litografía.
Piedra litográfica con dibujo.
Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se
dibuja la imagen a imprimir (de forma invertida) con una materia grasa, bien sea
mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el
agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las
zonas dibujadas previamente.
Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel tendrá que
pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. En los carteles
impresos mediante el sistema litográfico, tan frecuentes en la segunda mitad del siglo
XIX y primeras décadas del siglo XX, se utilizaban quince, veinte o más tintas. Entre ellos
son de destacar los que anunciaban las corridas de toros, los de las Semana Santa, y los
diseñados durante la Guerra Civil española.
114
Litografía estadounidense. Mediado siglo XIX.
En una imagen litográfica las letras no pueden ser retiradas y reutilizadas en otro sitio:
son únicas y precisan redibujarse, o copiarse, para cada uso. El litógrafo podía
reproducir una imagen «única» dibujada, combinando texto e imagen en complicadas
disposiciones formales del color. El proceso cromolitográfico alcanzó su cima durante el
siglo XIX. La mejora en los métodos del fotograbado (el grabado de una imagen
fotográfica en una plancha metálica recubierta con una capa sensible y «mordida»
después con ácido, obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la
supervivencia de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década
de 1890.
Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor
parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que
facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso, Toulouse
Lautrec, Joan Miró, Piet Mondrian, Ramón Casas, Alphonse Mucha, etc.
1.5.2 EL EXPRESIONISMO ALEMÁN
Durante la Primera guerra Mundial (1914 – 1918) el Arte no podía estar exento a tomar
una postura frente a los hechos, es así que algunas corrientes se manifestaron en contra
de la guerra y otras a favor. En éste contexto la evolución de la imagen apuesta por
dejar atrás la extravagancia ornamental del modernismo o Art Nouveau y optar por la
síntesis geométrica del cubismo, y articular un discurso que rompa con la lógica de la
realidad circundante para explorar en los terrenos del inconsciente u órdenes
alternativos como la literatura y el arte de lo absurdo venían incipientemente
planteándolo.
115
“El Grito”. Edvard Munch.
El expresionismo fue un movimiento cultural nacido en Alemania a principios del siglo

XX, que se plasmó en los campos de las artes plásticas, la literatura, música, cine, teatro,
danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en la pintura y coincidió con el
surgimiento del Fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos en los primeros
exponentes de las “vanguardias históricas”. Más que un estilo fue un movimiento
heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte, aglutino a diferentes artistas
de diversas tendencias y estilos, surgió como reacción al impresionismo, frente al
naturalismo y su carácter positivista. Los expresionistas defendían un arte más personal
e intuitivo, donde predominaba la visión interior del artista. La “expresión” frente a la
plasmación dela realidad, frente a la “impresión”. Otorga primacía a la expresión de los
sentimientos, en lugar de la descripción objetiva de la realidad.
“Versiones de “El Grito”. Edward Munch.
116
El expresionismo suele entenderse como deformación de la realidad para expresar de

forma más subjetiva la naturaleza del ser humano. Entendido de esta manera, el
expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así se le puede
llamar expresionista a obras de autores antiguos como Francisco de Goya o el Greco y
otros más contemporáneos.
Características:
Colores violentos y ejes temáticos de soledad y miseria. El expresionismo reflejó la
amargura que invadió a los círculos de artistas de la Alemania pre bélica. Deseo
vehemente de cambiar la vida, de buscar un nuevo lenguaje artístico. Defendía la
libertad individual, el irracionalismo, la primacía de la expresión subjetiva, el
apasionamiento por temas prohibidos: lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico,
pervertido.
No fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística, es por ello que
tenemos un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista
(Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinsy). Inicia en Alemania, pero tuvo
exponentes fuera, tales como Modigliani y Chagall. En Alemania se organizó
principalmente en dos grupos: Die Brücke y Der Blaue Reiter.
Madonna. Edvard Munch
El término expresionismo fue usado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste
Harvé, quien llamó “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en
el salón de los independientes en París. El término es adaptado del idioma francés.
117
Después de la primera guerra mundial, el expresionismo pasó en Alemania dela pintura

al teatro y al cine, que utilizaban su estilo en el decorado, pero de forma puramente
estética, desprovista de su significado original. Con la ascensión del Nazismo, el
expresionismo fue considerado un arte degenerado, tachándolo de inmoral y
subversivo. Tras la segunda guerra mundial, el expresionismo desapareció como estilo,
pero ejerció enorme influencia para las artes de la segunda mitad de siglo XX.
Tirol. Franz Marc.
Autorretrato. Marianne Von Werefkin.
118
Franzi ante una silla tallada. Ernst Ludwig Kirchner.
Ecce Homo. Lovis Corinth.
119
1.5.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera

Guerra Mundial: Dadaísmo y Futurismo, manifestaciones dadaístas:
caligramas, readymades y collages.
ARTE DE LO ABSURDO (DADAISMO)
“Elle as chaud au cul”. Marcel Duchamp.

El irreverente retrato con bigotes de La Gioconda, el célebre cuadro de Leonardo da Vinci.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en

Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dada;
posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. El
dada se expande a Nueva York con Picabia y Duchamp y luego a Berlín y París.
Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón

instaurado por el Positivismo. Se rebeló en contra de las convenciones literarias y
artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Al cuestionar y
retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación
abierta al orden establecido. Dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera
120
artística a la violencia extrema y la pérdida de sentido que trajo la Primera Guerra

Mundial. Se rebelaron a la muerte, a los horrores de la guerra mundial, a la decadencia
de la sociedad europea, a la fe ciega en el proceso tecnológico e inadecuado de la
religión y los códigos morales convencionales en un continente convulsionado.
Por eso Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los
principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la
pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en
cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y
aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás
dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la
imperfección contra la perfección. La estética dadá niega la razón, el sentido, la
construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la
provocación.
Interpretación de cabeza. Ready made de Roaul Housmann y Caligrama. Guillaume Apollinaire
El caligrama es un tipo de poesía para mirar y contemplar además de leer (poesía

visual). En el caligrama, el poeta escribe y va dibujando con las palabras algo alusivo al
texto. El ejemplo a mano izquierda es de Guillaume Apollinaire.
Instrucciones para componer un poema Dada. Tristan Tzara.
121
Manifestaciones dadaístas:
Caligramas, Ready Mades, Collage y Fotomontages.
La expansión de la corriente Dadá fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los
campos artísticos. Dada su naturaleza contestataria y la ambivalencia de algunos de los
grandes dadaístas (lo mismo dibujaban o pintaban que componían poesía) es que entre
sus manifestaciones encontramos múltiples medios y soportes, muchos de ellos de
naturaleza gráfica.
Los elementos de expresión gráfica de la catarsis dadaísta fueron recogidos por el

diseño gráfico en gran medida que no deja de resultar sorprendente la habilidad con
que se destilaron del lenguaje virulento antiburgués hacia sistemas formales que
permitieran su reinserción en la misma sociedad que los había rechazado. Eso nos
permite disfrutar los aportes a la gráfica que una corriente ecléctica, difusa, pero con
gran capacidad de exploración y experimentación, nos ha legado. La revolución
tipográfica, el collage absurdo presurrealista, el fotomontaje y el diseño de revistas
especializadas (única red de información con que contaron las ideas programáticas
Dadá), son algunos de los hallazgos que significaron aportaciones tan fundamentales
para la evolución del diseño gráfico.
Collage, técnica pictórica que consiste en pegar diversos materiales como lienzo,
madera, papel o cartón sobre una superficie plana. La diferencia decisiva y característica
entre la técnica del collage (del francés coller, pegar) y la pintura es que, en lugar de
crear una imagen con color y línea, se construye el dibujo con materiales
aparentemente tan incompatibles como los mencionados.
Collage.Hann Hoch Collage. Raul Housmann
Ready-made, es un objeto cotidiano convertido en obra de arte por la magia de la

voluntad del artista. Marcel Duchamp es el primero en designar con este nombre a un
122
grupo de obras creadas por él entre 1913 y 1921. Para ello eligió objetos
contemporáneos fabricados en serie y los expuso con una intención estética y
provocadora. Entre sus ready-made célebres cabe citar la Rueda de bicicleta (1913),
colocada sobre un taburete, así como la legendaria Fuente (1917): un urinario de
cerámica esmaltada firmado como R. Mutt, nombre de un fabricante de sanitarios
neoyorquino con el cual ganó un concurso de esculturas generando una gran
controversia.
“Fuente” y “Rueda de bicicleta”. Marcel Duchamp.
Fotomontaje es un proceso fotográfico que consiste en fundir en una imagen final,

mediante técnicas de cámara o de laboratorio, varias fotografías o segmentos de éstas.
Es también una herramienta de creación para muchos artistas, inspirada en la técnica
del collage. En realidad, ésta técnica nace prácticamente con la fotografía, pero es el
movimiento Dadá quien utiliza por primera vez este término para referirse al hecho de
recortar u yuxtaponer fragmentos fotográficos de diversa procedencia (copias propias,
recortes de prensa y de revistas) y no respeta proporciones, unidades de textura, de
estilo y de espacio. Destacan especialmente los miembros alemanes del movimiento:
John Heartfield, George Grosz, Raoul Hausmann y Hannah Höch.
123
Fotomontaje John Heartfield
Fotomontaje Hoch y Hausmann
124
Poema Dadá.
FUTURISMO.
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer

decenio del siglo XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de
Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de febrero de 1909 el
Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo
un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al
espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes
ciudades. Culto a la belleza de la velocidad. El mismo Marinetti declaraba:
“Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la
belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece
correr sobre una estela de metralla.”
Carlo Carra. “The Red Horseman.”
125
En 1910 ya se puede hablar de este grupo. Trabajarán artistas como los pintores
Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la
mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma
como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad,
la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde
la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos
movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista
difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la
guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana,
máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando
progresivamente todo populismo o simbolismo.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya
que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la
sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la
impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia,
pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos
y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color
como una vibración de forma prismática.
Umberto Boccioni. “Dinamismo de un ciclista.”
Este movimiento, como es de esperarse excedió los soportes convencionales de la

pintura o la escultura, para dar paso a la acción misma a través de la performance (Un
acto con finalidades artísticas). Asimismo, sus publicaciones (pequeños periódicos
donde exponían sus ideas, poesía, literatura, etc.) reflejarían en su tipografía y
diagramación el espíritu de este movimiento.
Caracteristicas principales:
• Nace influenciado por el CUBISMO
• Va evolucionando progresivamente hacia formas más dinámicas (Una estética
126
diferenciada por su amor a la velocidad)

• Movimiento netamente italiano.
• Los futurisas condenan a los museos, calificándolos de CEMENTERIOS,
Giacomo Balla. “Velocidad de un automóvil.”
Merz y su aporte a la Gráfica
Kurt Schwitters - creador del fotomontaje político - miembro de Dadá que hizo del
diseño gráfico su principal actividad profesional (Al igual que John Heartfield,
compañero suyo en el movimiento Dada). Montó su propia agencia de publicidad entre
1923 y 1932 en la que ofrecía “asesoría publicitaria y unos completísimos servicios de
diseño”. Uno de sus principales clientes fue “Pelikan”, la conocida empresa fabricante
de equipos y suministros para oficinas. Durante esos años publicó su propia revista
llamada “Merz”.
En Merz, Schwitters y sus colaboradores aún siguieron difundiendo el espíritu del

dadaísmo, además de contribuir a la modernización de la tipografía y el diseño gráfico.
Otros datos interesantes en la trayectoria de Schwitters los tenemos cuando la ciudad
de Hannover lo contrata como asesor tipográfico durante varios años, dictó
conferencias en la Bauhaus, colaboró con De Stjil al cual dedicó dos números de su
revista Merz, uno al diseño publicitario y otro sobre la nueva tipografía, trabajó con El
Lissitzky (de quien publicó sus tesis tipográficas) y también explicó sus propias tesis
sobre la tipografía.
127
EN RESUMEN, Los primeros años del siglo XX se verán marcados por un proceso de
industrialización insólito hasta entonces. Ante ello el movimiento Art and Crafts
revaloriza la manufactura y métodos mecánicos en el diseño gráfico e industrial. La
Primera Guerra Mundial remece los cimientos de las convenciones humanas más
profundas, ello se manifiesta en el arte y será una de las motivaciones para la
generación de las vanguardias, o la expansión en el caso del Cubismo que venía
desarrollándose desde 1907.
1.5.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la

Revolución Rusa y las formas geométricas fundamentales.
CONSTRUCTIVISMO RUSO: (1900 – 1920)
El Constructivismo se desarrolló en el marco de la Revolución Rusa de 1917. Fue

fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la
construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales
industriales, como metal, alambre y trozos de plástico. Las primeras obras
representativas de este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin fechadas
entre 1913 y 1917. Para él, la gran revolución constructivista se materializaba en la
derrota del claroscuro escultórico.
128
10.1 Afichismo en la Revolución rusa.
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexander Rodchenko, El Lissitzky, Naum

Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el
Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.
Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920, en
general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la
abstracción. El utilitarismo, actitud frente al arte que dominaba en la recién constituida
Unión Soviética (URSS), sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una
utilidad social. Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica.
129
Afiche constructivista con Lennin como protagonista y afiche estilo constructivista.
Afiches de la revolución.
130
Famoso afiche para la clase obrera femenina en el nuevo gobierno soviético. Año 1925.
A la izquierda, la adaptación del grupo Franz Ferdinand en el siglo XXI.
“Golpead a los blancos con la cuña roja” 1919. El símbolo del ejército bolchevique era la cuña roja que
corta diagonalmente la esfera blanca que representa las fuerzas de A.F. Kerensky.
131
Naum Gabo y Antón Pevsner
La propuesta de Gabo y Pevsner dentro del Constructivismo es netamente escultórica,

su método más recurrente de composición escultórica es curvar superficies planas y
alambres generando de éste modo volúmenes y espacios.
Herencia del constructivismo.
Primer Cartel de la Revolución Cubana. Eladio Rivadulla Martinez.
Cartel de la revolución China con Mao Tse Tung
132
El Suprematismo
El Constructivismo tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el

dadaísmo y, principalmente el suprematismo, desarrollado este último paralelamente
en Rusia.
En su intento de reducir el arte a su más pura esencia, el artista ruso Kazimir Maliévich
eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente
subjetivas. Su abstracción radical, conocida como suprematismo, influyó
considerablemente en el arte del siglo XX. Este cuadro, denominado Suprematismo, fue
realizado hacia 1919.
El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas

fundamentales, en particular el cuadrado y el círculo. Se formó en Rusia y aparece
paralelamente al Constructivismo. Se inició con las ideas de Kasimir Malevich quien
proponía buscar la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. El
suprematismo rechazó el arte convencional. Se desarrolló entre 1913 y 1923. No seguía
el estilo tradicional de la pintura ni tenia mensajes sociales. Los suprematistas se
juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era
Malevich.
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (nacida en 1922) determinó que, al

haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 está vanguardia
estaba casi extinta. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció gran influencia
para el mundo occidental en el desarrollo del arte y el diseño.
133
TEMA 6: EL ARTE Y EL DISEÑO DESDE EL MINIMALISMO AL SURREALISMO
1.6.1 De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg
Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872. Sus primeras obras, hasta 1907,
eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908,
bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con
colores más brillantes, y ello fue el punto de partida de sus intentos por trascender la
naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series
analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914).
Composición. Mondrian.
En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo

Van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que
Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas
formas artísticas que denominó neoplasticismo.
Sostenía que el arte no debía implicarse en la
reproducción de imágenes de objetos reales,
sino expresar únicamente lo absoluto y universal
que se oculta tras la realidad. Rechazaba las
cualidades sensoriales de textura, superficie y
color y redujo su paleta a los colores primarios.
Su creencia de que un lienzo, es decir una
superficie plana, sólo debe contener elementos
planos, implicaba la eliminación de toda línea
curva y admitió únicamente las líneas rectas y los
ángulos rectos. Murió el 1 de febrero de 1944 en
Nueva York
Broadway Boggie. Mondrian.
134
Características:
1. Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo

orden armónico de valor universal.
2. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos.
3. Planteamiento totalmente racionalista.
4. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas
rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o
formando ángulos rectos.
5. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
6. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o
tonal (blanco, negro y grises).
7. Empleo de fondos claros.
 DE LA ABSTRACCIÓN AL MINIMALISMO Y LA INDUSTRIA.
1.6.1 De Stijl: Inicios del minimalismo
Proceso de abstracción. Theo Van Doesburg.
Fundado por Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld, fue un
movimiento artístico cuyo objetivo fue difundir los principios del neoplasticismo y lograr
135
la integración de las artes o el arte total. Se manifestaron a través de una revista del
mismo nombre que se editó hasta 1931.
Doesburg, sintetizó el espíritu y la esencia del grupo con esta frase: "Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo."
En 1921 se abrió al Dadaísmo y en 1922 y 1923 Arp y Schwitters se encargaron de la

edición de un suplemento Dadá llamado "Mecano". Mondrian dejó de participar en la
revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta 1928, siendo una de las revistas
de arte de vanguardia más importantes del periodo de entreguerras.
En 1925 Mondrian se separó del grupo por desavenencias teóricas con Doesburg. Este
último quería que la línea inclinada formara parte del lenguaje neoplasticista, pero
Mondrian la sentía como un elemento desestabilizador.
Características:
 Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden
armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece
sólo lo elemental.
 Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas,
planos y cubos.
 Planteamiento totalmente racionalista.
 Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas
rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o
formando ángulos rectos.
 Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por
la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría.
 Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal
(blanco, negro y grises).
 Empleo de fondos claros.
1.6.2 Bauhaus: Inicios de Geometrismo en el diseño gráfico e industrial
Primer edificio Bauhaus en Weimar, diseñado por Henry van de Welde. 1919 - 1924
136
BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue una escuela de arte y

diseño fundada en 1919, en Weimar (Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925
a Dessau y es disuelta en 1933 en Berlin.
La Bauhaus fomentaba, desde su fundación, ideas que alentaban la unidad perdida

entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a las
implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a
lograr la unidad de las bellas artes convocando esfuerzos en busca de la construcción de
la Obra de Arte Total la cual se culmina en el diseño arquitectónico.
Fuertemente influenciada por el movimiento De Stijl, también la Bauhaus buscará la

creación de imágenes y diseños a partir de formas geométricas sintéticas, especialmente
durante su última etapa en la cual su último director Mies Van Der Rohe declara
explícitamente el principio angular del minimalismo: “MENOS ES MÁS”.
Segundo edificio Bauhaus en Dessau diseñado por el mismo Walter Gropius 1925 - 1932
Durante la segunda etapa de la Bauhaus en Dessau (1925 – 1932) se funda la Bauhaus

