BLOQUE 10.

LOS AÑOS 60-70

2.4. A NALIZA LAS CLAVE S ARTÍSTICAS DE LAS CORRIENTES EXPRESIONISTAS .

El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en
la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje
figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste,
toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte
marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.

La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido
de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye
de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente.

En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la pintura de acción (action
painting) y la pintura de superficie-color (color fiel-painting). En la pintura de acción
encontramos artistas como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos
artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar
rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés en las
diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores
en superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford Still y Barnett
Newman aparecen vinculados a esta vía.

Pueden señalarse como características formales de este estilo.

 Preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.
 Generalmente son abstractos, eliminan la figuración. Aunque hay excepciones y algunos
emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles.
 El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de
la tela.
 El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios.
 Algunos pintores expresionistas anticiparon el arte minimal reduciendo la obra a
prácticamente un solo color.
 Este tipo de cuadros presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto.
2.1. C OMENTA LAS CLAVE S DEL EXPRESIONISMO FIGURATIVO , DESDE EL EXPRESIONIS MO
ALEMÁN HASTA LA OBRA DE F RANCIS B ACON Y DE L UCIAN F REUD .

El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y

germánico. Reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania
prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras
(1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas
dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.

El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el

irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual,
fantástico o pervertido–. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter
existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron
reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la
vida y la muerte, concepción que se suele calificar de ‘‘nórdica ‘por asociarse al temperamento
que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa.
 DIE BRÜCKE (EL PUENTE) CON KIRCHNER Y HECKEL

Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento.
Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en
sus trazos y colores.

DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL) CON KANDINSKY, MARC Y MACKE.

Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música
y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

KANDINSKY

Comenzó como pintor figurativo y terminó siendo abstracto. Ruso de nacimiento se trasladó a
Alemania y sus paisajes urbanos plenos de colores fulgurantes y de pinceladas vigorosas. Lo
importante no son los detalles sino el concepto general, de ahí que las figuras no aparezcan más
que como conjuntos de manchas de color. Resulta muy representativa esta explosión cromática
en el mundo germánico, muy dado al extremismo y a la visión exagerada de la realidad.

E. KIRCHNER

Formas son angulosas, inspiradas en el cubismo y sus líneas gruesas y rectas. Sus temas son
paisajes urbanos y chicas mirando escaparates o moviéndose por las calles. Por tanto, el
movimiento y la luz, reflejadas en los colores ácidos son los motores de la obra de Kirchner. La
fiereza de los colores y su excentricidad marcan mucho los personajes. Los trazos son vigorosos
y la luz es muy intensa. En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte
degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró
a raíz de ello y se suicidó en 1938.

ERICH HECKEL

Como otros miembros del grupo Die Brücke admiró muchísimo la obra de Edvard Munch, y
pretendía tender un «puente» entre la pintura alemana neorromántica y la moderna pintura
expresionista. Los cuatro miembros fundadores usaron mucho la técnica de grabado en
xilografía al ser un medio barato y rápido de producir arte al alcance de todos. En 1937 el partido
nazi declaró que su obra era degenerada; le prohibió mostrar su obra en público, y más de 700
cuadros suyos fueron confiscados de los museos de la nación. Para el año 1944 todos sus bloques
de grabado en madera y las planchas de sus láminas habían sido destruidos. Fränzi ante una silla
tallada (1910), de Ernst Ludwig Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
 FRANCIS BACON

Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia
que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el
panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte,
difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos
años.

Toda la trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace
de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX.
Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés.

Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacon pasó su juventud en su Irlanda
natal. Se interesa en seguida por la pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en
Berlín y París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann), queda impresionado
por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se considera la formación autodidacta de Bacon.
Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones
y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo.

LUCIAN FREUD

Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes

representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de
los desnudos.

A partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más,
utilizando la técnica del empasto. Los colores son a menudo neutros. Los temas de Freud son
personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. Como él mismo dice en sus
memorias: ‘‘El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la
sensualidad y la participación, la verdad.

En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud

consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que
rezuman sus obras. Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo crudo
y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido. En sus retratos no
busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la
esencia de su personalidad.
2.2. E XPLICA LA OBRA PICTÓRICA DE J ACKSON P OLLOCK Y DE M ARK R OTHKO .

EL AMERICANO JACKSON POLLOCK

El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo deja caer finos hilos de
pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama
compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente.

El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Tras verse influenciado por el
regionalismo, los muralistas mexicanos y los surrealistas, Pollock realiza a principios de los
cuarenta unas obras cercanas a la abstracción pero de carácter totémico, primitivo.

Será alrededor de 1947 cuando Pollock comienza a pintar con el estilo que le hará mundialmente
famoso: se trata de abstracciones libres hechas a base de manchas y de “dripping”, una técnica
que consiste en agujerear un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo
(previamente puesto en el suelo) dejando caer la pintura. Lo importante para Pollock es esa
acción de pintar, el momento y el cómo. El artista realiza su obra siguiendo sus impulsos
interiores, sin un plan previo.

En 1951 Pollock tendrá un nuevo estilo. Volverá a las pinturas totémicas, pero esta vez
abandonará los colores, centrándose sólo en el negro.

MARK ROTHKO

Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su
obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor
de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes
superficies de color.

Comienza siendo expresionista en los años 30 y también se verá atraído por el surrealismo en
los 40, pero en los años 50 su pintura se simplifica para centrarse en el color, un estilo que se
conocerá como “Color Field Painting”. Se trata de superficies llenas de color en las que las
manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra.

Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos
espaciales de los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que
debe hacer meditar al espectador, algo totalmente basado en la expresividad.
2.3. I DENTIFICA LAS CLAVES DE LA PINTURA POP ART

El arte pop es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del
Expresionismo abstracto.

ANTECEDENTES

Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp,
Kurt Schwiters. Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt
Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del
momento. Jasper Johns las pinta banderas de los Estados Unidos a la encáustica en la década de
1950. El movimiento Pop como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a
finales de los años 1960 en los Estados Unidos. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-
guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la
imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada
por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones
de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra
se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular
estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados
en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
 GRAN BRETAÑA

EL GRUPO INDEPENDIENTE

Fundado en Londres en 1952, es precursor del movimiento artístico pop. Las discusiones del
grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de
comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión
del Grupo independiente en 1952, el cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó
una serie de «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas
de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes
“I was a Rich Man's Plaything”, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!”.

