1 Contexto histórico-cultural: El humanismo es un movimiento intelectual, filosófico y cultural europeo estrechamente ligado al Renacimiento cuyo origen se sitúa en el siglo XIV en la península Itálica. Características: Creaciones artísticas basadas en la imitación o mímesis de los maestros de la civilización grecolatina. El antropocentrismo o consideración de que el hombre es importante, su inteligencia el valor superior, al servicio de la fe que le une con el Creador. La razón humana adquiere valor supremo. En las artes se valora la actividad intelectual y analítica de conocimiento. En pintura, mediante la perspectiva, se unifica con un punto de fuga racional la escala antes expresionista de las figuras. Respeto por la diversidad cultural y religiosa. PICO DELLA MIRANDOLA (1463-1494) fue un humanista y pensador italiano. Tuvo una formación muy amplia llegando a aprender: griego. Árabe, hebreo y caldeo. Consideró el cristianismo como punto de confluencia de todas las tradiciones filosóficas anteriores, incluidas la filosofía griega, la cábala, la magia y la astrología. Fue excomulgado por ser considerado hereje tras publicar su tratado. Los humanistas van a ejercer su influencia en la vida intelectual y política, en cargos como secretarios, cancilleres… Eneas Silvio Piccolomini fue un hombre de gran formación intelectual, que se ordenó sacerdote en una edad tardía y fue nombrado Papa Pío II. En una de sus obras más famosas (Europa en su tiempo, no lo he encontrado) ensalza la eficiencia política de los humanistas. En términos políticos el humanismo propugna la república ideal, la libertad del espíritu debía ser algo incuestionable. Fuera de Italia hay que destacar una corte que quizás sea la que mejor represente el espíritu humanista, la de Margarita de Austria, regente durante la minoría de edad de Carlos V en los Países Bajos. Creó en Bélgica un foco humanista muy abierto, muy respetuoso con el artista. Los medios de difusión del humanismo fueron en primer lugar las academias, que siguiendo el modelo de la antigüedad se convirtieron en focos de sabiduría. La Villa Carelle fue una de ellas, con personajes como John Colet. Otro medio de difusión fueron las universidades, sobre todo las de más reciente creación como Barcelona, Alcalá de Henares o Basilea. La invención de la imprenta en 1453 fue fundamental porque facilitó la difusión de toda la cultura. León Battista Alberti escribió varios libros y en uno de ellos hace referencia a la imprenta. Se dieron lugar importantes avances científicos. La nueva ciencia va a tener un gran mentor con la figura de Nicolás Copérnico el cual estudió la teoría heliocéntrica del sistema lo que se consideró como una auténtica revolución científica. Uno de los matemáticos mas importantes de la época es Fra Lucas Pacioli con la”Summa de Aritmética, Geometría, Poportioni et Proportionalita”. Se inician importantes viajes de descubrimientos geográficos con J. S Elcano y H. Magallanes. El artista estudiará todos los ámbitos tanto matemáticos como científicos como artísticos, etc., el ejemplo más claro es Leonardo da Vinci, escribió sobre temas muy diversos, apoya el conocimiento humano en la experiencia. El pintor vas a formarse y va a tratar de conocer las proporciones, el movimiento, hace estudios individuales, surge el boceto como estudio previo en el que juega un papel fundamental el dibujo. Surge una nueva sociedad, los pequeños estados se conciben como pequeñas republicas que prestaban igual atención a las acciones bélicas como a la cultura. Duque de Urbino, Duque de Milán, Señor de Rímini, se esforzarán y aplicarán en el aprendizaje. Fueron hombres que crearon en torno de ellos una corte humanística. Surgen también las familias que tendrán en sus manos todo el poder una ciudad cuya actividad principal será el mecenazgo de grandes artistas. En el Renacimiento nació la burguesía y relacionado con esto surge la figura del mecenas, el hombre que realmente considera la obra del arte como un instrumento del poder político y social al que dedican gran parte de su dinero. Jugará un papel decisivo, se dedica a comprar obras de los artistas por placer propio y como arma de representación, entre estos destaca Lorenzo el Magnífico. La propia iglesia también desarrolló esa faceta con figuras como Sixto IV. El mecenas avala su propia fama a través de sus obras de arte, tenían a su servicio a artistas y permiten prestar sus pintores para desempeñar sus funciones a otras personas. Buena parte de su fortuna la dedican a la decoración de sus palacios, capillas, iglesias… Serán decorados a la antigua, representándose a ellos mismos, sus hazañas con idea de dejar constancia de sus estatus, serán también representados (Palacio ducal de Mantua, Palacio Medici Ricardi, Florencia). La imagen del mecenas se inscribe en la imagen religiosa. En un principio los encargos consistían en obras para donar a la iglesia, cada vez se empiezan a encargar obras de carácter profano que dan lugar a nuevos géneros de la pintura, ligados a la pintura clásica. Serán las pinturas de carácter mitológico la cual no era una pintura al alcance de cualquiera. Entre los mecenas más importantes se encuentran la nobleza, la burguesía y en especial los Medici. Para Cosme de Medici trabajaron artistas como Brunelleschi, 2 Donatello, Ghiberti… En cambio Lorenzo con un sentido mas abierto dejará que el artista cree su propio arte, artistas como Pollailulo, Boticelli o Miguel Ángel. TEMA 2: ARTE EN FLORENCIA A PRINCIPIOS DEL XV Florencia es una ciudad donde surge una clase muy importante para el arte, los banqueros, burguesía y las familias de gran poder, una de esas familias fueron los Médicis. Está considerada como la capital artística y económica. Se dan los primero cambios de un estado y de un arte que va a marcar las tendencias del futuro. También era la ciudad industrial más importante, y una de las ciudades más ricas de Europa, su economía fue impulsada por la banca y el comercio de la lana, Puertas del Baptisterio de Florencia: gracias a esa bonanza económica el poder de la ciudad y los gremios van a decidir dotar al baptisterio de Florencia de unas nuevas puertas, serás las puertas que abren las puertas al arte de la modernidad. En 1329, a Andrea Pisano (recomendado por Giotto) se le adjudica la tarea de diseñar el primer conjunto de puertas. Las Puertas sur fueron instaladas originalmente en el lado este. Los bastidores de bronce fueron hechos por el veneciano Leonardo d'Avanzano, ampliamente reconocidas como una de las mejores forjas en bronce de Europa. Esto tomó por lo menos seis años y las puertas fueron completadas en 1336. Estas puertas del pre-renacimiento consisten en 28 paneles, con los 20 paneles superiores representando escenas de la vida de San Juan Bautista. Los ocho paneles inferiores retratan virtudes (esperanza, fe, caridad, humildad, fortaleza, templanza, justicia, y prudencia). Los relieves moldeados fueron añadidos por Lorenzo Ghiberti en 1452. En 1401, se anunció una competencia para diseñar las Puertas norte del baptisterio. Siete escultores compitieron, incluyendo a Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi, Donatello y Jacopo della Quercia, a los que se les dio el número de figuras, el marco y un tema a representar: el sacrificio de Isaac. Quedaron finalistas Brunelleschi y Ghiberti, ganando la competencia Ghiberti, de 21 años. Brunelleschi estuvo tan desilusionado por este resultado que partió a Roma para estudiar arquitectura y nunca más volvió a esculpir. Los diseños originales de El sacrificio de Isaac por Ghiberti y Brunelleschi se encuentran exhibidos en el museo de Bargello. El de Ghiberti quizás era una representación más elaborada, más clara, introduce paisaje y consigue crear una serie de planos con este alto relieve que contribuye a que el sacrificio sea inspirado en la antigüedad, recupera el desnudo, aparece Isaac desnudo con un gran estudio de anatomía sobre un altar. La de Brunelleschi es más dinámica, pero también menos clara, expresa mejor el sentido práctico de la escena, también vuelve sus ojos a la antigüedad. 3 A Ghiberti le tomó 21 años completarlas. Estas puertas de bronce, consisten en 28 paneles, con 20 paneles representando una escena bíblica del Nuevo Testamento. Los 8 paneles inferiores muestran a los cuatro evangelistas y las iglesias San Ambrosio, San Jerónimo, San Gregorio, y San Agustín. Los paneles están rodeados por un marco de hojas y bustos dorados de profetas en la intersección de los paneles. Es un relieve en distintos planos que ayuda a crear una profundidad determinada por el uso de la perspectiva. Son composiciones más ricas y naturales que las de Pisano, plagian la preocupación y la escultura del Renacimiento, con un estudio individualizado del personaje, más realismo, utilización de escorzos, incorporando la arquitectura y en cierto modo conjugando las tres artes. Hay todavía rasgos arcaicos, como el dorado. Estas puertas 4 provocan que para su realización se forme un taller. En 1407 ya contaba con once ayudantes, el número se incrementa a medida que el artista es requerido para otros trabajos. En 1425 tuvo una segunda adjudicación, esta vez para las Puertas este del baptisterio, donde él y su taller (incluyendo a Michelozzo y Benozzo Gozzoli) trabajaron durante 27 años, superándose a sí mismos. La técnica que utiliza es el scacciatto, superposición de láminas: composiciones amplias donde se multiplican el número de figuras pero con una armonía, los primeros planos son esculturas casi de bulto redondo, después se irán superponiendo para crear esos fondos. Estas puertas tenían diez paneles representando escenas del Antiguo Testamento, y fueron a su vez instaladas en el lado este. Además de no seguir el formato de los relieves anteriores, reduce el número de historias a representar, sin embargo cada historia es mucho más compleja, se reducen a diez, donde las escenas gozan de gran libertad. Hay una perfecta captación del espacio, Ghiberti adopta las leyes de la perspectiva que ha creado Brunelleschi en la arquitectura. Son pasajes desarrollados en escenarios amplios, se representa la figura humana en diferentes planos, son escenas que recogen varios episodios de un mismo tema (Creación de Adán y Eva, Pecado Original, la expulsión del Paraíso), el fondo ya no es plano, sino que está tallado, todo para dar una sensación de realidad. Esaú y Jacob, inspirado en la arquitectura de Brunelleschi, La aparición de tres ángeles a 5 Abraham, la historia de José la arquitectura y la figura humana están perfectamente engarzadas a la arquitectura, Salomón y la reina de Saba con numerosas figuras humanas representadas, eje de simetría, efectos de luces y sombras. Estos paneles son rectángulos largos y no están más incrustados en el tradicional rosetón gótico, como en las puertas anteriores. Ghiberti empleó los principios, recientemente descubiertos, de "perspectiva de profundidad" a sus composiciones, cada panel representa más de un episodio. En la "Historia de José" se retrata el esquema narrativo de José llevado por sus hermanos al pozo, José vendido a los mercaderes, Los mercaderes entregándole a José al Faraón, José interpretando el sueño del Faraón, El Faraón rindiéndole honores, José envía sus hijos a Egipto y José reconoce a sus hermanos y vuelve a casa. Los paneles están incluidos en un marco dorado decorado de hojas y fruta, muchas estatuas de profetas y 24 bustos. Los dos bustos centrales son representaciones del propio artista y de su padre, Bartolomeo Ghiberti. Miguel Ángel se refirió a estas puertas como las Puertas del Paraíso. En este taller se forman buena parte de los artistas innovadores del siglo XV, entre ellos Donatello y Ucello. Decoración de la Iglesia de Orsanmichele: el exterior está decorado con los patronos de cada uno de los gremios. Para esta iglesia Ghiberti esculpe tres esculturas: San Juan Bautista (1416), patrón de comerciantes de lana, San Mateo (1416), de los banqueros y San Esteban (1428) de los fabricantes de lana. Son esculturas de gran tamaño en las cuales vemos un claro recuerdo hacia la escultura antigua en las formas, las técnicas, el naturalismo de los personajes. Pila bautismal de Siena: donde se representa San Juan ante Herones y El Bautismo de Cristo, con un carácter histórico. Se ve por donde irá dirigida la escultura de Ghiberti. Grupos independientes que actúan dentro de un mismo escenario, interés por el desnudo, por la arquitectura. A la muerte de Ghiberti deja un gran taller en el que el aprendiz se formaba a la copia del natural y de la antigüedad, Ghiberti se va a unir a desarrollar por escrito sus teorías sobre el arte, quedó incompleta a su muerte, obra de gran importancia para la formación del artista, es el propulsor de las autobiografías del artistas. Son tres libros, uno derivado de la obra de Vitruvio, el último es un ensayo sobre la teoría de las proporciones. 6 FILIPO BRUNELLESCHI (1377- 1446) arquitecto, escultor y orfebre. Era florentino y su padre era notario, por tanto nació en el seno de una familia acomodada. Aprendió latín y griego, interesado por las matemáticas y el dibujo. Viajó a Roma para conocer de cerca la escultura y los cánones clásicos. Iniciará su formación en el campo de la orfebrería, de sus primeras obras pertenece el altar de plata de la catedral de Pistoia en el que representa a los padres de la Iglesia y los profetas. Debido a su gran nivel en este campo, se presentó al concurso para las Puertas del Paraíso y quedó finalista en el 1401, pero finalmente ganó Giberti. Al fracasar en el concurso para realizar las Puertas del Paraíso, surgirá un interés por la arquitectura, se convertirá en el primer arquitecto de la Edad Moderna que construirá como los clásicos. En Florencia se encontraba la catedral inacabada gótica de Santa María de las Flores proyectada por Acnalfo di Cambio en 1296. Era una catedral muy amplia pero le faltaba la cúpula para cubrir el crucero dejando un gran hueco en este espacio. En 1417 se pide consejo técnico para resolverlo y más tarde se abre un concurso para que se presenten soluciones. Brunelleschi habiendo estudiado el Panteón de Roma se inspiró en él y presento el proyecto de la doble cúpula. Trabajó sólo en este proyecto tras haberse quitado de encima a Giberti. Cúpula: Hace un doble casquete de ladrillo con aparejo en espina de pez, en su interior, tiene toda una serie de anillos de madera maciza. Esta cúpula supera los 100 metros de altura. Entre los casquetes hay una escalera con el fin de poder subir y contemplar esta obra. Esta cúpula se convertirá en el referente de toda la Edad Moderna y en un símbolo de la ciudad de Florencia. Exteriormente, para aligerar el peso abrió unos óculos en el tambor. Tiene una serie de nervios blancos con un fin policromático y de repartición de pesos. Estas formas geométricas se convertirán en la base de su arquitectura. La linterna la acaba su colaborador y discípulo Michelozzo tal y como la había ideado su maestro ya que anteriormente había realizado una maqueta de madera. En su interior se pensó en un principio en cubrirlo con mosaicos pero finalmente Vasari y Zucaro lo decoraron con frescos referentes al juicio final. Hospital de los Inocentes (1419-1444): fue un hospital realizado para acoger niños abandonados. Se pueden observar todas las características de la arquitectura brunelesciana como el rigor matemático, la claridad distributiva del espacio y la distribución proporcionada de las formas. Se construyó sobre un terreno irregular-cuadrangular cuya parte más famosa y novedosa es el gran pórtico con arcos de medio punto apoyados sobre columnas de capitel clásico, en las enjutas se encuentran una serie de medallones en los cuales hay niños envueltos con vendas. Sobre esto hay ventanas rematadas con frontones y friso bajo ellas. La fachada tiene 5 tramos cubiertos con bóvedas vaídas. Su belleza no reside tanto en la decoración, sino en la proporción y armonía de sus formas. Utilizó distintos tipos de piedra para un fin plástico y polícromo. Su patio está concebido como el pórtico. 