REVISTA DE ARQUITECTURA Y DISEÑO • UNIVERSIDAD DEL ISTMO •
ISSN 2305-3267
TENDENCIAS:
ARQUITECTURA Y DISEÑO
PUBLICIDAD: EL REFLEJO QUE MODELA
HUMAN-CENTERED DESIGN
DISEÑO DEL ISTMO 2015
FUTURE DESIGNERS
PORTAFOLIO
EXPOSICIÓN DE PROYECTOS
UNIVERSITARIOS: ACAT
PERSONAJES
TESTIGOS SILENCIOSOS
CANNES LIONS 2015
TADAO ANDO
CULTURA
LA RECEPCIÓN DE LA ANTIGÜEDAD
EN EL ARTE FLORENTINO DEL
QUATTROCENTO
No. 9 DICIEMBRE 2015 - MARZO 2016
CONTENIDO
3 EDITORIAL
Arquitecta Ana María de García
Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño
4 PUBLICIDAD: EL REFLEJO QUE MODELA ENTRE LO MÍNIMO Y
LO REALMENTE VALIOSO EN LA LABOR DEL COMUNICADOR EN
PUBLICIDAD
Licenciada Angélica Estrada
TENDENCIAS:
ARQUITECTURA Y DISEÑO
6 HUMAN-CENTERED DESIGN: CLAVE PARA INTEGRAR E INNOVAR EN
EL SECTOR SALUD DE GUATEMALA
Licenciada Marilú Lam Herrera
DISEÑO DEL ISTMO 2015
8 FUTURE DESIGNERS
PORTAFOLIO
12 EXPOSICIÓN DE PROYECTOS UNIVERSITARIOS
ACAT
Guillermo Paiz
Javier Penados
Rosa María Noriega
16 TESTIGOS SILENCIOSOS
Arquitecto Eduardo Escobar
18 CANNES LIONS 2015: MÁS QUE CONOCIMIENTO, MOTIVACIÓN PARA
EXPLOTAR MI PASIÓN
Ana Paula Figueroa
PERSONAJES
20 TADAO ANDO
Luis Quel
25 VIDA UNIS: Congreso de Interiorismo: Panorama 2015
HISTORIA DE ÉXITO: Rosy Monzón, Aileen Ramírez y Rebeca Morales
FORMACIÓN PROFESIONAL
CULTURA
PROFESIONAL: Ana Ormaechea, profesora asociada de la Universidad
de Navarra
26 LA RECEPCIÓN DE LA ANTIGÜEDAD EN EL ARTE FLORENTINO DEL
QUATTROCENTO
Doctora Arquitecta Cristina Leonor Arranz
PORTADA: PANORÁMICA DE FLORENCIA, ITALIA. https://turismoalvuelo.wordpress.com
CONSEJO EDITORIAL
Dirección: Ana María Cruz de García, Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño Universidad del Istmo • Subdirección: María Estela de
Tobar • Diseño: Luis Quel • Edición y producción: Thelma Castillo, Avenida Las Américas 20-21, zona 14, Edificio Bellini, Apto. 201,
Guatemala, C.A. 00101 • Impresión: Corporación Litográfica • Año3, Número 9, Guatemala 2015 • © Universidad del Istmo, Facultad
de Arquitectura y Diseño • PBX (502) 6665-3753 • www.unis.edu.gt, Ciudad de Guatemala
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www.unis.edu.gt
EDITORIAL
Ana María Cruz de García
Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño
En este milenio arquitectos y diseñadores enfrentan diariamente la posibilidad
de aprovechar los productos tecnológicos revolucionarios que invaden todos los
campos de la acción humana.
Este escenario dio inicio en los años 90, a partir de la globalización, cuando el acceso
a Internet estableció una carrera ascendente que cada día nos asombra más. El
impacto y la penetración de este desarrollo electrónico causa grandes cambios
en los procesos de la enseñanza superior de las carreras cuyo perfil se encuentra
entre la ciencia, la tecnología y el arte.
Hoy más que nunca, los profesionales estructuran sus actividades de manera
simultánea a partir del trabajo en equipo, por medio del cual resuelven situaciones
complejas con mayor eficiencia y eficacia.
No cabe duda que el enfoque de las escuelas de diseño y arquitectura debe centrarse en
la formación integral de los futuros profesionales, tomando en cuenta que las nuevas
formas de aprender tienen que estar fundamentadas en esas dos características
que son la clave para el éxito: el dominio de los sistemas de información y el trabajo
en equipo.
El siglo XXI demanda profesionales con capacidad de gestión de la información, que
utilicen las computadoras más allá de una lista de comandos que pueden usar, de
tal forma que tengan la capacidad suficiente para conectar y transmitir mensajes
de manera oportuna, tomando en cuenta que todos los procesos de diseño están
siendo automatizados.
Por otro lado, las nuevas formas de enseñanza adaptarán los procesos tecnológicos y
electrónicos para formar profesionales que tengan la capacidad de análisis necesaria
para resolver los problemas complejos que encontrará dentro de su ámbito de
trabajo cuando egresen de la universidad, con la misión de servir a su comunidad.
Facultad de Arquitectura y Diseño
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TENDENCIAS
PUBLICIDAD
EL REFLEJO QUE MODELA
ENTRE LO MÍNIMO Y LO REALMENTE
VALIOSO EN LA LABOR DEL
COMUNICADOR EN PUBLICIDAD
Licenciada Angélica Estrada
Este año la nueva categoría de premiación en Cannes Lions: Glass, propone reconocer todas las campañas
que busquen romper estereotipos “dañinos” para una “cultura más neutral en términos de género”.
Entre las campañas elegidas como ganadoras, el primer año de esta rama, se encuentra una técnicamente
bien pensada, que detuvo la restricción sobre el aborto en España. Es decir, una campaña que consiguió,
según los mismos creadores, mantener un “derecho”. Vale la pena mencionar que una de las consignas
del presidente actual antes de ser electo era la modificación que no se realizó –según ellos- gracias
a este movimiento.
¿Puede la publicidad ir en contra de la democracia? ¿Qué tan válido es romper tabúes o pensamientos
conservadores? ¿Dónde está el límite?
Los médicos tienen a la ciencia como parámetro para la bioética. Los abogados, entre otras a la ley
natural… y los publicistas, ¿ellos tienen algo de lo que puedan valerse para reconocer cuándo y cómo
están perdiendo el norte?
¿Se puede confiar y honrar a un publicista como se haría con un arquitecto, un abogado o un médico por
el servicio que prestan a la sociedad o ellos tienen la obligación de exagerar, mentir y los diseñadores
solo deben colorear esta falacia con creatividad para ser premiados?
La publicidad es una forma más de comunicación como el periodismo y las relaciones públicas. La
comunicación se vale de ideas sustentadas por la verdad. Vale la pena mencionar que a nadie nos
gusta ser engañados.
Lamentablemente, luego de más de 30 años del estudio de Gallup citado en el libro de Jon Steel
(Verdades, mentiras y publicidad), no pienso que la disciplina haya cambiado mucho. En la encuesta
tenían 8 de 100 puntos para evaluar el grado de confianza para los publicistas, justo antes de los
vendedores de seguros.
Menciono la posibilidad de que no exista un cambio ya que aún en universidades que se plantean
seriamente el tema de la ética existen marcadas e innecesarias diferencias entre los discursos de
bienvenida a la facultad de comunicación y a la de diseño y publicidad.
Puedo decir, como testigo, que mientras en una te imaginan como un apóstol dando a todos la buena
nueva, en una misión redentora por comunicar la verdad, en otro te mencionan la importancia de “no
ser tan malo” o no usar imágenes o mensajes inapropiados, en un parámetro de mínimos que deja la
disciplina como estancada, sin miras realmente altas.
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www.unis.edu.gt
De allí que no sea tan difícil encontrar un
exceso de atención respecto a resultados
técnicos y un fruncido gesto para las clases
humanísticas. Un requisito que no logra
integrarse a la necesidad del comunicador
-en parte por la mala publicidad que le
hace el contexto actual a esas materiasy otra quizá porque no hemos sabido
compenetrar y brindarle al diseñador
en publicidad una vinculación real entre
la antropología de la persona como
fundamento.
López Quintás en su teoría sobre la
creatividad, menciona cómo la verdad, la
unidad, la belleza y la bondad establecen
vínculos entre ámbitos. De tal manera
que lo que antes era color y papel se
transforma en una obra de arte. Una
recreación que enriquece a las personas
desde la cultura, pues le recuerda, le
permite encontrarse desde lo material con
lo grande, con lo sublime, lo divino: con
Dios.
El diseño en publicidad y comunicación no
es un simple ornamento. Parafraseando
a Carolina Herrera “no estamos en el
negocio de la moda, estamos en el negocio
de la belleza”. Una belleza que no puede
desconectarse de Lo Bello por excelencia.
Observándolo de esta manera es bastante
clara la importancia de enamorar a la
persona de su realidad en vez de “crear”
necesidades y promover conductas
materialistas que solo nos llevarán a la
destrucción del mundo.
El Papa Francisco menciona en la Encíclica
Laudato si la necesidad de un cambio
profundo no solo técnico, pues todos los
problemas tienen su raíz en el corazón de
las sociedades.
Un trabajo que no se detiene ante lo
realmente valioso no puede ser una
profesión digna de ejercerse, no basta
con no ser “malos” como la competencia.
De allí que cueste tanto interconectar
las clases técnicas con las humanísticas,
pues no las observamos como elemento
integrador del sentido de nuestra labor
profesional elevada, digna de entregar la
vida.
Una ética de mínimos donde nos sentimos
orgullosos porque nuestros estudiantes
no son “tan malos” como la competencia,
no basta. Aunque no tengamos hoy un
cómo concreto con una solución, vale la
pena abrir horizontes y despertar al menos
la curiosidad sobre la manera en la que la
profesión del diseñador en publicidad y
comunicación puede realmente influir en
la sociedad. Y no se trata solo de trabajar
para “campañas sociales”. El cómo en
la forma y el fondo deben encontrarse
siempre con: la verdad, la bondad, la
belleza en unidad.
Para ello es importante distinguir entre lo
opinable, lo debatible y la realidad.
Por qué un profesor de diseño no tiene qué
explicar a detalle el porqué de un 5 en vez
de un 10 en una calificación, y un profesor
de ética tiene que pasar horas debatiendo
sobre el relativismo sin ser este admirado
como el “estricto y categórico” profesor
de diseño. Debemos aprender dentro
de la misma facultad a darle valor a lo
que realmente lo tiene. Distinguiendo
lo opinable en términos técnicos de lo
realmente valioso y verdadero; que a su
vez le enriquece y no puede desconectarse.
A reconocer y a exigir una visión alta, de
entrega, como eventualmente se hace en
otras facultades como: medicina, derecho o
comunicación.
conductas y universidades con una carga
humanística son las primeras llamadas
a brindar un soporte que realmente
fundamente una estrategia.
