ARTE NEOCLÁSICO

CONTENIDOS

• Introducción
• Arquitectura:

o Características generales
o Principales edificios neoclásicos internacionales
o Arquitectura neoclásica española

• Escultura:

o Características generales
o Bertel Thorvaldsen
o Antonio Canova

• Pintura:

o Características generales
o Jacques-Louis David

• Francisco de Goya

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INTRODUCCIÓN

El arte Neoclásico, que se extenderá por el siglo XVIII y parte del XIX, representa en la historia del Arte una nueva recuperación
del gusto clásico de la antigüedad grecolatina. El barroco tardío del siglo XVIII, el que conocemos como arte rococó, había
supuesto una complicación en los gustos estéticos, sobre todo en las decoraciones interiores. Los artistas de este siglo empiezan
a tener un rechazo hacia este estilo del que ya están cansados y en el que ven un símbolo del amaneramiento de las cortes
europeas. Ello producirá una crisis estética cuya salida posible puede ser el esfuerzo de crear un nuevo estilo o bien confiar en
la ejemplaridad del pasado. Al tiempo, los hallazgos arqueológicos de Pompeya y Herculano revitalizan el recuerdo del gusto
por lo clásico como expresión máxima de la cultura y de la elegancia, lo que supondrá un empujón más a esta vuelta al clasicismo.
Winckelman está considerado el padre de la Arqueología y de la Historia del Arte. Trabaja en estas excavaciones vesubianas y
en 1762 publica “Observaciones sobre la arquitectura de los antiguos” y en 1764 “Historia del arte de la Antigüedad”. En estas
obras examina la historia del arte griego y teoriza sobre sus principios estéticos fundamentales, influyendo de manera notable
en muchos artistas, escritores y filósofos. Entre otras cosas dice que “…a los modernos sólo les queda un camino para ser
grandes y quizás inigualados: imitar a los antiguos”. Se completa el tema con el estudio de Goya, un pintor español coetáneo
con el neoclasicismo pero que se aleja de sus gustos y del academicismo, aportando una gran producción en un estilo muy
personal.

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ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS GENERALES

o Supondrá un abandono de las formas recargadas y complicadas del barroco, volviéndose hacia la sobriedad decorativa
y el exclusivo uso de elementos clásicos grecolatinos.
o Lo que veremos como nuevo serán las tipologías constructivas fruto de los nuevos tiempos de la Ilustración, como
museos, edificios destinados a albergar actividades científicas o monumentos (como arcos de triunfo o puertas de
ciudad) con finalidad urbanística decorativa o conmemorativa.
o Grecia más que Roma será la fuente de inspiración del Neoclasicismo.
o Se utilizará más el orden dórico, con fuste acanalado. La columna recobrará su antigua importancia y vuelven los
frontones poblados de estatuas.
 o Las fachadas o pórticos principales de los edificios recuperarán la estética de la fachada de los templos griegos o
romanos.
o La cúpula (como invención romana) seguirá siendo un elemento muy usado siguiendo los modelos del renacimiento,
principalmente la miguelangelesca de San Pedro.

PRINCIPALES EDIFICIOS NEOCLÁSICOS INTERNACIONALES

En Estados Unidos:

o El Capitolio. - Washington 1793.- Thornton y Bulfinch

o La Casa Blanca. - Washington 1798.- James Hoban

En Francia:

o El Panteón de Paris (1757-1790), obra de Soufflot. La construcción presenta una planta en forma de cruz griega,
con el añadido a los pies de un bello pórtico hexástilo corintio, que funciona como fachada y una cúpula muy alta
inspirada en la de San Pedro. Inicialmente fue proyectado como una iglesia consagrada a Sainte Genevieve, patrona
de Paris. Pero la dilatación de las obras hizo que se terminara en 1790, durante la revolución, ya muerto Soufflot. En
1791 la Asamblea francesa decidió cambiar el destino original del edificio, antes de ser consagrado, y dedicarlo a tumba
panteón de los franceses ilustres.
o La Iglesia de La Madeleine (acabada en 1842), que reproduce con fidelidad un templo romano corintio de 8 x 18
columnas.
o El Arco de Triunfo o de la Estrella (1806-36), que junto con la columna (similar a la trajana) que se erige en la Plaza
Vendome de Paris, fueron mandados construir por Napoleón para conmemorar sus triunfos, al estilo romano.

