Objet encore assez peu étudié, le groupe littéraire pose d’emblée la question du régime de singul... more Objet encore assez peu étudié, le groupe littéraire pose d’emblée la question du régime de singularité et de collectivisme : le terme même de groupe suggère une éco-nomie, un modus vivendi qui ne se retrouve ni dans l’école ni dans le mouvement. Notre objectif est de proposer une réflexion interrogeant à nouveaux frais la notion de groupe à une époque (1910-1914) qui se prête à une nouvelle tentative de périodisation, laquelle se caractériserait par un rejet des formes coercitives de regroupement. Plus particulièrement, le groupe des poètes fantaisistes du début du XXe siècle nous a paru représentatif a priori des mutations à l’œuvre. La spécificité des fantaisistes réside indéniablement dans le refus stratégique et esthétique du dogmatisme et du prosélytisme, ainsi qu’une auto-représentation qui se veut le contraire des habitudes rhétoriques des écoles littéraires contemporaines. La labilité d’une telle position pose rapidement des problèmes d’ordre méthodologique comme celui de délimiter les contours d’une entité qui ne les connaît pas elle-même ; peut-être convient-il alors davantage de repenser chaque groupement comme unité mobile d’un réseau, dont le contact avec une autre unité crée des frictions qui peuvent faire passer un membre d’un groupe à un autre selon ses dispositions et l’altération de son habitus. Le groupe fantaisiste permet une mise en perspective des processus assurant une pérennité de fait et une reconnaissance par la critique, en ce sens qu’il constitue un cas problématique : le mode d’évocation privilégié par ses membres est celui de l’élégie, conditionné par des paramètres historico-biographiques (la Grande Guerre décime le groupe) et renforcé par un regard rétrospectif qui considère presque cette aventure comme un événement non advenu. De sorte que l’entité fantaisiste fait l’objet, par ses propres composantes, d’une certaine minoration, voire d’une péjoration qui se manifeste dans le paradoxe suivant : l’exhibition d’une fragilité structurelle et essentielle (la réticence à se manifester et la reconnaissance tardive d’un certain opportunisme) n’oblitère pas l’existence du groupe mais la réaffirme en négatif. Il conviendra de se demander si les mécanismes discernables dans le groupe fantaisiste ressortissent d’une spécificité exclusive ou s’ils ne sont pas l’indice d’une généralisation dans les procédés revendicatifs propres au champ littéraire. D’autres groupes contemporains ont adopté des stratégies similaires et la critique elle-même envisage une réévaluation de ses catégories classificatoires au sein desquelles, pour citer Paul Aeschimann, « le groupement prenait la place de l’école ».
Une polémique s'est élevée autour de la philosophie nietzschéenne, dans les pages du Mercure ... more Une polémique s'est élevée autour de la philosophie nietzschéenne, dans les pages du Mercure de France, en 1908 et 1909, entre Louis Dumur et Jules de Gaultier. Une lecture de cet échange dans le contexte particulier de la réception du philosophe allemand au début du XXe siècle permet d'évaluer dans quelle mesure l'interprétation de Dumur marque tantôt une rupture tantôt un prolongement avec la perception de ses contemporains.
La fantaisie figure au rang de ces nombreuses notions problematiques dont le xixe siecle a le sec... more La fantaisie figure au rang de ces nombreuses notions problematiques dont le xixe siecle a le secret et a travers lesquelles le debat litteraire et artistique de l’epoque s’est construit. Etudier la fantaisie, c’est etre face a une notion que l’on sait au cœur des preoccupations esthetiques de tout un siecle a partir du romantisme mais qui ne se laisse pas reduire a une formule unique convaincante, c’est etre face a une evidence mais qui s’est jusqu’ici toujours refusee a etre fixee par aucune etiquette.La notion, tant alors qu’aujourd’hui, exerce une reelle seduction et tout se passe comme si le terme de fantaisie, comme l’a dit Bernard Vouilloux, tenait « sa force d’imposition du flou qu’il autorise 1 ». La fantaisie, a l’evidence, doit une part de son durable succes au fait qu’il semble s’agir d’une notion fourre‑tout, capable de se preter aux besoins de chacun, de se plier a toutes les contradictions. Tout en fascinant, elle egare tant elle est complaisante aux fantaisies de cha...
Parmi les reponses apportees a la crise du langage definie par Mallarme, quelle importance peut e... more Parmi les reponses apportees a la crise du langage definie par Mallarme, quelle importance peut etre accordee a celle des poetes fantaisistes du debut du XXe siecle ? Cette these propose de reinterroger a nouveaux frais les apports esthetiques d’un groupe pour le moins heterogene dans le concert des avant-gardes. Il s’agit dans un premier temps de retracer les etapes de la constitution d’une entite collective a l’existence fugace, car la trajectoire du groupe fantaisiste l’apparente a une comete engloutie par le cataclysme de la Grande Guerre. L’approche sociologique, etayee par des archives encore peu exploitees, nous renseigne a la fois sur les prolegomenes d’une experience commune et les ramifications du souvenir nostalgique longtemps apres que le groupe aura cesse d’exister sous sa forme premiere. Il convient ensuite d’examiner le contenu notionnel de la fantaisie en tant qu’element fondateur d’une poetique polymorphe qui joint a un respect de la tradition poetique francaise le ...
Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut également... more Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut également poète. Les deux recueils qui jalonnent son parcours, Les Chants modernes (1855) et Les Convictions (1857), restituent à la fois des thématiques romantiques bien connues et des tentatives aventureuses et remarquées vers la modernité technique de ce milieu du XIXe siècle. En dépit d'une facture traditionnelle, les vers de Maxime Du Camp posent la question d'une forme d'engagement littéraire et idéologique.
A la lecture de la litterature critique contemporaine de Georges Eekhoud, il semblerait que ce de... more A la lecture de la litterature critique contemporaine de Georges Eekhoud, il semblerait que ce dernier, qui, comme la plupart des ecrivains de son epoque, entra dans le royaume des Lettres par le portique de la poesie, n’ait fait que s’egarer dans ses premieres tentatives versifiees. Remy de Gourmont ne dit rien de ces premiers essais et, tout en admettant la qualite plastique du vocabulaire qu’il utilise, ne dote l’œuvre d’Eekhoud d’aucune qualite proprement poetique : Jouant un peu sur le m...
The parallel urge of introspection and meditation which comes with the evocation of silence acts ... more The parallel urge of introspection and meditation which comes with the evocation of silence acts as landmark for a whole current of fin de siecle literature. The symbolist era gives the impression that its actors were obsessedwith silence. Symbolist poetry took possession of silence as a way to encapsulate the ineffability of feelings and the various states of mind it explored, leaning towards an aesthetical mysticism. Yet that tendency soon turned into a form of cliché that opened a path towards parody, silence becoming a stigma of the ideological shortcomings of symbolism in the eye of its detractors. The attempt to seize the silence led to a harsh confrontation with void.
En mai 1914, André Salmon donne une conférence sur la poésie au Théâtre du Vieux Colombier, qui p... more En mai 1914, André Salmon donne une conférence sur la poésie au Théâtre du Vieux Colombier, qui place Apollinaire parmi la constellation des poètes fantaisistes qui s’est stabi-lisée dans le ciel des petites revues depuis 1912. Une suite de dénégations amébées de la part de Salmon et du poète d’Alcools a mis fin à un rapprochement qui n’est pas le simple fruit d’une manœuvre du champ littéraire. Apollinaire a véritablement fréquenté le groupe des poètes fantaisistes et son esthétique s’est enrichie à leur contact autant qu’elle leur a donné matière à réflexion dans leur démarche de fantaisistes. À la suite de Pierre Tranchesse qui identifiait « chez les Fantaisistes, bon nombre des idées qu’Apollinaire a rassemblées pour définir “l’esprit nouveau ” », nous entendons nous interroger à nouveaux frais, sur les rapports de la poésie et de la prose d’Apollinaire avec le courant fantaisiste tel qu’il s’est développé dans la première décennie du XXe siècle. Nous reviendrons bien sûr sur certains aspects biographiques (la figure d’Apollinaire telle qu’elle surnage dans les souvenirs des membres du groupe comme Francis Carco), ainsi que sur la réception sélective par les fantaisistes de l’œuvre d’Apollinaire, davantage poète de « La Chanson du Mal Aimé » que celui des poèmes-conversations, et conteur de L’Hérésiarque et Cie plutôt que dramaturge des Mamelles de Tirésias ; enfin, nous envisageons de revenir, de manière nécessairement parcellaire mais synthétique, sur les aspects formels des textes poétiques d’Apollinaire et du groupe fantaisiste, dans une perspective comparatiste qui puisse rendre compte des proximités esthétiques les plus manifestes.