Un trabajo creativo consecuencia de una
investigación profunda, humana, que más
que buscar “crear” necesidades pueda re
descubrirle al ser humano las causas por
las que vale la pena realmente luchar y
comunicar.
Si pensamos que todo lo anterior ya está
más que visto en nuestra facultad, que ya
hacemos suficiente o que está más que
cubierto en nuestra materia o estudio,
no hemos comprendido realmente qué
significa academia y trabajo humano.
Algo que se traduce en no conformarse,
en siempre buscar formas para relucir la
belleza de nuestra labor profesional.
La persona humana, la dignidad de la
familia, de la mujer, del hombre no cambia
ni cambiará nunca. Estamos llamados
desde nuestra profesión a buscar maneras
de comunicar estas realidades. No
podemos hacer un videojuego violento,
promover hacer travesuras en un anuncio
de refrescos para niños y luego quejarnos
por la falta de disciplina y la delincuencia
del país. Lo que hacemos vale, cambia
Facultad de Arquitectura y Diseño
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DESIGN
HUMAN
CENTERED
CLAVE PARA INTEGRAR E INNOVAR EN EL
SECTOR SALUD DE GUATEMALA
Licenciada Marilú Lam Herrera
La Industria de la Salud en países desarrollados mejora constantemente
debido a la investigación continua basada en los mercados tradicionales
desarrollados. Sin embargo en países en desarrollo como Guatemala,
que enfrentan una gran gama de desafíos, el camino tradicional no
es efectivo. En este país se están llevando a cabo actividades para el
estímulo e intercambio de ideas y apoyo a emprendedores, pero con
alcances limitados. Guatemala tiene uno de los más bajos PBI per cápita
en Latinoamérica, altos índices de corrupción, violencia urbana, una
industria de la salud fragmentada con recursos financieros limitados
que no cubren a toda la población, y uno de los más bajos porcentajes
de médicos por habitantes de la región. Sin embargo, según estudios recientes, la población
guatemalteca tiene alta percepción de la felicidad, fuerte visión de negocios y alta confianza
en actividades de trabajo independientes. Por ello, el objetivo de este artículo es el resaltar la
importancia de crear una estrategia que ayude a involucrar e innovar en el Sector de la Salud
de Guatemala a través de Human-Centered Design, con equipos de trabajo multidisciplinarios
locales, coordinar investigación, compartir data confiable y crear vías eficientes para transmitir
resultados y asesoría. Dirigidos a desarrollar diseño de productos y servicios que se ajusten al
Mercado de la Base de la Pirámide o BoP Market del Sector de la Salud en Guatemala.
El rediseño y entrenamiento constante
cubre aspectos psicológicos, físicos,
ambientales e instalaciones5, está
comprobado que esto provee más rápida
recuperación del paciente y comodidad
para las familias. Programas ergonómicos
como Zero-Lift6, han sido implementados
en hospitales para prevenir lesiones en el
personal, conceptos como Evidence-Based
Design (EBD) son usados en el diseño de
instalaciones y ambientes para el cuidado
de la salud7. Esta modernización ha
dado como resultado mejores servicios,
estabilidad y satisfacción laboral,
incremento en la eficiencia y mejores
resultados ergonómicos; sin embargo,
en Guatemala la aplicación de programas
similares son escasos8.
El enfoque de Human-Centered Design o HCD impulsa la innovación y la creación de diseño
basado en el entendimiento de los usuarios, las tareas que ellos realizan y el medio ambiente
en el que se desenvuelven. Las personas a la que se dirige el diseño son involucradas en todo
el proceso del diseño y su desarrollo. La evaluación del diseño HCD también debe hacerse
en un escenario real o en un esquema muy similar, para lograr el resultado más ajustado a
la necesidad existente. La efectividad de este se basa en tres aspectos o lentes principales:
Deseabilidad, es lo que la gente desea; factibilidad, lo que es técnica y organizacionalmente
posible; y viabilidad, en cuanto a lo financieramente viable1. Los equipos trabajo deben ser
multidisciplinarios con enfoque HCD, involucrar personas locales y poseer una amplia gama
de habilidades y percepciones para estudiar el objetivo como un todo 2. El proceso requiere
observar y analizar, analizar el diseño, implementarlo y validarlo, y su desarrollo se basa en la
observación y continua implementación. El apoyo de la ergonomía3 en el proceso HCD ayuda
a adaptar el diseño a los usuarios, logra que los servicios o productos diseñados sean fáciles
de usar y hace más fácil identificar y hacer el seguimiento de los aspectos que necesitan más
soporte y optimización.
En Guatemala la Industria de la Salud
se caracteriza por estar fragmentada9,
compuesta por sectores privados y
públicos. El sector público presta servicio
al 88% de la población. El 70% lo proveen
el Ministerio de Salud Pública y asistencia
Social (MSPAS) y el Instituto de Seguridad
Social (IGSS), y un 18% está a cargo de
Sanidad Militar del Ministerio de Defensa
y Gobernación. El resto de la población
está repartido entre servicios privados,
instituciones no lucrativas, o no están
cubiertos. Solo un 25% de la población tiene
seguros. Adicional a eso, Guatemala cuenta
con uno de los porcentajes más bajos de
médicos por habitante en Latinoamérica,
con un 0.9 médicos por 1000 habitantes, y
la mayoría de estos están concentrados en
las áreas metropolitanas. El MSPAS es la
entidad a cargo de las políticas nacionales
de salud, pero tiene baja cobertura y
efectividad debido a lo fragmentado
del sistema y la corrupción. Como
El escenario de la Salud es muy peculiar4 y presenta un gran desafío para el diseño: Largas
horas de trabajo, servicio a la población entera, regulaciones y leyes que rigen el servicio, riesgos
ergonómicos debido a la amplia gama de actividades involucradas, uso de tecnología y personal
especializado, gran cantidad de personal femenino en la fuerza de trabajo, puestos de trabajo
individual, grupal, móviles, estacionaros, turnos, y otros. En países industrializados la Industria
de la Salud se desarrolla constantemente. Este constante desarrollo está fuertemente ligado
al estudio ergonómico de cada trabajo.
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resultado una gran parte de la población,
especialmente en áreas rurales, está casi
desatendida.
En Guatemala no existen estudios de
Satisfacción del Usuario en ningún
sector de la Salud. También, desarrollo
tecnológico o diseño no están entre las
recientes innovaciones. En un estudio
realizado por Ketelhön, Martínez y Arias10,
se encontró que uno de los mayores
problemas de la región Centroamericana
se encuentra a nivel de la administración.
Y aunque en Latinoamérica ha habido
buenos resultados en la eliminación de
enfermedades prevenibles, reportes de la
Organización Panamericana de la Salud
(OPS), muestran limitaciones significativas
de la región tales como: sostenibilidad
financiera, organización, calidad de los
servicios, suministro de medicinas, y
cobertura del servicio.
En sistemas de salud como el de
Guatemala, alrededor de un 46% de la
población no está atendida, y la distancia
entre las poblaciones y los hospitales
agrava la situación. Debido a que la
población está dispersa, hospitales
pequeños son los más comunes, pero la
mayoría de ellos se dedican a atenciones
primarias, y los casos más críticos son
enviados a los hospitales en las áreas
urbanas, afectando también a las familias
y al personal. Muchos hospitales sufren
constantemente de personal insuficiente y
escasez de medicina, e inseguridad11, y los
que tienen más recursos son inaccesibles
para la mayoría de la población debido
a los altos costos12. El personal recibe
entrenamiento esporádico acerca de los
riesgos del trabajo, y aun cuando están
conscientes acerca del riesgo, no hay
muchas opciones sino que hacer las tareas
requeridas, aun a riesgo de su propia
salud13. En este contexto, hay necesidad
urgente de innovación que se ajuste al
país y que provenga de diferentes ámbitos
profesionales y técnicos.
En el mundo existe una gran
parte de la población que
conforma el Mercado de la
Base de la Pirámide o BoP
Market (por sus siglas en
inglés), esto se refiere al gran
número de personas que
viven con menos de 2 Dólares
o menos por día. Ellos
viven en pobreza o pobreza
extrema; sin embargo,
debido a la escasez de
oportunidades en educación y empleo, en
su mayoría trabajan por cuenta propia, y son
conscientes del valor real de los productos14.
El BoP Marketing es una estrategia que
propone hacer negocios mientras se ayuda
a las personas a escapar de la extrema
pobreza. Este toma en cuenta aspectos
sociales, económicos, y ambientales,
mientras que se enfoca en la gente pobre
como productores para la creación de
empleos, al mismo tiempo que los tiene
como punto objetivo del consumo15. En
Guatemala una gran parte de la población
pertenece al BoP Market. Muchos tienen el
potencial emprendedor16, y se encuentran
en la búsqueda continua de oportunidades
para subsistir. Los guatemaltecos son
de naturaleza optimista17 y trabajadora,
y están acostumbrados a solucionar sus
problemas por medio de su propio ingenio
debido a la escasez de beneficios por parte
del gobierno18.
chispa de la innovación es esencial. Hay
necesidad de encontrar vías para involucrar
personas, recolectar data, proveer de
información confiable y de alto estándar,
analizarla, crear fuentes que promuevan
el intercambio accesible de ideas y
propuestas, estimular e incentivar diseño
y unir habilidades, compartir resultados,
implementar y seguir innovando. En
la situación guatemalteca el HCD es la
clave para obtener las soluciones más
acertadas, proveer de resultados, y brindar
información y asesoría, para desarrollar
productos y servicios económicosestandarizados de alto desempeño, que se
ajusten con las necesidades del mercado
BoP de la Salud de Guatemala.
La creación de una estrategia que logre
integrar el potencial emprendedor para
satisfacer las necesidades latentes podría
mejorar la situación de la salud a través
del establecimiento de nuevos diseños que
provean tanto productos como servicios,
con precios más accesibles para brindar
mejor atención es vital. La administración
de Servicios de Salud y Hospitales podrían
beneficiarse también de la información,
diseño y nuevos productos para mejorar
sus costos y servicios, y esto contribuiría a
reforzar el uso del diseño como una de las
herramientas principales en la innovación
del Sector Salud en el país, al igual que en
países desarrollados.
Sobre el autor: Marilú Lam Herrera
Licenciada en Diseño Industrial con especialización
en Vestuario por la Universidad del Istmo.
Actualmente es estudiante de Maestria en Diseño
Industrial en Hanyang University, Corea del Sur.
Investigar dentro del ambiente de la
Salud es una tarea difícil, barreras tales
como: ambientes confusos y concurridos,
expertos que omiten información, porque
la información es muy obvia para ellos
(pero que podría ser vital para el desarrollo
del diseño) deben ser tomadas en cuenta.
Por ello invertir tiempo y creatividad
en diseñar una estrategia que inicie la
Innovar en el Sector de la Salud de
Guatemala es posible, es tiempo de pensar
en grande, unir fuerzas y trazarse objetivos
altos.