Corporation, una sociedad mercantil para gestionar la venta de los talleres a la industria.
De la Bauhaus salieron en abundancia muebles y otros productos que influyeron en la
vida del siglo XX, llegando a lanzar la propuesta de viviendas modulares. La Bauhaus
innovó el diseño de los objetos que cotidianamente nos acompañan en el hogar, el
centro de labores o estudio, la calle, en fin, muchos ambientes de nuestro diario vivir.
"La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como" diseño
industrial y gráfico"; puede decirse que antes de la existencia de la bauhaus estas dos
profesiones no existían como tal y fueron concebidos dentro de esta escuela. Sin duda la escuela
estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las
tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva
estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se
sienta hasta la página que está leyendo".
VonEckardt
137
Profesores Notables:
Muchos miembros de la corriente dadaísta o los pintores de la entonces incipiente
abstracción también fueron profesores en la Bauhaus como Vasily Kandinsky – A quien
se le considera el padre de la abstracción, a la derecha una composición suya de 1912 –
o Paul Klee. El Kandinsky de esta época escribe un conocido libro: "De lo espiritual en el
Arte" en que unificar es un primer paso, luego codificar, y finalmente difundir a través
de la enseñanza para que al acceder a los códigos las personas que contemplen un
cuadro puedan sentir las mismas emociones que el artista. Es la búsqueda del Arte
Total. Formas, colores, sonidos, olores, todas las manifestaciones componiendo la danza
de lo único. Muchos consideraron esto como un delirio místico, pero Kandinsky se
preocupó de demostrar, con más profundidad que otros, la relación entre arte y ciencia.
La geometría constituyó uno de sus mejores medios de expresión para este fin.
Otro pintor importante será el cubista Lyonel Feininger, que presentará al movimiento
De Stijl a la Bauhaus en 1919 y el mismo año ilustró la portada del manifiesto de la
Bauhaus con una xilografía suya titulada “Catedral” por considerar la Catedral como el
símbolo de la unidad arquitectónica que reúne todas las artes y a la Bauhaus un templo
del saber.
Diseño Industrial
Mies Van Der Rhoes
138
Mies Van Der Rhoes
Marcel Breuer
Marcel Breuer
Walter Gropius
139
Walter Gropius
Diseño Gráfico
La campaña gráfica más conocida de Pelikan fue la que diseñó el artista ruso El Lissitzky, que también fue profesor en la Bauhaus
La Bauhaus y la nueva tipografía:
Lászlo Moholy Nagy
Hungría 1895 – Estados Unidos 1946. Pintor, escultor, diseñador y fotógrafo. Entre 1923
y 1928 enseñó en la Bauhaus convirtiéndose en uno de los miembros más destacados
del arte abstracto.
Moholy-Nagy se trasladó a Estados Unidos en 1937 y fundó en Chicago la Nueva

Bauhaus —que se convertiría posteriormente en una escuela de diseño integrada en el
Instituto de Tecnología de Illinois— que dirigió hasta su muerte. Moholy-Nagy era
partidario de los colores contrastados, muy vistosos, y ponía énfasis en la claridad
absoluta de la comunicación, sin nociones estéticas pre-concebidas.
140
Para Moholy-Nagy, la tipografía era. “… Un elemento de la comunicación. Hay que hacer

hincapié en su claridad absoluta. […] Legibilidad; la estética a priori jamás debe afectar
la comunicación. Nunca hay que forzar para introducirlas en un marco pre – concebido,
por ejemplo, un cuadrado.”
Herbert Bayer
Es el más conocido diseñador gráfico de la Bauhas, desarrollando su trabajo de fuerte

carácter tipográfico principalmente entre 1925 y 1928, imponiendo el estilo “Sans Serif”
(Palo Seco) Bayer solía hacer sus diseños únicamente en mayúsculas o minúsculas por
considerar que los dos alfabetos (el mayúsculo y el minúsculo) tienen diseños
incompatibles, por tener dos signos totalmente diferentes para expresar el mismo
sonido oral.
Principales tipógrafos: Moholy Nagy y Herbert Bayer
1.6.3 Art Decó (Un arte decorativo de vanguardia).
El Art Déco surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art
Nouveau, característico del cambio de siglo, y a la vez como una estética nueva para
celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno. Su principal
141
característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes y

simétricas. También se asocian a este estilo los colores primarios brillantes, la
utilización de cromados, esmaltes y piedras muy pulidas, y los diseños de inspiración
egipcia y griega.
Ejerció una gran influencia la tumba del faraón Tut Anj Amón (que se abrió en 1922),
que puso de moda los motivos egipcios, y el cubismo, con su elegante estética
geométrica.
Características principales.
1. El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la

esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
2. Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza,

rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes.
3. Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la

velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.
4. Representación de elementos fitomorfos: se utilizan las flores, los cactus, las

palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
5. Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico,

maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el
carey.
142
Cartel y portada de revista estilo Art Deco.
Diseño Industrial
Diseño Gráfico
143
.
6. En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates
terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que
sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el
mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.
144
Ayuntamiento de Buffalo, Nueva York, pieza maestra del Art Deco norteamericano
7. Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas aztecas, mayas o

incas y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos
de Egipto, mesopotámica, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
8. Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las

urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que
participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el
pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su
liberación.
145
Principales diseñadores Art Deco:
Paul Poiret (modisto)
146
René Lalique (orfebre y joyero)
147
Émile Jacques Ruhlmann (mobiliario)
148
Jean Dunand (acabados laqueados)
Diseños de relojes de Christophe Claret y Thierry Oulevay

(Año 2003) Inspirados en el estilo de Jean Dunand
149
Jean Puiforcat (platería)
Edificio Chrystel
William van Allen (Nueva York 1930)
150
Edificio Chrysler de William van Allen (Nueva York,1930)
Radio City Music Hall

Donald Deskey, Nueva York (1931)
151
New India Assurance Building, 1936, Bombay (India) y Burkbank City Hall, 1943
ART DECO EN LIMA
152
1.6.4 Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel.
Última cena. Salvador Dalí.
Fue un movimiento artístico y literario que forma parte de las vanguardias históricas y
surge en Francia a partir del Dadaísmo, durante la década de 1920. Su significado
etimológico SU: sobre. Da a entender algo que está por encima del realismo. También se
le llama Superrealismo. La capacidad imaginativa y la sugerencia de sus construcciones
mentales significaron, sin duda, una verdadera revolución en el arte posterior a la
Primera Guerra.
El termino procede del escritor francés Guillaume Apollinaire, quien acuñó el término en
1917.La palabra surrealista aparece en el subtítulo de “las Tetas de Tiresias” (drama
surrealista) de 1917: “Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda,
que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el
surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más
que una rueda a una pierna.”
En la pintura, el precedente más notable es “El Bosco”, que en los siglos XV y XVI creó
obras como “EL jardín de las delicias” o “El carro de heno”. EL surrealismo retoma estos
elementos y ofrece una reformulación sistemática.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor,
líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías del famoso sicoanalista
Sigmund Freud y Alfred Harry.
Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el Dadaísmo, precedido por
Tristan Tzara. Se da un encuentro entre ambas corrientes. Destrucción nihilista
(Dadaísmo); construcción romántica (surrealismo).
153
Tríptico del Jardín de las Delicias y detalle del Carro de Heno de “El Bosco” (S.XV)
Anticipan el carácter fantástico y onírico que aplicaría el surrealismo en el siglo XX
En el año 1924 Bretón escribe el primer “Manifiesto Surrealista”, de donde destaca lo

siguiente:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio

se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el
funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la
intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o
moral.”
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer
Manifiesto Surrealista. Surgió por tanto como un movimiento POÉTICO, en el que la
pintura y la escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
154
El inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad,

sino que forma un todo con ella.
El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una
asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija
como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas
mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que
habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Referentes y técnicas
 Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios

pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, al Marqués de
Sade, entre otros.
 Su precedente más inmediato es el Dadaísmo. El surrealismo tomó del dadaísmo

algunas técnicas de fotografía y cinematografía, así como la fabricación de
objetos: Collage, ensamblaje de objetos incongruentes.
 Invención del Frottage por Max Ernst.
 Cadáver exquisito: consiste en que varios artistas hacen una obra conjunta sin
mirar lo que el otro ha hecho.
 Automatismo: Reflejo del inconsciente: crear dé y a partir de todo.
 El método “paranoico-crítico” de Dalí.
155
La persistencia de la memoria. Salvador Dalí.
La metamorphosis de Narciso. Salvador Dalí.
La tentación de San Antonio, Salvador Dalí
156
Fotografías Surrealistas “Dalí Atómico” por Philippe Halsman.
El surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora. Principales

exponentes: Max Ernst, Joan Miró, Hans Arp. Más tarde, se incorporó el pintor belga
René Magritte y el pintor catalán Salvador Dalí en 1930. (Relegado por sus colegas al ser
acusado de su interés comercial del arte).
Dalí se caracterizó por plasmar en lienzos imágenes de sueño, del inconsciente, seres
con estética realista fusionados con otros seres en ambientes y situaciones extrañas, es
por eso que en su obra podemos ver caballos y elefantes con patas de hormiga, relojes
derritiéndose, cuerpos levitando, generalmente al aire libre con cielos amplios.
Obras de Joan Miró
Pleasure. René Magritte.

157
Esto no es una pipa. René Magritte.
El hijo del hombre. René Magritte.
158
Fotografías de Man Ray.
Cine: El perro andaluz
Cortometraje mudo de 17 minutos, escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis

Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí. El rodaje duró 15 días y
nació de la confluencia de dos sueños: Dalí le contó que soñó con hormigas que
pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.
Luis Buñuel seguirá haciendo películas de influencia surrealista, pero con una secuencia
narrativa lógica como Los olvidados (1950), Nazarín (1958), rodadas en México o
Viridiana (1961), en España. Otros filmes serán Simón del desierto (1965) Bella de día
(Belle de jour, 1966), Tristana (1970) y El discreto encanto de la burguesía (1972), Ese
oscuro objeto del deseo (1977).
159
SURREALISMO EN LA PUBLICIDAD
Publicidad de Wols Wagen con evidente alusión a obra de Magritte y Dalí.
160
Resumen
 La Primera Guerra Mundial remece los cimientos de las convenciones humanas más
profundas, ello se manifiesta en el arte y será una de las motivaciones para la
generación de las vanguardias, o su expansión en el caso del Cubismo que venía
desarrollándose desde 1907. Estos movimientos artísticos con provocadores, buscan
romper lo establecido y desafiar la tradición.
 El fauvismo explorará las posibilidades expresivas de la pintura, recurriendo para ello a

una gama encendida de color así como un trazado enérgico y libre.
 Futurismo como Dadaísmo legarán innovaciones de gran valor para la gráfica y las artes
en general: Diagramación insólita, caligramas, ready mades, collages y fotomontajes.
Grandes aportes del Dadaísmo a la gráfica los encontramos en su publicación Merz.
 DeStijl, el constructivismo ruso y la Bauhaus encuentra en la geometría un lenguaje

universal, accesible y práctico para todos que refleja los grandes cambios. En los tres
casos· el diseño tiene una orientación utilitaria borrando la frontera entre Arte y
Artesanía, dando lugar así a la profesionalización del Diseño Industrial.
 La corriente del constructivismo ruso difunde las ideas de la Revolución de 1917, esta
gráfica servirá de referencia a situaciones similares posteriores que ocurran en otros
lugares del mundo.
 Después de la Primera Guerra Mundial vino un período de glamour y frenetismo, la

principal corriente desarrollada en diseño fue el Art Deco que incorporaba la geometría
a la elegancia heredada del Art Nouveau.
 El surrealismo ofrece un alto grado de experimentación: Le interesaban la creación

desde el inconsciente, la ruptura del orden lógico de las cosas e incursiona en varias
manifestaciones artísticas (pintura, collage, poesía, cine, etc.).
 La industria del cine consolidará el sonido, el color y los efectos especiales en sus
producciones, propiedades en las que venía trabajando y experimentando desde sus
inicios
Recursos
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
http://wiki.taringa.net/posts/arte/2601208/Fotomontajes-de-Grete-Stern.html
http://visionesdevanguardia.com/profiles/blogs/fotomontaje-raul-haussmann
http://historiarte.info/constructivismo-1917-rusia/
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html
161
UNIDAD
4
EL DISEÑO EN LOS INICIOS DEL DISEÑO
CORPORATIVO HASTA NUESTROS DÍAS

investigando el modo en que la gráfica interacciona con la sociedad de consumo entre
las décadas de 1930 hasta nuestros días.
Temario:
1.7. Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño Corporativo

1.7.1 Nacimiento de la Identidad Corporativa. Movimiento Isotype.
1.7.2 El Auge del afichismo: Afichismo en la Edad de Oro del cine. Influencia del constructivismo para el
afichismo Entre – guerras.
Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.
1.7.3 Nacimiento y Proliferación de Disney
1.7.4 La Segunda Guerra Mundial: Afichismo y Publicidad en la Segunda Guerra Mundial
y propuestas plásticas de la Pos Guerra 1945 – 1950 (Expresionismo abstracto: Jackson Pollock. William de
Kooning. Geometría modular: Maurits Cornelis Escher)
1.8. Tema: Revalorización del Diseño Impreso y la Gestación del Postmodernidad

1.8.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y Conceptualización de la Imagen. Escuela
de Nueva York. Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo y los isotipos Olímpicos.
1.8.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Arte psicodélico: Influencia del Art Nouveau y el misticismo
Oriental, Pop Art: David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y el nacimiento y apogeo del Anime
japonés: Ozamu Tezuka, Igarashi.
1.8.3 Estética Punk en la Gráfica y el Grafitti de Basquiat y Banksy.
1.8.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de Jan Svankmajer y los nuevos soportes para el diseño
y la revolución digital.
Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño Corporativo
162
1.7.1 Nacimiento de la identidad corporativa. Movimiento Isotype.
Un nombre importante para la evolución del diseño moderno es Walter P. Paepcke

(1896 –1960). No se trataba de un diseñador gráfico, sino más bien de un industrial de
Chicago que fundó en 1926 la Container Coporation of America donde se fabricaban
modernísimos envases de cartón y cartón ondulado.
Paepcke contaba con la compañía de su esposa Elizabeth Nitze Paepcke, artista visual
que lo inspiró a tomar conciencia de la importancia del diseño para fines comerciales y
lo impulsa a contratar a Egbert Jacobson como primer director del nuevo departamento
de diseño corporativo del país.
Con su experiencia en el color se transformaron los interiores de la fábrica, sustituyendo

los marrones y grises industriales por colores más alegres. Asimismo se aplicó la marca
de la fábrica a la papelería en general (facturas, cheques, sobres, etc.) a los vehículos y la
señalización, mientras Paecke se convertía en un defensor y mecenas del diseño así
junto a Jacobson brindaron a la Bauhaus de Chicago todo el apoyo material y moral a su
alcance.
Izquierda, anuncio de Egbert Jacobson y derecha, anuncio de A.M Cassandre.
163
Izquierda, anuncio de A.M Cassandre, derecha anuncio de Herbert Bayer.
Egbert Jacobson. Logotipo de la Containe Corporation of America en papelería de la

empresa en 1936. Al combinar el mapa con la imagen del producto sugería el alcance
nacional de la empresa.
Movimiento Isotype.
La propuesta de éste movimiento era lograr “Un lenguaje mundial sin palabras”. Tiene
su inicio en la década de 1920 y más adelante proseguirá su curso en la década de 1940.
Su fundador es el sociólogo vienés Otto Neurath (1882 – 1945) consideraba que los
cambios sociales y económicos después de la primera guerra mundial se requería de
una comunicación más clara y rápida, acorde al avance tecnológico de los tiempos. Es
así como decide recurrir a pictogramas elementales para reproducir mensajes
complejos, con signos exentos de toda decoración.
164
El nombre que se eligió para designar este movimiento fue “Isotipe”: International
System of Typographic Picture Education (Sistema Internacional de Educación Pictórico
– Tipográfica), en Holanda en el año 1934. Los pictogramas se diseñaban para expresar
en gráficos y diagramas conceptos sutiles como un inmigrante, una persona en un
paradero e inclusive un borracho.
Diagramas desarrollados por el Neurath y su grupo “Isotipe”, a la izquierda un diagrama de la estratificación social en Viena hecho
en 1930 y en la parte superior la contabilidad de nacimientos y defunciones en Viena hecho en 1928.
Nótese en el segundo diagrama la alta tasa de mortalidad que se presentó en Viena en los años de la Primera Guerra Mundial.
Para Neurath “Isotype” era un “lenguaje pictográfico” que permitía al lector establecer
conexiones. Por eso el principal aporte de este movimiento es el conjunto de
convenciones que desarrollan para formalizar el uso de este lenguaje, que comprende
dos cosas:
1. Sintaxis pictográfica: Sistema de imágenes conectadas que crea una

estructura ordenada y un significado.
2. Diseño de pictogramas simplificados.
165
Entre los allegados al grupo de Neurath destaca Rudolf Modley que fundó la Pictorial
Satistics, más tarde la Pictographic Corporation, que fue la rama norteamericana del
movimiento. Modley opinaba que los símbolos debían seguir las características del buen
diseño:
- Eficacia a cualquier escala de reproducción.

- Tener características únicas que lo diferencien de los demás símbolos.
- Servir tanto en perfil como en silueta.
- Funcionar como unidad estadística que permita llevar las cuentas.
Gerd Arntz (1900-1988)
Impacto y herencia del movimiento:
Después de la Segunda Guerra Mundial se investigará en sistemas universales de

lenguaje visual y se hará un uso extendido de pictogramas en sistemas de señalización e
información.
166
1.7.2 EL AUGE DEL AFICHISMO: AFICHISMO EN LA EDAD DE ORO DEL CINE.

INFLUENCIA DEL CONSTRUCTIVISMO PARA EL AFICHISMO ENTRE – GUERRAS.
Los años 30.
“Gone with the wind” (“Lo que el vento se llevó) 1939 constituye con “El Mago de Oz” las dos películas pioneras en el uso del
technicolor.
El cartel o afiche para cine va a seguir un desarrollo diametralmente opuesto al

afichismo político antes visto, y es que en una época de grandes crisis y austeridad
extrema, el cine estadounidense se volvió un escapismo, convirtiendo a Hollywood en
un reducto de fantasía y glamour. Hay quienes afirman que “La Edad de Oro” del cine –
donde encontramos las películas “clásicas” empieza justamente en la década de los 30, y
se prolonga hasta los 60’s. Esta forma de mirar el cine, exige una imagen de ensueño y
majestuosidad que se hacen presentes en un lenguaje pictórico centrado en la
emotividad de los personajes reforzada por el color saturado con el que se pintan sus
rostros, el ambiente donde se le ubica (a partir de 1935 se suele sintetizar en fondos de
intensos colores hechos con efecto de expresivos brochazos acompañados por escenas
de la película, conformando una composición adyacente que bien rodea o bien está a los
pies de los protagonistas, y una tipografía frenética muchas veces manuscrita).
Mucho de esta estética se prolonga hasta 1960, a partir de entonces la gráfica

encontrará otros caminos, pero si algo nos deja esta etapa del cine es la fascinación que
siempre nos provocará la actitud del personaje, de modo que hasta nuestros días, gran
parte de anuncios cinematográficos siguen utilizándolo como motivo principal.
167
“It happened one night” 1934, “The life of Emile Zola”1937, “Jezebel la tempestuosa” 1938.
“King Kong” 1933 y “El Mago de Oz” 1939.
168
A pesar de que el primer filme sonoro “El Cantor de Jazz” se estrena en 1928, durante
los años 30’s Charles Chaplin se niega a hacer cine hablado, incluye algunos sonidos o
pone algún acompañamiento musical, pero la voz pondría término a su personaje de
“Charlot, el vagabundo” que lo interpretaba exitosamente desde 1913. Recién en 1940
el bufo habla interpretando el personaje de “El Gran Dictador”, cuando al término de la
película articula un discurso pacifista, dando con ello término al personaje.
Los años 40.
169
Los años 50.
170
ESTÉTICA ENTRE GUERRAS (1930-1940)

Alrededor de la década de los 30´s el legado del gusto por lo fabril que nos dejaron las
corrientes “geometristas” (Constructivistas, Neoplasticistas, etc.) se enriquecerá con las
formas hidro y aero dinámicas que la industria del transporte aportará a la tecnología.
La extensión del uso de la baquelita en los electrodomésticos y el uso de una línea curva
libre de connotaciones orgánicas en el diseño industrial teñían a los oscurecidos hogares
- por la sombra de la gran crisis económica de 1929 - de un barniz de ilusión modernista.
El jueves 24 de octubre de 1929, se produjo el crash de la bolsa de Wall Street. Más de

13.000.000 de títulos que cotizaban por debajo de su precio, no encontraron
compradores y ocasionaron la ruina de miles de inversores, muchos de los cuales,
habían comprado las acciones con créditos que ya no podrían pagar. Bajo éste contexto
de crisis con repercusión a nivel mundial, el diseño gráfico e industrial se vuelve más
austero y económico.
Tiempos Modernos 1936, Charles Chaplin
171
Influencia del constructivismo para el afichismo Entre – guerras.

Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.
Estrictamente si hablamos del periodo “Entre – Guerras” nos referimos a la época

comprendida entre las dos grandes guerras mundiales, es decir entre 1919 y 1939.
Para el caso del estudio de los anuncios y piezas gráficas similares que se elaboraron
durante los gobiernos militares de Alemania y España de corte Fascista, que recoge
muchos aportes de la estética constructivista, nos concentraremos especialmente
durante la Guerra Civil Española (1931 – 1939). Recordemos que el Fascismo se
caracteriza en esencia por el corporativismo estatal totalitario que plantea una sumisión
de la razón a la voluntad y la acción.
La Primera Guerra Mundial constituye el nacimiento de la propaganda sistemática

moderna por parte de los estados más poderosos, en donde se pondrían en práctica los
elementos persuasivos más importantes. La Segunda Guerra Mundial es el epitome más
nefasto del poderío de la persuasión de masas por medio del uso de la propaganda y su
sistematización científica aplicados en un conflicto. Sin embargo la Guerra Civil Española
y el acenso al gobierno de Adolfo Hitler, son el punto medio de continuidad entre las
dos Guerras Mundiales, donde el arte se convierte en arma para ataque y defensa.
Cuando comparamos la gráfica de ambos contextos (alemán y español en la década de

los 30) notamos una retroalimentación entre todos los bandos existentes en sus
procesos creativos, dando como resultado un sincretismo estético del Futurismo y el
Constructivismo Ruso, que enmarcado en esta coyuntura es testimonio fehaciente del
uso del arte al servicio de la Guerra.
Síntesis gráfica y manejo de iconos
Se muestra una clara influencia estética del Futurismo de Marinetti ligado al Fascismo y
la estética del Constructivismo Ruso en relación a la Revolución Bolchevique, en:
- La temática de corte nacionalista exacerbado, revolucionario, agresivo y de

índole apológico proselitista.
- Uso y predominio de colores contrastados y fuertes que por lo general son los
nacionales.
- Predominio de la angulosidad y ampulosidad en los personajes y/o
- perspectivas forzadas con tendencia al geometrismo.
- Uso de personajes estereotipados (el héroe, el campesino, el obrero, el
- soldado, el bueno, el villano, etc.).
- Mensaje de lectura sencilla para fácil asimilación de las ideas doctrinales con
carácter de solemnidad y marcialidad.
172
Sargento en el ejército. ¡Su Carrera! (Alemania) y Ejercito Popular (España)
Construyamos el frente (Alemania) y El Socialismo Forjara… (España)
173
Romperemos tus pestilentes cadenas Lista 10 (Alemania) y Juventudes Socialistas unidas JSU (España)
Reclutamiento (Alemania y España)
174
1.7.3 Nacimiento y proliferación de la Disney.
Walter Elías Disney, (1901-1966), dibujante, guionista, productor, y director de dibujos

animados, nacido en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901. Decidido a
seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City alrededor de 1919. Su hermano
Roy trabajaba en un banco por la zona y, gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en
el Pesemen-Rubin Art Studio, donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos,
revistas y cines. En 1920 es contratado por la empresa de animación Film Ad y en 1923
comenzó a producir dibujos animados en Hollywood, de cuentos de hadas muy
populares en Kansas.
A partir de 1923 se asocia con su hermano Roy O Disney, por esa época produjo varios
cortometrajes. De 1926 a 1928 con un socio suyo, Ubbe Iwwerks, hizo una serie de
dibujos, Oswaldo el conejo, que instantáneamente ganó popularidad, Estos cortos
fueron producidos para Universal Pictures. Sin embargo, pierde en litigios judiciales los
derechos sobre dicho personaje.
Conejo Oswald.
Tras perder los derechos de Oswald, Disney decide crear otro personaje en compañía de
Iwwerks, éste era prácticamente igual a Oswald pero con las orejas redondas, y fue
bautizado como Mortimer mouse, posteriormente cambiado a “Mickey Mouse” por la
esposa de Walt Disney, Lillian. La primera aparición cinematográfica de Mickey tuvo
175
lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las
películas de Disney hasta esa fecha, pero no obtuvo éxito alguno, entonces produce un
corto sonoro Steamboat Willie (Willie el vapor, 1928), que populariza a éste simpático
personaje. Poco a poco se integrarían nuevos personajes como Pluto (1931), Tribilín
(1932), el Pato Donald (1934), etc. que protagonizaban sus propios cortometrajes.
Mickey, Donald y Goofy.
Silly Simphonies (Sinfonias bobas)
Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de
películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas") y en 1930 Mickey
también es publicado en historieta. En 1932 Disney estrenó su primera película en color,
Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies", que consiguió el Oscar al mejor
cortometraje de animación. Ese mismo año, Disney recibió también un Oscar honorífico
por la creación de Mickey Mouse, cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a
partir de 1935.
Corto Flores y árboles, ganador del mejor Oscar de cortometraje animado en 1932
176
Blanca Nieves y los 7 enanos.
Blanca Nieves y la bruja.
Inspirada en el cuento clásico de Charles Perrault, fue el primer largometraje de los

estudios Disney. Ambicioso en un principio por lograr una calidad muy superior a sus
sinfonías bobas, el equipo de producción invirtió mucho tiempo y esfuerzo en crear a los
personajes “ideales de un cuento de hadas”, se dice que contrataron a ilustradores
europeos experimentados en la creación de escenarios, para darle ese aire de cuento
europeo medieval, Walt Disney cuenta posteriormente que pocos confiaban en su
proyecto, nadie creía que una persona podría resistir más de una hora viendo
“dibujitos” en un cine. Ninguno lo pensó como lo hizo Walt, nadie imaginó que sería
capaz de armar una historia sólida llena de emociones encontradas, con villanos, héroes,
romanticismo, humor, todo en uno. Se presentó en Hollywood en 1937 a lo grande con
gran expectativa, y no defraudó al público.
Tras el estreno y el rotundo éxito Disney se consolidó como la primera industria de

animación del mundo y dio paso a nuevas películas: Pinocho (1940), Fantasia (1940, con
Mickey mouse), Dumbo (1941), Bambi (1942), Cenicenta (1950), Alicia en el país de las
maravillas (1951), Peter Pan (1953), La Dama y el Vagabundo (1955), La bella durmiente
(1959), 101 Dalmatas (1961), etc. La gran mayoría basadas en cuentos clásicos infantiles
de siglos pasados, Junto a merchandising de juguetes, historietas, ropa, y sobre todo el
parque temático llamado Disneylandia. Hoy en día la Walt Disney Pictures, cerca de 50
años luego del deceso de su fundador, sigue vigente, en la última década del siglo XXI ha
absorbido a otros monstruos del cine animado, tales como Pixar, Lucas Films y Marvel.
177
La dama y el Vagabundo.
Pinocho.
El libro de la Selva (1967) fue la última película supervisada por el mismo Walt Disney,
este fallecería en 1966. Tras este hecho, Disney pasó a su etapa más tibia dentro su
historia, con buenas producciones pero que no lograban el efecto mágico y contundente
de las anteriores. Todo esto se prolongó por aproximadamente 20 años, hasta e estreno
de La Sirenita (1989), película que significó el inicio del periodo llamado RENACIMIENTO
DISNEY.
El libro de la Selva.
En una ocasión, el pintor surrealista Salvador Dalí y Walt Disney trabajaron juntos en un
178
proyecto de cortometraje, empezando este en 1945 y trabajándose durante un año, sin

embargo la Disney afrontó problemas económicos durante la segunda guerra mundial.
La producción al no considerarse luego económicamente viable, se dejó en pausa
indefinida. Pero en 1999, el sobrino de Walt, - Roy Disney, - mientras trabajaba en el
proyecto Fantasía 2000, desenterró el corto y decidió retomarlo. Es así que, junto a un
equipo de 25 animadores, trajeron de vuelta a la vida al proyecto latente y lanzaron
Destino en el festival de Annency, Francia en el 2003. El corto fue bien recibido por el
público y la crítica, ganando muchos premios en festivales a nivel internacional.
Destino. Corto de Disney hecho junto a Salvador Dalí.
Walt Disney y Salvador Dalí.
179
1.7.4 la segunda guerra mundial: afichismo y publicidad en la segunda guerra mundial

y propuestas plásticas de la pos guerra 1945 – 1950 (expresionismo abstracto: Jackson
Pollock. William de Kooning. Op art. Geometría modular: Maurits Cornelis Escher)
La Segunda Guerra Mundial dio inicio en 1939 como un enfrentamiento bélico europeo
entre Alemania y la coalición franco-británica, se extendió hasta afectar a la mayoría de
las naciones del planeta y su conclusión en 1945 supuso el nacimiento de un nuevo
orden mundial dominado por Estados Unidos y la Unión de Repúblicas Socialistas
Soviéticas (URSS).
Requirió la utilización de todos los recursos humanos y económicos por parte de cada
Estado participante y fue un conflicto único en los tiempos modernos por la violencia de
los ataques lanzados contra la población civil y por el genocidio (exterminio de judíos,
gitanos, homosexuales y otros grupos) llevado a cabo por la Alemania nacionalsocialista
(nazi) como un objetivo específico de la guerra. Los principales factores que
determinaron su desenlace fueron la capacidad industrial y la cantidad de tropas. En los
últimos momentos de la lucha se emplearon dos armas radicalmente nuevas: los
cohetes de largo alcance y la bomba atómica. No obstante, el tipo de armamento
empleado durante casi todo el enfrentamiento fue similar al de la I Guerra Mundial,
aunque con ciertas mejoras. Las principales innovaciones se aplicaron a las aeronaves y
a los carros de combate.
180
La propaganda como un medio en la guerra psicológica.

El estado prepara campañas que estimulen los sentimientos de compromiso nacional
por parte del poblador. En estas circunstancias el cartel cumple las siguientes funciones:
1. Alienta al ciudadano dentro del contexto difícil de la guerra.

2. Exhorta a la colaboración civil, sea enlistándose para combatir, con donaciones o
mano de obra.
3. Muestra las políticas gubernamentales (Educación, salud, etc.) como las más
propicias para el pueblo en especial en los duros momentos que le toca vivir.
4. Da esperanza en un muy probable triunfo del país.
5. Desprestigiar al enemigo bien sea mostrándolo como una cruenta amenaza o
ridiculizándolo.
6. Enaltecer a la patria en la figura del nativo del lugar.
Tanto el cartel ruso de la izquierda como el español de la derecha muestran al lugareño enaltecido, de éste modo es exaltada la
misma patria, dando autoconfianza y aliento a la población mediante ésta estrategia
Joseph Goebbels (1897 – 1945)
El padre de la propaganda nazi fue Joseph Goebbels, responsable del Ministerio de

Educación Popular y Propaganda, creado por Adolf Hitler a su llegada al poder en 1933.
Sus estrategias publicitarias fueron aprendidas por los demás países participantes de la
guerra: El pictoricismo de sus imágenes, sus mensajes directos y concisos, el uso
estereotipado de personajes – tipo (El soldado valiente, el enemigo malvado o repulsivo,
el pueblo valeroso, la mujer luchadora, el estado – gobierno paternal, etc.), de este
modo podían contrarrestar el arrollador poder de convicción que Goebbels manejaba en
sus campañas publicitarias, sumamente alentador para sus partidarios y
demoledoramente desalentador para los oponentes.
Goebbels prohibió todas las publicaciones y medios de comunicación fuera de su

control, y orquestó un sistema de consignas para ser transmitido mediante un poder
centralizado del cine, la radio, el teatro, la literatura y la prensa.
181
Tanto en el cartel estadounidense de la izquierda como en el ruso de la derecha se muestra a la mujer valerosa que contribuye al
triunfo de su nación. Durante la Segunda Guerra Mundial la mujer tuvo que abandonar los roles tradicionales domésticos a los que
siempre había estado asignada para llevar el sustento al hogar, mover la industria fabril o, muchas veces, participar en el combate
Los once principios de Goebbles.
Joseph Goebbels formuló once principios en los cuales logra consolidar una formula
eficiente para utilizar la imagen como forma de manipulación de masas y
adoctrinamiento. Los aplicó sistemáticamente una vez que obtuvo un cargo
gubernamental y toda la licencia para monopolizar el aparato mediático estatal. Los
empresarios de prensa actual y políticos han tomado estos principios como reglas
universales cada vez que quieren manipular a la población.
Los símbolos, los colores, la arquitectura reforzaban las ideas del Tercer Reich. Toda ésta parafernalia emblemática urbana también
se hacía presente en los carteles reafirmando su lugar en el imaginario público.
182
1. Principio de simplificación y del enemigo único. Adoptar una única idea, un único
símbolo. Individualizar al adversario en un único enemigo.
2. Principio del método de contagio. Reunir diversos adversarios en una sola

categoría o individuo. Los adversarios han de constituirse en suma
individualizada.
3. Principio de la transposición. Cargar sobre el adversario los propios errores o

defectos, respondiendo el ataque con el ataque. «Si no puedes negar las malas
noticias, inventa otras que las distraigan».
4. Principio de la exageración y desfiguración. Convertir cualquier anécdota, por

pequeña que sea, en amenaza grave.
5. Principio de la vulgarización. Toda propaganda debe ser popular, adaptando su

nivel al menos inteligente de los individuos a los que va dirigida. Cuanto más
grande sea la masa a convencer, más pequeño ha de ser el esfuerzo mental a
realizar. La capacidad receptiva de las masas es limitada y su comprensión
escasa; además, tienen gran facilidad para olvidar.
6. Principio de orquestación. La propaganda debe limitarse a un número pequeño

de ideas y repetirlas incansablemente, presentarlas una y otra vez desde
diferentes perspectivas, pero siempre convergiendo sobre el mismo concepto.
Sin fisuras ni dudas. De aquí viene también la famosa frase: «Si una mentira se
repite suficientemente, acaba por convertirse en verdad».
7. Principio de renovación. Hay que emitir constantemente informaciones y

argumentos nuevos a un ritmo tal que, cuando el adversario responda, el público
esté ya interesado en otra cosa. Las respuestas del adversario nunca han de
poder contrarrestar el nivel creciente de acusaciones.
8. Principio de la verosimilitud. Construir argumentos a partir de fuentes diversas, a

través de los llamados globos sondas o de informaciones fragmentarias.
9. Principio de la silenciación. Acallar las cuestiones sobre las que no se tienen

argumentos y disimular las noticias que favorecen al adversario, también
contraprogramando con la ayuda de medios de comunicación afines.
10. Principio de la transfusión. Por regla general, la propaganda opera siempre a

partir de un sustrato preexistente, ya sea una mitología nacional o un complejo
de odios y prejuicios tradicionales. Se trata de difundir argumentos que puedan
arraigar en actitudes primitivas.
11. Principio de la unanimidad. Llegar a convencer a mucha gente de que piensa

«como todo el mundo», creando una falsa impresión de unanimidad.
183
“¡Libérennos!”. Cartel ruso elaborado durante la invasión alemana. Una de las principales armas de Goebbels era el desprestigio del
enemigo, dicha estrategia también será utilizada por otros países en contra de la misma Alemania.
En el siglo XXI la persuasión de masas y la propaganda, han alcanzado formas

exacerbadas también, pero al menos se trata del marketing y no de la guerra.
En el nuevo milenio se aplican los principios de Goebbels como una receta de cocina,
pero contando con tecnología mediática de impacto global y en mayor variedad de
soportes: la televisión, el cine, la Internet, la prensa internacional, o la misma música.
La imagen de Winston Churchill, primer ministro inglés fue el rostro encargado de convocar a los jóvenes a plegarse a la armada
británica.
184
PROPUESTAS PLÁSTICAS DE LA POSGUERRA 1945 – 1950

Expresionismo Abstracto: Jackson Pollock, Willem de Kooning.
El Expresionismo Abstracto es un movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya

principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la
acción de pintar. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense
dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas,
asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue
directamente financiado por el gobierno estadounidense.
La llegada a la ciudad de Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) de

pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e
Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores
estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, siendo sus máximos exponentes
Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, considerándose al primero el más
importante por su técnica del dripping, que consiste en el goteo espontáneo de pintura
como pincelada. Muchos ven en la libertad desmedida y el placer hedonista del acto de
pintar, impartidos por esta corriente, una medida de escapismo y olvido a lo que había
significado la Segunda Guerra Mundial.
Jackson Pollock (1912 – 1956) A partir de 1943, influido por el surrealismo, adoptó un
estilo más libre y abstracto, en el cual la misma gestualidad del trazo es lo que
estructura la composición plástica, por ello su pintura es conocida también como action
painting.
185
A la izquierda tenemos una composición Jackson y a la derecha publicidad del conocido wisky Absolut haciendo uso de uno de los
cuadros de Pollock.
Jackson Pollock
Willem de Kooning fue un pintor estadounidense de origen holandés, considerado

como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo
Abstracto. Llegó a los Estados Unidos en 1926, donde pudo dedicarse a la pintura
cuando fue contratado para decorar obras estatales, dentro del Federal Art Proyect,
durante la década de los treinta.
186
Willem de Kooning
Willem de Kooning
Kooning no llegó a ese estilo personal hasta haber experimentado con el automatismo,
que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos; éstos se multiplican como
una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de 1947, pero no abandonan nunca las
referencias cubistas presentes en formas que se entretejen en una arquitectura que
articula figura y fondo sobre un lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original,
enfatizando el carácter brutal de las líneas y tachaduras gestuales.
Toda la obra de Kooning está presidida por el deseo de lograr una interacción entre
espacio y materia a la vez que es una lucha continua para lograr un equilibrio entre el
protagonismo expresivo del dibujo y la inmediatez emotiva del color. El dinamismo de
las composiciones transmite la energía del gesto del artista.
187
Si bien la abstracción parecía haberse desligado de la geometría para dar paso a una
expresión libre, la geometría fue volcada al diseño. El aporte de la Bauhaus en el uso de
la retícula para la diagramación gráfica se continúa aplicando.
Mujer I (1952), de Willem de Kooning
OP ART
Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la

revista Times. Nace en Estados Unidos en 1958 y se desarrolla también en Europa en la
década de los 60’s.
El op Art es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de los
60. Consiste en crear efectos cromáticos y formas dinámicas, que incorpora la indolencia
visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.
Su finalidad es producir la ilusión de vibración o movimiento en a la superficie del

cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia del movimiento real. Fue
inmediatamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en
otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran
presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y
accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes
del Op Art en el vestir.
188
Victor Vasarely
Representantes del Op-Art: Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Bridget Riley, Kenneth
Noland, Lawrence Poons
189
Bridget Riley
Jesús Soto.
190
Características del Op Art:
1. Es una evolución matemática del arte abstracto.
2. La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas,
lo cual lo diferencia del Arte cinético.
3. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,

parpadeo o difuminación.
4. Usa los recursos ópticos como formas simples y líneas paralelas, tanto rectas
como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos,
efectos de luz y sombra, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición
de figuras, entre otros.
5. Utiliza figuras geométricas básicas para sus tramados, combinaciones o

formaciones complejas.
6. Crea sensación de profundidad pero a la vez se confunde el orden de los planos