RICHARD HAMILTON

En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This is
Tomorrow (Esto es mañana). Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la
muestra, en la cual presentaría su collage “Just What Is It That Makes Today`s Homes So
Different, So Appealing?”, el cual se convertiría en el manifiesto del arte pop británico,
movimiento en el que interpretaría un papel esencial. En esta obra aparecen multitud de
elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un fisioculturista, un
televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un
retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups sostenido por el fisioculturista
como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo de techo.

DAVID HOCKNEY

Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en
un estilo ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. La ironía y el
ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte
expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular
en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo
preferido, superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo,
son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos.
 ESTADOS UNIDOS

Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a
través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce
un duro filo, la composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una
manera suave. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros,
comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular estadounidense, sino
también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la
producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol
intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se
muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus
compañeros.

ROY LIECHTENSTEIN

Sus historietas de cómics, como “Good Morning, Darling”, son ampliaciones de los personajes
de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos
colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que
están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y
copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y
Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics.

ANDY WARHOL

Andy Warhol Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel de 1962 y
marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste. Cuatro meses más tarde inauguró su
primera exposición en Nueva York. Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100
botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después
coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).

En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-
Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o
Elizabeth Taylor. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba
inicialmente en la calle 47. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre
el papel del artista y la finalidad del arte.
2.3. I DENTIFICA LAS CLAVES DE LA PINTURA HIPERREALISTA

El hiperrealismo es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de

los años 1960 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la
fotografía. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura.

Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues
toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las
mismas imágenes neutras y estáticas.

En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se
consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin
embargo, artistas como Chuck Close, Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas
de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

CHUCK CLOSE

Utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato
tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer
plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto
objetivador de las fotografías clínicas y policiales. En su obra trata problemas como la percepción
del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a
través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo .

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los
cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si
es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

RICHARD ESTES

Conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo
objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro
de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de
abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.
En el caso español, algunas de las figuras más relevantes del hiperrealismo serían los pintores
Antonio López, Eduardo Naranjo.

ANTONIO LÓPEZ

Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación
lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el
artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo.

El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un
tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas
de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y
cercanos.

A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra
independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la
abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas
europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.

EDUARDO NARANJO

Este artista posee un hiperrealismo onírico fractura de forma fantasmagórica las figuras que
evocan sueños. Artista al margen de las modas y de escasísimas muestras personales, sí
presente, en cambio, en innumerables colectivas junto a los otros grandes contemporáneos, su
obra es muy seguida en China.
3.2. D ESCRIBE LA IMPORTANCIA DE LA ESCULTURA VASCA , INDICA LAS OBRAS DE J ORGE O TEIZA ,
E DUARDO C HILLIDA Y A GUSTÍN I BARROLA .

JORGE OTEIZA

Se le considera uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de Escultura. Se le concede

por concurso la realización de la estatuaria para el friso y la fachada de la Basílica de Nuestra
Señora de Arantzazu (1949-51), obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. La Iglesia
prohíbe los trabajos, retrasando su conclusión a 1968, cuando se termina de colocar el friso de
apóstoles y se coloca en la fachada una imagen de la Virgen con el hijo muerto a sus pies.

Con la experimentación heredada del constructivismo, Oteiza se embarca en lo que denomina

su Propósito Experimental (1955), título con el que se presenta en la Bienal de São Paulo (1957),
donde obtiene el premio extraordinario de escultura. En estos cinco años de actividad Oteiza
realiza una operación de gran trascendencia, al situar su obra en la senda de la tradición
geométrica europea, reivindicando el neoplasticismo y el constructivismo soviético. La
recuperación de las estéticas geométricas europeas y su influencia en la cultura vasca generan
las bases de lo que se denomina la escuela de la escultura vasca.

Durante los 60 y 70 Oteiza investiga la lengua vasca y las manifestaciones populares de su

pueblo. Ensayo de interpretación del alma vasca, que se convertiría en su texto más conocido y
polémico. En este libro se hace una defensa de la cultura popular vasca y su identidad, a la vez
que se propone la estética como ciencia bajo la que subsumir todo el conocimiento.

EDUARDO CHILLIDA

Fue un escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado
continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Sus primeras esculturas son obras
figurativas lo acercan al lenguaje de Henry Moore.

Alrededor de 1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende
entonces un ciclo de esculturas no imitativas en las que destaca su preocupación por la
introducción de espacios abiertos. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata
de resolver con la ayuda del material, según las características o propiedades del mismo. Algunos
ejemplos son Peine del viento, Música de las esferas, Oyarak (Eco) y Espacios sonoros.

En Peine del viento la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre al
viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura. Para las puertas de
Aránzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle. No pretende hacer unas
puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas sean las esculturas. También
elabora Rumor de límites, Modulación del espacio, la serie de ensayos Yunque de sueños, o la
serie Abesti Goroa (Hacia lo alto).

Son variadas composiciones que asentadas en rudos bloques de granito o madera, parecen
extender sus ritmos al espacio con gran ligereza, a pesar del material, que no lo oculta. En un
primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, pero
posteriormente introdujo otros materiales como la madera, el hormigón, el acero, la piedra o el
alabastro.

En la serie Alrededor del vacío, emplea el acero. El mismo material que en Gnomon, Iru Burni o
Elogio de la arquitectura. Eduardo Chillida optará por unos materiales u otros de acuerdo a las
posibilidades estructurales de los mismos. Elegirá́ el alabastro, cuya cualidad pone en relieve
con la ayuda de la luz para hacer referencias a la Arquitectura.

AGUSTÍN IBARROLA

En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad
artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio
propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística
conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.

En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad
conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café Rond
Point fundaron el Equipo 57; integrando el grupo, con él, José Duarte, Ángel Duarte y Juan
Serrano. En esta época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en
el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del constructivismo.

