Ritmo

Al hablar del ritmo tendríamos que remontarnos al origen mismo de la música, pues
muchos musicólogos –no todos- están de acuerdo en que las primeras manifestaciones
musicales se evidenciaron por la percusión de ritmos.
Si prestamos atención a la manera de caminar de una persona, o al movimiento de las olas
del mar, por citar algunos ejemplos, advertiremos que hay en todos ellos un ritmo, es
decir, una continuidad en el movimiento. Pero es un ritmo natural, no artístico. El ritmo en
música se da por una ordenación deliberada y consciente de los ataques (sonidos rítmicos)
a través de la “duración” y la “intensidad” de los mismos. El ritmo entonces será el
elemento de relación entre la duración y la intensidad de los sonidos. Es el elemento
que otorga impulso y energía al discurso musical.

Pulso o tiempo

Es un patrón de unidad de tiempo fijo y constante que organiza al discurso musical. Casi
toda la música occidental organiza el tiempo musical por medio de pulsaciones que
ocurren regularmente. Sería como el “latido interno” de la música.
Por ejemplo:

Acento métrico

Es un pulso o tiempo que tiene mayor importancia entre los demás dado que coincide con
la acentuación natural de la música y por eso es un tiempo más fuerte, y los demás son
tiempos débiles. El acento agrupa regular o irregularmente a los pulsos, dando por
resultado el metro o compás musical.
Por ejemplo:
Metro o compás

Es la división de la música dada por el agrupamiento de un acento con uno o más pulsos o
tiempos débiles.

Métrica regular

Es cuando el acento aparece regularmente a iguales cantidades de pulsos o tiempos, y se

puede establecer un metro fijo. Por ejemplo:

Métrica irregular

El acento aparece a distintas cantidades de pulsos o tiempos y no puede establecerse un

metro fijo, sino que va cambiando según la acentuación. Por ejemplo:

Métrica regular con división o pie binario

Cada uno de los pulsos o tiempos (sean acentos o no) se divide a su vez en dos partes
iguales. Por ejemplo:
Métrica regular con división o pie ternario

En este caso cada uno de los pulsos o tiempos están divididos internamente en tres partes
iguales.
Por ejemplo:

Ejemplo del análisis rítmico de “Arroz con leche” y “Se va la barca”.

FORMAS MUSICALES

Toda música eleva una organización de ideas que vuelca el compositor, que está
planificada en el tiempo, puesto que la música es un arte “temporal”.
Hay varios principios en los cuales se basa el compositor para escribir una obra:
“simetría”, “oposición o contraste” y “variación”,. Estos principios de relaciones entre las
partes de una obra musical son captados por nuestra percepción y memoria. Dichas
relaciones constituyen la base de la “forma musical”, entendida como la disposición
ordenada en el tiempo de las partes que la componen.
¿Qué es SIMETRÍA?
Metafóricamente sería como una “ida y vuelta” musical, donde las partes, por lo general,
tienen igual extensión; la primera “A” va del reposo (armónico-melódico) a la tensión o
suspenso. Para compensar esta tensión, tiene una resolución conclusiva con la segunda
parte “B” que comienza en tensión y concluye nuevamente en reposo. Entonces nos queda
una organización compuesta de dos partes: forma binaria A-B. Este tipo de relación se da
a niveles superiores (en la forma general de la obra) y a niveles inferiores (en frases o
ideas musicales más pequeñas, como dos estrofas, dos versos, etc.)
La canción infantil “Arroz con leche” es un ejemplo claro y sencillo para analizar:

A B

Arroz con leche me quiero casar... ...con una señorita de San Nicolás.
Reposo Tensión Tensión Reposo

¿Qué es OPOSICIÓN O CONTRASTE?

Es cuando transcurre una primera parte A, luego le continúa otra que es diferente en sus
características, ya sea melódica, armónica o rítmica, y por último se oye una tercera
sección que es idéntica a la primera, por lo cual la llamamos también A. En este caso, la
sección contrastante es la segunda, y por lo tanto le llamamos B. Resulta entonces una
gran forma ternaria A-B-A. Las formas contrastantes pueden variar según la cantidad de
partes que sean opuestas a la primera. En general, las canciones tienen forma A-A`
Estrofas)-B (estribillo)-A``-A```-B (o C si el estribillo es diferente al anterior).
Tomemos como ejemplo el tango “Mi Buenos Aires querido”:

A B B` C B`` B``` A

Mi Buenos Aires El farolito de Hoy que la Mi Buenos Aires, La ventanita En la cortada Mi Buenos Aires
Querido... la calle... suerte... tierra florida... de mi calle... más maleva... querido..