7 San Lorenzo en Florencia: en 1423 recibe el encargo de los Medici para reconstruir esta iglesia, obtuvo ayuda económica ya que las capillas ya estaban compradas. La reconstruye siguiendo un planteamiento matemático: 3 grandes naves, nave central el doble que las laterales y estas a su vez son el doble que las capillas, la central es más alta que las laterales y estas a su vez más altas que las capillas. Según los estudiosos podría haberse inspirado en el pórtico de Pompeyo del siglo III. Vuelve a combinar distintos tipos de piedra: la serena y el muro. En el siglo XVI hubo varios proyectos para concluir la fachada (entre ellos la ideó Miguel Ángel) pero finalmente se quedó tal y como estaba. Cerca de la cabecera se haya la sacristía vieja: fue finalizada por su biógrafo Maneti. Esta obra ha sido considerada como uno de los ejemplos más expresivos de la arquitectura de Brunelleschi, con una gran influencia en otros edificios posteriores de planta central. Se trata de un espacio cúbico cubierto por una cúpula nervada sobrepechinas, a la cual se une al fondo otro espacio similar de planta cuadrada, que actúa a modo de ábside. La sacristía queda dividida verticalmente por tres zonas de idéntico tamaño: la parte inferior de configuración general rectangular, la intermedia conarcos falsos circunscritos por las pechinas y la cúpula esférica, cuyo radio es igual al tamaño de cada una de esas dos zonas sustentantes. El entablamiento recorre continuo los dos espacios creando así un espacio visual completo, unitario, y lineal. Se ha considerado que tal sacristía es el primer espacio de planta central del Renacimiento. En la cúpula hay 12 óculos que simbolizan los 12 apóstoles y que se subordinan al gran óculo central, que hace referencia a la Divinidad. Además todo se encuentra policromado,y la tumba se sitúa en el centro, a eje vertical con la cúpula. 8 Capilla Pazzi (1429): se lo encarga la familia Pazzi, se halla a un lado del claustro de la iglesia de Santa Croce en Florencia. A su muerte queda inconcluso y lo termina Michelotto. La planta es de proporciones cuadradas con formas geométricas, este cuadrado está dividido en 3 partes: 1 tercio es el pórtico y 2 tercios son la capilla. La decoración interior de la capilla es a base de medallones y está cubierta por 3 bóvedas semiesféricas cuya bóveda mayor es el doble que el resto. Los soportes son pilastras estriadas de piedra. Decoración: La cúpula está apoyada sobre medallones con figuras de los evangelistas y los apóstoles realizados por Luca della Robbia. El intradós de los arcos tiene rosetones. El pórtico tiene una decoración mínima a base de rosetones romanos que se hallan en los arcos y dinteles, todas sus columnas tienen dado(pequeño cuadradito anterior al cimborrio). Santa María de los Ángeles: fue la primera iglesia con planta circular del Renacimiento, proyectada por Brunelleschi y terminada por Sangal. Recupera el modelo de planta circular como los templos romanos (puede estar inspirado en el de Minerva). A su alrededor tiene una serie de capillas y está cubierto por una gran cúpula. Brunelleschi apenas vio comenzar las obras por tanto su interior no corresponde con el que él había proyectado. Cuando este muere en 1446 es considerado como el mejor arquitecto y es enterrado en esta catedral, toda su obra está muy cercana al tratado de Vitrubio. Iglesia de Santo Spirito, 1436: fue el último proyecto de Brunelleschi. A la muerte de este tuvieron que seguirla otros arquitectos como Antonio Manetti. Es el modelo perfecto basado en San Lorenzo. En toda su extensión impera el cuadrado. Interiormente el sistema de soportes es el mismo que en San Lorenzo, la única diferencia es que el intradós de los arcos está decorado frente a San Lorenzo lo que la hace menos sobria. Queda sin fachada. FALTA CLASEEEEEEE 9 MICHELOZZO DI BARTOLOMEO (1396-1472) Es el arquitecto y artista que se forma junto a Brunelleschi y cuando este muera completará todas sus obras. Este culminó la cúpula de Santa María de las Flores con la linterna fijándose en la maqueta de madera que dejó su maestro. También se encargó de concluir el Hospital de los Inocentes que entra dentro de lo que sería los principios del humanismo cristiano (ayuda a los desafortunados), sin alterar nada de lo que Brunelleschi había concebido. Es de los artistas de la primera generación que se forma en el taller de Santa María de las Flores, el cual refleja un gusto por el componente escultórico debido a que se formó como escultor en sus principios. Cuando muere su maestro, además de los encargos también va a heredar el puesto de maestro mayor de la Catedral de Florencia y será nombrado arquitecto oficial de la familia Medici. Colabora con Donatello en el púlpito de la catedral de Prato y en la tumba del antipapa Juan XXIII (tumba doble con el yacente con las virtudes en la parte inferior), obras en las que se encarga del ámbito arquitectónico. Como arquitecto de los Medici llevará a cabo el Convento de San Marcos de Florencia, en el claustro sigue el modelo del Hospital de los Inocentes. La biblioteca de Cosme se guarda la colección de manuscritos y que sirva como consulta para el pueblo, es la primera biblioteca pública de la Edad Moderna. Lo que inicia es un tipo edificio que tiene gran interés: tiene una gran sala de carácter basilical que el construye con perfecta armonía y utilización del arte clásico. Si trazamos una línea transversal en el espacio nos encontramos con un espacio con una arquería de medio punto apoyado sobre ménsulas en la pared que deriva del Hospital. Quedando un espacio diáfano de estructura perfecta. Piazza Santisima annunziata: hace el pórtico para completar la plaza. Palacio Medici-Riccardi 1444: es un palacio q en el siglo XVIII paso a propiedad de la familia Ricardi. Fue la morada de los Medici durante el siglo XV, está concebido como el símbolo de una nueva clase social donde se unen funciones de carácter comercial como también la parte privada que son las habitaciones de los Medici. En la planta baja estarían instaladas las oficinas y en las partes superiores las habitaciones de uso privado. Es un palacio de bloque cerrado, de proporciones cuadradas, con un patio central en torno al cual se distribuyen las habitaciones. Exteriormente presenta 3 pisos con paramento almohadilla que se va suavizando a medida que se va ascendiendo. En principio los vanos de la planta baja donde estaba la banca estaban abiertos pero Miguel Ángel por encargo de los Medici los cierra. El perímetro de toda la parte baja tenía un banco corrido que servía de asiento para las personas que iban a la banca. El modelo tiene gran trascendencia porque se convierte en un modelo de palacio. En el patio se observa una arcada con capiteles clásicos y una serie de medallones con el símbolo de la familia Medici. BERNARDO ROSELLINO (1409-1464): Es quizás el mejor discípulo de Brunelleschi. Su intervención más famosa es la remodelación de la ciudad de Pienza cuyo nombre se debe a su promotor Pio II. Rosellino va a llevar a cabo esta reconstrucción pero sabemos que en última instancia las obras serán revisadas por Alberti. La ciudad del Quatrocentto fue una ciudad utópica. Se levantan tanto los edificios de gobierno como los eclesiásticos: frente al palacio episcopal está el palacio piccolomini y frente al ayuntamiento está la catedral. 10 Palacio Piccolomini: es prácticamente igual que el de Rucellai. Sigue claramente el palacio florentino pero lo original se encuentra en el patio exterior. El palacio es de proporciones cuadradas y comunica la ciudad con la naturaleza de las afueras. Tiene un patio interior y una galería abierta de 3 pisos de capiteles clásicos y utilización de arquitectura arquitrabada. Junto al palacio tenemos la catedral que debía ser gótica de 3 naves y debía de carecer de pinturas y en su lugar debía tener vidrieras. Pero el desarrolla 3 grandes arcos de medio punto, separa el edificio de 3 partes iguales de inspiración clásica, y en la parte inferior combina arco y dintel. Interior: según el papa debería tener tracería gótica, pero Rosellino utiliza pilares clásicos con medias columnas adosadas y dobles capiteles utilizando el dado brunelleschiano y utiliza policromía haciendo efecto de estrígiles. Ha creado una iglesia de gran altura, con 3 naves y grandes vidrieras. Ayuntamiento: tiene una estructura muy sencilla con una triple arquería. Palacio episcopal: no tiene ná. Está regida por un orden de simetría y proporción. Puerta adintelada con un semicírculo. DONATELLO(1386-1466): Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». El artista, según Vasari, fue educado en la casa de la familia Martelli; y, es cierto que recibió su primera formación, en un taller de orfebrería. Entre 1402 a 1404 viajó a Roma con Brunelleschi, para estudiar el arte de la Antigüedad. Vieron gran cantidad de ruinas antiguas que pudieron estudiar y copiar para posteriormente inspirarse en ellas. Fue considerado el mejor escultor del XV. Púlpito de la catedral de Florencia: en este púlpito utiliza varios materiales como cerámica, mármol, vidrios, etc. inspirado en los mosaicos bizantinos. Anunciación, Iglesia de Santa Croce (1435): lo realiza para la familia Cavalcanti. Emplea oro en las formas geométricas que crea una sensación de mayor profundidad. Se observan pilastras estriadas con capitel no clásico pero con formas corintias, frontones semicirculares con angelotes. Aparece el escudo de la familia en una composición clásica, equilibrada y serena. 11 David (1440): lo encarga Cosme de Medici para adornar una fuente que había en el patio interno de su palacio. Es el primer desnudo de la Edad Moderna, realizado en tamaño natural. Realizado en bronce, no es un David enérgico y maduro sino que es un adolescente pensativo y sereno el cual acaba de matar al gigante Goliath. El cuerpo está modelado con una gran perfección: postura relajada, apoyada la pierna derecha firmemente sobre el suelo y la izquierda sobre la cabeza de Goliath. El cuerpo ligeramente curvado nos recuerda a la curva praxiteliana guardando bastante semejanza con el Apolo Sauróctono de Praxiteles. Según la luz incide de una forma o de otra se ven las sombras y las luces de una manera distinta. Como única vestimenta lleva un sombrero coronado con una hoja de laurel. Cuando los Medici son expulsados de Florencia, esta pasa a manos del ayuntamiento y en la actualidad se encuentra en el museo de Bargello. Altar de la iglesia de San Antonio de Padua (1446-48): encontramos figuras de medio bulto hechas en bronce con la técnica de la cera perdida y mármol a fin de crear un efecto colorista. En 1579 el altar se desmonta y es sustituido por un altar barroco y sus distintas piezas son distribuidas por todo el templo. Esta ambiciosa empresa le ocupó 8 años. Se puede establecer cierto parecido con las Puertas del Paraíso. Relieves: estaba presidido por la Virgen y el niño1y flanqueada por dos santos: San Antonio y San Francisco Los relieves con las escenas de los milagros de san Antonio se encuentran alrededor de toda la base. El Milagro de la mula está repartido entre tres arcos de arquitectura. El Milagro del hijo perdido se encuentra en una especie de circo, con las líneas oblicuas de las escaleras que atraen la dirección de la mirada del espectador hacia el centro. El Milagro del corazón del avaro, tiene una apretada narrativa que muestra, los principales acontecimientos de la historia, con un movimiento de composición circular, realizado con un fino relieve en stiacciato. En el Milagro del bebé que habla, los personajes principales están situados en el centro, mientras les rodean en semicírculo las personas que asisten al milagro. La escena está ambientada en una arquitectura en perspectiva que representa los muros de una iglesia toscana. En estos relieves se observan grandes conglomeraciones de personas que Donatello logra equilibrar a ambos lados de la escena, poniendo el personaje principal en el centro de la composición. En la parte inferior hay una serie de 1 La virgen actúa como trono de la sabiduría para Cristo, está inspirada en la virgen románica y bizantina envuelta en un manto tocado y coronado por querubines. 