Papers by Francesco Brusco
Analitica. Rivista online di studi musicali, vol. 13, 2020
Revolution 9, incursione di John Lennon nel campo della musica concreta, è probabilmente l'opera ... more Revolution 9, incursione di John Lennon nel campo della musica concreta, è probabilmente l'opera musicale d'avanguardia più diffusa al mondo, non fosse altro che per il fatto di essere inserita nel celebre White Album dei Beatles. Il 1968 è un anno cruciale anche per la band di Liverpool: il viaggio in India, la nascita della Apple, le crisi spirituali e individuali, la meravigliosa frammentazione dell'Album Bianco. Il legame tra John Lennon e Yoko Ono diventa inscindibile, con conseguenze anche artistiche. Catalizzando uno slancio sperimentale già stimolato da Paul McCartney nel biennio precedente, l'artista giapponese fa da ponte tra Lennon e l'avanguardia della seconda metà degli anni Sessanta, inducendo inoltre il Beatle a rafforzare la sua idea di arte soggettiva. Revolution 9 è chiaramente debitrice delle esperienze di Stockhausen, Cage e Berio, ma è la stessa opera sperimentale dei Beatles del periodo 1966-'68 a fungere da contesto. A dimostrazione di un innato senso della forma che caratterizza la band anche nelle sue digressioni più estreme, l'analisi di questo brano rivela una struttura musicale ben più definita di quanto si possa pensare al primo ascolto. «Quadro sonoro della rivoluzione» nelle intenzioni del suo autore, Revolution 9 è una vibrante metafora degli eventi di quel periodo. Per tale ragione essa deve essere considerata, almeno socio-culturalmente, tra le opere più significative dei Beatles. Come molti dei loro brani, Revolution 9 reclama un giudizio fondato sui suoi termini peculiari, che riflettono stili e linguaggi tanto contemporanei quanto tradizionali, senza appartenere esclusivamente a nessuno dei due mondi.
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Semicerchio: Rivista di Poesia Comparata, 2022
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Musica/Realtà, XLII, 124 (2021), 2021
Il Nuovo Continente si staglia all'orizzonte di Francesco Guccini sin dalle origini. Il suo perso... more Il Nuovo Continente si staglia all'orizzonte di Francesco Guccini sin dalle origini. Il suo personale mito americano affonda le radici nell'infanzia da rifugiato a Pàvana-con l'arrivo delle truppe statunitensi nell'ottobre del 1944-e cresce attraverso i ricordi di zio Enrico, "Amerigo", emigrato negli States. E poi le pagine dei fumetti, quelle di Hemingway, Steinbeck, Eliot e Salinger, quelle di Kerouac e Ginsberg. All'inchiostro si aggiungono le immagini del cinema e il suono del jazz e del rock'n'roll. Con la scoperta di Bob Dylan, spartiacque per il suo futuro da cantautore, l'influenza americana da letteraria si fa anche musicale. Americani sono anche i primi musicisti "spalla" di Guccini: Alan Cooper e Deborah Kooperman. Americana è Eloise Dunn, la donna per la quale lascerà temporaneamente la futura moglie Roberta, volando in Pennsylvania nel 1970. "L'America era meglio immaginarla che viverla", dirà al ritorno: all'illusione segue il disincanto. Gli occhi del bambino si fanno adulti sovrapponendosi a quelli dello zio Amerigo, scoprendo una terra fatta di fatica, dolore, razzismo. Ma all'America del nord si contrappone quella latina, in special modo l'Argentina, anch'essa impersonata da un suo braccio destro chitarristico, quel Juan Carlos "Flaco" Biondini che sostituisce proprio la Kooperman, precisando un interesse presente in Guccini sin dagli anni Cinquanta, quando imparava alla chitarra i pezzi sudamericani in voga al tempo. I linguaggi del tango, della milonga, del bajon e della chacarera entrano nel bagaglio stilistico di Guccini con una naturalità inattesa, innestandosi su radici comuni (si ascolti l'intuitiva scansione degli accenti già presente ne La locomotiva). A essi si unisce un ascendente letterario ispanico (Güiraldes, Cervantes, Montalban, Serrat, Borges) che caratterizzerà il racconto gucciniano dagli anni Ottanta in poi.
