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INDICE

Tabla de contenido
INTRODUCCION ................................................................................................................................... 3
3.1. CONFORMACION DE LAS VANGUARDIAS ......................................................................... 4
3.1.1. ADOLF LOOS ............................................................................................................................. 16
3.1.2 LOS TALLERES VIENESES ............................................................................................................. 20
3.1.3 LA DEUTSCH WERKBUND ........................................................................................................... 25
3.2. ESTRATEGIAS URBANAS Y MODELOS TEÓRICOS ........................................................................... 30
3.2.1. LOS NEWS TOWNS INGLESES .................................................................................................... 42
3.3. IDENTIFICACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS FORMALES DEL ARTE .................................................. 50
3.3.1. EL CUBISMO ............................................................................................................................. 54
3.3.2 FAUVISMO ................................................................................................................................ 60
3.3.3 ABSTRACCIÓN ........................................................................................................................... 69
3.3.4. DADAÍSMO ............................................................................................................................... 73
BIBLIOGRAFIA..................................................................................................................................... 78
CONCLUSIÓN ..................................................................................................................................... 79

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 INTRODUCCION

El Protoracionalismo y las vanguardias decimonónicas representan momentos clave en la

transición hacia la modernidad en la arquitectura y el arte. Durante el siglo XIX, estos
movimientos emergieron en respuesta a los rápidos cambios sociales, económicos y tecnológicos
que transformaron las ciudades y la vida cotidiana.

El Protoracionalismo surge como una tendencia previa al racionalismo moderno, proponiendo

una arquitectura funcional y eficiente, basada en principios de orden, simplicidad y lógica. Los
arquitectos de esta corriente, influenciados por la Revolución Industrial, empezaron a rechazar los
ornamentos excesivos y a buscar una mayor integración de la técnica y la estética. Este enfoque
sentó las bases para el posterior desarrollo del racionalismo arquitectónico del siglo XX.

Por otro lado, las vanguardias decimonónicas, que florecieron a lo largo del siglo XIX,
introdujeron un espíritu de ruptura y experimentación en el arte y la arquitectura. Movimientos
como el romanticismo, el realismo y el modernismo desafiaron las normas clásicas, proponiendo
nuevas formas de expresión que capturaran las complejidades del mundo moderno. Estas
vanguardias sentaron las bases para los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el
cubismo, el futurismo y el surrealismo.

En conjunto, el Protoracionalismo y las vanguardias decimonónicas marcaron un punto de

inflexión en la historia del arte y la arquitectura, impulsando la evolución hacia una estética más
funcional, moderna y experimental.

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3.1. CONFORMACION DE LAS VANGUARDIAS

La vanguardia decimonónica es algo novedoso, experimental e innovador del

sigo XIX o relativo a el, que escapa de la tendencia dominante. Que podría
sentar las bases del desarrollo del futuro, una renovación de formas y
contenidos.
Las vanguardias artísticas y literarias se caracterizaron por ser un conjunto de
movimientos que se manifestaron en reacción a la estética impuesta a partir
del siglo XIX y a los desastres de la Primera Guerra Mundial.
El término vanguardias surge en Francia durante los años de la Primera
Guerra.
Su origen está precisamente en el vocablo francés avant-garde, término de
origen militar y político, que venía a reflejar el espíritu de lucha, de combate y
de confrontación que el nuevo arte del siglo oponía frente al llamado arte
decimonónico.
Desde el principio, el arte vanguardista adquiere una impronta provocadora
contra lo antiguo, lo naturalista o lo que se relacionara con el arte burgués.
No será causalidad que todas las primeras manifestaciones de estos
vanguardismos estén repletas de actos y gestos de impacto social, como
expresión de un profundo rechazo a la llamada cultura burguesa.

¿Qué es el vanguardismo?
El vanguardismo o avant-garde (en francés y otros idiomas) es la tendencia
artística marcada por la innovación, el rupturismo, la experimentación y en
general la ampliación de los límites de lo aceptado por una sociedad en una
determinada época. Es un término de uso mayoritario en el arte, pero
aplicable con el mismo sentido en la política, la sociología, la filosofía y otros
ámbitos.
El término vanguardismo proviene del vocablo militar vanguardia, que designa
a los soldados que llevan la delantera en la formación. La palabra original en
francés avant-garde podría traducirse como “guardia delantera”. Su utilización
en el ámbito artístico se popularizó gracias a la idea de que las nuevas formas
de arte debían combatir los modelos tradicionales decimonónicos y
academicistas, es decir, los modelos del siglo XIX, que seguían las formas
impuestas desde la Academia de Bellas Artes de París.

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El vanguardismo, aun aquel que no se ha definido bajo ese nombre, ha sido
una tendencia presente en todas las épocas y en todas las artes, aunque en
algunos períodos ha tenido un carácter mucho más consciente, claro y
definido. Así, ha sido el motor de la evolución de las formas artísticas a lo
largo de la historia.
A principios del siglo XX, surgió un conjunto de movimientos estéticos,
filosóficos y políticos conocidos como vanguardias, que procuraron llevar el
lenguaje artístico a límites desconocidos, con ideas revolucionarias y
prácticas novedosas. En ese contexto, puede hablarse de vanguardismo
como un movimiento general que dio lugar a las diferentes corrientes de la
vanguardia, entre ellas, el cubismo, el expresionismo, el dadá y el
surrealismo.
Origen del vanguardismo
El vanguardismo como movimiento surgió en el primer cuarto del siglo XX, en
medio de una época de cambios violentos en la configuración política mundial
y de desconfianza en las ideas positivistas de orden y progreso que el siglo
anterior había propuesto como modelo para la evolución humana.
La Primera Guerra Mundial arrastró a las grandes potencias coloniales de la
época a un conflicto brutal y devastador, que involucró a casi todo el planeta y
costó millones de vidas. En ese contexto, la Revolución rusa derrocó al
régimen zarista e instaló la primera república socialista de la historia (que
luego se convirtió en la Unión Soviética), lo que ofreció la idea de que había
alternativas a los modelos socioeconómicos conocidos.
La decepción respecto de las ideas positivistas se vio reforzada por la Gran
Depresión de 1929, una crisis económica mundial que perduró durante toda la
década de 1930. Esta debacle económica contribuyó al surgimiento de
modelos políticos como el fascismo y el nazismo, que condujeron más
adelante a la Segunda Guerra Mundial.
Mientras tanto, los automóviles y las nuevas tecnologías inundaban el
mercado, vaticinando una sociedad industrial nunca antes vista, capaz de
ofrecer telecomunicaciones, electrificación y vuelos cotidianos por todo el
planeta. Era una época de tensiones y esperanzas.
En el mundo artístico, había habido una primera ruptura a finales del siglo
XIX, en la que los pintores impresionistas se rebelaron contra el gusto de la
época y sembraron lo que luego se convertiría en toda una corriente estética
opuesta a las formas clásicas del arte.

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 El fauvismo (1904-1908), el cubismo (1907-1917) y el expresionismo (1910-
1933) fueron los primeros movimientos vanguardistas. Poco después, el
futurismo (1909-1944) fue el primero en publicar un manifiesto, esto es, una
declaración de intenciones artísticas y filosóficas.
Este proceso de generar colectivamente nuevas formas de arte y comunicar
sus principios a través de textos poéticos o filosóficos se volvió una tendencia
entre los nuevos movimientos. Así, aparecieron los manifiestos del
surrealismo, el dadá y otros grupos, y corrientes que proponían sus propias
formas de hacer y entender el arte.
En el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, emergieron nuevos
grupos y tendencias disidentes del rumbo que había tomado el arte. Estas
corrientes, entre las que estuvieron Fluxus, el situacionismo, el informalismo,
el tachismo y el arte povera, fueron denominadas “segundas vanguardias”.
Características del vanguardismo
El vanguardismo del siglo XX se caracterizó por los siguientes rasgos:
• Comprendió un conjunto diverso de ismos, es decir, de movimientos artísticos
específicos, dotados de un sentido, una política grupal, un conjunto de
principios estéticos y varios integrantes.
Se clasificó en dos grandes tendencias: las vanguardias históricas o primeras
vanguardias, de inicios del siglo XX, y las segundas vanguardias, posteriores
a la Segunda Guerra Mundial, que finalizaron en la década de 1970.
• Mostró una actitud provocadora, desafiante y combativa, que solía expresarse
de manera enfática en los manifiestos de cada corriente.
• Se opuso a las formas tradicionales y valoró la experimentación, la libre
expresión, la audacia, la espontaneidad, la ironía y la insolencia.
• Abrazó un sentido político del arte, a menudo en forma de crítica social, pero
también como movimiento ideológico organizado (como sucedió en la segunda
fase del surrealismo).
• Propuso nuevas metáforas, imágenes y técnicas expresivas, y exploró los
límites de lo conocido para expandir la noción de arte.
• Defendió la subjetividad, la expresión propia, la originalidad y el gesto
irrepetible como vías para llegar a otras formas de arte y de vida.

Las vanguardias se pueden dividir en dos grandes tendencias:

• Vanguardias históricas o primeras vanguardias: Se desarrollaron a principios
del siglo XX.

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• Segundas vanguardias: Se desarrollaron después de la Segunda Guerra
Mundial y finalizaron en la década de 1970.
Las vanguardias se pueden clasificar en dos posiciones básicas:
• Basadas en la razón, como el Racionalismo, el Neoplasticismo y parte del
Cubismo.
• Basadas en las emociones, como el Expresionismo, el Dadaísmo y el
Surrealismo.

Principales manifestaciones del

vanguardismo
Las vanguardias transformaron de manera definitiva la forma de entender el arte.
Vanguardias históricas (1874-1939)
Entre las corrientes del primer movimiento vanguardista, pueden mencionarse el
expresionismo, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el dadá y el surrealismo,
además de otras más específicas como el suprematismo, el ultraísmo o el
estridentismo.
Impresionismo

(1860-1910). Si bien en la mayoría de las clasificaciones de la vanguardia el

impresionismo suele dejarse afuera porque perteneció al siglo XIX, se trató del
primer movimiento artístico que se rebeló contra el gusto tradicional de la época y
se propuso representar la realidad a partir de la luz y la impresión que esta deja.
Para ello, cambió el trazo y el modo de percibir la obra, de manera tan influyente
que engendró todo un movimiento antiacademicista.
Fauvismo

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La alegría de vivir
Cuadro de Henri Matisse

(1904-1908). El fauvismo surgió en Francia y fue uno de los primeros

movimientos en romper con el academicismo, es decir, la forma de representación
artística regida por las normas clásicas. Propuso esta ruptura a través de un uso
arbitrario (no realista) de los colores, una pincelada enérgica y espontánea y una
búsqueda de intensa expresividad.
Cubismo

Retrato de Pablo Picasso

Pintura de Juan Gris

(1907-1917). El cubismo propuso un modo particular de mirar el mundo, en el que

los objetos podían verse en sus tres dimensiones al mismo tiempo. A partir de las
innovaciones pictóricas introducidas por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges
Braque (1882-1963), rompió con la perspectiva tradicional renacentista y el modo
realista de representación. Se alejó del impresionismo y su exactitud fotográfica, y
valoró la perspectiva subjetiva de las cosas.
Futurismo

Mujer futurista
Pintura de Juan Gris

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(1909-1944). El futurismo surgió a partir de las propuestas del escritor italiano
Filippo Marinetti (1876-1944). Aspiró a imitar el vértigo de la máquina, la velocidad,
la tecnología y otros aspectos industriales que, a su modo de ver, no eran
valorados en su dimensión estética. Además, influyó en el desarrollo de las
vanguardias posteriores.
Expresionismo

Blue Horse I
Pintura de Franz Marc

(1910-1933). Surgido en Alemania, el expresionismo fue un importante

movimiento artístico, sobre todo pictórico, poético y cinematográfico, que defendía
la obra como un reflejo de la realidad interior y emocional del artista, en lugar de
una réplica del mundo real. Se servía de exageraciones, deformaciones y trazos
violentos para exteriorizar el mundo interno y subjetivo.
Dadá

Premier Promenade
Man Ray

(1915-1922). El dadá fue el más radical de los movimientos de vanguardia. Nació

en la sala Cabaret Voltaire en Suiza, donde se reunían artistas refugiados de la
Segunda Guerra Mundial, y su nombre proviene de una búsqueda azarosa en el

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diccionario. Abrazó el anarquismo como alternativa a cualquier convención moral,
social, poética o estética y defendió la creación pura, libre, capaz de expresarse a
través de caminos inéditos y asombrosos. Fue una gran influencia para las
vanguardias posteriores y su legado continúa vigente.
Suprematismo

Composición suprematista
Cuadro de Kazimir Malévich

(1915-1919). El suprematismo surgió en Rusia de la mano de Kazimir Malévich

(1879-1935) y fue una exploración pictórica en busca de un lenguaje plástico
nuevo y puro. Adoptó la geometría y la abstracción como escape a la imitación de
lo real, con especial uso del blanco y el negro y de colores poco brillantes. Fue
uno de los principales movimientos del arte abstracto.
Ultraísmo

(1918-1927). El ultraísmo apareció en España tras la Primera Guerra Mundial y

fue un movimiento renovador de la escritura poética. Defendió el verso libre y la
metáfora, en contra de la anécdota y la rima. Entre sus máximos exponentes
estuvieron Vicente Huidobro (1893-1948), Guillaume Apollinaire (1880-1918) y
Jorge Luis Borges (1899-1986).
Estridentismo

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(1922-1927). El estridentismo nació en México como una mezcla de otros
movimientos de vanguardia y tuvo un espíritu literario moderno, cosmopolita,
urbano, inconforme e irreverente, que rechazaba todo lo antiguo. Su mayor
antecedente fue el futurismo, en su vertiente soviética.
Surrealismo

La persistencia de la memoria
Cuadro de Salvador Dalí

(1924-1939). El surrealismo surgió en medio de la inestabilidad del período de

entreguerras, de la mano del poeta francés André Bretón (1896-1966), y pronto
pasó a la pintura. Cada disciplina intentaba explorar a su manera no la realidad
visible, sino la onírica: aquella a la que solo puede accederse en sueños o
mediante mecanismos inconscientes. Por eso se valoraron los métodos de
creación involuntarios o no conscientes, como la escritura automática o el cadáver
exquisito. Se cultivó en las letras, el cine, la pintura y la escultura.
Segundas vanguardias (1945-1970)
Los movimientos de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX se denominan
“segundas vanguardias”. A este grupo pertenecen corrientes como el informalismo
(que dio lugar al tachismo e influyó en el posterior expresionismo abstracto), el
arte povera y Fluxus, entre otros.
Informalismo

Blaufeuer, 1964
Ernst Wilhelm Nay
(1945-1960). El informalismo fue un movimiento amplio y diverso de corrientes
gestuales y abstractas de Austria, Francia, España, Italia, Alemania y Suiza. Se
expandió a América, especialmente a Estados Unidos y Argentina.