12 relieves en formato vertical con ángeles musicales y en el centro la figura de Cristo muerto siendo sujetado por ángeles, en los ángeles utiliza oro para dar luminosidad. Monumento ecuestre de Erasmo de Narni (1447-50): estaba destinado a adornar su sepultura, Erasmo era un militar y se le representa con gran poderío. Fue el primer ejemplar de estatuaria ecuestre de la Edad Moderna. La escultura presenta el momento en el que Gattamelata cabalga pausadamente, sobre su caballo (con clara vocación a la estatua de Marco Aurelio). El personaje mira de frente desafiante y enérgico, su rostro está tratado como un retrato romano. El conjunto de jinete y caballo están colocados sobre un gran pedestal de dos pisos con relieves de angelillos dolientes y en dos de sus lados unas puertas de mármol, que imitan a los sarcófagos clásicos: las puertas de Hades. ÚLTIMA ETAPA. San Juan Bautista, Santa María dei Frari: San Juan era el patrono de la ciudad de Venecia. Utiliza madera porque es fácil para modelar la expresión y los gestos ya que su principal objetivo era mostrar emotividad. Aparece cubierto con harapos y anciano, con la boca entreabierta como si estuviese hablando. a escultura está colocada dentro de un majestuoso políptico, en cuyos lados se encuentras don imágenes de una santa y un obispo realizadas por un artista desconocido, en la capilla dedicada a San Juan Bautista. El santo se caracteriza por rasgos deliberadamente muy expresivos y por la rígida monumentalidad. Cubierto con un vestido de camelote (pelo de camello), avanza un paso hacia adelante con la pierna derecha, la mano izquierda, parcialmente cubierta con un manto de oro, sostiene una cartela con las palabras que había dicho en las riberas del río Jordán, a la vista de Cristo: «Ecce Agnus Dei». María Magdalena, baptisterio de Florencia (1453-1466): Donatello se inspiró en la La leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados, peregrinó e hizo vida de ermitaña, se cree en la parte meridional de Francia. Así la representó Donatello, realizada en madera policromada, en edad ya madura demacrada por el sufrimiento, vestida con una ajada prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos huesudas unidas en actitud de oración, la expresión de su rostro revela la fatiga y el dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca 13 entreabierta, tiene los pómulos muy pronunciados por la extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos. Judith y Holofernes (1455-60): La estatua fue encargada por Cosme de Médici o su hijo Piero de Médici, como decoración de la fuente del jardín del Palacio Medici Riccardi, entre 1455 y 1460. Estaba en este palacio, junto con el David de Donatello, en el patio. Estas dos estatuas se encuentran entre las primeras estatuas del renacimiento italiano completamente independientes fuera de cualquier arquitectura. Representa el asesinato del general asirio Holofernes por Judith. Se considera a Judith como el símbolo de la libertad, la virtud y la victoria del débil sobre e l fuerte, en una causa justa. Sostiene en una mano una gran espada, y con la otra la cabeza de Holofernes por su cabello. Las dos figuras son tratadas por el escultor completamente opuestas, Holofernes está desnudo y modelado de acuerdo con las normas de la anatomía, mientras Judith está enteramente cubierta por la ropa, que detalla su frágil físico. Púlpito de la Iglesia de San Lorenzo (1461-66): fue las dos últimas obras, son dos púlpitos que nunca tuvieron en realidad esa función sino que tienen la forma. Los concibe como sarcófagos sobre 4 columnas de mármol de corte clásico. En los frentes encontramos relieves de temas de la Pasión (Cristo ante Pilatos, el descendimiento, el entierro de Cristo, etc.) en el que observamos perspectiva donde se ven los apóstoles en primer término que están sobre la arquitectura y le da mayor naturalidad. También hay relieves de la pasión de San Lorenzo pero quedó inacabado a causa de su muerte y es terminada por sus discípulos. Donatello será enterrado en esta iglesia. Púlpito de la catedral de Prato, 1438: se parece a la cantoría de Florencia, los niños aparecen en recuadros enmarcados por pares de pilastras. Figura alegórica de un niño, 1430: expresa el niño con gran alegría en el que se ve una gran perfección en la técnica y la anatomía. Agostino di Ducio será un gran continuador del estilo de Donatello. 14 Donatello recupera el retrato acorde con la tradición romana como el Nicolo. En este ámbito será su continuador Mino da Fiesole. TEMA 4: INICIOS DE LA PINTURA MODERNA Florencia Se convierte en el centro donde se iniciará la pintura moderna. Se crea un interés por crear un lenguaje nuevo para romper con la tradición medieval. Encontramos los primeros estudios para conseguir un sistema de representación visual. El artista que romperá con lo medieval y que tendrá la naturaleza como un protagonista más en sus cuadros será Masaccio. Encontramos un espacio tridimensional y realista, utilizará colores naturales con los que representará figuras humanas repletas de volumen. El precedente más claro de Masaccio fue Giotto, el cual fue el `primero en su tiempo que intentó luchar con la tradición bizantina, aunque todavía se mantiene dentro de un mundo medieval y además el naturalismo que el propone no tendrá continuidad en su tiempo. Giotto fue el precursor de la pintura renacentista. Si el pintor medieval le daba importancia a la temática representada, al pintor renacentista le primará la belleza de las formas y suscitar emoción estética en el espectador. Representa al hombre de acuerdo con los principios de la razón humana: aplicación de la perspectiva, representación de la luz, el pintor moderno situará una figura en medio de un paisaje, y surge una preocupación por parte del pintor por la anatomía. La figura y el paisaje tiene que guardar proporciones, la pintura debe canalizar los sentimientos humanos. MASACCIO (1401-1428): rompe con tópicos que en su tiempo estaban desarrollando pintores contemporáneos. Fue el primero que concibió el nuevo lenguaje de la perspectiva. Preocupación por el volumen, recuperación por los modelos clásicos, luz, proporción, etc. hacen de su pintura que se considere la fuente de inspiración para el resto de los artistas posteriores. Fue el gran maestro que con ayuda de la ciencia y la geometría da vida a sus imágenes. Pero la brevedad de su vida y la escasez de información que tenemos sobre su formación dejan planteadas una serie de interrogantes a la hora de analizar su obra. En un principio trabajó con su maestro Masolino que era 15 años mayor de Masaccio, sin embargo los últimos estudios han puesto en entredicho esta hipótesis porque puede que no fuese su maestro, incluso puede que el cambio de las obras de Masolino podría haber estado inspirado por la pintura del joven Masaccio. Tríptico de San Giovenale(1422): es la primera pintura fechada del artista. Esta pintura se descubrió el siglo pasado. También sabemos que fue encargado por un notario para la decoración de su capilla. Fue realizado con apenas 20 años y nos permite observar el interés por la monumentalidad. Abandona el estilo internacional aunque todavía vemos cierto medievalismo a raíz de los fondos dorados (puede que este fondo se lo hubiese pedido el mecenas). El gesto del niño chupándose el dedo nos hace ver un cambio ya en la perspectiva en la pintura ya que anteriormente hubiese estado mal visto. Masaccio se trasladó a Roma para tomar contacto con el mundo antiguo, de él derivaría una admiración por el mundo antiguo y quedan muestras de ese interés. En 1424 será decisivo para su carrera, porque aparece en el listado de la cofradía de los pintores. 15 Santa Ana, La Virgen y el niño (1424): colaboraron Masolino que hizo la Santa Ana y los ángeles; y Masaccio que hizo la Virgen con el niño y un ángel, aunque Vasari la atribuye en totalidad a Masaccio. Tiene cierto carácter escultórico, la luz empieza a tener protagonismo en la pintura al mismo tiempo que las sombras. La Virgen es majestuoso pero el niño en cambio es más natural. Virgen con Niño y ángeles: formaba parte de un políptico, en el siglo XVI fue desmembrado y esta parte se encuentra en el National Gallery. Este políptico iba a estar en una capilla, vemos como la figura aparece asentada sobre un trono en el que vemos la incorporación de modelos arquitectónicos con columnas con superposición de órdenes. La decoración de la parte baja está hecha a base de estrígile, que se utilizaba sobre todo en los sarcófagos, este detalle nos dice la relación con la antigüedad clásica ya que se observaba en los sarcófagos. Se crean una serie de luces y sombras, luz que viene de la izq. Hacia la derc. la virgen ya no está tan hierática, hay cierto movimiento. La figura del niño repite el gesto de chuparse el dedo. Coronando este políptico había una crucifixión, el artista tuvo en cuenta el punto de vista del espectador, por tanto lo iba a ver en perspectiva. La figura de la Magdalena `puede que fuese incluida posteriormente, la figura de la Virgen es monumental. En origen en la parte alta del madero había una tablita que ponía INRI, sin embargo al hacer la restauración salió a la luz el árbol de la vida. El desnudo de Cristo indica el interés por la anatomía. En la parte inferior, se encontraba la adoración de los Reyes Magos, constituye una revolución en cuanto a iconografía porque las figuras de los reyes son figuras vestidas a la moda. Sin embargo encontramos convencionalismo a la hora de representar la Sagrada Familia. Vasari destaca el carácter profano de los personajes y el naturalismo y belleza de los caballos que se encuentran en la parte derecha. Esta pintura se puede comparar con la pintura de la adoración de los magos de Gentile da Fabriano que fue el último pintor del gótico italiano. Otras pinturas que aparecen son las de la crucifixión de S. Pedro y decapitación de S. Juan Bautista. En otras encontramos la vida de San Julián y San Nicolás. Faltan muchas otras pinturas que formaban el políptico. 16 La Trinidad (1427-28) Iglesia Santa María Novella: es una de sus obras magistrales. Simula un altar. Es una composición que nos transmite mucho: desarrolla visualmente una pintura de engaño porque en un muro plano desarrolla un espacio arquitectónico en profundidad, como si el muro se rompiera. Un espacio en el que Masaccio muestra su admiración por Brunelleschi: bóveda casetonada apoyada sobre pilastras con capitel clásico en el que sitúa figuras con un carácter monumental. Masaccio integra las 3 artes en una: pintura, escultura y arquitectura. El tipo de pilastras es lo mismo que utiliza Brunelleschi en la Capilla Pazzi, incluso se ha hablado de la cooperación de este con Masaccio. Tiene un planteamiento matemático. Otra gran novedad es que los donantes están representados a tamaño natural porque siempre se les representaba a tamaño menor que los protagonistas, aparece el donante y su mujer postrándose ante el misterio de la Santísima Trinidad. Ya ha desaparecido cualquier reminiscencia con los fondos dorados. Tras la cruz aparece Dios sujetándola de mayor tamaño que es resto de las figuras. Bajo toda esta composición aparece un esqueleto junto con las palabras, FUI LO QUE TÚ ERES, Y LO QUE YO SOY TU SERÁS, que se dice que podrían ser los restos de Adán o de uno de los donantes. También puede significar el viaje que debe realizar el espíritu humano para alcanzar la salvación, alzándose sobre la vida terrenal y cuerpo corruptible a través de la oración (los dos donantes) y la intercesión de la Virgen y San Juan Evangelista ante la Trinidad. La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). Capilla Brancacci: fue patrocinada por un rico comerciante de Florencia que incluso fue nombrado embajador de Florencia en el Cairo para potenciar el comercio con Oriente. Encargará la decoración de su capilla familiar en la Iglesia del Carmine. Los frescos fueron realizados por Masolino pero este solo hizo una parte de la capilla. Masaccio pintará buena parte del muro de la izquierda y el frente. En 1428 es llamado a Roma que es donde perece, y varios años más tarde se concluye con Filippino Lippi. El muro izquierdo son escenas inspiradas en el génesis, los apóstoles y en las historias de la Leyenda Dorada2. Estas pinturas sufrieron un incendio y cuando se procedieron a su restauración se pierde toda la decoración de la bóveda, por eso hoy sabemos que son del XVIII. En 1988 se inicia un proceso de restauración que nos devela el rico colorido con el que fueron pintadas. El tributo: es sin duda una de las composiciones más importantes. Constituye una pintura en la que se observa un paso más allá, suprimiendo todos los elementos anecdóticos para centrarse en las figuras (Cristo, apóstoles y el tributario). Porque este tema? Puede tener claras connotaciones de algunos ciudadanos de cumplir con el nuevo impuesto de la ciudad de Florencia. También se ha puesto en relación con la actuación de Filipo Branccaci convirtiendo al mar en una fuente de ingresos para la ciudad a través del comercio. Ambiente dominado con la perspectiva con un fondo paisajístico y con las figuras en primer término a las que les da un carácter escultórico. En la parte de la derecha hay arquitectura en perspectiva y crea a través del color y las luces una serie de planos. Cada figura tiene diferentes actitudes y tiene un carácter individualizado. Masaccio abandona el dibujo para dar interés al color. En una misma escena se dan 3 a la vez: 2 Como Leyenda dorada o, en latín, Legenda aurea se conoce a una compilación de relatos hagiográficos reunida por el dominico Santiago (o Jacobo) de la Vorágine, arzobispo de Génova, a mediados del siglo XIII. 17    Un recaudador de impuestos (el publicano) reclama un tributo a san Pedro. Este acontecimiento ocupa el centro del fresco. Se ve al cobrador, de espaldas, con una túnica roja, que pide el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer. San Pedro toma una moneda tragada por un pez del lago Tiberíades. Esta escena aparece en el lado de la izquierda. San Pedro paga al publicano, según se muestra en el lado derecho. San Pedro y el publicano están ante un edificio en perspectiva. . LECCIÓN 5: ALBERTI: teoría y práctica arquitectónica. Sus ideas y algunos de sus proyectos le hicieron uno de los principales modelos a seguir hasta el Barroco. Leon Battista Alberti (1404-1472) representa el primer ejemplo del prototipo de hombre del Humanismo temprano que se distingue por su cultura, escritos y por el método racional y científico. Cultivará numerosas disciplinas y pasará a la posteridad como el codificador de las leyes de la arquitectura del Renacimiento. Fue el primer tratadista de arte. Es de origen florentino que desciende de una ilustre familia noble dedicada al comercio y a la banca y muy implicada en la política, pero casualmente nace en Génova cuando se exilió a la familia. Sin embargo él se declara florentino, recibe una educación esmerada, será enviado a una escuela a Padua, después marchará a la universidad Bolonia y después visitará grandes ciudades como fue a Florencia o Roma. En Padua se inicia en el estudio del latín y el griego, lo que le permitió leer a los clásicos grecolatinos lo que hizo que escribiera una comedia bajo el seudónimo Lépido que se creía que había sido escrita en el siglo I. En Bolonia se licenciará en Derecho y llevó a cabo una carrera brillante donde conocerá a personas como el cardenal Albergati cuando era estudiante y ahí surge la amistad a quien nombrará posteriormente secretario a Alberti. En su juventud el viaja a Florencia donde se relaciona con Brunelleschi, Donatello y Masaccio; y a Roma donde despertará un interés por la antigüedad y donde leerá los grandes escritores clásicos. Tras graduase en Derecho pasó al servicio del cardenal Albertati, desde los años 30 será contratado por el Papa Eugenio IV y después será secretario de los sucesivos papas. Incluso será nombrado Conservador del Baticano. Fue un viajero incansable que será muy demandado por los príncipes de la época para trabajar para ellos. En 1432 viajará a Roma, en esos años el Descriptio Urbis Romae, más tarde se incorporará a la corte papal que se traslada a Florencia donde despertará su interés por el arte y hará amistad con Brunelleschi y Donatello. Para este el arquitecto es un trabajo intelectual incluyéndolo en las artes liberales. Como filósofo hace los 4 Libros de Familia hechos en lengua vulgar en forma de diálogo. 