Peut-on écrire dans une maison Art Nouveau ? La cohérence et l'unité de style de ces intérieurs, ... more Peut-on écrire dans une maison Art Nouveau ? La cohérence et l'unité de style de ces intérieurs, pensés jusque dans leurs moindres détails par des architectes tout-puissants, semblent déposséder l'artiste et l' écrivain de leur habitat, et peut-être même de leur intériorité. Cet article propose d' étudier quelques textes de fiction qui, autour de 1900, mettent en scène esthètes et auteurs dans des intérieurs où l'Art Nouveau, souvent évoqué sous la figure maléfique et grimaçante du « modern style », empêche la création et suscite paradoxalement une écriture stimulée par la satire de ces murs-trop-à la page.
En 1890, Maurice Denis appelait de ses vœux une décoration du livre « sans servitude du texte » c... more En 1890, Maurice Denis appelait de ses vœux une décoration du livre « sans servitude du texte » consistant en « une broderie d’arabesques sur les pages, un accompagnement de lignes expressives ». L’ornementation linéaire qui investit le livre à la fin du siècle semble mettre en œuvre ce programme. Le livre devient alors un lieu où s’expérimentent de nouveaux nouages entre les arts et où s’inventent de nouveaux rapports entre lisible et visible. De l’amour de loin mis en abyme par l’ornementation de Mucha pour Ilsée, princesse de Tripoli à l’union libre du vers libre et de l’arabesque dans les éditions Deman en passant par le corps à corps de la reliure nancéienne, l’Art nouveau nous incite à filer la métaphore de l’hymen des arts effectué en mineur dans le livre, considéré lui-même comme objet d’art.
Marine Ganofsky et Jean-Alexandre Perras, "Le Siècle de la légèreté. Emergence d'un paradigme du XVIIIe siècle français", Liverpool, Liverpool University Press, 2019
Résumé: Il s’agit d’analyser les ressorts et les procédés de la caricature mirbellienne de l’Art ... more Résumé: Il s’agit d’analyser les ressorts et les procédés de la caricature mirbellienne de l’Art Nouveau telle qu’elle se déploie dans la critique d’art et dans l’œuvre romanesque. Si la fameuse courbe en « coup de fouet » est le signe abréviatif choisi par Mirbeau pour exprimer les multiples paradoxes qui travaillent l’Art Nouveau, l’article montre que la ligne abhorrée resurgit là où on l’attendait le moins, sur le capot de la 628-E8.
Nous proposons de voir comment se cristallisent et se reconfigurent ces discours autour de 1900, ... more Nous proposons de voir comment se cristallisent et se reconfigurent ces discours autour de 1900, dans le champ des arts décoratifs qui connaissent alors un véritable renouveau et suscitent autant d’intérêt que de polémiques. L’Art Nouveau, qui essaime dans toute l’Europe, se propose de mettre fin à l’historicisme et à l’imitation des styles anciens qui ont prévalu pendant tout le XIXe siècle. De fait, il se pose d’emblée comme une esthétique de la renaissance et de l’énergie qui puise son inspiration et son vocabulaire ornemental dans une observation minutieuse de la nature. Émile Gallé, célèbre verrier et ébéniste de Nancy, exhorte les artistes-artisans modernes à transposer la structure des végétaux dans leurs meubles, seule garantie d’ ‘un art plein de naturelle santé, vivant, humain et vrai’ tandis que Gabriel Mourey, féru de préraphaélisme et des théories de Morris, loue le pavillon Bing de l’Exposition universelle de 1900 en félicitant les artistes de la ‘la santé de leurs tendances’. L’isotopie de la maladie n’est donc pas seulement mobilisée par les opposants au nouveau style. Le sain et le malsain deviennent les critères qui permettent à ses partisans de distinguer le bon Art Nouveau du ‘modern style’, expression française souvent péjorative, utilisée pour discréditer un Art Nouveau dévoyé, extravagant, maniéré et cosmopolite. Si l’Art Nouveau s’attire les foudres de certains critiques dès son apparition en France en décembre 1895, lorsque Siegfried Bing ouvre la Maison de l’Art Nouveau rue de Provence, son triomphe à l’Exposition universelle de 1900 est presque aussitôt suivi de vives contestations qui amorcent et accompagnent son rapide déclin dans la première décennie du siècle. Nous proposons d’étudier trois types de pathologies régulièrement évoquées dans les textes, sérieux ou ludiques, sèchement polémiques ou plus légèrement satiriques, qui prennent l’Art Nouveau — ou son double grimaçant ‘modern style’ — pour cible. Nous tenterons de mettre au jour les stratégies rhétoriques qui les sous-tendent et de dégager les enjeux spécifiques à chaque type de maladie convoqué par les auteurs.
Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Chéret et d’Albert Besnard au prisme de la dan... more Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Chéret et d’Albert Besnard au prisme de la danse de Loïe Fuller : telle est l’hypothèse de cet article. Les correspondances suggérées entre danse et peinture par un subtil travail d’écriture permettent de dessiner les contours d’une esthétique moderne caractérisée par le travail sur la couleur, l’usage de l’électricité et un processus d’abstraction des formes qui rejoint la réflexion symboliste sur le rythme.
Peut-on écrire dans une maison Art Nouveau ? La cohérence et l'unité de style de ces intérieurs, ... more Peut-on écrire dans une maison Art Nouveau ? La cohérence et l'unité de style de ces intérieurs, pensés jusque dans leurs moindres détails par des architectes tout-puissants, semblent déposséder l'artiste et l' écrivain de leur habitat, et peut-être même de leur intériorité. Cet article propose d' étudier quelques textes de fiction qui, autour de 1900, mettent en scène esthètes et auteurs dans des intérieurs où l'Art Nouveau, souvent évoqué sous la figure maléfique et grimaçante du « modern style », empêche la création et suscite paradoxalement une écriture stimulée par la satire de ces murs-trop-à la page.
En 1890, Maurice Denis appelait de ses vœux une décoration du livre « sans servitude du texte » c... more En 1890, Maurice Denis appelait de ses vœux une décoration du livre « sans servitude du texte » consistant en « une broderie d’arabesques sur les pages, un accompagnement de lignes expressives ». L’ornementation linéaire qui investit le livre à la fin du siècle semble mettre en œuvre ce programme. Le livre devient alors un lieu où s’expérimentent de nouveaux nouages entre les arts et où s’inventent de nouveaux rapports entre lisible et visible. De l’amour de loin mis en abyme par l’ornementation de Mucha pour Ilsée, princesse de Tripoli à l’union libre du vers libre et de l’arabesque dans les éditions Deman en passant par le corps à corps de la reliure nancéienne, l’Art nouveau nous incite à filer la métaphore de l’hymen des arts effectué en mineur dans le livre, considéré lui-même comme objet d’art.
Marine Ganofsky et Jean-Alexandre Perras, "Le Siècle de la légèreté. Emergence d'un paradigme du XVIIIe siècle français", Liverpool, Liverpool University Press, 2019
Résumé: Il s’agit d’analyser les ressorts et les procédés de la caricature mirbellienne de l’Art ... more Résumé: Il s’agit d’analyser les ressorts et les procédés de la caricature mirbellienne de l’Art Nouveau telle qu’elle se déploie dans la critique d’art et dans l’œuvre romanesque. Si la fameuse courbe en « coup de fouet » est le signe abréviatif choisi par Mirbeau pour exprimer les multiples paradoxes qui travaillent l’Art Nouveau, l’article montre que la ligne abhorrée resurgit là où on l’attendait le moins, sur le capot de la 628-E8.