Durante los años 60 inicia su actividad política y social, siendo detenido en 1962 y encarcelado
varios años, entre 1962 y 1965 y entre 1967 y 1973, en la prisión de Burgos.

Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de
gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones
pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de éstos, y quizá su trabajo más conocido, es el
Bosque de Oma, cerca de Guernica.
3.3. C OMENTA LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA ESCULTÓRICA EN LA OBRA , ENTRE OTROS
POSIBLES , DE M ARTÍN C HIRINO , A MADEO G ABINO , P ABLO P ALAZUELO , P ABLO S ERRANO Y
G USTAVO T ORNER .

La escultura abstracta española, que se había originado en el periodo de entreguerras fue

especialmente importante en la España del franquismo, llegando a tener una destacada
presencia institucional al final del periodo, a pesar de las resistencias iniciales.

MARTIN CHIRINO

Nace en Las Palmas de Gran Canaria. Al año siguiente viaja a Londres, donde toma clases en la
School of Fine Arts. Ahí conoce la escultura contemporánea inglesa. Regresa a Las Palmas, donde
mantiene una estrecha colaboración con su amigo Manolo Millares. En la Bienal de São Paulo
de 1959 se le dedica una sala especial, donde se exponen nueve esculturas. Con ‘‘El viento‘‘,
aparece el tema más recurrente de la obra de Chirino: la espiral.

La obra de Chirino se fundamenta en dos principios: el hierro forjado, material mayoritario de

sus esculturas; y la espiral. Ahí se contienen sintetizadas los fundamentos de su trabajo. La
producción escultórica de Chirino se extiende y agrupa cronológicamente de acuerdo a motivos
concretos, cuyo referente se encuentra siempre y en último término en la naturaleza y el mundo
real, en los que insiste durante un tiempo prolongado hasta agotar todas sus posibilidades
expresivas.

AMADEO GABINO

Fue un pintor, escultor y grabador español. Comenzó sus estudios de arte en la Escuela Superior
de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Su obra consiste sobre todo en complejos objetos
metálicos abstractos y "collages" constructivistas. Representando a España, participió en las
ediciones de 1956 y 1966 de la Bienal de Venecia. Mostró su obra en varias exposiciones en
Alemania y España. En 1998, se erigió su escultura monumental "Homenaje a Anton Bruckner"
en la ciudad austriaca de Linz.

PABLO PALAZUELO

Sus referencias a la historia de la pintura son continuas, y es especialmente importante la

influencia en su trabajo de la noción de línea derivada de la obra de Klee. También reivindica a
sus inicios su interés por constructivistas rusos como Gabo y Pevsner, aun cuando rehúsa su
concepción científica de la geometría. La obra de Palazuelo ha sido clasificada como una
abstracción de tipo idealista, vinculada a corrientes de espiritualidad y a una concepción sagrada
del artista y de su obra. El desarrollo de la abstracción y el uso de la geometría en su obra están
íntimamente ligados a un proceso racional basado en el descubrimiento - no invención- de
nuevas formas. Esta descubierta constante que guía su trabajo se traduce en una tensión
manifestada a través de las variaciones interminables de las formas.

PABLO SERRANO

Junto a otros artistas de la época funda en 1957 el grupo “El Paso”. Durante estos años realiza
bustos y retratos a gran escala, como el de Unamuno, el de Galdós y el de Marañón. En 1967
presenta su “Hombres con puertas”, expuesto en Nueva York y Toronto. Recupera en su trabajo
materiales y técnicas, como las escorias o la forja del hierro.

Su conjunto monumental más importante dos grandes esculturas de que flanquean el

Ayuntamiento de Zaragoza (1965), así como el gran relieve de la Venida de la Virgen del Pilar
(1969), en la fachada de la Basílica. En Madrid podemos ver Escultura homenaje a Largo
Caballero en Nuevos Ministerios, busto de Antonio Machado en la calle del mismo nombre y
Unidades-Yunta, obra expuesta en el Museo de Arte Público.

GUSTAVO TORNER.

Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada ‘‘escuela conquense‘‘, la cual
constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte
moderno, en la década de 1960. Sus primeras obras toman de la naturaleza los temas, y
posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda
su obra.

En 1956 realiza su primera obra abstracta, ‘‘Roca‘‘. Estos planteamientos artísticos alcanzaron
mucha mayor complejidad a mediados de los 60, en aras a la consecución de una mayor
expresividad, de modo que la madera o el metal sustituyen al convencional lienzo, y aparecen
ya todo tipo de objetos y materiales: nylon, piel sintética, cartón, plástico. En Madrid realiza una
escultura para la que se denominará Plaza de los Cubos. Se trata, por lo general, de obras de
gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y
explorando las posibilidades de diversas texturas. Esta simplicidad geométrica con una
elaboración y montaje es de gran complejidad, y a menudo implica el uso de electricidad, agua.
3.4. A NALIZA EL ARTE CINÉTICO Y LA RELACIÓN CO N LA OBRA CREATIVA DE E USEBIO S EMPERE .

El arte cinético es una corriente de arte en el que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
Fue iniciada la mitad de los 60 hasta mediados de los 70. Tiene como precedentes las esculturas
de Naum Gabo. El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, en la mayoría de las
obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una
estructura rigurosamente planificada. La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se
despegan del plano bidimensional. Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales
como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo. Busca la integración entre obra y
espectador. Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que produzca
sensación de movimiento

 Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el
espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
 Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas,
cambiando su estructura constantemente.
 Los penetrables: Generalmente la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere
que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

EUSEBIO SEMPERE

Fue un escultor, pintor y artista gráfico español. Es el pintor más representativo del movimiento
cinético en su país. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la
luz van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas. En 1953 Sempere toma la decisión de
dejar de trabajar lo figurativo para volcarse en la pintura abstracta y en la geometría. Indagando,
utilizando gouaches, cartulinas y acuarelas. Tras varios años de búsqueda personal, ahora
experimenta con el trabajo realizado, buscando cierto dinamismo o movimiento con figuras
geométricas. Se percibe en su obra una mayor preocupación tridimensional. En 1959 participa
en la Bienal de São Paulo y en 1960 en la Bienal de Venecia. En los 70 Sempere se interesa por
la escultura, pues ve en ella grandes posibilidades para trabajar con lo cinético, lo óptico y la luz.
El mismo entiende sus esculturas como pinturas en tres dimensiones o anti-esculturas. Son
piezas de hierro o acero de depurada técnica y síntesis geométrica, móviles o giratorias,
colgantes o sobre peanas o plataformas.