1. educación de los hijos. 2. matrimonio. 3. economía doméstica 4. relaciones de la familia con el mundo exterior. En De Principe habla de temas de gobierno, una de las primeras obligaciones del mandatario es velar por la paz ciudadana y todos los que se dediquen a cargos públicos deben consagrarse al bienestar general y al bien común. Tratará la dignificación del artista, como un trabajo intelectual restando importancia al trabajo físico. Fue uno de los primeros que recuperaron la elegancia y las proporciones clásicas. Aunque escribió sobre filosofía, política, obras de carácter literario veremos que recogerá en forma de tratados las ideas sobre el arte: pintura, escultura y arquitectura. El primero de los tratados fue De Pictura que lo escribe en latín y luego lo traduce al italiano. Consta de 3 libros, trata la pintura desde un planteamiento científico centrándose en la perspectiva, hace un planteamiento de cómo él plantea la pintura. También da importancia al claroscuro, las sombras. También trata como el artista domina la pintura. El segundo libro trata de la sistemática de la pintura: dibujo, composición y claroscuro. El tercer libro trata sobre los métodos en que una persona lleva a cabo el aprendizaje de la pintura, ninguno podrá pintar bien si no se tiene conocimiento de las matemáticas. La belleza para Alberti no procede de una imitación de la naturaleza sino es una armonía y concordancia de cada una de las partes, por tanto el pintor debe llegar a la máxima belleza suprimiendo la fealdad. La pintura histórica engloba a todas las demás porque da una imagen de la actividad humana. el tratado nace a la luz de su convicción de que la pintura es un arte intelectual dominado por las matemáticas. El segundo tratado es De Re Aedificatoria que escribe ya en la madurez, lo concibe tras haber estudiado el tratado de Vitrubio. Se compone de 10 libros, pero dará luz años después de que el muriese por menos de su hermano. Es un como un libro manual de los arquitectos renacentistas y de hecho a lo largo del XVI la obra será traducida a distintas lenguas. Establece una estética arquitectónica basada en 18 los modelos clásicos, la belleza resulta de la proporción y el orden de las distintas partes del edificio. Al arquitecto lo define como el hombre que sepa proyectar racionalmente y realizar obras que se acomoden a las necesidades del hombre. Los 3 primeros los dedica a cuestiones técnicas: 1. diseño y la utilidad del dibujo para el arquitecto 2. estará dedicados a los materiales , y el lugar de emplazamiento 3. construcción , 4. diseño de la ciudad 5. ídem 6. belleza arquitectónica en las proporciones del edificio. 7. Construcción de edificios: público y privados. Edificios sagrados y deja planteado el modelo ideal de iglesia, debe constituir el ornato más bello e importante de la ciudad. El propone el modelo de planta circular porque considera que el círculo es la forma más perfecta. También recomienda una figura geométrica que se pueda inscribir dentro de un círculo. La iglesia debe ser elevada sobre un pódium para aislarla del mundo terrenal. Propone la planta basilical. Considera que los arcos no debe utilizarse en las iglesias y propone el dintel. Proclama colocar en las paredes cuadros o esculturas en vez de frescos. El color más adecuado para la arquitectura religiosa es el blanco, por su pureza y simplicidad. También promueve que en los muros se coloquen inscripciones en latín que traten en animar al fiel para que siga los dogmas. 8. Edificios civiles 9. Edificios privados. Casa y palacio. 10. Restauración de las obras. De Statua (1464), es un texto más breve además es el que despierta menor interés. No tiene carácter sistemático, da unas normas generales sobre escultura ya que la considera como la ciencia que representa la tridimensionalidad de los objetos. Elabora una tabla de las proporciones humanas y aquellas de las que están consideradas más bellas. También separa los tipos de esculturas según el material con el que estén elaboradas. Sus escritos tuvieron una enorme influencia en el desarrollo posterior. Es uno de los mejores organistas de la época. Probablemente debido a esta intensa actividad, va a incorporarse a la práctica arquitectónica a una edad ya madura, en 1450. Nunca intervino en la ejecución directa de las obras, el mantiene una actividad únicamente intelectual. Aunque la producción no fue muy numerosa, fue importante por lo que en ella aporta y por lo que va a significar en el futuro de la arquitectura, en ella va a llevar a la práctica las ideas de su tratado de arquitectura: Iglesia de San Francisco (1450): encargada por Segismundo Malatesta, es una iglesia antigua, se convierte en un templo mausoleo funerario porque allí se quiere enterrar y junto con ellos enterrar a los hombres ilustres que han colaborado con él. Malatesta creó en Rimini un centro humanista a modo de los de Florencia, y en este contexto es cuando él se plantea transformar este modesto templo. Se trata de una iglesia conventual con una serie de capillas góticas y Alberti lo que hace es que sin destruir nada hace una especie de caparazón exterior. Hace un ábside inspirado en el Panteón de Roma. En 1458 muere Segismundo y las obras quedan paralizadas. No se levantó la gran bóveda de la cabecera, en el exterior podemos percibir una arquitectura preexistente. Su idea se ha conservado gracias a una medalla conmemorativa donde en una cara vemos un perfil y en la otra vemos el proyecto que dibujo y que se empezó a construir. Una idea que luego desarrollará en otro proyecto posterior. Toma como modelo el arco romano de Constantino, y los clípeos están tomados del arco de Augusto en Rimini. La proyecta como 3 grandes arcos donde el arco mayor es la puerta de entrada y los 2 arcos laterales estaban destinados al lugar de enterramiento de Segismundo e Isotta. Bajo los arcos laterales estarían enterrados los hombre ilustres de su corte: a un lado los sabios latinos y al otro los griegos. Ni Segismundo ni su esposa fueron nunca enterrados en la fachada sino en el interior del templo. La iglesia se convierte en una especia de pórtico de la fama donde habría una alegoría hacia el propio Malatesta, pero también la utilización de los arcos puede que se relacione con el triunfo de la muerte. 19 En el friso de la parte superior hay una inscripción donde pone que Segismundo erige este templo en honor a Dios y a la ciudad por haber salido airoso de los peligros que se había enfrentado para su defensa. En la puerta principal sale el año de su inicio en latín, hay una utilización conjunta del arco y las formas abovedadas con una decoración basada en la proporción de la forma del edificio. En los laterales se trazan una sucesión de arcos iguales inspirado en el acueducto romano. Solo se llegaron a construir las tumbas del lado derecho. El lado izquierdo está la tumba de uno de los filósofos de la corte, Gemisto Pletón admirado por Malatesta. Tras su sepulcro asoma restos del antiguo muro gótico. El templo está elevado sobre un podio como dice en su tratado con molduras de tipo vegetal que decoran toda la parte baja. Lo novedoso es recuperar el modelo de sarcófago romano. Interior: Malatesta solicitó los servicios de escultores importantes como Agostino di Duccio discípulo de Donatello que hace relieve haciendo alusión la música. Piero della Francesca dibuja a Segismundo rindiendo pleitesía ante su patrón. Palacio Rucellai, 1450-51: aquí Alberti va a fijar lo que es el modelo de palacio renacentista que impone más por el prestigio intelectual de sus proporciones que pos su ostentación. Es una estructura adaptada al entramo urbano, se relaciona con la domus romana: levantado en torno a un gran patio o fuente. Tiene 3 pisos iguales y separados por cornisas y a su vez divididos en una serie de calles iguales separadas por pilastras. La belleza de la fachada reside en la proporción de la altura y la anchura y por otra parte en el empleo de la superposición de los órdenes clásicos inspirados en el Coliseo. En la parte superior hay una cornisa que cubre la acera, como elemente decorativo sobresale los escudos de la familia que aparece en la planta noble. El que llevará a cabo el proyecto de Alberti será Bernardo Rosellino que será el difusor del estilo de Alberti. La parte baja está tratada a modo de banco con un sentido utilitario. Los modillones están inspirados en modelos romanos, los frisos tienen una decoración muy fina vegetal. Loggia Rucellai: poco después con motivo de la boda de uno de los hijos Rucellai, se va a llevar a cabo una ampliación para recibir a los invitados antes de entrar al palacio. En su origen estaba construida como loggia abierta y con el paso del tiempo se ha cerrado con una cristalera. Estructura: 3 grandes arcos apoyado sobre arcos y utiliza la pilastra para sostener las esquinas. Iglesia de Santa María Novella, 12461456: se le encargó completar la iglesia que estaba hasta el primer piso. Se ve limitado por lo ya existente y hará una fachada tratando de armonizar lo antiguo con lo moderno donde utiliza los mármoles como elemento colorista. Va a desarrollar un segundo cuerpo trazando un gran cuadrado donde el cuerpo bajo es la mitad, lo remata con un frontón y utiliza dos grandes volutas. Crea un modelo de fachada muy difundido en el barroco. Es fruto de un juego de correspondencias matemáticas. Para la entrada principal dispone un gran arco apoyado sobre un friso y respeta el trazado que ya había y en la parte superior abre un gran rosetón cuyo diámetro se corresponde con el del frontón. Está en relación con el baptisterio de Florencia y son San Miniato al Monte. 20 Hacia 1460 Alberti será llamado por la corte de los duques de Mantua: Iglesia de San Sebastián. 1460: se construye el primer ejemplo en Italia de iglesia de planta centralizada. Querían enterrarse allí los duques. Su aspecto es debido a una reconstrucción que se hizo el siglo pasado por los daños de la guerra civil, se le añaden las escaleras laterales en el s. XX. San Andrés, 1472: la proyecta el mismo año de su muerte. Utiliza el otro modelo alternativo, la planta de cruz latina en la que pone capillas laterales con una gran cúpula en el crucero. Construida por el modelo de módulos cuadráticos. Este es el modelo de planta basilical que van a utilizar los jesuitas cuando creen iglesias de la compañía. Interior: sus capillas laterales están concebidas con unas bóvedas profundas que nos recuerdan a las arquitecturas de Donatello, no es de extrañar ya que eran muy amigos, pero a su vez nos recuerda a la basílica de Majencio con bóvedas decoradas con casetones. TEMA III: ALTERNATIVAS EN EL ARTE FLORENTINO DE MEDIADOS DEL SIGLO XV: Los deseos de cambio e innovación de Masaccio servirá de estímulo para otros artistas que se educan dentro de la tradición gótica. Estos irán desarrollando su arte de acuerdo con el nuevo arte con un gran interés por la perspectiva y las ciencias lo que culminará en una nueva pintura. En otros casos les interesa mucho el tratamiento de la luz y las sombras, pero también es verdad que otros artistas evolucionarán más despacio donde todavía se ve persistencia de los elementos góticos, es la corriente tradicional. Hacen una pintura bella y agradable a los ojos del espectador, una pintura en la cual adoptan formas más realistas en la que sacan escenas de la vida natural. LECCIÓN 6: ensayos y experimentos de la pintura florentina. Hay 3 corrientes: una que se centra en la perspectiva como Paolo Ucello, otra que se centra en el retrato humano como Andrea del Castagno y por último la que se centra en la luz y el color como Andrea del Castagno. PAOLO UCELLO (1397-1475): tiene obsesión por la perspectiva, su obra es fruto de una elaboración muy estudiada en el cual priman los estudios sobre el escorzo y el movimiento y todo ello lo resolverá con fórmulas geométricas. A menudo encontramos imágenes que se alejan de la realidad como en el Crucifixión con la Virgen, los Santos Juanes y San Francisco: vemos figuras que han perdido el canon y la proporción. Ucello es un hombre con una vida longeva cuya actividad se va a desarrollar a partir de los años 30, de una vuelta de Venecia en la que queda deslumbrado por la pintura de Masaccio. Fue de los primeros intelectuales de la pintura, tras estudiar la arquitectura de Brunelleschi y la escultura de Donatello se plantea una nueva forma de pintar. Se le ha considerado el antecesor del cubismo y el surrealismo. Es de origen florentino, inicia su formación en el taller de Giberti cuando tenía 7 años por lo tanto se le sitúa dentro del grupo que debió colaborar en las puertas del baptisterio y es precisamente en este momento cuando comienza su interés por la perspectiva. En 1414 ingresa en el gremio de pintores cuando tenía 17 años. También sabemos que durante 5 años residió en Venecia y allí trabajó en las obras de restauración de la basílica de San Marcos y trabajó como mosaiquista. Hizo un San Pedro en mosaico que se lució hasta el siglo XVIII cuando fue destruido porque no concordaba con los gustos de la época. En 1431 vuelve de Venecia fascinado por las artes de allí, hizo algunos cartones para vidrieras como los del Nacimiento y Resurrección de Jesucristo. También en estos años realizará un reloj en el aparecen 4 cabezas de los apóstoles en las esquinas. Es una esfera de 24 horas donde los números romanos están colocados en sentido antihoral. La primera pintura importante del nuevo estilo es el monumento a Giovanni Accuto: encargada en 1436 que ocupa un lugar importante en la nave, le hicieron esta pintura en agradecimiento por sus servicios prestados a la ciudad ya que llevó a la victoria al ejército florentino. Quizás está influenciado por los caballos de San Marcos ya que está pintado con colores que simulan el bronce, 21 además del descubrimiento de la estatua ecuestre de Marco Aurelio. Está de perfil sobre un fondo rojizo, encuadrándolo con una orla que nos recuerda a la de las puertas del baptisterio. Desarrolla un monumento escultórico. En la parte inferior se pueden los escudos. Es quizás una de las primeras pinturas ilusionistas por su proximidad a la escultura, es la primera imagen de la estatuaria ecuestre en el Renacimiento, 10 años antes del caballo de Donatello. Frescos de Santa María Novella 1447-48: con figuras en tono verdoso, pero lejano a toda la paleta colorista de la pintura anterior. Se limita a los grises los verdes y el fondo rojizo. Desarrolla una serie de escenas del Antiguo Testamento como la del Diluvio universal. Ucello desarrolla varios episodios en una misma escena juntos: momento de la tormenta en donde en la parte de derecha es el retroceso de las aguas con Noé saliendo de la arca, visión calmada del retroceso de las aguas. Hizo una pintura monocromática probablemente influenciada por los tratados de Alberti. Batalla de San Romano 1455-60: se conmemora esta batalla que tuvo lugar en 1432 en la que los florentinos antes el inesperado ataque del ejército sienés ante la torre de San Romano son combatidos. Son 3 episodios que se encuentran cada una en un museo diferente: 1. Niccoló Tolentino se enfrenta a Bernardino de la Ciarda, es cuando comienza la batalla. Tiene un carácter fantástico. Derribo de Bernardino de la Ciarda: utiliza para resaltar ese triunfo simula el movimiento desarrolla sobre todo el primer plano para transmitir el fragor de la batalla reflejado en los caballos. En una visión irreal, lo que no le interesa es retratar a las personas, estas no tienen formas en el fondo se representan con manchas negras con lanzas enormes. 