(qué está adelante y qué está atrás).
7. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o

desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, teniendo la
sensación de estar frente a un espacio tridimensional.
8. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
9. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones,

no existe ningún aspecto emocional en la obra.
Geometría modular: Escher. (Virtual)
Si bien la abstracción parecía haberse desligado de la geometría para dar paso a una
expresión libre, la geometría fue volcada al diseño. El aporte de la Bauhaus en el uso de
la retícula para la diagramación gráfica se continúa aplicando. Un interesante caso en el
uso del diseño modular es del dibujante holandés Maurits Cornelis Escher (1898-1972)
quien desde 1940 empezó a hacer creaciones en las que entrelazaba módulos de
diferentes personajes como pájaros con peces o ángeles y demonios (el los llamaba
“Visiones Internas”).
191
Luego sus imágenes comenzaron a tener un cierto sabor surrealista, especialmente en

los dibujos de extraños edificios en los que, gracias a sabios juegos perspectivos,
aparecen escaleras que ascienden hacia los pisos inferiores (y descienden hacia los
superiores) o cascadas de agua que se elevan hacia las azoteas.
192
193
Aplicación de la obra de Escher a un juguete de Lego.
194
Tema 8: REVALORIZACIÓN DEL DISEÑO IMPRESO Y LA GESTACIÓN DE LA

POSMODERNIDAD. 1950 – 1960.
1.8.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y Conceptualización

de la Imagen. Escuela de Nueva York. Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo y
los isotipos Olímpicos.
Después de la Segunda Guerra Mundial un nuevo estilo de Diseño Gráfico emerge en

Suiza y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible
en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en la
base de las enseñanzas que se imparten en las escuelas de diseño. Este movimiento es
conocido como “estilo internacional”.
El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y

especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la necesidad
creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la
fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos:
o El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y estructura
interna.
o El empleo de tipografías sans-serif y disposición asimétrica de los distintos

elementos del diseño. La creciente demanda de tipografías sans-serif (muy
utilizadas para las composiciones del diseño suizo sobre todo por la influencia de
la Bahuaus), posibilitó la aparición de dos tipos sans de gran calado y enorme
influencia: la Helvética y la Univers.
o Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones
PIONEROS
De izquierda a derecha: Portada para anuario. Max Hubert, 1951. Cartel para el Museo Rietberg. Ernst Keller, 1952
195
Escuelas:
La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El estilo
tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño en Suiza, una en Basilea liderada
por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Muller-Brockmann.
Sin embargo también la Escuela de Ulm en Alemania que contaba con el liderazgo del
diseñador industrial, pintor y escultor Max Bill acogió este estilo para diseñar su propia
propuesta.
Un factor que contribuyó a la rápida extensión del estilo fue el incremento y la

globalización de los mercados. Esto junto al auge de las comunicaciones hace que las
corporaciones internacionales tengan la necesidad de una identificación global,
identidad que es construida de acuerdo a los principios del estilo internacional.
BASILEA (Suiza)
Diseños de Hofmann correspondientes a 1955 y 1961. Los trabajos de Hofmann se caracterizaban por la acentuación del contraste
entre los elementos del diseño
ZURICH (Suiza)
Entendía el diseño como algo estrictamente

funcional, por ello era Inapelable en sus normas de
composición
En cuanto al uso de la tipografía, postulaba la

separación de líneas de texto compactas, letras sin
remate, espacio entre palabras uniforme,
caracterizándose por la exploración del ritmo y del
tempo de las formas visuales.
“Música Viva” Cartel para concierto 1959.
196
Izquierda, “La señal amiga que se da con la con la mano protege de los accidentes” Automóvil Club Suizo 1954. Derecha, “Menos
ruido” Cartel de concientización pública 1960.
HOCHSCHULE FÜR GESTALUNG

(Ulm - Alemania)
A pesar de tratarse de un diseño bastante temprano, ya presenta la diagramación

dinámica y asimétrica con geometría angulosa, la composición con formas en blanco y
negro y las letras sin sérifa propias del estilo Internacional.
197
Portada del Boletín de la Hochschule für Gestalung. Anthony Froshaug, 1958. El sistema
de retículas con cuatro columnas y el uso de sólo dos cuerpos tuvieron gran impacto en
la diagramación de la época.
Max Bill había estudiado en la Bauhaus, Alemania. Quería re potenciar la “estética de la

máquina” de una forma innovadora, que reflejase el moderno estilo de vida de los años
50’s.
La escuela de Ulm incursiona en el diseño industrial, y también consolida convenios para

comercializar su producción marcando un estilo al que coloquialmente se le conoció
como el “Síndrome de la caja negra” en el diseño moderno, pues la mayoría de sus
diseños eliminaban todo lo innecesario dentro de la funcionalidad del producto: Diseños
lineales, productos durables, que casi siempre tenían por acabado final la cobertura
blanca o negra con el logotipo de la compañía bastante visible.
Banqueta diseñada por Bill y modelo de taza apilable del alumno Nick Roericht para su tesis en 1959.
198
La Hochschule für Gestalung tuvo una búsqueda cada vez más tecnológica, lo que les llevó a explorar en diseño de carrocería, rama
de investigación que se mantiene hasta nuestros días.
REPERCUSIÓN COMERCIAL DEL ESTILO INTERNACIONAL
No es en vano que el Estilo Internacional lleva ese nombre, rápidamente a nivel mundial
tuvo una gran acogida en el comercio y todas las áreas del diseño.
Conoisseur Cofee Diseño de Ruth Gill
A pesar de usar letras con serifa, su tipografía es simple y ligeramente gruesa,

enmarcada en formas grandes de colores contrastados, ello le permite alcanzar el grado
de contraste preciso para alcanzar un impacto no muy estridente en el espectador.
Más empaques de los años 60.
199
Diseño de la Univers por el tipógrafo Adrian Frutiger en 1957.
Las tipografías Helvética y Univers, y en general la tipografía sin serifa también tuvieron
una fuerte presencia en la gráfica de productos comerciales en las décadas de los 50’s y
los 60’s
Sobrecubiertas de la Editorial Mc Graw Hills Publishers a principios de los 60’s. Rudolph De Harack. EEUU.
200
LA NUEVA PUBLICIDAD:
AGENCIA D.D.B. CONCEPTUALIZACIÓN DE LA IMÁGEN.
La década de los 40’s fue bastante mediocre para la publicidad, se basó en eslóganes
hiperbólicos y homenajes a estrellas de cine.
Pioneros:
Paul Rand (1914 – 1996) Es uno de los diseñadores gráficos más destacados en Estados
Unidos de Norteamérica. Sus portadas de revistas rompieron las tradiciones del diseño
publicitario estadounidense, pues explotaba al máximo el potencial expresivo y
simbólico de la forma. Su obra está cargada de
picardía, dinamismo y efecto sorpresa.
Rand trabajó un tiempo con el redactor

publicitario Bill Bernach, llegando a ser el
prototipo del actualmente ubicuo equipo
arte/texto que colabora para integrar los
aspectos visuales y verbales de una imagen
compuesta.
Portada de la revista “Direction” 1940.

Contrastes formales y simbólicos, la tarjeta,
perfectamente rectangular escrita a mano que
dice “Merry Christmas” cobra un elemento de
collage con bordes rasgados y letras mecánicas
de plantilla. La portada a la vez emula un regalo
navideño envuelto con alambre de púas.
Macabro recordatorio de la expansión de la
Segunda Guerra Mundial. Rand se valió de
medios como el collage y el montaje para
cohesionar conceptos, imágenes, texturas, e
incluso objetos.
201
El 1° de junio de 1949 abre sus puertas la pequeña agencia publicitaria “Doyle Dane
Bernbach” que “eliminó los signos de exclamación de la publicidad y la hizo hablar con
inteligencia a los consumidores”.
Más adelante encontraremos cinco publicidades de la famosa agencia, a continuación

ofreceremos las leyendas comenzando por la publicidad superior derecha y continuando
en orden de lectura. Se comentará también los aportes.
1. Bob Cage (Director artístico) Bill Bernbach y Judy Protas (redactores). Publicidad
para almacenes Ohrbach’s, 1958. En Inglés el vocablo “cat” se asemeja el
vocablo “catty” que significa “maliciosa”, la inusual modelo descubre por qué
una amiga viste tan bien sin gastar tanto dinero.
2. Charlie Piccirillo (director artístico) y Judy Protas (redactora) Publicidad para

almacenes Ohrbach’s, 1952. Campaña por el inicio de las clases escolares. La
actitud del muchacho presenta de modo directo el disgusto de un niño por
volver al colegio.
1. 2.
3. Helmunt Crone (director artístico) y Julián Koening (redactor). Anuncio para

Volswagen, mp1960. El coche económico se vuelve adorable si se le presenta sin
exageraciones textuales ni mostrándose de modo grandioso en la imagen.
4. Bill Taupin (director artístico) y Judy Protas (redactora) Cartel para el

subterráneo, 1965. El modelo rompe con los patrones publicitarios de ese
entonces.
202
3. 4.
5. Bert Steinhausser (director artístico) y Chuck Kollewe (redactor) Anuncio sobre

política, 1967. Uso de palabras alarmantes e imágenes vívidas para invitar a una
toma de conciencia.
5.
203
INFLUENCIA DE LA D.D.B. EN HERBERT LUBALIN
Herbert Lubalin fue un gran diseñador de los años 60’s, cuyos diseños se caracterizaron
por el gran riesgo tipográfico que implicaban. Mediante técnicas relativamente sencillas
logró resultados sorprendentes, pero no sólo por su valor formal, sino por la dimensión
simbólica y connotativa de sus ideas.
204
205
Proyecto de Herbert Lubalin (diseñador) y Bert Stern (fotógrafo). Portada e interior de Eros, 1962. El concepto irá cediendo poco a
poco a la expresión, Jugar con las transparencias fotográficas y el trazo a mano alzada de, nada menos que Marilyn Monroe, es una
forma de hacer converger lo intelectivo y emocional.
Escuela de Nueva York: revolución del estilo editorial.
La Universidad de Yale de Nueva York fue la primera gran Universidad en incorporar la

especialidad de Diseño Gráfico entre sus programas, ello significaría una
profesionalización de dicha área y elevaría el nivel de producción gráfica.
Al igual que en la publicidad, el diseño editorial era bastante limitado en la década de los
40’s, tres de las pocas revistas estadounidenses que demostraban mayor riesgo y
apuesta estética en su diseño, presentación y diagramación fueron “Fortune”, revista de
negocios que contaba con Burtín y Leo Lionni, “Vogue” con Alexander Liberman en la
dirección artística y, sobre todo Harper’s Bazar, bajo la dirección artística de Brodovitch.
Ejemplos de fotografías de portadas de la revista Harper’s Bazaar (1958 y 1965)
206
Algunas bases de la renovación del Diseño Editorial son las siguientes:
· Director artístico
· Imagen importante (fotografía)
· Doble página como unidad de diseño
· Tipografía simplificada y sistematizada
· Espacio en blanco
Portada Vogue 1964
CINE PINELES (1910 – 1991)
Durante las décadas de 1940 y 1950 hizo granes

aportes al diseño gráfico desde la dirección
artística de “Glamour”, luego “Seventeen” y
“Charm”. Solía encargar las ilustraciones a
pintores, por lo que eran bastante innovadoras,
además de ser la primera mujer en ser admitida
como miembro del Arts Directors Club de Nueva
York.
207
Cine Pineles
OTTO STORCH (1913 – 1999)
Alumno de Brodovitch en la Escuela de Nueva York. En 1958 cuando trabajaba para Mc

Calls el director artístico Herbert Mayes le dio total libertad creativa, entonces surge la
propuesta de unificar tipografía con fotografía ajustando la primera a la segunda,
utilizando muchas veces fotografías tomadas del exterior para alimentos y ropa en lugar
de las de estudio.
208
Otto Storch (Director artístico) y Paul Dome (fotógrafo). Primera página de artículo sobre alimentos congelados. 1961. La filosofía
Storch consistía en que idea, texto, ilustración y tipografía debían ser inseparables en el diseño editorial.
Otto Storch (Director artístico) y Dan Wynn (fotógrafo). Página de Mc Calls, 1961. La tipografía se pliega emulando ser un blando
colchón afectado por el peso de la modelo.
209
En la década de los 50 hace aparición en los hogares la televisión y la radio a transistores
Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo.
El diseño de Goleen para la CBS en 1951 fue incluido en toda su papelería y demás
artículos de merchandising temprano estableciéndose así la imagen corporativa de la
empresa.
Frente al auge económico vivido en la década de los 50, los grandes empresarios
quieren cubrir la necesidad de desarrollar una imagen e identidad empresariales para
distintos públicos como forma de definirse a gran escala como confiables y de
producción de alta calidad.
Fue especialmente en Italia donde se acogió la idea de un diseño corporativo,

diseñadores como Gio Ponti, Marco Zanuso, Marcelo Nizzoli, los hermanos Castiglioni,
“Pinin” Farina y Ettore Sottsass alcanzaron un gran éxito al trabajar para mega
corporaciones (que entonces despuntaban ya como grandes empresas) como Olivetti,
Artemide y Brionvega.
210
Giovanni Pintori fue el diseñador

más importante del departamento
de publicidad de la empresa.
Olivetti buscaba una imagen de
alta tecnología para promover el
diseño industrial avanzado, para
entonces Olivetti producía
maquinaria para oficinas,
principalmente sus ya reconocidas
máquinas de escribir y calculadoras
Carteles para Olivetti hechos por Giovanni Pinttori, en 1956, 1949 y 1956. Pinttori fue el
diseñador más importante del departamento de publicidad de la empresa. Olivetti
buscaba una imagen de alta tecnología para promover el diseño industrial avanzado.
Desde sus comienzos fue reconocido este tipo de Diseño, para entonces Olivetti
producía maquinaria para oficinas, principalmente sus ya reconocidas máquinas de
escribir y calculadoras.
Olivetti transmitía a través de la imagen los conceptos y valores que encierra. A la

izquierda encontramos un cartel para Olivetti hecho por Herbert Bayer, a quien ya
habíamos visto como diseñador y maestro en la Bauhaus.
211
Giovanni Pintori, 1956
Importante cartel de Herbert Bayer para Olivetti, 1959.
212
IBM: “Cambios de look” para alcanzar una identidad corporativa
Los “Cambios de look” de una empresa obedecen a muchos factores, la época en que se
gesta la imagen corporativa, los cambios internos de la empresa, las alianzas que ésta
pueda entablar con otras. Tal es el caso de la IBM, que a partir de 1956 y gracias a Paul
Rand comenzará a presentar características más cercanas al diseño corporativo que hoy
conocemos.
International Time Recording Company (1889-1914)

Creada en 1888 por Willard L. Bundy para
comercializar sus grabadoras para oficinas,
patentadas meses antes el mismo año.
Computing Scale Company (1891-1914) Al ser

comprada por otros dueños se incorpora la para la
producción de balanzas comerciales
Computing-Tabulating-Recording Company (1911-

1924) La empresa da más importancia a la
investigación y la ingeniería. Adopta las siglas CTR
International Business Machine (1924-1946) Se deja

atrás el estilo recargado por letras sin serifa, y las
siglas por IBM. La forma de globo sugerida enfatiza el
carácter gloal de la empresa.
IBM en Transición (1947 – 1956) El logotipo de IBM

destaca el nuevo carácter de la empresa que
incorporaba la tecnología de tarjetas en sus
productos (la más avanzada para los incipientes
equipos de cómputo). Paul Rand optó por un estilo
más sintético y sin aspaviento alguno ésta propuesta
se hace presente en la empresa desde el 1° de Enero
de 1947.
213
IBM en Continuidad (1956 – 1972) Paul Rand,

sustituye la tipografía para generar un aspecto más
sólido y equilibrado.
IBM – Reconocimiento Internacional (1972 -) En

1972, la compañía introdujo una nueva versión del
logotipo, Diseñada por Paul Rand, las franjas
horizontales reemplazaron a las letras sólidas para
sugerir la "velocidad y dinamismo"., produciéndose
así uno de los logotipos más reconocidos de los
últimos 50 años.
A ésta clase de logotipo se le reconoce como Isotipo

