Romanticismo

Romanticismo
El piano fue la pieza central de la actividad social de los urbanitas de clase media en el siglo XIX (Moritz
von Schwind, 1868). El hombre al piano es el compositor Franz Schubert.
Artículo principal: Música del Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los
estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El Romanticismo fue un movimiento
artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el
individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música
romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y
canciones expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores románticos
como Richard Wagner y Johannes Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el
poder en su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos.
Con poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o
paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el
orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica. Las
cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la tradición.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de
explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia
(personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un
tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se
siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma
sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y
modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y
funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más
adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera
y ballet, explorando nuevos estilos y temas.26
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz
Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven,
los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la
unidad compositiva más significativa.e Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich
Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y
más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a
menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron
las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes extendidos y
los acordes alterados, que crearon nuevos colores de sonido. A finales del siglo XIX se produjo
una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y la Revolución industrial ayudó a
crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se
convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una
nueva diversidad en la música para teatro, incluida la opereta, la comedia musical y otras
formas de teatro musical.26
El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical sino
también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la Revolución industrial
su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo influyó en
el modo de organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó como
herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la composición.39 En dicho
período hubo importantes compositores como Félix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz
Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac
Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores
como Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.40
Siglo XX y XXI
Enrico Caruso con un gramófono.
Artículo principal: [[:Música clásica del siglo XX | Música clásica del siglo XX]]
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer
al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de
clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con
la música del siglo XX, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la
disponibilidad de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones
sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en
su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y
piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó
popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras
que en el siglo XIX, el enfoque en las partituras restringió el acceso de la nueva música a las
personas de clase media y alta que podían leer música y poseían pianos e instrumentos, en el
siglo XX, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes
bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que no
podían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta música.
También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país,
además de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares.
Esto ayudó a difundir los estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos
ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en
muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar
sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales
como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Ígor
Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música
artística del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música
dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición
electrónica acusmática41 y música concreta. La grabación de sonido también fue de gran
influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las
grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema
de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho
más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y
su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces,
creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.
Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis

Armstrong, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX y
durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de
arte musical estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades
afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones
musicales africanas y europeas. El pedigrí de África Occidental del estilo es evidente en el uso
de notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota swing.42
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a
partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.43 El
sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo
de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y
la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica
tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas
bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de
1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a
usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas como
el Roland TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de
bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de
dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software (por
ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores de
software y las aplicaciones de música de computadora permiten crear y grabar variados tipos
de música, como música electrónica de baile en su propia casa, agregando instrumentos
muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas
bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean
música manipulando música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando
un mezclador de DJ.

Romanticismo

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Romanticismo

Cargado por

Información del documento

Descripción original:

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Romanticismo

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Romanticismo

Artículo principal: Música del Romanticismo

Enrico Caruso con un gramófono.

Artículo principal: [[:Música clásica del siglo XX | Música clásica del siglo XX]]

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis

También podría gustarte