Pintura y cultura barroca

en la Nueva Granada.
Los discursos sobre el cuerpo
JA I M E HU M BERTO BORJA
Bogotá: Alcaldía Mayor de Bogotá; Fundación Gilberto Alzate Avendaño
2012 | isbn: 9588471567, 9789588471563  |  324 pp.

Por Magda Paol a Martínez Mill án

Universidad Distrital Francisco José de Caldas, Colombia

J aime Borja es historiador de la Universidad Javeriana. En su recorrido aca-

démico ha ahondado en la retórica medieval y colonial mediante el análisis
de discursos escritos y visuales. Producto de ello es su investigación Pintura
y cultura barroca en la Nueva Granada. Los discursos sobre el cuerpo, donde
revisa la producción de pintura en el Nuevo Reino de Granada en los siglos
xvii y xviii. Lo que hace enriquecedor su trabajo es la mirada histórica sobre
un fenómeno artístico marcado por aspectos religiosos, políticos, sociales y
culturales.
A lo largo del texto, Borja busca, teniendo como eje la retórica del
cuerpo en la pintura colonial, responder a la pregunta de cómo se asimilaron
los temas y la cultura barroca en el Nuevo Reino de Granada en los siglos
xvii y xviii, y a la de cómo fue posible crear discursos que legitimaran esta
cultura para lograr la edificación de un cuerpo social a partir del control de
cuerpos individuales (17). En el primer capítulo reconstruye el contexto de las
disposiciones tridentinas que influyeron en España después del siglo xvi, y
cómo estas fueron ejercidas en las colonias americanas y particularmente en la
Nueva Granada en los siguientes siglos. Ese ejercicio incidió en la reglamen-
tación de la pintura por medio de los tratados y las formas como se creó la
retórica visual. Respecto a la cultura barroca, el autor sustenta la idea de que
en esta región había una “emisión de discursos para la construcción de la

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imagen del cuerpo ‘individual’ con la cual se quería construir idealmente el
cuerpo social” (17). Borja respalda esta idea con el análisis de los elementos
políticos, religiosos y culturales que se adoptaron en la colonia neogranadina,
cuyas autoridades buscaron obtener el control sobre los sujetos coloniales con
ayuda de los discursos religiosos.
Esta interpretación le da un nuevo valor al barroco: pasa de ser visto como
un arte que operaba en función de la mística religiosa, a ser percibido como un
elemento que, acorde con la situación religiosa y política de la España de la
Contrarreforma, consolidó la cultura sacralizada de la Colonia. Así, el autor
establece la diferencia entre el barroco como estilo y el barroco como cultura.
El énfasis de este análisis se encuentra en la imagen, dado que la pintura era el
elemento que reforzaba la configuración de una cultura que enseñaba las formas
de vida dentro de la moral católica señalando los vicios por repudiar y las virtu-
des por aprender. Para lograrlo, Borja acude al trabajo de Hans Belting, que le
permite tener claridad en la idea de la imagen como una construcción cultural.
Esto es lo que se denomina la política de la imagen, entendida como
el lugar de encuentro de todas las categorías mencionadas anteriormente. Se
trataba de un tipo de representación que “debía contener verdades dogmáticas
además de suscitar sentimientos de adoración a Dios y, en consecuencia, incitar
a la práctica de la piedad” (30). La política de la imagen posibilita comprender
la complejidad de la relación entre imagen y sociedad tal y como se dio en el
barroco neogranadino, en donde la imagen, de acuerdo con las disposiciones
establecidas por la Iglesia católica, generaba un dominio del cuerpo de cada
individuo y, por extensión, de la sociedad, a través de representaciones que
enseñaban las formas adecuadas de vivir (las virtudes).
En el segundo capítulo, “La producción y recepción de las imágenes”, se
señalan los temas más recurrentes en la pintura neogranadina, entre los cuales
destacaba principalmente el religioso, y se explica la forma como esa pintura,
cumpliendo con el propósito tridentino de control social, era exhibida y reci-
bida por los espectadores. Lo anterior se evidencia, por ejemplo, en las tablas
estadísticas que muestran los temas predominantes en las obras del periodo. El
capítulo indica temas recurrentes, pero se queda en un conteo que no permite
evidenciar la lógica de la cultura barroca, salvo cuando el autor explica que
“el volumen de pinturas refleja las devociones coloniales” (77).
Además, un problema que se presenta en este y en otros capítulos tiene
que ver con las imágenes reproducidas, que no son fotografías de las obras sino
que en muchos casos han sido tomadas de otros textos y, en ocasiones, sin