En Inglaterra:

o El Museo Británico (1852-57), de Smirke, con una columnata jónica en su fachada.

o La Galería Nacional (o National Gallery) de Londres (1832-38), de Williams Wilkins.

En España:

o La Puerta de Alcalá, Madrid, 1778, de Sabatini

o El Museo del Prado, en Madrid, de Juan de Villanueva

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA ESPAÑOLA

Juan de Villanueva (Madrid, 1739-1811)

Es el principal arquitecto español del neoclásico y prototípico en su formación y producción.

Se formó inicialmente en la Academia de San Fernando donde adquirió los conocimientos formales con arreglo a las exigencias
del gusto clásico. Posteriormente se trasladó a Roma y Pompeya por un periodo de siete años, pensionado por la Academia,
donde completó su formación. Allí entró en contacto con toda la producción romana y la renacentista, sobre todo la de Palladio,
del que se nota su influencia en su obra.

Volvió con 26 años y fue nombrado arquitecto del Escorial, cerca del cuál construyó entre 1771 y 1775 dos palacetes para los
hijos de Carlos III, los Infantes Don Gabriel y Don Carlos. Eran la Casita de Arriba y la Casita de Abajo, que realiza con
planta central al estilo de las villas palladianas y con un pórtico tetrástilo, la segunda.

En 1784 levanta La Casita del Príncipe en el Real Sitio de El Pardo (cercanías de Madrid) un nuevo palacete erigido como
pabellón de caza, para uso del infante Don Carlos (futuro Carlos IV). A diferencia de los del Escorial, no usa la planta central,
sino un diseño más horizontal y extendido, con una fachada que alterna el ladrillo rojo y el granito.

En 1785 termina su principal obra que es el Museo o Palacio de las Ciencias en Madrid, que en la actualidad es el Museo
del Prado, en el que consigue conciliar la monumentalidad clásica, la modernidad de su tiempo y la funcionalidad para la que
se destinaba el edificio. Está realizado principalmente en granito gris, aunque combina en ciertas zonas con el ladrillo rojo. Se
trata de un edificio muy horizontal, de planta alargada con un cuerpo central con ábside del que salen dos largas galerías hacia
los lados y que se rematan en cada extremo con un pabellón cuadrado. La fachada principal presenta dos pisos, observándose
en la planta baja una sucesión de arcos y hornacinas con jarrones y estatuas. El primer piso presenta una sucesión de ventanales
separados por columnas jónicas. El remate superior es una cornisa con grandes ménsulas. El acceso principal se encuentra en
el cuerpo central del edificio y lo enmarca con un pórtico dórico hexástilo, coronado con un tímpano rectangular en el que se
incluye un relieve que representa una alegoría del rey Fernando VII como protector de las ciencias, las artes y la técnica.

También en Madrid realiza el Observatorio Astronómico en 1790, una pequeña construcción muy paladina al estilo de sus
villas campestres que, en su conjunto, representa una síntesis de su estilo. Destacan en su construcción un pórtico hexástilo
corintio adelantado en su fachada de acceso, y un cuerpo superior a modo de linterna de gran tamaño, con una estructura de
templo griego jónico circular.

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ESCULTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Los escultores neoclásicos abandonan las poses contorsionadas y el uso de mármoles de colores propios del rococó y se entregan
a la pureza y severidad del arte antiguo con obras realizadas en mármol blanco, con formas idealizadas y una reposada actitud.
El círculo de Winckelman en Roma es el foco de esta recuperación neoclásica. El italiano Antonio Canova y el danés Bertel
Thorvaldsen son los principales escultores del neoclasicismo.