3. Micheletto de Codignola con las tropas de refuerzo, consigue la victoria: el único rostro individualizado es el de Micheletto. Debido a los colores oscuros que usa puede darle ese carácter fantástico. Estas composiciones se ponen en relación con el gusto por los tapices franco-flamencos en la sociedad de estos años. 2. 22 San Jorge y el Dragón: con los años su pintura cada vez es más fantástica, con una visión espacial fragmentaria. Realiza dos versiones sobre este tema una en París y la otra en National Gallery. Siempre las resuelve con fórmulas matemáticas, las figuras son desproporcionadas, pone en primer plano a las figuras. En la versión del National hay un claro dominio del blanco, azul y gris donde el caballo es de igual tamaño que el dragón. El milagro de la hostia profanada3: en 1465 viaja a Urbino y allí trabajará en la corte humanista. Hizo estas tablas pequeñas destinado a la iglesia del Corpus Christi, donde aparece la comunión de los apóstoles. Hace del tema una excusa para desarrollar una pintura en profunda perspectiva. Tras la vuelta a Florencia y hasta su muerte su actividad fue prácticamente nula, se dedicó a la reflexión teórica. Ucello apartado del mundo murió pobre y que por lo único que vivía era por la perspectiva. ANDREA DEL CASTAGNO (1423-1467): se centrará en la búsqueda de la representación anatómica y los estados del hombre. La figura humana como vehículo de transmisión de los sentimientos. Este se inspirará en Masaccio, un hombre de vida corta que hereda un sentido monumental de su maestro. Murió por la peste. Frescos del Convento de Santa Apolonia 1447: este convento se ha convertido en el museo de Castagno. Es su obra maestra. En sus muros va a pintar una serie de episodios sobre la Pasión, entre los pasajes que mejor se conservan es el de la Sagrada Cena: sitúa 3 Un usurero judío presta dinero a una miserable mujer que utiliza su manto como prenda. Cerca de la fecha de vencimiento del préstamo, siendo incapaz la pobre mujer de reembolsar su deuda, el prestamista judío le ofrece restituirle su propiedad a cambio de una hostia consagrada. La endeudada acepta ese trato y le proporciona una santa forma, la cual el prestamista apuñala para tratar de destruirla, y comenzando a sangrar profusamente. Advertidos de esta profanación, hombres armados detienen al usurero y a su familia. Una procesión encabezada por el Papa devuelve la hostia a su altar, a fin de volverla a consagrar. La pecadora se apresta a ser ahorcada, pero es salvada in extremis por un ángel. El usurero judío y su familia fueron quemados vivos en una plaza pública. 23 este episodio en el interior de un palacio renacentista decorado con pilastras clásica, la mesa está situada a la altura del espectador, aparecen todos los apóstoles y Judas separados de ellos sentado al otro lado de la mesa. El mantel blanco marca la línea y centra la vista del espectador, todas las figuras trata de individualizarlas, utiliza los nimbos de carácter arcaico, Castagno busca la humanización de los personajes. Encontramos en otra sala la crucifixión de Cristo en un marco arquitectónico clásico en el que se representa la vida y la muerte y donde aparecen San Juan, la Virgen y dos santos más. En la parte superior tenemos una crucifixión y la Resurrección, la luz blanca que ilumina estas figuras les confiere un carácter escultórico. Este lugar se ha convertido en el Museo de Andrea. La parte superior está más perdida por las humedades y las restauraciones. Fue un pintor fundamentalmente de escenas religiosas. Además de la figura humana hay interés por incorporar el paisaje Diccionario de iconografía: Roy Galería de personajes famosos en Villa Carducci: Carducci mandó decorar su villa en las afueras de Legnaia. Andrea decoró esta galería con una serie de personajes ilustres, en la cabecera que está muy perdida quedan restos de una Virgen con el niño. Estos frescos estuvieron ocultos bajo una capa de cal pero se han podido consolidar. Sigue los principios del humanismo cristiano. Esta villa en el XVII quedó cubierta bajo una capa de cal, en el año 65 se hicieron una recreación de los originales que se encuentran en la galería de los Uffici. Esta decoración tenía como principal objetivo la relación del propio comitente con la cultura, las galerías de los reyes posteriores derivan de este tipo de galerías. Se han reconstruido los mármoles de la parte inferior, guirnaldas sujetadas por puttis, vemos una arquitectura fingida donde las figuras aparecen en unos marcos enclaustrados por columnas, aunque parecen esculturas que sobrepasan el marco. Se representan una serie de personajes: Dante, Petrarca y Bocaccio que son los grandes padres de la literatura italiana. Se intenta individualizar a los personajes, en la figura de Dante la mano y el pie sobrepasa el marco, todos ellos vestidos como humanistas. También aparecen 3 personajes que tienen en común famosos por sus batallas: Pippo Spano, Farinata degli Uberti y Niccolo Acciaiuoli, los cuales tienen en la mano instrumentos que les relaciona con las armas, eran 3 generales al servicio de la sociedad florentina. En otro grupo aparecen 3 mujeres: Sibila de Cumas (se le atribuía el don de poder ver el futuro), Reina Esther (heroína judía) y Reina Tomyris (derrotó a los persas). Son destacadas por sus valores al servicio de los hombres por su sabiduría y astucia. En todas estas representaciones se quería resaltar a la sociedad florentina por su inteligencia, la fuerza física y la virtud. En la puerta de entrada aparece Eva, la Virgen con el niño y el personaje que falta sería Adam. Todos ellos están representados bajo unas mismas características, representan a través de los motivos que lucen son símbolos parlantes de aquellos aspectos por los que han sido elegidos. 24 Monumento al condotiero Niccolo Tolentino, 1456: este era el héroe de la Batalla de San Romano. Formaba pareja con el retrato de Giovanni Acutto con las mismas características. Ambos parecen avanzar hacia el altar, el de Andrea respira un mayor movimiento y naturalismo. Crucifixión con santos 1440-1441: Castagno ante todo es un pintor de fresco, es la primera obra que se relaciona con este artista. Se ve muy clara la influencia de Masaccio. Se ha relacionado con este autor los frescos de la capilla Tarasio de la iglesia de San Zacarías como en la dormición de la Virgen de la basílica de San Marcos. No tenemos más noticias de él hasta en 1467 momento en el que está ocupado con la galería. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-20/1492): Piero entiende que la figura humana debe de elevarse a un plano superior, más que expresar sentimientos personales debe expresar sentimientos universales. Sus figuras serán de una gran simplicidad, corpulentas, casi monumentales, las rodea de una atmósfera y luz blanquecina. Piero es uno de los grandes maestros de la segunda mitad de siglo, algunos historiadores piensan que es uno de los artistas que más innovó de su tiempo. De sus primeros años tenemos pocas noticias: nació en un pueblo cerca de Arezzo, es allí donde inicia su formación artística, con 20 años viaja a Florencia y allí debió de tomar contacto con Brunelleschi, Alberti, estudió la obra de Masaccio y colaboró con un pintor en el coro de la iglesia de San Egido de la que ha quedado el testimonio del pago. Cuando vuelve a su tierra inicia su actividad. Borgo de san sepolcro, 1442-45: el bautismo de Cristo es su obra maestra de la juventud. Va a asentar las bases de lo que es su forma de componer, se va a servir de ambientes reposados, definido por la fuerza de la línea y el color. El tronco del árbol da la sensación que es una columna, el eje central es Jesucristo, alrededor del cual se observa un paisaje con detalles naturalistas. La figura de la derecha puede ser que defina la pureza del alma para poder bautizarse, los ángeles aparecen a la izquierda. Las dos del fondo vestidas a la manera oriental y otra al occidental puede que representen una alusión al encuentro de la iglesia de oriente y occidente en 1439. La pintura está incorporando hechos reales a los hechos religiosos. 25 Políptico de la misericordia, 1445-1462: su avalista es su padre, lo cual se ha interpretado de dos maneras: era un artista muy nuevo por otra parte se ha pensado de que la técnica mixta de óleo y fresco podía ser peligrosa y era un ensayo. Es una empresa larga de más de 15 figuras y le llevó 15 años de su vida. Se le atribuyen las tablas centrales mientras que el resto se piensa que es de otro. La crucifixión recuerda a la de Masaccio, ahí Piero utiliza un fondo dorado ya que se determinó en el contrato. En la otra tabla central aparece la Virgen de la Misericordia muy estatuaria, inerte, bajo su manto acoge a los fieles agrupados por secos, mujeres a la derecha y hombres a la izquierda simbolismo de universalidad, en el grupo de los hombres podría haber retratos reales. Capilla de las Reliquias, Iglesia San Francisco 1551: probablemente llegó recomendado por Alberti, en esa capilla aparece Segismundo Malatesta del cual hizo un retrato, aquí aparece arrodillado orando. Frescos de la Vera Cruz, iglesia San Francisco de Arezzo, 1452-1465: es la empresa más importante. Trabajó allí más de 10 años, gracias a una intervención estas pinturas vuelven a tener fuerza. Tratan en general la historia del madero de Jesucristo, trata de estimular la fe en Cristo. Fue decorado desde e, suelo hasta el techo con episodios de ese tema y luego una bóveda celestial que se conserva. Ela historia de la vera cruz se inicia con la muerte de Adán del que nace un olivo con el que posteriormente se haría la cruz, aparece a la derecha Adán viejo y en el centro aparece ya muerto. Según la leyenda Salomón cortó el árbol e hizo un puente, la reina de Saba al pasar por el puente tiene una visión y adora a ese madero donde morirá Cristo. A la derecha vemos a Salomón junto con la reina de Saba a quien le dice la visión por la que acabaría la religión judía, Salomón lo guarda en su palacio. La leyenda continúa y 100 años después Constantino recibe en sueños la visita de un ángel que le dice que con el símbolo de la cruz vencería. Este fresco es uno de los primeros nocturnos de la historia de la pintura, el sueño está representado a través de una luz que irrumpe en medio del sueño, aparece la paloma y se ha relacionado también con el anuncio de la Virgen. En otro de los muros aparece la batalla que libró Constantino contra Majencio que recuerda a la Batalla de San Romano, la luz es un elemento que determina la perspectiva. El encuentro y prueba de la vera cruz es el momento en el que Constantino FALTA UNA CLASE Lección 7:El nuevo lenguaje y la tradición gótica en las artes visuales: No todos los pintores que trabajaron en Florencia se van a plantear la pintura como un ejercicio de investigación científica. Va a haber una serie de artistas que se van a mantener afincados en la tradición gótica, este grupo de pintores como Fran Angélico o Filipo Lippi lo que harán es practicar un arte de formas bellas cuyo objetivo principal es desarrollar historias de carácter religiosos agradables al espectador. En este sentido no se van a plantear el arte como algo propio, sino que a medida que avance el tiempo se sirve de ellas para hacer avanzar su pintura. Esta pintura se dio por dos causas: por una parte el 26 gusto del artista y por otra poruqe había dentro de la sociedad un grupo que le interesaba más este tipo de pintura que las novedades que resultaban excesivamente moderna. Además interesaba más el tema místico emocional, estos pintores van a trabajar para las órdenes religiosas. Algunos de los mecenas ms importantes de la época van a encargar pintura de estos artistas paralelamente que alzaban las más novedosas. Uno de los artistas más representativos es FRA ANGELICO (1395/1400-1455), este apelativo se lo pusieron una vez muerto por su carácter místico. Este es un joven que antes de ingresar en el convento el ya se había formado como iluminador de manuscritos. Trabajó en el taller de Lorenzo de Mónaco que también era fraile. Su pintura va a prolongar las figuraciones del gótico como la utilización del oro. Entre los 35 y 40 se observa en su pintura como de forma lenta hará suyos algunos de los planteamientos de la pintura más moderna. Se dedicará en sus primeros momentos a la iluminación de libros sagrados. Se va a convertir en uno de los pintores preferidos de las órdenes religiosas, su vida va a transcurrir entre las paredes de los conventos. Va a cultivar una pintura de carácter narrativo, que Vasari achaca a su condición religiosa, en lo personal se sabe que fue un hombre muy devoto y sencillo fiel cumplidor de los preceptos de la iglesia. Al final de sus días fue nombrado prior del convento, en 1436 la orden de los dominicos abandonará al viejo convento deFiesole y se trasladarán al convento de San Marcos. Es allí donde se conserva la mayor parte de su obra, una obra realizada tanto al temple como al fresco. Altar de San Pedro mártir, 1425-1428: se trata de una obra cuya arquitectura delata esa afiliación goticista: arcos apuntados, dorados, figuras planas, etc. Es un gran cultivador del tema de la Virgen con el niño. Anunciación, 1430: IMPORTANTE. Es una obra que está en el Prado realizada para la iglesia de Santo Domindo de Fiésole. Federico de Madrajo descubrió en el convento de las descalzas reales y la rescató para el museo de la Trinidad. Sirviéndose de la perspectiva crea en el cuadro dos zonas marcadas: una exterior y un pórtico donde aparece una Virgen mística recibiendo el anuncio del ángel. Va a emplear figuras de canon alargado, paisajes irreales, muy relacionado con las miniaturas. En la predela vemos escenas relacionadas con la vida de la Virgen, desde los esponsales hasta su muerte. En toda ella vemos un carácter preciosista pero una nueva