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Riscontri. Rivista di cultura e di attualità, 2020
Il linguaggio pittorico trova il suo supporto nello spazio, quello musicale nel tempo. La realizz... more Il linguaggio pittorico trova il suo supporto nello spazio, quello musicale nel tempo. La realizzazione visuale si determina per la sua permanenza, la musica per la sua fugacità. Eppure, nei dipinti di Johannes Vermeer (1632-1675), la consonanza tra queste due forme espressive è assoluta.
Le opere a soggetto musicale del grande pittore olandese comunicano un senso di attesa e di sospensione. Si avverte la presenza di significati più o meno nascosti, veicolati da altrettanti significanti iconografici: strumenti musicali, emblemi, riferimenti metapittorici, gli stessi colori, connotati di valore simbolico.
La filosofia della nuova élite cittadina, nei Paesi Bassi del Secolo d’oro, oscilla tra due poli opposti: da una parte l’attaccamento ai beni mondani, dall’altra la fedeltà alla visione sobria e pessimistica del calvinismo, nella sua stagione più iconoclasta. Musica e pittura, scacciate dalle porte dei templi, rientrano dalle finestre delle dimore borghesi, adattandovi il loro linguaggio.
Le lezioni di musica e i concerti domestici diventano occasioni di conoscenza e corteggiamento. Memori di quelle caravaggesche, le scene musicali olandesi assumono quindi valenza simbolica nell’espressione iconica dell’amore e dell’erotismo. Anche Vermeer flirta con la sensualità della Hausmusik, ma lo fa con un timbro più dolce rispetto agli artisti coevi, utilizzando con più sottigliezza le risorse allegoriche, iconografiche e semantiche offerte dalla musica, traducendone in pittura la sintassi e il ritmo. Meglio dei suoi contemporanei, egli riesce a cogliere l’evoluzione della società olandese, fondata su una ricerca di distinzione e contegno che ben si intona alle sue stesse corde.
In definitiva, la musica non entra nell’opera di Vermeer soltanto come segno che rimanda a significati altri: è il suo stesso linguaggio a fornirne le dinamiche. I dipinti dell’artista di Delft sono motivi da cui germogliano temi e frasi; note visive che rimandano a una stessa tonalità, susseguendosi lungo un’unica e grande linea espressiva.
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Musica/Realtà, XLI, 121, 2020
Alla fine degli anni Sessanta, mentre oltralpe Roland Barthes e Michel Foucault sanciscono la “mo... more Alla fine degli anni Sessanta, mentre oltralpe Roland Barthes e Michel Foucault sanciscono la “morte dell’autore”, in Italia proprio l’autorialità diventa elemento peculiare della nuova canzone, ormai integrata nel circuito discografico mainstream. Assieme ai protagonisti del nuovo rock progressive, i cantautori concorrono alla diffusione del supporto a 33 giri in luogo di quello a 45: il singolo viene spodestato dall’Lp, nell’epoca d’oro del concept album.
Ma come convivono, nella prassi produttiva, autorialità e collettività? Quanto, della romantica concezione dell’auteur individuale, sopravvive tra le mura dello studio di registrazione?
La vicenda artistica del più grande cantautore italiano, Fabrizio De André, è un perfetto caso di studio a riguardo. La sua carriera discografica segue in buona parte lo sviluppo delle tecniche di registrazione dall’analogico al digitale, e risulta particolarmente interessante per una modalità di lavoro fortemente cooperativa. Se sono ben note le sue collaborazioni già dalla prima fase di scrittura — si pensi alle sue partnership più fortunate, con Nicola Piovani, Mauro Pagani, Ivano Fossati — meno indagata è l’attività di chi ruota attorno a De André nel corso della sua pluridecennale attività in studio. Sono proprio le voci di questa bottega — coautori, musicisti, arrangiatori, produttori, tecnici — le fonti principali del presente scritto.
Una testimonianza preziosa per indagare sulla formazione di koiné professionali attorno ad artisti e luoghi di riferimento; per tracciare le metamorfosi dell’opera musicale dalla prima stesura al prodotto finito; per riflettere, infine, sulla discrasia tra la tradizionale immagine autoriale e la reale pratica della popular music contemporanea.
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L'Ussero. Rivista di Arti, Lettere e Scienze, n. 8, 2020
La produzione discografica di Fabrizio De André è un rilevante caso di studio sul
concetto di aut... more La produzione discografica di Fabrizio De André è un rilevante caso di studio sul
concetto di authorship nella popular music. Alla sua aura di artista individuale si
contrappone una modalità di scrittura collettiva ricorrente sin dalle primissime fasi del
processo compositivo.