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Tachismo

The Blue Phantom

Pintura

(1940-1950). El tachismo perteneció al informalismo. Se trató de un tipo de

pintura abstracta realizada en base a manchas (su nombre proviene del francés
tache: “mancha”) y surgió como reacción al cubismo. Empleaba garabatos, trazos
gruesos y desordenados, y tuvo vínculos con el expresionismo abstracto
estadounidense.
Arte povera

Venus de los trapos

Michelangelo Pistoletto
(c. 1960-1977). El término arte povera proviene del italiano y significa “arte
pobre”. Fue bautizado así por el crítico Germano Celant (1940-2020), debido a que
sus artistas empleaban materiales humildes, no industriales, como grasa, cuerdas,
sacos de lona, tierra, troncos y otros similares. El resultado eran obras que se
deterioraban rápidamente por la descomposición de sus elementos.
Fluxus

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(1958-1966). Fluxus fue un movimiento artístico internacional que se caracterizó
por utilizar el juego y la experimentación. Proponía la libertad creativa total y la
integración del arte y la vida a través de acciones y objetos accesibles, efímeros y
participativos. Fue fundado por George Maciunas (1931-1978) y tuvo entre sus
filas a artistas como Yoko Ono (1933-) y Joseph Beuys (1921-1986). Ha tenido una
gran influencia en el arte contemporáneo.

Hay varios movimientos artísticos vanguardistas del siglo XX, entre los que se
encuentran: Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Futurismo,
Dadaísmo, Ultraísmo, Surrealismo.
IMPRESIONISMO

El impresionismo es un movimiento artístico que surgió en Francia en la

segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por:
• Experimentación con la luz
Los impresionistas buscaban captar los efectos momentáneos de la luz sobre los
colores y las formas.
• Uso de colores brillantes
Los impresionistas utilizaban colores puros directamente en el lienzo, sin mezclas,
sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios.
• Pintura al aire libre
Los impresionistas pintaban a menudo al aire libre, reflejando la naturaleza y los
paisajes.
• Manejo libre de la pincelada
Los impresionistas aprendieron a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin
tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas.

EXPRESIONISMO

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Movimiento artístico y literario surgido en Alemania a principios del siglo XX y que,
como reacción al impresionismo, propugna la expresión de las emociones frente a
la plasmación de la realidad o de la impresión que esta provoca.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para
expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a
la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y
espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de
diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o
Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben
«expresionismo» –en minúsculas– como término genérico y «Expresionismo» –en
mayúsculas– para el movimiento alemán.
El expresionismo forma parte de las llamadas “vanguardias históricas”, es decir,
las producidas desde los primeros años del siglo XX, en el ambiente previo a la
Primera Guerra Mundial, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (1945).
SURREALISMO
El surrealismo fue un importante movimiento artístico surgido en Francia a finales
de la década de 1910, que se proponía explorar de forma artística la mente
humana y la dinámica de los sueños. Surgió a partir de la herencia del dadá y
del impulso del escritor André Bretón (1896-1966), considerado su fundador y
principal exponente. Tuvo una amplia expansión y presencia en todas las artes.

Características del surrealismo

Exploraba el inconsciente
El surrealismo aspiraba a romper las barreras de la mente consciente y se
inclinaba por eso que Sigmund Freud denominó inconsciente. Para eso, los
artistas practicaban la escritura y pintura automática (sin pensar), o reproducían el
ambiente de los sueños mediante relaciones, proporciones e invenciones difíciles
de expresar con el lenguaje común.
Aspiraba a la libertad total

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El surrealismo buscaba abandonar las reglas de la lógica convencional para
acceder a un estado de absoluta imaginación y libertad creativa. Explorando los
sueños, los deseos reprimidos y los miedos más íntimos, los surrealistas
buscaban trascender las normas del arte y la sociedad, y crear nuevas maneras
de expresarse.
Entendía la creación como una expresión colectiva
Entre las creaciones de los surrealistas están los juegos creativos en los que
varios autores se combinan para componer una obra, sin acordar previamente su
sentido.
Esta forma de expresión resume de alguna manera el espíritu del surrealismo, que
heredó del dadá, especialmente de Tristan Tzara (1896-1963) la idea de que la
creación es grupal, espontánea, intuitiva, lúdica y preferiblemente automática.
Autores y representantes del vanguardismo
Marcel Duchamp revolucionó el concepto de obra de arte.
[Duchamp, M. (1917). Fountain].
Algunos representantes de los movimientos vanguardistas son:
Claude Monet (1840-1926). Fue un pintor francés, cofundador del impresionismo.
Su obra Impresión, sol naciente, de 1872, dio nombre al movimiento.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Fue un gran pintor impresionista. Sus obras
son más sensuales y ornamentadas que las de otros impresionistas, con una
paleta luminosa y una visión optimista de la realidad.
Edvard Munch (1863-1944). Fue un pintor y grabador de origen noruego,
considerado precursor del expresionismo. Sus obras exploran temas como la
angustia, las pasiones, la muerte y la soledad.
Pablo Picasso (1881-1973). Fue un pintor y escultor español que, junto con
Georges Braque (1882-1963), creó el cubismo. Es considerado uno de los
mayores artistas del siglo XX y su obra ha influido en el arte de todo el mundo.
Guillaume Apollinaire (1880-1918). Fue un poeta, novelista y ensayista francés,
célebre por su poesía caligramática, que buscaba generar nuevos sentidos
mediante la tipografía y la distribución del texto en la página. Fue el primero en
emplear el término surrealismo en 1917, como subtítulo de una de sus obras de
teatro.
Marcel Duchamp (1887-1968). Fue un artista francés, considerado el precursor
del arte contemporáneo. Es conocido por sus ready-mades, objetos comunes
presentados en un medio artístico. Cuestionó y transformó los códigos del arte y
su legado fue determinante en la historia.

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Fritz Lang (1890-1976). Fue un cineasta austríaco que desarrolló su obra en
Alemania y Estados Unidos. Se considera uno de los grandes exponentes del
expresionismo cinematográfico. Tras emigrar a Estados Unidos e incorporarse a
Hollywood, su carrera dio un vuelco al cine negro.
Tristan Tzara (1896-1963). Fue un poeta y ensayista rumano de origen judío,
cofundador del dadá y uno de sus máximos exponentes. Escribió en 1927 los
Siete manifiestos Dadá. Es uno de los grandes artistas vanguardistas del siglo XX.
André Bretón (1896-1966). Fue un poeta y ensayista, padre del surrealismo y uno
de sus mayores exponentes. Antes de su ruptura con Tristan Tzara, formó parte
del dadá.
Luis Buñuel (1900-1983). Fue un director de cine español, cuya obra fue
mayormente producida en México y Francia debido a la censura franquista en su
país. Fue cultor del surrealismo y colaborador de Salvador Dalí. Es considerado
uno de los directores de cine más importantes de la historia.
Salvador Dalí (1904-1989). Fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y
escritor español, considerado uno de los más grandes surrealistas. Sus obras son
célebres en el mundo entero por sus escenarios oníricos y distorsionados.
Colaboró con realizadores de cine como Alfred Hitchcock y Walt Disney.

3.1.1. ADOLF LOOS

Adolf Loos Fue una figura carismática, un revolucionario. Alguien que puso patas
arriba las bases estéticas de la sociedad vienesa de principios del siglo xx. En
contra del ornamento, del historicismo y del interior burgués, Adolf Loos introdujo
el principio de racionalidad en la arquitectura y creó una nueva distribución de los
espacios para preservar la privacidad y la intimidad.
Loos fue el inventor del Raumplan,la técnica por la que se seccionan los espacios
interiores a distintas alturas dependiendo de su uso. Aplicó antes que nadie el
minimalismo, el racionalismo, el espacio cúbico y el juego de líneas vertical y

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horizontal en ventanas, cornisas y terrazas. Sin Loos, no se comprendería el
racionalismo y el funcionalismo de la Bauhaus.
El viaje que Adolf Loos realizó a Chicago en 1893 lo cambiaría todo. Lejos de su
Viena natal, descubrió una arquitectura que conectaba con su filosofía. Pero
cuando volvió a su ciudad y empezó a aplicar lo que había visto en EE.UU., no
recibió precisamente una buena acogida. El edificio que le encargó la firma de
sastrería Goldman & Salatsch en la Michaelplatz, en pleno centro de la capital
austríaca, levantó un gran revuelo. Nadie entendía aquel “edificio inacabado” y
hasta el propio ayuntamiento obligó a suspender las obras porque lo consideraba
una aberración. Otto Wagner puso cartas en el asunto y aconsejó a su amigo
poner unas jardineras en la fachada para que se viera más vestida. Hoy es uno de
los edificios más emblemáticos de Viena.
Pero la labor de Loos no se acaba en la arquitectura, sino que va más allá, hasta
el interior de las casas, con aportaciones que cambiarían la historia del diseño.
Consideraba el mueble un objeto funcional y práctico que había que adaptar a la
vida moderna. Una de las frases más célebres del genio en este sentido es: “De
las diferentes asas ornamentadas de nuestras vasijas hemos obtenido, en el
transcurso de los últimos decenios, callos renacentistas, barrocos y rococós”.
La evolución de la cultura era, según él, proporcional a la desaparición del
ornamento en los objetos utilitarios. Sin pelos en la lengua, no dudó en expresar
públicamente sus teorías y en dejarlas impresas en escritos como Das Andere u
Ornamento y Delito, esencial para comprender su visión progresista y brújula para
futuros arquitectos. Llevó la racionalidad y la falta de ornamentos hasta sus
últimas consecuencias. Hasta quiso que su epitafio fuera: “Adolf Loos: Liberó a la
humanidad de trabajos inútiles”.

El Protorracionalismo de Adolf Loos

La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en
contra de la ornamentación de la arquitectura. Esta de ser según él, útil y sus
formas y volúmenes han de estar en relación con el ser humano. Arquitecto cuya
apuesta por las edificaciones cúbicas y sin ornamentos inició una renovación
radical de la arquitectura.
Fue el principal exponente de este estilo.

LAS CARACTERISTICAS DE SU ARQUITECTURA:

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• Ausencia de ornamento en el exterior.
• Fachadas discretas, mínimas y casi austeras.
• Los interiores opulentos, creadores de atmósferas y realizados con materiales
valiosos.
• Materiales predominantes: mármol, madera, latón, mosaicos dorados, cristal y
ladrillo.
• Conformación de una arquitectura autónoma y pura.
• Tendencia de demostrar la independencia de la arquitectura de las otras
formas de arte figurativo, señalando las propiedades figurativas de la
naturaleza de los materiales.

INTERIORES

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FACHADAS

Loos intentó la conformación de una arquitectura autónoma y pura. Permanece en

la historia de la arquitectura como ejemplo de rigor y coherencia, tanto a nivel
teórico como decorativo. Su carácter emblemático tiene una repercusión notable
en el Movimiento Moderno. Sus obras más famosas, la Villa Karma, de 1904-1906,
la casa Steiner, representan casi toda una demostración de dos principios
fundamentales: La lucha contra toda forma de decoración para llevar a la práctica
una economía definida como la naturaleza estética y una aversión social al
derroche. La tendencia a demostrar la independencia de la arquitectura de las

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otras formas de arte figurativo, señalando las propiedades figurativas de la
naturaleza de los materiales. En cuanto al interior, Loos funda el proyecto en un
principio de economía y de proporción, que parte de la consideración de que los
espacios de planta grande requieren una altura mayor que los locales contiguos
con dimensiones pequeñas. No es posible cubrir con un solo techo espacios de
alturas diferentes. Así, Loos encaja los ambientes uno sobre otro con distintas
cotas, hasta que el conjunto de los espacios internos encuentra su conclusión bajo
un techo plano unitario. Lleva a cabo de esta manera una economía espacial
notable. La obra de Loos resulta la más paradigmática del protorracionalismo. Sin
embargo, su obra no consigue sustraerse del neoclasicismo. Mas ligadas a la
tradición nacional, en este caso la francesa, están las obras de Perret y Garnier.
Tras ellos está la arquitectura de los ingenieros del siglo XIX, la invención y el
perfeccionamiento del hormigón armado producto de la investigación francesa.

3.1.2 LOS TALLERES VIENESES

1. Introducción
Los Talleres Vieneses, o Wiener Werkstätte, fueron una de las asociaciones
artísticas más influyentes del siglo XX, fundada en Viena en 1903. Su impacto se
siente no solo en la historia del diseño y la arquitectura, sino también en el
desarrollo del modernismo en Europa. El propósito de los talleres fue fusionar arte
y funcionalidad, o lo que se conoció como el concepto de Gesamtkunstwerk (obra
de arte total), donde todas las artes se integraban en un solo proyecto. En esta
investigación se analizarán los orígenes, personajes clave, características, y el
legado de este movimiento.

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2. Orígenes y Fundadores
El contexto de la fundación de la Wiener Werkstätte está vinculado a la Secesión
de Viena, un movimiento que rompía con el academicismo clásico en favor de
nuevas formas de arte más funcionales y simplificadas. Josef Hoffmann, un
arquitecto modernista, y Koloman Moser, un destacado diseñador gráfico y pintor,
fundaron la Wiener Werkstätte con la financiación del empresario Fritz Wärndorfer.
Estos tres personajes se comprometieron a romper con el estilo historicista de la
época, promoviendo un diseño que abogara por la elegancia, simplicidad y calidad
artesanal.
3. Filosofía y Objetivos
El objetivo principal de los talleres era integrar el arte en la vida cotidiana, lo que
significaba que todos los objetos, desde muebles hasta joyería, debían tener tanto
una función práctica como un valor estético. A diferencia de la producción en masa
que caracterizaba la Revolución Industrial, los talleres se enfocaban en la
producción artesanal. Esto resultaba en productos de alta calidad, aunque a
menudo con precios elevados, lo que limitaba su accesibilidad a una clase
privilegiada.