Monogramático, en el cual la imagen se construye a
partir del uso de las iniciales de la empresa
representada. A través de su tratamiento formal se la
carga de significación, asociándola a elementos
icónicos o diagramáticos.
Paul Rand buscó que la imagen corporativa de la IBM se mantuviese cohesionada en los
trabajos que durante más de tres décadas para ésta empresa: Carteles, Merchandising,
Anuncios para revistas guardan estrecha relación siempre con la propuesta visual para la
empresa,
214
Señalización del transporte y de los Juegos Olímpicos
La historia de la señalética y la señalización podría remontarse a las civilizaciones

antiguas, cuando se decide implementar letreros y emblemas en la vía pública o algunos
circuitos cerrados para indicar al transeúnte donde se encuentra. Este tipo de códigos
extralimita las fronteras donde se generan, primero con la heráldica (banderas y
escudos) y con las señales convencionales de marina y navegación a través de banderas.
Sin embargo con la tecnología y globalización que se vivía a mediados del siglo XX se
exigían métodos de comunicación universal, de preferencia en base a pictogramas, tal
como lo plateó el movimiento Isotype en su momento.
La idea de simplicidad como característica de buen diseño persistía desde la Bauhaus. En

ese momento, se desarrolló el consenso de que simple, no sólo era equivalente a bueno,
sino que también era equivalente a más legible. En décadas posteriores (50’s, 60’s y
70’s) éste concepto afectó notablemente al diseño de símbolos. Los diseñadores se
plantearon el problema de hasta qué punto se podían simplificar sin destruir su función
informativa.
Aun algunos códigos de tránsito (como el semáforo, por ejemplo) ya eran

internacionalmente conocidos, pero no es hasta las décadas de los 60’s y 70’s que
empieza a haber una preocupación por la estandarización de códigos pictográficos
llevada, de ser posible, a nivel mundial.
Dos hitos van a marcar ésta toma de conciencia frente al afán de construir lenguajes
universales pictográficos: Las Olimpiadas de México de 1968 (Siendo muy importantes
también para este objetivo la de Munich en 1972, donde se plantean los pictogramas
olímpicos más representativos de todos los tiempos) y el diseño del Instituto
Estadounidense de Artes Gráficas de 34 símbolos orientados a pasajeros y peatones
para usar el servicio de transporte.
Antes que nada es necesario saber que cada país diseña su propia propuesta gráfica
cuando es seleccionado como sede de una olimpiada o mundial, ello incluye el diseño de
los pictogramas correspondientes a cada disciplina deportiva; sin embargo debe tratar
de ser lo más universal que pueda en esta propuesta, en especial en lo que a señalética
concierne.
Lance Wyman
215
OLIMPIADAS DE MÉXICO 1968
Para lograr un entendimiento universal se generó un sistema visual que funcionó como
medio de información internacional, partiendo del diseño del logotipo. La repetición de
las bandas o cintas fue tomada de los mismos diseños pre – colombinos mexicanos.
El logotipo y el sistema de información visual a partir de colores y simbología fueron

aplicados tanto al programa de publicaciones como al de diseño y ornato urbano;
imponiendo un concepto integral de diseño inédito hasta entonces en una campaña de
comunicación de tales dimensiones.
216
OLIMPIADAS DE MUNICH 1972
El sistema de pictogramas diseñado por Otl Aicher y su equipo en 1970, constituyen, tal
vez, los pictogramas más emblemáticos de olimpiadas de todos los tiempos. Son
sumamente sintéticos, pero no dejan de ser descriptivos y muy versátiles.
En 1974, el Ministerio de Transportes de los Estados Unidos encargó al Instituto

Estadounidense de Artes Gráficas la creación de un conjunto maestro de 34 símbolos
para usar en los servicios de transporte. El objetivo era crear señales que pudieran ser
utilizadas en cualquier lugar del mundo, salvando las barreras del lenguaje hablado y
simplificando los mensajes básicos.
217
El primer paso consistió en compilar e inventariar sistemas anteriormente creados para

servicios de transportes o lugares de encuentro internacional. A partir de allí Roger Cook
(1930) y Don Shanosky (1937) diseñaron los 34 pictogramas dando prioridad a la
claridad de la imagen. Estos libros combinan la armonía global con una coherencia visual
de línea, peso, figura y forma, constituyendo el primer esfuerzo por lograr una
comunicación gráfica unificada y eficaz que trascendiera barreras culturales y
lingüísticas.
Cartel con el que se presentaron los 34 símbolos a un amplio público.
En cada Olimpiada se presenta una propuesta diferente de Pictogramas Olímpicos
Barcelona 1992 Atenas 2004
218
1.8.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Pop Art: David Hockney, Andy Warhol,
Roy Lichtenstein y el nacimiento y apogeo del Anime japonés: Ozamu Tezuka, Igarashi.
POP ART: DAVID HOCKNEY, ANDY WARHOL, ROY LICHTENSTEIN.
El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino
unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición
afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop
remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos
para su contemplación. Tiene por principales representantes a Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Claes Oldeburg, Jaspers Jones, etc.
Surgimiento del POP.
En 1956, en una exposición para la Whitechapel Art Gallery, Hamilton presentó en

nombre del Independent Group su collage “Just What Is It That Makes Today's Homes
So Different, So Appealing?” en el cual aparecen multitud de elementos de la cultura de
masas estadounidense: una chica de revista, un físico culturista, un televisor, un
logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato
de un antepasado centenario y un enorme chupete con la inscripción ‘pop’ en él,
sostenido por el físico culturista como si fuese una raqueta de tenis, manifiesto del arte
pop británico.
219
Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?” Richard Hamilton, 1956
Principales exponentes
David Hockney:
Pintor, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés, un importante y uno de los mitos

vivientes del Arte y cultura POP, iniciado en la década de 1960.
Hockney realizó estampados, retratos de amigos y diseñó escenografías para el Royal

Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y al Metropolitan Opera House en
Nueva York. El artista nació con Sinestesia y en consecuencia ve colores sinestéticos en
respuesta a estímulos musicales. Esto no se ve reflejado en sus pinturas ni trabajo
fotográfico, pero es uno de los principios que utiliza para el diseño de escenografías
para óperas y ballet; él basa los colores del fondo y la iluminación en los colores que ve
mientras escucha las piezas musicales. Célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica,
sus dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas. Al
mudarse a California deja el óleo y experimenta con el acrílico, aplicándolo sobre el
lienzo de manera realista, plana y suave. Sus obras de la década de 1960, como la serie
sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y
colorista, con una temática extraída de la cultura popular.
220
A Bigger Splash. David Hockney.
Retrato de un artista. David Hockney.
221
Andy Warhol:
Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. En 1960
realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman),
así comenzaría una larga producción en la recurre a la apropiación como principal
estrategia de creación. Desarrolló también fotografías de gran formato, utilizándolas
después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fue esta técnica la que le permitió
producir una serie de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en
1962 con la famosa lata de sopas Campbell.
Sopa Campbell, Caja Brillo, Volkswagen y Marylin Monroe. Serigrafias sobre diferentes soportes.
222
Elvis Presley.
“Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los
consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres.
Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-
Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una
cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor
que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son las mismas y
todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y
tú lo sabes”.
Andy Warhol
Michael Jackson y Elizabeth Taylor.
223
Michey Mouse.
Mao Tse Tung
224
Roy Lichtenstein:
Pintor, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran
escala del arte Cómic.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales
de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964,
Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos
animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores
primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. En sus pinturas destaca la figura
de la mujer, frecuentemente triste, llorosa, sufriente.
Entre sus últimas obras están las reproducciones de personajes muy populares de la
novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras
en cerámica.
225
226
Nacimiento y apogeo del Anime Japonés.
El Manga o cómic japonés, es el arte secuencial por excelencia desarrollado en Japón

durante el siglo XX, y cuya renovación y difusión a nivel global se inició a partir de 1945,
tras concluir la segunda guerra mundial. Actualmente goza de gran popularidad y su
versión animada, el anime, constituye una de las industrias más grandes del cine en
todo el mundo.
227
Nace de la combinación de dos tradiciones:
- La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI
como los Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sōjō
(siglos XI-XII), pasando por el ukiyo-e grabados del Período del Edo (1600-1867),
parodias políticas que retrataban fielmente las costumbres cotidianas de la
cultura japonesa de la época.
- La de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Aun así, éste género sólo
se cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra
Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka (Astroboy, Shōnen de 1947).
Manga Kimba, el león blanco.
Manga o “Dibujo rápido o informal” (漫画, Manga) es la palabra japonesa para designar
a la historieta en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente para referirse a las
historietas niponas, el término proviene de la combinación de dos kanji, Informal (漫
man) y dibujo (画 ga). Se leen de derecha a izquierda y por lo general son impresos en
papel barato y a blanco y negro, vendiéndose un promedio anual de más de mil millones
de volúmenes.
Hay dos términos que añadir, el Mangaka (漫画家, Mangaka) profesional que escribe
y/o dibuja mangas y el Otaku (おたく/オタク, Otaku) fanático, seguidor o aficionado
del manga. El manga abarca una amplísima variedad de géneros, y llega a públicos de
muchos tipos diferentes y de espectros de edades diversos.
Por Público Dirigido
- Kodomo manga, dirigido a niños pequeños;

- Shōnen manga, a chicos adolescentes;
- Shōjo manga, a chicas adolescentes;
- Seinen manga, a hombres jóvenes y adultos.
- Josei manga, a mujeres jóvenes y adultas.
228
Mangas de Saint Seiya y Dragon Ball.
Por Género
Los muy diversos géneros se centran, en arrolladora mayoría, en historias de amor.

Según sea el tipo de historia de amor o el género y la edad del o los protagonistas,
adquirirá su nombre.
El anime
El Anime o “Japanimation” es el término que agrupa los dibujos animados de

procedencia japonesa o Japanese Animation. En Japón se utiliza el término Anime para
referirse a la animación en general, y proviene de la palabra inglesa “Animation”. Entre
el manga y el anime suele haber mucha interacción, aunque no todo manga genera
anime ni viceversa, pero en sí se le considera manga en movimiento y comparte la
misma clasificación en cuanto a géneros y publico dirigido. Los temas que trata son
algunas veces de consumo exclusivo para adultos.
229
Candy, éxito de anime japonés.
Meteoro o “Speed Racer”.
230
Directores reconocidos
El estudio Ghibli
Porco Rosso.
Hayao Miyazaki (junto a Isao Takahata) y tras abandonar los estudios Toei Doga filmará
su primera película como director: Lupin III, en El castillo de Cagliostro (1979). Gracias al
ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre todo en la acción,
resultó una obra altamente reconocida.
Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä

del Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio. Takahata sugiere llevarla al cine.
Miyazaki, dirigió y se encargó del argumento, guión e story board y saca la película en
1984, tomando por tema el dilema de los seres humanos y la Naturaleza en una Tierra
devastada. Takahata y Miyazaki inauguran en 1985 su propio estudio de cine de
animación: Studio Ghibli. Dentro de esté, Miyazaki dirigirá títulos como Laputa, el
castillo en el cielo (1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan
Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que sólo los
niños de corazón limpio pueden ver; Majo no takkyūbin (1989), sobre las penalidades de
una joven bruja, y Porco Rosso (1992).
Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un

argumento de Akiyuki Nosaka, historia de dos hermanos huérfanos por los bombardeos
americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Tras ésta, realizará Heisei Tanuki
Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994). Todas estas producciones llevaron a la fama
internacional el nombre del Studio Ghibli.
231
Hayao Miyazaki
El viaje de Chihiro
Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio
Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV al XVI), se vuelve al
tema ecológico. Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de
una chica caprichosa que, para salvar a sus padres atrapados por una bruja, arriesga su
vida en un extraño lugar de esparcimiento para dioses.
En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el

Oso de oro y en marzo de 2003 el Óscar a la mejor película de animación, hechos
ampliamente recogidos por la prensa japonesa. Miyazaki regresó más tarde con Hauru
no Ugoku Shiro (traducida como El castillo ambulante, El increíble castillo vagabundo y
El Castillo Andante, 2004). En septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su
carrera. En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de Mis
vecinos los Yamadas (1999), se mantuvo apartado del anime hasta su fallecimiento el
2018.
Katsuhiro Otomo
Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a Akira (1988), basado en un
manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con
Koji Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película
Steamboy (2004), una historia del steampunk más tradicional.
232
Emblemática película apocalíptica AKIRA.
Difusión del Anime Japonés
Grandes éxitos a lo largo de la historia del anime han difundido este tipo de expresión
en sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que llaman la atención de
nuevos sectores hacia la industria del anime. Dentro de estas películas se puede
encontrar: Akira, Ghost in the Shell, y El viaje de Chihiro ganadora del Óscar a la mejor
película de animación en 2002 y de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de
Berlín (2001)
Asia: Taiwán, Corea del Sur, China, fueron los primeros países de influencia.
Estados Unidos: “Astroboy” 1961, genero el primer impacto.
América Latina: Colombia, México, Perú, Chile, Guatemala y Argentina, los principales
países que en los años 70’s acogerían la cultura del Anime con las series Heidi, Princesa
caballero o Lady Oscar, Candy y Meteoro. Les seguirían Kimba el León Blanco, Mazinger
Z, en los 80s. A partir de 1990 el Anime empezó a tomar mucha popularidad con Saint
Seiya, Sailor Moon, Ranma 1/2 y las sagas de Dragon Ball y más tarde Pokémon, Card
Captor Sakura, InuYasha, Naruto, One Piece y Yu-Gi-Oh.
Europa: Principalmente Francia, Italia, Reino Unido y España donde tuvo una expansión
muy similar a América Latina.
África: Tuvo una expansión tardía, recién a partir del 2000, Sudáfrica, Namibia, Kenia,
Botswana, Zambia, Mozambique, Lesotho y Zimbabue.
233
Matzinger Z” (imagen superior izquierda) y “Evangelion” (imagen inferior) son dos de las series que mayor éxito internacional han
tenido, al punto que en Tarragona (España) se le construyó un pintoresco monumento a “Mazinger” (imagen superior derecha).
234
Arte sicodélico y gestación de la Postmodernidad.
Arte sicodélico: Influencia del Art Nouveau y el misticismo Oriental
Sociedad de Consumo
Fue partir de la Segunda Guerra Mundial, en la década de los 50, cuando la producción
cobró una gran importancia, contribuyendo a aumentar las necesidades; entre otras
causas, porque las exigencias del propio desarrollo capitalista condujeron a una
situación en la que la demanda del consumidor debía ser a la vez estimulada y
orientada, en un mercado en constante expansión y transformación cualitativas
internas.
Los 60’s se presenta como una etapa prometedora, ya no se respira el ambiente de post
guerra y el hombre caminará por primera vez en la luna; la televisión derrochará
publicidad hacia las mentes más jóvenes, un terreno fértil para incrustar el deseo de
consumo por todo lo que esta nueva era tiene por ofrecer: Nuevas formas, colores,
tecnologías en los long plays de “Los Beatles”, los carro de formato chico, las minifaldas
de Twigy, o el menaje hogareño (electrodomésticos y muebles) de plástico
transparente.
En la sociedad postindustrial, el crecimiento económico se vincula, sobre todo, a la

necesidad de conquistar nuevos mercados (lo que otorga especialísima importancia a la
publicidad). Es una sociedad que necesita más consumidores que trabajadores, de
donde deriva también la ascendente importancia de las industrias del ocio, que explotan
el creciente tiempo libre de los ciudadanos. Los consumos ilícitos también proliferarán,
será esta la generación que experimente con alucinógenos y estupefacientes y la que
clame por conservar esa paz efímera que tal vez nunca existió.
Desde la óptica mercantil y despersonalizada en la sociedad de consumo los sujetos

tienden a dejar de ser vistos como individuos, para pasar a ser meras funciones sociales,
tanto a efectos de su utilización como a efectos estadísticos, con finalidad política
(electoral) o comercial (consumo).
235
En esta sociedad, el amontonamiento, la profusión, es el rasgo descriptivo más

importante... y tal vez más fascinante también.
Psicodelia en la Gráfica influencia

del Art Nouveau
Se conoce por Psicodelia al movimiento socio cultural planteado por la generación de los
60’s. Epistemológicamente viene del griego y significa “Manifestar alma”, y es que este
modo de vivir se expresaba en la música, los códigos en el vestir, las manifestaciones
visuales, literarias, escénicas, etc. El arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, se
desarrolló a partir de los años cincuenta del siglo pasado. Este tipo de arte se caracteriza
por evocar las vivencias propias de la experiencia psicodélica: sinestesia, alteración de la
percepción del tiempo y del sentido de la identidad, empatía, etc. De todas formas en el
lenguaje común la expresión Arte psicodélico se refiere sobre todo al movimiento
artístico de la contracultura de los sesenta.
Características usuales del arte psicodélico
- Patrones parecidos a un Caleidoscopio, fractales o inspirados en los diseños

persas e hindúes.
- Colores brillantes y / o altamente contrastantes.
- Extrema profundidad de detalle o estilización del detalle.
- Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
- Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópicos.
236
Exhibición de gráfica del Push Pin Studio.
Milton Glaser: Nueva York, 1929. Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre
todo por sus diseños para discos y libros. En 1954 funda su propia agencia publicitaria, la
Push Pin Studios junto a su colega Seymour Chwatz.
El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño más influyentes durante 30 años a
partir de mediados de 1950, tanto por la cantidad y como por la eficacia de los trabajos.
En esa época las agencias americanas, en su mayoría, trabajaban con fotografías para
realizar las campañas publicitarias. Push Pin se destacó por su tenacidad en utilizar
ilustraciones. En el diseño gráfico el estilo que dominaba esos años era el racionalismo
de la Escuela Suiza. Push Pin marcará un estilo ecléctico y excéntrico y de notable
originalidad. Se dedicó a un área de la publicidad que estaba olvidada en esa época, el
cartelismo, renovando el uso del cartel tradicional de 70 x 100 cm.
Chwast Buffalo, alfabeto diseñado en 1973 por Seymour Chwatz
237
Carteles hechos por la Push Pin Studio los dos primeros de Seymour Chwatz
El cartel de Glaser anticiparía una moda psicodélica breve pero espectacular del cartel
en los Estados Unidos, que recordaron los excesos florales del Art Nouveau, las
imágenes diferidas que pulsaban el Op-Art, y las yuxtaposiciones extrañas de
Surrealismo.
Influencia Art Nouveau. La generación de la psicodelia identifica a una generación joven,

como la que popularizó el Art Nouveau, enfrentada a la sociedad en la que se ve
inmersa. Recuperar este estilo y que pasara a los carteles e iconografía de la música del
momento fue algo relativamente natural, y así es como podemos encontrar muchísimos
ejemplos de carteles que toman las letras sinuosas, casi laberínticas del movimiento. Los
motivos florales, la expresión de la naturaleza como algo puro e incluso místico, y la
representación de la mujer de un modo idealizado y hermoso son elementos que
encontramos tanto en las obras del Art Nouveau de 70 años atrás como en un cartel de
un concierto de Grateful Dead. Diseñado por Alton Kelley y Stanley Mouse. Con los
avances en la técnica, las nuevas posibilidades de poner colores, degradados y motivos
más complejos a un precio más asequible permitieron que el Art Nouveau renaciera a la
publicidad, a las publicaciones ilustradas, a las revistas.
238
Victor Moscoso, 1967 Carteles de los Chambers Brothers y del concierto de Miller Blues Band.
Afiche para el festival de Woodstock de 1969.
239
Más allá del afiche…