Bien qu’ils appartiennent à des générations différentes, Francis Carco (1886-1958) et André Harde... more Bien qu’ils appartiennent à des générations différentes, Francis Carco (1886-1958) et André Hardellet (1911-1974) ont ceci de commun qu’ils furent de grands arpenteurs de la région parisienne. À travers leurs récits ou leurs souvenirs, ils contribuent à une sédimentation des espaces dont les strates font se côtoyer reconstruction fictionnelle et suggestivité mémo-rielle. C’est à la faveur d’itinéraires éprouvés personnellement que Carco et Hardellet ont fa-çonné une esthétique de la marche d’autant plus notable qu’elle mêle vestiges biographiques, souvenirs de lecture et rêverie topographique. La marche est liée à une poétique de l’espace, pour reprendre le titre d’un ouvrage de Bachelard, qui place l’auteur dans le pli du lieu et du temps, alors que « l’esprit du marcheur superpose d’autres chemins, d’autres terres, à ceux qu’il emprunte, à celles qu’il traverse . » Cette dynamique se joue à plein dans deux genres qui, sans se confondre, partagent des territoires à leurs confins, et dont les œuvres de Carco et Hardellet sont représentatives : les mémoires du premier s’agencent autour de lieux parcourus selon divers itinéraires, De Montmartre au Quartier latin, comme il le vectorise par exemple dans ce titre d’un volume paru à la fin des années vingt, promeneur attentif à « cette baroque sensation d’être et avoir été » ; les récits et fragments du second, l’univers imaginaire dont ils sourdent, sont étroite-ment liés à la marche, à la promenade qui « commence […] sur un sol dont chacun a pu éprouver les sévères exigences pour se prolonger sur un autre plan, dans une autre dimension où rien ne vous sera donné gratuitement, malgré l’opinion commune . » Nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais les œuvres de ces deux piétons de Paris à l’aune de cet embrayeur esthétique, tout autant que phénoménologique, de la marche.
D'outre-tombe: vie et destin des oeuvres posthumes, actes édités par Aurélien d'Avout et Alex Pepino, Publications numériques du CEREdI, 2020
Nombreux furent les écrivains qui, de bonne ou mauvais grâce, prirent part aux com-bats de la Pre... more Nombreux furent les écrivains qui, de bonne ou mauvais grâce, prirent part aux com-bats de la Première Guerre mondiale. L’expérience du front a nourri une littérature de genre qui obtint ses lettres de noblesse romanesques avec Les Croix de bois de Roland Dorgelès et Le Feu d’Henri Barbusse. La poésie ne fut pas en reste mais l’on aurait tort de la réduire aux Calligrammes d’Apollinaire, aussi déterminants soient-ils. Au croisement de la trajectoire littéraire et de l’expérience ultime de la guerre, l’on trouve des poètes dont les œuvres ne furent recueillies et publiées qu’après leur disparition, qu’ils soient tantôt tombés au champ d’honneur, tantôt morts d’épuisement après les privations du front. Parmi eux se trouvent deux membres du groupe des fantaisistes qui fut actif dans les années 1912-1914 mais très tôt décimé : Jean-Marc Bernard (1881-1915) et Jean Pellerin (1885-1921) ont publié dans la presse force articles et poèmes mais l’édition pour l’instant définitive de leurs œuvres poétiques fut le résultat d’initiatives extérieures. Les Œuvres (1923) de Jean-Marc Bernard sont conjointement éditées par Henri Marti-neau, directeur de la revue Le Divan, qui fut l’un des lieux électifs du groupe fantaisiste, et Henri Clouard, proche du courant maurrassien auquel Bernard lui-même n’était pas étranger. Le Bouquet inutile (1923) de Jean Pellerin est le fruit des efforts de Francis Carco, ami proche et chef officieux du groupe fantaisiste. Dans les deux cas, le geste éditorial est l’une des mani-festations du culte mémoriel propre à l’après-guerre. Comme l’explique Laurence Campa, « l’édition d’œuvres posthumes accomplit son travail de commémoration, de réappropriation et d’individualisation des défunts . » Partant, ces éditions posent plusieurs questions que nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais. Tout d’abord, quelle est la part effective de l’auteur défunt dans l’organisation et, le cas échéant, la sélection des textes constituant ces volumes nécessairement ne varietur ? S’agit-il d’une mise à exécution de plans antérieurs, d’un accomplissement d’une volonté formulée plus ou moins clairement en amont par les poètes ou bien d’une refonte qui crée l’œuvre plus qu’elle ne la rassemble ? Ensuite, corollairement, quelle image de ces poètes est-elle construite par ces dispositifs éditoriaux ? Si Jean-Marc Bernard commence sa carrière poétique par la pratique du vers libre, le goût des symbolistes et des innovations de l’unanimisme de Jules Romains, force est de constater que ces prodromes sont délibérément exclus par Clouard et Martineau qui privi-légient une partie de sa production, davantage en conformité avec le néoclassicisme qu’ils prisent. Francis Carco sculpte quant à lui un cénotaphe « dans ce mince volume de vers qu’un soin pieux, assure-t-il, m’a fait pour eux seuls assembler ». Enfin, qu’elles soient le résultat d’un hommage votif au défunt ou la traduction d’une pente idéologique assumée, ces éditions déterminent une réception funèbre qui s’agrège à la figure du poète martyr, nouvel avatar du poète malheureux devenu entretemps maudit, dans un geste de mise à jour du triple destin que Vigny retraçait dans Stello convoquant tour à tour Nicolas Gilbert, Thomas Chatterton et André Chénier.
Les Lettres à soi-même (1927) de Paul-Jean Toulet (1867-1920) constituent une œuvre problématique... more Les Lettres à soi-même (1927) de Paul-Jean Toulet (1867-1920) constituent une œuvre problématique par plusieurs aspects ; leur statut éditorial d’œuvre posthume, non retravaillée par l’auteur et publiée sans volonté expresse de ce dernier, se complique d’une difficulté de classification générique : il s’agit bien de lettres rédigées de 1899 à 1910 mais, si elles ont bel et bien été expédiées par voie postale, elles ont toutes été rédigées par Toulet à l’attention de Toulet. Nous nous proposons de réfléchir à nouveaux frais sur ce que Gérard Ferreyrolles a opportunément qualifié de « situation limite » (« L’épistolaire, à la lettre », Littératures classiques, 2010/1, n° 71, p. 13) du dispositif épistolaire. Les Lettres à soi-même constituent un objet d’étude particulier à un triple niveau. Tout d’abord, la relation intersubjective de soi à soi, désancrée du contexte du journal intime, est liée à une dimension théâtrale qui suggère une forme inédite de double énonciation : si la correspondance est vouée à être publiée, on s’affranchit d’un destinataire nécessaire dans la situation dialogique, ce qui place le lecteur en position de voyeur, mais l’abolition de la situation fictive mettant aux prises deux individualités distinctes réduit la distance avec ce lecteur, tout en l’exhibant. Ensuite, ce cas-limite des Lettres à soi-même s’abouche à ce que l’on pourrait qualifier une auto-maïeutique, dont la doublure est une sagesse dispensée sous forme de conseils dans un climat intime, permettant l’expression émotive. Enfin, ce dialogue solitaire et comme confiné s’articule à une poétique profonde que l’on retrouve ailleurs dans l’œuvre de Toulet : la fixation par le poème d’une image se substituant à une réalité dote la parole d’une dimension performative qui crée l’intériorité par le truchement d’une altérité rêvée.