Nous proposons de voir comment se cristallisent et se reconfigurent ces discours autour de 1900, ... more Nous proposons de voir comment se cristallisent et se reconfigurent ces discours autour de 1900, dans le champ des arts décoratifs qui connaissent alors un véritable renouveau et suscitent autant d’intérêt que de polémiques. L’Art Nouveau, qui essaime dans toute l’Europe, se propose de mettre fin à l’historicisme et à l’imitation des styles anciens qui ont prévalu pendant tout le XIXe siècle. De fait, il se pose d’emblée comme une esthétique de la renaissance et de l’énergie qui puise son inspiration et son vocabulaire ornemental dans une observation minutieuse de la nature. Émile Gallé, célèbre verrier et ébéniste de Nancy, exhorte les artistes-artisans modernes à transposer la structure des végétaux dans leurs meubles, seule garantie d’ ‘un art plein de naturelle santé, vivant, humain et vrai’ tandis que Gabriel Mourey, féru de préraphaélisme et des théories de Morris, loue le pavillon Bing de l’Exposition universelle de 1900 en félicitant les artistes de la ‘la santé de leurs tendances’. L’isotopie de la maladie n’est donc pas seulement mobilisée par les opposants au nouveau style. Le sain et le malsain deviennent les critères qui permettent à ses partisans de distinguer le bon Art Nouveau du ‘modern style’, expression française souvent péjorative, utilisée pour discréditer un Art Nouveau dévoyé, extravagant, maniéré et cosmopolite. Si l’Art Nouveau s’attire les foudres de certains critiques dès son apparition en France en décembre 1895, lorsque Siegfried Bing ouvre la Maison de l’Art Nouveau rue de Provence, son triomphe à l’Exposition universelle de 1900 est presque aussitôt suivi de vives contestations qui amorcent et accompagnent son rapide déclin dans la première décennie du siècle. Nous proposons d’étudier trois types de pathologies régulièrement évoquées dans les textes, sérieux ou ludiques, sèchement polémiques ou plus légèrement satiriques, qui prennent l’Art Nouveau — ou son double grimaçant ‘modern style’ — pour cible. Nous tenterons de mettre au jour les stratégies rhétoriques qui les sous-tendent et de dégager les enjeux spécifiques à chaque type de maladie convoqué par les auteurs.
Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Chéret et d’Albert Besnard au prisme de la dan... more Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Chéret et d’Albert Besnard au prisme de la danse de Loïe Fuller : telle est l’hypothèse de cet article. Les correspondances suggérées entre danse et peinture par un subtil travail d’écriture permettent de dessiner les contours d’une esthétique moderne caractérisée par le travail sur la couleur, l’usage de l’électricité et un processus d’abstraction des formes qui rejoint la réflexion symboliste sur le rythme.
Le conte merveilleux, autour de 1900, semble chercher l’effet poétique dans un devenir-bibelot. N... more Le conte merveilleux, autour de 1900, semble chercher l’effet poétique dans un devenir-bibelot. Non seulement le bibelot, sous les auspices de l’Art nouveau, s’affirme comme « matière à poésie », selon le mot d’Émile Gallé, mais il s’offre aussi comme une prouesse poïétique, un miracle de condensation d’une atmosphère, d’une émotion. Miniature verbale (le conte) et miniature plastique (l’objet d’art) s’apparient alors au nom de leur commune poésie. Si la poésie du bibelot stimule l’écriture du conte, transformant les chroniques d’art décoratif en réécritures de Cendrillon ou de Barbe-Bleue, le conte fin-de-siècle se pense réciproquement comme l’enchâssement fragile d’un héritage littéraire menacé.
Dans la préface à l’édition définitive de ses recueils poétiques chez Georges Richard (1906), Rob... more Dans la préface à l’édition définitive de ses recueils poétiques chez Georges Richard (1906), Robert de Montesquiou désigne "Les Perles rouges" comme le pivot de l’œuvre. À en croire l’écrivain, les sonnets historiques publiés en 1899 se distingueraient des premiers volumes, qui « paraissent avoir pour mission de travailler eux-mêmes à la rédaction de notre moi ». Les Perles rouges signalerait alors le moment d’une ressaisie de l’éthos auctorial. Cet article tente de situer ce geste éditorial au sein des enjeux éthiques qui dominent la carrière littéraire de Robert de Montesquiou, durablement affectée par l’assimilation de l’écrivain au personnage de des Esseintes. S’il convient de relativiser les démarcations rétrospectives proposées par le poète, il s’agit de montrer en quoi les "Perles rouges" construit un éthos sensiblement différent de celui qui prévaut dans la majorité des recueils publiés par Montesquiou au cours des années 1890. Article en ligne : http://babel.revues.org/4641
Par quel curieux paradoxe l’Art Nouveau peut-il devenir l’autre nom de la Décadence ? Par quel miracle ce qui se proclame comme renaissance des arts décoratifs se voit-il associé à ce qui tombe, dépérit, meurt? La Décadence n’est-elle qu’un dévoiement de l’Art Nouveau, ce “modern style” que les Français fustigent comme une dangereuse émanation du cosmopolitisme? Ou, plus fondamentalement, la Décadence est-elle consubstantielle à l’Art Nouveau qui ne ferait qu’usurper son nom pour mieux masquer ce qu’il contient de morbide et de déliquescent? L’exemple du bijoutier René Lalique (1860-1945), figure emblématique du renouveau des arts décoratifs français au tournant du siècle, nous paraît apte à éclairer la question et à en déplier les différents enjeux.