La gráfica psicodélica también incursionó en la industria…
Portada DIsraeli Greas, de la banda Cream. Diseño de Martin Sharp. 1967
Portada de disco Sgt. Pepper’s lonely hearts club band, de la banda The Beatles.
Diseño de Peter Blake. 1967
240
La Industria casera también aprovechó la gráfica psicodélica en sus diseños, tal como lo demuestran estos envases de cereales, una
marca de jabón y cocoa de los años 70. Nótese la influencia Art Nouveau en los dos últimos.
Rescate del estilo retro y del imaginario vernacular
Dos características que se gestan en las décadas de los 60’s y 70’s son el retomar rasgos
de estilos gráficos anteriores (estilo retro) y el apropiamiento del estilo propio de cada
región del mundo, (referentes vernaculares) especialmente de oriente medio e indo –
Europa en aquel entonces.
Esta característica ha persistido hasta la gráfica contemporánea, más ya no con la

mirada exotizante que entonces se arrojaba sobre las “vernaculares”. El proceso de
globalización ha permitido ver con mayor naturalidad las propuestas visuales de
diferentes lugares del mundo sin el asombro que en otras épocas causaba.
Lo vernacular también se hace extensivo al rescate del estilo de la propia localidad, este
proceso se ha visto acelerado por la tecnología de las Artes Gráficas, que permite la
tipografía y la impresión profesionales en pequeñas ciudades y en países en vías de
desarrollo, así como la rápida enseñanza del Diseño Gráfico. Vernáculo La inserción de
motivos que hicieran recordar los diseños persas e hindúes es una de las principales
características de la psicodelia, aunque ésta carátula de Vogue (parte inferior izquierda)
es de 1954 y demuestra ya éste interés en el Diseño.
Vernáculo
La inserción de motivos que hicieran recordar los diseños persas e hindúes es una de las
principales características de la psicodelia, aunque ésta carátula de Vogue (parte
superior izquierda de la siguiente página) es de 1954 y demuestra ya éste interés en el
Diseño.
241
Lo mismo ocurre con el envase de comida instantánea, carne al curry con arroz. La mirada exotizante hacia lo foráneo llevaba al
público a consumir productos de naturaleza extranjera y a la gráfica emular dichas características.
En la actualidad Japón demuestra su propia propuesta gráfica sin tomar literalmente características ancestrales, si no que a partir de
su propia identidad visual innova nuevas formas. Como observamos en la gráfica (ilustración de la izquierda) de Tanadori Yokoo en
1966 cuando trabajaba para la Push Pin
Studio y tazas de té (ilustración superior) de Shigeo Fukuda de 1975.
242
En las piezas gráficas anteriores se cita a la época a la que se hace referencia:
1. “Art Decó” Sobrecubierta del libro homónimo de Bevis Hillier. Diseño de Barry Zaid,
1970. Se reinventa una geometría decorativa propia de los años 20’s medio siglo
después.
2. “The General” Cartel de proyección de película homónima de Bustes Keaton de 1923.
Diseño de David Lance Goines, 1973. Explora también en el core y la sensibilidad del
dibujo de la época a la que alude.
3. “Mackintosh and the Glasgow Style” Cartel para exposición. Diseño Shinoske
Los llamados “Diseñadores retro” de la década de 1980 se basaban en un interés

ecléctico por el diseño moderno europeo de la primera mitad del siglo XX, desprecio por
las normas de la tipografía adecuada, a la par que les fascina las tipografías excéntricas
diseñadas entre 1920 y 1930, y que cayeron al olvido después de la guerra mundial.
243
Izquierda. Cartel de los relojes Swatch. Paula Scher, 1985. Parodia un famoso cartel de la década de los 30 de Herbert Matter.
Derecha. Portada del CSA Archive Catalog of Stock Art. Harles S. Anderon Desing Co. 1995.
POESÍA VISUAL EUROPEA EN LA GRÁFICA
Se suele llamar así a la convergencia de elementos improbables para crear una nueva
experiencia o provocar un impacto emocional insólito. Bajo esos términos surge en
Europa entre 1960 y 1990 un enfoque poético del diseño gráfico, que se vale del collage,
montaje y técnicas fotográficas y fotomecánicas. Así estos poetas distorsionan el tiempo
y la tipografía, fusionan objetos, fragmentan imágenes como recursos de su lenguaje.
Para ellos el diseño es la invención de imágenes insólitas para transmitir ideas o

sentimientos. Rechazan lo convencional o previsible.
Cartel Concierto Alabama Blues. Günter Kieser, 1996. La paloma es tomada como potente símbolo de anhelo de paz, justicia y
libertad, acorde con el mensaje de la música. Página de Twen. Willy Fleckhouse (director artístico) Un símbolo fotográfico a toda
página y el espacio en blanco crean un diagrama dinámico y expansivo.
244
Página de Twen. Willy Fleckhouse (director artístico) Un símbolo fotográfico a toda página y el espacio en blanco crean un diagrama
dinámico y expansivo.
Portada y dobles páginas de “La Cantante Calva” de Eugene Ionesco. Robert Massin (Diseñador) y Henry Cohen (fotógrafo) 1964.
Para diagramar esta obra convergen la inmediatez gráfica del cómic con recursos expresivos de poesía futurista.
245
Cartel “Victoria 1945”. Shigeo Fukuda. 1975.

El cartel poético se expande a otros
246
1.8.3 Estética Punk en la Gráfica y el Graffiti de Basquiat y Banksy.
INTRODUCCIÓN AL POS- MODERNISMO
En términos sociales e históricos, no se llega a la modernidad con el comienzo de la Edad

Moderna en el siglo XV, sino tras la transformación de la sociedad preindustrial, rural
tradicional a la sociedad industrial y urbana moderna; que se produce con la Revolución
Industrial y el triunfo del capitalismo. La superación de la sociedad industrial por la
sociedad postindustrial se llama postmodernidad. El término posmodernismo o
posmodernidad designa generalmente un amplio número de movimientos artísticos,
culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su
oposición o superación del modernismo que se originan hacia finales de la década de los
70’s.
Luis Zevallos Hetzel, Motocicletas, Laca sobre nórdex, 1967, Museo de Arte de Lima.
247
Postmodernismo
El posmodernismo adquiere un compromiso riguroso con la innovación, el progreso y la

crítica de las vanguardias artísticas, intelectuales y sociales, al que considera una forma
refinada de teología autoritaria, el posmodernismo defiende la hibridación, la cultura
popular, el descentramiento de la autoridad intelectual y científica y la desconfianza
ante los grandes relatos.
Este escepticismo o esas ganas de liberación de la “tiranía intelectual” de la modernidad

llega al campo de las imágenes de muchas formas, con el cuestionamiento temprano a
los planteamientos de las vanguardias
En la década de los 70’s la gráfica también comienza a cuestionarse muchos postulados

que la “modernidad” – que no se refiere al “modernismo” o Art Nouveau – planteaba
como inquebrantables, y comienza también a guardar suspicacias con sistemas y
códigos que se planteaban como universales. Contribuye a esta visión los movimientos
feministas, los periodos migratorios y el clima creciente de diversidad cultural.
El posmodernismo cuestionaba el orden y la claridad del diseño modernista que tanto

había costado imponer desde la Bauhaus, sobretodo en el diseño corporativo. Los
modernistas desdeñaban las referencias históricas, la decoración y el vernáculo,
mientras para el posmodernista esas eran fuentes inagotables para expandir sus
posibilidades en la exploración de la imagen.
Wolgang Weingart. Anuncio para la revista Typografische., 1974.

Rompe con el orden de lectura de izquierda a derecha y de arriba abajo
248
Cartel de Juegos Paralímpicos de Sydney 2000 y cartel para la obra “El Círculo de Tiza”. Ambos diseñados por Gitte Kath. Texturas,
colores, formas y contenidos se articulan en una unidad conceptual más allá de respetar una correcta diagramación o si resulta
llamativo en términos convencionales.
Agnus Hyland. Sobrecyubiertas de la segunda serie Pocket Cannons de la Canongate. 1999
249
ESTÉTICA PUNK
El movimiento punk es la subcultura que rodea a la música punk y los aficionados a ella.
Usualmente vinculada a outsiders por la cultura popular, las prácticas culturales punks
incluyen una serie de códigos de comportamiento, lenguaje, vestimenta y temáticas que
se han vuelto recurrentes y que los distinguen. Su principal medio de expresión son los
conciertos del género ("escena") y las publicaciones de aficionados ("fanzine") que
incluyen historietas, siempre desarrolladas en blanco y negro y con corte de crítica social
y también el estampado de polos o similares. Su estética busca ser precaria, sin
acabados prolijos y con una temática contestataria de acuerdo a su filosofía. La visión
que tienen es de NO FUTURE que ya para mediados de la década del 70 tenía muchos
jóvenes que veían como la sociedad se enfrentaba a una crisis profunda. La industria
musical cultural había generado un cúmulo de grandes escenarios, donde mega estrellas
pop llenas de luces, vestuario y contratos millonarios con las grandes discográficas,
simbolizaban la realidad de un estilo de vida que no identificaba a muchos jóvenes que
se sentían a diario cada vez más marginados por el sistema.
Características
La forma originaria del punk era un tipo de rock sencillo y ruidoso para expresarse con
sus propios medios y concepto, pero luego se busca una forma de transgresión,
buscando liberarse de los estigmas sociales. Esta rama no daba explicaciones y buscaba
incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando al buen gusto, la moral
y la tradición.
250
251
La fotocopia y el collage al estilo “dadaísta” fueron ejes del movimiento Punk, que tuvo al Fanzine como su herramienta más
popular.
Robert Crumb: ¡Si no lo conoces, no conoces nada!
Artista estadounidense que destacó por su labor en la historieta, creando un nuevo

género, el llamado Cómix, o comic subterráneo. Cuyos temas, a diferencia de los comics
clásicos americanos, eran la sociedad, el sexo y la política, caracterizado por un estilo
muy directo, dibujo expresivo, rostros semideformados. El padre de la corriente gráfica
Subte, actualmente goza de millones de seguidores que a través del comic expresan sus
ideas.
252
“Fritz el Gato” de Robert Crumb en 1965, fue uno de los primeros personajes underground que recoge estética y temática punk. En
1972 hicieron la película, siendo la primera de éste estilo. No fue apta para menores.
El Graffiti
Desde finales de los años sesenta, grupos de

jóvenes de los barrios marginales de
Brooklyn y del Bronx en Nueva York
empezaron a cubrir las paredes de los
espacios públicos (tapias, vallas publicitarias,
andenes, túneles y vagones del ferrocarril
metropolitano) de garabatos y pintadas. Los
más próximos a la love generation se valían
de esos espacios públicos para dar rienda
suelta a su desencanto, a sus protestas, a sus
desacuerdos con las estructuras sociales,
políticas y económicas de un sistema que les
era absolutamente adverso.
Otros, huyendo de sus guetos, dejaban sus huellas o sus marcas anónimas en los muros
urbanos con actitudes despolitizadas e indiferentes al establishment y con la única voluntad
253
de afirmar su identidad y dar testimonio de su existencia en el seno de un sistema que los

tenía apartados.
Taki 183 fue uno de los primeros en poner su nombre en las calles de Nueva York a finales de
los años 60, su firma era una mezcla de su nombre y la calle donde vivía, Taki 183, fue el
primero en ser reconocido por los medios de comunicación cuando en 1971 el New York
Times publica un artículo sobre él. Poco tiempo después muchos jóvenes imitaban a Taki 183
como Julio 204, Frank 207 y Joe 136
PRIMER ARTICULO DE PRENSA QUE

EMPLEO' LA PALABRA "GRAFFITI" EN LA
HISTORIA DE NUESTRA CULTURA. The New
York Times. December 8, 1972
En NYC, nosotros los que empezamos a

ESCRIBIR nombres en 1970,
llamábamos lo que hacíamos WRITING'.
Jamás llamamos lo que hacíamos "Graffiti."
Esa infame y denigrante palabra "g" fue el

bautizo que el periódico New York Times le
aplicó a nuestro arte y Cultura con este
artículo en el 1972.
"Graffiti" es el plural del italiano "grafito," lo

cual, traducido al español, es "garabatos" o
"rayones. “
254
Características conceptuales del Graffiti:
- Temática social, vocación de afirmación por medio de signos o distintivos personales

o grupales.
- Clandestinidad.
- Radicalismo ideológico.
Características sintácticas y formales:
- Superposición de imágenes en el espacio, no se considera el criterio de zonificación.

- Empleo de recursos como el Stencil o el Quick (rápido) resultado de la naturaleza
clandestina e ilegal de la técnica y el estilo.
- Adaptación absoluta al formato, el contenido no condiciona jamás al contorno.
- El color es variado pero predominan marcadamente los contrastes cromáticos.
- Se emplea de igual manera el color plano como el volumétrico.
- La línea de contorno (legado del cómic) es muy distintivo del estilo
255
256
JEAN MICHELLE BASQUIAT
En 1979 un joven graffitero que vivía en las calles de Nueva York escribió en un muro del
barrio Soho “Samo is dead”. Creía estar abandonando el grafitti por la música para
siempre y dejaba estampado por última vez su seudónimo como graffitero, pero todavía
le quedaba mucho por pintar.
Fue a partir de 1980, aun siendo un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse

principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y
sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto.
A partir de 1982 inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se multiplican
sus exposiciones individuales y colectivas. Lamentablemente su temprano fallecimiento
en 1988 a los 27 años, nos privó de un gran artista que logró incursionar elementos
culturales primitivos (principalmente africanos y americanos) bajo una estética de
grafitti. Y a la vez conjugar todo ello en el lienzo.
257
Pinturas de Jean Michel Basquiat
KEITH HARING
Pintor y activista estadounidense, se trata del más importante de los pintores de graffiti de
los años ochenta, nacido en Kutztown, Pennsylvania en 1958. Se volcó a los graffiti,
dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador
directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.
A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles
negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de
elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que luego se sumaron
otros elementos similares, que muchas veces convergen para lograr una textura.
258
259
BANKSY.
Banksy es el seudónimo con el que se conoce al artista más representativo del Street Art
(arte callejero) en la actualidad, es un prolífico artista del graffiti británico. Aunque no se
tienen datos biográficos sobre él, se cree que nació en una localidad cercana a Bristol en
1974 y que después se trasladó a la ciudad, en donde pasó su juventud.
Según el ilustrador y diseñador gráfico, Tristán Manco, uno de los que más ha
investigado sobre el arte urbano, se preparó para ser carnicero y se metió en esto del
Graffiti en los ochenta, en lo que se ha llamado el boom del aerosol. Después, en los
noventa, su fama empezó a correr como la pólvora, sobre todo por sus enfrentamientos
con el grafitero «jefe» en aquellos momentos, Robbo, cuyo Graffiti del canal de Carmen
fue «redecorado» sucesivas veces por Banksy, hasta que el estado de coma del primero
hizo que Bansky terminara el enfrentamiento rindiéndole un sincero homenaje
260
En su libro Wall and street cuenta cómo empezó en la pintura callejera, usando
espray aplicado directamente sobre la pared. Pero esta técnica requería tiempo, lo que
la hacía muy arriesgada ya que se trataba de un arte ilegal. Debido a ello, comenzó a
utilizar plantillas de cartón creadas por él mismo que rociaba con un espray para coches
y que le daban la rapidez que necesitaba en la realización de los murales, haciéndolos
más impactantes.
Su obra, hecha bajo la técnica del esténcil, siempre polémica por utilizar íconos
reconocibles de la sociedad en situaciones a veces embarazosas, con una clara intención
social.
El 12 de julio de 2008 el periódico Mail on Sunday anunció haber descubierto su

identidad, identificándolo como Robin Gunningham, hecho que él siempre ha negado.
Según otros medios, su nombre real podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero esto
parece más una mala interpretación de una broma acerca de la semejanza entre este
último nombre con la expresión inglesa robbing banks (robando bancos). Sea como
fuere, el misterio sigue rodeándole.
El Street Art es el término inglés que describe el arte urbano que engloba todo tipo de
expresión artística realizada en la calle de forma ilegal. En un principio, estas pinturas se
desarrollaban en muros y vagones de tren y recibieron el nombre de Graffiti. Su origen
se sitúa en el Nueva York de los años 60, en los guetos afroamericanos y latinos como
reacción a la situación de opresión que vivían. Los primeros grafiteros compartían
gustos en la música, el baile y la vestimenta. Nace en la calle el llamado movimiento hip-
hop. Posteriormente derivaron en técnicas más artísticas como el stencil (estarcido), el
póster, las plantillas o las pegatinas.
Normalmente este tipo de arte lleva implícito mensajes políticos y crítica social, las
principales características de Banksy y sus obras: «Una pared es un arma muy grande. Es
una de las cosas más desagradables con las que puedes golpear a alguien».
261
Sin duda esta es la foto que más impactó las conciencias de Occidente sobre la guerra del
Vietnam, marcó un hito en el rechazo social a la guerra, cambió la forma de ver lo que
sucedía en Vietnam y se convirtió por derecho propio en un símbolo e icono del siglo XX, es la
famosa foto de "la niña de Vietnam".
Banksy se apropia de este ícono para resignificarlo y actualizarlo en este graffiti.
1.8.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de Jan Svankmajer y los nuevos

soportes para el diseño y la revolución digital.
El minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos mínimos y básicos.
Por extensión, en el lenguaje cotidiano, se asocia el minimalismo a todo aquello que ha
sido reducido a lo esencial que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio. La
intención del minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo. Esto
requiere simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores
puros y líneas simples.
262
Frank Stellla
El filósofo inglés Richard Wollheim (1923-2003) es señalado como el responsable de

acuñar el concepto de minimalismo, en referencia a las obras del norteamericano Ad
Reinhardt y el francés Marcel Duchamp.
Los expertos sostienen que, como tendencia artística, el minimalismo surgió en la

década de 1960, concretamente en Nueva York, Estados Unidos, a partir de una
economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y estructural, la
austeridad y la síntesis, desarrollándose en la década del 70.
Se considera que es una reacción en contra del expresionismo abstracto, de manera

explícita los artistas afirmaron que sus obras no son una expresión de sí mismos,
marcando así una completa oposición. Dentro de este estilo minimalista destacan los
siguientes rasgos: formas rectangulares y cúbicas, que no son metáforas de nada,
repetición, superficies neutras
Pintores y escultores fueron los primeros en volcarse al minimalismo, como Reinhardt,

Donald Judd, Dan Flavin y Robert Mangold. Más adelante el minimalismo se extendió a
la arquitectura (el movimiento De Stijl) y la música, entre otros ámbitos. Destaca la
figura de Frank Stella, Carl Andre y Dan Flavin.
El minimalismo también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida que propone
dedicarse a lo importante y descartar todo lo innecesario como camino para alcanzar la
realización personal.
Frank Stella
263
Dan Flavin.
Dan Flavin
Portada de álbum NEW de Paul McCartney (2013), bajo el estilo minimalista.
264
Minimalismo en la gráfica:
265
Stopmotion, definición.
El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de

objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop
motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron
dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
Hay dos grandes grupos de animaciones stop-motion: La animación de plastilina (o

cualquier material maleable), en inglés claymation, y las animaciones de objetos (más
rígidos).
La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando no hay una figura
definida, sino que las figuras se van transformando en el progreso de la animación; o
puede orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso
del film.
266
También está el go-motion que es un sistema de control que permite a miniaturas y cámara
realizar movimientos mientras se utiliza la animación fotograma a fotograma o stop-motion.
Podría también definirse esta técnica como animación artesanal, debido a que se construye
el movimiento manipulando un objeto, con las propias manos, fotograma a fotograma. Se
trabajan diversos materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y
muros...) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.
La animación de Jan Svankmajer.