BERTEL THORVALDSEN

Bertel Thorvaldsen esculpió en mármol, relieves, estatuas y bustos. Sus temas fueron principalmente tomados de la mitología
griega, aunque también realizó retratos de personalidades importantes. Entre sus obras destacamos Jasón (1803) con el
vellocino de oro, con la que llegó a hacerse famoso.

ANTONIO CANOVA

Nació en Possagno y estudió escultura cerca de Venecia, donde obtuvo un gran prestigio con sus estatuas de mármol. Se instaló
en Roma en 1781 para estudiar los modelos de la antigüedad clásica y fomentó activamente la recuperación del gusto por los
estilos romano y griegos antiguos. Aunque trabajó principalmente para clientes romanos recibió encargos de muchos países
europeos y Estados Unidos. Se trasladó a París reclamado por Napoleón para realizar retratos de él y su familia. Tras la caída
de Napoleón en 1814, regresó a Roma para recuperar y catalogar los tesoros italianos expoliados por el emperador francés,
gestión que le valió el título de Marqués de Ischia. También viajó a Londres por razones de trabajo, donde conoció de primera
mano los mármoles del Partenón de Fidias; y a Austria para realizar la tumba de María Cristina de Austria. El último gran
encargo del extranjero lo recibió de Estados Unidos, adonde viajó para realizar una estatua sedente de Washington, obra de la
que sólo se conserva una copia en yeso al destruirse el original en un incendio.

Características de su obra:

o Aunque sus obras son retratos en su mayoría, presentan una iconografía e inspiración en modelos grecorromanos.
o Son imágenes idealizadas, con una gran serenidad y equilibrio, lejos del escorzo y expresionismo barroco.
o La mayoría de su obra está realizada en mármol blanco, y alguna estatua en bronce.
o Otra clave de su estilo es la calidad sensorial de sus acabados, extremadamente finos al aplicar una última lija con
piedra pómez.

Principales obras:

o Dédalo e Ícaro (1779). Alegoría de la escultura, ya que hace aparecer las herramientas de escultor a los pies. Ganó un
premio con ella que le permitió viajar e instalarse en Roma
o Sepulcros de Clemente XIII (1783-1792) y Clemente XIV (1783-87) en el Vaticano. Dos construcciones parietales
que presentan una imagen del difunto sobre el sarcófago, rodeado de imágenes alegóricas.
o Retrato de Paulina Bonaparte Borghese (1804-08). Se trata de su obra maestra y es una de las que realizó por
encargo de Napoleón. Un retrato de la hermana del emperador muy idealizado. La representa como una Venus
vencedora, sosteniendo una manzana en su mano izquierda como atributo de la diosa, semidesnuda, recostada en un
diván, y a la que le aporta una gran serenidad, equilibrio y sensualidad.
o Retrato de Napoleón (1809). Estatua en Bronce que efigia al emperador desnudo, de pie, con gesto decidido pero
contenido, con un modelado de la anatomía y de los paños, propio de una escultura griega.
o Las Tres Gracias (1815-17). Una obra que recupera la iconografía presentada por Rubens, pero sin la opulencia de
aquellas. Son las hijas de Zeus que personifican la sonrisa de la dicha frente al dolor. Las representa igualmente
desnudas, de pie, mimosas y abrazadas, simbolizando la liberalidad de dar, de recibir y agradecer.
 o Eros y Pisqué. Abrazados o besándose, es un grupo escultórico del que realizó varios trabajos a lo largo de los años
y en diferentes actitudes y por el que obtuvo un gran éxito. Con esta escultura pretende simbolizar el amor ideal. La
composición se estructura con una forma de X y con unas figuras que, extrañamente a su estilo sereno, presentan un
forzado escorzo y un gran movimiento, además de una alta dosis de pasión y sensualidad.
o Teseo y el Minotauro (1781), Hércules y Licas (1795) y Perseo con la cabeza de Medusa (1800-1801 inspirada en el
Apolo Belvedere), son otras de sus obras en las que se recrea en la temática mitológica griega.
o Estatua de George Washington (1821). Obra encargada por los congresistas de Carolina del Norte. Realiza una
estatua sedente de George Washington, basada en el Dionisos griego del Partenón y vestido como un emperador
romano. La obra original se perdió en un incendio en 1831 y original del autor solo se conserva una copia en yeso en
Passagno. No obstante, en la actualidad, en el Capitolio no carolino hay otra copia en mármol, pero de otro autor.