utilización de la perspectiva, la luz y la arquitectura brunelleschiana. Para estos años se estaba construyendo el pórtico de los inocentes. El tema de la Anunciación es uno de los temas más recurrentes de la pintura de este fraile, María está considerada como la madre de los predicadores por tanto no es de extrañar que la representase tanto. Existen otras dos anunciaciones donde se observa una gran evolución: todas tienen el mismo esquema pero en la de 1450 se observa mayor naturalismo y perspectiva. En la década de los 30 el espíritu medieval es muy visible en su producción. Se puede observar en el juicio final y la coronación de la Virgen. Juicio final, 1431: es una obra en la que podemos ver cómo tanto la mandorla en la que está Dios y la parte del infierno y el paraíso nos remite a esquemas góticos. Vemos isocefalia, falta de proporción; pero en esta obra hay algo nuevo, el tratamiento de la luz. En la parte baja una serie de tumbas abiertas 27 actúan como eje centralizador de la pintura. Sus composiciones se enmarcan dentro del gusto por la simetría. Coronación de la Virgen, 1434, Louvre: muy vinculada al mundo medieval. La corte celestial muestra una clara isocefalia, solo las figuras del primer plano muestran una mayor individualización. Santo Tomás es el personaje que se vuelve al espectador. Donde mayor novedad se presenta son en los diferentes episodios de la vida del santo se desarrollan en la predela: es aquí donde es¡ncontramos figuras de bulto redondo que denotan como Fra Angelico no era ajeno a las novedades. Tabernáculo de los Lineros, 1432-36: lo hace en colaboración con Ghiberti quien hace la parte arquitectónica y la parte de las pinturas fue realizado por Fran Angélico. Es una de las pinturas más monumentales que hizo propio del nuevo momento. Algunos críticos consideran que esta obra constituye un punto de inflexión en la carrera del autor. En la parte baja hace una serie de escenas sobre la vida de los santos como el martirio de San Marcos o el sermón de Pedro en donde se ven unos escenarios arquitectónicos en donde las figuras tienen mucho movimiento. En el sermón aparecen personajes vestidos a la época, estructuras tomadas del natural, se muestra un artista preocupado por la composición y el naturalismo. Esta obra, despertó el interés de algunos de los coleccionistas. Retablo del descendimiento encargado por Palla Strozzi: iniciada por Lorenzo de Móanco quien hizo los pináculos pero terminada por Fra. Se observa un estudio naturalista de los cuerpos, sentido individualizado de los rostros, etc. Convierte la pintura religiosa en una especie de crónica de la sociedad, es decir, es sus cuadros mete personajes importantes de la sociedad. Como Palla Strozzi, personajes de la corte humanista y familia de Strozzi. Hay una representación de la anatomía humana muy veraz. Da gran atención al paisaje donde con simplicidad de formas arquitectónicas consigue dar profundidad a toda la escena. Decoración al fresco del convento de San Marcos, 1436-44: fue la gran empresa del artista. Es una obra muy importante, prácticamente todos los muros aparecen decorados con escenas de la vida de Cristo. Para ello cuenta con numerosos ayudantes como Benozzo Gozzoli, a la muerte de Fra se le encargará 28 concluir los frescos. Se trata de escenas fundamentalmente dirigidas hacia los frailes del convento que sirvan para su meditación, cada una de esas celdas tienen al frente una pintura que actúa a modo de altar. Transfiguración de Cristo: es una de las pinturas en donde vemos en como convierte a Santo Domingo y la Virgen como mediadores de los hombres. Cristo tiene una gran monumentalidad, en la parte baja el gusta de crean movimiento y dotar a las figuras de mayor expresión. Coronación de la Virgen: el artista va reduciendo los colores fuertes y derivando hacia una mayor sobriedad. Separará la parte celestial de la parte terrenal con nubes. Es una composición marcada por un eje central. Capilla de san Brizio, 1446: en compañía de Gozzoli va a iniciar un viaje que terminará en Roma. En compañía de su discípulo hará esta capilla, el trabajo es interrumpido cuando le llama Nicolás V para decorar su capilla. En general vemos que sigue unos esquemas en cierto modo establecido, entre los nervios de las bóvedas aprovecha para decorarlas con el tema de Cristo juez rodeado de ángeles y profetas. Aunque sus figuras muestren un mayor naturalismo la Iglesia solicita que se desarrolle esta escena y se emplee el oro. BENOZZO GOZZOLI (1420-1497) es el seguidor del estilo de Fra Angélico hasta finales de siglo. Va a iniciar su formación como escultor en el taller de Ghiberti, pero en esos momentos no es la escultura lo que más le interesa y se va a decantar por la pintura. Este interés le llevará al convento de San Marcos, el taller que forma Fra Angelico era atrayente para todos los jóvenes dedicados a la pintura. A partir de entonces le va acompañar en todos sus viajes y obras. En algunas obras no solo seguirá su estilo sino que copiará sus obras como Madonna y niño con San Juan Bautista, Pedro, Jerónimo y Pablo, 1456: es una pintura excesivamente arcaica. Viajará a Perugia donde realizará algunas pinturas como el ábside de la capilla de San Francisco de Montefalco, con escenas no tan arcaicas sino más acorde con la época. Será un excelente dibujante y se especializará en el fresco. El que recurriera a él Cosme de Medici nos conlleva a pensar que fue un artista apreciado y de gran fama. Mantiene rasgos de la pintura narrativa de Fra Angelico y da muestras de su interés por la perspectiva. 29 Capilla del palacio de los Medicis (1459-61): esta pequeña capilla con una arquitectura clasicista desarrolla un programa de enorme interés porque se convierte en el marco de un hecho histórico acontecido en Florencia con los Medici como protagonistas. Desarrolla a modo de crónica social la cabalgata de los reyes magos, un tema que va a personificar. Trata el Concilio de Ferrara (1439): convocado por las iglesias de oriente y occidente para su unión, Cosme de Medici ofrece a sus participantes que vayan a celebrar este concilio a Florencia y su palacio recién construido para que se alojen ahí. Esta invitación es una especie de actuación diplomática para poder relevar a Venecia en las relaciones comerciales con oriente. Por eso a través de los muros van a quedar inmortalizados los personajes protagonistas del evento, por eso en su conjunto es una crónica pictórica: Cabalgata de los Reyes Magos, primer cortejo: el cortejo avanza con la familia de los Medici al frente, al principio del todo aparece Lorenzo el Magnífico, tras él el abuelo de Cosme, a su lado sus hijos, detrás de ellos aparecen retratados príncipes que les acompañaron como Segismundo Malatesta y Sforza, también podemos encontrar al propio artista retratado. Aquí vemos como el poder y la riqueza de la familia queda reflejada no solo en las vestiduras y aparejos sino también porque detrás de ellos vemos una serie de personajes que representan el círculo humanístico que acudieron a ese cortejo. Los humanistas aparecen con gorrete rojo y los sabios orientales con barbas blancas. Con un renovado interés por la naturaleza vemos como Gozzoli introduce escenas de caza, paisajes, castillos, jardines florales, etc. Y todo ello con un carácter miniaturista. 2º cortejo: está encabezado por el emperador bizantino Juan VII paleólogo y aparece sobre un corcel blanco y acompañado por una serie de personajes que le van escoltando. Aparecen 3 jóvenes coronadas con 3 plumas (elemento del escudo de los Medicis) que son las 3 hijas de Pedro de Medici, hermanas de Lorenzo. Con una técnica miniaturística vemos un gran paisaje y las joyas de Lorenzo el Magnífico. 3 cortejo: representa al mago de mayor edad retratado bajo el retrato del patriarca de Constantinopla. Todos representados con lujo. Crea un tipo de compleja composición, aparecen los personajes. Cuando acaba la capilla él va a viajar a San Gemignano y decora el coro del convento de San Agustín, 1463-65. Aparecen escenas de la vida de San Agustín en la que aparecen una serie de arquitecturas blanquecinas. Aunque sea el fiel seguidor del estilo de Fra Angelico desarrolla una nueva manera de interpretar el hecho religioso dándole un carácter profano. Decoración del Camposanto de Pisa, 1468: ha desaparecido gran parte de la pintura por los bombardeos de la WWII. Este lugar fue utilizado como un centro militar. Es la empresa de mayor envergadura, convierte el tema de la embriaguez de Noé en una escena de género porque refleja el desarrollo de la vendimia en la Toscana. Gozzoli desarrolla una pintura que aporta información sobre cuestiones que se desarrollaron en los años que él vivió. FILIPO LIPPI (1406-1469), que comparte con Fra Angelico su condición de fraile pero representa el polo opuesto a la espiritualidad de Fra. Fue un fraile por el azar, realmente es un joven que tras la muerte de su padre, su madre va a encomendar su educación a las Carmelitas y por lo tanto se ve 30 condicionado. Su interés por la cultura se descubre con el contacto con los frescos de la capilla Brancazi. Abandona el convento y se dedica a la pintura en donde a pesar de su autoformación, es seguidor de la pintura de Fra. El trabajará para la iglesia y la burguesía y utilizará la técnica del óleo. Debido a verse involucrado en un asunto de estafa, gracias a la ayuda de Medici no acaba involucrado y se va de Florencia. En Prato conoce a una joven monja con la que concibe a Filippino Lippi. Utiliza los pasajes evangélicos para desarrollar el ambiente de su época. Madonna con niño rodeada de santos, 1430: se acusa cierta influencia de Masaccio por su monumentalidad, pero pronto dirige su estilo hacia un tipo de pintura como la que desarrolló Fra. Coronación de la Virgen, 1441: de Fra toma el sentido de pintura religiosa, con cierto detalle en los ropajes y rasgos. Una pintura donde el sentido narrativo que da muy bien recogido en una serie de personajes que miran al espectador. Aparecen 3 grandes arcos de medio punto que acogen toda esta escena. Toma el tema de la Anunciación como el de la Iglesia de San Lorenzo. Vemos como ese carácter de profanización en la Anunciación con dos donantes que eran sus clientes, aparece en el interior de un palacio, sus composiciones son más complejas que las de Fra. En algún sentido sigue este tipo de cuadros con escenas en la predela. En 1452 abandona Florencia por el caso de corrupción, y allí hará dos Madonnas con niño cuyo modelo para la Virgen lo toma de su mujer Lucrecia. Son Vírgenes humanizadas. En la Virgen con el Niño y escenas de Santa Ana. Capilla mayor de la catedral de Prato, 1452: desarrolla grandes escenarios en los que trata la vida de San Juan y San Esteban. Son escenas en las que tuvo como ayudante a Boticcelli, al cual marcará su estilo. Sus ángeles son humanos. Aparece el banquete de Herodes vemos bailando a Salomé y justo al lado aparece la escena siguiente en la que se entrega la cabeza de San Juan siendo entregada por Salomé. El estilo profano que desarrolla Lippi es el punto de partida de los artistas de la siguiente generación. Spoleto, Duomo 1467: son escenas que giran en torno a la vida de la Virgen, en estos momentos 31 Lippi está enfermo y este actúa como inspirador y no como ejecutor. Aporta una visión humanizada y realista a la narración religiosa. TALLER DE DE LUCCA DELLA ROBIA A nivel escultórico la opción moderada está representada por el taller de Della Robia. La pintura de este taller promueve el desarrollo de obras bellas de composiciones sencillas, trata de despertar el goce de los sentidos del espectador. Las obras se realizaron con una nueva técnica más económica a la que tuvo acceso la clase media y semi-industrial. Se hacen obras tanto de carácter religioso como escudos, retratos, relieves, etc. El impulsor es Lucca della Robia que va a permanecer activa hasta 1530. Trabajó para la catedral de Florencia, hizo trabajos en mármol y bronce pero sin lugar a dudas lo que más fama le va a dar son las esculturas de terracota vidriada que hace impermeable a la obra y la da una gran brillantez. Consigue que su apariencia sea como si se tratara de mármol. Él probablemente se formara en el taller de la catedral de Florencia y no lejano al taller de Ghiberti. Cantoría de la catedral de Florencia, 1431: es su primera obra, concebida dentro de un estilo clásico, dividió en pares de pilastras en cuyo interior vemos unas figuras de adolescentes bailando. Va a realizar para la catedral en bronce una serie de hexágonos representando las alegorías. El sobre todo utilizará el blanco para las figuras y el azul para el fondo como se puede ver en el tabernáculo. Figuras exentas como en la Visitación. Él colabora con algunos de los arquitectos más importantes de la época como las cúpulas y los medallones de los apóstoles de la Capilla Pazzi. Madonna con niño que decora el exterior de San Michelle, un escudo nobiliario o el tondo del blasón de los carpinteros. En lo que más destacó son en las esculturas de Vírgenes con el niño A su muerte el taller va a seguir en manos de su sobrino ANDREA, va a desarrollar un tipo de escultura más colorista y sentimental. Colabora en los tondos de los niños envueltos en vendas del hospital de los inocentes. El último que va a dirigir este taller es Giovanni, hijo de Andrea, con el pierde calidad y el taller se produce en un tipo de producción en serie. En el pórtico del hospital de Pistoia reproducirá el modelo del hospital de los inocentes. Lección 15: LA CULTURA Y LAS ARTES EN EPOCA DE LORENZO EL MAGNIFICO: La llegada al poder de Lorenzo supuso para Florencia una etapa e florecimiento artístico hasta considerarse la edad de Oro de la cultura florentina. Fue un estadista italiano y gobernante de facto1 de la república de Florencia durante el renacimiento italiano. Príncipe de Florencia, mecenas de las artes, diplomático, banquero, poeta y filósofo renacentista, perteneciente a la familia Médici Cagaggiolo (o Cafaggiolo). Bisabuelo de Catalina de Médici. 