Jan Svankmajer, artista gráfico, escultor, diseñador y poeta surrealista checo. Mito viviente
de la industria de la animación y stopmotion.
En sus películas, Svankmajer trabaja con muñecos, utilizando la técnica de stopmotion. No

obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas
antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla,
lo que no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado
en las obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica
del Doctor Fausto (que ha servido de inspiración a muchos autores también).
Para dar a conocer su pensamiento artístico escribió en 1999 su Decálogo.
Animación de Jan Svankmajer
267
Animaciones de Jan Svankmajer.
Ray Harryhausen, animador y productor en stopmotion, junto a su creación para la película Jason y los argonautas.
LOS NUEVOS SOPORTES PARA EL DISEÑO Y

LA REVOLUCIÓN DIGITAL.
A partir dela década del 70 empieza silenciosamente una revolución en las

comunicaciones con la creación de la computadora. Si bien al principio estuvo enfocada
hacia solamente grandes corporaciones, universidades, agencias gubernamentales, con
inmensas máquinas que podrían llenar una sola una habitación, poco a poco la idea de
“computadora personal” fue popularizándose. Compañias como IBM, Olivetti, MIR,
Kenbak Corporation, Xerox, Altair, Apple Cumputer lanzaron sus versiones de
computadoras personales, es así como se crea la necesidad de tener una computadora
en casa. Esto afectaría fuertemente la industria no solo de la ciencia y tecnología, sino
también del diseño, las artes y las comunicaciones.
268
Cuando Apple computer lanza al mercado la Mackintosh en 1984 - primera

computadora personal con ratón y una interface gráfica - marcaría el rumbo de todas
las computadoras a venir. Al hacerse además de una alianza con Adobe, daría inicio a la
primera ola gráfica digital.
Antigua computadora.
Computadora personal IBM
Steve Jobs y la Mackintosh de 1984.
269
Los nuevos formatos:

La página web. El blog, servidores de video y música, las redes sociales,
La revolución digital.
Las tecnologías y métodos utilizados “antiguamente” para transmitir la comunicación

visual se han ido modificando sucesivamente. Esta actividad, que hoy conocemos como
diseño gráfico, abarca muchos aspectos. El desarrollo y evolución de los productos y
servicios de las empresas y particulares han crecido espectacularmente. Esto obliga a los
entes a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado. El Diseño Digital es el
campo que conjuga la informática con el arte visual del diseño gráfico, donde se utilizan
computadoras tanto para generar imágenes visuales sintéticamente como integrar o
cambiar la información visual y espacial probada del mundo real, con la finalidad de
comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a los competidores en el medio
publicitario y sus exigencias.
Con la finalidad de satisfacer las exigencias del mercado y las necesidades de los
diseñadores profesionales, así como el incremento de su productividad y rendimiento es
que se elaboran diversas herramientas, tanto software como hardware.
Breve historia del internet: La página web.
270
La creación del internet se remonta al temprano desarrollo de las redes de

comunicación. La idea de conectar en red ordenadores es antiquísima. En 1962, J.C.R.
Licklider del Massachusetts Institute of Technology, discute sobre su concepto de
Galactic Network (Red galáctica).
Las ideas de conexión global de los años 50 y 60, empiezan a implementarse en la

práctica a finales de la década del 80. Tecnologías que reconoceríamos como las bases
de la moderna Internet, empezaron a expandirse por todo el mundo. En los noventa se
introdujo al World Wide Web (www) o el “mundo cubierto por una telaraña”, que se
hizo mundialmente común.
La infraestructura de Internet se esparció por el mundo, para crear la moderna red

mundial de computadoras que hoy conocemos. Atravesó los países occidentales e
intentó una penetración en los países en desarrollo, creando un acceso mundial a
información y comunicación sin precedentes, pero también una brecha digital en el
acceso a esta nueva infraestructura. Internet también alteró la economía del mundo
entero.
En un principio las páginas web eran sólo texto, pero a medida que ha evolucionado la
tecnología, tanto los ordenadores como las redes de telecomunicaciones, se ha
generado nuevas formas de desarrollar la web.  
La inclusión de imágenes fue la evolución más significativa, pero también debemos

mencionar el video y la animación, o los espacios 3D, lo que aporta valores estilísticos,
de diseño y de interactividad jamás imaginados antes.
El diseño de páginas web se ha desarrollado a medida que ha evolucionado Internet. En

1992 sólo había alrededor de 50 sitios web. Las últimas estadísticas nos confirmaban
que actualmente rondan los 8.000 millones de sitios web, a los que diariamente se les
suma a raíz de 4400 por día.
Rápidamente, su importancia alcanzará las mismas cotas que la televisión o el teléfono.

Datos recientes estiman que hay alrededor de 2 mil millones de páginas colgadas y se
espera que en los próximos años llegue a los 8 mil millones, excediendo el número de
habitantes del planeta. Sin embargo, sólo una fracción de este número es visitado
habitualmente por la mayoría de los usuarios (sólo alrededor de 15.000 sitios webs, el
0,4% del total).
Los diversos medios de publicación virtual: el blog, los servidores de video y música y
las redes sociales.
El boom del internet significó también la proliferación de “internautas” usuarios cada

vez mayores de este medio de comunicación, que no se conformaron por observar
pasivamente la información colgada, sino que empezaron a interactuar, a publicar
creando sus propias páginas.
Es el caso de las empresas, el internet se ha convertido en una herramienta poderosa

para posicionar una marca o empresa, hoy en día existen muchas compañías que no
271
tienen lugar físico fijo, pero si una muy interactiva web lo que ayuda muchísimo en su
posicionamiento ya que los usuarios actuales usan el internet para todo. Una empresa
que no considere a su web como eje principal de marketing, difusión y posicionamiento
está cavando su propia tumba. Así mismo, en el caso de la publicidad, el internet hoy es
un arma poderosa de persuasión. Un fenómeno de la última década es la aparición de
plataformas para publicar escritos, videos y música.
En el primer caso, el blog, también conocido como bitácora digital, ciber bitácora, ciber
diario, es un sitio web en el que uno o varios autores publican cronológicamente textos
o artículos, apareciendo primero el más reciente, y donde el autor conserva siempre la
libertad de dejar publicado lo que crea pertinente. También suele ser habitual que los
propios lectores participen activamente a través de los comentarios. Un blog puede
servir para publicar ideas propias y opiniones de terceros sobre diversos temas. Los
términos ingleses blog y web blog provienen de las palabras web y log ('log' en inglés es
sinónimo de diario).
Es muy frecuente que los weblogs dispongan de una lista de enlaces a otros weblogs, a
páginas para ampliar información, citar fuentes o hacer notar que se continúa con un
tema que empezó otro weblog. También suelen disponer de un sistema de comentarios
que permiten a los lectores establecer una conversación con el autor y entre ellos
acerca de lo publicado.
El uso o tema de cada blog es particular, los hay de tipo periodístico, empresarial o
corporativo, tecnológico y educativo (edu blogs), políticos, personales (variados
contenidos de todo tipo) y otros muchos temas.
LAS REDES SOCIALES:

Los servidores de música. A lo largo de la primera década del 2000 aparecieron decenas
de servidores que permitían colgar libremente música y compartirla. Entre los más
exitosos actualmente están Jamendo, Bandcamp y Soundcloud.
272
Se entiende como red social a una estructura social, un grupo de personas que se
relaciona entre sí. Enfocado al internet, las redes sociales son páginas que permiten a las
personas conectarse con sus amigos e incluso realizar nuevas amistades, a fin de
compartir contenidos, interactuar y crear comunidades sobre intereses similares.:
trabajo, lecturas, música, relaciones amorosas, etc.
Ventajas de las redes sociales
 Favorecen la participación y el trabajo colaborativo entre las personas, es decir,

permiten a los usuarios participar en un proyecto en línea desde cualquier lugar.
 Permiten construir una identidad personal y/o virtual, debido a que permiten a
los usuarios compartir todo tipo de información (aficiones, creencias, ideologías,
etc.) con el resto de los cibernautas.
 Facilitan las relaciones entre las personas, evitando todo tipo de barreras tanto
culturales como físicas.
 Facilitan la obtención de la información requerida en cada momento, debido a la
actualización instantánea.
 Facilitan el aprendizaje integral y permiten poner en práctica los conceptos
adquiridos.
Y para qué sirven
Sin embargo, no todas las redes sociales son iguales. Ni sirven para lo mismo. Cada red
tiene un objetivo específico. Usar la red correcta para la tarea correcta y además hacerlo
correctamente, es todo un arte: una nueva clase de especialidad. A continuación
describiré para qué sirven algunas de las redes sociales más populares en nuestro
medio: Twitter, Facebook, Flickr, Linkedin, y YouTube.
Twitter
Es un sistema web gratuito que permite a los usuarios enviar mensajes de texto
(también llamados tweets) de hasta 140 caracteres que se actualizan en tiempo real.
273
Básicamente sirve para enviar y recibir mensajes de texto en tiempo real a través de las
redes sociales de Internet; es decir, Twitter ofrece al usuario la posibilidad de explicar
brevemente lo que está haciendo o lo que está pensando justo en el momento en que
ocurre, lo cual tiene varias aplicaciones prácticas:
 Las empresas pueden informar sobre lanzamientos de nuevos productos o

servicios.
 Las personas pueden dar a conocer eventos de actualidad, y a su vez los

receptores de las noticias pueden darlas a conocer también (retweet), lo que
resulta en la propagación de una noticia a veces más rápida y efectiva que por
medios tradicionales (prensa, radio, TV, etc.).
Facebook
Es una red social donde los usuarios pueden agregar amigos, enviar mensajes, jugar
juegos, formar grupos y construir un perfil propio.
Es propiedad privada y operado por Facebook, Inc. Desde septiembre de 2006,

cualquier persona mayor de 13 años con una dirección válida de correo electrónico
puede convertirse en un usuario de Facebook. La audiencia de Facebook objetivo es más
para un adulto que para una franja demográfica de población joven. Los usuarios
pueden añadir amigos y enviarles mensajes, y actualizar sus perfiles personales.
Además, los usuarios pueden unirse a las redes organizadas por el lugar de trabajo, la
escuela o la universidad. El nombre del sitio proviene el nombre coloquial de los libros
dados a los Estudiantes al inicio del año académico por las administraciones
universitarias en los EE.UU. con la intención de ayudar a los Estudiantes para llegar a
conocerse mejor.
El Youtube
Sitio web en el que los usuarios pueden colgar y compartir videos. Fue creado por tres
antiguos empleados de PayPal en febrero de 2005. En octubre de 2006 fue comprado
por Google Inc. a cambio de 1650 millones de dólares. Actualmente es el sitio web de su
tipo más utilizado en internet.
En poco tiempo alcanzó la popularidad por su facilidad de uso y por permitir a cualquier
usuario el colgar sus propios videos y difundirlo de manera sencilla y masiva por la red.
274
Los primeros videos colgados a youtube eran bastante primitivos pero conforme fue
ganando más adeptos y sobretodo apoyo de la industria, se convirtió en una
herramienta poderosísima de información, hay series exclusivas que solo se transmiten
por youtube, el cine lo usa para difundir sus trailers y colgar sus películas online, los
músicos y cantantes de moda lo usan para estrenar sus video clips y también festivales y
obviamente la publicidad ha encontrado en él un excelente canal para promocionar
marcas, productos y servicios, así como videoblogs amateur (a pesar del copyright existe
en abundancia). Es así como en los últimos 5 años se ha desarrollado un nuevo tipo de
paradigma, de celebridad virtual, el “youtuber”, aquella persona que alcanza el éxito en
su canal de youtube ya sea por la música, cortos de videos o simplemente carisma que
engancha con el público.
YouTube mantiene una logística que permite localizar cualquier vídeo por medio de las
etiquetas de metadato, títulos y descripciones que los usuarios asignan a sus vídeos,
pero cuyo uso está restringido únicamente a los vídeos alojados en YouTube. Sin
embargo, a raíz de la compra de YouTube por parte de Google, google video empezó a
agregar a sus búsquedas los contenidos de YouTube.
A partir junio de 2007 se dio un importante paso hacia la internacionalización del sitio, al
traducir su interfaz a diversos idiomas.
Linkedin
Una red social orientada a profesionistas y negocios. Es un gran recurso para generar
más tráfico hacia tu website y ganar más visibilidad para tu persona y tu negocio,
ganando así autoridad en tu sector.
El propósito del sitio es permitir a los usuarios registrados mantener una lista de
información de contacto de las personas que conocen y de confianza para los negocios.
La gente en la lista se denomina conexiones. Los usuarios pueden invitar a cualquier
persona (ya sea un usuario del sitio o no) para convertirse en una conexión.
275
Flickr
Es un sitio web donde los miembros de la comunidad pueden almacenar, compartir y

opinar sobre fotos y videos. El servicio es ampliamente utilizado por los bloggers para
alojar las imágenes que integran en blogs y medios de comunicación social. Para octubre
de 2009 habían alojadas más de 4 mil millones de imágenes.
Los nuevos soportes digitales: Ordenadores, tablets y celulares.
El desarrollo de la computadora no ha parado desde su masificación a finales de los 70.

La Mackintosh de Apple significó un paradigma por sus innovaciones técnicas, pero poco
después la empresa Microsoft de Bill Gates se dueña de casi la mayoría de usuarios de
computadoras en el mundo. Esto debido a su bajo costo y la posibilidad de tener el
software del sistema operativo primero MS-DOS y luego WINDOWS 1.0 en 1985 en toda
computadora compatible, algo que Apple no permitía pues siempre ha sido muy
conservadora con el software y hardware, considerando ambos partes de un todo.
Mientras que Microsoft dio carta libre a las empresas de fabricación de computadoras a
adquirir su software e incluirlo en el paquete de venta. Microsoft tuvo un periodo de
gran auge con la salida de sus versiones de Windows 3.1, 95, 98, XP, 7, 8 y actualmente
el 8.1. Las versiones más recientes han sido concebidas con la idea de no solo servir en
un ordenador, sino también en las tablets y celulares.
276
Por su lado Apple tuvo un inicio contundente pero luego de la salida intempestiva de
Steve Jobs, su co-fundador, la empresa pasó por un periodo tambaleante, hecho que
casi la lleva a la quiebra en 1997, hasta que el mismo equipo ejecutivo que echó a Jobs
lo reintegró a la empresa, esta vez a la cabeza como CEO. Tras su regreso se produjo uno
de los más grandes acontecimientos de fin de siglo: EL lanzamiento de la renovada
Mackintosh: iMac, una computadora limpia tanto en diseño externo como en ingeniería
de software. La empresa siguió siendo reservada en otorgar licencias de su sistema
operativo a cualquiera, pero esta vez este aspecto, en lugar de debilidad, se convirtió en
una gran fortaleza. El sistema operativo Apple llamado iOS se caracteriza por ser
extremadamente fácil e intuitivo para el uso, de sus altas defensas contra los virus y por
su belleza. En la primera década del 2000 se lanzaron cada vez nuevas y mejoradas
versiones. En el 2009 lanzan una iMac de aluminio, de diseño minimalista y elegante, y
desde entonces cada nueva computadora ha seguido ese patrón de diseño. Además de
desarrollar el Magic mouse, un ratón con la tecnología multitouch que hace de la
experiencia de navegar mucho más sencilla.
En cuanto a las tablets, fue Apple quien inició el negocio al presentar el iPad en el año
2010, el Tablet fue creado para el consumo de contenidos: música, libros, periódicos,
fotos, videos, juegos, etc. Pero poco a poco con las nuevas aplicaciones, que también se
ha convertido en una industria, convirtiendo la Tablet en herramienta múltiple de
creación. Todo ello con la tecnología de conexión inalámbrica a internet.
Los reproductores de música y los celulares inteligentes:

Nuevamente fue Apple quien lanza el 2001 el iPod, un aparato que almacena y
reproduce más de 1000 canciones y lo mejor es que cabe en el bolsillo. Esto significó
una revolución para la industria de la música, pues como se sabe, para consumir música
había la necesidad de adquirir el cassette o el disco, aparte del reproductor de los
mismos, que eran de un considerable tamaño. Lo que propone el iPod es la comodidad y
eficiencia en la palma de la mano. Tuvo repercusión en la industria discográfica pues si
ahora se consumía la música digitalmente, ¿dónde quedarán los discos? Claro, existía y
existe aún la descarga ilegal, los reproductores Mp3 ofrecían música digital también,
pero de baja calidad y no almacenaban lo suficiente. Poco tiempo después del
lanzamiento del iPod se constituyen webs, entre ellas iTunes del mismo Apple, que
venden música a precio cómodo y sin ser ilegal. El iPod sufrió varias transformaciones,
hasta llegar a su modo actual: el iPod touch, hermano mellizo del teléfono inteligente: el
iPhone.
277
El iPhone hace su aparición nuevamente de la mano de Steve Jobs en el 2007. Es

presentado al público como el teléfono inteligente que revolucionará el mercado. Y en
efecto, es un aparato que permite, aparte de hacer llamadas, almacenar música, fotos y
videos, navegar por internet, mapas, juegos, mandar correos electrónicos, etc. Aparte
de contar con una nueva tecnología, la “touch” donde hay una pantalla grande sin
botones donde ellos aparecen simplemente cuando es necesario, además el teléfono
corre con el sistema operativo de una Mac, el iOS, lo que la hace compatible y se puede
sincronizar con ella. A raíz de éste éxito las demás empresa de compañía móvil lanzan
sus propias versiones de “Smartphone” unos mejores que otros, siendo actualmente
Samsung el más destacado, superando a Apple. Microsoft sacó su propia versión
llamado el Windows Phone.
Las nuevas técnicas y tecnologías en el diseño.