¿Qué es VARIACIÓN?
Para poder construir este principio es necesario tener un modelo inicial sobre el cual se
realizan las modificaciones o variaciones. Dichas variaciones en música pueden darse
modificando recursos tales como la melodía, el ritmo, la armonía, etc. del original. La
forma resultante sería A-A1-A2-A3-, etc., correspondiendo la primera letra A a un tema
propuesto, y las siguientes, a las variaciones hechas sobre el modelo original.
La melodía

Generalmente se define la melodía como una sucesión de sonidos diferentes por la altura o
entonación. Melodía, entonces, es un pensamiento en música, una sucesión de sonidos
que transcurren en el tiempo y expresan una idea musical.

La armonía

Si la melodía es el canto a una sola voz –es decir, monofónico, de monos uno y fono
sonido-, la simultaneidad de varias voces constituye el estudio de la armonía. Estos
sonidos dados en forma simultánea constituyen lo que se conoce con el nombre de
acordes, no pudiendo ser menos de tres, pues dos sonidos simultáneos constituyen un
intervalo armónico.

La textura

Se denomina textura musical a la disposición y el orden de los elementos

musicales. Desde la antigüedad hasta nuestros días hubo tres clases de textura musical:
textura monofónica, polifónica y homofónica.

Textura monofónica

Consiste en una línea melódica sin acompañamiento, no refiriendo a la cantidad de

ejecutantes. Es decir, pueden haber muchos instrumentos o voces humanas interpretando
una línea sola de melodía.

Textura polifónica

Se llama textura polifónica a aquella en la que intervienen dos o más voces –en este caso
voces es sinónimo de líneas melódicas- en forma independiente, pero siempre sustentadas
armónicamente.

Textura homofónica

Es la forma de escritura musical empleada preferentemente desde el siglo XVII hasta

nuestros días, aunque desde el siglo XV aproximadamente, ya se componía con este tipo
de textura, son canciones llamadas madrigales (de temática popular acompañada de
instrumentos). Consiste en una línea melódica con acompañamiento de acordes.
GRANDES PERÍODOS DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA

Generalmente se divide la historia de la música teniendo como base los diversos estilos, es
decir, los elementos que distinguen los materiales empleados en la elaboración de las
obras de arte; aunque no siempre los estilos son posibles de delimitarlos exactamente ni
definirlos con precisión.
Hecha la salvedad, propondremos a continuación una de las divisiones aceptadas, que
concuerda en parte con las grandes divisiones de la historia de la humanidad.

Edad Media

Comienza en el año 476 después de Cristo, fecha que marca la caída del Imperio Romano
de Occidente, y se extiende hasta el año 1453, caída del Imperio Romano de Oriente. (Para
algunos historiadores se extiende hasta el año 1492, fecha del descubrimiento de
América).
Primeramente, fueron los cantos religiosos hebreos a una sola voz los que se escucharon,
luego se extendió a todo el Occidente. Se cantaban salmos e himnos, algunos en forma
colectiva, y otros con un solista y el coro formado por los fieles. Los cantos eran de ritmo
“libre”, sin un orden rítmico-temporal establecido. Más tarde aparecen los primeros pasos
de la polifonía, sobre todo la polifonía vocal “a capella”, es decir, sin intervención de
instrumentos. El ritmo “libre” comienza a regularse y los valores de las figuras musicales
se perfilan al igual que los compases.
Conjuntamente al ámbito religioso, se cultiva la canción profana (no religiosa), con temas
tales como el amor, las guerras, las descripciones sociales, etc. Estas canciones eran
interpretadas por cantores llamados “trovadores” que se acompañaban con un instrumento.

