Musica Theorica
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Este artigo discute o emprego de técnicas e procedimentos da música atonal e dodecafônica pela compositora brasileira Eunice Katunda nas obras Variações sobre um tema popular e Quatro epígrafes, compostas, respectivamente, em 1943 e 1948. Partindo da pergunta feita pela compositora em texto intitulado Atonalismo, dodecafonia e música nacional (1952)[1] “E? possível fazer música atonal, ou dodecafônica, de caráter nacional?”, propõe-se uma reflexão sobre os caminhos percorridos por Eunice Katunda nas duas primeiras fases de sua trajetória composicional – a Fase de Formação (até 1945) e a Fase Música Viva (1946-50)[2], quando foram compostas as obras citadas. Estas obras foram analisadas de acordo com bibliografia condizente com os períodos abordados e comparadas a outras composições estudadas e/ou apresentadas por Eunice Katunda em recitais, tais como os ciclos Guia Prático, Brinquedo de Roda e Cirandas, de Heitor Villa-Lobos, e aos procedimentos usados por Camargo Guarnieri e Hans-Joachim Koellreutter.   [1] Cf. Katunda apud Kater 2020, p. 157. [2] A divisão da obra composicional de Eunice Katunda em 4 fases, intituladas Fase de Formac?a?o, Fase Mu?sica Viva, Fase Nacionalista e Fase Final, é um dos objetivos da pesquisa de Doutorado em andamento de Marisa Milan Candido. Essa divisão já foi apresentada em publicações como Zani; Monteiro da Silva; Candido (2019, p. 117), entre outros.

O presente artigo é vinculado a uma pesquisa recentemente concluída, destinada à análise da obra de Antonio Carlos Jobim (1927–1994) focando nas relações harmônicas. O desenvolvimento metodológico da pesquisa foi efetivado em dois estágios: análise assistida por computador e coleta estatística dos dados analisados. O processo analítico foi estabelecido em um quadro teórico-metodológico (denominado Sistema J), cujas bases são descritas em detalhes em trabalho recente (Almada et al. 2019a). Princípios, procedimentos e conceitos originais, entre os quais qualidade-classe e relação binária, embasaram a produção de dados.  O principal objetivo deste trabalho é apresentar uma das aplicações composicionais advindas do processamento e discussão dos dados obtidos ao longo do mapeamento estatístico. Trata-se de JobKov, um software destinado à composição algorítmica de progressões acordais originais estilisticamente jobinianas por intermédio de processos estocásticos markovianos. O artigo apresenta e descreve os algoritmos criados e a estrutura do programa, discutindo ainda como fatores estatísticos são cruciais para a determinação de estilos composicionais.

In this work, we present a brief review of strategies to code rhythms and point to their possibilities and limitations in a unified way. We start by giving an overview of the representation (coding) of rhythms and their possible uses. Then we present different methods to analyse and generate rhythm patterns, which can be easily read by humans, through a simple algorithm.  We also aim to provide a general evaluation of their pros and cons regarding their use in composition and analysis. In a more abstract approach, we define Rhythm Spaces as sets of strings of symbols endowed with suitable operations and algorithms that can be applied to generate new and complex rhythm patterns. Our approach can be useful in order to provide suitable code/notation to be used in computer applications in rhythm analysis and composition.

Este artigo traz uma abordagem analítica da Missa Breve sobre Ritmos Populares Brasileiros , de Aylton Escobar, escrita em 1964, para coro a capella, apresentada nos Estados Unidos, em 1968, no IV Festival Interamericano de Música. O texto apresenta, como procedimento metodológico, um enfoque bibliográfico-analítico, por meio do qual se buscou a compreensão do diálogo entre a música sacro-litúrgica e a tradição popular e folclórica brasileira, que resultou em um hibridismo revelado em diversas frentes. A bibliografia que fundamenta este trabalho tem como principais autores: Bent (2002), Caplin (1998), Carvalho (2000), Cook (1987), De Bonis (2018), Ruwet (1987) e Schoenberg (2008), na área da análise musical; Alvarenga (1960), Andrade (1989), Ayala (1988), Lima (2010), Machado (2012), Marcondes (1977), Neves (2008) e Sautchuc (2009), na contextualização biográfica e pesquisa sobre a música brasileira; e, por fim, dados oriundos de uma entrevista realizada com o próprio compositor, no dia 26 de novembro de 2019. Como considerações finais, o texto aponta os processos de hibridação encontrados na obra, com destaque para a maneira com a qual o compositor concebeu uma missa de considerável importância para o repertório coral brasileiro.

É muito provável que Adorno nunca escutou Mingus, e que Mingus nunca leu Adorno. Este se interessou, antes, pelo jazz como fenômeno de massa, enquanto o primeiro buscava maneiras para sair dele. As críticas de Adorno ao jazz são bem conhecidas. Os principais textos nos quais elas se expressam compreendem um intervalo de 25 anos. Dentre eles está “Moda intemporal: sobre o jazz” (1953), publicado num momento em que a trajetória de Charles Mingus dá uma guinada em direção a criação de novas formas de atuação. Aproveito essa convergência à distância para aproximá-los e, com as chispas que a fricção de suas ideias produzem, tento iluminar os sinais dos tempos.