El artículo es parte de la presentación inicial de su
investigación de maestría, la cual está enfocada
en impulsar la fuerza creativa guatemalteca
hacia el desarrollo de diseño y los elementos que
este necesita para que este sea efectivo en el
contexto guatemalteco. Guatemala es un país con
una idiosincrasia muy particular, y de tener éxito
podría servir de ejemplo para muchos países con
problemas similares. Como diseñadora, considera
que es momento de empezar a ver los problemas
como oportunidad para ser creativos e innovar en
los aspectos más necesitados del país.
Notas
1 IDEO.org (International Development Enterprises).
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6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
(2011).
Goodman, E., Kuniavsky, M. & Moed, A. (2012).
Pheasant, S. & Haslegrave, C. (2006).
Springer. (2007). (p.2).
Phares. (2011).
Springer, T. (2007); Charney, W., Simmons, B., Lary,
M.,& Metz, S. (2006).
McCullough, C. (2009).
Grover. (2011).
Becerril-Montekio, B. & López-Davila, L. (2011).
Ketelhön, N., Martínez, C. & Arias, J. C. (2013).
De Leon, J. E., López, C., Morales, H. M. & Andrino, J.
M. (2014).
Ketelhön, N., Martínez, C. & Arias J. C. (2013).
Andrade, J. L. (2014).
Hoven, J., Doorn, N., Swierstra, T., Koops, B., Romijn,
H. (Eds.) (2014).
Jagtap, S. & Larsson, A. (2013).
GEM Guatemala National Team (2013).
Helliwell, J., Layard, R. & Sachs, J. (2013).
CIA, The World Factbook.
La parte inferior de la pirámide económica está
conformada por 4 mil millones de personas que viven
con menos de US$2 por día. Este es el Mercado de la
Base de la Pirámide o BoP Marketing.
Facultad de Arquitectura y Diseño
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DISEÑO DEL ISTMO 2015
FUTURE
DESIGNERS
Diseño del Istmo es el encuentro académico empresarial de la carrera de Diseño
Gráfico de la Universidad del Istmo. Fue creado en el 2003 con el objetivo de ser un
espacio para compartir, aprender e inspirarse de grandes profesionales del medio. En
cada ocasión se han invitando ponentes internacionales y nacionales: diseñadores y
comunicadores; ofreciéndoles la oportunidad de compartir su experiencia, intereses
e inspiraciones a través de conferencias y talleres.
Este año, se desarrolló un nuevo concepto: Future Designers, el cual denomina a los
nuevos diseñadores, pioneros y expertos de las ramas digitales del medio. Personas que
han desarrollado nuevas formas de interacción y de diálogo entre marca y consumidor.
Future Designers se llevó a cabo de 24 al 28 de agosto y reunió a más de 30 ponentes,
expertos en los temas de: Marketing digital, manejo y estrategia de redes sociales,
animación, diseño interactivo para aplicaciones móviles, diseño de publicaciones para
tablets, diseño responsivo, ilustración digital, storytelling en nuevos medios, fotografía,
branding digital y diseño de videojuegos.
El evento dio inicio con el desarrollo de 3 concursos que invitaba a participar a todos
los alumnos del programa de Diseño Gráfico. Los concursos fueron organizados y
patrocinados por empresas especializadas en cada uno de los temas:
MonstrificARTE
Un concurso de ilustración a cargo del ex alumno
Stefan Estrada “SHTEFFAN” presentaba el reto
de “sacar el monstruo que llevas dentro” con
técnicas manuales. Al finalizar, los concursantes
tuvieron la oportunidad de mostrar su mejor
propuesta. Los resultados fueron excelentes y
luego de nombrar a 15 finalistas se eligieron los
ganadores: Primer lugar: Mellisa García, alumna
de quinto año. Segundo lugar: Roberto Ancalmo,
alumno de primer año.
8
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Foto Telling
Con el apoyo de Foto Room, una empresa
joven fundada por los diseñadores David
Galdamez y Haze Rivera. El objetivo
fue transmitir la importancia de tomar
fotografías con valor y con historia
utilizando Instagram como la plataforma
principal. La temática elegida fue la
situación política que afronta actualmente
el país y sus consecuencias sociales. El
ganador del concurso fue el estudiante
de segundo año, Kevin Ovando, con su
propuesta #ManchasCorruptas.
Diseño Interactivo
Apoyados por Cognits, una escuela
de diseño que reúne a grandes
programadores y diseñadores. El concurso
requería la participación de duplas o tríos y
premiaría la solución a una de las grandes
problemáticas a la que se enfrentan los
alumnos: “La equidad de trabajar en
equipo”. Para este concurso, las ganadoras
fueron las estudiantes de quinto año, Ada
Flores y Gabriela Romero.
La inauguración de las conferencias se
llevó a cabo en el Hotel Barceló, con la
participación de destacados ponentes
nacionales y extranjeros.
Lcda. Ana
Ormaechea,
Co-fundadora de
Tab Innovation en
Madrid, disertó el
tema “Periodismo
Móvil”
Ana es experta en periodismo
digital enfocado en contenidos para
móviles, social media y proyectos de
emprendimiento. Dirige publicaciones
digitales de importantes revistas españolas
como: Esquire Spain, Forbes y Harper’s
Bazaar Spain.
Lic. Alessandro
Novelli, Director
de N9ve Studio
en Barcelona,
profundizó sobre la
“Animación Digital”
Novelli realizó sus estudios en Italia,
Nueva York y Barcelona. Con su trabajo
de animación, ilustración, 3D y diseño, ha
ganado premios internacionales. También
ha participado como conferencista en
festivales de Diseño en España, Italia,
Francia y Portugal.
Facultad de Arquitectura y Diseño
9
Lic. Byron Cabrera,
talentoso diseñador
gráfico de El Taier
DDB Guatemala,
expuso el tema “Abrir
la Mente y Mirar el
Mundo”.
Cabrera ha enfocado su profesión en
el Marketing Digital desarrollando las
destrezas de: Planeación; Performance
Marketing; Search Engine Marketing;
Social Media Strategies; Mobile and
Web Development Marketing; y Display
Advertising.
Julio Camey
Lic. Jorge Solórzano,
Co-fundador
de El Taier DDB
Guatemala, participó
con el tema
“Conceptualización y
Creatividad Integral”.
El Lic. Solórzano es un profesional
especializado en Marketing y Publicidad;
realizó sus estudios en Berlin School
of Creative Leadership. Actualmente
es Creative & Strategy VP en El Taier
DDB, agencia de publicidad que ha sido
acreedora de varios premios a nivel
nacional e internacional.
En los siguientes días, se desarrollaron
conferencias en el Campus UNIS Fraijanes.
Participaron 27 ponentes de los cuales
vale la pena mencionar a nueve ex
alumnos UNIS: Daniel Molina, Guillermo
Durán, Javier Longo, Julio Camey, Víctor
Urizar, María Fernanda Arriaza, Stefan
Estrada, Sebastián Obando y Fernando
Beteta. La experiencia de compartir
logros profesionales y nuevos intereses
académicos, fueron recibidos como una
fuerte inspiración para los alumnos
actuales de la Universidad.
10
www.unis.edu.gt
Stefan Estrada
Víctor Zarceño
Además se tuvo el honor de contar con
los conocimientos de: Yavheni De León,
Víctor Zarceño, Pablo Zeceña, Betsabé
Méndez, Esteban De la Peña, Rodrigo
Calderón, Javier Escobar, José Ochoa,
Claudia Argueta, Marco Ramirez, David
Galdamez, Haze Rivas, Fernando Roca,
Jorge López, Mario González, Mario
Montero, Melanie Kolter, Estuardo Ramos
y Oscar González. La participación de
tipógrafos e ilustradores mostraron sus
habilidades ante el público, entre los
cuales se menciona al Lic. Antonio Gaitán,
profesor del programa de Diseño Gráfico;
Diego García, alumno de segundo año;
entre otros.
La Facultad de Arquitectura y Diseño
agradece el apoyo de los patrocinadores:
SHTTEFAN, Cognits Design School, Foto
Room, NOOK Design Studio, Items,
Distefano, Agua Pura Salvavidas, Mas
Digital, Artemis Edinter y Revista Capiusa.
Así como el apoyo en la organización
del evento dirigido por el Lic. Kevin
Schippers, bajo la coordinación por la ex
alumna Virginia Cruz y el equipo de staff
conformado por las alumnas: Mónica
Peralta, María Andrea Áviles, Ana Paula
Figueroa, Sofía Dacaret, Stephanie
Alvarado, Rocio González y Ximena Paiz.
Lic. Antonio Gaitán
Mario Montero
Jennifer de León
Facultad de Arquitectura y Diseño
11
PORTAFOLIO
EXPOSICIÓN
DE PROYECTOS UNIVERSITARIOS
ACAT
Coordinador de Proyecto
ARQUITECTOEDUARDOESCOBAR
Investigadores y diseñadores
GUILLERMOPAIZ
JAVIERPENADOS
ROSAMARÍANORIEGA
Alumnos de último año de Arquitectura
ACAT, una palabra con trascendencia en su significado que proviene
del nombre de la diosa maya de la vida y la esperanza. Para nuestro
equipo, ACAT es más un hogar, un impulso hacia una nueva sociedad.
El proyecto surge de la necesidad que hoy en día vivimos cada uno de
nosotros. El calentamiento global y los gases de efecto invernadero
han traído una serie de desastres naturales que azotan negativamente
a los asentamientos humanos, ubicados en áreas de riesgo. ACAT se
presenta como una solución habitacional que impulsa el desarrollo
de una nueva sociedad, mediante la significación de la vida de sus
usuarios, donde se respeta la cultura, se mora confortablemente,
se ayuda al crecimiento económico y que principalmente prevé
cualquier desastre natural.
Protocolo de recuperación post-desastre
Evento o
desastre natural
Acciones de
respuesta inmediata
Cuantificación de
daños y pérdidas
Rescates, Albergues, suministro de agua y comida, etc.
Planificación ordinaria
de desarrollo
Al finbalizar el estado de emergencia los refugiados
deberán migrar hacia una vivienda unifamiliar que supla
toda necesidad
A C A T
Solución habitacional ACAT
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www.unis.edu.gt
Plan de
recuperación
Concepto
Módulo básico
División del módulo
Flotabilidad
El módulo basico surgió de las dimensiones de los
elementos constructivos, esto con el fin de aprovechar
al máximo los materiales y reduciendo así el costo de
construcción.
El módulo se separa por áreas de uso, ubicandose en
los extremos las habitaciones y en el centro el espacio
social.
La vivienda cuenta con toneles plásticos reciclados,
estos le permiten flotar en situaciones de inundación,
protegiendo así al usuario que la habita.
Núcleo de servicio
Adecuación cultural
Confort climático
Para el éxito funcional de la vivienda se ha diseñado
un núcleo de servicio en donde se encuentran
centralizados todos los artefactos necesarios para
satisfacer al usuario.