La Figure de Boileau, textes réunis par Delphine Réguig et Christophe Pradeau, Paris, Sorbonne Université Presses, 2020
Les commémorations constituent une manière commode de pallier le désintérêt d’une époque pour un ... more Les commémorations constituent une manière commode de pallier le désintérêt d’une époque pour un personnage illustre qui ne semble rencontrer la faveur du public qu’en de rares intersections chronologiques permettant de justifier par un chiffre rond une cérémonie plus ou moins officielle du souvenir, en tout cas le plus souvent conventionnelle. A quelques encablures de la Grande Guerre, l’année 1911 est un point névralgique de l’appropriation de la figure et de l’œuvre de Boileau puisqu’elle fournit un de ces points d’entrée du processus de commémoration : deux cents ans après sa mort, l’auteur de L’Art poétique n’en finit pas de (re)devenir l’étalon d’une décadence de la littérature ou, plus précisément, l’indicateur d’une voie vers la fondation d’un nouveau classicisme qui lui emprunterait sa discipline. Cet anniversaire, comme le tricentenaire de sa naissance en 1936, concentre les tentatives de synthèse qui réconcilient le Boileau poète et théoricien, comme l’indiquent Bernard Beugnot et Roger Zuber : « À partir de cette époque, nombre d’essayistes font revivre un Boileau chez qui s’accordent les qualités créatrices et les qualités critiques . » Dans cette perspective, il s’agit pour certains, comme l’abbé Brémond, de « montrer le Boileau réel et durable », pour d’autres de redonner les éléments nécessaires pour saisir dans quelle mesure Boileau est « parmi nos grands écrivains, un des plus représentatifs du génie français, fait de raison, de clarté et d’esprit », si l’on en croit Napoléon-Maurice Bernardin ; voire, pour d’autres encore, de l’intégrer au scénario de renaissance nationaliste dont le champ littéraire n’est pas le moindre théâtre d’opérations : « La barbarie qu’il tailla en pièces est de nouveau maîtresse des cerveaux ; ses ennemis, ressortis de terre, sont les nôtres : les précieux, les burlesques, les artificiels, les extravagants et les négligés . » Nous nous proposons d’étudier les enjeux esthétiques et idéologiques qui déterminent les interventions des différents acteurs du champ littéraire à l’occasion de cette commémoration. Cet examen permettrait de sonder les motivations des différentes démarches d’appropriation de la figure et l’œuvre de Boileau tout en éclairant une phase du processus de canonisation de l’histoire littéraire.
Objet encore assez peu étudié, le groupe littéraire pose d’emblée la question du régime de singul... more Objet encore assez peu étudié, le groupe littéraire pose d’emblée la question du régime de singularité et de collectivisme : le terme même de groupe suggère une éco-nomie, un modus vivendi qui ne se retrouve ni dans l’école ni dans le mouvement. Notre objectif est de proposer une réflexion interrogeant à nouveaux frais la notion de groupe à une époque (1910-1914) qui se prête à une nouvelle tentative de périodisation, laquelle se caractériserait par un rejet des formes coercitives de regroupement. Plus particulièrement, le groupe des poètes fantaisistes du début du XXe siècle nous a paru représentatif a priori des mutations à l’œuvre. La spécificité des fantaisistes réside indéniablement dans le refus stratégique et esthétique du dogmatisme et du prosélytisme, ainsi qu’une auto-représentation qui se veut le contraire des habitudes rhétoriques des écoles littéraires contemporaines. La labilité d’une telle position pose rapidement des problèmes d’ordre méthodologique comme celui de délimiter les contours d’une entité qui ne les connaît pas elle-même ; peut-être convient-il alors davantage de repenser chaque groupement comme unité mobile d’un réseau, dont le contact avec une autre unité crée des frictions qui peuvent faire passer un membre d’un groupe à un autre selon ses dispositions et l’altération de son habitus. Le groupe fantaisiste permet une mise en perspective des processus assurant une pérennité de fait et une reconnaissance par la critique, en ce sens qu’il constitue un cas problématique : le mode d’évocation privilégié par ses membres est celui de l’élégie, conditionné par des paramètres historico-biographiques (la Grande Guerre décime le groupe) et renforcé par un regard rétrospectif qui considère presque cette aventure comme un événement non advenu. De sorte que l’entité fantaisiste fait l’objet, par ses propres composantes, d’une certaine minoration, voire d’une péjoration qui se manifeste dans le paradoxe suivant : l’exhibition d’une fragilité structurelle et essentielle (la réticence à se manifester et la reconnaissance tardive d’un certain opportunisme) n’oblitère pas l’existence du groupe mais la réaffirme en négatif. Il conviendra de se demander si les mécanismes discernables dans le groupe fantaisiste ressortissent d’une spécificité exclusive ou s’ils ne sont pas l’indice d’une généralisation dans les procédés revendicatifs propres au champ littéraire. D’autres groupes contemporains ont adopté des stratégies similaires et la critique elle-même envisage une réévaluation de ses catégories classificatoires au sein desquelles, pour citer Paul Aeschimann, « le groupement prenait la place de l’école ».
Une polémique s'est élevée autour de la philosophie nietzschéenne, dans les pages du Mercure ... more Une polémique s'est élevée autour de la philosophie nietzschéenne, dans les pages du Mercure de France, en 1908 et 1909, entre Louis Dumur et Jules de Gaultier. Une lecture de cet échange dans le contexte particulier de la réception du philosophe allemand au début du XXe siècle permet d'évaluer dans quelle mesure l'interprétation de Dumur marque tantôt une rupture tantôt un prolongement avec la perception de ses contemporains.
La fantaisie figure au rang de ces nombreuses notions problematiques dont le xixe siecle a le sec... more La fantaisie figure au rang de ces nombreuses notions problematiques dont le xixe siecle a le secret et a travers lesquelles le debat litteraire et artistique de l’epoque s’est construit. Etudier la fantaisie, c’est etre face a une notion que l’on sait au cœur des preoccupations esthetiques de tout un siecle a partir du romantisme mais qui ne se laisse pas reduire a une formule unique convaincante, c’est etre face a une evidence mais qui s’est jusqu’ici toujours refusee a etre fixee par aucune etiquette.La notion, tant alors qu’aujourd’hui, exerce une reelle seduction et tout se passe comme si le terme de fantaisie, comme l’a dit Bernard Vouilloux, tenait « sa force d’imposition du flou qu’il autorise 1 ». La fantaisie, a l’evidence, doit une part de son durable succes au fait qu’il semble s’agir d’une notion fourre‑tout, capable de se preter aux besoins de chacun, de se plier a toutes les contradictions. Tout en fascinant, elle egare tant elle est complaisante aux fantaisies de cha...
Parmi les reponses apportees a la crise du langage definie par Mallarme, quelle importance peut e... more Parmi les reponses apportees a la crise du langage definie par Mallarme, quelle importance peut etre accordee a celle des poetes fantaisistes du debut du XXe siecle ? Cette these propose de reinterroger a nouveaux frais les apports esthetiques d’un groupe pour le moins heterogene dans le concert des avant-gardes. Il s’agit dans un premier temps de retracer les etapes de la constitution d’une entite collective a l’existence fugace, car la trajectoire du groupe fantaisiste l’apparente a une comete engloutie par le cataclysme de la Grande Guerre. L’approche sociologique, etayee par des archives encore peu exploitees, nous renseigne a la fois sur les prolegomenes d’une experience commune et les ramifications du souvenir nostalgique longtemps apres que le groupe aura cesse d’exister sous sa forme premiere. Il convient ensuite d’examiner le contenu notionnel de la fantaisie en tant qu’element fondateur d’une poetique polymorphe qui joint a un respect de la tradition poetique francaise le ...
Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut également... more Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut également poète. Les deux recueils qui jalonnent son parcours, Les Chants modernes (1855) et Les Convictions (1857), restituent à la fois des thématiques romantiques bien connues et des tentatives aventureuses et remarquées vers la modernité technique de ce milieu du XIXe siècle. En dépit d'une facture traditionnelle, les vers de Maxime Du Camp posent la question d'une forme d'engagement littéraire et idéologique.
A la lecture de la litterature critique contemporaine de Georges Eekhoud, il semblerait que ce de... more A la lecture de la litterature critique contemporaine de Georges Eekhoud, il semblerait que ce dernier, qui, comme la plupart des ecrivains de son epoque, entra dans le royaume des Lettres par le portique de la poesie, n’ait fait que s’egarer dans ses premieres tentatives versifiees. Remy de Gourmont ne dit rien de ces premiers essais et, tout en admettant la qualite plastique du vocabulaire qu’il utilise, ne dote l’œuvre d’Eekhoud d’aucune qualite proprement poetique : Jouant un peu sur le m...