Renacimiento

Este período toma el nombre de las otras artes, y se desarrolla a través del siglo XVI. Las
artes en general se desprenden de la tutela eclesiástica (religiosa). La música se vuelca a
las composiciones profanas (no religiosas), como la canción o madrigal polifónico con
mayor énfasis que en el período anterior, siendo de mayor espiritualismo y expresividad a
través de una fidelidad sonora vocal e instrumental. Los textos en forma de poemas o
prosas controlan las formas musicales.
La característica más importante de la música de este período histórico es que la
palabra y el sonido instrumental buscan su máxima afinidad para complementarse
en un arte de conjunto.
Barroco

Este período comprende, aproximadamente, el lapso de tiempo comprendido entre los

años 1600 y 1750, y afectó a las artes en general: música, pintura, escultura, poesía,
arquitectura.
Se caracterizó por un estilo muy diferente al de los anteriores:
-en arquitectura, las formas del Renacimiento se caracterizaron por la proporción y el
equilibrio, mientras que en el Barroco las proporciones eran mayores, de perfiles curvos
como si expresaran algo con movimiento, más ilimitado.
-en pintura, el artista barroco necesitó constantemente el cambio de color, y exaltar la
figura humana a través del retrato.
-en música, el color estaba representado por la utilización de sonidos disonantes (no
agradables al oído) que daban “luz y sombra” a las composiciones. Poco a poco se
abandonan las combinaciones de voces superpuestas, es decir, el arte de la polifonía,
dando espacio a la práctica por la melodía acompañada y el bajo continuo (técnica de
escritura musical en la que sólo se anotaban notas con cifras de números para que el
instrumentista completara el acorde del instrumento más grave). Surge también la creación
de nuevas formas musicales, de las cuales la ópera, el oratorio y la cantata son los géneros
más destacados en esta época.

Ópera: obra musical donde se conjugan diversas artes: música, poesía, teatro, danza. Sería
como una obra teatral con música, donde se desarrolla una historia determinada, que
puede tener características trágicas y/o cómicas. El término comenzó a utilizarse a fines
del siglo XVII. Puede tener uno o varios actos. Cada acto puede tener una o varias
escenas, igual que en el teatro hablado. En todas las óperas pueden participar orquesta y
cantantes; en otras se puede agregar un coro. A la orquesta, a los cantantes y al coro se les
pueden agregar danzas. Los cantantes pueden interpretar arias (canción cuidadosamente
elaborada con la finalidad de hacer lucir al cantante solista), dúos, tercetos, recitativos
(parte en que se recitan con acompañamiento musical los hechos de la historia), etc. Es en
Roma donde la ópera se hizo más popular.
Cantata: forma vocal con orquesta que juntamente con la ópera y el oratorio, surgió en el
barroco. Puede ser profana o religiosa según el texto. Es un “drama sin acción”. Contiene
ariosos, arias, recitativos, coros y corales. Alemania e Italia cultivaron este género.
Oratorio: composición dramática sin representación escénica, con voces, coros e
instrumentos. A diferencia de la cantata y la ópera, éste es de carácter religioso
únicamente, y los textos eran tomados de la Biblia, especialmente del Antiguo
Testamento. Se desarrolló en Italia y, mayormente, en Alemania.

Johann Sebastian Bach

Fue, sin duda, uno de los músicos más importantes de este período, ya que, aunque no creó
nuevas formas musicales, se sirvió de ellas para elevarlas al punto máximo de la
excelencia musical.
Nació en Eisenach, Alemania, en 1685, en el seno de una familia de músicos. Desde muy
pequeño quedó huérfano, y debió trabajar como coreuta y organista de varias iglesias,
violinista de cortes de duques, maestro de música, etc. para poder solventarse
económicamente.
Se casó dos veces, y en el total de sus dos matrimonios tuvo veintiún hijos, de los cuales
tres se destacaron musicalmente: Johann Christoph Friedrich, Johann Cristian y Carl
Philipp Emanuel.
Compuso centenares de obras sacras y profanas, es decir, con temática religiosa y de la
vida social, cantatas, misas para coro y orquesta, oratorios, pasiones (composiciones
similares a los oratorios, se les llama así porque en su texto describen la pasión y muerte
de Jesús), obras para órgano, sin descuidar su decidida acción didáctica, componiendo
métodos de estudio para órgano, teclado y clavecín, etc.
Bach resume en su obra musical las aspiraciones de todos los compositores que surgieron
antes de él y promueve al mismo tiempo un mundo de inmensas posibilidades musicales
para el futuro. Fue un eslabón sumamente importante para la cadena histórica de la
música, pues a partir de él se aprendieron técnicas de composición, tratamientos de la
armonía, métodos de estudio, etc. con la más elevada exigencia y excelencia.
Muere en Leipzig el 21 de junio de 1750, y los últimos años de su vida los pasó en una
habitación oscura, tras haber sufrido una grave afección a la vista que le produjo la
ceguera total, imposibilitándolo para escribir, razón por la cual en oportunidades debió
dictar a sus hijos o amigos algunas de sus obras musicales.