32 Su vida coincidió con la cúspide del renacimiento italiano temprano; su muerte marca el final de la Edad de Oro de Florencia. La frágil paz que ayudó a mantener entre los distintos estados italianos terminó con su muerte. Los restos de Lorenzo de Medici reposan en la Capilla de los Médici en laBasílica de San Lorenzo (Florencia). Heredara de su abuelo Cosme el interés por la cultura clásica, va a contribuir a crear en torno suyo toda una corte humanista en la que tiene cabida no solo artistas, sino también filósofos y literatos. Bajo su protección se va a intensificar el interés por la cultura grecolatina. Lorenzo fue un gran coleccionista y también practicó algunas disciplinas como la poesía y la filosofía. Con 20 años sube al poder debido a la prematura muerte de su padre conocido como Pedro el Gotoso, él va a pasar a dirigir en 1469 Florencia marcada por una serie de crisis pero que no afectaban al desarrollo de la cultura. El humanismo de Lorenzo va a tener mucho que ver con el de su abuelo, porque va a utilizar la cultura como una de las armas más importantes de su reinado, de nuevo dará un fuerte impulso a los estudios grecolatinos y va a propiciar un auge en la difusión de las principales obras escritas en esos idiomas. Por otra parte, va a crecentar la colección que ya había reunido. De su madre, la cual fue una mujer muy culta, va a heredar el interés por la poesía. Su vida estuvo muy marcada por todos sus antepasados. Se relacionó con Fernando I, con los Estados Pontificios y con otras familias que se disputaban el poder en Florencia como los Pazzi. Se casó con Clarice Orsini que era hija de una noble familia romana, el segundo de los hijos que tuvo con ella, Juan, alcanzó el pontificado con el nombre de León X. impulsó una política de equilibrio. Fue un gran impulsor del neoplatonismo, entre los humanistas que le rodearon destacan: Poliziano, Cristóforo Landino, Picco della Mirándola y Marsilio Ficino. A su servicio estuvieron: Boticelli, Andrea Verrochio, Leonardo, Ghirlandaio y Miguel Ángel. En el jardín de las esculturas de los Medici que fundó, con el cual pretendía revivir el arte de la escultura, casi extinto en Florencia. En este jardín se impartió enseñanza gratuita en el proceso de esculpir a los más talentosos aprendices de los talleres del momento, entre ellos a Miguel Ángel, y fue allí donde éste realizó varias de sus primeras obras en mármol como La Virgen de las Escaleras y La batalla de los centauros. La escultura para estas fechas, había perdido mucho interés en el ámbito de la artes eclipsado por la pintura, para recuperar y potenciar este arte hizo aquella academia. DOMENICO GHIRLANDAIO (1449-1494): Está considerado como el mejor cronista de la sociedad florentina de finales de siglo. Es un pintor que domina todos los recursos de la narración que había esbozado Benozzo Gozzoli en la Corte de los Reyes Magos. Trabajó sobre todo en su ciudad natal, encontrándose entre los protagonistas del Renacimiento en la época de Lorenzo el Magnífico. Hacia el año 1480 en particular se convierte de hecho el retratista oficial de la alta sociedad florentina, gracias a su estilo preciso, amable y veloz. Jefe de un nutrido y eficiente taller, en que dieron sus primeros pasos en el campo del arte incluso un Miguel Ángel de trece años, es recordado sobre todo por los grandes diclos de frescos, como son algunas escenas de la Capilla Sixtina en Roma. Aprovechará el tema religioso para hacer una gráfica de la vida florentina de esos años. Se va a acentuar la desacralización ya que personajes de la época salen retratados en temas religiosos. Desarrolla su obra en relación con: Crisis del lenguaje pictórico. Influencia de la pintura flamenca. El sistema de trabajo basado en el encargo del taller. El pintor se va a retratar en muchas de sus obras como un personaje más para dejar constancia fehaciente de su presencia, y también podremos ver a su familia, maestros o discípulos. El paisaje adquiere gran protagonismo con una luz blanquecina que lo hereda de su maestro Alessio Baldovinetti. Todas las obras muy influencias por otras obras de Van Eyck. Pinturas sobre la vida de Santa Fina, 1473: pintado en la colegiata de San Gimignano. Cabe destacar las arquitecturas, el equilibrio, la luz, uso de elementos clásicos, y gran detallismo con los objetos de fondo. La última cena, 1480: en la Iglesia de Ognisanti. Intenta entretener al espectador dándole importancia a los elementos secundarios como los arcos y los árboles del fondo. Representa todo un espacio. Realiza una versión parecida para el convento de San Marcos en el que se vuelve a observar la preocupación del marco y el espacio que envuelve la escena. 33 San Jerónimo en su estudio, 1480: en la iglesia Ognisanti. Nos pone en relación con la pintura flamenca. Todos los utensilios se representan muy detalladamente, es una realidad como el inspirándose en la pintura flamenca desarrolla un arte nuevo. Virgen de los Ingesuati: hereda mucho del artista Van Eyck en la Virgen del canciller van der Paele. Frente al realismo del flamenco el de Ghirlandaio es idealista. Capilla Sixtina, 1482-83: va a pintar la llamada de los apóstoles Pedro y Andrés con un carácter plenamente clasicista. En la parte derecha están representados toda una serie de personajes de la corte florentina. Capilla Sassetti, 1485: en la iglesia de la Santa Trinita. La hizo a la vuelta de Roma, los muros decorados en 3 registros aparecen los comitentes. Dado que él es Francesco Sassetti se representa la vida de San Francisco. Las escenas están ambientadas en la ciudad de Florencia. En la Aprobación de la orden los franciscanos aparece toda la corte y de fondo la plaza de las lanzas de Florencia, junto a Francesco aparece Lorenzo el Magnífico. Las 3 figuras de la izquierda son los 3 hijos de Francesco. Se aprovecha la propia arquitectura de la ciudad. 34 En el milagro de S. Francisco resucitando a un niño podemos ver que sale la ciudad de Florencia de fondo. La pintura central representa la adoración de los pastores, pintura sobre tabla, los reyes de fondo se acercan pasando por un arco del triunfo romano simulando el triunfo del cristianismo sobre el paganismo. Aparece la Virgen arrodillada tomado de la leyenda de Santa Brígida, el niño chupándose el dedo. Adoración de los Reyes Magos, 1488: del hospital de los Inocentes. De fondo aparece un paisaje que asoma sobre la Virgen. Coro de la iglesia de santa María Novella: cuando Ghirlandaio hace esta obra se sirve de la ayuda de sus alumnos entre los que estaba Miguel Ángel. Representa edificios y personajes de la época. Una de las escenas que mayor número de retratos recoge es la ofrenda de S. Joaquín y el anuncio a Zacarías: por un lado aparecen los miembros de la familia Tournaboni y sus primos Sassetti y a la izquierda los humanistas. Nacimiento de la Virgen María: adapta un interior de un palacio florentino con una decoración romana y lo hace siguiendo la costumbre de la época en la que la familia iba a ver al recién nacido acompañado de sus doncellas. 35 Nacimiento de S. Juan Bautista: aparece retratada Francisca Sassetti en donde podemos ver la costumbre de llevas frutos a la parturienta. La visitación, 1491: en sus últimos años desarrolla composiciones más simples pero mucho más monumentales. Esta visitación es una de sus últimas obras firmadas en las que el valor descriptivo y anecdótico tiene menos valor. Carga toda la fuerza en la expresividad de los personajes y en los ropajes. El viejo y el nieto, 1490: fue un gran cultivador del retrato como se puede observar. Supo conjugar lo mejor del retrato florentino y del retrato flamenco. Expresa a través de gestos y actitudes. Giovanna Tornabuoni, 1489-90: gran detallismo en el traje con gran calidad. Domenico murió de peste en 1494 sepultado en la iglesia de Santa María Novella. Con su muerte se abren las puertas hacia el arte clásico. Representa una de las mejores opciones. 36 SANDRO BOTTICELI (1445-1510): Fue el introductor de otra de las grandes novedades que presenta la pintura dentro de la última mitad de siglo, se le debe la utilización como fuente de inspiración para su pintura la mitología clásica. Desarrolló una obra polifacética, inspirada en 3 pilares: filosofía cristiana, la mitología clásica y la literatura italiana. La mitología como fuente de inspiración la inició Andrea Mantegna quien junto con Botticeli son los máximos representantes de esta pintura. Refleja ideas y conceptos, su obra es un fiel reflejo de la situación de la sociedad florentina en el siglo XV, con un desarrollo de temas paganos pero con una vuelta de los principios inspiradores del cristianismo. Nace en Florencia y va a desarrollar su actividad en esta ciudad en torno a la familia de los Medici. Él sólo abandona Florencia cuando va a Roma a completar la decoración de la Capilla Sixtina. Era hijo de una familia de artesanos, se inicia en la orfebrería y luego pasa a la pintura, en la pintura tuvo como maestro Filipo Lippi. Hasta 1470 Botticeli recibirá influencias también de Berrochio y Pollaiuolo. Elementos decisivos para su producción: El desarrollo de la filosofía neoplatónica trae como consecuencia el interés por la cultura clásica. Clérigo Girolamo Savonarola: fue quemado públicamente. La crisis de valores que se dio en Florencia a finales de siglo. Etapas: Etapa de formación entre 1460-70. Relacionado con Lippi, Verrochio y la pintura flamenca. Hace pintura religiosa y retrato. Plenitud, 1470-90: en relación con filosofía neoplatónica. Al servicio de los Médicis, el Papado y la sociedad intelectual. Desarrolla temas religiosos, retratos y mitológicos. Crisis, 1490-1510: A finales del siglo XV, el ambiente florentino cambió. Savonarola es la mejor personificación de este cambio en el ambiente de la época. Este predicador, que en una estancia anterior no había hecho mella en los florentinos, regresó a la ciudad en 1490, y esta vez sus tremendas predicaciones sobre el Juicio Final tuvieron éxito debido a una serie de circunstancias. El 7 de febrero de 1497 Savonarola y sus seguidores llevaron a cabo la más célebre Hoguera de las vanidades: reunieron objetos que representaban la relajación moral con el fin de hacerlos arder en la Plaza de la Señoría. En esta hoguera ardieron unas cuantas obras de Botticelli. Una revuelta popular acabó con el dominio de Savonarola, quien murió en la hoguera. Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. La fortaleza: es una obra de Pollaiuolo encargado por el gremio de los mercaderes, este se retrasa mucho en el encargo de esas pinturas y el gremio se lo encarga a Botticeli. Después Pollaiuolo lo retoma y finalmente Botticellihace solo una, la de la fortaleza que marca gran diferencia ténica respecto a las de su maestro. La suya tiene más movimiento y delicadeza. Virgen con niño y santos, 1468: nos recuerda a la forma de componer de Lippi. 37 Historia de Judith y Holofernes, 1472: es un díptico que le encarga Lorenzo el Magnífico, es una pintura de una técnica exquisita con importante presencia del color. Elude el momento dramático en el que Holofernes es descubierto decapitado por sus soldados dentro de la tienda. En la otra escena sale Judith que representa una mujer de apariencia frágil pero cuya virtud le lleva a vencer a Holofernes. Ella sostiene una rama de olivo que simboliza la paz pero en la otra sostiene la espada con la que le ha matado y por detrás de ella sale su sirvienta portando la cabeza de Holofernes. La figura de Judith recuerda a la Salomé del banquete de Herodes de Lippi. Adoración de los Magos, 1475: está presente el comitente acompañado de toda la familia Medici, se trata por tanto de una especie de homenaje. Es una composición muy equilibrada, centrada por la figura de la Virgen como centro del mundo ya que a la derecha de ella aparece un gallo representado el oriente mientras que las ruinas romanas representan occidente. El personaje de la capa roja es Guillermo de Medici, a su lado la corte, la figura de túnica marron a la derecha es el propio Botticeli y a la izquierda está representado el joven Lorenzo el Magnífico. Joven con mazzochio, 1469: pudiera ser el propio autorretrato, domina el género del retrato con gran soltura. 38 El hombre de la medalla, 1474: no se sabe quien es, sujeta entre sus manos una medalla con el busto de Cosme de Medici. Esto ha llevado a pensar que podría ser el grabador que hizo la propia moneda o un familiar de Cosme. Este personaje se haya en mitad de un paisaje. Se relaciona con la obra del grabador de Memling en la que también aparece un grabador. La primavera, 1477-78: era un hombre ya muy reconocido. Recibió un encargo de 3 tablas por parte de Lorenzo de Piefrancesco para decorar su villa en el que despliega toda la teoría neoplatónica. En estas tablas Botticeli da entrada a la mitología. La primavera según Vasari está inspirada en poemas de Poliziano que a su vez están inspirados en Ovidio. Venus aislada sale como centro del universo, representa el amor a la vida que es sinónimo de belleza, preside el despertar de la primavera simbolizada en la figura de Flora. Flora ha surgido por el impulso de Céfiro que con su soplo va a fecundar a Cloris y va a surgir Flora. Sobre la cabeza de Venus aparece Cupido que dirige dardos a las 3 gracias cubiertas con mantos transparentes y representan la belleza y la armonía espiritual. A la izquierda sale Mercurio dirigiendo su mirada a lo alto, este es el mensajero de los dioses y en este cuadro se ha identificado como el dios del entendimiento. Las 3 gracias pueden estar inspiradas en las de Pompeya. Botticeli no busca el realismo, buscan la belleza y no le preocupa ni la anatomía ni la perspectiva y muy estilizadas. Cuando está acabando la primavera es llamado para ir a decorar la capilla Sixtina. Nacimiento de Venus: vuelve al encargo de las 3 tablas. Su pintura cada vez recoge toda la influencia del espíritu neoplatónico. Se introduce por primera vez el desnudo femenino, probablemente esté inspirada en la Venus de Medici que formaba parte de la colección escultórica de Lorenzo. A lo mejor esa Venus representa a la que surge de la unión del espíritu y la materia. En la mitología salió a raíz de la tierra, el agua y el aire. Venus desnuda puede simbolizar el agua pura que surge tras las aguas del bautismo. El rostro de Venus parece estar tomado de Simoneta Vespucci. Una de las Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda demirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul. 39 Palas y el Centauro: es la última de las tablas. Está cubierta con un vestido adornado con símbolos de la familia Medici vinculada a la sabiduría que sale del entorno de los Medici que domina a la fuerza bruta de la naturaleza que está representado por el centauro. Historia de Nastagio Degli Onesti4, 1483: está inspirado en la literatura italiana, uno de los cuentos del Decamerón de Bocaccio: Primero:Nastagio aparece representado tres veces en el mismo cuadro. A lo lejos, conversa con sus compañeros en un campamento. Ya en primer término a la izquierda, pasea cabizbajo por el rechazo de su novia, y en el centro, lucha contra los perros que atacan a una mujer desnuda. A la derecha, aparece el jinete que la persigue. Segundo: El cuadro muestra, a la izquierda, al joven Nastagio, que retrocede horrorizado por la aparición en el centro. La mujer ha resultado muerta y el caballero le hace un tajo en la espalda para sacarle el corazón y arrojarlo a los perros, lo que sucede en el extremo de la derecha. Al fondo se comprueba cómo el episodio fantasmal se repite con una nueva persecución. Esta escena en la lejanía está centrada y enmarcada por los troncos de los árboles. De esta manera quedan castigados la mujer, por burlarse del amor del caballero, y éste último, que se suicidó por amor. Tercero: Aquí se representa un banquete que tiene lugar en medio de un pinar. Nastagio lo ha organizado para que tanto su amada como la familia de ésta vean los fantasmas de la joven desnuda y su 4 Se trata de la historia de un joven de Rávena, Nastagio degli Onesti, rechazado por su amada. Ve en el bosque a una mujer perseguida por un jinete, quien la ataca y mata; inmediatamente, ella se levanta y vuelve a repetirse el castigo sin fin, debido a que se trata de fantasmas, una maldición, debido a que la joven perseguida no atendió a los requerimientos de su pretendiente y éste se suicidó. Nastagio cree que tal aparición puede serle útil: hace que su desdeñosa amada la vea, con lo que consigue finalmente vencer su resistencia y llegar a un matrimonio feliz. 