La conexión con el entorno y la adecuación a las
costumbres del lugar, hacen necesaria la existencia de
un pórtico que permite vida familiar y social, área de
descanso y recreación.
El cerramiento de la vivienda ACAT es una de sus
mayores particularidades pues está compuesta por
paneles abatibles ajustables, según la necesidad del
usuario, proveyendo control de los rayos solares,
viento, precipitación y demás elementos indeseables
Sección conceptual
Turbina de bombeo
El módulo central cuenta con un sistema de turbina que
tiene doble funcionalidad: la primera es de llevar el agua
de los tanques de almacenamiento al tanque elevado, y
la segunda es la de funcionar como extractor de olores
en el espacio de cocina.
Cubierta tensada
La tecnología de la cubierta tensada le permite al
usuario una mejor protección ante la precipitación
pluvial, una mayor facilidad de instalación y un mayor
grado de duración.
Espacio exterior
Eficiencia en el uso de agua
Parte de la estructura sobresale de los espacios
interiores con el fin de crear un área social exterior para
los usuarios, adaptándose a sus necesidades y forma
de vida.
Toda el agua pluvial almacenada puede ser utilizada
por el usuario para todas sus necesidades, siendo un
modelo de vivienda autosuficiente y sostenible.
Toneles de flotación
La vivienda tiene la capacidad de poder flotar en
situaciones de inundación, esto le permite a los
usuarios la seguridad de vivir en un espacio a prueba de
desastres hidrometereológicos.
Cámara de ventilación
La vivienda es diseñada tomando en consideración
aspectos ambientales del SITIC. La doble cubierta
responde a dicha situación; la cámara de aire que se
forma reduce la ganancia térmica por radiación solar.
Protección contra bichos
Todos los espacios interiores de la vivienda cuenta con
sedazos protectores, los cuales permiten el ingreso de
iluminación y ventilación natural, pero restringe el paso
de alimañas.
Captación de agua pluvial
El módulo cent5ral contiene tuberías pluviales
que llevan el agua de lluvia hacia los toneles de
almacenamiento.
Facultad de Arquitectura y Diseño
13
Cocina
Baño
Pila
Dormitorio
Lavatrastos
Refri
Dormitorio
Ducto
Estufa Lorena
Planta
La distribución de la vivienda correspondió al numero de miembros de la familia,
considerando la dignidad de los mismos y la promiscuidad de todos los integrantes,
además cuenta con un núcleo de servicio, el cual es el centro de toda la vivienda y en el
suceden todas las actividades de servicio que dan apoyo a la misma.
Secciones
Elevaciones
La estructura principal de la vivienda está compuesta por elementos de bambó (Aspen). La colocación de
estos elementos corresponde a la premisa estructural, la cual está diseñada para las condiciones a la que
la vivienda será sometida.
14
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Pórtico
Perspectivas
Dormitorio
PERSONAJES
TESTIGOS
SILENCIOSOS
Arquitecto Eduardo Escobar
Hace un tiempo me enteré de un concurso de fotografía que sucedía a nivel internacional.
Los postulantes de imágenes, debían mandar un máximo de 22 fotografías de estilo,
contenido y carácter libre.
Me entusiasmé con la idea de utilizar algunas fotos que tenía por allí en el olvido.
Pensé: “Aquellas fotografías de la Antigua, serían una buena opción para causar algún tipo
de impresión”. Así que arranqué con la búsqueda y terminé photoshopeando (puesto
que era permitido) algunas de ellas, o más bien todas, y las envié.
Tronera en el Muro Romano
en York, Inglaterra. Fotografía
seleccionada para incluir en
el libro “The Exposure Award.
Architecture Collection”
16
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Ruinas de la Recolección, Antigua Guatemala. Fotografía seleccionada para
“The Fifth Annual Exposure Award”
Para clasificar, debía lograr que por lo menos
100 personas les dieran “like” y escribieran
algún comentario. Sin el comentario no serían
contabilizadas. Llegué a la meta y las fotos
ingresaron en el concurso de jurado y de
popularidad.
Unas semanas más tarde, recibí un mail de
SEE ME (la organizadora del evento) donde
me anunciaban que en la primera etapa de la
calificación por jurado, una de mis fotos había
sido seleccionada para formar parte de la etapa
final: ser expuestas en una presentación digital
en la Gala de Apertura en el Museo El Louvre en
París.
Algunos días después, recibí una comunicación
de SEE MEE indicándome que, al final de
cuentas, eligieron dos imágenes de mi portafolio
las cuales fueron expuestas el pasado 13 de julio
en la Gala del Louvre y formarán parte del libro
Sky Collection, que está próximo a imprimirse.
Las fotos no me parecen geniales, pero
tal vez ellos vieron algo que yo no y las
seleccionaron.
Sobre el Autor: Eduardo Escobar
Además de ejercer su profesión como arquitecto
desde 1985, Eduardo Escobar ha fungido como Vice
Decano de la Facultad de Arquitectura y Diseño de
la Universidad del Istmo por 14 años; es Catedrático
Universitario de los Programas de Arquitectura,
Diseño Gráfico e Ingeniería Industrial; Investigador
Principal del Proyecto Fodecyt No. 030-2012
CONCYT para el Diseño y Evaluación de un modelo
para determinar la generación de energía eléctrica a
partir de la fuerza automotriz; entre otras funciones.
Un profesional multidisciplinario y autodidacta que
está en constante actualización. Posee un interés
particular por la animación 3D, la fotografía, técnicas
de dibujo y el diseño computarizado.
El Arquitecto Escobar posee un postgrado en
Arquitectura con Especialidad en Comunicación
Digital. Actualmente realiza estudios de Doctorado
en Arquitectura por la Universidad de Navarra, en
España.
Facultad de Arquitectura y Diseño
17
CANNES
LIONS 2015
MÁS QUE
CONOCIMIENTO,
MOTIVACIÓN
PARA EXPLOTAR
MI PASIÓN
Ana Paula Figueroa
A mediados de marzo de este año, tuve la oportunidad de participar en un concurso
organizado por la Unión Guatemalteca de Agencias de Publicidad – UGAP – el cual
iba dirigido jóvenes universitarios que dedicamos nuestros estudios a la publicidad,
comunicación y el diseño. El ganador tendría la oportunidad de formar parte del
curso intensivo que año con año organiza la prestigiosa academia Roger Hatchuel
Academy, dentro del Festival de Cannes en Francia. El curso se llevaría a cabo en
la semana del 22 al 26 de junio.
Soy estudiante de Diseño Gráfico en la UNIS; debido a mi historial académico y
buen portafolio, fui seleccionada por el Consejo de la Facultad de Arquitectura y
Diseño para representar a la Universidad en UGAP. Clasifiqué como una de las tres
finalistas del concurso, ganarlo significaría ser la única guatemalteca que podría
asistir a recibir el curso en la Academia.
La primer buena noticia llegó por parte de UGAP: “Te hemos elegido para ir a Cannes”. Enviaron
mi portafolio a Francia y fue así como el 12 de marzo recibí la mejor noticia de todas: “¡Ana
Paula, su participación fue APROBADA!” No puedo explicar con palabras la emoción que sentí
en ese momento, literalmente brinqué y bailé de la felicidad. Fue un verdadero privilegio, ya
que al evento asisten únicamente 35 estudiantes de distintos lugares del mundo. Haber sido
seleccionada como la única representante de Guatemala fue un honor.
Lección 1
“No importa qué tan grande o
pequeño sea lo que trabajes, hazlo
siempre por una buena motivación”
Desde la primera conferencia, pude
comprender la importancia de trabajar
piezas y campañas inspiradoras. Michael
Conrad, Presidente del Berlin School of
Creative Leadership, enfatizó en cómo una
campaña inspiradora se convierte en un
trabajo atemporal. En los siguientes días,
me volví a encontrar con este mensaje
durante el seminario impartido por el
cantante Pharrel Williams, quien recalcó
sobre la intención que debería existir
detrás de nuestras acciones.
Llegó entonces el esperadísimo 19 de junio, fecha en que volé a Francia para asistir a Cannes
Lions International Festival of Creativity. Esta increíble experiencia significó un cambio no solo en
mi forma de trabajar, sino también en mi persona. Ha pasado casi un mes y no he dejado de
reflexionar sobre el conocimiento adquirido en la Academia, cada taller, plática y conferencia.
Es por esto que quiero compartir acerca de las lecciones más importantes que aprendí durante
esa semana.
Lección 2
“Sé siempre humilde y agradecido”
Personalmente, el primer día del curso
llegué con miedo y un tanto intimidada.
Pero a lo largo de la semana, fue increíble
ver cómo los grandes personajes que
asistieron al Festival demostraron ser
humildes en todo momento. Genios del
diseño, prestigiosos directores creativos,
ganadores de premios, entre otros
personajes famosos me hicieron darme
18
www.unis.edu.gt
cuenta que siendo pequeño se pueden
absorber increíbles enseñanzas y crecer a
lo grande.
A lo largo de la semana, varios
conferencistas y genios del diseño
repitieron esta frase de diferentes
maneras. Es increíble como los valores
de la honestidad y humildad son capaces
de inspirar a otros. Hoy en día es clave
sentirlos en una persona, sobre todo
en un mundo donde cada vez es más
fácil compartir cualquier información.
Por ejemplo, Simon Wells, explicó
detalladamente el gran impacto que
genera saber escuchar a los colaboradores.
Por otra parte, personajes como Pete
Favat, North American Creative Chief Officer
de Deutsch Inc, mencionó la significancia de
entender el valor de la gratitud y trabajo en
equipo para construir una buena carrera.
Mary Lee Copeland, The Next Level Storytelling
Academy
Lección 3
“Tú eres tu propia historia”
Esta fue otra idea que marcó bastante
la semana. Jessica Walsh, Diseñadora y
Directora de Arte de Sagmeister & Walsh,
a quien admiro bastante, habló sobre
crear nuestras propias reglas y diseñar
para el alma, no para nuestro ego. Muchos
conferencistas, al exponer sobre contar
historias, de una manera u otra hablaron
sobre seguir nuestra propia historia y ser
humildes para inspirar a los demás.
Cabe mencionar también a Simon Collins,
reconocido consultor creativo, quien nos
dijo esta frase que en lo personal me
marcó: “You are your own story, tell your
story” (“Tú eres tu propia historia, cuenta tu
historia”). Definitivamente no hay nada más
auténtico que transmitir una historia real.
Uno de los talleres más inspiradores para
mí, fue el de Mary Copeland, Directora
Creativa de The Next Level Storytelling
Academy, quien a través
de diferentes dinámicas
mostró que siempre
deberíamos reflexionar
lo siguiente: “What world
will you save?” (“¿Qué
mundo vas a salvar?”). Es
clave saber hacia dónde
queremos ir y qué queremos lograr con
nuestro trabajo.