Dopo aver tracciato le coordinate teoriche del discorso sull’ autore , vengono
vagliati moventi, natura e finalità delle collaborazioni del cantautore genovese, senza
tralasciare l’impatto dell’industria culturale sulle sue scelte artistiche.
La storia del De André cantautore è storia di scrittura collettiva. Anche nel suo
caso l’authorship va quindi declinata al plurale e fatta scaturire da un continuo
scambio con la ricezione. È quest’ultima, alla fine di un articolato percorso di
costruzione dell’immagine, a ricomporre in unità la molteplicità dell’opera e a
conferire il titolo di autore.
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“Soundacapes. Journal on media culture”, University of Groningen, 2018. ISSN 1567-7745, 2018
In 1968, now fifty years ago, the Beatles released their most fragmented album: an exceedingly di... more In 1968, now fifty years ago, the Beatles released their most fragmented album: an exceedingly diverse collection of songs packed on two disks that because of its blank cover became known as the White Album. While transcending the specifics of its context the album, Francesco Brusco argues, reflects the seismic cultural and political events of its year of birth — and that's what gives it its unity. Through parody, hyperbole and bitter irony, it takes the musical minutes of the socio-cultural trials and tribulations of that social tipping point in our recent history.
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Soundscapes. Journal on media culture, vol. 21, may 2018, University of Groningen, 2018. ISSN 1567-7745, 2018
Last June the Beatles' eighth album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band celebrated its 50 years... more Last June the Beatles' eighth album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band celebrated its 50 years. The success of the album marked the rise of the recording studio as an important instrument for the production of popular music as well as a recognition of the role of the producer. Discussing both Abbey Road and George Martin, Francesco Brusco here highlights the influence of the recording studio and its aesthetics.
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Thesis Chapters by Francesco Brusco
Università di Salerno, 2010
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Books by Francesco Brusco
Jaca Book, 2022
L'epoca d'oro degli studi di registrazione italiani, dalla metà degli anni Sessanta all'avvento d... more L'epoca d'oro degli studi di registrazione italiani, dalla metà degli anni Sessanta all'avvento del digitale, rivive nelle testimonianze inedite di musicisti, produttori, tecnici del suono e assistenti, protagonisti di quell'avventura eppure rimasti a lungo dietro le quinte. Le loro memorie si intrecciano ripercorrendo la storia discografica italiana e l'evoluzione della produzione in studio, le cui conseguenze sono a un tempo artistiche, tecnologiche e sociali. Sull'asse tra Roma e Milano, dalla Tiburtina a via Quintiliano, tra basiliche e castelli, si ritrovano nomi e luoghi immortalati nella musica del loro tempo. Pur con volumi cangianti, la voce del padrone riecheggia da sempre nel discorso sulla creazione musicale: scopo di questo libro è seguirne le tracce con attenzione documentaristica e narrativa, tra suoni e racconti. L'opera si avvale della prefazione di Franco Fabbri e contiene interviste a Mauro Pagani, Alessandro Colombini, Vince Tempera, Alberto Radius, Ellade Bandini, Pino Presti, Massimo Spinosa, Luca Rossi, Silvano Chimenti, Mauro Paoluzzi, Paolo Donnarumma, Rosario Jermano, Aldo Banfi, Pietro Pellegrini, Simone Casetta.
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Mimesis, 2020
Le canzoni, afferma Guccini, "non sono né poesia né musica, sono canzoni, hanno cioè una loro sp... more Le canzoni, afferma Guccini, "non sono né poesia né musica, sono canzoni, hanno cioè una loro specificità artistica e una loro precisa dignità". Eppure, gran parte della letteratura relativa all'opera dei cantautori tende ancora a concentrarsi quasi esclusivamente sui testi. Se ciò è indicativo dell'altissima qualità letteraria della canzone d'autore italiana, è senz'altro riduttivo e anacronistico astrarre i versi dalla musica, componente imprescindibile di questa particolare forma espressiva. Partendo dalle parole che Francesco Guccini ci regala nell'intervista iniziale, questo volume intende quindi contribuire alla bibliografia a lui dedicata analizzando la sua poetica musicale, tracciandone origini, influenze, contesto, linguaggio. Un racconto in cui alla voce narrante del cantautore rispondono in coro quelle dei suoi musicisti, protagonisti di una pluridecennale esperienza artistica. Una storia di basiliche e mulini, luci rosse e suoni gialli, sale d'incisione, palchi, osterie di fuori porta. Un discorso musicale, da leggere ma soprattutto da ascoltare.
