 3Historia

o 3.1Renacimiento moderno

 4Referencias

 5Enlaces externos

Familia de flautas dulces[editar]

Familia de flautas dulces en una ilustración del Syntagma Musicum (1614-19) de Michael Praetorius.

Flautas dulces barrocas: Tenor, Alto, Soprano y Sopranino.

Ilustración de la obra de 1529 Musica instrumentalis deudsch (Música instrumental alemana), de Martin

Agricola.
A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando
familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos
(consorts, en inglés) también comunes en los instrumentos de cuerda (violín, viola,
violonchelo y contrabajo). Por este motivo existen desde flautas dulces de menos
de 15 centímetros de longitud hasta modelos de más de dos metros y medio. Las
más difundidas y conocidas, sin embargo, son la flauta dulce soprano, instrumento
común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce contralto, también
llamada a veces flauta dulce alto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y
media, y en general son instrumentos afinados en Do o en Fa:

Tesitura Afinación Extensión

Garkleine do 6

Sopranino fa 5

Soprano do 5

Contralto o Alto fa 3
Tenor do 3

Bajo fa 2

Gran Bajo do 2

Contrabajo fa 1

Subcontrabajo do 1

Subsubcontrabajo fa -1

Otros miembros de la familia son las llamadas

 Voice Flute: tenor en re con la misma tonalidad básica que el traverso.

 Fourth Flute y Sixth Flute: las utilizadas, p. ej., en los conciertos de John Baston.

Técnica del instrumento[editar]

La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más
cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión
del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.
Emisión del sonido[editar]

La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura

del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el
aire directamente contra un borde afilado o bisel (C), que transmite su vibración de
aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente
sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones
notables en la calidad y timbre del instrumento.
Articulación del sonido[editar]
La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la
expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a
prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado «toque
de lengua», cuyas variantes producen distintos modos. El «toque de lengua» se
logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del
intérprete), logrando por ejemplo:

 estilo normal: tu-tu-tu
 articulación legato: du-du-du
 articulación staccato: t-t-t
 articulación non legato: dad-dad-dad
 articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku

El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades

expresivas importantes.

Opera Intitolata Fontegara... de Silvestro Ganassi dal Fontego.

Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editado

en Venecia en 1535 mencionan un tipo adicional de articulación con el nombre de
"Lingua riversa" en el sentido invertida o "al revés". Gannassi propone las sílabas
le-re con variantes en todas la vocales. Un tipo de articulación similar es citado en
algunos tratados posteriores, por ejemplo Joachim Quantz con la sílaba did'll. El
efecto que se busca es el de crear una suerte de superposición de las notas
independientemente de la dureza del ataque inicial.
La flexibilidad de esta técnica con la cual se pueden crear notas que van desde un
casi legato a un suave stacatto, la llevó a ser considerada uno de los tipos
principales si no el principal para articular pasajes rápidos con elegancia (Dalla
Casa). En las escuelas de flauta dulce modernas, en su mayoría de vertiente
anglosajona, esta técnica es estudiada partiendo del tratado de Quantz (did'll). No
existe un criterio unívoco sobre cómo abordar esta articulación partiendo del le-re
de Gannassi. Sin embargo, observando la tendencia a la guturalidad que existe
aún hoy en la pronunciación de la r en el norte de Italia, se podría pensar que
una r entendida como una g suave unida a una compresión de los fonemas,
consecuencia natural de la velocidad de los pasajes, podría conducir a una
especie de legl- legl en forma natural, creándose de este modo un efecto
prácticamente igual al did'll ya citado.

Historia[editar]
En el siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción de los
instrumentos, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce". Las
innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media
cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores.
Durante el siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo
referenciado simplemente como «flauta» (flauto en italiano), mientras que la flauta
travesera es llamada «traverso».
Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandemburgués en
Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito
para flageolets.
El compositor Johann Sebastian Bach empleó flautas dulces en la instrumentación de
diversos conciertos y cantatas.

Realmente, Bach escribió esta obra para dos flauti d'echo, o flautas de eco, un
ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas
dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa
para tocar forte, la otra piano.
Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para flautino, un instrumento que se
pensaba correspondía al píccolo. Actualmente se acepta que realmente, se
trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo en uno de los manuscritos de
estos conciertos se puede leer la indicación strumenti alla quarta bassa, hecho
que ha llevado a formular la hipótesis que en realidad el instrumento pensado por
Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano. Esta hipótesis está
avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el barroco
tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano
en re o en do.
Renacimiento moderno[editar]

El flautista mexicano Horacio Franco, destacado en la interpretación de este instrumento.