Lección 4
“Colabora de una manera
desinteresada”
En todas las conferencias y talleres que
recibí junto mis compañeros de Roger
Hatchuel Academy, descubrimos la
importancia de saber trabajar en equipo.
Durante mi carrera en la Universidad
siempre nos lo han recalcado, sin embargo,
con los talleres de la Academia aprendí que
el trabajo en equipo va mucho más allá de
repartirse las tareas. Estar en un equipo
se trata también de conocer a los demás,
delegar trabajo y reconocer las habilidades
de cada uno.
Un taller que me encantó fue el de “Cocreating the Future”, trabajado con los
Directores Creativos de LEGO, Casper
Willer y Thorkild Bjerre. Explicaron cómo
el trabajo en equipo no solo se da a nivel
interno, pues también se puede exteriorizar
con los seguidores de una marca. Es
posible realizar un mejor branding si existe
una co-creación entre las comunidades de
una marca, el contenido generado por sus
fans y el producto o servicio que ofrece.
Lección 5
“Be interested not interesting” (“Sé
interesado, no interesante”) Esta frase
va de la mano a la idea anterior, pues para
trabajar en equipo y ser un buen líder es
clave saber escuchar; estar interesado
en conocer más sobre otras personas
y culturas, así como puntos de vista
diferentes. Esto no es algo nuevo, día a día
se nos dice que debemos saber escuchar.
Sin embargo, tuve consejos que, a partir de
ese momento, marcarán mi trabajo y mis
relaciones personales:
Saber escuchar permite entender otras
perspectivas para negociar con clientes o
compañeros de trabajo. Cabe mencionar
que al tener compañeros de diferentes
países, como Ucrania o Nigeria por
ejemplo, fue imprescindible saber escuchar
para lograr un buen trabajo en equipo.
Además, fue bastante interesante conocer
las perspectivas que poseen personas de
países totalmente diferentes a Guatemala.
Las personas te tienen mayor
aprecio y respeto cuando sienten que
verdaderamente los escuchas. Tuve una
experiencia emotiva y motivadora al
trabajar en equipo para el último taller
de la Academia: resolver un brief en 48
horas. Una de las actividades de éste
fue compartir con nuestro equipo los
aspectos positivos que apreciábamos entre
nosotros. Fue ahí donde mejor pude darme
cuenta de lo importante que es saber
escuchar.
Aprendí muchísimo sobre el trabajo en
equipo con el taller de The Pop Up Agency.
Esta agencia me sorprendió. La conforman
cinco jóvenes que viajan por el mundo
resolviendo briefs en 48 horas, es decir,
vender una idea. Su forma de trabajo es
revolucionaria y novedosa, además de
efectiva. Nos enseñaron muchos métodos
de trabajo y cómo generar buenas ideas
en equipo. Parte de esto fue precisamente
saber escuchar, aceptar la crítica
constructiva y respetar metas y tiempos
para sacar el trabajo.
Al final de la semana, no dejaba de
pensar en todo lo aprendido. Quedé con
muchísimas ganas no solo de aplicar todo
lo aprendido sino también de compartirlo.
En un futuro quiero trabajar en la idea y
estrategia, principalmente porque sé que
el futuro de la publicidad en Guatemala
se fija cada vez más en interactuar con
la persona. Hay muchas tendencias y
métodos que representarán un reto para
aplicarlas en la industria publicitaria en
Guatemala, sin embargo, estoy lista para
empezar.
Finalmente, quiero agradecer a Dios, a
la Universidad del Istmo y a UGAP por
esta oportunidad que me cambió la vida.
Me siento muy agradecida con todas
las personas que día a día me dan su
incondicional apoyo para crecer en mis
estudios y trabajo. Gracias Festival de
Cannes por haberme dado una de las
mejores semanas de mi vida.
Facultad de Arquitectura y Diseño
19
TADAO ANDO
Luis Quel
Arquitecto japonés nacido en Osaka, el 13 de septiembre de 1941, uno de los máximos
exponentes de la arquitectura moderna, se opone a la invasión indiscriminada de la arquitectura
moderna en todas las culturas del mundo. Tadao Ando sostiene que la arquitectura debe ser
el resultado de un encuentro entre el razonamiento lógico y la creación que resulta del uso
de los sentidos. No alcanza sólo con el conocimiento y la respuesta lógica al programa, pero
tampoco con mera sensibilidad es posible satisfacer las demandas que nos hace la realidad.
Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y
espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su
entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del
encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para
captar la luz. En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual,
que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los
materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten
sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre
otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua.
Su carrera como arquitecto se inicia en 1970 cuando se instala en su ciudad
natal con “Tadao Ando Architect & Associates”. Sus primeros diseños son
casitas de madera, interiores y muebles, pasando luego a edificaciones
más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa
de Arquitectura por su Row House (casa Azuma) de Sumiyoshi,
en Osaka, construida de hormigón. En 1981, sucede algo similar
con la casa Rokko, en Hyogo.
En los años ’80, Tadao Ando consolida su reputación internacional
con edificios como su iglesia en el agua (Hokkaido, 1988); la
Iglesia de la Luz (Osaka) y el Museo de los Niños (Himeji,
1990). Pero, a pesar de ser ya bien conocido fuera de
Japón y de haber dictado clases en Estados Unidos,
se iban los ‘80 y no había realizado ningún proyecto
fuera de su patria.
En 1992 es el responsable del famoso Pabellón
de Japón para la Expo ‘92 de Sevilla, resuelto todo
en madera y siguiendo la tradición constructiva
japonesa. Allí demuestra su capacidad para trabajar
con otros materiales, además del hormigón. Por la
misma época construye el centro para seminarios
de Vitra, donde su obra se encuentra junto a edificios
de Grimshaw, Gehry, Hadid y Siza.
Entre los edificios diseñados en esta última década, se
destacan el museo histórico Chicatsu-Asuka y el espectacular
museo Suntory (Osaka, 1992-94); el Museo de la Madera
(Mikata-Gun, Hyogo, 1993-94); la fábrica en el centro de
investigación Benetton (Treviso, Italia, 1993-95); el pequeño
pero monumental espacio de meditación levantado en la
sede de la Unesco (París, Francia, 1995); la sede
de la Pulitzer Foundation for the Arts,
en St. Louis, USA, y su participación
en el concurso para el diseño
20
www.unis.edu.gt
TADAO ANDO, SAYAMAIKE MUSEUM, OSAKA, JAPÓN. FOTOGRAFÍA: JVR UK, www.flickr.com/photos/javier_uk/
“Como arquitecto usted tiene que hacer su mejor trabajo
de cualquier proyecto, pero para mi lo más satisfactorio
es cuando la arquitectura puede hacer algo para que la
gente viva mejor, eso es inspirador para todos”...
de la Tate Gallery of Modern Art (Londres,
Inglaterra, diseño: 1994-95).
La naturaleza es una de las principales inquietudes
de Ando, que intenta siempre integrarla con
el interior de sus construcciones, a través de
patios o jardines que incorporan luz, ventilación
y lluvia, elementos que ya no encontramos
en la arquitectura de nuestro tiempo.
Si bien utiliza los conceptos de la
arquitectura japonesa, sus espacios
tienen más de encierro que de abertura.
Utiliza las formas puras y la luz natural
para articular los espacios, y las sombras
para suavizarlos y envolverlos. El uso de
paredes de concreto, marcos, cámaras,
vidrios, ladrillos, piedras y elementos
naturales revelan un sentido del orden.
Tadao Ando usa paredes muy sólidas para
delimitar los espacios humanos, desviando
a sus edificios del caos urbano circundante
desde afuera y encerrando espacios muy
privados desde el interior.
de la Asociación Finlandesa de arquitectos
(1985) y la Medalla de Oro de la Academia
Francesa de Arquitectura (1989). En 1991
el Museum of Modern Art de Nueva York
expone su obra. En 1992 es galardonado
con el prestigioso Premio Carlsberg y nada
menos que el Pritzker en 1995. En 1996
llega el Premium Imperiale y en 1997 la
Medalla de Oro del Royal Institute of British
Architects.
Tadao Ando es el arquitecto más
reconocido. Recibe la Medalla Alvar Aalto,
Facultad de Arquitectura y Diseño
21
“No creo que la
arquitectura tenga
que hablar demasiado.
Debe permanecer
silenciosa y dejar que
la naturaleza guiada
por la luz y el viento
hable”...
“Cuando proyectaba el pabellón de Japón para la Exposición de 1992 en
España, un país con una tradición de construcción en piedra, decidí que el
pabellón no tenía que ser un simple espacio para las exposiciones, sino
que debía constituir en sí mismo una expresión de la cultura japonesa.
Para informar a la gente sobre la cultura de Japón, una tierra de bosques,
consideré que construir un pabellón en madera era lo mejor que podía
hacer. La cultura de la madera habita en el espíritu de los japoneses
y se ha convertido en la clave para comprender la historia y tradición
de Japón“.
22
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Iglesia sobre el agua, Tomamu, Isla de Hokkaido, Japón, 1988
Iglesia de La Luz, Ibaraki, Osaka, Japón, 1989
Facultad de Arquitectura y Diseño
23
FORMACIÓN PROFESIONAL
VIDA UNIS
HISTORIA DE ÉXITO
CONGRESO DE INTERIORISMO:
PANORAMA 2015
ROSY MONZÓN, AILEEN
RAMÍREZ Y REBECA MORALES
El Congreso de Interiorismo: Panorama
2015, fue organizado por las alumnas del
B.A. en Decoración de Ambientes de la
Facultad de Arquitectura y Diseño, UNIS.
Cuatro conferencias impartidas por expertos
en distintas ramas del tema fueron el eje
principal del evento.
Las alumnas Rosy Monzón, Aileen Ramírez
y Rebeca Morales obtuvieron el segundo
y tercer lugar en el Concurso Nacional del
Mueble: INNOMUEBLE 2015.
Como invitada especial la Lcda. Diana
Andrea Agudo, del Instituto del Fondo
Nacional de la Vivienda para los
Trabajadores –INFONAVIT- México,
profundizó sobre el diseño de jardines,
techos verdes y la integración con el
diseño de interiores. Participó también la
Arquitecta Inés Guzmán Méndez, con el
tema “Integración Arquitectura y Diseño”;
destacada por el diseño de Saúl Bistro zona
14, ganador del premio en la categoría Café/
Bar de los Restaurant Design Awards 2014.
Además, las conferencias de “Diseño de
Escenografía” por la Lcda. Diana Carolina
Castro García y “Diseño de Eventos” por
Gustavo Sandoval, propusieron nuevas
tendencias, ideas y formas de trabajo en
cada uno de los contextos.
La alumna ganadora del Concurso
PanoramaDiseño 2015 fue Stephanie
Samayoa por mejor diseño y decoración de
su propia home office. El 2o. lugar lo obtuvo
Rosa Ma. Monzón y el 3 er. lugar, David Pinto.