Móvil de Eusebio Sempere. En el Museo de Escultura al aire libre se compone de dos estructuras
cuadradas de acero inoxidable suspendidas verticalmente a veinte centímetros de distancia una
de otra. Cada una tiene en su interior un diseño distinto a base de varillas, por lo que la
superposición crea un interesante efecto óptico al ser movidas por el viento o por el espectador.
5.1. C OMENTA LAS CLAVES DEL SONIDO MUSICAL : MONOFÓNICO , ESTEREOFÓNICO , DOLBY ,
S ISTEMA 5.1 Y S ISTEMA 7.1.

Clément Ader realizó la primera emisión estereofónica en 1881, con el llamado "teatrófono"
para recibir a distancia audio de ópera. La primera película con sonido estereofónico fue
Fantasía, de Walt Disney. La grabación en estéreo se introdujo en los negocios musicales durante
el otoño de 1954 para sustituir a la grabación monoaural de canal único.

Generalmente, se llama sonido estereofónico o estéreo al grabado y reproducido en dos canales

(disposición 2.0). Los discos de vinilo, los CD audio, la mayoría de las estaciones de radio FM,
casetes y la totalidad de canales de TV y televisión vía satélite, transmiten señales de audio
estéreo. El propósito de grabar en sonido estereofónico es el de recrear una experiencia más
natural al escucharlo, y donde, al menos en parte, se reproducen las direcciones izquierda y
derecha de las que proviene cada fuente de sonido grabada.

Se denomina sistema de sonido multicanal tanto al diseño de la pista de audio que tiene tres o
más canales como también el equipo en sí capaz de reproducir dicha pista.

Símbolo de sonido 5.1. Consta de 6 altavoces.

Sistema 7.1 Coloca dos altavoces más en la parte lateral con respecto a 5.1. y crea una sensación
de ambiente, en caso de los videojuegos, es lo que hace que parezca estar metido dentro del
juego, suele pasar en los videojuegos de guerra, o muy realistas. En el caso de las películas, es lo
que hace que parezca estar metido dentro de la película, suele pasar en las películas de guerra,
o muy realistas.
6.1. A NALIZA LAS CLAVES DE LA MÚSICA P OP .

La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music), también conocida
simplemente como pop, es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años
1950 como una derivación del Pop tradicional, en combinación con otros géneros musicales que
estaban de moda en aquel momento.

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestado a menudo elementos de otros
estilos como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. El pop de
los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul
su uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música
clásica su orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del
hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del
rap. Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de la televisión en los años 1950; con
las actuaciones televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual».

La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido usados también como
medios para la creación y elaboración de música pop. A comienzos de los 80, la promoción de la
música pop se había nutrido del auge de los programas y canales musicales de televisión, como
la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson y Madonna que poseían un
fuerte atractivo visual».

6.3. E XPLICA LAS CLAVES DE L MOVIMIENTO " FANS ".

Un fan o aficionado, es alguien que tiene un intenso interés sobre una persona, grupo de
personas, producto, idea o tendencia. Las fans de Frank Sinatra que vestían calcetines cortos y
que en 1944 protagonizaron el llamado “motín del Columbus Day”.

En cuanto a manifestación cultural, el surgimiento del fenómeno del rock a nivel mundial se
conecta con el contexto social de los años ´60. Más particularmente con el rol que juegan los
grupos juveniles en este momento de la historia por un lado la Contracultura y por otro el
fenómeno fan. Durante esta época, renace en los jóvenes una nueva idealización que les hace
cambiar la militancia por la adoración a las estrellas del rock. Es por ello que se fijan y adoran a
los actores y a las nuevas estrellas del rock, porque son ellos los que estimulan esta nueva forma
de vida.
6.2. I DENTIFICA LAS PRINCIPALES CANCIONES DE L OS "B EATLES ".

The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida
como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música
popular. Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más
tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico,
incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones.

La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la

«Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas.
Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su
influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960. Pepper`s Lonely Hearts
Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra.

Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se
mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes
en esta posición que cualquier otra agrupación musical. La influencia de The Beatles en la cultura
popular fue —y sigue siendo— enorme. La manera en que se trabajó para la construcción de la
música popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron
The Beatles».

Desde la década de 1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de
entretenimiento en gran parte del mundo, a través de las películas de Hollywood, el jazz, la
música de Broadway y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en Memphis,
Tennessee. Basándose en sus raíces del rock and roll, no sólo desencadenaron la invasión
británica en los Estados Unidos, sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel
mundial.
6.4. C OMENTA LA ACEPTACIÓN MAYORITARIA DEL J AZZ .

En los años ’70 llegamos a un punto dónde los músicos de Jazz tienen a su disposición
básicamente todos los elementos de la música moderna de hoy en día: el Jazz tradicional (Dixie,
Swing Bebop, HardBop, Cool, Modal), el Funky, el Blues, el Soul, el Rock, el Free Jazz, la música
de concierto europea y las músicas del mundo.

Hoy en día realmente cualquier estilo de Jazz moderno es una especie de fusión. Cada artista o
agrupación se hace su propia “receta” con todos o algunos de estos ingredientes. Ya sea solo
para un álbum o para crear una cierta tendencia, una especie de subestilo.