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4. Características del Movimiento
Entre las características más destacadas de los talleres vieneses se incluyen:
• Simplicidad en el diseño: Rechazaron los ornamentos excesivos del estilo
art nouveau en favor de formas limpias y funcionales.
• Calidad artesanal: En lugar de la producción industrial, cada pieza era
hecha a mano con gran atención al detalle.
• Uso de materiales nobles: Los objetos eran fabricados con materiales de
alta calidad, como maderas finas, metales preciosos y textiles exclusivos.
• Diseño total: Buscaban aplicar el principio de la obra de arte total a todos
los aspectos de la vida cotidiana, desde el mobiliario de una casa hasta los
utensilios más pequeños.

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5. Principales Obras y Diseños
Algunas de las obras más icónicas de los Wiener Werkstätte incluyen el diseño del
Palacio Stoclet en Bruselas, una lujosa residencia que es un ejemplo del ideal de
Gesamtkunstwerk. Este palacio, diseñado por Josef Hoffmann, integraba todas las
formas de arte, desde la arquitectura hasta los mosaicos y el mobiliario, en una
obra cohesiva y extraordinaria.
Además, los talleres crearon una variedad de productos, como joyas, muebles,
ropa, y objetos de uso diario. Su diseño de textiles y estampados, a menudo
geométricos y minimalistas, influyó notablemente en la moda y el diseño de
interiores de la época.

6. Personajes Clave
Josef Hoffmann: Fue el arquitecto detrás de muchos de los proyectos más
importantes de los talleres. Su enfoque en la simplicidad y el orden en el diseño
influyó en todo el movimiento modernista.
Koloman Moser: Como diseñador gráfico y artista, Moser tuvo un papel crucial en
el desarrollo de la estética visual de los talleres, incluyendo los motivos
geométricos característicos.
Fritz Wärndorfer: Aunque no era un artista, su apoyo financiero fue clave para que
los talleres pudieran iniciar y crecer, facilitando el acceso a materiales y la
expansión internacional.
7. Influencia en Movimientos Posteriores
El impacto de la Wiener Werkstätte no se limitó a Viena o al contexto de su tiempo.
Su influencia se extendió a otros movimientos modernos como la Bauhaus y el
Estilo Internacional. Al igual que la Wiener Werkstätte, la Bauhaus promovió la
integración del arte, la arquitectura y el diseño industrial, aunque con un enfoque
más funcional y menos artesanal. La idea de combinar diseño y funcionalidad de
forma armónica fue fundamental en la evolución del diseño industrial durante el
siglo XX.

23
8. Expansión y Quiebra

A pesar de sus ideales y su éxito artístico, la Wiener Werkstätte enfrentó

problemas financieros casi desde sus inicios. Los productos de alta calidad y
artesanales que fabricaban eran costosos de producir, lo que hacía difícil competir
en un mercado cada vez más industrializado. Aunque intentaron expandirse
internacionalmente, abriendo tiendas en Nueva York, Berlín y Zúrich, estos
esfuerzos no fueron suficientes para salvar la empresa de la quiebra, que
finalmente se declaró en 1926, disolviéndose por completo en 1932.

9. Legado y Relevancia Actual

A pesar de su disolución, el legado de los Wiener Werkstätte sigue siendo fuerte
en el diseño contemporáneo. Su énfasis en la calidad artesanal y el diseño
funcional ha sido adoptado por numerosas corrientes de diseño moderno.

24
Además, muchos de sus principios continúan influyendo en diseñadores que
buscan crear objetos que combinen estética y utilidad. Exposiciones y colecciones
de museos en todo el mundo mantienen viva la memoria de este influyente
colectivo.

10. Conclusión
Los Wiener Werkstätte marcaron un punto de inflexión en la historia del diseño y la
arquitectura, desafiando los paradigmas industriales y proponiendo una fusión de
arte y funcionalidad que sigue siendo relevante hoy. A través de su obra, Josef
Hoffmann, Koloman Moser y otros artistas asociados transformaron no solo la
estética de la Viena de principios del siglo XX, sino también el futuro del diseño
moderno, dejando un legado que perdura en la actualidad.

3.1.3 LA DEUTSCH WERKBUND

1. Introducción
El Deutscher Werkbund (Federación Alemana de Talleres) fue un movimiento
fundado en 1907 en Múnich que influyó de manera crucial en el desarrollo del

25
diseño industrial y la arquitectura moderna. Este colectivo se enfocó en la
colaboración entre diseñadores, arquitectos, y fabricantes, con el objetivo de
mejorar la calidad de los productos industriales, fusionando arte y tecnología. La
Werkbund fue fundamental en la transición hacia el modernismo en Europa y tuvo
un impacto directo en movimientos posteriores como la Bauhaus y el Estilo
Internacional.
2. Contexto Histórico
A comienzos del siglo XX, Alemania, como el resto de Europa, vivía una etapa de
acelerada industrialización. Los productos manufacturados se producían en masa
para satisfacer la creciente demanda de las clases trabajadoras urbanas, pero a
menudo carecían de calidad estética y funcional. La Werkbund se originó en este
contexto con el objetivo de elevar la calidad del diseño industrial, integrando arte y
funcionalidad en los productos cotidianos. Este enfoque representaba una
reacción al creciente interés por la estandarización en el diseño, en contraposición
a la individualidad artística del Art Nouveau o el Arts and Crafts británico.
3. Propósito y Filosofía
El principal propósito de la Deutscher Werkbund era mejorar la calidad estética y
funcional de los productos industriales. Esto se lograba mediante la colaboración
directa entre artistas, diseñadores y fabricantes, promoviendo una producción en
serie más refinada y estandarizada. La Werkbund también defendía que el diseño
industrial debía responder a las necesidades prácticas de la vida moderna, pero
sin renunciar a los valores artísticos. De este modo, promovieron una síntesis
entre arte, diseño y funcionalidad.
El Werkbund fue pionero en la idea de que el diseño no debería ser solo un
ejercicio estético, sino una herramienta para mejorar la vida cotidiana. Este
enfoque fue uno de los pilares fundamentales del modernismo, que influyó
posteriormente en movimientos como la Bauhaus.

26
4. Principales Características
4.1 Estética funcional El Werkbund favorecía un enfoque racional y funcional en el
diseño de objetos, evitando los excesos decorativos característicos de los estilos
anteriores. Se centraron en la simplicidad de las formas y la utilidad práctica,
aspectos que también serían abrazados por la Bauhaus.
4.2 Estandarización Uno de los debates internos más significativos del Werkbund
giró en torno a la estandarización de los productos. Hermann Muthesius, uno de
sus líderes, defendía la idea de que la estandarización permitiría producir objetos
de alta calidad a menor costo, facilitando su acceso a las masas. En contraste,
otros miembros como Henry van de Velde abogaban por una mayor libertad
artística y individualidad en los diseños.
4.3 Colaboración entre arte e industria El Werkbund creía que la cooperación entre
artistas y fabricantes era esencial para lograr un diseño eficiente. Se centraban en
la idea de que los productos industrializados no debían carecer de valor estético,
sino que la industria y la técnica podían coexistir con la belleza.
5. Personajes Clave
5.1 Hermann Muthesius Muthesius fue uno de los fundadores y el principal teórico
del Werkbund. Su visión se enfocaba en la estandarización y la racionalización del
diseño para hacerlo más accesible y funcional. Influenciado por el movimiento
británico Arts and Crafts, Muthesius creía que los objetos cotidianos podían ser
bellos y prácticos al mismo tiempo. Él sostenía que la estandarización permitiría
que los productos se produjeran en masa sin perder calidad.
5.2 Henry van de Velde Van de Velde fue otro influyente diseñador y arquitecto en
el Werkbund, aunque sus ideas diferían de Muthesius en ciertos aspectos.
Defendía que el diseño no debía estar limitado por la estandarización, sino que
debía dar espacio a la expresión artística individual. A pesar de sus diferencias,
tanto Van de Velde como Muthesius compartían la convicción de que el arte y la
industria podían fusionarse para crear un mejor entorno construido.
5.3 Peter Behrens Uno de los miembros más influyentes del Werkbund fue Peter
Behrens, conocido por su trabajo con la compañía eléctrica AEG, donde se
encargó del diseño de productos, edificios y hasta del logotipo de la empresa. Se
le considera uno de los primeros diseñadores industriales de la historia, y su
trabajo con AEG es un ejemplo perfecto de la integración entre arte e industria,
principios clave de la Werkbund.

27
6. Obras y Proyectos Destacados
Uno de los proyectos más importantes del Werkbund fue la Exposición de Colonia
de 1914, que mostró sus ideales de diseño en un formato práctico. En esta
exposición, se presentaron diversos productos diseñados bajo los principios del
Werkbund, desde mobiliario hasta arquitectura. Aunque la exposición fue un éxito,
también evidenció las tensiones internas en el movimiento, sobre todo en el
debate sobre la estandarización y la individualidad en el diseño.
Otro proyecto emblemático fue la Fábrica de Turbinas de AEG en Berlín, diseñada
por Peter Behrens en 1909. Este edificio es considerado un hito en la historia de la
arquitectura industrial moderna, ya que integra elementos funcionales con un
diseño estético innovador.

28
7. Influencia en la Bauhaus
La Werkbund fue uno de los antecedentes más directos de la Bauhaus, fundada
en 1919. Walter Gropius, fundador de la Bauhaus, estuvo estrechamente
vinculado a la Werkbund, y muchos de los principios que se desarrollaron en la
Bauhaus, como la integración de arte, diseño y tecnología, ya estaban presentes
en la Werkbund. La Bauhaus llevaría estos ideales aún más lejos, proponiendo un
enfoque radicalmente funcionalista que influiría en el diseño y la arquitectura de
todo el siglo XX.
8. Legado
El impacto del Deutscher Werkbund fue enorme y se extendió mucho más allá de
Alemania. Sentó las bases del diseño industrial moderno y contribuyó a
transformar la relación entre arte e industria. El Werkbund ayudó a crear un nuevo
paradigma en el que los productos manufacturados podían ser tanto funcionales
como estéticamente agradables, un ideal que todavía guía el diseño
contemporáneo.
Aunque el Werkbund se disolvió durante la Segunda Guerra Mundial, sus
principios resurgieron en el diseño de la posguerra y siguen influyendo en la forma
en que concebimos el diseño de productos industriales hoy en día.

9. Conclusión
El Deutscher Werkbund fue una de las iniciativas más influyentes del diseño y la
arquitectura del siglo XX. Al promover la estandarización y la colaboración entre
artistas e industria, este movimiento no solo mejoró la calidad de los productos

29
industriales, sino que también transformó la forma en que los diseñadores y
arquitectos pensaban sobre el papel del arte en la sociedad moderna. Su legado
sigue siendo visible en movimientos contemporáneos y en la importancia que hoy
se otorga a la funcionalidad y la estética en el diseño.

3.2. ESTRATEGIAS URBANAS Y MODELOS TEÓRICOS

¿Por qué es importante definir estrategias?
Las ciudades, en definitiva, se ven en la exigencia de definir una estrategia de
cualificación de sus recursos humanos, infraestructurales y de servicios, para
adquirir la suficiente singularidad y notoriedad en los diferentes subsistemas de
ciudades a los que pertenecen o se inscriben, y conseguir la suficiente
competitividad y capacidad de proyección para atraer nuevos flujos o aumentar su
capacidad de dirección y organización de los mismos.
Falansterio
Fue una comunidad de producción, consumo y residencia teorizada por el
socialista utópico francés Charles Fourier como base de su sistema social
igualitarista.
Se fundaban en la idea de que cada individuo trabajaría de acuerdo con sus
pasiones y no existiría un concepto abstracto y artificial de propiedad, privada o
común.
Descripción de los procesos PEU
La definición de un proyecto de ciudad que unifica diagnósticos, concreta
actuaciones públicas y privadas y establece un marco coherente de movilización y
de cooperación de los actores sociales urbanos.
El proceso participativo es prioritario respecto a la definición de contenidos, puesto
que de este proceso dependerá la viabilidad de los objetivos y actuaciones que se
propongan.
Ventajas de utilizar un Plan Estratégico
• 1. La identificación de una estrategia consistente con capacidad de dar un
mayor protagonismo a la ciudad para encaminar su desarrollo económico y social.
• 2. El desarrollo de la cooperación pública y privada entre los principales
actores urbanos y su compromiso para desarrollar la estrategia en la medida de
sus responsabilidades y competencias.

30
• 3. El establecimiento de un importante proceso de participación ciudadana
capaz de difundir una cultura de ciudad, de sus retos, de sus oportunidades, que
facilite la colaboración ciudadana en el “hacer ciudad”.
Ciudad Jardín
La Garden City Association promovió la fundación de la primera ciudad jardín en
Letchworth, a 55 km al norte de Londres, en un terreno de poco más de 1860 ha y
para una población de 33 000 habitantes. Otro proyecto de ciudad jardín se inició
en 1919, en Welwyn Garden City, cercana a otra ciudad llamada simplemente
Welwyn, al norte de Londres, en 1970 su población era de aproximadamente 45
000 habitantes.
El movimiento urbanístico de las ciudades jardín fue fundado por Sir Ebenezer
Howard, un camino pacífico a la Real Reforma, cuya versión corregida y completa
apareció en 1902 con el nombre de Ciudades Jardín del mañana.
Una ciudad jardín es una zona urbana diseñada para una vida saludable y de
trabajo; tendrá un tamaño que haga posible una vida social a plenitud, no debe ser
muy grande, su crecimiento será controlado y habrá un límite de población. Estará
rodeada por un cinturón vegetal y comunidades rurales en proporción de 3 a 1
respecto a la superficie urbanizada.
Las primeras tentativas de modernización:
Ciudad Industrial
La Ciudad Industrial, fue el proyecto social y urbanistas más importante de Tony
Garnier, se presentó en 1901 y no fue bien recibido por los grupos conservadores.
la Ciudad Industrial se planteó como un nuevo modo de vida, era un nuevo
concepto de ciudad socialista en la cual no eran necesarias ni cárceles, ni
cuarteles, ni tribunales, ni murallas.
En 1608, el rey Enrique IV hizo abrir una nueva vía que debía unir el Pont Neuf
con la puerta de Buci, en las murallas de Philip Augustus, y con el bourg Saint-
Germain.
Esta es la rue Dauphine. Aunque el carácter de la operación no fue totalmente
público y pasó a través de los jardines, la rue Dauphine fue la primera calle recta y
moderna de París. Durante el siglo XVII, las avenidas plantadas construidas por el
poder real en las afueras de la ciudad difícilmente se podrían considerar como
urbanas. La única apertura real fue la rue du Roule abierta en 1689 y que
conectaba el Pont Neuf con Les Halles.
Le caracterizaban la utilización:
• Funcional del hormigón