Le 18 juin 1905, Raymond Bouyer fait dans Le Ménestrel l’inventaire de la décadence culturelle de l’époque: “Intimisme, art nouveau, modern style, bijoux de Lalique et symbolisme ondoyant du vers libre! C’est le triomphe de l’invertébré”. Lalique a l’ironique privilège de voir son nom cité dans ce condensé de l’esprit du temps, placé entre un “art nouveau” dégénéré en “modern style” et l’évocation de la poésie symboliste. Raymond Bouyer, fervent partisan de la notion d’eurythmie, s’en prend à tout ce qui selon lui représente l’affaissement des formes, la menace de l’amorphe qui constitue une véritable “obsession fin-de-siècle” comme l’a montré Évanghelia Stead (2009, 339-357). Il semble en effet que Lalique cristallise une partie des ambivalences de l’Art Nouveau et de sa réception autour de 1900. Ses bijoux sont tantôt associés à l’esthétique décadente, tantôt décrits comme un art rajeuni et plein de promesses, rompant avec les obsessions des émules de des Esseintes. On pourrait considérer ces discours contradictoires comme simplement juxtaposés, exprimant deux opinions opposées sur l’art de Lalique, chacune contenant sa part de vérité. Cependant, l’infinie réversibilité des mots que les critiques font tourner sur eux-mêmes à la charnière du siècle incite plutôt à envisager ces discours comme des constructions rhétoriques permettant à leurs auteurs de prendre position dans le champ littéraire et artistique, de se positionner dans les débats esthétiques qui agitent le tournant du siècle.
Les bijoux de Lalique deviennent alors autant de prismes qui reflètent et réfractent les interrogations et les angoisses d’une époque où la décadence, ce “mot [qui] en arrive à ne plus avoir que le sens qu’on a intérêt à lui donner” (Gourmont 1964, 104) tient une place centrale, qu’elle soit explicitement mentionnée ou plus allusivement évoquée par des figures, des noms d’auteurs ou un imaginaire parfois réduit à une imagerie stéréotypée.
Pierre-Jean Dufief, Gabrielle Mélison-Hirchwald (dir.), Écrire en artistes : des Goncourt à Proust , Apr 2016
Chroniqueur des Expositions universelles de 1889 et de 1900, ami de Lalique et de Sarah Bernhardt... more Chroniqueur des Expositions universelles de 1889 et de 1900, ami de Lalique et de Sarah Bernhardt, amateur de Gallé, du sculpteur Lachenal, hanté comme eux par les toiles préraphaélites, Jean Lorrain prend une part active à la diffusion et à la promotion de l'Art Nouveau, dans une perspective nationaliste représentative des discours de l'époque. Samuel Bing, décrié en 1895 lorsqu'il ouvre « La Maison de l'Art Nouveau » jugée trop cosmopolite, sera réhabilité en 1900 pour avoir mis en valeur les productions françaises dans son pavillon de l’Exposition. Après l’avoir visité, Lorrain écrit dans une chronique datée du 12 octobre 1900 :
"Eh bien, cette fois, le dernier pas est fait, le Rubicon est franchi, le « Style nouveau » est né, le style de 1900, éclos sous l’inspiration de Monsieur Bing […] et cette maison de l’ « Art Nouveau » […] non seulement l’opinion publique l’a consacrée en France, mais le goût de l’étranger vient de la reconnaître […] Ainsi l’Allemagne, la Suisse et le Japon même viennent s’inspirer à l’Art Nouveau et, cet hommage de l’étranger, nous le retrouvons à chaque pas."