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indicar la ubicación real. Asimismo, las imágenes son de mala calidad, lo que
no permite observar características importantes para comprender los problemas
planteados, como el de la luz, el color o las dimensiones de las pinturas. En
cuanto al campo del arte, las lógicas de la manufactura eran muy variadas,
implicaban dificultades que no son tratadas en el texto y que respondían a
la realidad del contexto de producción, como la del acceso a los pigmentos,
al papel, a los lienzos y a los demás materiales necesarios para la elaboración
de las obras. El taller es, entre los medios de producción de la época, el más
conocido, y a pesar de que el tema es enunciado en el primer capítulo, se trata
apenas de una idea general que, en el caso de un texto que habla de las formas
de producción de pintura en la Colonia, hace falta detallar.
En el siguiente capítulo, “Los santos y las devociones del cuerpo barro-
co”, se amplía la explicación de la recurrencia en la pintura de algunos santos
que se constituyeron como ejemplares para ser exhibidos ante la población
neogranadina, se especifica además qué era lo que comunicaban estas imágenes
y cuál era su función en las prácticas religiosas, sociales y culturales. En este
sentido, se nota el afán del autor por explicar detalladamente cada una de sus
categorías de análisis en aras de fortalecer el argumento de la representación
del cuerpo y la búsqueda del control del mismo, tanto en lo subjetivo como
en lo social; pero esta tarea es muy minuciosa y el texto parece justificar repe-
tidamente la misma idea a la luz de pinturas diferentes. Por ello, en ocasiones
da la impresión de que se trata más de un inventario de las obras destacadas
que de un trabajo particular sobre ellas.
Más adelante, en “El gran teatro. La carne, los sentidos y el desengaño”,
Borja explica cómo, en el contexto de la Nueva Granada, se consideraba que
los sentidos eran una vía para engañar a las personas. Con todo, a pesar de
que la pintura se recibía a través de los ojos, lo que buscaba era desengañar a
los devotos.
Finalmente, en la quinta parte, Borja hace un análisis del sentido comu-
nicativo de los gestos representados en las pinturas coloniales neogranadinas,
entre los que se incluyen el rostro, las manos y la postura del cuerpo.
Las categorías de análisis utilizadas a lo largo del texto y enmarcadas
en la retórica visual son el cuerpo, el sujeto colonial, la cultura barroca como
cultura de la imagen, la recepción de la pintura religiosa y la política de la
imagen. En esta medida, el estudio no se limita a comprender la complejidad
del entramado social y político de la Colonia. Para Borja es más importante
entender la cultura barroca en ese entramado, el funcionamiento de la imagen