6.5 A NALIZA LA OBRA JAZZÍSTICA Y VITAL DE M ILES D AVIS Y C HET B AKER .

MILES DAVIS

Consigue nuevamente estar en la onda en el momento justo, cuando se habla de Jazz-Fusión

normalmente se refiere a un sonido particular del Jazz de los ’70 y también conocido bajo el
término Jazz-Rock. Básicamente consiste en la fusión de estos dos estilos musicales: encima de
una base rítmica rockera, funky y/o también latina, se incorporan toda clase de instrumentos
electrónicos al Jazz: la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, sintetizadores y efectos. El nuevo
sonido en parte atrae a un público distinto, más joven y numeroso, que a consecuencia le brinda
a más de un músico de Jazz un éxito económico considerable jamás visto hasta el momento.
Sobre todo al principio de los `70 surgen grupos nuevos con un sinfín de ideas curiosas. El éxito
comercial de esta corriente conlleva también que en ocasiones el Jazz-Rock más bien suene a
“Jazz-Pop”. Bitches Brew, publicado en 1970. Sus dos álbumes anteriores: Filles De Kilimanjaro
(grabado en `68) y In A Silent Way (grabado en ’69), ambos publicados en el año 1969, nos
enseñan perfectamente el camino musical que Miles y sus músicos han tomado para llegar al
nuevo sonido: Es interesante anotar que las grabaciones para el disco se realizan bajo las
impresiones frescas del festival Woodstock, celebrado apenas unos días antes. Otro dato que
refuerza el nuevo rumbo del Jazz hacia la música Pop.

CHET BAKER

Su estilo es muy sencillo. Lo explica tan bien en Como si tuviera alas. Tocaba la trompeta como
cantaba, sobre un débil hilo musical a punto de romperse. Su vida estuvo marcada (aparte de
por el jazz) por las mujeres y las drogas.
12. E L F LAMENCO

Sobre sus orígenes o influencias, solo podemos aventurarnos, pues carecemos de antiguas
referencias escritas donde se mencione el flamenco como tal. El único dato conocido, por
transmisión oral, es que se trata de un arte muy antiguo y que encuentra su cuna en Andalucía,
en la rivera del Guadalquivir.

En el flamenco encontramos numerosas influencias de culturas muy diversas. Esto no es una

sorpresa cuando sabemos que por esta tierra pasaron las más diversas civilizaciones y culturas.
Fenicios, griegos, cartaginenses, romanos, judíos, musulmanes, godos y gitanos se han ido
durante siglos asentado en esta tierra, y con seguridad estas influencias han sido absorbidas en
la música y en el baile de esta tierra.

En escritos griegos encontramos el estilo melismático como característica típica del canto del
sur de España, este estilo también lo tiene hoy el Flamenco. De la época romana, encontramos
las reseñas de Marcial y Juvenal sobre las Puellae Gaditanae, jóvenes procedentes de Gades, la
colonia que fundaron los fenicios en el territorio de la que hoy es Cádiz, ciudad que también
tenía una cultura griega bastante asimilada. Estas bailarinas, que formaban compañía con
músicos acompañantes, llegaron a ser muy apreciadas en los círculos de la aristocracia y alta
burguesía romana, que las contrataban para sus fiestas privadas o para espectáculos públicos.

Otras teorías apuntan que la Seguiriya, la Saeta y el Fandango encuentran su cuna en la liturgia
semita. Estos son datos que hoy no podemos comprobar, sin embargo los parecidos son
evidentes, como también lo oímos en otros palos, donde los acordes nos recuerdan a los alegres
ritmos judíos.

Otra influencia, que por evidente no ha creado mucha polémica, es la que se remonta a la edad
media, en la época de la España musulmana: La música Andalusí, resultante de la fusión de la
musulmana procedente del norte de África, con la cristiana y judía, ya existentes en la península.
Aquí la influencia mora vino de nuevo a enriquecer el estilo. La Granaina con su indiscutible
origen moruno, o la Zambra, que es un vocablo que originalmente designaba las antiguas
reuniones de músicos andalusíes, son claros exponentes de esta influencia.

La influencia gitana la encontramos tanto en el baile como en la música. Algunos caracteres del
baile son muy similares a los de las regiones asiáticas de las que proceden los gitanos. También
los ritmos flamencos diferentes a los europeos tienen caracteres que hoy sólo encontramos en
la música India. Pero en cualquier caso, lo que es evidente, es que el flamenco durante su larga
historia ha sido permeable a las más variadas influencias, y que es tan puro como mestizo.
 EVOLUCIÓN DEL FLAMENCO A PARTIR DE 1765

ENTRE 1765 Y 1860

Es a partir de esta época cuando el baile flamenco, empieza a tener un sitio entre los bailes
españoles que se desarrollan en las escuelas, representándose frecuentemente en patios,
ventas y salones privados cuando se celebraban fiestas.

ENTRE 1860 Y 1910

Se ingresa en una época más prolífica que se ha llegado a llamar La Edad de Oro del Flamenco.
En esta época florecen los cafés cantantes, desarrollando el flamenco todas sus facetas; la
instrumental, la de cante y la de baile, hasta fijar definitivamente lo que pudiéramos considerar
clasicismo de lo ‘‘jondo‘‘. El baile adquiere un esplendor sin precedentes, siendo éste el mayor
atractivo para el público de estos cafés cantantes y se da un gran impulso a la guitarra, como
complemento fundamental e indispensable para el cante y para el baile.

ENTRE 1910 Y 1955

Este camino nuevo que había tomado el flamenco no gusta a todo el mundo y en 1922 un grupo
de intelectuales, como Falla y otros artistas de la Generación del 27 crean en Granada un
Concurso, con la finalidad de buscar nuevos valores que cultiven el cante jondo auténtico.

A PARTIR DE 1915

Se produce un ciclo de baile teatral de excepcional calidad, llevando el baile español y flamenco
por todos los escenarios del mundo.

A PARTIR DE 1955

El baile en esta época se desarrolla en los tablaos, que son los herederos de los cafés cantantes
anteriores, contando con verdaderas personalidades del baile, que alternan sus actuaciones no
sólo en los tablaos, sino en teatros, festivales y otros escenarios. Los guitarristas, acompañando
al cante y al baile adquieren un mayor protagonismo, alcanzando este arte su madurez. El
guitarrista es actualmente no sólo acompañamiento, sino solista. Paco de Lucía marca el inicio
de una nueva etapa de esplendor sin precedentes, dando a la guitarra una dimensión universal.
Junto a él habría que citar a otros que verdaderos virtuosos de este instrumento, como Manuel
Cano, Victor Monge Serranito y Manolo Sanlucar.
 EL FLAMENCO COMO IDENTIDAD DE CULTURA ESPAÑOLA

El flamenco se convirtió en uno de los símbolos de la identidad nacional española durante el

franquismo, ya que el régimen supo apropiarse de un folclore tradicionalmente asociado con
Andalucía para promover la unidad nacional y atraer al turismo, constituyendo lo que se
denominó como nacional-flamenquismo. De ahí que el flamenco hubiera sido visto por mucho
tiempo como un elemento reaccionario o retrógrado. En contraposición a este conservadurismo
con el que se asocia durante el franquismo, el flamenco sufrió el influjo de la ola de activismo
que agitó también la universidad contra la represión del régimen cuando los universitarios
entraron en contacto con este arte en los recitales que se hacían, por ejemplo, en el Colegio
Mayor de San Juan Evangelista.