Clasicismo

Se conoce con el nombre de “clásico, clasicismo o período clásico” a las manifestaciones

musicales surgidas entre 1740 y 1800 aproximadamente, fechas que constituyen el marco
referencial en el que vivió un grupo de compositores ilustres que con sus geniales aportes
cambiaron el rumbo de la historia de la música. La palabra clásico se aplica a las obras que
han triunfado en la prueba del tiempo y que los hombres han considerado como
“modelos” por la perfección de su composición.
El equilibrio de las formas, la claridad de los diseños y la mesura (medida) han sido los
ideales sobre los que se elaboraron las obras clásicas. Los compositores más destacados de
este período, sin duda alguna, son Haydn, Mozart y Beethoven.
La sonata clásica, el concierto y la sinfonía clásica fueron las formas más importantes. Es
necesario destacar que fueron todas formas instrumentales.
La sonata

Es una composición dividida en tres o cuatro movimientos. Si consta de tres movimientos,

la denominación para cada uno de ellos será:

1º 2º 3º
ALLEGRO ANDANTE o RONDÓ o
ADAGIO ALLEGRO

Si tiene cuatro movimientos, cada uno de ellos aparecerá en el siguiente orden,

denominados así:

1º 2º 3º 4º
ALLEGRO ANDANTE MINUÉ RONDÓ
o o o
ADAGIO SCHERZO ALLEGRO

Detalle del significado de los términos musicales:

Allegro, en italiano, significa “alegre”, es decir, indica un movimiento rápido.

Andante, en italiano, significa “moderado”, indica un movimiento de velocidad moderada,
podría asemejarse al andar de una persona.
Adagio, en italiano, indica un movimiento lento. Por su velocidad, se ubica en medio del
largo y el andante.
Rondó, de origen francés, indica una forma en la que hay un estribillo que vuelve siempre,
la forma más común es A-B-A-C-A...
Minué, danza francesa en tres tiempos de origen popular, cuya forma musical es A (aba)-
B (denominado trío)-A.
Scherzo, en italiano, significa “juego”, es un movimiento en compás de tres tiempos
similar al minué pero más liviano.
Largo o grave, término que designa un movimiento lento.

Sobre estos modelos de estructura formal se compusieron millares de sonatas para clave,
piano solo, dúo de pianos, dúo de piano y flauta, etc.

La sinfonía

La sonata es una composición escrita para uno o dos instrumentos solamente. La sinfonía
es una sonata de mayores proporciones, escrita para un conjunto grande de instrumentos,
es decir, para una orquesta. Su estructura sería entonces la siguiente:

FORMA ANDANTE MINUÉ RONDÓ

ALLEGRO o o o
DE ADAGIO SCHERZO ALLEGRO
SONATA
La sinfonía tuvo su origen en la obertura (inicio) de la primitiva ópera italiana. Esta
obertura o sinfonía, como se la llamaba, estaba dividida en tres partes: rápida-lenta-
rápida. En 1750 aproximadamente se separó de la ópera, tomando vida propia.