Cette contribution s'attachera donc à montrer comment le merveilleux peut être le terrain d'une rencontre entre littérature et Art Nouveau, et peut-être plus que le terrain d'une rencontre, l'espace d'influences réciproques, d'échanges, voire de concurrences et de rivalités qui interrogent les possibilités de celui qui veut écrire en artiste autour de 1900.
Colloque "La Belle Époque a-t-elle été virale ? Circulation, diffusion, reproduction des images e... more Colloque "La Belle Époque a-t-elle été virale ? Circulation, diffusion, reproduction des images et des textes dans les périodiques au tournant du siècle (1870-1930)", organisé par Julien Schuh à l'université Paris-Nanterre, le 25 juin 2020.
Résumé
Cet article s’intéresse aux références à l’architecture Art Nouveau dans le film The Da... more Résumé
Cet article s’intéresse aux références à l’architecture Art Nouveau dans le film The Danish Girl de Tom Hooper (2015) qui raconte la vie de la première femme transgenre à avoir accompli une transition. Pour Hooper, l’Art Nouveau est la manière d’exprimer cinématographiquement la coïncidence entre l’essor artistique du Paris du début du XXe siècle, la subversion de l’ordre du genre et la révolution intime du peintre Einar Wegener dont la métamorphose en Lili Elbe s’accomplit au sein et au rythme des volutes Art Nouveau. Nous étudierons la mise en scène de cette éclosion en resituant les choix du réalisateur dans l’histoire longue de la réception de l’Art Nouveau qui apparaît, à bien des égards, comme un style de (la) transition et du trouble de l’identité.
Mots clés : Art Nouveau ; genre ; transgenre ; Hooper ; Bruxelles ; Horta ; Art Déco
Abstract
This article deals with the presence of Art Nouveau architecture in The Danish Girl, by Tom Hooper (2015). This film tells the story of the first male to female transition surgery. According to Hooper, Art Nouveau enables to show, by cinematographic means, the link between artistic modernity of Paris in the early XXth century, the subversion of gender order, and the transformation of the painter Einar Wegener into Lili Elbe. We will study the representation of this metamorphosis in the Art Nouveau scenery which appears as a design of transition and identity trouble.
Keywords : Art Nouveau ; gender ; queer ; Hooper ; Brussells ; Horta ; Art Deco
IIIe Congrès Coup de Fouet (Version de travail), 2018
Cet article s'intéresse aux références à l'architecture Art Nouveau dans le film The Danish Girl ... more Cet article s'intéresse aux références à l'architecture Art Nouveau dans le film The Danish Girl de Tom Hooper (2015) qui raconte la vie de la première femme transgenre à avoir accompli une transition. Pour Hooper, l'Art Nouveau est la manière d'exprimer cinématographiquement la coïncidence entre l'essor artistique du Paris du début du XX e siècle, la subversion de l'ordre du genre et la révolution intime du peintre Einar Wegener dont la métamorphose en Lili Elbe s'accomplit au sein et au rythme des volutes Art Nouveau. Nous étudierons la mise en scène de cette éclosion en resituant les choix du réalisateur dans l'histoire longue de la réception de l'Art Nouveau qui apparaît, à bien des égards, comme un style de (la) transition et du trouble de l'identité. Abstract Art Nouveau in Transition (The Danish Girl, Tom Hooper, 2015)
Compte-rendu de l'exposition du Musée des Avelines de Saint-Cloud
Publié sur La Tribune de l'art... more Compte-rendu de l'exposition du Musée des Avelines de Saint-Cloud
Introduction et conclusion prononcées lors du colloque "Fin-de-siècle : fin de l'art?" (Paris, 20... more Introduction et conclusion prononcées lors du colloque "Fin-de-siècle : fin de l'art?" (Paris, 20-21 mai 2016)
Les arts decoratifs s’invitent dans la recherche proustienne. En 2013 paraissait Marcel Proust et... more Les arts decoratifs s’invitent dans la recherche proustienne. En 2013 paraissait Marcel Proust et les arts decoratifs sous la direction de Boris Gibhardt et Julie Ramos1, dont les contributions envisageaient plusieurs aspects du decoratif dans l’univers proustien, du japonisme aux Ballets russes. Le Rastaquarium de Sophie Basch propose une lecture erudite et inedite du « modern style » dans la Recherche, entre esthetique et politique. Avec cet ouvrage dense et precis, fourmillant de references culturelles et enrichi d’une tres belle iconographie (en grande partie inedite), l’auteur nous plonge dans le bain du Rastaquarium, mot-valise forge par Georges Maurevert (mais aussi revendique par Willy) cense resumer les deux traits essentiels de ce qu’on appelle alors le « modern style » : style sous-marin, style rastaquouere et cosmopolite. Le « modern style » ou les mirages d’un nomTout commence avec l’Art nouveau, mouvement europeen de renaissance des arts decoratifs qui prend racine dan...
Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Cheret et d’Albert Besnard au prisme de la dan... more Georges Rodenbach regarderait la peinture de Jules Cheret et d’Albert Besnard au prisme de la danse de Loie Fuller : telle est l’hypothese de cet article. Les correspondances suggerees entre danse et peinture par un subtil travail d’ecriture permettent de dessiner les contours d’une esthetique moderne caracterisee par le travail sur la couleur, l’usage de l’electricite et un processus d’abstraction des formes qui rejoint la reflexion symboliste sur le rythme.
EnglishIn 1890, Maurice Denis expressed his hopes that books be decorated « with no servicing of ... more EnglishIn 1890, Maurice Denis expressed his hopes that books be decorated « with no servicing of the text », consisting in « arabesques embroidered upon the page, an expressive line accompaniment ». The linear ornamentation which takes over books at the end of the century seems to put this program in action. Books become a locus for the experimentation of new links between the arts and for the invention of new relationships between the visible and the readable. From love at a distance mis en abyme by Mucha’s ornamentation for Ilsee, princesse de Tripoli to the open marriage of free verse and arabesque in the editions produced by Deman through the physicality of Nancy bindings, Art nouveau invites us to extend the metaphor of the artistic hymen realised in the books in question seen as works of art francaisEn 1890, Maurice Denis appelait de ses vœux une decoration du livre « sans servitude du texte » consistant en « une broderie d’arabesques sur les pages, un accompagnement de lignes expressives ». L’ornementation lineaire qui investit le livre a la fin du siecle semble mettre en œuvre ce programme. Le livre devient alors un lieu ou s’experimentent de nouveaux nouages entre les arts et ou s’inventent de nouveaux rapports entre lisible et visible. De l’amour de loin mis en abyme par l’ornementation de Mucha pour Ilsee, princesse de Tripoli a l’union libre du vers libre et de l’arabesque dans les editions Deman en passant par le corps a corps de la reliure nanceienne, l’Art nouveau nous incite a filer la metaphore de l’hymen des arts effectue en mineur dans le livre considere lui-meme comme objet d’art
Le conte merveilleux, autour de 1900, semble chercher l’effet poetique dans un devenir-bibelot. N... more Le conte merveilleux, autour de 1900, semble chercher l’effet poetique dans un devenir-bibelot. Non seulement le bibelot, sous les auspices de l’Art nouveau, s’affirme comme « matiere a poesie », selon le mot d’Emile Galle, mais il s’offre aussi comme une prouesse poietique, un miracle de condensation d’une atmosphere, d’une emotion. Miniature verbale (le conte) et miniature plastique (l’objet d’art) s’apparient alors au nom de leur commune poesie. Si la poesie du bibelot stimule l’ecriture du conte, transformant les chroniques d’art decoratif en reecritures de Cendrillon ou de Barbe-Bleue, le conte fin-de-siecle se pense reciproquement comme l’enchâssement fragile d’un heritage litteraire menace.
En janvier 2014 etait publie En finir avec Eddy Bellegueule d'Edouard Louis. Ce premier roman... more En janvier 2014 etait publie En finir avec Eddy Bellegueule d'Edouard Louis. Ce premier roman, qui raconte a la premiere personne la vie d'un jeune garcon gay issue d'une famille ouvriere habitant un village de la Somme, de sa petite enfance jusqu'a sa fuite vers la ville et les debuts d'une vie nouvelle d'intellectuel, a d'abord ete recu comme un document. Edouard Louis, deja directeur d'un livre collectif sur l'oeuvre de Pierre Bourdieu , se glisserait dans les pas de Didier Eribon (a qui le livre est dedie), lui-meme auteur de Retour a Reims, pour livrer une analyse de type sociologique a partir de sa trajectoire personnelle de jeune homme gay et transfuge de classe. Pourtant, le livre d'Edouard Louis semble operer un double geste. Il se presente d'abord explicitement comme un « roman », et la mention figure juste en dessous du titre sur la page de couverture du livre. Aucune reference precise, aucune note en bas de page, comme chez Did...