La flauta dulce renació a principios del siglo XX de la mano de seguidores de

la música antigua. Los intérpretes modernos de música renacentista y barroca
comenzaron a utilizar los instrumentos originales de aquellas épocas. Sin
embargo, la flauta dulce solamente era usada con ese propósito y no era
considerada como un instrumento musical histórico y de museo. A comienzos del
siglo XX era tan extraña que Stravinsky la confundió con un clarinete [cita  requerida].
La incorporación de la flauta dulce en el repertorio musical moderno se debe
a Arnold Dolmetsch en el Reino Unido y a una serie de iniciativas previas en el
continente europeo, tanto de intérpretes como de eruditos. Por ejemplo, el
Conservatorio de Bruselas (donde Dolmetsch cursó estudios), la Bogenhauser
Künstlerkapelle (Banda de artistas de Bogenhausen) formada en Alemania en
1890, que interpretaba música de varias épocas y los trabajos de Willibald Gurlitt,
Werner Danckerts y Gustav Scheck. El renacimiento de la flauta dulce no puede
ser atribuido a Dolmetsch solamente, ni a ninguna persona en singular, puesto que
fue el resultado de varios esfuerzos, en parte combinados y en parte
independientes entre sí.
La difusión masiva de la flauta dulce comenzó a mediados del siglo XX, cuando
las empresas fabricantes consiguieron construir flautas dulces en bakelita y otros
derivados plásticos. Esto tuvo varias consecuencias. En primer lugar, se tornó
posible la producción de flautas a escala industrial (hasta entonces los
instrumentos musicales seguían siendo de producción artesanal). De este modo,
la flauta se convirtió en un producto barato y masivo. En segundo lugar, el plástico
soporta mejor el caudal de aire, especialmente en el caso de los principiantes que
no saben regular el soplido y producen sonidos estridentes, y además permitió
reemplazar la digitación barroca (de nivel profesional) por la digitación alemana.
En otras palabras, la flauta de plástico es más fácil de tocar que las demás y en
manos inexpertas sus sonidos son menos estridentes.
La nueva flauta dulce de plástico ha sido incorporada desde entonces a la
instrucción musical en las escuelas de todo el mundo debido a las ventajas
mencionadas: bajo costo y facilidad de uso. A partir de entonces, la flauta dulce ha
conseguido, además de una difusión masiva, una reputación negativa de
"instrumento para niños". Sin embargo, pese a sus facilidades, el aprendizaje
correcto de este instrumento exige práctica y estudio, al igual que cualquier otro.
Una figura influyente en el renacimiento de la flauta dulce como instrumento serio
de concierto fue David Munrow, cuyo doble álbum El Arte de la Flauta
dulce (1975), permanece como una importante antología de la música para el
instrumento a través de las diferentes épocas. Sin embargo, en modo casi
unánime se indica a Frans Brüggen como el personaje más influyente en el
renacimiento de la flauta dulce en los escenarios musicales alrededor del mundo.
Sus numerosos discos y su actividad pedagógica en Ámsterdam contribuyeron en
modo indeleble a formar la así llamada "escuela holandesa" de la flauta, de la cual
hoy en día prácticamente todas las escuelas profesionales de flauta dulce
descienden directa o indirectamente.
Compositores modernos de gran estatura han escrito obras para la flauta dulce,
incluyendo a Paul Hindemith, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen, John
Tavener, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, Robin
Milford, Gordon Jacob y Miguel Oblitas Bustamante. También es ocasionalmente
utilizada en música popular, incluyendo grupos como los Beatles, los Rolling
Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix.

Referencias[editar]
Enlaces externos[editar]
  Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre flautas de pico.

 Como funciona la flauta dulce

 Notas de Flauta Dulce y Canciones

 (en inglés)

 Recorder Homepage (en inglés)

 Flauta de pico,   emisión del 5 de junio del 2009 de Música antigua, programa
de Radio Clásica.

 Flauta de pico:  emisión del 19 de enero del 2016 de Música antigua.

edia

851

Recorders (musical instrument)

ciclopedias

Categorías: 
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. El pentagrama y las notas musicales

Qué es el Solfeo
Solfeo es la práctica de entonar una melodía de acuerdo a las especificaciones expresadas en una partitura, par
este curso. La escritura musical moderna que conocemos hoy en día tuvo sus orígenes por allá por el siglo X y

Cabe resaltar la importancia del sistema de notación musical debido a que es el único sistema existente que pu
oído y aprender a diferenciar los signos musicales.

Qué es el pentagrama
El pentagrama (del griego: penta: cinco, grama: escribir) es el lugar donde se escriben las notas y todos los dem
son horizontales, rectas y equidistantes.

Notas musicales
Las notas musicales son los símbolos y nombres que reciben los sonidos de la escala diatónica, que son 7:

Do, Re, Mi, Fa, Sol, La Si

El origen de estos nombres deriva del latín, de un acróstico del himno a San Juan Bautista, y fue principalmen
que era considerada una nota “diabólica”. Las notas en el piano se ubican de la siguiente manera:
Claves
La función de la clave es asociar las notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama. Una clave asoc
los espacios y líneas adyacentes.

Existen tres símbolos distintos para representar a las distintas claves, la clave de sol, la clave de fa y la clave d

La clave de Sol, en esta posición indica que Sol se ubica en la segunda línea del pentagrama. Recuerda que dijimos que

La clave de Fa, en esta posición indica de Fa se ubica en la cuarta línea (en medio de los dos puntos.
La clave de Do, en esta posición indica que Do se ubica en la tercera línea.

Para efectos de nuestro estudio aprenderemos a localizar las notas en el pentagrama utilizando las claves de So

En el dibujo vemos las notas ordenadas de Do a Si en clave de Sol.

Nota que Do, está ubicada sobre una línea adicional del pentagrama. A veces las 5 líneas y 4 espacios del pent

A continuación veremos una clave de Sol un poco más completa

Nótese que Sol se ubica en segunda línea porque así lo indica la clave, también vemos como las notas se vuelv

Así se vería la clave de Fa, que normalmente usamos para las notas más graves.
Como puedes darte cuenta, Fa se ubica en la cuarta línea.