SU POPULARIDAD EN EL EXTRANJERO

 El flamenco entra en las academias de baile, a través de piezas de músicos y coreógrafos

nacionales e internacionales desde el romanticismo, Carmen de Bizzet.
 El sustrato musical popular que origina la música flamenca como mezcla de estilos
 El flamenco llega a Madrid. Bailes en los cafés cantantes donde acuden intelectuales y
personalidades conectadas con la cultura.
 Primera decantación del baile flamenco 'clásico'. El paso hacia los grandes escenarios,
grandes compañías de danza presentan piezas con conexiones flamencas.
 Los papel de los intelectuales y el flamenco ensayos, críticas, poemas de Lorca
 El baile flamenco, entidad sufragada desde época de Franco por el estado Español, contó
entre sus directores bailarines de prestigio nada afines con el régimen.
 Hitos y artistas en el siglo XX actuaron con sus propias compañías en salas por todo el
mundo.
 El flamenco, primera industria cultural de Andalucía, tiene origen en su música popular.
 Flamenco y copla permite acercarlo al gran público. Flamenco y pop, flamenco y rock.
Flamenco y jazz lo conecta con público joven.
 Festivales flamencos internacionales. Potencia la aparición y el contacto de figuras del
flamenco de distintos orígenes.

Todo ello lleva a la popularidad del flamenco en diversos lugares: EEUU, Iberoamérica, Japón,
China, Europa, Países árabes del Mediterráneo... En Japón es tan popular que se dice que en ese
país hay más academias de flamenco que en España.

Su reconocimiento como patrimonio de la humanidad en el 2010 favorece su difusión.

12.1. I DENTIFICA LA OBRA MUSICAL DE P ACO DE L UCÍA Y DE C AMARÓN DE LA I SLA .

PACO DE LUCÍA

Fue un compositor y guitarrista español de flamenco. Tras darse a conocer al mundo flamenco
español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó
sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de
Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y
desde 1969 con Camarón de la Isla.

Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo
que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles
y latinoamericanos. Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye
la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a
la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo
destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos Santana, Al Di Meola o
John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o
Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico.

CAMARÓN DE LA ISLA

Fue un cantaor español, considerado una de las principales figuras del flamenco. En 1968
Camarón llega a ser fijo en el tablao de Torres Bermejas allí conoce al maestro Paco de Lucía,
con el que grabaría nueve discos entre 1969 y 1977. Su primer disco supuso el principio de una
revolución musical, y los tangos extremeños Detrás del tuyo se va incluidos en este disco fueron
el primer éxito del dúo.

En 1979, bajo el nombre de Camarón, sin la referencia a su ciudad natal, publica La leyenda del
tiempo, disco que supone una auténtica revolución en el mundo del flamenco al incluir
sonoridades propias del mundo del jazz y el rock. A partir de este momento comienza su
colaboración con el guitarrista Tomatito y se desvincula por un tiempo de Paco de Lucía.

En 1989 graba Soy gitano, el disco más vendido de la historia del flamenco. De 1992 data el
último disco publicado en vida de Camarón, Potro de rabia y miel, que contó con las guitarras
de Paco de Lucía y Tomatito.
12.3. R ECONOCE LA IMPORTANCIA DEL BAILE FLA MENCO EN EL MUNDO , REFERENCIA LA DANZA
Y COREOGRAFÍAS DE C ARMEN A MAYA Y A NTONIO G ADES .

ANTONIO GADE

Fue un bailarín y coreógrafo español. En 1949 se inscribe en una academia de baile, donde la
casualidad le permitiría conocer meses más tarde a Pilar López Júlvez. Pilar y el primer bailarín,
Manolo Vargas, serán los encargados de darle a conocer el mundo del folklore español en un
repertorio amplísimo. Al mismo tiempo que viaja por todo el mundo, descubrirá su gran
inspiración para la creación de sus propias coreografías: Federico García Lorca. Durante los 12
primeros años viaja, baila y se forma también en danza clásica.

En Italia actuara, además de en Roma, en el Festival de Spoleto como primer bailarín y

coreógrafo con Carmen y en el Teatro de La Scala de Milán. Tras varios meses en Italia regresa a
España representando La historia de los tarantos y rodando una película, Los Tarantos. En 1969
realiza la coreografía de El amor brujo con la Ópera de Chicago. En 1976 rueda Los días del
pasado. En 1978 es nombrado Director del Ballet Nacional Español. A pesar de su rotundo éxito,
sólo permanece dos años en el puesto.

CARMEN AMAYA

Fue una bailaora y cantaora de flamenco española de origen gitano. Desde pequeña, formó
parte de una de las familias más vinculadas al flamenco. Carmen Amaya logró entre los años
treinta y los sesenta universalizar el flamenco. Toda su familia viajaba siempre con ella y el
dinero que ganaba le duraba apenas unos segundos en los bolsillos.

Tras triunfar en España, y al estallar la Guerra Civil, viajó por numerosos países, tanto en Europa
como en América. Allí se convirtió en una estrella. En 1947 regresó por fin a España para
representar en Barcelona la obra Embrujo español acompañada de 40 gitanos con los que tenía
vínculos familiares. Después triunfó en el Princes Theatre de Londres, donde se fotografió con
la reina de Inglaterra.

Su filmografía fue muy extensa, pero el rodaje de su última película, Los Tarantos, de Francisco
Rovira Beleta, en la primavera de 1963, resultó durísimo. Tenía que bailar descalza, con un frío
insoportable batiéndole su maltrecho organismo.
7.1. D ESCRIBE LA EVOLUCIÓN DEL CINE ESPAÑOL EN EL PERIODO DE LA TRANSICIÓN .