31
• Los amplios ventanales
• Los inmuebles integrados en zonas ajardinadas
• Las terrazas-jardín
• Así como una atenta mirada a la luz, la vegetación, la ventilación y la
higiene.
• Su deseo era el de construir un mundo donde la humanidad, la naturaleza y
los objetos convivieran en completa armonía.
La idea de este proyecto, que supondrá un avance en el planeamiento urbanístico
moderno, atiende a las principales funciones de la ciudad: la producción, las
viviendas y la sanidad en cuanto a la organización de la ciudad se refiere.
Se define como un espacio público y organizado donde sus 35000 habitantes se
pueden acomodar y aboga por un uso de ladrillos y hormigón para edificios y la
introducción del cristal en las cubiertas.
Tiene en cuenta:
- una exhaustiva distribución de las áreas de trabajo y viviendas
- una separación entre industrias limpias y aquellas con más riesgo
- proporcionar zonas verdes que puedan controlar los gases nocivos.
MODELOS TEÓRICOS
La planta de las calles en la Ile de la Cité y en el quartier des Arcis, entre el Louvre
y el Hôtel de Ville, había cambiado poco desde la Edad Media. La densidad de
población en estos barrios era extremadamente alta en comparación con el resto
de París. En el barrio de los Campos Elíseos, la densidad de la población se
estimaba en 5.380 hab./km²; en los barrios de Arcis y de Saint-Avoye, en el actual
III Distrito, había un residente por cada tres metros cuadrados
El Plan Haussman en París
Durante la primera mitad del XIX, como la otra gran metrópoli europea (Londres),
París había crecido de una forma intensa gracias a la revolución industrial.
Cubrió todos los dominios del urbanismo, tanto en el corazón de París, como en
los barrios periféricos: calles y bulevares, reglamentación de las fachadas,
espacios verdes, mobiliario urbano, redes de alcantarillado y abastecimiento de
agua, equipamientos y monumentos públicos.
Sistema Haussmannio
El Estado expropiaba a los propietarios de los terrenos concernidos por los planos
de renovación. Luego demolía los inmuebles y construía los nuevos ejes con todos

32
sus equipamientos urbanos (agua, gas, desagües). Haussmann, contrariamente a
Rambuteau, recurrió a los préstamos masivos para encontrar el dinero necesario
para estas operaciones, de 50 a 80 millones de francos al año. A partir de 1858, la
Caja de los trabajos de París fue la herramienta preferida para la financiación.
El Estado recuperaba el dinero prestado revendiendo el nuevo terreno en forma de
lotes individuales a promotores que debían construir los nuevos edificios de
acuerdo con un pliego de condiciones preciso. Este sistema permitió dedicar cada
año a los trabajos una suma dos veces más elevada que el propio presupuesto
municipal.
Propuestas Socialistas Utópicos
Los representantes más destacados del primer socialismo son Robert Owen en
Inglaterra, y Henri de Saint-Simon, Charles Fourier, Flora Tristan y Étienne Cabet
en Francia. También se pueden incluir las corrientes insurreccionalistas de Graco
Babeuf, Filippo Buonarroti y los neobabuvistas y de Auguste Blanqui.
Surgió ante la situación desesperada que se encontraba la clase trabajadora o
proletaria durante el periodo de la Revolución Industrial. Los pensadores de la
época buscaron un modelo económico diferente, un sistema más justo. Fue dado
el nombre de Socialismo Utópico a la teoría de los principales pensadores del
sistema económico socialista.
Henri de Saint-Simon
Charles Fourier
No desarrolló una idea de mundo perfecto en el futuro, sino que sometió a la
sociedad surgida de la revolución francesa a una crítica radical. En ese marco,
entendía que todo lo que hicieran los gobiernos debía tender a mejorar la situación
moral y material de los que trabajaban, y terminar con los dos flagelos que
seguían azotando al mundo: la pobreza y las guerras. Para ello, debía desplazarse
a los sectores improductivos y los productivos debían dirigir los destinos de la
nación, ejerciendo cada vez menos gobierno (entendido como despotismo) y más
administración.
Desarrolló durante la década de 1820 su propuesta de crear establecimientos
agrario-industriales que convocaran a unas 1.600 personas, alojadas en un edificio
especialmente diseñado al efecto, que trabajarían las tierras circundantes y
compartirían las ganancias de las ventas. La comunidad garantizaría los servicios
generales y todos trabajarían, incluso los niños, pero el trabajo no sería penoso
sino atractivo.
Robert Owen

33
Comenzó siendo un reformador del trabajo industrial, pues en la misma fábrica
donde él era dueño implementó medidas de beneficio para el obrero, como la
supresión de las labores penosas y mantenimiento del salario en épocas de
reducción de ventas.

Étienne Cabet
Recibió la influencia de Robert Owen durante su exilio en Inglaterra. Regresado a
Francia, predicó un comunismo pacifista, democrático y proclive a la construcción
de colonias de propiedad común. En la insistencia en la educación y la moral se
nota la influencia de Owen.
Su novela utópica Viaje a Icaria (1842) fue muy bien acogida en su tiempo y
popularizó fuera de Francia la idea de construcción de colonias igualitarias.
En 1848, después de una campaña de reclutamiento de icarianos que abarcó toda
Francia y varios países de Europa, partió a América, donde colaboró en diversos
emprendimientos sucesivos de colonias agrícolas comunitarias, que fracasaron
por diversos motivos.
Planificación Estratégica Urbana
Mediante los procesos de planificación estratégica urbana (PEU) se desea, en
general, clarificar el modelo de ciudad deseado y avanzar en su consecución,
coordinando los esfuerzos públicos y privados, canalizando las energías,
adaptándose a las nuevas circunstancias y mejorando las condiciones de vida de
los ciudadanos.
¿Qué es una Estrategia urbana?
Fases Básicas
Una estrategia urbana se basa, en primer lugar, en una visión hacia el futuro y
define el marco técnico, legislativo, financiero y social dentro del cual se
desarrollarán acciones concretas.
• A partir del diagnóstico y teniendo en cuenta sus antecedentes y sus
conclusiones, las fortalezas y las debilidades, se pasa a elaborar escenarios
fundándose en el ejercicio de ejercitar la imaginación y el rigor, realizando tareas
de prospectiva, elaborando alternativas futuras posibles.
• Reformulados los grupos de trabajo, compuestos principalmente por
personas con capacidad de decisión y por implantadores, se trata por separado
cada tema crítico y cada línea de actuación, elaborando una relación
pormenorizada de proyectos necesarios y/o convenientes.

34
• Una vez consolidados los resultados, se dispondrá de una serie de
proyectos estratégicos priorizados a partir de los cuales se efectuará una
selección y se pasará a elaborar un plan de acción que contemple agentes
involucrados, tiempos y recursos.
• La aplicación de una serie de innovaciones técnicas (que sustituyeron el
trabajo manual por la maquina y la energía humana) aumento considerablemente
la capacidad de obtención y transformación de materias primas y de fabricaron de
toda clase de productos a menor coste y se implanto un nuevo sistema de
producción, la fábrica, responsable de los grandes flujos migratorios del campo a
la ciudad.
• La revolución Industrial tuvo el efecto de atraer a más y más perdonas del
campo al corazón de la ciudad en busca de trabajo. Esta dramática
superpoblación y el crecimiento urbano irrestricto llevaron a la vivienda de los
barrios marginales, a la suciedad, a la enfermedad y a la falta de espacios verdes
comunales dentro del paisaje de la ciudad
La ciudad industrial de Tony Garnier
Tony Garnier
Revolución industrial
• Aficionado con las formas antiguas cuya influencia es perceptible en toda su
obra.
• su deseo era construir un mundo donde la humanidad, la naturaleza y los
objetos convivieran en plena armonía
• Una de sus grandes obras fue la denominada "ciudad Industrial" en la que
Garnier volcó todos sus empeños para mejorar la convivencia humana y el
bienestar, y supondría una gran influencia para los que posteriormente decidieran
dar solución a la distribución de las ciudades.
• la construcción de Garnier es, a pesar de su utilización del hormigón,
menos audaces que sus dibujos, y el rigor de su estadio o de sus casas con atrio
refleja su nostalgia por la antigüedad.
• Es el proceso de evolución que conduce a una sociedad desde una
economía agrícola tradicional hasta otra caracterizada por procesos de producción
mecanizados para fabricar bienes a gran escala.
• El desarrollo basado en el trabajo manual se reemplazó por la industria y la
manufactura, y trajo consigo una serie de beneficios y perjuicios.
• Inicio en Inglaterra a finales del siglo XVIII y se extiende aprox. a 1850
cuando prácticamente toda la industria adopto máquinas de vapor

35
Ciudad industrial
La propuesta de Garnier fue una ciudad industrial de aproximadamente 35.000
habitantes situada en una zona del suroeste de Francia en una meseta con tierras
altas y en un lago al norte, un valle y un río al sur.
El programa en general tiene en cuenta:
• Una exhaustiva distribución de las áreas de trabajo y viviendas
• Una separación entre industrias amplias y aquellas con más riesgo.
• Proporcionar Zonas verdes que puedan controlar los gases nocivos
2.1 New Lanark y sus escuelas
Owen, convertido en una personalidad decidió poner en práctica alguna de sus
teorías.
Las primeras escuelas que se construyeron fueron dedicadas a los niños que
trabajaban en las fábricas con la intención de mejorar su vida y de enseñarles a
escribir, música y costura.
Unos 300 niños recibían educación en la escuela, que era mixta.
El plan de estudios se componía de asignaturas básicas, costura, historia antigua
y moderna, geografía, botánica y geología.
Se usaban bloques de maderas para que los niños aprendieran a sumar y restar,
con tarjetas ilustradas se enseñaban a leer y letras de metal para el aprendizaje
del alfabeto.
2.2 El experimento de New Harmony
Owen había establecido una escuela en New Harmony para unos 130 niños,
cuyos gastos de vivienda, vestido y educación corrían a cargo del estado.
En adelante, las escuelas debían administrarse como una empresa independiente,
llamada Education Society,
La escuela contó pronto con más de 400 alumnos.
Con arreglo a la Constitución de la Comunidad Igualitaria New Harmony, esta se
dividía en seis departamentos: agricultura, manufactura, literatura, ciencia y
educación, economiza doméstica, economía general y comercio.
Durante más de una generación New Harmony fue el centro de un gran interés
social y educativo.
Las propuestas de los socialistas utópicos
2.3 Las ciudades modelo

36
Se edificaron con la necesidad de proveer a los obreros buenas viviendas.
Una de las primeras ciudades fue Bessbrook en 1846.
En 1852, Sr Titus Salt, edifico Saltaire, para unos tres mil obreros.
En 1879 se fundo la ciudad de Bourneville, en 1900 se convirtió en ciudad
autónoma.
También en Estados Unidos algunos grandes industriales buscaron mejorar las
viviendas de sus obreros. La ciudad mas conocida es Pullman, en Ilinois.
Pero las ciudades modelos construidas por los industriales en el siglo XIX, fueron
tan pocas en relación al enorme problema de la vivienda en los centros fabriles,
estos proyectos sirvieron para la planificación de otras comunidades.
2.4 El socialismo científico
Karl Marx fue, junto a Friedrich Engels , el fundador del socialismo científico. Autor
del Manifiesto Comunista y de El capital, obras que se convirtieron en el sustrato
ideológico del movimiento, que pronto se conocería como comunismo.
Marx partió de la critica a los socialistas anteriores, a los cuales califico de
utópicos.
Marx y Engels pretendían hacer un socialismo científico, basado en la critica
sistemática del orden establecido y el descubrimiento de las leyes objetivas.
El objetivo que Marx indico sobre la revolución socialista era la emancipación
definitiva y global del hombre. El también fue un incansable activista de la
revolución obrera
Durante todo el siglo XIX se hicieron esfuerzos para aliviar la condición de las
clases trabajadoras.
En 1797 se organizo en Iglaterra la sociedad para el mejoramiento de las
condiciones para los pobres.
Las condiciones de las viviendas para los trabajadores impresionaros a los
dirigentes industriales.
En la primera mitad del siglo XIX se elevaron protestas que propusieron las
llamadas comunidades utópicas.
Los socialistas utópicos surgen a principios del siglo XIX como respuesta a la
burguesía.
Al mismo tiempo estos socialistas se esfuerzan por crear mecanismos,
organizaciones, estructuras sociales, llamadas comunidades, falansterios o
cooperativas con el fin de resolver las condiciones sociales.

37
El nombre utópicos estaba relacionado a estas comunidades pre.establecidas
basadas en la idea original de Tomas Moro.

Robert Owen
• Fue empresario, reformista social, político.
• Nació en Newtown, Montgomeryshire.
• Owen consiguió alcanzar rápidamente un puesto destacado en el mundo
industrial.
• Fundo el Manchester College a comienzos del decenio de 1790.
• Se encargo de la gestión de la "desgraciadisima sociedad" de New Lanark.
Charles Fourier
• Fue economista y pensador francés y uno de los padres del cooperativismo.
• Se destaca por sus abiertas criticas a la sociedad capitalista.
• Nació en la ciudad francesa de Besanzon el 7 de abril de 1772.
• Pionero del socialismo utópico.
• Su primera obra fue "Teoría de los cuatro movimientos y de los destinos
generales" en 1808.
Biografías
Pierre-Joseph Proudhon
Saint Simon
• Filosofo político y revolucionario francés.
• Padre del pensamiento anarquista y de su primera tendencia económica, el
mutualismo.
• Gracias a una beca estudio en el colegio Besancon.
• Su primera obra fue "Ensayo de gramática general".
• En 1848 es elegido diputado a la Asamblea Nacional.
• Su pensamiento parte de la filosofía de la Ilustracion
• Filosofo y teórico social francés.
• Nació el 16 de julio de 1760 en París.
• El dictamen familiar lo obliga a seguir una carrera militar.
• En 1792 fue nombrado presidente de la comuna de París.