Los softwares especializados en diseño
Como dijimos anteriormente, el desarrollo de la computadora trajo consigo una

revolución en el consumo de la información y también en el diseño. Los programas o
software para diseño gráfico comenzaron a gestarse a mediados de los 80, y cada año
sacaban nuevas y mejoradas versiones. A la fecha infinidad de programas han ido
evolucionando a la par que se han ido descubriendo nuevas técnicas para la carrera del
278
arte y el Diseño. Un diseñador gráfico de estos tiempos es aquel que domina la parte
conceptual y estética de una pieza de comunicación gráfica y que también es capaz de
hacerla realidad bajo los medios tradicionales estudiados (collage, tipografía, ilustración)
y los medios digitales contemporáneos a través de los programas. Dentro de la gran
lista de programas de diseño editorial, corporativo y de imagen destacan los siguientes:
Adobe Illustrator. Es un programa graficador, característico por la utilización de nodos y
vectores, En él se puede desde diseñar un afiche hasta un folleto de varias páginas,
también se puede ilustrar “vectorialmente”. Permite una variedad de formatos
exportables para ser consumidos en diversos medios digitales. Es parte de la familia
Adobe master collection.
Adobe Indesign. Es un programa diagramador, especialista en preparar revistas, libros y
folletos grandes ya que cuenta con un sistema único y ordenado de creación de páginas.
Al igual que en el Illustrator pueden dibujarse vectores. Se pueden elaborar trabajos
tanto físicos como digitales, con el uso de botones interactivos. Es parte de la familia
Adobe master collection.
Adobe Photoshop. Otro de la familia Adobe, especializado en retoque de fotos, dibujo,
pintura. Cuenta con una amplia gama de creación de efectos para fotografía y destaca el
uso de sus múltiples capas.
Corel Draw. Es un programa parecido al Illustrator, su tecnología en nodos y vectores es
muy avanzada, permite al igual que el illustrator hacer afiches, folletos e ilustraciones
vectoriales.
Corel Photo Paint: Programa similar al Photoshop, permite crear efectos en una imagen,
dibujar y pintar en modo Bitmap.
Clasificación de herramientas:
Procesado de Gráficos 2D
Hay dos acercamientos a la gráfica 2D, el vector y el gráfico raster. La gráfica de vector
almacena datos geométricos precisos, topología y estilo como posiciones de coordenada
de puntos, las uniones entre puntos (para formar líneas o trayectos) y el color, el grosor
y posibles rellenos de formas. La mayor parte de los sistemas de vectores gráficos
también pueden usar formas primitivas geométricas estándar como círculos,
rectángulos, etc. con la finalidad de facilitar el trabajo editándolas según la necesidad
especifica. En la mayor parte de casos una imagen de vectores tiene que ser convertida
a una imagen de trama o raster para ser vista.
279
En este escalón podemos citar herramientas de software como Corel Draw, Adobe
Illustrator, Adobe Flash, etc. Los gráficos de tramas o raster (llamados comúnmente
Mapa de bits) es una rejilla bidimensional uniforme de pixeles. Cada pixel tiene un valor
específico como por ejemplo brillo, transparencia en color o una combinación de tales
valores. Una imagen de trama tiene una resolución finita de un número específico de
filas y columnas.
Las demostraciones de computadora estándares muestran una imagen de trama de

resoluciones como 1280 (columnas) x 1024 (filas) pixeles. Hoy uno a menudo combina la
trama y los gráficos vectorizados en formatos de archivos compuestos (pdf, swf, svg).
Una herramienta que podemos citar es el Adobe Photoshop.
280
PROCESADO DE GRÁFICOS 3D
Con el nacimiento de las estaciones de trabajo (como las máquinas LISP, Paintbox
computers y estaciones de trabajo Silicon Graphics) llegaron los gráficos 3D, basados en
la gráfica de vectores. En vez de que la computadora almacene la información sobre
puntos, líneas y curvas en un plano bidimensionales, la computadora almacena la
posición de puntos, líneas y típicas caras (para construir un polígono) en un espacio de
tres dimensiones.
Los polígonos tridimensionales son la sangre de prácticamente todos los gráficos 3D
realizados en computadora. Como consiguiente, la mayoría de los motores de gráficos
de 3D están basados en el almacenaje de puntos (por medio de 3 simples coordenadas
dimensionales X, Y, Z), líneas que conectan aquellos grupos de puntos, las caras son
definidas por las líneas y luego una secuencia de caras crea los polígonos
tridimensionales.
El software actual para generación de gráficos va más lejos de sólo el almacenaje de

polígonos en la memoria de la computadora.
Las gráficas de hoy no son el producto de colecciones masivas de polígonos en formas

reconocibles, ellas también resultan de técnicas en el empleo de Shading
(Sombreadores), texturing (Texturizado o mapeado) y la rasterización (En referencia a
mapas de bits). En este rubro podemos citar herramientas como 3D Studio Max, Google
SketchUp Pro, Blender, Maya, LightWave 3D, ZBrush, etc.
281
Hardware periférico
Cada vez más, los avances tecnológicos tienden al acercamiento entre el hombre y la
computadora; primero el teclado, luego el mouse, más tarde las tabletas gráficas para
los diseñadores e ilustradores y “escultores digitales”, la Wacom Cintiq 21ux, una
tableta grafica/digitalizadora con lápiz sensible a la presión.
ZBrush, la herramienta intuitiva de escultura digital que combina el 3D / 2,5 D de
modelado, texturado y pintura, es totalmente compatible con este nuevo lanzamiento.
La tableta puede llegar a una precisión de 1024 niveles de sensibilidad de presión,
haciendo más suave y manipulable el modelado. La pantalla alcanza una resolución de
1280X1024 con 24 bits de color y 27ms/píxel de velocidad de respuesta. Los recursos
digitales nos proporcionan herramientas de diseño con múltiples posibilidades por
explorar. Desde la década de los 80’s múltiples diseñadores han venido ampliando los
horizontes.
282
EL MEDIA ART:
La voz inglesa new media art se traduce comúnmente como «arte de los nuevos
medios» y suele utilizarse indistinta y simultáneamente junto a otros términos como
«media art», «arte electrónico», «arte multimedia» o «arte interactivo» para referirse,
en términos comunes, al arte que aplica nuevas tecnologías a las prácticas artísticas. En
el contexto artístico, los medios hacen referencia a los materiales, metodologías,
mecanismos, tecnologías o aparatos mediante los que se realiza una obra de arte.
En su libro El Lenguaje de los Nuevos Medios de Comunicación, Lev Manovich define los
nuevos medios como aquellos que implican al ordenador (las tecnologías informáticas)
en cualquiera de las fases de la comunicación, sea la captación, la manipulación, el
almacenamiento o la distribución, y que afectan a todos tipo de medios, ya sean textos,
imágenes fijas o en movimiento, sonido o construcciones espaciales.
283
El new media art es una corriente artística contemporánea que abarca un conjunto
heterogéneo de manifestaciones y prácticas que no sólo emplean las TIC como
herramientas de producción, sino también de experimentación estética y reflexión
crítica, redefiniéndolas como medios artísticos.
Así, podríamos decir que el término new media art «describe un proceso en el que las
tecnologías existentes, las nuevas y emergentes son usadas por los artistas para crear
obras que exploran modos de expresión artística, desde el arte conceptual al virtual, a
través de la performance o la instalación y que integran los nuevos medios tanto en
cómo se concibe y crea la obra (o un componente de la obra) como en el modo en que
se presenta al público»
El Mapping 4D:
El llamado video mapping es mejor definido como técnica, en la que se proyectan
imágenes sobre superficies reales para conseguir efectos de movimiento o tercera
dimensión (3D). Generalmente estos ejercicios se llevan a cabo en edificios o
monumentos, de diversos tamaños, con el objetivo de brindar un mensaje, siendo el
más común la publicidad.
284
La imágenes proyectadas suelen ser acompañadas de efectos visuales y sonoros que dan
gran impulso a lo que termina siendo un verdadero espectáculo fuera de lo común.
La manera de atraer la atención del espectador es lograr que un objeto inanimado cobre
vida a través de la proyección de imágenes secuenciales; si pensamos en un edificio,
sobre toda la fachada se realiza la proyección, y aquí se tiene en consideración puertas,
ventanas, balcones, columnas y más detalles arquitectónicos, los cuales pueden ser
usados como parte la misma obra artística que se aprecia en tiempo real.
285
El Cinemagraph.
Es una especie de híbrido entre fotografía y video, con formato GIF, creado por el
fotógrafo Jamie Becky el diseñador web Kevin Burg. Beck lo definió como «algo más que
una fotografía pero menos que una película». El resultado: fotografías en movimiento. A
lo Harry Potter. El cinemagraph, popularizado sobre todo a través de Tumblr, supone la
culminación del GIF, ese tipo de archivo de segunda que empezó su andadura en
Internet como estrella del banner publicitario y ha acabado sus días como vehículo de
memes y bromas virales.
Pero cinemagraph no es exactamente igual a GIF. En este último la animación es total,
mientras que en el primero es solo una parte de la imagen la que se mueve, lo que da
esa sensación de fotografía en movimiento. El cinemagraph nació vinculado a la moda y
al diseño: ante todo es un formato puramente artístico, de una calidad altísima. Con un
leve movimiento, su magia consiste en meter al espectador dentro de la fotografía.
Uno de los artistas destacados es el español Ibon Mainar, que ha usado el GIF para hacer
una curiosa reinterpretación de la obra de Edward Hopper. Mainar es consciente del
escaso interés que de momento despierta este tipo de obras en el mundo del arte; sin
embargo, en la red es otra historia. Dice Mainar: «Nunca podré aspirar a que en una
galería vean mi trabajo 12.500 personas, sin embargo uno de mis GIF se reblogueó ese
número de veces. Hay Gifs que se expanden cientos de miles de veces por la red y eso
me hace reflexionar sobre si es el arte el que está al margen de lo digital. Creo que con
lo digital, los GIFs, net.art, etc… arte que el propio artista cuelga en la red, existe una
relación más sincera con el público». Menuda reflexión sobre el arte a cuenta del GIF.
286
El Pixel Art:
El pixel art es una forma de arte digital, creada a través de una computadora mediante
el uso de programas de edición de gráficos rasterizados, donde las imágenes son
editadas al nivel del pixel. Las imágenes de la mayor parte de los antiguos videojuegos
para PC, videoconsolas y muchos juegos para teléfonos móviles son consideradas obras
de pixel art. Posee similitudes con el puntillismo difiriendo principalmente en las
herramientas para la creación de las imágenes: computadoras y programas en lugar de
pinceles y lienzos.
La terminología pixel art fue publicada por primera vez en 1982 por Adele Goldberg y
Robert Flegal del Centro de Investigación de Xerox en Palo Alto.
El pixel art se divide comúnmente en isométrico y no isométrico. El estilo isométrico es
dibujado casi en una proyección dimétrica isométrica. Esto se ve mucho en juegos para
producir la sensación de un entorno tridimensional sin usar una computadora con
verdadero potencial para producir gráficos en 3D. Técnicamente, un ángulo isométrico
debería ser de 30 grados desde la horizontal, pero esto no produce un buen resultado
en pixel art ya que los píxeles en estas líneas no siguen una sucesión regular. Para
solucionar esto, se toman pendientes de una razón de 1:2 píxeles, llevando a un ángulo
de aproximadamente 26,565 grados (arcotangente de 0,5)
El pixel art no isométrico es todo aquel que no entra en la categoría de pixel art
isométrico, y usa vistas de frente, de lado, desde encima o en perspectiva.
287
El Go Motion.
Es una variante del stopmotion para la animación de modelos en frente de una cámara.
Es una técnica creada por ILM (industrial light & magic) la empresa de efectos especiales
de George Lucas. El Go Motion utiliza tecnología informática y la aplica a los principios
del Stop Motion, lo que se hace es utilizar un muñeco (animatronic) para realizar
movimientos suaves, mientras se fotografía paso a paso, esto genera un "efecto de blur"
(movimiento difuminado) en cada movimiento.
Phil Tippet el productor de ILM es el creador del Go Motion, el motivo para crearla fue
que para la película Star Wars: El Imperio Contraataca, el movimiento de naves y robots
no quedaban naturales solo con el Stop Motion, ya que generaba movimientos muy
bruscos y poco naturales al solo fotografiarse objetos estáticos, además de no generar
una sensación de velocidad. Entonces Phil Tippet mezclo lo sutiles movimientos de los
muñecos animatronics y fotografió cuadro a cuadro para dar sensación de velocidad con
el difuminado.
288
Esta técnica ha sido usada en películas como Dragoslayer del director Matthew Robbins,
Star wars: El Imperio Contraataca, ET, El Laberinto del Fauno del director Guillermo Del
Toro. También se quiso utilizar el Jurasic Park, pero finalmente Steven Spielberg decidió
usar efectos CGI (animación digital).
El Motion Capture.
O también conocido como MoCap, es una técnica de grabación de movimiento en

general de actores o animales vivos que los traslada a una animación digital en
computadora. Motoriza todos los movimientos de los actores que requieren algún tipo
de animación posterior. Como explica ILM, la empresa que se encargó de la animación
de Piratas del Caribe: En el fin del mundo, crear un personaje con un realismo tan alto
como el de Davy Jones no habría sido posible sin el motion capture. De hecho, fue
nombrado por Entertainment Weekly el segundo personaje más convincente de la
historia del cine animado por ordenador, después de King Kong. Gracias a él podemos
disfrutar de personajes fantásticos con comportamiento humano.
Simplifica el proceso de producción saltándose la etapa del maquillaje. Se basa en las
técnicas de fotogrametría y se utiliza principalmente en la industria del cine de fantasía
o de ciencia ficción, en la industria de los videojuegos o también en los deportes, con
fines médicos. Se puede almacenar las acciones de actores humanos, y usar esa
información para animar modelos digitales de personajes en animación 3D.
289
La Post fotografía.
La fotografía alcanzó un punto fundamental de madurez durante las vanguardias
comprendidas entre 1925 y 1945; en los sesentas tuvo en el posmodernismo un terreno
ideal donde el arte conceptual le acogió y elevó a un medio de expresión de cualidades
inigualables.
Para el finales de los ’70s e inicios de los ’80s la reflexión teórica, intelectual, despegaba
con aplomo en figuras como Susan Sontag o Roland Barthes. En paralelo se va
consolidando la tecnología para crear imágenes fotográficas de modo electrónico en un
entorno digital. A partir de ese momento la fotografía inicia un segundo momento
crucial.
En el siglo XXI la fotografía sigue más viva que nunca, sin embargo su manera de hacerla,
difundirla y entenderla ha cambiado de manera profunda. No se trata exclusivamente
de la evolución tecnológica que supone el cambiar los haluros de plata por un sensor
electrónico y sensible a la luz, fabricado con silicio: casi a la par de la fotografía digital
vino otra revolución: la del Internet. Sin embargo, hasta que se rebasó la frontera del
siglo XXI ambas tecnologías llegaron a un punto de madurez y de difusión generalizada.
La proliferación de dispositivos móviles que combinan una poderosa computadora

conectada a Internet por vía inalámbrica y una cámara incorporada, que lo mismo
registra fotografía fija que video, ha puesto en manos del gran público posibilidades
cuyos alcances apenas comenzamos a comprender. A este fenómeno de la fotografía
digital y sus cambios en el paradigma socio-cultural comenzó a llamársele
Postfotografía.
Joey Lawrence
Claudia Laudanno explica que “El término postfotografía describe un conjunto

categorial más amplio, en el que se inscriben todos los fenómenos recientes de
reproducción cibernética y masmedática de la imagen analógica. Allí, los códigos
icónicos, iconográficos y semánticos, se someten a una serie infinita de
contaminaciones, travestismos e hibridaciones de géneros. La imagen es ahora
intervenida, modificada, re-confeccionada. En este sentido, como sistema significante, la
fotografía contemporánea no sólo concierne a la simple reproducción automática del
mundo, sino también a su re-instalación ficcional. La postfotografía es un término con el
que se acuña el caudal de imágenes que desde cámaras, teléfonos móviles o tabletas se
realizan a diario y que todavía necesitan ser definidas en su ontología. La postfotografía
desafía la ontología de la fotografía analógica y abre la puerta a un complejo espacio
290
creado por las tecnologías, sistemas de representación y las prácticas artísticas y

cinematográficas contemporáneas que tienen a lo digital como su seña de identidad.”
291
Resumen
 Después de la Segunda Guerra Mundial el Expresionismo Abstracto se convirtió en el
primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, por ello
tuvo apoyo del gobierno americano. Su mayor exponente fue Jackson Pollock.
 Los límites académicos impartidos por el espíritu de modernidad durante la mayor parte
del siglo XX son cuestionados con la posmodernidad, pues la acusa de buscar un estilo
universal que desplaza propuestas locales y aportes de otras épocas que considera un
campo muy fértil para el diseño.
 Corrientes como el punk y manifestaciones como el graffiti ponen en relieve la

disconformidad al sistema de las generaciones posmodernas.
 El Diseño Gráfico se ha visto favorecido en los últimos años debido a la revolución digital
que nos ha ofrecido nuevos soportes y herramientas (software) para expandir los
horizontes de esta disciplina.
Recursos
https://www.youtube.com/watch?v=9b8vGerhpNg
http://books.google.es/books?id=p08gijQko4YC&printsec=frontcover&source=gbs_navlinks_s#v
=onepage&q=&f=false
http://www.diegolevis.com.ar/secciones/Articulos/BellasArtes_UNLP.pdf
https://www.youtube.com/watch?v=Q4ZJl4m4Jps
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Historia del Arte y

Curso Historia del Arte y del Diseño

1.7.3 Nacimiento y Proliferación de Disney 171

Unidad 1 Unidad 2 Unidad 3 Unidad 4

LA HISTORIA. EL ARTE Y EL EL ARTE Y EL EL ARTE Y EL

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,

TEMA 1: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA, EDAD MEDIA

1.1 Tema 1: El Arte y el Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media

1.2 Tema 2: El Arte y el Diseño en la Edad Moderna

1.1 El Arte y Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media

1.1.1 Arte Rupestre, Arte en el Antiguo Egipto y Mesopotamia

En términos generales se denomina Arte a la actividad o producto en los que el ser

Caballo. Cueva de “Lascaux” (Francia)

Al parecer, el extraordinario naturalismo y la exactitud anatómica del retrato de

En cuanto a su forma de vestir, imagínense a un Neandertal cubierto con pieles. De

Hombre con piedras las cuales usará como herramientas.

Arte y diseño antiguo: Egipto y Mesopotamia.

Arte Egipcio: Diseño e imagen

Escultura: La escultura egipcia fue realizada en base en creencias en seres espirituales,

Tutankamón y Nefertiti (Ambos del Imperio Nuevo)

Arriba, retazo de pared egipcia. Abajo: figura de Faraón y de pareja egipcia.

Arquitectura y Diseño de Interiores

 Empleo de la piedra labrada en sillares, perfectamente aparejados, unidos sin

Monumento egipcio en el Metropolitan Museum de Nueva York.

La Esfinge de Egipto, El Cairo.

Diseño textil e indumentaria

Estandarte de Ur, Arte Sumerio.

organizaron un sistema de canalizaciones y fundaron las primeras ciudades. Fue un

Cacería de Asurnasirpal. Nínive. Periodo Asirio.

Estado. La religión en Mesopotamia domina todo y permanece más o menos inalterable

Altos relieves y esculturas Babilónicos.

Piedra de Hammurabi: Otra de las piezas importantes de la cultura Babilónica es la

Estela con las leyes de Hammurabi.

Dentro de la arquitectura Mesopotámica se desarrollaron ciertos monumentos, que

Columnas de entrada Babilónica.

1.1.2 Arte Clásico: Grecia y Roma

Grecia: Diseño e imagen

Una de las escasas muestras de la belleza de la pintura griega de que disponemos es el

Estilos de pintura de cerámica griega

Rostros griegos, estudio de cabeza.

Rostro de la diosa Atenea.

Esculturas en mármol, cuerpos griegos.

Alto relieve en mármol.

Arquitectura y Diseño de Interiores

La arquitectura griega clásica está representada, fundamentalmente, por templos, pues

En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador

Templo griego Erectelón.

Diseño y Arte Romano

Venatio. Lucha en anfiteatro y circo romano. Fresco

Alejandro Magno, mosaico romano.

Marte y Zeus, fresco romano.

Inscripción en Letras Capitales Romanas.

Columna Romana. Metropolitan Museum de Nueva York.

Arquitectura y Diseño de Interiores.

Arco de triunfo Romano.

Arco de triunfo Romano junto a coliseo en Roma.

Diseño textil e indumentaria

Vestuario femenino de la antigua Grecia.