The parallel urge of introspection and meditation which comes with the evocation of silence acts ... more The parallel urge of introspection and meditation which comes with the evocation of silence acts as landmark for a whole current of fin de siecle literature. The symbolist era gives the impression that its actors were obsessedwith silence. Symbolist poetry took possession of silence as a way to encapsulate the ineffability of feelings and the various states of mind it explored, leaning towards an aesthetical mysticism. Yet that tendency soon turned into a form of cliché that opened a path towards parody, silence becoming a stigma of the ideological shortcomings of symbolism in the eye of its detractors. The attempt to seize the silence led to a harsh confrontation with void.
En mai 1914, André Salmon donne une conférence sur la poésie au Théâtre du Vieux Colombier, qui p... more En mai 1914, André Salmon donne une conférence sur la poésie au Théâtre du Vieux Colombier, qui place Apollinaire parmi la constellation des poètes fantaisistes qui s’est stabi-lisée dans le ciel des petites revues depuis 1912. Une suite de dénégations amébées de la part de Salmon et du poète d’Alcools a mis fin à un rapprochement qui n’est pas le simple fruit d’une manœuvre du champ littéraire. Apollinaire a véritablement fréquenté le groupe des poètes fantaisistes et son esthétique s’est enrichie à leur contact autant qu’elle leur a donné matière à réflexion dans leur démarche de fantaisistes. À la suite de Pierre Tranchesse qui identifiait « chez les Fantaisistes, bon nombre des idées qu’Apollinaire a rassemblées pour définir “l’esprit nouveau ” », nous entendons nous interroger à nouveaux frais, sur les rapports de la poésie et de la prose d’Apollinaire avec le courant fantaisiste tel qu’il s’est développé dans la première décennie du XXe siècle. Nous reviendrons bien sûr sur certains aspects biographiques (la figure d’Apollinaire telle qu’elle surnage dans les souvenirs des membres du groupe comme Francis Carco), ainsi que sur la réception sélective par les fantaisistes de l’œuvre d’Apollinaire, davantage poète de « La Chanson du Mal Aimé » que celui des poèmes-conversations, et conteur de L’Hérésiarque et Cie plutôt que dramaturge des Mamelles de Tirésias ; enfin, nous envisageons de revenir, de manière nécessairement parcellaire mais synthétique, sur les aspects formels des textes poétiques d’Apollinaire et du groupe fantaisiste, dans une perspective comparatiste qui puisse rendre compte des proximités esthétiques les plus manifestes.
Bien qu’ils appartiennent à des générations différentes, Francis Carco (1886-1958) et André Harde... more Bien qu’ils appartiennent à des générations différentes, Francis Carco (1886-1958) et André Hardellet (1911-1974) ont ceci de commun qu’ils furent de grands arpenteurs de la région parisienne. À travers leurs récits ou leurs souvenirs, ils contribuent à une sédimentation des espaces dont les strates font se côtoyer reconstruction fictionnelle et suggestivité mémo-rielle. C’est à la faveur d’itinéraires éprouvés personnellement que Carco et Hardellet ont fa-çonné une esthétique de la marche d’autant plus notable qu’elle mêle vestiges biographiques, souvenirs de lecture et rêverie topographique. La marche est liée à une poétique de l’espace, pour reprendre le titre d’un ouvrage de Bachelard, qui place l’auteur dans le pli du lieu et du temps, alors que « l’esprit du marcheur superpose d’autres chemins, d’autres terres, à ceux qu’il emprunte, à celles qu’il traverse . » Cette dynamique se joue à plein dans deux genres qui, sans se confondre, partagent des territoires à leurs confins, et dont les œuvres de Carco et Hardellet sont représentatives : les mémoires du premier s’agencent autour de lieux parcourus selon divers itinéraires, De Montmartre au Quartier latin, comme il le vectorise par exemple dans ce titre d’un volume paru à la fin des années vingt, promeneur attentif à « cette baroque sensation d’être et avoir été » ; les récits et fragments du second, l’univers imaginaire dont ils sourdent, sont étroite-ment liés à la marche, à la promenade qui « commence […] sur un sol dont chacun a pu éprouver les sévères exigences pour se prolonger sur un autre plan, dans une autre dimension où rien ne vous sera donné gratuitement, malgré l’opinion commune . » Nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais les œuvres de ces deux piétons de Paris à l’aune de cet embrayeur esthétique, tout autant que phénoménologique, de la marche.
D'outre-tombe: vie et destin des oeuvres posthumes, actes édités par Aurélien d'Avout et Alex Pepino, Publications numériques du CEREdI, 2020
Nombreux furent les écrivains qui, de bonne ou mauvais grâce, prirent part aux com-bats de la Pre... more Nombreux furent les écrivains qui, de bonne ou mauvais grâce, prirent part aux com-bats de la Première Guerre mondiale. L’expérience du front a nourri une littérature de genre qui obtint ses lettres de noblesse romanesques avec Les Croix de bois de Roland Dorgelès et Le Feu d’Henri Barbusse. La poésie ne fut pas en reste mais l’on aurait tort de la réduire aux Calligrammes d’Apollinaire, aussi déterminants soient-ils. Au croisement de la trajectoire littéraire et de l’expérience ultime de la guerre, l’on trouve des poètes dont les œuvres ne furent recueillies et publiées qu’après leur disparition, qu’ils soient tantôt tombés au champ d’honneur, tantôt morts d’épuisement après les privations du front. Parmi eux se trouvent deux membres du groupe des fantaisistes qui fut actif dans les années 1912-1914 mais très tôt décimé : Jean-Marc Bernard (1881-1915) et Jean Pellerin (1885-1921) ont publié dans la presse force articles et poèmes mais l’édition pour l’instant définitive de leurs œuvres poétiques fut le résultat d’initiatives extérieures. Les Œuvres (1923) de Jean-Marc Bernard sont conjointement éditées par Henri Marti-neau, directeur de la revue Le Divan, qui fut l’un des lieux électifs du groupe fantaisiste, et Henri Clouard, proche du courant maurrassien auquel Bernard lui-même n’était pas étranger. Le Bouquet inutile (1923) de Jean Pellerin est le fruit des efforts de Francis Carco, ami proche et chef officieux du groupe fantaisiste. Dans les deux cas, le geste éditorial est l’une des mani-festations du culte mémoriel propre à l’après-guerre. Comme l’explique Laurence Campa, « l’édition d’œuvres posthumes accomplit son travail de commémoration, de réappropriation et d’individualisation des défunts . » Partant, ces éditions posent plusieurs questions que nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais. Tout d’abord, quelle est la part effective de l’auteur défunt dans l’organisation et, le cas échéant, la sélection des textes constituant ces volumes nécessairement ne varietur ? S’agit-il d’une mise à exécution de plans antérieurs, d’un accomplissement d’une volonté formulée plus ou moins clairement en amont par les poètes ou bien d’une refonte qui crée l’œuvre plus qu’elle ne la rassemble ? Ensuite, corollairement, quelle image de ces poètes est-elle construite par ces dispositifs éditoriaux ? Si Jean-Marc Bernard commence sa carrière poétique par la pratique du vers libre, le goût des symbolistes et des innovations de l’unanimisme de Jules Romains, force est de constater que ces prodromes sont délibérément exclus par Clouard et Martineau qui privi-légient une partie de sa production, davantage en conformité avec le néoclassicisme qu’ils prisent. Francis Carco sculpte quant à lui un cénotaphe « dans ce mince volume de vers qu’un soin pieux, assure-t-il, m’a fait pour eux seuls assembler ». Enfin, qu’elles soient le résultat d’un hommage votif au défunt ou la traduction d’une pente idéologique assumée, ces éditions déterminent une réception funèbre qui s’agrège à la figure du poète martyr, nouvel avatar du poète malheureux devenu entretemps maudit, dans un geste de mise à jour du triple destin que Vigny retraçait dans Stello convoquant tour à tour Nicolas Gilbert, Thomas Chatterton et André Chénier.