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Arcana Edizioni, 2019
Cantautore per eccellenza, artigiano di suoni e parole. Fabrizio De André non è solo poeta e geni... more Cantautore per eccellenza, artigiano di suoni e parole. Fabrizio De André non è solo poeta e genio solitario nel senso romantico del termine, ma musicista moderno, maestro di una bottega in cui si avvicendano le più grandi firme della canzone italiana del Novecento. Unarte nuova, che vive di nuovi strumenti e professioni. Partendo da uno sguardo a 360 gradi sul Faber musicista chitarrista, cantante, compositore, performer varchiamo la soglia della bottega di De André per riscoprirne collaboratori, musicisti, colleghi e discepoli; figure che in vario grado concorrono alla realizzazione della sua opera. Una bottega moderna, in cui si produce per nuovi committenti lindustria discografica e dello spettacolo e per un nuovo pubblico, il cui ruolo è sempre più importante. Una produzione collettiva, ma allo stesso tempo unitaria, per un nuovo concetto di authorship nella popular music. Fabrizio De André, attraverso la sua opera, il suo messaggio e la sua immagine, ci parla ancora; lo fa per sé, per i suoi collaboratori, per i suoi ascoltatori. Parla, in maniera autorevole, con più voci. Con una sola invece, canta, riunendo in maniera sublime tutti i frammenti di un discorso sempre vivo.
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Arcana Edizioni , 2018
Smessi i panni della Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, scesi dal bus del Magical Mystery Tou... more Smessi i panni della Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, scesi dal bus del Magical Mystery Tour, i Beatles abbandonano le visioni psichedeliche per rivolgersi alla trascendenza professata dal nuovo guru, il Maharishi Yogi. Dal suo ashram alle pendici dell'Himalaya, mentre altrove è già tumulto, essi imboccano la Long and Winding Road al termine della quale si scopriranno non più un'unica entità ma quattro individui, ognuno con lo sguardo rivolto a un diverso punto cardinale. Le gemme raccolte lungo questo cammino, stupende quanto diseguali, comporranno l'acclamato White Album, disco di assoluta sincerità sonora dopo l'estasi di Sgt. Pepper, a conclusione del loro tormentato 1968. Un anno di utopie, tensioni e rivoluzioni anche per la band di Liverpool. La creazione della Apple e il suo maldestro tentativo di "comunismo occidentale"; l'arrivo di Yoko Ono e l'approccio lennoniano all'arte concettuale; i primi progetti solisti; gli scandali e le crisi personali; le voci in rivolta di una gioventù che li ha eletti a portavoce assoluti e che adesso ne attende la presa di posizione. Tre brani di John Lennon, Revolution, Revolution 1 Revolution 9 (suo personale ritratto sonoro del Maggio francese), offrono altrettante voci - non prive di ripensamenti - alle sue certezze sul bisogno di cambiare il mondo e ai suoi dubbi sul come farlo. Ancor più numerose e vibranti le risposte dei movimenti, degli intellettuali e degli artisti impegnati di mezzo mondo, dalla New Left a Jean-Luc Godard. Proprio il punto di vista della ricezione, dei destinatari del messaggio lanciato dalla band, occupa un posto centrale in questo racconto: dal '68 visto dai Beatles, ai Beatles visti dal '68. Dodici mesi cruciali racchiusi in un doppio Lp, due 45 giri e un film, che parlano con ispirata maturità di un'irripetibile esperienza artistica e di costume che, prima di avviarsi all'epilogo, incide con rinnovato vigore sulla cultura e sulla società di quel Sessantotto e degli anni a venire. Con la prefazione di Donato Zoppo.