En los 60 se impulsaron las ayudas estatales y la Escuela Oficial de Cine, de la que saldría la
mayoría de nuevos directores, generalmente de izquierdas y opuestos a la dictadura franquista.

Entre estos destacan Mario Camus (Young Sánchez, 1964); Miguel Picazo (La tía Tula, 1964);
Francisco Regueiro (El buen amor, 1963); Manuel Summers (Del rosa al amarillo, 1963) y, sobre
todo, Carlos Saura (La caza, 1965). De la televisión procedía Jaime de Armiñán, autor de Mi
querida señorita (1971) y Jo, papá (1975), ambas con enorme éxito de taquilla.

De la llamada «Escuela de Barcelona», originalmente más experimentalista y cosmopolita,

destacan Vicente Aranda, Jaime Camino o Gonzalo Suárez, que realizarían sus obras más
importantes ya en la década de los 80. En los 70 Con el fin de la dictadura, se suprime la censura
y se permiten las manifestaciones culturales en otras lenguas españolas, además del castellano,
fundándose, por ejemplo, el Institut de Cinema Català, entre otros.

En un principio triunfan los fenómenos populares del destape y el landismo. En los primeros
años de la democracia, se abordan temas polémicos y se revisa la historia nacional reciente en
películas que, en algunos casos, tienen una innegable calidad como sucede, por ejemplo, con
Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976) o El espíritu de la colmena
(Víctor Erice, 1973), otras son dignas recreaciones de los años más grises de la dictadura como
ocurre con Pim, pam, pum. (Pedro Olea, 1975), donde se describen las dificultades de
supervivencia de los perdedores en la España más puramente franquista; o particulares visiones
esperpénticas del franquismo, como sucede en La escopeta nacional (Luis García Berlanga,
1978).

Los cambios políticos de esos años se reflejan de forma inmediata en filmes como Camada negra,
de Manuel Gutiérrez Aragón; Tigres de papel, de Fernando Colomo y, en un tono menos
militante pero de mayor calado popular, Asignatura pendiente, de José Luis Garci, Cría cuervos
de Carlos Saura.
8.1. C OMENTA EL RESURGIMIENTO DEL GRAN CINE NORTEAMERICANO CON L A OBRA
CINEMATOGRÁFICA DE F RANCIS F ORD C OPPOLA .

Nuevo Hollywood es el término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de
directores educados en escuelas de cine y que absorbieron las técnicas creadas en Europa en la
década de los 60.

Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven
Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar
sobre los géneros y técnicas ya existentes.

FRANCIS FORD COPOLA

Su carrera inició en 1963 con la dirección y escritura de Dementia 13. Desde eso ha dirigido más
de una veintena de películas. Sus obras más reconocidas y ovacionadas son El padrino y El
padrino II, ambas adaptaciones del superventas homónimo del novelista italoamericano Mario
Puzo. La primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le
hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guion adaptado,
mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense, con
la que recibió un premio de la Academia por Mejor director.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los
más grandes de todos los tiempos. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera
como productor.

9.1. A NALIZA LA FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR JAPONÉS A KIRA K UROSAWA .

Fue uno de los más célebres directores de cine de Japón, dirigió más de 30 películas, entre ellas
algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. Le gustaba emplear
lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando
las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También le gustaba usar
varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos
ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos
meteorológicos en sus películas.

Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el
efecto visual deseado. Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario:
le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba autenticidad al personaje.
10.1. R ECONOCE EL PASO DE L A T ELEVISIÓN A FENÓMENO DE COMUNICACIÓN DE MASAS .

Una vez creado el soporte técnico necesario para la transmisión de imágenes en movimiento,
algunos científicos comprendieron que la televisión podía repetir el éxito de la radio años antes

Si la televisión hubiera nacido antes la I Guerra Mundial, en plena etapa liberal, su estatus
jurídico hubiera sido seguramente similar al de la prensa, con la libertad de creación de emisoras
y formatos. Pero la gran crisis económica de 1929 y el nacimiento de los regímenes totalitarios
que amenazaban con ahogar los sistemas liberales hicieron que los gobiernos de la mayor parte
de los países en los que dio sus "primeros pasos" el nuevo medio de comunicación decidieran
reservárselo para su uso exclusivo.

La televisión renacería durante los años 1950- 1960, convirtiéndose en el mayor medio de
presión y de propaganda que ha conocido el mundo hasta el momento.

Para aquellos nacidos después de la Segunda Guerra Mundial, la emergencia de la televisión

como una fuente de entretenimiento e información - así como la expansión masiva asociada del
consumismo a partir de la influencia de la posguerra y la publicidad en la TV - fueron
componentes esenciales en la disolución de los más jóvenes y la creación de nuevos
comportamientos sociales, aunque las agencias de publicidad se enfocaban en la mercado joven.

En los Estados Unidos, la cobertura en casi tiempo real de la campaña de Birmingham en la era
de los derechos civiles, el evento de Domingo Sangriento en las marchas de Selma a
Montgomery, y las imágenes gráficas en las noticias de Vietnam, la llegada del hombre a la luna,
trajeron una realidad a los hogares por primera vez acerca de los conflictos armados.

El término del sociólogo canadiense Marshall Mc Luhan “Aldea Global”; este da la idea de que,
debido a la velocidad de las comunicaciones, toda la sociedad humana comenzaría a
transformarse y su estilo de vida se volvería similar al de una aldea. Debido al progreso
tecnológico, todos los habitantes del planeta empezarían a conocerse unos a los otros y a
comunicarse de manera instantánea y directa. Como paradigma de aldea global, Mc Luhan elige
la televisión, un medio de comunicación de masas a nivel internacional, que en esa época
empezaba a ser vía satélite.
4.1. C OMPARA LA DIFERE NTE CONCEPCIÓN PLÁSTICA EN LA OBRA FOTOGRÁFICA DE D AVID
H AMILTON , J UAN G YENES , I RVING P ENN Y OTROS .