Les Lettres à soi-même (1927) de Paul-Jean Toulet (1867-1920) constituent une œuvre problématique... more Les Lettres à soi-même (1927) de Paul-Jean Toulet (1867-1920) constituent une œuvre problématique par plusieurs aspects ; leur statut éditorial d’œuvre posthume, non retravaillée par l’auteur et publiée sans volonté expresse de ce dernier, se complique d’une difficulté de classification générique : il s’agit bien de lettres rédigées de 1899 à 1910 mais, si elles ont bel et bien été expédiées par voie postale, elles ont toutes été rédigées par Toulet à l’attention de Toulet. Nous nous proposons de réfléchir à nouveaux frais sur ce que Gérard Ferreyrolles a opportunément qualifié de « situation limite » (« L’épistolaire, à la lettre », Littératures classiques, 2010/1, n° 71, p. 13) du dispositif épistolaire. Les Lettres à soi-même constituent un objet d’étude particulier à un triple niveau. Tout d’abord, la relation intersubjective de soi à soi, désancrée du contexte du journal intime, est liée à une dimension théâtrale qui suggère une forme inédite de double énonciation : si la correspondance est vouée à être publiée, on s’affranchit d’un destinataire nécessaire dans la situation dialogique, ce qui place le lecteur en position de voyeur, mais l’abolition de la situation fictive mettant aux prises deux individualités distinctes réduit la distance avec ce lecteur, tout en l’exhibant. Ensuite, ce cas-limite des Lettres à soi-même s’abouche à ce que l’on pourrait qualifier une auto-maïeutique, dont la doublure est une sagesse dispensée sous forme de conseils dans un climat intime, permettant l’expression émotive. Enfin, ce dialogue solitaire et comme confiné s’articule à une poétique profonde que l’on retrouve ailleurs dans l’œuvre de Toulet : la fixation par le poème d’une image se substituant à une réalité dote la parole d’une dimension performative qui crée l’intériorité par le truchement d’une altérité rêvée.
La Figure de Boileau, textes réunis par Delphine Réguig et Christophe Pradeau, Paris, Sorbonne Université Presses, 2020
Les commémorations constituent une manière commode de pallier le désintérêt d’une époque pour un ... more Les commémorations constituent une manière commode de pallier le désintérêt d’une époque pour un personnage illustre qui ne semble rencontrer la faveur du public qu’en de rares intersections chronologiques permettant de justifier par un chiffre rond une cérémonie plus ou moins officielle du souvenir, en tout cas le plus souvent conventionnelle. A quelques encablures de la Grande Guerre, l’année 1911 est un point névralgique de l’appropriation de la figure et de l’œuvre de Boileau puisqu’elle fournit un de ces points d’entrée du processus de commémoration : deux cents ans après sa mort, l’auteur de L’Art poétique n’en finit pas de (re)devenir l’étalon d’une décadence de la littérature ou, plus précisément, l’indicateur d’une voie vers la fondation d’un nouveau classicisme qui lui emprunterait sa discipline. Cet anniversaire, comme le tricentenaire de sa naissance en 1936, concentre les tentatives de synthèse qui réconcilient le Boileau poète et théoricien, comme l’indiquent Bernard Beugnot et Roger Zuber : « À partir de cette époque, nombre d’essayistes font revivre un Boileau chez qui s’accordent les qualités créatrices et les qualités critiques . » Dans cette perspective, il s’agit pour certains, comme l’abbé Brémond, de « montrer le Boileau réel et durable », pour d’autres de redonner les éléments nécessaires pour saisir dans quelle mesure Boileau est « parmi nos grands écrivains, un des plus représentatifs du génie français, fait de raison, de clarté et d’esprit », si l’on en croit Napoléon-Maurice Bernardin ; voire, pour d’autres encore, de l’intégrer au scénario de renaissance nationaliste dont le champ littéraire n’est pas le moindre théâtre d’opérations : « La barbarie qu’il tailla en pièces est de nouveau maîtresse des cerveaux ; ses ennemis, ressortis de terre, sont les nôtres : les précieux, les burlesques, les artificiels, les extravagants et les négligés . » Nous nous proposons d’étudier les enjeux esthétiques et idéologiques qui déterminent les interventions des différents acteurs du champ littéraire à l’occasion de cette commémoration. Cet examen permettrait de sonder les motivations des différentes démarches d’appropriation de la figure et l’œuvre de Boileau tout en éclairant une phase du processus de canonisation de l’histoire littéraire.
Introduction coécrite avec Filip Kekus pour l'ouverture de la journée d'étude Générations fantais... more Introduction coécrite avec Filip Kekus pour l'ouverture de la journée d'étude Générations fantaisistes
Journée d'étude coorganisée avec Filip Kekus, 18 mai 2012, Université Paris-Sorbonne (Maison de l... more Journée d'étude coorganisée avec Filip Kekus, 18 mai 2012, Université Paris-Sorbonne (Maison de la Recherche) La fantaisie est l’exemple saisissant d’une notion que tout concourt à faire basculer dans l’aporie : elle est par définition partout et nulle part, centrale en tant qu’appréhension singulière de l’artiste, latérale car l’expression d’une inconstance et d’un arbitraire qui confinent à l’idiosyncrasie. Quelle légitimité y a-t-il à tenter de la réintégrer dans le répertoire des outils d’analyse littéraire ? Existe-t-elle en tant qu’invariant historique refaisant surface sporadiquement sous des formes changeantes ou demeure-t-elle tributaire d’une historicisation minutieuse qui révèle un mésusage du terme, voire une polysémie parfois troublante ? Dans quelle mesure est-on fondé à entreprendre un examen de cette notion dont la labilité reste parfois le seul élément paradoxalement stable ? Une journée d’étude qui s’est tenue le 18 mai 2012, Générations fantaisistes (1820-1939), tente d’apporter des réponses et de s’interroger à nouveaux frais sur le statut de celle qu’Arsène Houssaye a nommée la « dixième muse ». Avec la participation de Jean-Louis Cabanès, Daniel Grojnowski et Bernard Vouilloux
Louise Colet ou l'éclectisme littéraire. Une écrivaine parmi les hommes, 2020
Davantage connue pour sa biographie parfois trop intimement liée aux écrivains et penseurs de son... more Davantage connue pour sa biographie parfois trop intimement liée aux écrivains et penseurs de son temps, Louise Colet fut néanmoins un auteur prolifique qui s’illustra dans tous les genres et fit, comme la plupart, ses débuts en poésie : parallèlement aux longs poèmes qui lui valurent une gloire académique hors du commun, s’échelonnent des recueils, de la jeunesse à la maturité, qui témoignent d’une pluralité de sources d’inspiration et surtout d’un tressage thématique qui allie l’élégie intime, celle qui noue les rapports entre mère et fille, et le poème engagé, directement branché sur une actualité politique à laquelle la poétesse n’est pas étrangère.
Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut égale-men... more Outre ses activités de romancier, de chroniqueur et de mémorialiste, Maxime Du Camp fut égale-ment poète. Les deux recueils qui jalonnent son parcours, Les Chants modernes (1855) et Les Convic-tions (1857), restituent à la fois des thématiques romantiques bien connues et des tentatives aventureuses et remarquées vers la modernité technique de ce milieu du XIXe siècle. En dépit d’une facture traditionnelle, les vers de Maxime Du Camp posent la question d’une forme d’engagement littéraire et idéologique, et ses répercussions dans la trajectoire d’un homme de lettres que l’histoire littéraire considère rarement comme un poète.
André Hardellet n’a jamais fait mystère de sa prédilection pour l’œuvre de Nerval et les deux aut... more André Hardellet n’a jamais fait mystère de sa prédilection pour l’œuvre de Nerval et les deux auteurs partagent, à un siècle d’intervalle, les mêmes préoccupations, tout autant esthétiques que métaphysiques. L’un comme l’autre ont fait, ou rêvé de faire continuellement, l’expérience de cet « épanchement du songe dans la vie réelle », attitude qui, si elle peut paraître toucher au domaine trouble des confins de la raison et de la folie, fonctionne bien davantage comme un embrayeur de création poétique. Le parcours proposé entend examiner à nouveaux frais les différentes manifestations de la figure et l’œuvre nervaliennes dans les écrits d’André Hardellet.