El concierto

El concierto designa una composición escrita para uno o varios solistas y orquesta. La
característica fundamental es, precisamente, el “diálogo” que se establece entre la orquesta
y el solista. La parte del solista se confía generalmente a un virtuoso del instrumento para
el cual está dedicado el concierto: pianista, violinista, clarinetista, oboísta, etc., pero tanto
el solista como la orquesta son de igual importancia en cuanto a protagonismo. Se designa
con este nombre a partir de mediados del siglo XVIII en adelante.
Consta de tres movimientos:

FORMA ALLEGRO ANDADNTE RONDÓ

DE SONATA o o
ADAGIO ALLEGRO

Wolfgang Amadeus Mozart

Pocos artistas hubo en la historia de la música tan fecundos y de tan altas calidades.
Cultivó todos los géneros musicales con la espontaneidad más absoluta.
Nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Hijo de un excelente violinista,
desde muy pequeño, alrededor de sus dos años de vida, ya tocaba el teclado y el violín con
fluidez, demostrando capacidades musicales nunca vistas. Ya a los cinco años componía
pequeños ejercicios musicales y daba conciertos en giras por Alemania, Bélgica, Francia e
Inglaterra con salas repletas de público (en sus comienzos, con su hermana mayor Ana
María), entre ellos maestros de música, reyes, condes, y aficionados del arte en general. A
los siete años compuso su primera sonata. A partir de ahí y bajo la influencia de grandes
músicos italianos, alemanes y franceses compone casi sin descanso centenares de óperas,
sonatas para variados instrumentos, conciertos para piano, sinfonías y música religiosa.
Pero, al igual que todos los músicos anteriores a él, sus obras eran compuestas por
encargos de duques, reyes, obispos, etc., los cuales pagaban a Mozart una cierta cantidad
de dinero. A esta forma de trabajo se le llamó “ley de mecenazgo”, los mecenas pagaban a
sus músicos, compositores, pintores y demás artistas por la producción o ejecución de
obras. Debido a esta situación, los artistas no eran del todo libres para plasmar en sus
obras lo que la inspiración les dictaba, sino que debían atenerse a las condiciones
impartidas por sus mecenas. Pero Mozart luchó mucho contra esta situación, y en muchas
ocasiones esta rebeldía le trajo grandes problemas hasta terminar los últimos años de su
vida sin el reconocimiento de la gente.
Murió en Viena, un 5 de Diciembre de 1791, y sólo su familia y unos pocos amigos
acompañaron el féretro hasta su lugar de descanso, dejando inconclusa una de las obras
más dramáticas y significativas de su último período: un Réquiem, es decir, una misa para
difuntos que le había sido encargada, y por la cual el mismo Mozart declaraba que la
componía para su propia muerte, presintiendo ya su fin. Hoy en día, sus obras son
monumentos de inmenso valor musical, siendo inigualables sus melodías vivaces como su
carácter dramático en las óperas.

Romanticismo

Muy ampliamente, se podría definir esta palabra con “lo que atrae fuertemente e
instintivamente a la imaginación y las emociones, lo que promueve esas cualidades
fantásticas y emocionales con todos los medios disponibles”. El término “romántico” está
relacionado con “romance”, tomado este término en su acepción de relato o cuento. Este
movimiento surgió primeramente en la literatura y la pintura, trasladándose luego a la
música.
En las obras artísticas, se exalta el culto a la belleza con una visión individual de la vida,
“subjetiva” (desde el sujeto, en este caso, el hombre mismo), en oposición a la visión
“objetiva” (desde el objeto, en este caso, la obra de arte) del período clásico.
Los artistas románticos vivieron en una época de la humanidad en que todo cambiaba.
Uno de esos cambios fundamentales fue la Revolución Francesa, que proclamó la libertad,
la igualdad y la fraternidad de los hombres. Se evidenció un claro deseo de manifestar en
sus obras sus sentimientos e ideas, por lo que las formas “cerradas” (estructuradas) del
clasicismo les fueron incómodas para tal fin. Necesitaban “formas libres” en donde no
hubiera barreras que contuvieran las pasiones ni el espíritu exaltado que los animaba.
Entre los muchos representantes de este período, podemos mencionar a Franz Schubert,
que se refugió en el lied (canción, en alemán); Robert Schumann en las piezas cortas, y
cuando Beethoven utilizó las formas clásicas las modificó a su gusto para dar cabida en
ellas a su mundo interior atormentado y dejó a la posteridad obras incomparables por su
hondo contenido humano.
Además de las mencionadas, las formas que se destacaron en este período son la fantasía,
impromptu, nocturno, rapsodia, balada, capricho y barcarola. Todas designan términos
románticos, con similitudes entre sí, muy usadas y de estructuras formales libres. A su vez,
están comprendidas dentro de lo que se denomina como “música pura”. Es decir, que
ningún elemento extraño a la música misma se utiliza para su composición. La forma
llamada poema sinfónico utiliza un elemento ajeno al musical: el texto literario, que sirve
de base para la construcción de la forma y el carácter intencional de la obra. A este grupo
se lo denomina “música programática o descriptiva”. Franz Liszt y Héctor Berlioz
fueron los compositores que trabajaron mucho sobre este modelo.
LOS INSTRUMENTOS SONOROS Y MUSICALES