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• Ha sido el primer teórico con el que contó la sociedad industrial.
• Su principal merito radica en su profunda critica del capitalismo.
• Simon afirmaba que el capitalismo ha de ser sustituido por un régimen
social mas elevado.
1.1 Idea del Boulevard
En 1830 cuando el primer cambio se produce. Siendo Rambuteau el prefecto del
Sena este crea una calle de 13 metros que causo revuelo entre la gente por su
gran tamaño.
Esta primera calle de grandes dimensiones se transformaría en la primera imagen
clara de esta necesidad de luz en la ciudad, y con ella nace la idea del boulevard
en París
1.2 Regulación publica
Los principales problemas con los que se encontraron al momento de querer
modificar las fallas de paris fueron:
• La falta de dinero que se requeria para invertir en la infraestructura.
• La falta de regulaciones que permitieran facilitar los trabajos.
Respecto al primer problema Haussmann trabaja mediante creditos de bancos y el
segundo problema se arregla con un decreto de 1952 que permite la expropiacion
por causa de utilidad publica.
1.3 Las avenidas y sus bordes
Plan Huaussmann de Paris
La gran red creada por Haussmann no solo s basaba en su gran tamaño sino
también en sus bordes.
Los edificios podían tener como maximo de altura el ancho de sus calles, mas una
restante de 45 grados, lo que permitía el paso e la luz solar.
Se hicieron dos parques, uno para la burguesía y otro para el proletariado.
Otra obra de Haussmann fue la Opera de Paris. Edificio representativo de esta
arquitectura histórica
La ciudad jardín de Ebenezer Howard
• El esquema representativo se planifica alrededor de una ciudad central
comunicada con seis núcleos de población.
• En la parte central se encontrarían los edificios públicos principales y
centros de cultura.

39
• Un canal y un ferrocarril unen a las seis ciudades jardín.
• Haussman proviene de una familia protestante de mercantes textiles.
• No era de clase alta, pero lograron suficiente fortuna.
• Estudia leyes mas que por vocación por todas las oportunidades que se le
abririan.
• Desde un comienzo le intrigo el estado de las calles y la manera como
algunas ciudades se quedaban atras con los avances tecnológicos.
• Nacio en 1850.
• Estenografista de profesion, trabajo como reportero en Chicago, donde se
pudo relacionar con personajes como Walt Whitman.
• Todos los movimientos filosoficos- sociales, forjaron el pensamiento de
Howard, que a su vuelta a Inglaterra vuelca su propia teoria social-urbana.
3.6 Evolución del modelo Ciudad-Jardín
La ciudad-jardín tubo una formidable propagación internacional. Pero la exitosa
difusión de la idea conllevaría muchas interpretaciones del modelo original, que
irían perdiendo buena parte de los fundamentos fijados por Howard.
La gran acogida de las ideas de Howard haría proliferar ejemplos en otros países,
particularmente en Estaos Unidos.
Tras la Segunda Guerra Mundial, la influencia llegaría hasta las New Towns
construidas en Gran Bretaña y en otros países europeos.
3.1 Dentro de la ciudad
3.5 Welwyn Garden City
3.2 Las ciudades jardín llevadas a la practica
Welwyn seria la segunda ciudad-jardín impulsada por Howard. El arquitecto Louis
de Soissons seria el responsable de planificar la nueva ciudad. Este arquitecto
planteo un trazado aprovechando parte de los caminos existentes, adaptándose al
contexto en el que estaba trabajando.
Welwyn volvería a la primera plana urbanística cuando ,en 1948, se designo su
ampliación dentro de la estrategia de las New Towns de posguerra.
Howard consiguió difundir este concepto, dando lugar a dos ciudades-jardín en
Inglaterra: las ciudades de Letchworth y Welwyn.
Aunque ambas tienen ecos del planteamiento de Howard, no llegaron a ser
planeadas ciudades-jardin como las planeadas según las teorías de su ideólogo.

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La idea de ciudad-jardín no se llegó a imponer como tal, pero influencio
notablemente en el nuevo concepto urbanístico en la periferia de las ciudades.
3.4 Hamstead Garden Suburb
3.3 Letchworth First Garden City
Poco despues de Letchworth, Henrietta Barnett, decidió promover un nuevo barrio
en Londres, que se apoyaría en la ciudad-jardín.
Hampstead pretendía ser un escenario ideal de integración social para todas las
clases. La planificación del nuevo barrio también seria encargada a Unwin y
Parker, pero seria diferente ya que Hampstead no nacía como una ciudad
autónoma.
La primera ciudad-jardín construida en 1903. Alojaba a 30,000 personas.
Los arquitectos principales fueron Raymond Unwim y Barry Parker.
Ellos fijaron los principios formales de la ciudad-jardín que era: predominio de la
vivienda unifamiliar con una amplia parcela para cada una, combinaciones de las
mismas creando diversas agrupaciones o "unidades vecinales", trazados que
mezclaban líneas rectas con curvas, predominio de la vegetación.

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3.2.1. LOS NEWS TOWNS INGLESES
El movimiento de las nuevas ciudades (en inglés, new towns movement), se
refiere a las ciudades que se construyeron después de la Segunda Guerra Mundial
y que han sido deliberadamente planeadas, desarrolladas y construidas como un
remedio al hacinamiento y la congestión en algunos casos, y para los
asentamientos dispersos ad hoc en los demás. La razón principal pues, era la de
descongestionar las grandes ciudades industrializadas, el realojamiento de las
personas en ciudades nuevas, recién construidas y totalmente planificadas, que
eran completamente autosuficientes y se proporcionaban para la comunidad.

Entre los objetivos principales de las new towns estaba el ofrecer un hábitat digno
a las clases obreras. Arriba, slums de Londres en un dibujo de Gustave Doré.
Debajo, imagen de la new town de Crawley, al sur de Londres en 1951.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, el Reino Unido se enfrentó a problemas

urbanos que subyacían desde hacía muchos años. La congestión de las grandes
ciudades (especialmente de Londres), la carencia general de viviendas (agravada
por las destrucciones de la contienda y la migración desde las áreas rurales) o el
mal estado general de los barrios obreros, llevaron al gobierno británico a plantear
una estrategia de choque que pretendía limitar la expansión de las descontroladas

42
“manchas” urbanas, descongestionar los núcleos centrales, racionalizar los
procesos de crecimiento o mejorar las condiciones de vida de la clase trabajadora.
Con estos objetivos, se puso en marcha un programa sistemático de creación de
nuevas ciudades (new towns). Estos nuevos núcleos urbanos nacían con vocación
de autosuficiencia, aunque su proximidad a las grandes ciudades, los convirtió en
muchos casos en satélites. Estas ideas entroncaban con la tradición de las
Ciudades-Jardínque, medio siglo atrás, habían iniciado tímidamente ese mismo
camino.
Entre 1946 y 1970, fueron planteadas treinta y dos new towns. El largo periodo
transcurrido permite categorizar estas nuevas ciudades en tres “generaciones”,
que cuentan con características propias. Destacaremos una como ejemplo de
cada fase: Stevenage, de la primera; Runcorn, de la segunda; y Milton Keynes, de
la tercera.

El problema del crecimiento de Londres (y la propuesta del “green belt”).

El crecimiento de Londres durante el siglo XIX y el primer tercio del siglo XX fue
explosivo. En 1801, el área identificada como “Gran Londres” sobrepasó el millón
de personas (1.011.157). Cien años después, el número de habitantes superaba
los seis millones (6.226.494 en 1901) y, tres décadas más tarde, el censo de 1931
rompía la barrera de los ocho millones (8.098.942).
Pero no solamente la “mancha urbana” iba fagocitando la campiña, tan querida por
los ingleses, sino que la ciudad se iba densificando a marchas forzadas, con
barrios que alcanzaban niveles de congestión alarmantes. La preocupación por
este hecho llevó a plantear la necesidad de limitar la extensión de la capital
británica y fomentar el desarrollo de otras zonas para descongestionarla.
El debate arrancó desde la creación del London County Council (LCC) en 1889, el
organismo creado para el control de la ciudad. Solamente un año después, el LCC
propuso la unión física de zonas verdes para crear un sistema integrado,
siguiendo los exitosos casos norteamericanos que el Park Movement estaba
impulsando, como el Boston Emerald Necklacediseñado por Olmsted o el Chicago
Park System. Este planteamiento iría madurando y en 1901 surgiría la idea de
crear un Park Belt, un gran parque que circunvalara la ciudad, que además de
conseguir una importante reserva de zonas verdes, podría limitar la expansión
incontrolada de la ciudad.
El otro tema era la descongestión de Londres. El movimiento en favor de la
Ciudad-Jardín había comenzado la reflexión sobre ese asunto, proponiendo una
estrategia de descentralización a través de la creación de núcleos (satélites o
independientes) que, distribuidos por el territorio, permitieran racionalizar el uso de

43
este. El propio Raymond Unwin, una de las “alma mater” de la Garden City,
presentó, en 1933, un informe al Comité Regional de Planificación del Gran
Londres (Greater London Regional Planning Committee), una entidad urbanística
que había sido creada en 1927. En ese informe, Unwin concretaba aquellas ideas
sobre parques que rodearían la ciudad y recomendaba la creación de un amplio
anillo verde (Green Belt) alrededor de la ciudad de forma que se restringiera su
crecimiento. La propuesta de Unwin incluía la posibilidad de que, en esa corona
verde, pudieran implantarse pequeños núcleos-satélite, que siguieran el modelo
de ciudad-jardín.

Esquema de los cuatro anillos propuestos por el Plan del Gran Londres de
Abercrombie, indicando las new towns designadas.
La idea no cayó en saco roto y, en 1938, se promulgó la Green Belt Act, la norma
que fijó la previsión de una franja de reserva de unos ocho kilómetros de anchura
en la que se impedía la construcción. Trabajos posteriores delimitarían con mayor
precisión ese cinturón verde y el ayuntamiento iría adquiriendo terrenos en esa
zona protegida para garantizar su correcto fin. Su materialización definitiva vendría
de la mano del Greater London Plan, la planificación urbana para Londres y su
extensa área metropolitana, encargada a Patrick Abercrombie en 1942 y que sería
aprobada en 1944.
El nuevo marco regulador de la capital fijaba una estructura basada en cuatro
anillos concéntricos: el primero (inner urban ring), se adosaba al borde urbano del
Londres de la época para fijar un remate adecuado; el segundo (suburban ring),

44
completaba en cierto modo al anterior, impidiendo cualquier crecimiento en su
interior y planteando la racionalización de la edificación existente en el mismo; el
tercero (green belt ring), era el espacio verde propiamente dicho, que
correspondía aproximadamente con el que había quedado bloqueado gracias a la
ley de 1938, y que podía llegar a contar ciertos equipamientos seleccionados que
se dispondrían esporádicamente; y por último, el cuarto (outer country ring), que
se configuraba como una extensa corona que sería clave para la estrategia de
descongestión. En ella se absorbería el desarrollo industrial y se acogería a la
nueva población, tanto la inmigrante como a la procedente de la descongestión
forzada del centro (que se estimaba en unas 400.000 personas que debían
abandonar el centro de Londres para residir en esa periferia). Para alojarlos se
aceptaría el crecimiento controlado de los núcleos existentes y se preveía la
creación de ocho nuevas ciudades-satélite dentro del mismo.

El llamado Abercrombie Plan se pondría en marcha y se preservaría el cinturón

verde, creando además esas nuevas ciudades. Pero la dinámica real de Londres
acabaría trastocando los planes de descongestión de la capital, ya que la ciudad
central seguirá creciendo y densificándose.
El programa de new towns en el Reino Unido.
La aprobación del Plan del Gran Londres (Greater London Plan) inició el proceso
legislativo que serviría de base para la creación de nuevas ciudades (new towns).
El programa tendría una importante orientación política, vinculada a las ideas del
laborismo británico.
Paradójicamente, Winston Churchill, el líder conservador británico que se enfrentó
a la Segunda Guerra Mundial, perdió las elecciones posteriores al conflicto. En
1945, el partido laborista llegó al poder y comenzó a implementar su política
social, uno de cuyos estandartes sería el programa de nuevas ciudades y la
vivienda social.
Así, en 1946, se aprobó la New Town Act, la ley que recogía las inquietudes
urbanísticas manifestadas durante el medio siglo anterior y fijaba las normas para
la creación de las nuevas ciudades, estableciendo también sus fórmulas de
gestión y financiación. Esta ley tenía carácter nacional, y por eso, aunque Londres
sería inicialmente la principal destinataria, otras grandes urbes británicas se
apuntaron tanto a la creación de green belts como a la construcción de núcleos-
satélite.

La normativa de las primeras new towns entroncaba con las ideas de Ciudad-
Jardín desarrolladas medio siglo atrás. Pero presentaba varias diferencias
importantes con respecto a aquellas.

45
En primer lugar, porque las ciudades-jardín iban dirigidas hacia las clases
acomodadas mientras que las new townstendrían como destinataria principal a la
clase obrera. Esto significaba grandes inversiones en vivienda social para acoger
a esa población que se hacinaba en condiciones inhumanas en las ciudades
industriales británicas.

Esta circunstancia apunta otra diferencia notable, ya que las nuevas ciudades
serían de iniciativa pública, correspondiendo al gobierno la selección de los
terrenos y la financiación de las mismas. La localización se realizaría teniendo en
cuenta las posibilidades infraestructurales de cada zona (como el suministro de
agua o energía eléctrica), así como la existencia de vías rodadas y líneas
ferroviarias. Tras la designación del lugar, acotando el área de actuación, se
creaba una entidad pública (Development Corporation) que planificaría y
gestionaría la urbanización y edificación. La Corporación era, por lo tanto, la
encargada de redactar los planes específicos en los que se fijaban las ordenanzas
para su desarrollo. La ley sufriría una revisión importante en 1965 y una última en
1981.

Mapa del Reino Unido von indicación de todas las new towns realizadas. Los tres
colores indican la generación correspondiente. Se indica también la situación de
Letchworth, la primera Ciudad-Jardín.

Las vicisitudes políticas y la evolución de las necesidades sociales harían que el

desarrollo del programa de las new towns tuviera tres fases diferenciables, tres
“generaciones” que irían desde la primera ciudad propuesta en 1946 (Stevenage),
hasta la última que se planteó en 1970 (Central Lancashire).

En total se construirían 32 new towns. Habría alguna otra nueva ciudad posterior,
pero ya al margen del contexto del programa “new town”.

46
Vamos a profundizar en las características de cada una de esas tres etapas y en
tres ejemplos representativos de cada una de ellas (Stevenage, de la primera;
Runcorn, de la segunda; y Milton Keynes, de la tercera).