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PINTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Las recientes excavaciones de Pompeya, el ambiente arqueológico romano y las influencias de los tratados del arqueólogo
Winckelman y el pintor Mengs fueron los elementos que configuraron el nuevo estilo pictórico.

Anton Raphael Mengs fue un pintor y tratadista de origen checo que desarrolla la mayor parte de su trabajo en Roma y que
rompe con los gustos estéticos de la tradición barroca. Estima que lo expresado debe presentarse de forma clara y precisa, sin
el rebuscamiento usado en el barroco y rococó. La realidad no era lo que había que representar, pues ésta era imperfecta, sino
algo aderezado con la imaginación del autor, que corrija estas imperfecciones. Difundió sus ideas estéticas de retorno a la
antigüedad clásica con su obra pictórica y con su tratado “Reflexiones sobre la belleza y el Gusto en la Pintura”.

Muchos pintores europeos acudieron a Roma a formarse, recibiendo por tanto todas estas influencias. Las Academias también
se contagiaron de las ideas de Winckelman y Mengs, por lo que el nuevo estilo se extendió de forma homogénea. Los rasgos
estilísticos más destacados y comunes serán el uso de temáticas históricas, las alegorías de situaciones actuales, teatralidad y
estatismo en las figuras, una composición lógica y clara, y una iluminación uniforme y limpia.

El pintor francés Jacques Louis David es la figura más destacada de la pintura neoclásica. Entre el resto de pintores podemos
destacar al francés Jean August Dominique Ingres (1780- 1867), uno de los alumnos más aventajados de David, autor de “El
baño turco” (1863), y al español José de Madrazo (1781-1859), cuyo cuadro más famoso es “La muerte de Viriato” (1808)

JACQUES LOUIS DAVID

David nació en París el 30 de agosto de 1748 en el seno de una familia de clase media alta. Estudió en la Academie Royal, y en
1774 ganó el Premio de Roma y viajó a Italia donde recibió una fuerte influencia del arte clásico. Después de 1789 se
compromete políticamente con los ideales de la revolución y pone su arte al servicio de la difusión y propaganda revolucionaria.
Fue diputado en la Asamblea y votó a favor de la decapitación de Luis XVI. Entre 1799 y 1815 siguió al servicio de la política
como pintor oficial de Napoleón Bonaparte, ensalzando en sus cuadros la figura del emperador en obras de gran formato.
También recibía el encargo de organizar las grandes ceremonias. Después de la caída de Napoleón, David se exilió en Bruselas,
donde habría de vivir hasta su muerte.

Características de su obra:

o Dibujo preciso, buen conocedor de las anatomías, posturas forzadas y rígidas.

o Claridad ambiental y narrativa
o Composición de todas las figuras en un mismo plano, consecuencia de la imitación de los relieves romanos.
o Teatralidad
o Temática: Retratos con ambientación clásica (vestuario, peinado y mobiliario) y escenas históricas que alegorizan
valores trasplantables al modelo liberal.
o A través de su obra difunde la moda del vestuario, peinados y mobiliario “a la romana”