Atrium es una consola diseñada por Rosy
Monzón y Aileen Ramirez (alumnas del B.A.
en Decoración de Ambientes). El nombre
en latín hace referencia a lo que en español
se conoce como “vestíbulo”. El diseño
brinda una sensación de suavidad, limpieza
y bienvenida. Al centro se ubica un cilindro
de vidrio que funciona como florero, signo
de acogimiento a los invitados.
Consolle, diseñado por Rebeca Morales
(alumna de Arquitectura con Especialidad
en Interiores) es un mueble inspirado en la
marimba guatemalteca, llevando la forma
del instrumento a su máxima abstracción.
Así surge un mueble decorativo cuya
funcionalidad connota un estilo de
modernidad y sencillez.
Los proyectos fueron trabajados en los
cursos de Diseño del Mueble y Diseño
Industrial, bajo la asesoría del Profesor Arq.
Alexander Fernández.
PROFESIONAL
ANA ORMAECHEA
Profesora asociada de la Universidad de
Navarra
Experta en periodismo digital enfocado
en comentarios para móviles, social
media y proyectos de emprendimiento.
Es co-fundadora de Tab-Innovation en
España, agencia a través de la cual dirige
publicaciones digitales de importantes
revistas españoalas como Esquire Spain,
Forbes y Harper´s Bazaar Spain.
Es Licenciada en Periodismo egresada de
la Universidad de Navarra. Ha impartido
conferencias en congresos y seminarios
internacionales; también ha sido jurado
en Tabby Awards, evento que premia a las
mejores aplicaciones en tabletas y juegos.
Es profesora del curso “Publicaciones
Digitales para Tabletas” en la Universidad
de Navarra, España.
El pasado mes de agosto fue Profesora
Invitada para impartir el curso “Edición de
publicaciones para tablets” en la Maestría
en Diseño Gráfico. También fue invitada
como conferencista al Congreso de Diseño
de Istmo 2015: Future Designers.
“Panorama es un evento creado por las
alumnas de último año de la carrera. Permite
tener un acercamiento con reconocidos
diseñadores y decoradores nacionales e
internacionales, brindando la posibilidad de
ampliar campos de conocimiento en áreas
específicas de interés”. (Arq. Olga de Espada,
Directora de Carrera)
Facultad de Arquitectura y Diseño
25
CULTURA
LA RECEPCIÓN DE LA
ANTIGÜEDAD
EN EL ARTE FLORENTINO DEL
QUATTROCENTO
Doctora Arquitecta Cristina Leonor Arranz
Iglesia de Santa María del Fiore, Florencia, ITalia
La pervivencia de las obras de la
antigüedad grecorromana, como fuente
de inspiración de las artes, sobrepasa
la de cualquier otra expresión artística
de nuestra era. Es probable que ello
responda al hecho de que, como afirma
Octavio Paz, “las obras del pasado eran
réplicas del arquetipo cósmico en el
doble sentido de la palabra: copias del
modelo universal y respuesta humana
al mundo, rimas o estrofas del poema
que el cosmos se dice a sí mismo” (Paz,
Octavio. El arco y la lira, Fondo de Cultura
Económica, México, 1972, p. 262). En su
contemplación, abrevaron los que llevaron
a cabo los distintos cambios culturales
que, en la historia europea, se reconocen
como renacimientos. Entre estos últimos,
sin duda destaca el Renacimiento de las
artes del siglo XV, que tuvo su origen en
Florencia. Allí, la producción de algunos
artistas abrió el cauce, por el que las
artes visuales, continuaron un camino
ininterrumpido hasta los inicios del siglo
XX.
Dos importantes antecedentes del recurso
de las artes figurativas a la antigüedad, se
encuentran en la tradición toscana anterior
al Quattrocento. El primero, pertenece a
la escultura y es la obra de Nicola Pisano,
activo en la Toscana entre 1258 y 1278.
El segundo, correspondiente a una
generación posterior de artistas, es la obra
pictórica de Giotto di Bondone, que vivió
entre 1267 y 1337.
Dentro de la tendencia naturalista, iniciada
por los escultores en las catedrales góticas
del norte europeo, Nicola Pisano buscó
aprender la técnica de representación
de la figura humana y de composición
26
de las escenas, en la observación de los
sarcófagos romanos y paleocristianos1.
Como es sabido, a partir del siglo II, debido
a la creciente difusión del cristianismo, los
romanos suplantaron la cremación por la
inhumación de cadáveres. Debido a ello,
comenzaron a utilizarse sarcófagos en vez
de urnas cinerarias, en los que, a su vez,
se reemplazaron los retratos individuales
por tipos fisionómicos. De los sarcófagos
antiguos, Pisano extrae detalles tomados
del natural, que le permiten representar
las figuras sagradas de un modo digno y
verosímil. Es posible reconocer esto, por
ejemplo, en la Adoración de los Magos, del
Baptisterio de Pisa. Este recurso también
fue utilizado poco después por Arnolfo di
Cambio, como puede verse en la Virgen
con el Niño, realizada para el Duomo de
Florencia. Por la postura y la fisonomía de
las figuras, unidas al tratamiento de los
ropajes, la representación de la Madre de
Dios adquiere la apariencia de una matrona
romana.
El otro antecedente de artes figurativas
inspiradas en la antigüedad, se encuentra
en la pintura del Giotto. Como Pisano, el
Giotto buscó representar el relieve y sobre
todo, la figura humana, de un modo creíble
y próximo a nuestra experiencia directa
de la naturaleza. Para ello, en su pintura,
reemplaza el uso de la línea ornamental de
la tradición gótica, por un dibujo preciso,
que delimita las figuras con claridad,
e incluye en ellas un tratamiento de
modelado por la luz. Esta ilusión de relieve
redescubierta por la pintura del Giotto, será
una de las preocupaciones primordiales de
la escuela florentina de pintura2.
Las técnicas de la representación
tridimensional, que dominaban griegos y
Facultad de Arquitectura y Diseño
27
en el Imperio Romano de Oriente. Debido a las
estrechas relaciones mantenidas entre Bizancio e
Italia, también produjo en suelo italiano obras de gran
calidad. Es el caso de los mosaicos de la iglesia de San
Vitale, en Rávena. Una obra magistral que permite
verificar lo atinado de la observación de Gombrich
cuando afirma que:
“fue el arte bizantino el que, al fin, permitió que
los italianos saltasen la barrera que separaba la
escultura de la pintura. Dada su completa rigidez, el
arte bizantino había conservado la mayoría de los
descubrimientos de los pintores helénísticos, que
sobrevivieron en la pintura-escritura de la edad de las
tinieblas en Occidente”3.
En efecto, en las imágenes planas del mosaico, que
representa a Teodora y su Cortejo, se distinguen las
superficies más claras, que insinúan el modelado de
las figuras por efectos de luz y sombra, junto al uso
del escorzo. Dos recursos técnicos que es posible
apreciar, por ejemplo, en la representación de la
fuente de agua.
Cimabue, que la tradición reconoce como el posible
maestro del Giotto, fue quien primero tuvo en cuenta
el potencial de dichas técnicas, para dar ilusión de
profundidad. En sus obras, que no dejan de inscribirse
en la tradición bizantina de la pintura, incorporó el
desarrollo volumétrico, como es posible apreciar en
su Cristo en Majestad con la Virgen y San Juan, en
el ábside del Duomo de Pisa. Posteriormente, fue
Giotto quien elaboró una nueva modalidad de pintura,
separada de la tradición bizantina, que se basa en
el uso de las mencionadas técnicas del modelado
y el escorzo. Con el Giotto, se inicia un proceso de
comparar y corregir los esquemas artísticos que
ofrece la tradición, con la observación directa de la
naturaleza. Esta modalidad pictórica se difundirá por
las cortes europeas durante el siglo XIV, donde será
reconocida como el “modo antiguo” y formará parte
de los componentes de una versión tardía del gótico,
conocida como Gótico Internacional.
Arriba. Adoración de los Magos, del Baptisterio de Pisa de Nicola Pisano.
Abajo. Virgen con el Niño, realizada para el Duomo de Florencia por Arnolfo di Cambio
romanos, se habían dejado de lado en los primeros años del cristianismo, en
los que se concibió un modo de representación plana, que apuntaba a centrar la
atención del espectador en algunos componentes de las figuras, especialmente
expresivos, como la mirada. Esta modalidad artística tuvo su principal desarrollo
28
www.unis.edu.gt
Cristo en Majestad con la Virgen y San Juan, obra de Cimabue
en la pintura del Giotto, acompaña la representación de una acción
determinada, desempeña una función semejante a la del coro en la
tragedia griega. Ambas características, que, en la tradición artística
grecorromana, desarrollan la dimensión narrativa del arte, también
serán adoptadas por los pintores florentinos del Quattrocento.
Aunque, los antecedentes mencionados forman parte esencial
de la llamada escuela florentina del Renacimiento, el movimiento
renacentista en las artes figurativas, se inicia propiamente en el
siglo siguiente y tiene su origen en el renacer de las letras clásicas.
Natividad, obra de Giotto
Otros aspectos igualmente importantes del “modo antiguo” del
Giotto, tienen relación con la predicación de los franciscanos de
entonces4. Estos, siguiendo a San Francisco, sostenían que la
presentación de los misterios de la fe por el arte, debía ayudar a los
fieles a revivir, con su imaginación, las escenas de la vida de Cristo y
de los santos. En ese sentido, las pinturas del Giotto se caracterizan
por incorporar la construcción de un espacio tridimensional,
semejante al real y por buscar, por la disposición dramática de las
figuras, la elaboración de un entorno emotivo. Este entorno que,
Escena de la vida de San Francisco
Burckhardt afirma que Dante “fue el primero en situar la
antigüedad, insistentemente, en el primer término de la vida
cultural”5. Para Dante, la antigüedad fue una fuente de inspiración,
aunque este autor no buscó en las obras antiguas un arquetipo
para ser reproducido. En sus escritos, se pone de manifiesto su
formación escolástica, sobre todo en lo referente a la teología y
la filosofía. Sin embargo, la Comedia de Dante, al mismo tiempo
que se inserta en la tradición filosófica medieval, introduce una
novedad radical en el modo de significar del arte, con respecto al
arte del medioevo. Su obra supera el alegorismo, que es el modo
característico de la significación de las artes en la Edad Media6.
Aunque este autor utiliza la alegoría como adorno del lenguaje,
la significación de su obra no se resuelve por la alegoría, sino por
la metáfora, como acontece en las grandes obras literarias de la
Antigüedad.