Ludions. Bulletin de la Société des Lecteurs de Léon-Paul Fargue, 2019
Le motif de la ville peut apparaître comme une thématique commune dans les premiers recueils de L... more Le motif de la ville peut apparaître comme une thématique commune dans les premiers recueils de Léon-Paul Fargue, Francis Carco et Robert de la Vaissière ; l’examen des textes qui les constituent révèle une série d’interrogations qui excèdent la simple approche thématique. Ces trois poètes cultivent, dans les sujets comme dans la forme, une dilection pour une fantaisie noire qui les conduit à emprunter les voies de l’errance et de la perdition.
Du style des idées (II): les écrivains, la langue française et l'idée de nation, Stéphanie Bertrand et Jean-Michel Wittmann (dir.), Bern, Peter Lang, "Confluences", 2020
La notion d’esprit français, bien que sollicitée depuis plusieurs siècles, demeure labile et ses... more La notion d’esprit français, bien que sollicitée depuis plusieurs siècles, demeure labile et ses applications, qu’il s’agisse de critique littéraire ou de véhicule idéologique, indiquent qu’elle est dotée d’une plasticité conceptuelle lui permettant d’être réinvestie dans une pluralité discur-sive. Dans la décennie qui précède la Première Guerre, et plus particulièrement dans les années 1910-1914, il n’est pas surprenant de voir que la question d’un esprit français en tant que critère de différenciation politique agite les milieux littéraires. Les tensions nationalistes n’ont fait qu’augmenter depuis la résolution prétendument pacifique de la crise d’Agadir en 1911. C’est dance ce contexte d’une époque perçue comme mère de crises que l’esprit français et son devenir prennent une acuité particulière. Les tentatives de définition dont il fait l’objet, paraissent synthétiser des réflexions d’ordre littéraire, culturel et linguistique : il se situe à l’intersection de plusieurs questionnements sur les caractéristiques spécifiquement nationales de la culture et les symptômes d’une éventuelle dévaluation, voire d’une décadence de cette culture. D’une part, l’évolution de la langue et jusqu’à sa maîtrise imparfaite par les locuteurs apparaissent comme les signes d’un désordre essentiel. D’autre part, la « crise du français » montre l’importance de l’enseignement et de l’instruction dans la préservation de cet esprit. C’est dans cette perspective qu’Albert Dauzat rédige une somme appelant à La Défense de la langue française, non seulement contre la menace intérieure que représente l’argot ou le jargon journalistique, mais également contre la menace extérieure des langues artificielles. Les luttes d’influence qui se jouent à la même époque à l’échelle géopolitique européenne, notamment entre la France et l’Allemagne, viennent redoubler cette situation interne. L’hégémonie que la langue française serait en droit de réclamer est l’expression inaltérable de cet esprit français qui offre une forme d’hospitalité en se substituant au latin humaniste en vertu de la flexibilité que lui reconnaissait Gustave Lanson et que Paul Hazard associe aux mêmes caractéristiques de l’esprit français. Le présent article entend reprendre les lignes de force définitionnelles de cet esprit en français et la géométrie variable qui le situe par rapport à la langue française dans les deux premières décennies du XXe siècle, notamment dans des textes polémiques de critiques littéraires comme René Doumic ou Francis de Croisset, aussi bien que d’universitaires comme Paul Hazard ou Albert Dauzat. Il s’agit de rendre compte des ajustements successifs et de la pérennité de certains discours jusqu’après la Grande Guerre : on constate ainsi que la maîtrise du français, et, corollairement, les distorsions qu’on peut lui faire subir en littérature, sont l’indice d’une santé de l’esprit français, tandis que les rivalités avec d’autres langues dans une perspective hégémonique révèlent également sa nature multiple.
En conclusion du conte intitulé « Pèlerin du silence », Remy de Gourmont place le commandement su... more En conclusion du conte intitulé « Pèlerin du silence », Remy de Gourmont place le commandement suivant que Zaël, le protagoniste, a reçu de son maître Yezdi-Hagy : « Re-garde en toi-même et tais-toi. » La double injonction à l’introspection et au recueillement peut fonctionner comme l’abscisse et l’ordonnée de tout un courant de la littérature de la fin du XIXe siècle. La période symboliste a pu donner l’impression que ses représentants étaient ob-sédés par le silence, hantise ou idéal, en tout cas « partie intégrante de l’imaginaire symbo-liste », selon Jean-Pierre Bertrand et Paul Aron (Les 100 mots du symbolisme, 2011). D’un point de vue strictement thématique comme sur le plan métalittéraire de la crise du verbe, Jean de Palacio a finement documenté cette tendance dans son ouvrage justement intitulé Le Silence du texte (2003). Cette situation paradoxale, qui offre un des symptômes de l’époque de crises qu’est la fin du XIXe siècle, fonde une entreprise aux résultats variables parmi les auteurs affiliés au symbolisme et au décadentisme. La dialectique de la parole et du silence se déploie sur un mode philosophique et littéraire, car il ne s’agit rien moins que trouver du sens en éprouvant l’un par l’autre, et, à l’instar de Mallarmé, construire une attitude critique, sinon méfiante, vis-à-vis du langage. Toutefois, si dans les années 1880-1890, le motif du silence, qui essaime dans les arts, fait une ample moisson en poésie et propose une autre voie que celle du Parnasse à la jeunesse littéraire, menant à la thébaïde sensorielle et intellectuelle décrite par Huysmans dans A Rebours ou Édouard Dujardin dans Les Lauriers sont coupés, ce chemin de crête expose ceux qui l’empruntent à une forme de critique. Nous nous proposons d’interroger à nouveaux frais cette dialectique de la parole et du silence en examinant l’articulation entre l’introduction d’un motif devenu enjeu ontologique chez une série d’auteurs symbolistes (comme Francis Vielé-Griffin, Georges Rodenbach, Al-bert Samain, Gustave Kahn ou Remy de Gourmont) et son épuisement dans l’épisode symp-tomatique qui met aux prises l’un des continuateurs du mouvement, Jean Royère, et le cham-pion du néoclassicisme Jean-Marc Bernard, lui-même tenté par un vœu de silence poétique dans sa jeunesse. La mystification autour d’un poème de Mallarmé témoigne d’un effondre-ment du motif dans le lieu commun parodique et signe son obsolescence non sans humour.
Revue Epistolaire, n° 41, 2015, p. 97-109, Dec 2015
Par sa courte existence et l’unique publication du Livre de désir de son vivant, la figure de Cha... more Par sa courte existence et l’unique publication du Livre de désir de son vivant, la figure de Charles Demange (1884-1909) demeure liée à l’Italie et la ville de Rome en particulier. La publication posthume des Lettres d’Italie en 1913 constitue une clef d’interprétation de sa trajectoire littéraire et spirituelle en dévoilant un rapport particulier à la Ville éternelle, laquelle fut pour lui comme le révélateur d’une expérience métaphysique singulière.
Because of his short existence and the only work published during his lifetime, entitled Le Livre de désir, Charles Demange (1884-1909) remains commonly associated with Italy and particularly the city of Rome. The publication of Lettres d’Italie in 1913 represents a key to explain his literary and spiritual trajectory in so far as it unveils a singular relationship with the Eternal City which acted as an indicator of a peculiar metaphysical experience.
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Papers by Antoine Piantoni
À la suite de Pierre Tranchesse qui identifiait « chez les Fantaisistes, bon nombre des idées qu’Apollinaire a rassemblées pour définir “l’esprit nouveau ” », nous entendons nous interroger à nouveaux frais, sur les rapports de la poésie et de la prose d’Apollinaire avec le courant fantaisiste tel qu’il s’est développé dans la première décennie du XXe siècle.
Nous reviendrons bien sûr sur certains aspects biographiques (la figure d’Apollinaire telle qu’elle surnage dans les souvenirs des membres du groupe comme Francis Carco), ainsi que sur la réception sélective par les fantaisistes de l’œuvre d’Apollinaire, davantage poète de « La Chanson du Mal Aimé » que celui des poèmes-conversations, et conteur de L’Hérésiarque et Cie plutôt que dramaturge des Mamelles de Tirésias ; enfin, nous envisageons de revenir, de manière nécessairement parcellaire mais synthétique, sur les aspects formels des textes poétiques d’Apollinaire et du groupe fantaisiste, dans une perspective comparatiste qui puisse rendre compte des proximités esthétiques les plus manifestes.