La primera generación (mark I) de new townsbritánicas (y el ejemplo de

Stevenage)
Las new towns de la “primera generación” comparten unos rasgos comunes,
aunque lógicamente, el emplazamiento condiciona cada trazado urbano. En
general, las ciudades presentan tres zonas claramente diferenciadas: el centro
principal (town centre), el ámbito residencial y el área industrial. A su vez, la zona
residencial se estructuraba en “unidades vecinales” (neighbourhood units) con una
densidad aproximada de 65 viviendas por hectárea y un techo de 10.000
habitantes.

Master Plan de la new town de Harlow, en el que se aprecia la distribución de las

características “unidades vecinales” de la Primera Generación.

Estas unidades contarían con los equipamientos elementales (escuela, comercios

básicos, etc.), dentro de un radio que no debía superar los 600 metros para
facilitar los recorridos peatonales. Sobre ese esquema básico funcional se fue
construyendo un conjunto edificatorio fuertemente contrastado. Por una parte,
estaba el mundo residencial, mayoritariamente constituido por casitas tradicionales
y, por otra, el centro urbano principal donde los edificios adquirían una fuerte
impronta moderna.

47
 Ortofoto del centro principal de Stevenage y uno de las unidades vecinales
contiguas. El contraste entre lo tradicional de estas y la “modernidad” del centro,
resulta sorprendente.

La mayoría de las new towns apostaron por seis barrios que significaban una
población en torno a 60.000 personas en total.
La primera generación (mark one) de new townsincluyó a las siguientes ciudades
(de las quince relacionadas a continuación, algunas fuentes excluyen a Welwyn
Garden City por considerarla una ampliación de la Ciudad-Jardín diseñada
décadas atrás, quedando así en catorce las new towns de primera generación):

En Inglaterra:
1. Stevenage, Hertfordshire (designada el 11 de noviembre de 1946)
2. Crawley, Sussex (designada el 9 de enero de 1947)
3. Hemel Hempstead, Hertfordshire (designada el 4 de febrero de 1947)
4. Harlow, Essex (designada el 25 de marzo de 1947)
5. Newton Aycliffe, County Durham (designada el 19 de abril 1947, denominada
inicialmente Aycliffe New Town)
6. Peterlee, County Durham (designada el 10 de marzo de 1948, denominada
inicialmente Easington New Town)

48
7. Welwyn Garden City, Hertfordshire (designada el 20 de mayo de 1948)
8. Hatfield, Hertfordshire (designada el 20 de mayo de 1948)

9. Basildon, Essex (designada el 4 de enero de 1949)

10. Bracknell, Berkshire (designada el 17 de junio de 1949)
11. Corby, Northamptonshire (designada el 1 de abril de 1950)
En Escocia:
12. Cumbernauld, North Lanarkshire (designada el 9 de diciembre de 1955 y
ampliada el 19 de marzo de 1973)
13. East Kilbride (designada el 6 de mayo de 1947)
14. Glenrothes (designada el 30 de junio de 1948)
En Gales
15. Cwmbran (designada el 4 de noviembre de 1949)
Stevenage
Stevenage fue la primera new town. Fue designada en 1946, situándose a unos 50
kilómetros al norte del centro de Londres (en el condado de Hertfordshire) y
ocupando una superficie de 2.440 hectáreas. Hubo una gran oposición a su
implantación por parte de la población de la pequeña localidad de Stevenage,
junto a la que se había decidido instalar la new town, pero finalmente se impuso el
criterio del gobierno.
La segunda generación (mark II) de new townsbritánicas (y el ejemplo de
Runcorn)
Las elecciones generales del Reino Unido de 1951 supusieron un cambio de
gobierno. A pesar de que los laboristas obtuvieron más votos, los conservadores
ganaron en escaños y Winston Churchill accedió de nuevo al cargo de Primer
Ministro (que había perdido en 1945). Los conservadores se mantendrían en el
poder hasta el año 1964. La reorientación política significó un cambio de rumbo
para el programa de las new towns, concretado fundamentalmente en la reducción
de la financiación pública y en el incremento de participación de la iniciativa
privada.
Los cambios no solo afectaron a la gestión, sino que implicaron modificaciones al
modelo urbano basadas en la crítica realizada a las primeras new towns. En
primer lugar, se cuestionó la baja densidad y la excesiva proporción de zonas
verdes, parámetros que incrementaban notablemente el coste de las

49
infraestructuras. En segundo lugar, se las acusaba de no lograr crear un ambiente
urbano atractivo dada la homogeneidad ambiental. En tercer lugar, se atacaba la
proliferación de centros, de forma que restaban vitalidad al centro “oficial” de cada
ciudad.
También se achacó que el umbral de población era bajo. Los 60.000 residentes
previstos para las primeras new towns no eran suficientes para justificar una
variedad de oferta y demanda de servicios y equipamientos.
Complementariamente, la evolución social y tecnológica llevó al auge del coche
poniendo de manifiesto un importante déficit en aparcamientos.

Estas críticas fueron la base de los nuevos planes que, en general, evitaron la
multiplicidad de centros en favor de un núcleo más poderoso, vieron aumentadas
sus densidades y los tejidos urbanos resultantes fueron más compactos.
Es reseñable el caso de Hook, una new town que fue planificada en sus fases
iniciales desde 1958, pero que recibió una oposición frontal de los vecinos de
Hampshire, logrando abortar la operación en 1960. Hook no llegaría a ser nunca
designada como nueva ciudad, pero el máster plan, publicado en 1961, tendría
una gran influencia en los planes posteriores.

Diseño de la estructura de Hook, la new town que no llegó a realizarse. La

estructura en espina de pez, extendía el centro hasta convertirlo casi en un eje.

3.3 IDENTIFICACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS FORMALES

DEL ARTE

Manifestaciones artísticas:

El arte es un conjunto de actividades artísticas clasificada en varios tipos a lo largo

de la historia, entre las que destacan las bellas artes que son la música, la
literatura, la danza, el teatro, la pintura, la escultura y la arquitectura.

50
 Mezcla de sonidos y silencios, la
música es una de las bellas
artes, encierra emociones y, en
especial, evocaciones. Por ello se dice
que “a veces llamamos música a lo que
en realidad es escuchar recuerdos”;
sensibiliza y produce diferentes estados
de ánimo.

Música

La literatura es una de las bellas artes y

una de las más antiguas formas de
expresión artística, que emplea como
medio de expresión el lenguaje oral y
escrito, utiliza las palabras como
herramienta para su construcción,
persigue la belleza y la reflexión, sino
también del ritmo y el sentido que se le
dé a la palabra.

Literatura

La danza o el baile es uno de los tipos

de artes que utiliza el movimiento del
cuerpo como una forma de expresión
con la finalidad de entretener en
cualquiera de sus formas.

51
 La danza

El teatro es la rama de las artes

escénicas relacionada con la
actuación. Representa historias
actuadas frente a los espectadores o
frente a una cámara usando una
combinación de discurso, gestos,
escenografía, música, sonido y
espectáculo.

El teatro

La pintura es una de las expresiones

artísticas más antiguas y una de las
siete Bellas Artes. En estética o teoría
del arte, la pintura está considerada
como una categoría universal que
comprende todas las creaciones
artísticas hechas sobre superficies.

La pintura

Es una de las Bellas Artes en la

cual el escultor se expresa creando
volúmenes y conformando espacios.
En la escultura se incluyen todas las
artes de talla y cincel, junto con las de
fundición y moldeado.

52
 La escultura

La arquitectura es una
disciplina definida como el arte
y la técnica de proyectar y
construir edificios para
satisfacer las necesidades del
ser humano, a través de la
forma, la funcionalidad y los
preceptos estéticos, es
considerada una de las bellas
artes.
De acuerdo con cada periodo
histórico, la arquitectura
incorpora elementos
que reflejan la estética y los
valores sociales y
culturales, diferenciándola
dentro de las distintas
corrientes de estilo, las cuales
podemos observar en la
actualidad.
La arquitectura

Medio de comunicación:

El arte es una forma de expresión que sirve como medio de comunicación entre
los hombres para trasmitir ideas.

Innovación, creatividad y originalidad:

El arte es el producto de una actividad que requiere de creatividad y desde los

tiempos modernos innovación y originalidad.

Dinámico:

El concepto de arte evoluciona constantemente, lo que da lugar a nuevas

manifestaciones artísticas.

Es subjetivo:

53
El arte puede ser interpretado desde diferentes perspectivas, lo cual hace que sea
tan difícil de valorar con objetividad, aunque esta cualidad es empleada cuando se
quiere medir y cuantificar por época.

Es indefinible:

Como ya mencionamos el concepto de arte varia contantemente de acuerdo a la

época y lugar, lo que dificulta hacer una definición universal y atemporal, concreta,
realista y verdadera.

Manifestación cultural:

A través del arte podemos analizar el contexto histórico y cultural en el que fueron
producidas.

Uso inherente inmediato:

Aun cuando el arte puede desarrollar diferentes funciones dentro de una sociedad
lo cierto es que estos valores son arbitrarios y manipulables, pues el arte no tiene
una utilidad intrínseca.

Tanto en la literatura como en las artes, las vanguardias se caracterizaron por la

disconformidad con la realidad y el estado del arte, el rupturismo, la
experimentación, la originalidad, la libertad de expresión y la provocación.

3.3.1. EL CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en
Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Albert Gleizes, Robert
Delaunay, Juan Gris y Guillaume Apollinaire.Es una tendencia esencial, pues da
pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de uno mismo
más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo
que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso
de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era
una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de
«cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya
estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y
no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

54
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los
cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la
naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.
Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes
de un objeto en un mismo plano.

La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con

la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que
se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas
diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro
humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte
vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay
sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba
representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines,
insinuados solo por la presencia de la cola de este.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y
entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o
el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises,
verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del
cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que
esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El
cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por
ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta
formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista

inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que
necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso
escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos
los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos
que los explicaban.

55
Características

Fragmentación de la Forma
Descomposición de Objetos: En lugar de representar un objeto desde un solo
punto de vista, el Cubismo descompone el objeto en múltiples fragmentos o
facetas, representando diferentes ángulos y perspectivas simultáneamente en una
misma superficie.
Representación Múltiple: Los artistas cubistas muestran varias dimensiones y
perspectivas de un objeto en una sola imagen, creando una sensación de
profundidad y complejidad a partir de la yuxtaposición de estas diferentes vistas.
Geometrización y Abstracción
Formas Geométricas: El Cubismo utiliza formas geométricas básicas como cubos,
esferas, conos y cilindros para simplificar y abstraer los objetos representados. La
geometrización ayuda a reducir los elementos a sus formas esenciales y a evitar la
representación realista.
Abstracción: Los elementos representados a menudo se abstraen, eliminando
detalles ornamentales y enfoques naturalistas en favor de una representación más
conceptual y estilizada.

Uso Innovador del Color

Paleta Restringida: En el Cubismo temprano, especialmente en el Cubismo
Analítico, la paleta de colores suele ser restringida y se basa en tonos terrosos y
neutros. Esto ayuda a enfocar la atención en la estructura y la forma en lugar del
color.
Estudio del Color: En el Cubismo Sintético, una fase posterior del movimiento, el
uso del color se vuelve más vibrante y variado. Los artistas incorporan colores
más brillantes y contrastantes, a menudo para resaltar diferentes elementos y para
añadir dinamismo a las composiciones.

. Influencia de Otras Culturas y Arte Primitivo

Arte Africano y Oceánico: El Cubismo se vio influenciado por el arte africano y

oceánico, cuyas representaciones estilizadas y abstractas ofrecieron nuevas
formas de ver y representar el cuerpo humano y los objetos.

56
Estilo Primitivista: Los cubistas a menudo incorporan elementos del arte primitivo,
como máscaras y esculturas, que presentan formas y símbolos abstractos,
contribuyendo a la ruptura con la tradición artística occidental.

Evolución del Movimiento

Cubismo Analítico (1907-1912): En esta fase temprana, los artistas se centran en

la descomposición de objetos en formas geométricas y el análisis de sus
diferentes perspectivas. La obra tiende a ser más monócroma y centrada en la
estructura.
Cubismo Sintético (1912-1919): Esta fase representa una evolución hacia una
mayor simplificación y el uso de técnicas mixtas. Los artistas comienzan a
incorporar elementos de collage, texturas y colores más vivos.

Algunos de los cuadros más representativos del cubismo son:

• Guernica (1937) de Pablo Picasso.

Es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la
premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial.

57
• Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso.

Es una de las obras más icónicas de Picasso y se considera una de las pinturas
más influyentes e innovadoras de la historia del arte moderno. Fue pintada en
1907 y representa a cinco mujeres desnudas en un prostíbulo de la calle Aviñón
de Barcelona.

• Violín y paleta (1909) de Georges Braque.

58
Algunos críticos de arte consideran que la obra representa la fusión de la música y
la pintura, dos formas de expresión artística. La combinación del violín y la paleta
puede simbolizar la conexión entre el arte visual y el arte auditivo.

Otros críticos sugieren que es una representación de la descomposición y

reconstrucción de la realidad. La descomposición de las formas y los colores en la
obra refleja la forma en que nuestra mente percibe y reconstruye la realidad a
partir de fragmentos de información.

• La botella de anís (1914) de Juan Gris.

Rinde homenaje a los líderes del movimiento cubista, Picasso y Braque, e incluso
a sí mismo como partícipe de los hallazgos surgidos en el seno de esta corriente.

• Mujer leyendo en la playa (1937) de Pablo Picasso

59
En un contexto histórico marcado por la agitación política y social, la obra ofrece un
momento de introspección y tranquilidad, encapsulando la habilidad de Picasso para
combinar lo personal y lo universal en su arte.

3.3.2 FAUVISMO
El fauvismo o fovismo fue un movimiento artístico surgido en Francia entre 1904 y
1908. También fue el estilo pictórico propio de esta corriente, caracterizado por
una audaz paleta de colores no naturalistas, gruesas pinceladas e intensa
expresividad.
El fauvismo se enmarca en las llamadas vanguardias históricas, que fueron
movimientos artísticos rupturistas que surgieron en Europa y dominaron la escena
del arte durante la primera mitad del siglo XX. El fauvismo tenía muchos
elementos en común con otras tendencias de su momento, como el expresionismo
alemán: una técnica disruptiva, el quiebre con la tradición y un nuevo modo de
pensar la pintura.
El fauvismo se enmarca en las llamadas vanguardias históricas, que fueron
movimientos artísticos rupturistas que surgieron en Europa y dominaron la escena
del arte durante la primera mitad del siglo XX. El fauvismo tenía muchos
elementos en común con otras tendencias de su momento, como el expresionismo
alemán: una técnica disruptiva, el quiebre con la tradición y un nuevo modo de
pensar la pintura.