Principales obras:

o El juramento de los Horacios (1785) Esta obra se convertirá en el ejemplo y modelo más destacado de la pintura
neoclásica. En ella destacan el dramatismo, pasión y teatralidad del momento histórico reflejado. La obra representa
el momento en el que los tres hermanos Horacios juran ante su padre la defensa de Roma frente a los albanos. Con
 este hecho histórico quiere ensalzar las virtudes del patriotismo y el sacrificio. La composición es simple, la luz es clara
e inunda toda la escena, aunque abusa algo del claroscuro, las figuras presentan un gran clasicismo… Con todo ello
quiere clarificar el mensaje y no distraer de la finalidad del cuadro con otros recursos pictóricos. El cuadro se convirtió
en el modelo de la pintura histórica de tono heroico y aleccionador de las dos décadas siguientes.
o La muerte de Sócrates (1787). Un cuadro con los mismos rasgos técnicos que el anterior. En él hace una analogía
con la Última Cena al rodear a Sócrates de 12 discípulos en el momento de beber la cicuta y los equipara a los
condenados por la revolución.
o La muerte de Marat (1793). David quiso homenajear a Marat, un periodista y parlamentario revolucionario, uno de
los impulsores del terror, y amigo suyo. Había sido asesinado cuando tomaba un baño. Es una de sus obra más
conocidas y representa a Marat muerto en la bañera en una imagen simple y poderosa
o Retrato de Madame Recamier (1800). En él se anticipa a la obra de Canova retratándola recostada en un diván y
con ambientación clásica en los ropajes y peinados.
o Retrato ecuestre de Napoleón pasando el puerto alpino del Gran San Bernardo (1800). Una obra en la que
potencia la pasión y las sensaciones por lo que se anticipa al romanticismo, y también en detalles como la ambientación
tormentosa y el movimiento de las crines del caballo que está en corveta.
o La Coronación de Napoleón y Josefina (1805-07) Una obra de gran formato con gran cantidad de personajes y
figuras, donde representa la escena de la autocoronación de Napoleón como emperador en la catedral de Notre Dame
en París, reflejando el momento en que pone la corona a su esposa.

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FRANCISCO DE GOYA

BIOGRAFÍA

Nació en Fuendetodos (Zaragoza) el 30 de marzo de 1746. Su padre era pintor y dorador de retablos y a los 14 años entró como
aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local poco conocido, donde Goya pasó casi cuatro años. Viajó a Madrid por dos
veces, en 1763 y 1766, con la intención de conseguir el acceso a la Academia de San Fernando, pero no lo consiguió. En estos
viajes entabló amistad con Francisco Bayeu pintor de éxito y académico, el cuál le ayudaría enormemente en su formación y en
la consecución de encargos en Zaragoza, ciudad en la que se había establecido. En 1774 se casó con Josefa, la hermana de
Bayeu. En 1769 marchó a Italia para completar su formación aunque estuvo sólo dos años ya que en 1771 volvió a Zaragoza.
En 1775 su cuñado Bayeu lo reclama en Madrid para que se establezca en esta ciudad y le facilita trabajos. Así lo hace y se
instala definitivamente en Madrid, comenzando a trabajar poco más tarde en la Real Fábrica de Tapices haciendo cartones, esto
es, pintando los bocetos que habrían de copiarse. En 1789 entró como pintor al servicio de Carlos IV y un año más tarde
ascendió a primer pintor de cámara junto a Mariano Maella, disfrutando desde entonces de una posición privilegiada en la corte,
En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo,
lo que marcó un punto de inflexión en su vida y en su expresión artística. La experiencia de la Guerra de la Independencia
(1808-1814) supuso una influencia enorme en el contenido de su obra, que, a partir de entonces presentó un contenido y rasgos
formales muy distintos. Al finalizar la guerra quedó relegado como pintor de cámara y comenzó su declive apreciándose un
descenso significativo del número de encargos. Tras el trienio liberal decidió exiliarse a Francia, instalándose en Burdeos, donde
moriría el 16 de abril de 1828.