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y su incidencia en el cuerpo individual y social. El cuerpo es entendido como
individual, social y místico, y se convierte en cuerpo sacralizado. Así, el autor
sustenta que las prácticas religiosas, siguiendo los lineamientos del Concilio de
Trento y la Contrarreforma, buscaban el control de los cuerpos individuales
para lograr el control social de las colonias en América. Por ello esta categoría
tiene tanta importancia en la pintura de la época, ya que a través de la repre-
sentación del cuerpo se creaban modelos de vida que debían ser imitados por
los devotos. Para llegar a esta conclusión, el autor se basa en los antecedentes
inmediatos a la Contrarreforma y en las prácticas retóricas de la Edad Media,
que no desaparecen intempestivamente sino que se van adecuando a nuevas
situaciones; en este caso, se apelaba a la retórica visual para reforzar el ideal
del cuerpo en el contexto contrarreformista.
Aquí Borja plantea el problema de ver al devoto como sujeto colonial,
entendido como el individuo que hace parte de una totalidad denominada co-
lonia española en América, a la cual debe tributo en lo político y en lo social.
Ese sujeto era formado y moldeado por las prácticas religiosas propias de la
cultura barroca en el Nuevo Reino de Granada. Esta última no es una idea
expuesta por el autor, sino la conclusión a la cual se puede llegar después de
la lectura. A partir de ella es posible decir que el sujeto colonial era tanto el
colonizador como el colonizado, en la medida que, sin importar la clase social
o el origen —peninsular, mestizo, esclavo, criollo o indio—, la retórica de la
imagen buscaba movilizar los sentimientos de todas las personas para lograr
su cometido. El problema es que estas son suposiciones y nunca se establece
el significado que tiene para el autor la categoría de sujeto colonial. El hilo
conductor a lo largo del texto es la fuerza de la retórica contrarreformista de
España que llegó al Nuevo Reino de Granada.
Desde este punto de vista, la apuesta de Borja es encontrarle un sentido
político, social y religioso a la producción de las obras que estudia para expli-
car la existencia de una cultura barroca. Para eso, su esfuerzo se concentra en
el análisis de categorías como la de la función de la imagen, la de la retórica
escrita y visual o la del ethos barroco1. Todas ellas se interrelacionan en torno
al problema de la representación del cuerpo en la pintura en un contexto de

1 Estas categorías se plantean en el primer capítulo y están presentes, de manera implícita o ex-
plícita, a lo largo de todo el texto, pues es sobre la base de ellas que resulta posible comprender la
idea de una política de la imagen avalada por autoridades tanto eclesiásticas como monárquicas
que buscaban la consolidación de los valores católicos en las nuevas colonias (30).

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producción y circulación donde se le dio a la imagen un sentido tanto po-

lítico como religioso. Pero lo anterior resulta difuso en el texto debido a la
delimitación espacio-temporal, pues el periodo estudiado es extenso (dos siglos
aproximadamente) y es difícil establecer los confines del territorio de Nueva
Granada. A pesar de los logros, la gran amplitud del trabajo hace que en su
lectura se encuentren repeticiones constantes de ciertos temas, lo que significa
volver muchas veces a puntos de análisis que ya habían sido superados.
La apuesta de Borja es poner a dialogar a la historia social con la historia
del arte: además de explicar el contexto social, evidencia la “manera como se
asimilaron los temas barrocos” en un proceso que condujo, “fundamentalmente,
hacia la consolidación de una cultura barroca en los siglos xvii y primera mitad
del xviii” (14). La forma como aborda los temas y las fuentes para explicar el
barroco brinda una visión diferente y una valoración nueva de la producción
pictórica en el Nuevo Reino de Granada durante los siglos xvii y xviii. Esto
permite desentrañar los mecanismos de producción disponibles en la época a
partir del análisis de los argumentos que planteaban tanto la Corona española
como la religión católica y que hicieron posible la existencia de este movimiento
artístico en nuestro país.

A propósito de la reseña
de Magda Paola Martínez Millán

Jaime Humberto Borja Gómez

Universidad de los Andes, Colombia

L a reseña de Magda Paola Martínez se acerca de manera pertinente a los

aspectos centrales planteados en mi libro. A grandes rasgos, elabora una
síntesis de los principales problemas y, a partir de estos, hace algunos
comentarios, propone inquietudes válidas y señala algunos vacíos en el texto.
Agradezco su lectura y quisiera mencionar algunos aspectos que podrían aclarar
sus comentarios.
En primer lugar me gustaría aludir a la metodología que estructuró el
desarrollo de la investigación y que no está debidamente explicitada en el libro,
como se hace notar en la reseña, salvo en una breve nota al pie. La fuente