Henri Matisse. Danza, 1910

60
El fauvismo desarrolló una estética atrevida y desenfadada, que omitía los
claroscuros y las perspectivas. Además, apostaba por la brillantez de los colores y
la expresión de los sentimientos a través de un estilo espontáneo, vigoroso, que
contradijo la norma clásica de representar el mundo.
Son considerados fundadores y máximos exponentes del fauvismo Henri Matisse
(1869-1954), André Derain (1880-1954) y Maurice Vlaminck (1876-1958). La
relación de estos artistas como grupo fue corta: acercaron sus caminos hacia 1904
y ya en 1908 comenzaron a tener exploraciones individuales que desembocaron
en la disolución del movimiento.
Fueron muy influyentes para el fauvismo los filósofos alemanes Friedrich
Nietzsche (1844-1900) y Max Stirner (1806-1856) por cuestionar la moral
imperante y enfatizar la libertad expresiva, el escritor francés Joris-Karl Huysmans
(1848-1907) por interesarse en la subjetividad y la exploración sensorial, y Eugène
Carrière (1849-1906) y Gustave Moreau (1826-1898), por su pintura simbolista.
Otro personaje influyente para el movimiento fue el pintor francés Paul Cézanne
(1839-1906)
Origen e historia del fauvismo
El fauvismo surgió en Francia entre 1904 y 1908, y tuvo como evento fundacional
la exposición del Salón de Otoño en el Gran Palacio de París (18 de octubre al 25
de noviembre de 1905), donde se expusieron obras de los primeros fauvistas. Las
piezas descolocaron a los críticos de la época, quienes se encontraron con un arte
que no supieron clasificar.

El 17 de octubre de 1905 el crítico Louis Vauxcelles (1870-1943) publicó en el

diario Gil Blas una reseña de la exposición en la que comparaba los tonos puros
de las pinturas expuestas con el acecho de fieras (fauves), lo cual sirvió para
bautizar al nuevo movimiento artístico. Los fauvistas, sin embargo, nunca se
identificaron con ese nombre.

Entre las obras presentadas en la exposición estaba Lujo, calma y

voluptuosidad, de Henri Matisse, obra considerada el manifiesto artístico del
fauvismo por sus colores contrastantes, su fuerza expresiva y su espíritu
hedonista (es decir, basado en el placer), rasgos que influyeron e inspiraron a
otros artistas.

En su momento, el cuadro generó un escándalo en la crítica, ya que atentaba

contra todas las convenciones compositivas de la época, porque dejaba incluso
partes del lienzo sin cubrir. Por eso Matisse es considerado el líder y uno de los
padres fundadores del movimiento, junto con André Derain y Maurice de Vlaminck.

A pesar de haber surgido en el contexto parisino, el fauvismo tuvo éxito también

fuera de Francia, y compartía con el expresionismo alemán su devoción por

61
reflejar el mundo interior y emocional del artista (en vez de representar su realidad
exterior). Hubo pintores fauvistas también en Bélgica y Holanda.

Hacia 1908 la corriente perdió fuerza y la mayoría de sus artistas se desplazaron

hacia otras vanguardias. Para muchos de ellos, el fauvismo fue una etapa de
experimentación y la apertura hacia nuevas formas de expresión como el cubismo,
el expresionismo e incluso el Art decó.

Características del fauvismo

Muchos artistas de otras vanguardias importantes fueron primero fauvistas.

Georges Braque. Naturaleza muerta, 1926

En términos generales, el fauvismo se caracterizó por estos rasgos:

-Tuvo influencia del impresionismo y del primer postimpresionismo. Al igual que

todas las corrientes pictóricas de las primeras vanguardias, el fauvismo se vio
inspirado por el espíritu disruptor de los impresionistas y estuvo muy influenciado
por Vincent Van Gogh (1852-1890), Eugène Carrière y Gustave Moreau.

-Sus colores eran puros y brillantes. En las pinturas fauvistas el color se aplicaba
con pinceladas espontáneas y formas simples, a veces directamente del tubo, con
goteos de pintura y regiones en las que el lienzo quedaba expuesto. Buscaba
acabados más expresivos que precisos.

-Trató de expresar el mundo emocional del artista. El fauvismo hacía énfasis en la

subjetividad y apelaba al mundo emocional interno. Rompió con la intención
tradicional de representar la realidad de manera objetiva.

-Dio un primer paso hacia la abstracción. El fauvismo fue el pionero de una serie
de movimientos de vanguardia que buscaron romper con una tradición pictórica de
siglos basada en la mímesis (es decir, en la imitación de la realidad).

62
-Rompió con el academicismo. Los fauvistas abandonaron por completo la
obligación de imitar la realidad y también las técnicas que empleaba el arte clásico
para lograrlo (por ejemplo, el claroscuro y la perspectiva lineal), así como las
representaciones idealizadas de belleza. En su lugar, dieron espacio a la
espontaneidad y la expresión individual.

-Se interesó en la teoría del color del siglo XIX. Los fauvistas se interesaron por
las teorías del color de 1850 (que tanto habían influido a los impresionistas) y
experimentaron con una amplia gama de posibilidades cromáticas y diferentes
combinaciones de colores para lograr efectos expresivos.

-Fue más que una propuesta pictórica. La técnica más utilizada por los fauvistas
fue la pintura al óleo, pero exploraron también otras posibilidades de expresión
con la acuarela, el pastel, el grabado, la escultura, la cerámica y otras técnicas.

-Sus temas oscilaron entre las representaciones urbanas y el mundo rural. En el

fauvismo hay desnudos, bodegones, escenas al aire libre o paisajes. Para los
fauvistas, el tema del cuadro era menos importante que las emociones que
expresaba y transmitía.

-Fue fugaz, pero muy determinante. A pesar de su corta vigencia como corriente
(duró cerca de cuatro años, de 1904 a 1908), el fauvismo abrió un camino estético
y filosófico que iluminó casi todo el arte del siglo XX y, de cierta manera, continúa
haciéndolo.

-La mayoría de sus pintores abrazaron luego otros estilos artísticos muy
importantes, como ocurrió, por ejemplo, con Georges Braque (1882-1963) y el
cubismo.

Principales obras y artistas del fauvismo

-Henri Matisse (1869-1954). Pintor, escultor, litógrafo y dibujante francés. Estuvo

interesado en la composición más que en las figuras en sí. Abandonó la
perspectiva, la profundidad espacial, el dibujo y el claroscuro para tratar el color
como un valor en sí mismo. Recibió la influencia de Vincent van Gogh y del arte
exótico. Fue una figura de gran importancia en la obra de Pablo Picasso y otros
artistas de su generación. Considerado el padre del fauvismo, se destacó por su
uso audaz del color y la simplificación de las formas.

63
Obras:

La raya verde (1905) La alegría de vivir (1906)

La habitación roja (1908)

André Derain (1880-1954).

Fue un pintor, ilustrador y escenógrafo francés, representante del fauvismo.Derain

tenía dieciocho años de edad cuando entró a la Academia Carriere, lugar donde
conoció a Henri Matisse y a Maurice de Vlaminck. En 1905 dichos pintores
exhibieron en el Salón de Otoño junto a sus colegas Georges Rouault y Henri
Manguin, siendo la primera exposición de Fovismo, en la que se expresaba
emoción con color, visitada por el público Francés. Derain era pintor, escultor,
hacía diseños especiales para escenarios de teatro, disfraces, para las bailarinas
rusas, y, a parte, coleccionaba obras.

64
Obras:, ,

El puente de Charing Cross (1906) Vista de Collioure (1905)

Retrato de Matisse (1905).

Georges Braque (1882-1963)

Fue, junto a Pablo Picasso, uno de desarrolladores y de los representantes más

importantes que tuvo el cubismo. Fue pintor, escultor y dibujante durante sus años
en activo. También participó como soldado en la Primera Guerra Mundial. Braque
empezó su carrera muy joven, cuando solo tenía 17 años. Durante sus primeros
años de vida se dedicó a la pintura de casas, labor que también tenían su padre y
su abuelo. El pintor francés Paul Cézanne fue una de las más grandes influencias
que tuvo Braque a lo largo de su formación artística. Aunque siempre será
recordado por su amistad y sus disputas con Pablo Picasso. Entre ambos lograron

65
que el cubismo se convirtiera en uno de los estilos artísticos más importantes de
todos los tiempos.

Braque también experimentó con otros estilos. Sus primeros trabajos tuvieron
características del impresionismo y más adelante se inclinó por fauvismo.

Tres grandes árboles, paisaje de L’Estaque (1906

La casa atrás de los árboles (1907).)

Raoul Dufy (1877-1953).

Fue un pintor fauvista y cubista , artista gráfico y diseñador textil francés.
Desarrolló un estilo colorido y decorativo que se hizo popular en diseños para
cerámica, tejidos y esquemas decorativos de edificios públicos. Destaca por sus
escenas de acontecimientos sociales al aire libre.

Nació en El Havre, en Normandía, en una familia de nueve miembros. Dejó la

escuela a los catorce años para trabajar en una compañía importadora de café. En
1895, cuando tenía dieciocho años, comenzó a recibir clases de arte por la tarde
en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Él y Othon Friesz, un amigo de la
escuela, estudiaron las obras de Eugène Boudin en el museo de Le Havre.

66
 El yate ‘Empavesado (1905)

Carteles en Trouville (1906).

67
Georges Henri Rouault (París, 27 de mayo de 1871–ibídem, 13 de febrero de
1958)
Fue un pintor francés fauvista y expresionista. Trabajó además la litografía y el
aguafuerte.Rouault nació en París en una familia pobre. Su madre le animó en su
amor por las artes, y en 1885 un Rouault de 14 años entró como aprendiz con un
pintor de vidrio policromado y restaurador, a lo que se dedicó hasta 1890. Esta
temprana experiencia como pintor de vidrio se ha señalado como posible origen
del fuerte contorno de color negro y colores intensos que caracterizan su estilo
pictórico de madurez. Durante su aprendizaje también acudió a clases vespertinas
en la Escuela de Bellas Artes, y en 1891 entró en la École des Beaux-Arts, la
escuela de arte oficial de Francia. Allí estudió con Gustave Moreau, convirtiéndose
en su estudiante favorito.

El payaso (1907) At the Circus (1907)

Maurice de Vlaminck (París, 4 de abril de 1876-

Rueil-la-Gadelière, 11 de octubre de 1958) fue un pintor favista francés. Vlaminck
fue uno de los pintores que causaron escándalo en el Salón de otoño de 1905,
que recibió el apelativo de «jaula de fieras», dando nombre al movimiento del que
formaba parte junto a Henri Matisse, André Derain, Raoul Dufy y otros.

68
Vlaminck proviene de una familia de músicos bohemios afincados en París. En un
primer momento Vlaminck no tenía intención de dedicarse a la pintura y su
verdadera vocación era ser ciclista de profesión, que combinaba con dar clases de
violín o escribir novelas eróticas para ganarse la vida. Debido a una enfermedad
—fiebres tifoideas— Vlaminck abandonará el ciclismo y tras entrar en el ejército y
conocer a André Derain, se convence de que quizá su futuro esté en la pintura.

El río Sena en Chatou (1906) La chica de la cafetería “rata muerta” (1906)

3.3.3 ABSTRACCIÓN
El arte abstracto es un movimiento artístico que se desarrolló a principios del siglo
XX, caracterizado por la representación no literal de la realidad. A diferencia del
arte figurativo, que intenta representar objetos o escenas del mundo natural de
manera reconocible, el arte abstracto busca expresar ideas, emociones y
conceptos mediante formas, colores y líneas puramente estilizados. A
continuación, se describen las características formales del arte abstracto,
destacando sus principios fundamentales y su evolución a lo largo del tiempo.

Concepto de Abstracción

La abstracción en el arte implica un alejamiento de la representación directa de la

realidad. Los artistas abstractos exploran las propiedades intrínsecas de los
elementos visuales (líneas, colores, formas) para crear obras que trascienden la

69
representación física del mundo, enfocándose en la expresión subjetiva y en la
evocación de sensaciones

Abstracción Geométrica

• Líneas y Formas Geométricas: En la abstracción geométrica, las formas y

líneas se presentan de manera regular, ordenada y precisa. Las
composiciones suelen basarse en figuras geométricas como cuadrados,
círculos y triángulos. Ejemplos incluyen las obras de Piet Mondrian y
Kazimir Malevich.
• Simetría y Asimetría: Aunque muchas obras de arte geométrico buscan
una simetría visual, la asimetría también juega un papel crucial, generando
dinamismo y tensión visual en la composición.
• Uso del Espacio: La abstracción geométrica a menudo juega con la
percepción del espacio, utilizando superposiciones, transparencias y
estructuras modulares para crear efectos tridimensionales en un plano
bidimensional.

Abstracción Lírica o Informal

• Líneas y Formas Orgánicas: A diferencia de la abstracción geométrica, la

abstracción lírica o informal se caracteriza por el uso de formas libres,
curvilíneas y orgánicas. Este estilo es más fluido y espontáneo, como se
puede observar en las obras de Wassily Kandinsky y Joan Miró.
• Expresividad y Gestualidad: El enfoque lírico pone un énfasis especial en
la expresividad del gesto del artista, donde las pinceladas, manchas y
líneas transmiten emociones e intenciones subjetivas.

70
 • Color y Movimiento: Los artistas líricos suelen utilizar el color de manera
expresiva, sin preocuparse por las reglas convencionales de la armonía
cromática. Los colores y las formas parecen moverse, creando una
sensación de dinamismo y fluidez.