En la Comedia, Dante adopta un simbolismo de orden metafórico,
que recuerda la propuesta de teología simbólica de Dionisio
Areopagita. Este oscuro autor oriental, reconocido como autoridad
teológica desde el siglo VI, tomó una postura dominante en la
tradición de Occidente, entre los siglos IX y XVI. En la obra de
Dante, el símbolo es expresado por una imagen visible, que el autor
construye con sus palabras, a fin de poner en relación, de modo
inmediato, la experiencia externa sensible con la propia experiencia
interior del lector7. De más está decir que la obra poética de
Dante tuvo una importancia decisiva para la evolución de las artes
visuales en Florencia. Aún así, la raíz del movimiento renacentista
del Quattrocento, como indica Gombrich, debe buscarse sobre
todo, en el interés de los humanistas florentinos por la gramática y
la retórica latinas8.
En efecto, con Petrarca y Bocaccio, se inició y se extendió entre los
intelectuales de Florencia, la afición por el rescate de manuscritos
de la antigüedad romana. Pronto se llamó humanistas a estos
hombres abocados a coleccionar y transcribir dichos manuscritos.
Con ellos, los humanistas florentinos se propusieron recuperar la
pureza original del latín de Cicerón y de Virgilio. Como hace notar
Kristeller, se optó por los llamados studia humanitatis, un esquema
de estudios que, con frecuencia, reemplazó entonces al Trivium y
el Cuadrivium medievales. En el nuevo esquema adquirió un papel
preponderante la historia, junto a la retórica y la gramática latinas9.
El dominio de las reglas gramaticales y de las reglas del bien decir,
favoreció el prestigio de los humanistas, que pronto gozaron
de un reconocimiento de superioridad intelectual, frente a sus
contemporáneos. Fue así como, en el Quattrocento, el gusto por un
arte basado en reglas fácilmente reconocibles, pasó de las letras a
las artes visuales. Cuando, en 1436, Alberti publica su tratado De
pictura, incluye en el mismo una dedicatoria a Brunelleschi. En ella,
explica que “quiere dar a sus contemporáneos lo que más echan
en falta comparados con los antiguos: la regla y el sistema de las
artes figurativas”10. Dicha regla estuvo provista, principalmente,
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por el estudio de las ruinas romanas,
por la evolución del dibujo -sobre todo,
por el descubrimiento de la perspectiva
lineal- y por la teoría de las proporciones.
Esta última, que se basa en una relación
armónica entre las partes del cuerpo
humano, es transmitida por Vitruvio, en su
tratado sobre la arquitectura.
La admiración por las producciones del
propio pasado, condujo a lo que Schlosser
señala como una de las manifestaciones
más esenciales del Renacimiento. Esta
consistió “en un nuevo despertar del
sentido histórico, que la Edad Media no
había conocido o, si acaso, había conocido
de distinta manera”11. Dicho sentido
histórico, estuvo caracterizado por el
deseo de hacer resurgir los componentes
culturales de un pasado glorioso. Un
ejemplo de esto se encuentra en los
Commentarii, que el escultor Lorenzo
Ghiberti (1378-1455), escribe hacia el
final de su vida. En ellos, Ghiberti presenta
una historia del arte, dividida entre el
arte antiguo, el arte del Trecento y el arte
de sus contemporáneos, despreciando
completamente las obras del período
que denomina “media edad”. Este autor
sostiene que la decadencia del arte
comienza con Constantino, porque fue
El Panteón de Agripa
Cúpula de Santa María del Fiore
entonces cuando, en su opinión, tuvo
lugar la destrucción de los monumentos
artísticos y de la tradición literaria del
arte. Tesis semejantes se encuentran
también en otros autores de teoría artística
del primer Renacimiento, como Alberti
o Filarete, que se refieren a la manera
antigua como la única verdadera12.
El interés por la antigüedad también
motivó el coleccionismo, que fue común
entre los humanistas florentinos. Como
afirma John Pope-Hennessy, “el apetito
del erudito no se reducía a los textos.
Devoraba cada reliquia de la forma romana
de vida, y ninguna con mayor placer que las
medallas y los retratos esculpidos13”. Fue
el conocimiento de los retratos imperiales
romanos, contenidos en las medallas
antiguas, lo que permitió a los pintores y
escultores del Quattrocento, redescubrir
que la clave, para dar cuenta del carácter
del retratado, se encuentra en el dominio
de los rasgos de los ojos y los labios.
Como es posible advertir, la visión de la
antigüedad que tuvo el Quattrocento,
estaba dotada de una importante dosis
de romanticismo e idealización. Pronto
comenzaron a circular anécdotas y relatos
de la vida de los artistas italianos, al modo
de los que aparecen en la enciclopedia de
Plinio el Viejo. Como es sabido, la obra de
Plinio, escrita en el siglo I, fue uno de los
textos que, junto a Vitruvio y Quintiliano,
tuvieron mayor influencia en la teoría
artística del primer Renacimiento. En
Italia quedó atrás el anonimato de los
artistas medievales. Los nombres de
los pintores, escultores y arquitectos
más reconocidos, fueron registrados en
escritos de carácter teórico y en otros,
de carácter histórico, que se proponían
dejar constancia de la grandeza de la
época. En estos, Brunelleschi, Donatello y
Masaccio, aparecen como los iniciadores
del movimiento renacentista, dónde
sobresalieron, respectivamente, en la
arquitectura, la escultura y la pintura de la
primera mitad del siglo XV.
Filippo Brunelleschi, hijo de un notario y
diplomático florentino, que había recibido
formación humanista, fue quien llevó a
cabo la hazaña de construir la cúpula de
Santa María del Fiore. Iniciada en 1296,
la iglesia poseía un crucero octogonal,
coronado por un tambor de unos cuarenta
y dos metros de sección, que terminaba
a cincuenta y cinco metros de altura.
Debido a estas dimensiones, a inicios del
Quattrocento, nadie se había atrevido
todavía a realizar la cúpula. En 1418, las
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autoridades de la ciudad aceptaron el
proyecto de Brunelleschi: una cúpula de
doble cáscara de ladrillos, inspirada en el
Panteón de Agripa. Este último, construido
en el siglo II en Roma, posee cuarenta
y tres metros de diámetro. Un logro
constructivo, no igualado desde entonces
en la construcción con mampuestos.
Sin embargo, Brunelleschi, en el plazo
de poco más de tres lustros, consiguió
concluir la cúpula de Santa María del Fiore,
con un diámetro sólo un metro menor
que la cúpula del Panteón. El éxito de la
empresa de Brunelleschi maravilló a sus
contemporáneos e incrementó la confianza
en la superioridad de la nueva tradición
artística, basada en las reglas de los
antiguos.
También a Brunelleschi se atribuye el
descubrimiento de la perspectiva lineal. Un
método ya conocido en el ámbito de las
investigaciones ópticas, pero nunca antes
aplicado a las artes visuales. Son también
suyos los primeros intentos de hacer una
arquitectura al modo de los antiguos, por
la incorporación de los órdenes clásicos
en el diseño. Algunos ejemplos de su
arquitectura son la fachada del Hospital de
los Inocentes, la iglesia de San Lorenzo y la
capilla Pazzi.
Como es sabido, la arquitectura clásica
nunca había sido olvidada del todo en el
suelo italiano. Lo evitaba la permanencia
de las ruinas de los grandes edificios
de la antigüedad. Ello explica que, en la
zona de la Toscana, durante los siglos XI
y XII se realizaran edificios que utilizaban
un lenguaje de columnas y arcos, de los
que son exponentes la iglesia de San
Miniato del Monte, próxima a Florencia
y el Baptisterio de San Juan, situado en
la Piazza del Fiore. Este último fue una
importante fuente de inspiración para
Brunelleschi, quien estaba convencido
de que se trataba de un templo de la
antigüedad, dedicado a Marte, en lugar de
un edificio del siglo XI, como es el caso.
El escultor Donato di Bardi, mejor conocido
como Donatello, es presentado por Vasari
como un gran amigo de Brunelleschi, a
quien acompañó en sus viajes a Roma,
para estudiar los monumentos antiguos14.
De origen más humilde que Brunelleschi,
Donatello nació en Florencia, en 1386,
donde también murió en 1466. Sus
esculturas se caracterizan porque, la
identificación del personaje representado,
no se basa, como era la costumbre
entonces, en la representación de los
atributos tradicionales, sino en una
interpretación de la personalidad del
sujeto, que el artista plasma en la materia.
También, al modo de los antiguos, su obra
da cuenta de un constante proceso de
ensayo y error, orientado a la imitación de
las apariencias de la naturaleza.
De arriba hacia abajo, Hospital de los Inocentes,
iglesia de San Lorenzo y la capilla Pazzi, obras de
Filippo Brunelleschi
Como es posible observar en la estatua
de San Jorge, Donatello busca suscitar
efectos semejantes a los que, en el
mundo real, advierten la vista y el tacto15.
Esto, que no se encuentra en la tradición
San Jorge, escultura de Donatello
inmediatamente anterior, pone a este
artista en relación con la escultura antigua,
en la que, seguramente, descubrió
las fórmulas para una representación
convincente del cuerpo humano vivo.
El David en bronce de Donatello, es la
primera representación escultórica de
un desnudo, desde la antigüedad. En
ella es llamativa la maestría del artista,
para representar la figura de un guerrero
joven. Otro rasgo de la escultura de este
artista, que señala Pope-Henessy, es
que no se limitó a dirigirse a un público
culto. En su arte hay una búsqueda
de expresión universal, que supera las
barreras culturales del tiempo, del espacio
y de la situación social del espectador. Su
Magdalena penitente, tallada en madera,
manifiesta sentimientos y actitudes del ser
humano, como el dolor del arrepentimiento
y la súplica del perdón, que es posible
advertir en la mera contemplación de la
imagen.
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En la pintura, Masaccio fue quien más
claramente recogió el testigo del Giotto.
Nacido en 1401 en Arezzo, Masaccio
trabajó en Florencia entre 1417 y 1421 y
falleció en Roma, con sólo 27 años. Sus
obras aplican a la pintura, por primera
vez, los estudios de Brunelleschi
sobre la perspectiva. El ejemplo
más reconocido de utilización de
dicha técnica, es el fresco de la
Santísima Trinidad, realizado en
la iglesia florentina de Santa María
Novella. Se trata de una obra que posee
una extensión aproximada de seis metros
de altura por tres metros de ancho.
El fresco representa a Dios Padre, ofreciendo
al Hijo que muere crucificado. El Espíritu
Santo aparece como una pequeña paloma en
escorzo, como espiración del Amor entre el
Padre y el Hijo. A ambos lados de la Cruz,
el pintor representó a la Santísima Virgen
y al apóstol San Juan. La Virgen Madre,
con el corazón atravesado por
el dolor, también ofrece a
su Hijo, con un gesto lleno
de dignidad y fortaleza.