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central fue la pintura colonial, de cuyas representaciones sobre el cuerpo se
haría un análisis discursivo. Para llevar a cabo ese análisis, se recogieron y se
sistematizaron en una base de datos 3.568 pinturas neogranadinas, que no cons-
tituyen una selección arbitraria ni son las más destacadas, sino que corresponden
prácticamente al conjunto de toda la pintura conocida hasta el momento a tra-
vés de inventarios, catálogos y recorridos personales. Esta labor, que demandó
varios años, se contrastó con la producción de imágenes narradas, es decir, con
los diversos géneros de la literatura escrita en la Nueva Granada que hacían
mención de los mismos problemas visuales (poesía heroica, vidas ejemplares,
literatura ejemplarizante, etc.). Por esta razón, en el libro se trata de establecer
una correlación discursiva entre imagen visual e imagen narrada.
Esa recolección y sistematización de pinturas, tratadas como una muestra
representativa de la cultura colonial, dio como resultado no solo las tablas del
capítulo 2, sino también el reconocimiento de los principales, o más obsesivos,
temas coloniales (capítulo 4); el esbozo del mapa de los gestos más caracterís-
ticos (capítulo 5); y el énfasis sobre el tipo de santos a través de los cuales la
sociedad colonial eligió representar las tensiones de su experiencia del cuerpo
(capítulo 3), entre otros aspectos.
Debido al trabajo con fuentes visuales como estas, cuya producción no se
puede datar temporalmente ni ubicar geográfica≠mente con precisión, se impuso
la necesidad de establecer cortes cronológicos y geográficos extensos. Analizar la
cultura visual en un espacio-tiempo amplio, como lo es la Nueva Granada en
los siglos xvii y xviii, no supuso enfrentarse a un entramado político y reli-
gioso difuso, porque el objetivo de esta investigación no eran las prácticas, que
implican delimitaciones más precisas, sino la producción de discursos institu-
cionales. Estos se caracterizan, precisamente, por una homogeneidad narrativa
que no responde obligatoriamente a las particularidades regionales o temporales.
Como lo dice Foucault, “la producción del discurso está a la vez controlada,
seleccionada y redistribuida por un cierto número de procedimientos que tie-
nen por función conjurar los poderes y peligros, dominar el acontecimiento
aleatorio y esquivar su pesada y temible materialidad” (12). De esta manera, el
propósito de esta investigación fue hallar lo particular del discurso del cuerpo
en la Nueva Granada, dentro de la generalidad del discurso barroco, es decir,
la adaptación de los temas y problemas visuales del barroco a los principios
y valores neogranadinos. Emplear la historia cultural, que usualmente trabaja
sobre problemas de mediana y larga duración, fue esencial para este propósito.

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En relación con este problema, quisiera aludir a un último aspecto que

menciona Martínez: lo que respecta al sujeto colonial. Como el objeto es el
análisis del discurso del cuerpo, este no se detiene en particularizar a qué tipo
de sujeto se refiere. El discurso visual colonial se dirigía a una generalidad que
no tenía en cuenta ni condiciones de casta ni procedencia, es decir, no había
discursos particulares para mestizos, peninsulares o criollos. Quizá la única
excepción fueran los indígenas, para quienes existían unos planes iconográficos
distintos en función de su cristianización, como se menciona en el texto. A
los demás, y como se afirma en la conclusión, el discurso pretendía enseñarles
una única verdad con el fin de homologar idealmente comportamientos, esto
es, hacer cuerpo social. Este es esencialmente el carácter de una sociedad que
privilegia la retórica, como la colonial: moralizar antes que conocer.

B i b l i o g r a f í a
Foucault, Michael. El orden del discurso. Buenos Aires: Tusquets, 1992. Impreso.

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