CARACTERÍSTICAS DE SUS OBRAS

o Su estilo es difícil de encuadrar en algún movimiento artístico del momento pues convivió con el neoclasicismo, el
romanticismo y el realismo sin participar plenamente ni técnica ni formalmente de los principios de ellos.
o Por contra es un pintor único, muy original en sus rasgos estilísticos, con características que incluso se adelantan a
estilos posteriores como el expresionismo, el impresionismo y el surrealismo.
o Además, a lo largo de su vida, manifestó una constante evolución artística presentando diferentes rasgos con el paso
del tiempo.
o Su pintura reflejará su trayectoria vital que estará marcada por múltiples episodios históricos y personales que dejarán
una profunda huella en su personalidad.
o Concienciado con la historia que le tocó vivir, lo reflejará en sus cuadros. Así asistiremos en su obra a la influencia de
la Ilustración, la vida de la corte, la lucha entre el Absolutismo y el Liberalismo, La Guerra de la Independencia, la
vuelta del Absolutismo…
o Su obra es inmensa. Cultivó variados géneros pictóricos como frescos, óleos sobre lienzo, cartones para tapices,
grabados y litografías.
o Asimismo en sus temas fue muy diverso pues pintó obras religiosas, escenas costumbristas, retratos, hechos históricos,
bodegones, la tauromaquia, mitológicos, fantásticos u oníricos…
 o Como dijimos al principio manifiesta rasgos de diferentes movimientos artísticos coetáneos y posteriores.
o Entre sus rasgos formales destacamos:

➢ Una rica paleta cromática en la que destacan sus intensos rojos. Cuando se hace mayor, el negro inundará
sus cuadros
➢ Una pincelada suelta y desenfadada que transmite una gran frescura y que se hará más gruesa y libre conforme
va haciéndose mayor

o En la evolución de sus temáticas apreciamos cronológicamente:

➢ Escenas costumbristas en su etapa inicial, principalmente para los llamados “cartones” que hacía para la
Fábrica de Tapices, que no eran otra cosa que óleos que en su mayoría representan temas bucólicos,
cinegéticos, rurales y populares.
➢ Retratos de Reyes y personajes notables de la corte en la época que fue pintor de cámara, tanto con Carlos
IV como con Fernando VII.
➢ Obras románticas de contenido histórico como las que reflejan hechos de la Guerra de la Independencia.
➢ Varias series de grabados con temáticas variadas fantásticas, costumbristas y de crítica social, que publicó y
vendió como colecciones completas encuadernadas. Utilizó para hacerlos diferentes técnicas de grabado
como aguafuerte, punta seca y aguatinta.
➢ Al final de su vida y como consecuencia de su edad, su sordera, su personalidad y el horror por la guerra
vivida, realiza las llamadas “Pinturas negras”. Son pinturas al óleo que realizó sobre los muros de su casa (La
Quinta del sordo) y que reflejan escenas monstruosas, turbulentas, trágicas, de brujas etc.

PRINCIPALES OBRAS

El Quitasol (1777). Obra que forma parte de los cartones para la fábrica de tapices y en el que se observa una escena campestre
y bucólica. Una pareja que quizá sean criado y señora o representen un galanteo. Los refleja con gran espontaneidad, realismo
y naturalidad. Los colores son luminosos y contrastado de vivos tonos y la composición presenta líneas de fuerza diagonales
que enmarcan a la muchacha en un triángulo y que hace converger la mirada hacia su rostro.

El cacharrero (1779). Se trata de otra escena costumbrista de los cartones. En él se aprecia un vendedor de vajilla ofreciendo
su género a unas damas que la analizan. La escena se completa con una carroza tras ellos, en la que viajan personas de la alta
sociedad. Esto se convertirá también en recurrente para Goya: la representación en la misma escena de personajes de variada
condición social.

La pradera de San Isidro (1788). Otro cartón para la fábrica de tapices. En él se aprecia una multitud en una zona campestre
que celebra un día festivo en Madrid. En las pequeñas dimensiones del cuadro representa un amplio espacio, muy abierto, y de
nuevo aparecen grupos de diferente condición social.

La Maja vestida y la Maja desnuda (1798). Se trata de dos cuadros realizados quizá por encargo de Manuel Godoy para sus
estancias privadas. En ambas pinturas se retrata a la misma mujer, de cuerpo entero, recostada en un lecho y mirando
directamente al observador. Se ubican dentro de la estética del neoclasicismo en las que Goya concentra una gran luminosidad
en los cuerpos frente a la penumbra del ambiente.