El apóstol contempla la
escena con una expresión
de pesar, sin perder la
serenidad. Da la impresión
de que, en la figura de
San Juan que presencia
el sacrificio de Cristo,
Fresco de la Santísima
Trinidad y detalles, realizado
en la iglesia florentina de
Santa María Novella
De arriba hacia abajo,
Davi y Magdalena,
esculturas de Donatello
32
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Masaccio infunde los sentimientos que
considera adecuados para un espectador
piadoso, invitándonos a su imitación. Cabe
destacar que, las tesis de Cicerón sobre el
decorum, es decir, acerca de lo adecuado
para cada circunstancia o naturaleza,
tuvieron una importante repercusión en el
arte renacentista. En un plano inferior, se
encuentran los donantes y todavía más
abajo, un esqueleto con una inscripción
latina, referida a la brevedad de la vida
humana sobre la tierra.
Las figuras de Dios y de los santos,
están representadas en el interior de
una arquitectura de órdenes clásicos,
con bóveda de cañón corrido, que
el pintor utiliza para destacar la
construcción espacial según las leyes de
la perspectiva. Es probable que, en esta
obra, la introducción de la arquitectura
clásica también responda al propósito
de simbolizar lo permanente, donde no
tiene cabida lo temporal o cambiante. La
construcción de un espacio que, mediante
la perspectiva científica, remite a la
experiencia del espacio real y la búsqueda
de la representación del relieve, otorgando
peso a las figuras, son notas características
de las obras de Masaccio, que tendrán
una enorme trascendencia en la pintura
renacentista.
Andrea Mantegna, un pintor de la escuela
de Padua, perteneciente a la segunda
mitad del Quattrocento, es uno de los que
sobresalió en el uso de la perspectiva y la
representación de las figuras en relieve,
dando continuidad a las investigaciones
que llevó adelante Masaccio en la pintura
y Donatello en los relieves. Este pintor,
trabajó gran parte de su vida, en Mantua,
al servicio de Isabel de Este, esposa de
Francisco II Gonzaga. Entre sus principales
obras, se encuentran los retratos de la
familia Gonzaga. Los más conocidos, son
los que pertenecen a la serie de frescos
de la llamada Cámara de los Esposos, en
los que el pintor dispone las figuras en
una conversación. Muy probablemente,
Mantegna obtuvo el modelo de dicha
disposición, de algún camafeo antiguo;
de los que solían encontrarse en las
colecciones de gemas, frecuentes entre los
mecenas renacentistas16. Como es posible
advertir, hay una notable semejanza entre
la disposición del grupo de retratos de la
familia Gonzaga, con la que se encuentra
en la Gemma Agustea, un camafeo de
ónice de 19 por 23 cm, tallado en el siglo
I después de Cristo, que se conserva en el
Museo de Bellas Artes de Viena.
Cámara de los Esposos, obra de Andrea Mantegna
En la segunda mitad del Quattrocento,
trabajó en Florencia otro pintor, Sandro
Botticelli, que, dentro de una modalidad
de pintura más próxima a la tradición
ornamental del gótico, introdujo en el
Renacimiento, los temas provenientes de
la mitología clásica. Como señala Gombrich,
Botticelli “fue el primero en pintar cuadros
mitológicos tan monumentales, que en
tamaño y empaque competían con el
arte religioso de la época”17. Sin embargo,
para dar una explicación de las pinturas
mitológicas de Botticelli es necesario
hacer una breve referencia a la Academia
Platónica de Florencia.
La Academia Platónica fue fundada
en 1459 por Cosme de Medici. Desde
entonces y por cuarenta años, tuvo
como director a Marcilio Ficino, que se
ocupó de traducir al latín gran parte de
los diálogos de Platón, junto a obras de
Plotino y de otros escritores posteriores,
como Proclo, Porfirio, Yámblico, etc. En
sus doctrinas personales, a dicho caudal
de textos provenientes de la antigüedad
grecorromana, Ficino añadió la mitología
clásica, la astrología y otros elementos
de la tradición medieval e inmediata, que
buscó hacer compatibles con la tradición
cristiana. Así es como, este sabio erudito
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las mitologías conocidas como la Primavera y el
Nacimiento de Venus, que Botticelli pintó para el
joven Lorenzo de Pierfrancesco, primo de Lorenzo
de Medici.
De acuerdo con la interpretación que realiza
Gombrich, en Imágenes simbólicas, la pintura que,
más tarde, Vasari denominó Primavera, es la
ilustración de un relato sobre Venus, escrito por
Apuleyo en el siglo II. Atendiendo a dicho relato, la
figura central, ubicada en una especie de mandorla,
sería Venus. A la izquierda de Venus, aparecen las
horas, esparciendo flores, con Céfiro, que pretende
raptar a la ninfa Flora. A la derecha de Venus, se
sitúan las tres gracias con Mercurio, que señala
hacia el cielo. En la pintura de Botticelli, el relato
de Apuleyo sobre la diosa del amor y su cortejo,
se habría utilizado como una alegoría de la Venus
Humanitas, que, para Ficino, era una evocación del
ideal ciceroniano de refinamiento y cultura19. Una
relación que Gombrich establece en atención a una
carta que, en la época en que fue realizada esta
obra, Ficino envió a Lorenzo de Pierfrancesco, con
la intención de animarlo a emprender el camino de
la virtud.
El Nacimiento de Venus, en la opinión de
Gombrich, debería interpretarse desde el relato
que hace Ficino sobre dicho acontecimiento,
en su comentario al Filebo de Platón. En efecto,
Ficino alude al relato donde Hesíodo refiere que
Saturno castró a Urano y arrojó sus testículos
al mar, de cuya espuma nació Venus. Sobre el
mismo, el filósofo renacentista explica que el mar
sería el alma, vivificada por el espíritu divino. El
alma fecundada, crea la belleza en su interior por
un movimiento ascendente de conversión hacia
las cosas suprainteligibles; y por un movimiento
descendente, en la materia, engendra la belleza
de las cosas sensibles. Como también concluye
Gombrich, este tipo de interpretación cuasi
religiosa del mito de Venus no tuvo cabida en el
siglo siguiente, en la pintura de Tiziano o Rafael,
cuando “la dignidad y la importancia emotiva de
los temas clásicos empezaron a igualar a la de los
asuntos religiosos”20.
Detalle del fresco de la Cámara de los Esposos, obra de Andrea Mantegna
y piadoso, identificó el Eros de Platón con la caritas cristiana e interpretó el mito de
Venus en clave de amor a la sabiduría, a la que debería conducirnos la belleza de la
naturaleza y de la virtud. Como explica Panofsky, la Academia fue “una combinación
de círculo, seminario de investigación y secta”18. En sus reuniones, participaron
Lorenzo de Medici, Ángelo Poliziano, Cristóforo Landino, Pico de la Mirándola y
otros intelectuales florentinos de la época. Su desempeño, que no tuvo vinculación
con las universidades, fue una importante influencia para el arte y la poesía del
siglo XVI.
No se conoce el nombre de ningún hacedor de las artes visuales que haya
participado directamente en las reuniones de la Academia Platónica. Su influencia
en las obras de arte actuó por los mecenas, que, contando con la labor de algún
humanista, acostumbraban solicitar a los artistas un programa iconográfico
determinado, o pedirles la representación del texto de algún poeta. Es el caso de
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Como es posible advertir, la observación y la
reflexión sobre la producción teórica y artística
de la antigüedad clásica, supuso una fuente de
impulso creativo y renovación de las artes. Dicha
actitud, convertida en movimiento por el primer
Renacimiento florentino, permaneció vigente en
Occidente durante cinco siglos. La pervivencia
del clasicismo se produjo a través de distintas
expresiones, que responden a los cambios de
gusto: de una mayor a una menor contención; de la
sujeción a normas preestablecidas, a la preferencia
por la creación fantástica. Todo ello, sin dejar de
inscribirse en el naturalismo originado en la Grecia
antigua y sin abandonar el uso de los órdenes
clásicos.
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De arriba hacia abajo, la Primavera y el Nacimiento de Venus, obras de Botticelli
No es una verdad menor que los
movimientos de vanguardia de fines del
siglo XIX e inicios del XX, liberaron las artes
del rigor academicista, heredado del siglo
de las luces. Sin embargo, cabría tener
presente el vigor creativo que, a lo largo
de los tiempos, supuso la contemplación
detenida de los tesoros aportados por la
civilización clásica, al hombre de todos los
tiempos.
Sobre la autora: Cristina Leonor Arranz
Con un Doctorado en Filosofía por la Universidad de
Navarra, la Arquitecta Arranz ha dedicado su labor a
la docencia de historia del arte y de la Arquitectura.
En el 2008 fue Catedrática invitada para impartir el
curso “Arquitectura de Propósito”, en la Maestría en
Arquitectura de la Facultad de Arquitectura y Diseño
de la Universidad del Istmo.
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Notas
1 Gombrich, E. H. La Historia del Arte, 197-198.
2 Berenson, B. Los pintores italianos del
Renacimiento, Argos, Barcelona, 1954, 44.
3 Gombrich, E. H. La Historia del Arte, pp. 198-201.
4 Semenzato.
5 Jacob Burckhardt, La cultura del Renacimiento en
Italia, Losada, Buenos Aires, 1942, p 165.
6 Tatarkiewicz, W. Historia de la estética. II. La
estética medieval, Akal, Madrid, 2002, p. 296.
7 Cfr. Stein, Edith. “Caminos del conocimiento de
Dios. La teología simbólica del Areopagita y sus
supuestos práctivos”, en Obras selectas, Monte
Carmelo, Burgos, 1998,.p. 468.
8 Cfr. Gombrich, Ernst H. El legado de Apeles.
Estudios sobre el arte del Renacimiento, 3, Alianza,
Madrid, 1982, p. 180.
9 Cfr. Kristeller, P. The Moderm System of the Arts.
Renaissance Thought II, Harper & Row, New York,
1965, p. 178.
10 Schlosser, Julius. La literatura artística, Cátedra,
Madrid, 1976, p. 123.
11 Schlosser, Julius. La literatura artística, Cátedra,
Madrid, 1976, p. 105.
12 Cfr. Schlosser, Julius. La literatura artística, Cátedra,
Madrid, 1976, p. 146-147.
13 John Pope-Hennessy, Akal, Madrid, 1985, pp. 7475
14 Cfr. “Vida de Filippo Brunelleschi” en Vasari, Girogio.
Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores
y escultores de Italia desde Cimabue a nuestros
tiempos. Selección y edición Ana de Ávila, Cátedra,
Madrid, 2013, p. 82.
15 Cfr. Pope-Henessy, John. Donatello, Cantini,
Florencia, 1985, pp. 9-10.
16 Cfr. Pope-Hennessy, John. El retrato en el
Renacimiento, Akal, Madrid, 1985, p. 107.
17 Gombrich, Ernst H. Imágenes simbólicas, Alianza,
Madrid, 1983, p. 64.
18 Panofsky, Erwin. Estudios sobre iconología, Alianza,
Madrid, 2001, p. 189.
19 Gombrich, Ernst H. Imágenes simbólicas, Alianza,
Madrid, 1983, p. 77 y ss.
20 Gombrich, Ernst H. Imágenes simbólicas, Alianza,
Madrid, 1983, p. 102.
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