Cette dynamique se joue à plein dans deux genres qui, sans se confondre, partagent des territoires à leurs confins, et dont les œuvres de Carco et Hardellet sont représentatives : les mémoires du premier s’agencent autour de lieux parcourus selon divers itinéraires, De Montmartre au Quartier latin, comme il le vectorise par exemple dans ce titre d’un volume paru à la fin des années vingt, promeneur attentif à « cette baroque sensation d’être et avoir été » ; les récits et fragments du second, l’univers imaginaire dont ils sourdent, sont étroite-ment liés à la marche, à la promenade qui « commence […] sur un sol dont chacun a pu éprouver les sévères exigences pour se prolonger sur un autre plan, dans une autre dimension où rien ne vous sera donné gratuitement, malgré l’opinion commune . »
Nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais les œuvres de ces deux piétons de Paris à l’aune de cet embrayeur esthétique, tout autant que phénoménologique, de la marche.
Au croisement de la trajectoire littéraire et de l’expérience ultime de la guerre, l’on trouve des poètes dont les œuvres ne furent recueillies et publiées qu’après leur disparition, qu’ils soient tantôt tombés au champ d’honneur, tantôt morts d’épuisement après les privations du front. Parmi eux se trouvent deux membres du groupe des fantaisistes qui fut actif dans les années 1912-1914 mais très tôt décimé : Jean-Marc Bernard (1881-1915) et Jean Pellerin (1885-1921) ont publié dans la presse force articles et poèmes mais l’édition pour l’instant définitive de leurs œuvres poétiques fut le résultat d’initiatives extérieures.
Les Œuvres (1923) de Jean-Marc Bernard sont conjointement éditées par Henri Marti-neau, directeur de la revue Le Divan, qui fut l’un des lieux électifs du groupe fantaisiste, et Henri Clouard, proche du courant maurrassien auquel Bernard lui-même n’était pas étranger. Le Bouquet inutile (1923) de Jean Pellerin est le fruit des efforts de Francis Carco, ami proche et chef officieux du groupe fantaisiste. Dans les deux cas, le geste éditorial est l’une des mani-festations du culte mémoriel propre à l’après-guerre. Comme l’explique Laurence Campa, « l’édition d’œuvres posthumes accomplit son travail de commémoration, de réappropriation et d’individualisation des défunts . »
Partant, ces éditions posent plusieurs questions que nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais.
Tout d’abord, quelle est la part effective de l’auteur défunt dans l’organisation et, le cas échéant, la sélection des textes constituant ces volumes nécessairement ne varietur ? S’agit-il d’une mise à exécution de plans antérieurs, d’un accomplissement d’une volonté formulée plus ou moins clairement en amont par les poètes ou bien d’une refonte qui crée l’œuvre plus qu’elle ne la rassemble ?
Ensuite, corollairement, quelle image de ces poètes est-elle construite par ces dispositifs éditoriaux ? Si Jean-Marc Bernard commence sa carrière poétique par la pratique du vers libre, le goût des symbolistes et des innovations de l’unanimisme de Jules Romains, force est de constater que ces prodromes sont délibérément exclus par Clouard et Martineau qui privi-légient une partie de sa production, davantage en conformité avec le néoclassicisme qu’ils prisent. Francis Carco sculpte quant à lui un cénotaphe « dans ce mince volume de vers qu’un soin pieux, assure-t-il, m’a fait pour eux seuls assembler ».
Enfin, qu’elles soient le résultat d’un hommage votif au défunt ou la traduction d’une pente idéologique assumée, ces éditions déterminent une réception funèbre qui s’agrège à la figure du poète martyr, nouvel avatar du poète malheureux devenu entretemps maudit, dans un geste de mise à jour du triple destin que Vigny retraçait dans Stello convoquant tour à tour Nicolas Gilbert, Thomas Chatterton et André Chénier.
Nous nous proposons de réfléchir à nouveaux frais sur ce que Gérard Ferreyrolles a opportunément qualifié de « situation limite » (« L’épistolaire, à la lettre », Littératures classiques, 2010/1, n° 71, p. 13) du dispositif épistolaire. Les Lettres à soi-même constituent un objet d’étude particulier à un triple niveau. Tout d’abord, la relation intersubjective de soi à soi, désancrée du contexte du journal intime, est liée à une dimension théâtrale qui suggère une forme inédite de double énonciation : si la correspondance est vouée à être publiée, on s’affranchit d’un destinataire nécessaire dans la situation dialogique, ce qui place le lecteur en position de voyeur, mais l’abolition de la situation fictive mettant aux prises deux individualités distinctes réduit la distance avec ce lecteur, tout en l’exhibant. Ensuite, ce cas-limite des Lettres à soi-même s’abouche à ce que l’on pourrait qualifier une auto-maïeutique, dont la doublure est une sagesse dispensée sous forme de conseils dans un climat intime, permettant l’expression émotive. Enfin, ce dialogue solitaire et comme confiné s’articule à une poétique profonde que l’on retrouve ailleurs dans l’œuvre de Toulet : la fixation par le poème d’une image se substituant à une réalité dote la parole d’une dimension performative qui crée l’intériorité par le truchement d’une altérité rêvée.
Nous nous proposons d’étudier les enjeux esthétiques et idéologiques qui déterminent les interventions des différents acteurs du champ littéraire à l’occasion de cette commémoration. Cet examen permettrait de sonder les motivations des différentes démarches d’appropriation de la figure et l’œuvre de Boileau tout en éclairant une phase du processus de canonisation de l’histoire littéraire.
À la suite de Pierre Tranchesse qui identifiait « chez les Fantaisistes, bon nombre des idées qu’Apollinaire a rassemblées pour définir “l’esprit nouveau ” », nous entendons nous interroger à nouveaux frais, sur les rapports de la poésie et de la prose d’Apollinaire avec le courant fantaisiste tel qu’il s’est développé dans la première décennie du XXe siècle.
Nous reviendrons bien sûr sur certains aspects biographiques (la figure d’Apollinaire telle qu’elle surnage dans les souvenirs des membres du groupe comme Francis Carco), ainsi que sur la réception sélective par les fantaisistes de l’œuvre d’Apollinaire, davantage poète de « La Chanson du Mal Aimé » que celui des poèmes-conversations, et conteur de L’Hérésiarque et Cie plutôt que dramaturge des Mamelles de Tirésias ; enfin, nous envisageons de revenir, de manière nécessairement parcellaire mais synthétique, sur les aspects formels des textes poétiques d’Apollinaire et du groupe fantaisiste, dans une perspective comparatiste qui puisse rendre compte des proximités esthétiques les plus manifestes.
Cette dynamique se joue à plein dans deux genres qui, sans se confondre, partagent des territoires à leurs confins, et dont les œuvres de Carco et Hardellet sont représentatives : les mémoires du premier s’agencent autour de lieux parcourus selon divers itinéraires, De Montmartre au Quartier latin, comme il le vectorise par exemple dans ce titre d’un volume paru à la fin des années vingt, promeneur attentif à « cette baroque sensation d’être et avoir été » ; les récits et fragments du second, l’univers imaginaire dont ils sourdent, sont étroite-ment liés à la marche, à la promenade qui « commence […] sur un sol dont chacun a pu éprouver les sévères exigences pour se prolonger sur un autre plan, dans une autre dimension où rien ne vous sera donné gratuitement, malgré l’opinion commune . »
Nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais les œuvres de ces deux piétons de Paris à l’aune de cet embrayeur esthétique, tout autant que phénoménologique, de la marche.
Au croisement de la trajectoire littéraire et de l’expérience ultime de la guerre, l’on trouve des poètes dont les œuvres ne furent recueillies et publiées qu’après leur disparition, qu’ils soient tantôt tombés au champ d’honneur, tantôt morts d’épuisement après les privations du front. Parmi eux se trouvent deux membres du groupe des fantaisistes qui fut actif dans les années 1912-1914 mais très tôt décimé : Jean-Marc Bernard (1881-1915) et Jean Pellerin (1885-1921) ont publié dans la presse force articles et poèmes mais l’édition pour l’instant définitive de leurs œuvres poétiques fut le résultat d’initiatives extérieures.