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Arcana Edizioni, 2017
Cosa resta di "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" a mezzo secolo dalla sua uscita? In che mod... more Cosa resta di "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" a mezzo secolo dalla sua uscita? In che modo la Cloud Generation fruisce di questo capolavoro? Qual è il suo vero contenuto musicale? E ancora, è davvero l'apice della carriera dei Beatles e il disco più influente della storia? In occasione del suo cinquantesimo anniversario queste domande sono tornate alla ribalta, fra celebrazioni e riesami che spesso tuttavia cedono il passo al mito e alla nostalgia. Questo saggio nasce proprio per rispondere a tali quesiti attraverso un'approfondita analisi dell'album: i componenti elementari del linguaggio musicale (armonia, melodia, ritmo, ecc.) e quelli specifici della popular music (arrangiamento, registrazione, editing, produzione), le forme e gli stili, i testi. Il contributo dei singoli membri del gruppo e quello di George Martin; gli ingredienti realmente innovativi e quelli di continuità con il periodo precedente; il confronto con la musica del biennio 1966-'67; la Swinging London, l'LSD, l'India, e il loro vero impatto su sgt. pepper. Uno sguardo - e un ascolto - in profondità, al di là del mito, per comprendere e apprezzare l'essenza del più celebre disco di tutti i tempi, e capire quanto del suo messaggio arrivi ancora a noi: dal vinile a Spotify, dalla Summer of Love all'epoca dello streaming.
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Papers by Francesco Brusco
Le opere a soggetto musicale del grande pittore olandese comunicano un senso di attesa e di sospensione. Si avverte la presenza di significati più o meno nascosti, veicolati da altrettanti significanti iconografici: strumenti musicali, emblemi, riferimenti metapittorici, gli stessi colori, connotati di valore simbolico.
La filosofia della nuova élite cittadina, nei Paesi Bassi del Secolo d’oro, oscilla tra due poli opposti: da una parte l’attaccamento ai beni mondani, dall’altra la fedeltà alla visione sobria e pessimistica del calvinismo, nella sua stagione più iconoclasta. Musica e pittura, scacciate dalle porte dei templi, rientrano dalle finestre delle dimore borghesi, adattandovi il loro linguaggio.
Le lezioni di musica e i concerti domestici diventano occasioni di conoscenza e corteggiamento. Memori di quelle caravaggesche, le scene musicali olandesi assumono quindi valenza simbolica nell’espressione iconica dell’amore e dell’erotismo. Anche Vermeer flirta con la sensualità della Hausmusik, ma lo fa con un timbro più dolce rispetto agli artisti coevi, utilizzando con più sottigliezza le risorse allegoriche, iconografiche e semantiche offerte dalla musica, traducendone in pittura la sintassi e il ritmo. Meglio dei suoi contemporanei, egli riesce a cogliere l’evoluzione della società olandese, fondata su una ricerca di distinzione e contegno che ben si intona alle sue stesse corde.
In definitiva, la musica non entra nell’opera di Vermeer soltanto come segno che rimanda a significati altri: è il suo stesso linguaggio a fornirne le dinamiche. I dipinti dell’artista di Delft sono motivi da cui germogliano temi e frasi; note visive che rimandano a una stessa tonalità, susseguendosi lungo un’unica e grande linea espressiva.
Ma come convivono, nella prassi produttiva, autorialità e collettività? Quanto, della romantica concezione dell’auteur individuale, sopravvive tra le mura dello studio di registrazione?
La vicenda artistica del più grande cantautore italiano, Fabrizio De André, è un perfetto caso di studio a riguardo. La sua carriera discografica segue in buona parte lo sviluppo delle tecniche di registrazione dall’analogico al digitale, e risulta particolarmente interessante per una modalità di lavoro fortemente cooperativa. Se sono ben note le sue collaborazioni già dalla prima fase di scrittura — si pensi alle sue partnership più fortunate, con Nicola Piovani, Mauro Pagani, Ivano Fossati — meno indagata è l’attività di chi ruota attorno a De André nel corso della sua pluridecennale attività in studio. Sono proprio le voci di questa bottega — coautori, musicisti, arrangiatori, produttori, tecnici — le fonti principali del presente scritto.
Una testimonianza preziosa per indagare sulla formazione di koiné professionali attorno ad artisti e luoghi di riferimento; per tracciare le metamorfosi dell’opera musicale dalla prima stesura al prodotto finito; per riflettere, infine, sulla discrasia tra la tradizionale immagine autoriale e la reale pratica della popular music contemporanea.
concetto di authorship nella popular music. Alla sua aura di artista individuale si
contrappone una modalità di scrittura collettiva ricorrente sin dalle primissime fasi del
processo compositivo.
Dopo aver tracciato le coordinate teoriche del discorso sull’ autore , vengono
vagliati moventi, natura e finalità delle collaborazioni del cantautore genovese, senza
tralasciare l’impatto dell’industria culturale sulle sue scelte artistiche.