Elementos Formales del Arte Abstracto

Forma

• Simplificación y Reducción: Una característica clave del arte abstracto es

la simplificación de las formas, reduciendo los objetos a sus elementos más
básicos. Las formas suelen ser estilizadas o completamente
descontextualizadas de su referencia original.
• No-objetividad: En muchas formas de arte abstracto, no existe una
representación directa de objetos del mundo real. En lugar de ello, las
formas pueden ser completamente inventadas o derivadas de procesos
automáticos y experimentales.
Color
• Uso Expresivo del Color: El color en el arte abstracto no está restringido
por la realidad, sino que se utiliza de manera subjetiva para evocar
emociones, contrastes y ritmos visuales. Los colores vibrantes y
contrastantes son comunes, como en las obras de Mark Rothko o Henri
Matisse.
• Color Campo: En el "Color Field" (Campo de Color), se utilizan grandes
áreas de color para crear composiciones abstractas que buscan evocar una
respuesta emocional directa, como en las pinturas de Rothko o Barnett
Newman.
Línea
•Líneas Definidas y Expresivas: En la abstracción geométrica, las líneas
suelen ser definidas, claras y precisas, formando las estructuras de la
composición. En contraste, la abstracción lírica utiliza líneas más gestuales,
que pueden ser fluidas, dinámicas e imprecisas.
• Líneas No Contornadas: A diferencia del arte figurativo, donde las líneas a
menudo definen contornos de objetos, en la abstracción las líneas pueden
tener una existencia autónoma, actuando como elementos decorativos o
como expresiones emocionales.
Composición
• Equilibrio y Armonía: Las composiciones abstractas pueden ser
cuidadosamente equilibradas para crear un sentido de armonía y orden
71
 visual, o pueden ser deliberadamente desordenadas para transmitir caos y
energía.
• Repetición y Patrón: La repetición de formas, colores y líneas es un
recurso común en el arte abstracto, creando ritmos visuales y patrones que
atraen la atención del espectador.

Evolución del Arte Abstracto

Primeras Manifestaciones

• Cubismo: Aunque el cubismo no es completamente abstracto, su

descomposición de formas y su enfoque en la representación de múltiples
perspectivas a la vez sentó las bases para la abstracción pura. Artistas
como Pablo Picasso y Georges Braque rompieron con la perspectiva
tradicional, acercándose a una representación más conceptual.
• Expresionismo Abstracto: Surgido en la década de 1940 en Estados
Unidos, este movimiento representó la culminación de la abstracción lírica,
con artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning que exploraron la
automatización del proceso creativo y la expresión del subconsciente a
través del arte.
Abstracción Moderna y Contemporánea
• Minimalismo: A mediados del siglo XX, el minimalismo llevó la abstracción
a su expresión más esencial, reduciendo las formas a lo mínimo
indispensable y eliminando cualquier referencia a lo figurativo. Artistas
como Donald Judd y Frank Stella son representativos de esta corriente.
• Arte Digital y Abstracción: En la era contemporánea, la abstracción ha
encontrado nuevas formas de expresión a través de medios digitales,
donde los algoritmos y las tecnologías avanzadas permiten la creación de
complejas composiciones abstractas que exploran nuevas dimensiones de
la forma y el color.

Conclusión
El arte abstracto es un campo vasto y multifacético que ha desafiado las nociones
tradicionales de representación y ha ampliado las fronteras del arte. Al centrarse
en los elementos formales como forma, color, línea y composición, el arte
abstracto ha permitido a los artistas explorar nuevas formas de expresión y ha
abierto el camino para innumerables innovaciones en el arte moderno y
contemporáneo. La abstracción sigue siendo una fuerza vital en el mundo del arte,
reflejando tanto la evolución histórica como la continua experimentación creativa.
72
3.3.4. DADAÍSMO
El dadaísmo fue un movimiento artístico compuesto por diferentes géneros como
la literatura, la pintura, la escultura, la música y las artes gráficas. Se caracterizó
por oponerse al positivismo, pensamiento científico basado en el concepto de la
razón, y por estar en contra de las tradiciones literarias y artísticas. Por tanto, el
dadaísmo partió de la necesidad de romper con las tendencias establecidas y
propiciar la anarquía en el mundo artístico, incluso, de imponer una ideología y
nuevo estilo de vida en el que se rechazaba lo tradicional y convencional.
El dadaísmo cuestionó las bases del arte en general y tomó una postura
antiartística y antipoética que hizo oposición a los sistemas artísticos establecidos.
Sin embargo, para entender por qué el dadaísmo fue un movimiento artístico que
cuestionó el arte en general, incluyendo las propias obras derivadas de este
movimiento, hay que ubicarse en el periodo histórico de su surgimiento.
Historia del Dadaísmo ------------------------------------------------------------------------------
El dadaísmo se originó durante la Primera Guerra Mundial, de allí que muchos
artistas de diversos países se encontraban refugiados en diferentes ciudades de
Europa y en Estados Unidos, estos vivían en medio del desencanto y del horror de
una gran guerra sin precedentes, por ello se presentaban como artistas
desinteresados y rebeldes de las tendencias tradicionales. Los dadaístas se
caracterizaron por oponerse a la guerra y tener una cierta tendencia hacia la
anarquía que se oponía y cuestionaba los movimientos artísticos de la época.

73
En este sentido, el dadaísmo encontró en lo ilógico un camino para expresar su
propuesta artística, la cual llegó a convertir en un estilo de vida que rechazaba
toda tendencia tradicional. Por tanto, para muchos el dadaísmo resultó ser un
movimiento antiartístico y antipoético que cuestionó el arte y la literatura de aquel
entonces. Fue un movimiento que estuvo en contra de los principios de la lógica,
la belleza, lo perfecto y lo universal en general. Incluso, cuestionó el propio
dadaísmo.

También cuestionó los movimientos vanguardistas como el modernismo, el

cubismo, el expresionismo, entre otros. Por el contrario, se apoyaba en la libertad
del ser humano, la estética irracional, lo espontáneo, contradictorio, dudoso,
fantasioso y escandaloso. También defendió el caos y la imperfección.
Los dadaístas acostumbraban a hacer uso de lo irracional y de lo absurdo a fin de
replantearse los valores sociales y estéticos predominantes. El mayor aporte del
dadaísmo fue el cuestionamiento continuo que se hacía sobre qué es el arte y la
literatura. Los dadaístas partían de la idea de que todo puede ser cuestionable y
de que no existen reglas fijas a lo largo del tiempo. Posteriormente, aunque el
dadaísmo fue breve y se estima como fecha de decadencia el año 1922, este
movimiento impulsó el surgimiento de otras tendencias artísticas como el
surrealismo o el Pop Art, y la técnica del collage.

Características del Dadaísmo -------------------------------------------------------------------

Las principales características del dadaísmo son las siguientes:
Es considerado un movimiento antiartístico y antipoético.
Rompe con los parámetros tradicionales de las artes y la literatura.
Se aplican por primera vez técnicas no convencionales en el arte como el
fotomontaje y el collage.
Fue considerado un estilo de vida.
Mostró una actitud irrespetuosa que apoyaba al anarquismo y el
pensamiento ilógico e irracional.
Los dadaístas tenían gusto por el caos, el azar, el escándalo y el desorden.
Sus expresiones artísticas se basaban en la espontaneidad e irreverencia.
El contenido de las obras es irónico y agresivo.
Aborreció los valores de la burguesía, por eso buscaba escandalizarla.
Mostró oposición al entorno y a la estructura social.
Era un movimiento artístico que partía de lo absurdo.
Exponía el rechazo a las manifestaciones políticas y nacionalistas.
Dio origen, posteriormente, al movimiento artístico del Surrealismo.
Origen del nombre Dadaísmo -------------------------------------------------------------------

74
El término dadaísmo no tiene un origen cierto que nos indique que algo más allá
de que deriva de la palabra dadá. Incluso, los propios dadaístas no sabían
explicarlo. Sin embargo, existen dos versiones acerca de su origen

Una indica que la palabra dadá surgió de la libre elección que hizo Tristan Tzara
en la búsqueda un término, poco usual, en un diccionario. No obstante, el artista
siempre hizo hincapié en que la palabra dadá en sí misma carecía de importancia
y que como tal no tenía significado.
Por su parte, la otra teoría indica que la palabra dadá deriva del constante uso que
hizo Tzara de la expresión “da, da”, como una respuesta afirmativa y sarcástica,
de allí que surgiera dadaísmo. Sin embargo, lo importante de esta palabra era el
espíritu de quienes se consideraban dadaístas.
Principales artistas del Dadaísmo -------------------------------------------------------------
-
Tristan Tzara (1896-1963)
Tristan Tzara fue un poeta rumano, fundador y principal exponente del dadaísmo,
caracterizado por ser antiartístico y antipoético. Fue conocido también por el
seudónimo Samuel Rosenstock. Tzara escribió los primeros textos del dadaísmo y
sus manifiestos conocidos como Siete manifiestos dadá.

Joven triste en un tren. Marcel Duchamp, 1911

Marcel Duchamp (1887-1968)
Marcel Duchamp fue un artista francés de tendencia dadaísta. Es reconocido por
su principal aporte al movimiento conocido como ready-mades, el cual consistía en
sacar objetos de la realidad y situarlos en el espacio artístico por la simple acción

75
del artista. Sus obras más destacadas fueron El gran vidrio o La novia desnuda
por sus solteros (1915-1923), Rueda sobre un taburete (1913) y La Fuente (1915).

Jean Arp (1887-1966)

Jean Arp fue un artista y poeta francoalemán y uno de los fundadores del
dadaísmo. Las obras de Arp se caracterizaron por estar compuestas por relieves y
collages. Asimismo, desarrolló la iconografía de formas orgánicas, tendencia que
recibió el nombre de biomorfismo, que empleó en sus esculturas. Entre sus obras
más destacadas se encuentran Pastor de nubes (1953) o Pez y bigote (926), entre
otras.

Jean Arp: El pastor de nubes

76
El Dadaísmo en la Arquitectura
Considerado como un movimiento artístico "rebelde y revolucionario" a principios
del siglo XX, se dice que el arte dadaísta se creó por primera vez en un club
nocturno artístico en Zúrich, Suiza, llamado "Cabaret Voltaire" después de que
muchos creativos opuestos a la guerra buscaran refugio en el país. El movimiento
ganó impulso de 1916 a 1924 principalmente en Suiza, París y Nueva York, y
contó con obras de artistas notables como Hugo Ball (el fundador del movimiento),
Marcel Duchamp, Hans Arp y Sophie Taeuber-Arp, por nombrar algunos. Los
artistas de vanguardia radical querían ridiculizar la guerra y la cultura capitalista,
por lo que recurrieron a conceptos irracionales del arte que mostraban el humor,
cuestionando la autoridad y la realidad a través de un enfoque “antiarte”.
Esta experimentación inspiró a arquitectos como Otto Wagner, Erich Mendelsohn y
Adolf Loos a repensar la ornamentación, la forma y los materiales, creando
edificios que eran completamente diferentes a los que se estaban construyendo en
ese momento. El Pabellón de Cristal en Colonia, Alemania, de Bruno Taut, por
ejemplo, rompió la norma de la arquitectura y el diseño, siendo el primero de su
tipo en utilizar hormigón con una cúpula de cristal geométrica prominente. Kurt
Schwitters, arquitecto convertido en diseñador gráfico se hizo conocido por sus
instalaciones vanguardistas que creó en su propia casa, alterando el concepto de
espacio doméstico en algo completamente diferente y poco ortodoxo. El dadaísmo
allanó el camino para que muchos arquitectos reconsideraran la "arquitectura
tradicional" y fue uno de los primeros que inspiró a los arquitectos a mirar más allá
de la arquitectura y ver los edificios como esculturas, lanzando movimientos como
el deconstructivismo, uno de los estilos arquitectónicos más estudiados del siglo
XXI por Daniel Libeskind, Frank Gehry y Peter Cook, entre muchos otros grandes
nombres en el campo.

77
 BIBLIOGRAFIA

https://www.solidaridadobrera.org/ateneo_nacho/libros/Adriana%20Morales%20-%20Dadaismo.pdf

https://aulico.wordpress.com/wp-content/uploads/2008/05/presentacion-del-dadaismo-sexto-derecho-
2008.pdf

https://archivos.csif.es/archivos/andalucia/ensenanza/revistas/csicsif/revista/pdf/Numero_29/PEDRO
%20LUIS_%20PASCUAL%20LACAL_1.pdf

https://www.culturagenial.com/es/fauvismo/

https://www.archdaily.mx/mx/972845/5-movimientos-artisticos-que-influyeron-en-la-
arquitectura#:~:text=El%20dada%C3%ADsmo%20allan%C3%B3%20el%20camino,de%20los%20estilo
s%20arquitect%C3%B3nicos%20m%C3%A1s

https://www.capitaldelarte.com/arte-sus-principales-caracteristicas/

https://www.studocu.com/es-mx/document/universidad-del-arte/storia-dellarte/cuales-son-las-
caracteristicas-de-la-forma-en-el-arte/36948097

https://prezi.com/2cpai5wjtcr5/identificacion-de-las-caracteristicas-formales-del-arte-posmoderno-
arte-mexicano-1950-1985/

https://www.culturagenial.com/es/cubismo/c

https://concepto.de/cubismo/

https://www.ifema.es/noticias/arte/que-es-el-cubismo

https://hjck.com/cine-y-arte/que-es-el-cubismo-en-el-arte-rg10c
+

http://mayores.uji.es/wp-content/uploads/2019/01/Sesi%C3%B3n-10.-Abstracci%C3%B3n-
L%C3%ADrica-y-Geom%C3%A9trica.pdf

https://www.um.es/documents/3239701/10301477/vanguardias.pdf/6e9cf8df-2ee3-410d-9055-
d258b46f1ad7
https://www.coam.org/media/Default%20Files/fundacion/biblioteca/revista-urbanismo/docs-2/revista-
urbanismo-n32-pag24-31.pdf

78
 CONCLUSIÓN

El protoracionalismo y las vanguardias decimonónicas representan momentos

cruciales en la transición del arte y la arquitectura hacia la modernidad. Ambos
movimientos, aunque distintos en su enfoque y objetivos, compartieron un impulso
común hacia la renovación y la ruptura con las tradiciones del pasado. El
protoracionalismo sentó las bases para una arquitectura más funcional y lógica,
anticipando el desarrollo del racionalismo pleno y del movimiento moderno en el
siglo XX. Su enfoque en la funcionalidad, el uso de nuevos materiales y la
simplificación de la forma reflejó una respuesta directa a las necesidades de una
sociedad en transformación.

Por otro lado, las vanguardias decimonónicas, con su énfasis en la

experimentación y la subjetividad, cuestionaron las convenciones estéticas y
narrativas establecidas, abriendo el camino para las innovaciones artísticas que
definirían el siglo XX. Movimientos como el simbolismo, el modernismo temprano y
el art nouveau desafiaron las normas académicas, explorando nuevas formas de
expresión que buscaban capturar la complejidad de la experiencia humana y el
mundo moderno.

En conjunto, estos movimientos no solo marcaron el final de una era, sino que
también fueron precursores de la revolución artística y arquitectónica que
caracterizaría el siglo XX, influenciando profundamente las formas en que
entendemos y concebimos el arte y el entorno construido en la actualidad.

79