Les Œuvres (1923) de Jean-Marc Bernard sont conjointement éditées par Henri Marti-neau, directeur de la revue Le Divan, qui fut l’un des lieux électifs du groupe fantaisiste, et Henri Clouard, proche du courant maurrassien auquel Bernard lui-même n’était pas étranger. Le Bouquet inutile (1923) de Jean Pellerin est le fruit des efforts de Francis Carco, ami proche et chef officieux du groupe fantaisiste. Dans les deux cas, le geste éditorial est l’une des mani-festations du culte mémoriel propre à l’après-guerre. Comme l’explique Laurence Campa, « l’édition d’œuvres posthumes accomplit son travail de commémoration, de réappropriation et d’individualisation des défunts . »
Partant, ces éditions posent plusieurs questions que nous nous proposons d’examiner à nouveaux frais.
Tout d’abord, quelle est la part effective de l’auteur défunt dans l’organisation et, le cas échéant, la sélection des textes constituant ces volumes nécessairement ne varietur ? S’agit-il d’une mise à exécution de plans antérieurs, d’un accomplissement d’une volonté formulée plus ou moins clairement en amont par les poètes ou bien d’une refonte qui crée l’œuvre plus qu’elle ne la rassemble ?
Ensuite, corollairement, quelle image de ces poètes est-elle construite par ces dispositifs éditoriaux ? Si Jean-Marc Bernard commence sa carrière poétique par la pratique du vers libre, le goût des symbolistes et des innovations de l’unanimisme de Jules Romains, force est de constater que ces prodromes sont délibérément exclus par Clouard et Martineau qui privi-légient une partie de sa production, davantage en conformité avec le néoclassicisme qu’ils prisent. Francis Carco sculpte quant à lui un cénotaphe « dans ce mince volume de vers qu’un soin pieux, assure-t-il, m’a fait pour eux seuls assembler ».
Enfin, qu’elles soient le résultat d’un hommage votif au défunt ou la traduction d’une pente idéologique assumée, ces éditions déterminent une réception funèbre qui s’agrège à la figure du poète martyr, nouvel avatar du poète malheureux devenu entretemps maudit, dans un geste de mise à jour du triple destin que Vigny retraçait dans Stello convoquant tour à tour Nicolas Gilbert, Thomas Chatterton et André Chénier.
Nous nous proposons de réfléchir à nouveaux frais sur ce que Gérard Ferreyrolles a opportunément qualifié de « situation limite » (« L’épistolaire, à la lettre », Littératures classiques, 2010/1, n° 71, p. 13) du dispositif épistolaire. Les Lettres à soi-même constituent un objet d’étude particulier à un triple niveau. Tout d’abord, la relation intersubjective de soi à soi, désancrée du contexte du journal intime, est liée à une dimension théâtrale qui suggère une forme inédite de double énonciation : si la correspondance est vouée à être publiée, on s’affranchit d’un destinataire nécessaire dans la situation dialogique, ce qui place le lecteur en position de voyeur, mais l’abolition de la situation fictive mettant aux prises deux individualités distinctes réduit la distance avec ce lecteur, tout en l’exhibant. Ensuite, ce cas-limite des Lettres à soi-même s’abouche à ce que l’on pourrait qualifier une auto-maïeutique, dont la doublure est une sagesse dispensée sous forme de conseils dans un climat intime, permettant l’expression émotive. Enfin, ce dialogue solitaire et comme confiné s’articule à une poétique profonde que l’on retrouve ailleurs dans l’œuvre de Toulet : la fixation par le poème d’une image se substituant à une réalité dote la parole d’une dimension performative qui crée l’intériorité par le truchement d’une altérité rêvée.
Nous nous proposons d’étudier les enjeux esthétiques et idéologiques qui déterminent les interventions des différents acteurs du champ littéraire à l’occasion de cette commémoration. Cet examen permettrait de sonder les motivations des différentes démarches d’appropriation de la figure et l’œuvre de Boileau tout en éclairant une phase du processus de canonisation de l’histoire littéraire.
La fantaisie est l’exemple saisissant d’une notion que tout concourt à faire basculer dans l’aporie : elle est par définition partout et nulle part, centrale en tant qu’appréhension singulière de l’artiste, latérale car l’expression d’une inconstance et d’un arbitraire qui confinent à l’idiosyncrasie. Quelle légitimité y a-t-il à tenter de la réintégrer dans le répertoire des outils d’analyse littéraire ? Existe-t-elle en tant qu’invariant historique refaisant surface sporadiquement sous des formes changeantes ou demeure-t-elle tributaire d’une historicisation minutieuse qui révèle un mésusage du terme, voire une polysémie parfois troublante ? Dans quelle mesure est-on fondé à entreprendre un examen de cette notion dont la labilité reste parfois le seul élément paradoxalement stable ? Une journée d’étude qui s’est tenue le 18 mai 2012, Générations fantaisistes (1820-1939), tente d’apporter des réponses et de s’interroger à nouveaux frais sur le statut de celle qu’Arsène Houssaye a nommée la « dixième muse ».
Avec la participation de Jean-Louis Cabanès, Daniel Grojnowski et Bernard Vouilloux
Les tentatives de définition dont il fait l’objet, paraissent synthétiser des réflexions d’ordre littéraire, culturel et linguistique : il se situe à l’intersection de plusieurs questionnements sur les caractéristiques spécifiquement nationales de la culture et les symptômes d’une éventuelle dévaluation, voire d’une décadence de cette culture. D’une part, l’évolution de la langue et jusqu’à sa maîtrise imparfaite par les locuteurs apparaissent comme les signes d’un désordre essentiel. D’autre part, la « crise du français » montre l’importance de l’enseignement et de l’instruction dans la préservation de cet esprit. C’est dans cette perspective qu’Albert Dauzat rédige une somme appelant à La Défense de la langue française, non seulement contre la menace intérieure que représente l’argot ou le jargon journalistique, mais également contre la menace extérieure des langues artificielles. Les luttes d’influence qui se jouent à la même époque à l’échelle géopolitique européenne, notamment entre la France et l’Allemagne, viennent redoubler cette situation interne. L’hégémonie que la langue française serait en droit de réclamer est l’expression inaltérable de cet esprit français qui offre une forme d’hospitalité en se substituant au latin humaniste en vertu de la flexibilité que lui reconnaissait Gustave Lanson et que Paul Hazard associe aux mêmes caractéristiques de l’esprit français.
Le présent article entend reprendre les lignes de force définitionnelles de cet esprit en français et la géométrie variable qui le situe par rapport à la langue française dans les deux premières décennies du XXe siècle, notamment dans des textes polémiques de critiques littéraires comme René Doumic ou Francis de Croisset, aussi bien que d’universitaires comme Paul Hazard ou Albert Dauzat. Il s’agit de rendre compte des ajustements successifs et de la pérennité de certains discours jusqu’après la Grande Guerre : on constate ainsi que la maîtrise du français, et, corollairement, les distorsions qu’on peut lui faire subir en littérature, sont l’indice d’une santé de l’esprit français, tandis que les rivalités avec d’autres langues dans une perspective hégémonique révèlent également sa nature multiple.
Nous nous proposons d’interroger à nouveaux frais cette dialectique de la parole et du silence en examinant l’articulation entre l’introduction d’un motif devenu enjeu ontologique chez une série d’auteurs symbolistes (comme Francis Vielé-Griffin, Georges Rodenbach, Al-bert Samain, Gustave Kahn ou Remy de Gourmont) et son épuisement dans l’épisode symp-tomatique qui met aux prises l’un des continuateurs du mouvement, Jean Royère, et le cham-pion du néoclassicisme Jean-Marc Bernard, lui-même tenté par un vœu de silence poétique dans sa jeunesse. La mystification autour d’un poème de Mallarmé témoigne d’un effondre-ment du motif dans le lieu commun parodique et signe son obsolescence non sans humour.
Because of his short existence and the only work published during his lifetime, entitled Le Livre de désir, Charles Demange (1884-1909) remains commonly associated with Italy and particularly the city of Rome. The publication of Lettres d’Italie in 1913 represents a key to explain his literary and spiritual trajectory in so far as it unveils a singular relationship with the Eternal City which acted as an indicator of a peculiar metaphysical experience.