40 asesino. Así, se ve en el centro a la mujer atacada por los perros, con el jinete a la derecha. Nastagio, ligeramente a la izquierda, explica el sentido de la escena que están viendo los comensales. En el lateral derecho se ve a Nastagio hablando después con la criada de su amada, que le cuenta que la joven ha accedido a sus deseos. Se ven los escudos de los Bini y los Pucci y también, en el centro, el de los Médicis. Botticelli representa con gran detalle las mesas y los objetos del banquete, así como los diferentes rasgos de los invitados. Cuarto: Forma parte de la colección privada del Palacio Pucci en Florencia y es la única escena que permanece en su sede original, si bien gracias a una recompra reciente. En su momento fue vendida en el extranjero como las demás. Se distingue también de los otros porque, a diferencia de ellos, se presenta como una sola escena: el banquete de bodas de Nastagio y su novia. Hay dos filas de mesas colocadas bajo unos soportales, con un arco de triunfo al fondo. Aquí pueden verse también los escudos de los Pucci y los Bini. La Virgen del Magnificat, 1481: está representada rodeada de ángeles, adaptándose al marco, con gran detalle, etc. Anunciación: como consecuencia de la influencia de Savoranola y va quemar públicamente sus pinturas de carácter pagano y se va a dedicar a la pintura religiosa. Va a utilizar el oro y tomará del cristianismo los temas más dramáticos. 41 Llanto sobre Cristo muerto, 1489: dota a los personajes e nimbos que ya habían desaparecido y expresa con fuerza el tema del dolor. Oración en el huerto de los olivos: formaba parte de la colección de Isabel la Católica. Natividad mística, 1500: es una de sus últimas obras, es una pintura que refleja esa ansiedad espiritual que dominó a Botticeli y va a morir casi en el olvido. En esta obra abandona la perspectiva y el realismo, cayendo en una consciente regresión hacia un gusto arcaizante, lo que se adaptaba adecuadamente a la complicada simbología que requerían los temas sagrados. Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso. La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. Recuerda las máquinas de Filippo Brunelleschi para las representaciones sagradas puestas en escena en las iglesias florentinas a finales del siglo precedente. Coronas doradas cuelgan de las ramas de olivo de los ángeles danzantes. La mayor parte de sus rollos celebran a María: 'Madre de Dios', 'Esposa de Dios', 'Única reina del Mundo'. EL ARTE EUROPEO A FINES DEL S. XV: inicios del Renacimiento en Francia Es el único de los países europeos con contacto directo con Italia lo que va a facilitar que se difundan los principios de este arte. Se enmarca dentro de un contacto gótico, pero el Renacimiento va a introducirse gracias a las campañas francesas por la posesión de territorios italianos. En 1454 Alfonso V de Aragón invade Nápoles para reivindicar los derechos de la casa de Anjou y expulsa al monarca. Pero en 1494 Carlos VIII inicia las guerras en Italia y expulsa a Alfonso V de Aragón. En 1495 las tropas aragonesas expulsan a Carlos XVIII recuperando su poderío. En 1499 Luis XII recupera Nápoles e invade el Milanesado expulsando a Ludovico el “Moro” y conquista Génova. La ocupación de Nápoles por las tropas francesas duró 5 años y el Milanesado unos 25, tiempos en los que la corte francesa absorbe el arte italiano. Cuando vuelve a Francia, el rey se trajo a artistas italianos que serán los que introducen y desarrollan el Renacimiento en Francia. 42 Primeras manifestaciones: el río Loira es el más largo de Francia, una vía económica del oaís y una de las regiones más ricas de Francia, por este motivo se levantan tantos castillos a lo largo de este río. La corte francesa se rodea de consejeros y se da un gran interés por el humanismo. Lo que van a hacer los franceses es que e inspirarán en el arte del N. de Italia pero van a mantener las estructuras medievales dotándolas de inspiración italiana. Los espacios comienzan a concebirse ordenadamente, las plantas van regularizándose, se hacen los proyectos anteriormente sobre papel. Todo ello fue posible gracias a que Carlos VIII se trajo artistas italianos como: FRA GIOCONDO DE VERONA (1495-1505) En esos años de su instancia, va asentado los principios renacentistas. Permanecerá en Francia 10 años, su primera intervención fue el castillo de Amboise. Este tipo de castillos suelen tener una parte que pertenecía a un castillo anterior que se integra con el nuevo a los que los monarcas van añadiendo nuevas salas. Castillo de Amboise: el castillo es el edificio mas representativo del momento. Tiene una disposición horizontal, cubiertas de pizarra de fuerte inclinación (elemento francés), dos fachadas: una que da al río y la otra a tierra. Todavía conserva el torreón del viejo castillo. Era un complejo urbanístico del que gran parte se destruyó por la Revolución francesa. Es el lugar donde va a vivir Carlos VIII el cual añadirá una sala más y donde quiere establecer su corte. Luis XII también vivirá aquí pero después se trasladará a Blois. Se nota que no tiene una perfecta organización, tiene tragaluces góticos y posteriores modernos. El patio, la parte de Luis XII es claramente renacentista: clara proporción y armonía con arcos de medio punto. Un teórico francés se dedicó a dibujar e imprimir todos los dibujos y planos de los castillos más importantes en su recorrido por Francia, gracias a él podemos saber que partes fueron destruidas y cuales ampliadas. Castillo de Blois: está sobre una antigua fortaleza del siglo X que perteneció a los condes de Blois del queda un pequeña edificio del XIII. Presenta claramente la suma de todas las etapas: gótico, Renacimiento y Barroco. En el siglo XVII Gastón de Orleans decide construir un nuevo castillo pero a la moda barroca queriendo que las demás partes más antiguas se destruyesen, pero como él murió antes no se pudo llevar a cabo. Luis XII lo proyecta como un edificio en donde domina la horizontalidad lo que nos recuera a un palacio a la italiana menos por las techumbres de claro estilo francés.. su parte está levantada a base de ladrillo y piedra mezclando ambas en la fachada: dividida en calles iguales y atravesada por un cornisa que la divide en dos pisos. La mayor novedad es la decoración de la puerta principal sobre la que hay una estatua ecuestre del rey, esta fachada está concebida como un gran arco del triunfo que recuerda a la entrada del castillo Sforzesco. Sobre esto aparece un cuerpo espín que era el emblema del monarca entre la letra L y la A(de su esposa Ana de Bretaña). En el patio interior, hay una apertura de arcos de capiteles clásicos enmarcada por dos torres. 43 A su lado está el ala de Francisco I construida entre 1515-1524 donde se observa una evolución en el gusto. Se hace toda ella de piedra, presenta una mayor monumentalidad, la escalera se adapta a la planta poligonal con decoración vegetal mezclada con los emblemas reales (armiños y salamandras). En la fachada exterior es más clásica se hace menos decoración dando más importancia a la estructura y los soportes. Castillo de Chambord: la planta se inspira en la planta de la Villa Medici. En el interior hay una escalera de doble rampa para que los que suben y los que bajan no se crucen. Fue realizado por Francisco I como residencia de caza. Tiene cerca de 400 habitaciones que en su gran mayoría tienen chimeneas de gusto clásico. Castillo de Azay-leRideau: la fachada principal es una superposición que marca la mezcla de elementos: la parte baja tiene pilastras y arcos de medio punto, sobre esto se alzan dos pisos con arcos rebajados y sobre estos arcos de medio punto. Los detalles esculturales en Azay son particularmente notables. Sobre la planta baja, pilastras estriadas sobre altas bases conducen a la primera balaustrada, en la que campean la salamandra y el armiño, los emblemas de Francisco I y de su esposa, la reina consorte Claudia. NORMANDÍA: La llegada del Renacimiento se debe a George d´Amboise coincidió con el ascenso de Luis XII al que le nombró cardenal y ministro de estado ostentando plenos poderes, era un hombre muy culto y decisivo para la entrada del Renacimiento en Francia. Con Luis XII fue limosnero, arzobispo de Rouen y gobernador general de Normandía. Fue Virrey de Nápoles donde recogió gran influencia clásica. Castillo de Gaillon: lo reconstruye dotando al edificio de decoración y sometiendo las fachadas a regularización. Para ello lo 44 encarga a artistas italianos como Guido Mazzoni. Normandía se convierte en el nuevo centro del humanismo. ESCULTURA: MONUMENTO FUNERARIO Se ve influido por el humanismo cristiano. Entre los primeros artistas fue Guido Mazzori cuya única obra documentada fue la propia tumba del monarca destruida durante la Revolución en donde se dice que era un sarcófago regulas con la figura del monarca arrodillado, además de que en los frentes había una serie de medallones con las virtudes a la italiana. Un hecho fundamental es que el muerto en vez de estar yacente pasa a tener una actitud viva. Tumba de los duques de Orleans: encargada por Luis XII para sus padres en la catedral de Saint Denis. El modelo conjuga el gótico francés pero en los frentes ya aparecen entre espacios arqueados y abovedados los 12 apóstoles. Sepulcro de los duques de Bretaña: n se cita a dos escultores genoveses pero al final la reina se lo encarga a dos franceses: Jean Perreal y Michel Colombe. Hay un marcado acento clasicista en las figuras de los apóstoles y en las 4 virtudes: prudencia, justicia, fortaleza y templanza las cuales tienen un fuerte realismo. La virtud de la prudencia tiene doble representación: por delante es una joven y por detrás de su cabeza aparece un anciano ya que la prudencia se acrecienta con el paso de los años gracias a la experiencia en la vida. San Jorge y el dragón de Jerónimo Pacharotti: este frente de altar procede de la capilla de castillo de Amboise. Es un excelente ejemplo de decoración menuda y de técnica delicada. El relieve está tomado desde una perspectiva pictórica. Los hermanos Giusti de origen florentino se van a convertir en los grandes maestros de la escultura con Francisco I el cual encarga el sepulcro de Luis XII y Ana de Bretaña: se conjugan los elementos de los sepulcros anteriores. Se coloca la doble representación de los difuntos: por una parte el monarca está orante y justo debajo aparece yacente entremedio de una estructura arquitectónica inspirándose en modelos italianos. Entre los arcos están los apóstoles y en los ángulos están las virtudes a modo de Venus clásicas desnudas. PINTURA: El contacto con Italia se produjo en fechas tempranas en la figura de Jean Fouquet que irá en misión diplomática a Italia. Fue elegido por el Papa Eugenio IV para hacerle un retrato, en Roma pudo colaborar con Fran Angélico. En esta época la pintura estaba reducida a la iluminación de libros y este será revolucionario porque se formó en la miniatura y lo extenderá a los cuadros. Formado en la tradición francesa del gótico internacional, desarrolló un nuevo estilo integrando las fuertes tonalidades cromáticas del gótico, con la perspectiva y los volúmenes italianos, así como la innovación naturalista de los flamencos. 45 Díptico de Melun, 1450: En ambas tablas realizó un compendio de los modos flamencos, italianos y góticos. Así, los detalles del trono y de la corona de la Virgen son flamencos, las figuras monumentales de Étienne de san Esteban y la arquitectura con perspectiva fugada son italianas. Sin embargo, el retrato de Chevalier es flamenco, los ángeles son góticos y la composición es renacentista. En la tabla de la izquierda, el donante está en oración, protegido por su santo patrón, San Esteban, con las vestimentas de diácono. Encima del libro, san Esteban lleva una piedra puntiaguda que indica que fue lapidado. Hay un tratamiento importante de la luz, contrastada en luces y sombras, y de la forma en que esas figuras se encuentran en el espacio real, que es de clara influencia italiana. Sin embargo el interés con que capta las telas, los mármoles, la piel, remite a la influencia flamenca de Jan Van Eyck. La piedad de Nouans: la composición es nueva: la monumentalidad de las figuras, estudio de la anatomía, naturalismo en las formas, etc. Este gran cuadro difiere del resto de su producción y es preciso incidir en que esta obra monumental se debe a un miniaturista. Ciertamente la obra tiene algunos defectos debido a las grandes magnitudes del cuadro, pero la obra debe considerarse como una de las más bellas del pintor. Su arte se extenderá con sus libros: Ilustraciones de las grandes crónicas de Francia, Códice de las antigüedades judaicas y el Libro de las Horas de Etienne Chevalier. Libro de las Horas de Etienne Chevalier: Realizado entre 1452 y 1460, Fouquet se desliga de la forma tradicional de la iluminación medieval. Elimina los adornos y ocupa toda la página convirtiendo la miniatura en un cuadro. Al aplicar las nuevas técnicas, renovó el arte de la iluminación. 32 Introdujo la perspectiva, los juegos de luces y colores, arquitecturas idealizadas del Renacimiento en representaciones de la Antigüedad y aplicó el naturalismo en la interpretación de los temas tradicionales. Integró libremente elementos de actualidad política o arquitectónica. Por ejemplo trató a Carlos VII como uno de los Reyes Magos o usó decorados franceses en los episodios bíblicos. De esta forma se incorpora plenamente a las ideas del Renacimiento, al presentar al hombre en la esfera de lo divino y acercar a Dios a los hombres. La iglesia representada en la lámina es la catedral de Bourges. 46 Ilustraciones de las grandes crónicas de Francia: Representó imágenes donde ensalzó a la monarquía y donde la propaganda era evidente: momentos históricos favorables y entradas triunfales en ciudades. La flor de lys, emblema de la Casa de Valois, aparece de forma reiterada.