Cuando hablamos de instrumentos musicales nos referimos a todos aquellos generadores

de sonido que sirven a la concreción de ideas y prácticas musicales. Esta forma de
pensarlos nos permite incluir e integrar instrumentos pertenecientes a distintos universos
musicales (étnico, folklórico, popular, académico, contemporáneo), con mecánicas de
funcionamiento y técnicas de ejecución diversas.

Clasificación de los instrumentos según la manera de producir sonido:

Grupo Cuerpo vibrante Modos de excitación Ejemplos de

instrumentos
Idiófonos Su propio cuerpo sólido Percusión, sacudimiento, Maracas, campanas, etc...
punteo o frotamiento .........................................
........................................

Membranófonos Membrana o parche tenso Percusión, frotamiento o Tambor, kultrum, etc......

corriente de aire .........................................
.........................................

Cordófonos Cuerda tensa Frotación, punteo o Guitarra, cuatro

percusión venezolano, laúd, etc.......
.........................................
.........................................

Aerófonos Columna de aire Provisión de aire por Sikus, armónica, etc.........

soplo o mecánica .........................................
.........................................

Electrófonos Generador, oscilador u Mecánica amplificada o Guitarra eléctrica, etc......

otro eléctrica .........................................
.........................................

Actividad

Agrega a la lista de ejemplos todos aquellos instrumentos folklóricos, populares,

académicos, etc. que conozcas, según la clasificación hecha.

Los instrumentos convencionales y no convencionales

Instrumentos convencionales: piano, guitarra, violín, viola, violonchelo, contrabajo, arpa,

trompeta, corno francés, corno inglés, tuba, clarinete, fagot, bombo, tambor, triángulo,
gong, xilófono, metalofón, etc.

Instrumentos no convencionales: son los “cotidiáfonos”, es decir, todos aquellos

instrumentos que podemos construir nosotros con elementos de descarte: latas, plásticos,
maderas, tapitas, etc.
Orquesta sinfónica

Dícese del conjunto de cuerda, viento y percusión cuyo número de integrantes es cercano a
los cien. Esta dimensión permite abordar repertorios musicales sinfónicos, es decir,
composiciones que requieren de la cantidad y la variedad de instrumentos detallados. Esta
organización es solventada económicamente por el Gobierno, y por eso se les dice
profesionales a los músicos, porque es una profesión.

Orquesta filarmónica

Es una orquesta similar a la sinfónica, con las mismas características sólo que cambia su
nombre por filarmónica ya que sus integrantes no son profesionales, es decir, no son
empleados por un gobierno público. La palabra filarmónica viene de filos, una palabra
griega que significa amor; podríamos decir entonces que la orquesta es solventada por
organizaciones, asociaciones o grupos que, por amor al arte y a la música hacen su aporte
económico para que ésta funcione.

Orquesta de cámara

El nombre proviene de épocas muy antiguas, alrededor de los siglos XV en adelante, y

surge por el simple hecho de que, así como en las iglesias y teatros, en las cortes de los
reyes, se tocaban obras de tipo orquestal, pero al ser los salones de un tamaño más
reducido, se vieron obligados a reducir también el número de integrantes de la misma,
quedando entonces un grupo pequeño de instrumentistas. Las obras debieron modificarse
también, adaptándolas a la cantidad de instrumentos. De aquí surgen los grupos de
cámara, que son agrupaciones de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo), los
tríos (piano, violín y violonchelo), etc.

Ubicación de los instrumentos musicales en la orquesta

Percusión

Trompeta trombón a vara o pistón tuba

Piano clarinete fagot corno inglés

Arpa flauta traversa oboe pícolo corno inglés

Segundos violines violas contrabajos

Primeros violines violonchelos

Podio del director