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Ouvrages, mémoires, thèse by Cyril Barde
Articles by Cyril Barde
http://oic.uqam.ca/fr/remix/la-chair-apercue-piege-et-fetiche-une-lecture-de-lhomme-au-bracelet-de-jean-lorrain
Si l’Art Nouveau s’attire les foudres de certains critiques dès son apparition en France en décembre 1895, lorsque Siegfried Bing ouvre la Maison de l’Art Nouveau rue de Provence, son triomphe à l’Exposition universelle de 1900 est presque aussitôt suivi de vives contestations qui amorcent et accompagnent son rapide déclin dans la première décennie du siècle. Nous proposons d’étudier trois types de pathologies régulièrement évoquées dans les textes, sérieux ou ludiques, sèchement polémiques ou plus légèrement satiriques, qui prennent l’Art Nouveau — ou son double grimaçant ‘modern style’ — pour cible. Nous tenterons de mettre au jour les stratégies rhétoriques qui les sous-tendent et de dégager les enjeux spécifiques à chaque type de maladie convoqué par les auteurs.
http://oic.uqam.ca/fr/remix/la-chair-apercue-piege-et-fetiche-une-lecture-de-lhomme-au-bracelet-de-jean-lorrain
Si l’Art Nouveau s’attire les foudres de certains critiques dès son apparition en France en décembre 1895, lorsque Siegfried Bing ouvre la Maison de l’Art Nouveau rue de Provence, son triomphe à l’Exposition universelle de 1900 est presque aussitôt suivi de vives contestations qui amorcent et accompagnent son rapide déclin dans la première décennie du siècle. Nous proposons d’étudier trois types de pathologies régulièrement évoquées dans les textes, sérieux ou ludiques, sèchement polémiques ou plus légèrement satiriques, qui prennent l’Art Nouveau — ou son double grimaçant ‘modern style’ — pour cible. Nous tenterons de mettre au jour les stratégies rhétoriques qui les sous-tendent et de dégager les enjeux spécifiques à chaque type de maladie convoqué par les auteurs.
https://books.google.fr/books?id=y-22DQAAQBAJ&pg=PA158&lpg=PA158&dq=montesquiou+cyril+barde&source=bl&ots=8n8KydDGlb&sig=sSxeUhsMAkcFdqyFKNAGYflSGgg&hl=fr&sa=X&ved=0ahUKEwiU6MDczbzRAhWC1xoKHZigAOQQ6AEIWDAN#v=onepage&q=montesquiou%20cyril%20barde&f=false
Par quel curieux paradoxe l’Art Nouveau peut-il devenir l’autre nom de la Décadence ? Par quel miracle ce qui se proclame comme renaissance des arts décoratifs se voit-il associé à ce qui tombe, dépérit, meurt? La Décadence n’est-elle qu’un dévoiement de l’Art Nouveau, ce “modern style” que les Français fustigent comme une dangereuse émanation du cosmopolitisme? Ou, plus fondamentalement, la Décadence est-elle consubstantielle à l’Art Nouveau qui ne ferait qu’usurper son nom pour mieux masquer ce qu’il contient de morbide et de déliquescent? L’exemple du bijoutier René Lalique (1860-1945), figure emblématique du renouveau des arts décoratifs français au tournant du siècle, nous paraît apte à éclairer la question et à en déplier les différents enjeux.