Giovanni Gabrieli’s posthumously published motets In ecclesiis and Benedictus es, Dominus ( Sacrae symphoniae ... liber secundus , 1615) show obvious characteristics of self-quotation and reworking. An analysis of the works focuses on a characteristic ascending-fifths sequence which has been called “Monte Romanesca” by Robert Gjerdingen who introduced the term for the eighteenth century. In this study, the term is expanded to include music from the end of the sixteenth century for the first time. Further analysis concentrates on motivic and modal connections as well as special harmonic features such as chromatic-third relationships. Additionally, several other works of the composer are considered, showing that Gabrieli built on highly sophisticated harmonic, motivic, and formal compositional strategies in his large-scale oeuvre. Also, apparent processes of imitation in the Missa sine nomine of Gabrieli’s pupil Alessandro Tadei suggest that the younger composer used either or both of his teacher's motets as a model. A comparative analysis of all three works provides further insight into compositional methods at the “dawn of the Baroque” era and sheds new light on what must have been a special teacher-student relationship.

Recognized as a critic, composer, teacher, conductor and impresario, Pierre Boulez left a huge footprint that defined the trajectory of European concert music during the second half of the twentieth century. With the composition of Le Marteau sans maître (1953–1955) and several subsequent works from the mid-1950s and early 1960s, he established himself as one of the most important composers in his artistic circle. His compositional approach changed radically during the course of this time period.  Although many of his pitch organization techniques were only unraveled several decades later, innovations with respect to other parameters of the musical language had a clear and immediate impact. Keeping this in mind, with this intentionally provocative title, I would like to discuss how Latin America played a decisive role in the career of this enormous figure of twentieth-century music.  After presenting a brief summary of his professional trajectory, I will discuss the three tours he made of Latin America at the beginning of the 1950s, which, considered within the frame of his interest in ethnomusicology, were crucial to his career. They gave him the space and inspiration for crucial innovations in his development as a composer. By reference to Boulez’s writings, and based on a critical reading of the works that reflect the influence of Latin American music, I will discuss how some of the most important changes in his musical language, like his emphasis on elements of contrast and resonance, were inspired by his experiences on this tour, as much, or more, than by more recognized influences, like Japanese and African music. This has some considerable implications, given that Boulez’s new musical language had tremendous impact on the development of the European avant-garde in the second half of the twentieth century. Haciendo referencia a los escritos del compositor y tomando como base una lectura crítica de las obras que reflejan la influencia que recibió de la música latinoamericana, discutiré cómo algunos de los cambios más importantes en su lenguaje musical fueron inspirados por las experiencias de Boulez en sus giras en esta región, tanto o más que por influencias más reconocidas, como la música japonesa y la música africana.  Esto tiene implicaciones importantes, dado a que el nuevo lenguaje musical de Boulez tuvo un impacto considerable en el desarrollo de la vanguardia europea después de la segunda guerra mundial.

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Schubert’s late instrumental music evokes a distinctive time-sense which not only expands the expressive potential of stylistic norms, but also invites deeper reflections on the relationship between the self and the world through his multilayered construction of temporal consciousness. The sense of now, towards which past and future gravitate, is particularly salient. In this article, I examine the formal, harmonic, topical processes through which Schubert constructs a vivid sense of the now in two movements from his late period, D. 956/ii and D. 959/ii, through the lens of phenomenology, drawing on conceptions of time as formulated by Husserl and Merleau-Ponty. I aim to bridge two fields together: first, the general theory of musical time, as has been delineated by Kramer, Barry and Clifton, which examines concepts such as linearity/nonlinearity, silence and stasis; and second, the scholarship on late Schubert, with key conceptual tools such as landscape, late style, lyricism, songfulness and interiority, formulated in the works of Adorno, Burnham, Mak and Taylor. I will also provide the cultural context of musical time in the early-nineteenth century, focusing on the wider paradigm shift from form-as-architecture to form-as-process in music. My analysis reflects a phenomenological orientation within a hermeneutic, narrative mode. I highlight the often disorienting subjective experience of time as evoked by moments that deflect from norms and expectations, specifically the tension between the transient nature of music and the sense of permanence evoked through Schubert’s cyclic, paratactic procedures. I then show how Schubert’s construal of temporal consciousness acquires a historiographical import and resonates with the broader intellectual world by framing it in terms of Schlegel’s three stages of history. I conclude by promoting phenomenological approaches in analysing Schubert’s works and nineteenth-century music at large.

Mikhail Bakhtin, no início do século XX, apropria-se de terminologias musicais para elaborar uma visão analítica dos romances do escritor russo Fiodor Dostoiévski. Dessa perspectiva ele cunha o termo romance polifônico. Este artigo procura trazer para o estudo musical as reflexões de Bakhtin sobre a noção de polifonia. Esse novo olhar sobre a polifonia é denominado aqui como [meta]polifonia. Características dessa [meta]polifonia são observadas na obra eletroacústica Cântico das crianças corrompidas.