La storia del De André cantautore è storia di scrittura collettiva. Anche nel suo
caso l’authorship va quindi declinata al plurale e fatta scaturire da un continuo
scambio con la ricezione. È quest’ultima, alla fine di un articolato percorso di
costruzione dell’immagine, a ricomporre in unità la molteplicità dell’opera e a
conferire il titolo di autore.
Thesis Chapters by Francesco Brusco
Books by Francesco Brusco
Le opere a soggetto musicale del grande pittore olandese comunicano un senso di attesa e di sospensione. Si avverte la presenza di significati più o meno nascosti, veicolati da altrettanti significanti iconografici: strumenti musicali, emblemi, riferimenti metapittorici, gli stessi colori, connotati di valore simbolico.
La filosofia della nuova élite cittadina, nei Paesi Bassi del Secolo d’oro, oscilla tra due poli opposti: da una parte l’attaccamento ai beni mondani, dall’altra la fedeltà alla visione sobria e pessimistica del calvinismo, nella sua stagione più iconoclasta. Musica e pittura, scacciate dalle porte dei templi, rientrano dalle finestre delle dimore borghesi, adattandovi il loro linguaggio.
Le lezioni di musica e i concerti domestici diventano occasioni di conoscenza e corteggiamento. Memori di quelle caravaggesche, le scene musicali olandesi assumono quindi valenza simbolica nell’espressione iconica dell’amore e dell’erotismo. Anche Vermeer flirta con la sensualità della Hausmusik, ma lo fa con un timbro più dolce rispetto agli artisti coevi, utilizzando con più sottigliezza le risorse allegoriche, iconografiche e semantiche offerte dalla musica, traducendone in pittura la sintassi e il ritmo. Meglio dei suoi contemporanei, egli riesce a cogliere l’evoluzione della società olandese, fondata su una ricerca di distinzione e contegno che ben si intona alle sue stesse corde.
In definitiva, la musica non entra nell’opera di Vermeer soltanto come segno che rimanda a significati altri: è il suo stesso linguaggio a fornirne le dinamiche. I dipinti dell’artista di Delft sono motivi da cui germogliano temi e frasi; note visive che rimandano a una stessa tonalità, susseguendosi lungo un’unica e grande linea espressiva.
Ma come convivono, nella prassi produttiva, autorialità e collettività? Quanto, della romantica concezione dell’auteur individuale, sopravvive tra le mura dello studio di registrazione?
La vicenda artistica del più grande cantautore italiano, Fabrizio De André, è un perfetto caso di studio a riguardo. La sua carriera discografica segue in buona parte lo sviluppo delle tecniche di registrazione dall’analogico al digitale, e risulta particolarmente interessante per una modalità di lavoro fortemente cooperativa. Se sono ben note le sue collaborazioni già dalla prima fase di scrittura — si pensi alle sue partnership più fortunate, con Nicola Piovani, Mauro Pagani, Ivano Fossati — meno indagata è l’attività di chi ruota attorno a De André nel corso della sua pluridecennale attività in studio. Sono proprio le voci di questa bottega — coautori, musicisti, arrangiatori, produttori, tecnici — le fonti principali del presente scritto.
Una testimonianza preziosa per indagare sulla formazione di koiné professionali attorno ad artisti e luoghi di riferimento; per tracciare le metamorfosi dell’opera musicale dalla prima stesura al prodotto finito; per riflettere, infine, sulla discrasia tra la tradizionale immagine autoriale e la reale pratica della popular music contemporanea.
concetto di authorship nella popular music. Alla sua aura di artista individuale si
contrappone una modalità di scrittura collettiva ricorrente sin dalle primissime fasi del
processo compositivo.
Dopo aver tracciato le coordinate teoriche del discorso sull’ autore , vengono
vagliati moventi, natura e finalità delle collaborazioni del cantautore genovese, senza
tralasciare l’impatto dell’industria culturale sulle sue scelte artistiche.
La storia del De André cantautore è storia di scrittura collettiva. Anche nel suo
caso l’authorship va quindi declinata al plurale e fatta scaturire da un continuo
scambio con la ricezione. È quest’ultima, alla fine di un articolato percorso di
costruzione dell’immagine, a ricomporre in unità la molteplicità dell’opera e a
conferire il titolo di autore.