Le 18 juin 1905, Raymond Bouyer fait dans Le Ménestrel l’inventaire de la décadence culturelle de l’époque: “Intimisme, art nouveau, modern style, bijoux de Lalique et symbolisme ondoyant du vers libre! C’est le triomphe de l’invertébré”. Lalique a l’ironique privilège de voir son nom cité dans ce condensé de l’esprit du temps, placé entre un “art nouveau” dégénéré en “modern style” et l’évocation de la poésie symboliste. Raymond Bouyer, fervent partisan de la notion d’eurythmie, s’en prend à tout ce qui selon lui représente l’affaissement des formes, la menace de l’amorphe qui constitue une véritable “obsession fin-de-siècle” comme l’a montré Évanghelia Stead (2009, 339-357). Il semble en effet que Lalique cristallise une partie des ambivalences de l’Art Nouveau et de sa réception autour de 1900. Ses bijoux sont tantôt associés à l’esthétique décadente, tantôt décrits comme un art rajeuni et plein de promesses, rompant avec les obsessions des émules de des Esseintes. On pourrait considérer ces discours contradictoires comme simplement juxtaposés, exprimant deux opinions opposées sur l’art de Lalique, chacune contenant sa part de vérité. Cependant, l’infinie réversibilité des mots que les critiques font tourner sur eux-mêmes à la charnière du siècle incite plutôt à envisager ces discours comme des constructions rhétoriques permettant à leurs auteurs de prendre position dans le champ littéraire et artistique, de se positionner dans les débats esthétiques qui agitent le tournant du siècle.
Les bijoux de Lalique deviennent alors autant de prismes qui reflètent et réfractent les interrogations et les angoisses d’une époque où la décadence, ce “mot [qui] en arrive à ne plus avoir que le sens qu’on a intérêt à lui donner” (Gourmont 1964, 104) tient une place centrale, qu’elle soit explicitement mentionnée ou plus allusivement évoquée par des figures, des noms d’auteurs ou un imaginaire parfois réduit à une imagerie stéréotypée.
"Eh bien, cette fois, le dernier pas est fait, le Rubicon est franchi, le « Style nouveau » est né, le style de 1900, éclos sous l’inspiration de Monsieur Bing […] et cette maison de l’ « Art Nouveau » […] non seulement l’opinion publique l’a consacrée en France, mais le goût de l’étranger vient de la reconnaître […] Ainsi l’Allemagne, la Suisse et le Japon même viennent s’inspirer à l’Art Nouveau et, cet hommage de l’étranger, nous le retrouvons à chaque pas."
Cette contribution s'attachera donc à montrer comment le merveilleux peut être le terrain d'une rencontre entre littérature et Art Nouveau, et peut-être plus que le terrain d'une rencontre, l'espace d'influences réciproques, d'échanges, voire de concurrences et de rivalités qui interrogent les possibilités de celui qui veut écrire en artiste autour de 1900.
Cet article s’intéresse aux références à l’architecture Art Nouveau dans le film The Danish Girl de Tom Hooper (2015) qui raconte la vie de la première femme transgenre à avoir accompli une transition. Pour Hooper, l’Art Nouveau est la manière d’exprimer cinématographiquement la coïncidence entre l’essor artistique du Paris du début du XXe siècle, la subversion de l’ordre du genre et la révolution intime du peintre Einar Wegener dont la métamorphose en Lili Elbe s’accomplit au sein et au rythme des volutes Art Nouveau. Nous étudierons la mise en scène de cette éclosion en resituant les choix du réalisateur dans l’histoire longue de la réception de l’Art Nouveau qui apparaît, à bien des égards, comme un style de (la) transition et du trouble de l’identité.
Mots clés : Art Nouveau ; genre ; transgenre ; Hooper ; Bruxelles ; Horta ; Art Déco
Abstract
This article deals with the presence of Art Nouveau architecture in The Danish Girl, by Tom Hooper (2015). This film tells the story of the first male to female transition surgery. According to Hooper, Art Nouveau enables to show, by cinematographic means, the link between artistic modernity of Paris in the early XXth century, the subversion of gender order, and the transformation of the painter Einar Wegener into Lili Elbe. We will study the representation of this metamorphosis in the Art Nouveau scenery which appears as a design of transition and identity trouble.
Keywords : Art Nouveau ; gender ; queer ; Hooper ; Brussells ; Horta ; Art Deco
Publié sur La Tribune de l'art http://www.latribunedelart.com/emile-verhaeren-poete-et-passeur-d-art-1855-1916
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