DAVID HAMILTON

Es un fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década de los 1970 por sus series de retratos
de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas. Posee un estilo característico en el que
suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el [grano] grueso, que acabó
llamándose hamiltoniano. Tuvo un tipo muy definido de modelo: iniciara la adolescencia (hacia
los 11 años) o fuera plena adolescente o hubiera salido ya de la adolescencia, su modelo debía
transmitir perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil erotismo. El talento de
David Hamilton consiste en su habilidad para sorprender a las jóvenes exactamente en el
momento en que descubren la mejor parte de su erotismo ingenuo; esto lo llevó a escoger casi
invariablemente un tipo de joven: el artista recurre siempre al mismo tipo de muchacha
escandinava que conserva intacta durante mucho más tiempo esta etapa fugaz de la existencia.

JUAN GYENES

Fue un fotógrafo de origen húngaro que desde 1940 estuvo trabajando en España. Una foto de
Francisco Franco fue seleccionada para la impresión de una popular serie de sellos de Correos
con su efigie. Realizó retratos a numerosos personajes entre los que se encuentran Sara Montiel,
Salvador Dalí, Lola Flores, Julio Iglesias, Raphael, Isabel Preysler, Charles Chaplin… Los retratados
se presentan en su espacio habitual rodeados por sus objetos que funcionan como una
escenografía que ayuda a comprender la personalidad del retratado.

IRVING PENN

Es junto a Richard Avedon y Helmut Newton uno de los grandes retratistas y fotógrafos de moda
estadounidense. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos,
especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografías publicitaria y de tribus.

El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. El dominio de la luz en estudio y el fuerte

contrate del blanco y negro fueron su marca personal. Tras largas horas de experimentación con
la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de
una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía está en la captura un alma –ya
sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, es parte de un mismo misterio que no
puede ser conocido. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris,
usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.
11.1. E XPLICA LAS CLAVES DE L ÉXITO MUNDIAL DE LA EDITORIAL DE COMICS "M ARVEL ".

Marvel Worldwide, Inc., es una editorial de cómics estadounidense creada en 1939, inicialmente
con el nombre de Timely Comics. Entre sus personajes emblemáticos del género superheroico
se encuentran

Spider-Man, Capitán América, Iron Man, Hulk, Thor, Wolverine, Daredevil, y los X-Men, entre
otros. A partir de los años 70, la compañía se posicionó como una de las principales editoriales
de cómics del país. En agosto de 2009, la multinacional Walt Disney compró Marvel
Entertainment por cuatro mil millones de dólares.

EN LOS AÑOS 60 - 70

En 1961, la editorial que habría de ser Marvel Comics destacaba únicamente por sus cómics de
monstruos y por el trabajo de dos de sus dibujantes, Jack Kirby y Steve Ditko. Sin embargo, en
noviembre de 1961 aparecía Fantastic Four, una serie que bebía de la moda de los superhéroes
y que rápidamente se ganó el favor del público gracias al desarrollo de sus personajes, cuya
caracterización era mucho más realista que la de otros títulos superheroicos.

Los 4 Fantásticos serían el pistoletazo de salida para otras series y personajes, como Astonishing
Ant Man en enero de 1962, The Incredible Hulk en mayo de 1962, Spider-Man en el último
número de Amazing Fantasy en agosto de 1962, Thor el número de Journey Into Mystery de
agosto de 1962, Iron Man en el número de Tales of Suspense de marzo de 1963, la Avispa en el
número de Tales to Astonish de junio de 1963 y el Doctor Extraño en el número de Strange Tales
de junio de 1963. El éxito de estos personajes hizo que la compañía, que ahora respondía al
nombre de Marvel Comics, se lanzase a publicar dos series de superhéroes en septiembre de
1963, The Avengers y los X-Men.

Un nuevo superhéroe, Daredevil, aparecería en el título homónimo en abril de 1964, mientras

que personajes de los años 40 como Namor y el Capitán América protagonizarían sus propios
seriales, el primero en Tales to Astonish y el segundo en Tales of Suspense, en agosto de 1965 y
noviembre de 1964 respectivamente. El último personaje de aquella etapa sería Nick Fury, un
personaje que protagonizaba historietas bélicas desde 1963, pero que sería remozado a partir
del número de Strange Tales de agosto de 1965, convirtiéndose en un agente secreto integrado
dentro del universo ficticio de Marvel.
13.1. A NALIZA LA IMPORTANCIA DE LA MODA FRANCESA , REFERENCIANDO LAS CREACIONES DE
Y VES S AINT L AURENT .

Tras abandonar la firma Dior por acudir al servicio militar, Yves Saint Laurent emprendió́ su
propio camino y montó su propia casa de costura. En 1962 nació́ la primera colección de Saint
Laurent para sí mismo y solo cuatro años después diseñó la que ya es su prenda más memorable,
el esmoquin femenino. A partir de ahí ́ todo fue gloria, considerado por Brunoff como “el hombre
que dotó de poder a las mujeres”, ideó un estilo andrógino que rompió́ los esquemas de la
época. Nombrado “rey de la moda” por la revista Time, sus diseños han desfilado por los mejores
museos del mundo, tanto en vida como después de su muerte, como si de auténticas obras de
arte se tratasen. Y no es para menos porque su moda y el arte iban tan de la mano que llegaron
a confundirse en sus diseños. Desarrollo del Prêt-à-porter es una expresión francesa que
significa textualmente «Listo para llevar». Se refiere a las prendas de moda producidas en serie
con patrones que se repiten en función de la demanda; es por tanto la moda que se ve en la
calle a diario. Aun así,́ hay también un prêt-à-porter de lujo producido por numerosas firmas de
máximo prestigio, como Yves Saint Laurent y Chanel. Nació́ la década de los cincuenta y produjo
una gran revolución en la moda a nivel internacional. La Alta Costura, sin llegar a desaparecer,
fue poco a poco desplazada por el prêt-à-porter. Antaño cada casa fijaba su día de presentación,
se remitían las invitaciones y se publicaba en prensa el evento. El papel de los medios de
comunicación también ha sido esencial en este aspecto, pues tanto los diarios como la prensa
especializada y, sobre todo, la televisión se convirtieron en el canal de difusión más inmediato.