La familia de Carlos IV (1800-01). - Vemos un retrato múltiple de la familia real al completo en el que Goya los coloca a
todos de pié convirtiéndolos en protagonistas únicos de la composición, obviando ampliar el cuadro con una sala y una
decoración amplia. Él pintor se autorretrata tras ellos, al estilo de Velázquez en Las meninas, pero aquí coloca a los modelos
mirando hacia un espejo (que no vemos pues ocupa el lugar del espectador) y así pueden observarse mientras los retrata. Destaca
en la ejecución la pincelada suelta y luminosa que hace destacar los bordados, los trajes y las condecoraciones. También
observamos como Goya intenta plasmar algo más que la representación fisonómica de los personajes. Las expresiones, posturas
y posición que ocupan reflejan las personalidades y el papel dentro de la familia. No es gratuito que la esposa del Rey ocupe el
lugar central cuadro.

El 2 de Mayo o La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol (1814). Este cuadro y el siguiente fue una proposición al
gobierno regente tras la Guerra de la Independencia, para plasmar “los hechos más heroicos de nuestra guerra contra el tirano
de Europa”. El gobierno aceptó pagarlos. En él cuadro se refleja la lucha del pueblo de Madrid contra los mamelucos, unos
mercenarios egipcios al servicio de Napoleón. Se aprecia en la obra un gran movimiento expresado en los caballos, la lucha y
los cuerpos caídos, así como un gran realismo.
Fusilamientos de la Moncloa o El 3 de Mayo en la montaña del Príncipe Pío (1814). Como se decía en la explicación de
la obra anterior fue pintado a propuesta de Goya al gobierno regente. Representa la represión al pueblo madrileño tras su
levantamiento del 2 de Mayo contra el ejército francés. Formalmente supone una ruptura con el neoclasicismo al suprimir
elementos superfluos y concentrar la composición en los protagonistas, principalmente en las víctimas. El gran número de
figuras y el heroísmo con el que se entregan al fusilamiento, convierten al cuadro en una obra romántica y modelo para
posteriores pinturas históricas. Aquí la pincelada de Goya es mucho más suelta que en el cuadro anterior, el ambiente de noche
en el que la luz se concentra en los fusilados, y el realismo con la sangre en el suelo, acentúan el dramatismo de la escena.

Saturno devorando a su hijo (1819-1823). Es una de las obras pintadas sobre el muro de su casa “la Quinta del Sordo”. Se
trata de una de las llamadas pinturas negras, de su etapa de mayor turbulencia vital. En esta obra de pincelada muy suelta, con
colores muy oscuros, representa al dios Saturno (o Cronos para los griegos) devorando a su hijo. Lo refleja con la máxima
crueldad, expresividad y sangre. Representa el horror al paso del tiempo que devora la juventud, la belleza y la felicidad.
Sentimientos que el pintor estaría viviendo.

El aquelarre (1820-23). Otra de las pinturas negras realizadas sobre los muros en la Quinta del Sordo. Se trata de una obra de
5 metros de ancha en la que se representa una reunión de brujas. De nuevo la pincelada muy suelta y rápida y el abuso del negro
para reforzar el ambiente nocturno de esta ceremonia satánica. Las figuras y rostros tienen un aspecto grotesco y caricaturizado,
con una alta expresividad. La figura en primer plano del macho cabrío representa al demonio, el cual parece estar iniciando a
una joven en las artes de brujería.

La Lechera de Burdeos (1825-27). Este cuadro lo pinta ya en el exilio, en Francia, un año antes de su muerte. Destaca por la
recuperación del color a diferencia de las obras de su etapa anterior en España. El cuadro tiene muchas características del Goya
anterior, pero se discute su autoría por algunos detalles impropios del pintor como una mala composición en la que el espacio
está mal encuadrado, el no pintar las manos algo que Goya dominaba, el colorido distinto al de su última etapa… y otros.