El Barroco

El barroco
1. 1. El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del siglo XVII enroma, Italia.
Generalmente, se le sitúa entre el Renacimiento y el Neoclásico. A pesar de haber sido, en algún
momento, un término peyorativo, el estilo Barroco hoy se admira por haber producido grandes obras
en pintura, escultura, arquitectura, música y literatura, Y que abarca desde el año 1600hasta el
año1750 aproximadamente.
2. 2. • El término Barroco fue creado por críticos posteriores a la época. Proviene del portugués
barroco, que significa “perla de forma irregular” o “joya falsa”. Por mucho tiempo, el término se usó
de manera negativa, para criticar el arte de la época. • Al periodo barroco se le llama así porque
coincide con el estilo del mismo nombre que se generalizó principalmente en la arquitectura y en la
escultura del siglo XVII, También Se le llamó así porque identifica al mismo tiempo una época, un
arte y un estilo.
3. 3. • A lo largo de los siglos XVII y XVIII, las naciones europeas mantienen conflictos políticos y
religiosos y, a pesar de la riqueza surgida del comercio colonial, sufren una grave crisis económica
que conlleva epidemias y hambre.• Se construyen teatros salas de conciertos y palacios, como el de
la Zarzuela de Madrid.
Como Barroco se entiende el estilo arquitectónico realizado en los siglos XVII y parte del XVIII (1600 a
1750), caracterizado por la profusión de adornos en contraposición con el estilo sobrio del Renacimiento
clásico. Por extensión se aplica también el término Barroco a las obras de pintura, escultura, literatura y
música realizadas en ese mismo período de tiempo. La escultura y la pintura del Barroco se caracterizan
porque el movimiento de las figuras es excesivo. En la literatura es toda creación en donde resalten la pompa
y el ornato, la música se caracteriza por la aparición de géneros como la cantata, la sonata, el concierto y el
oratorio.
El arte del Barroco es una prolongación del Renacimiento. Los artistas barrocos utilizan los mismos
elementos plásticos con los que habló el Renacimiento, pero los enfatizan y combinan hasta llegar a otra
literatura, a otra música, a otra plástica, a otra arquitectura, es decir, hablan en Barroco con las letras del
Renacimiento.
Barroco y Clasicismo francés

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Barroco y Clasicismo francés son denominaciones historiográficas 1 que designan los estilos
artísticos desarrollados por el arte francés durante el siglo XVII. Con la denominación clasicismo francés no
solo se designa a la versión local de la pintura clasicista (que, como alternativa a la pintura barroca, se había
originado en Italia y también tuvo sus manifestaciones en los Países Bajos del sur -escuela de Lieja-); sino
que también se utiliza para todas las manifestaciones del arte clasicista y barroco en la Francia de esa época,
que fueron muy importantes en las demás artes (arquitectura, escultura, música y artes decorativas) y
especialmente en la literatura francesa, cuando alcanzó tal nivel que se denomina Grand
Siècle (Corneille, Racine, Moliére, Perrault, Boileau, La Fontaine).2 El Grand Siècle o "Gran siglo" designa,
pues, al siglo XVII en Francia y constituye uno de los periodos más ricos de la historia de este país. Usada
esta denominación en principio para delimitar el reinado de Luis XIV (1643-1715), la historiografía lo aplica
hoy a un periodo más largo que engloba a todo el siglo XVII y corte de Enrique IV -quien vio el
restablecimiento de la autoridad real y el fin de las guerras de religión- hasta la muerte de Luis XIV, es decir,
de 1589 a 1715. Durante este periodo marcado por el absolutismo monárquico, el reino de Francia domina o,
en su defecto, se destaca perdurablemente en Europa gracias a su expansión militar y por su influencia
cultural cada vez más dominante. En la segunda mitad del siglo, las cortes de Europa toman como modelo la
del «Rey Sol» y sus atributos. La lengua, el arte, la moda y la literatura francesas se difunden a través de
Europa, influencia que marcará igualmente a todo el siglo XVIII.
Son también muy utilizadas las denominaciones temporales "estilo Luis XIII" (reinado de Luis XIII, 1610-
1643, durante el que se desarrolló una fase de las obras del Palacio del Louvre) y "estilo Luis XIV" (reinado
de Luis XIV, 1643-1715, durante el que se desarrolló el ambicioso programa artístico en torno al Palacio de
Versalles).
El ideal clásico, entendido como claridad, mesura y obediencia a las normas, tanto en las letras como en las
artes, triunfó en Francia a partir de 1660, como expresión estética de la glorificación de la monarquía
absoluta y sus ideales de orden y unidad, coincidente con el gusto artístico que apoya la burguesía, clase
emergente.3
No sólo es temeridad, sino también locura, querer dudar del mérito [de los clásicos greco-romanos]... si no
veis la belleza... no hay que concluir que no la poseen, sino que sois ciegos y no tenéis gusto. La mayoría de
los hombres no se equivoca a la larga acerca de las obras del espíritu... es algo sin discusión, ya que veinte
siglos han convenido en ello; se trata de saber en qué consiste ese algo maravilloso que ha hecho que sean
admirados durante tantos siglos.
El conceptismo es una corriente literaria que profundiza en el sentido o concepto de las palabras. Se
puede definir como una agudeza mental que da preferencia a las ideas con el fin de impresionar la
inteligencia o el deseo de decir mucho con pocas palabras “la sutileza en el pensar y el decir”. Para
conseguir este objetivo utilizan frecuentes metáforas; juegos de palabras como el doble sentido; un
estilo breve y conciso logrado mediante la elipsis o eliminación de palabras; antítesis de palabras, frases
o ideas con el fin de impresionar o agudizar la mente. El máximo representante de esta corriente será
Quevedo y en menos grado Lope de Vega.
El culteranismo o gongorismo, en cambio, es una corriente literaria que cultiva la forma de las palabras
dejando en segundo plano su contenido. Pretende crear un mundo de belleza, impresionando para ello
los sentidos con los más variados estímulos de luz, color, sonido y con un lenguaje ampuloso y culto “un
lenguaje dentro del lenguaje”. Los recursos que caracterizan esta corriente son el abuso de la metáfora
con el fin de crear un mundo de belleza absoluta; el uso frecuente de cultismos; el abuso del hipérbaton
y el uso de palabras parónimas (sonido parecido y diferente significado). El máximo representante será
Luis de Góngora.
Las diferencias de estas dos corrientes son más teóricas que reales. Los críticos han señalado que no se
puede hablar de tendencias opuestas, ya que en poemas de Quevedo se pueden observar rasgos
culteranos y en poemas de Góngora rasgos conceptistas. El culteranismo vendría a ser una evolución
del conceptismo en la que importaba más la forma que el contenido.
Neoclasicismo
.El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar

en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían
produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura.
Aunque, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en
favor del Romanticismo.
Con el deseo de repetir y repercutir las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer
las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1750 emprendió desde Francia el arquitecto Jérôme
Charles Bellicard, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville
d'Herculaneum (“Observaciones sobre las antigüedades de la villa de Herculano”),1 una referencia
imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of
Dilettanti (“Sociedad de Amateurs”) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinas griegas y
romanas. De estas expediciones nacieron libros como Le Antichitá di Ercolano (1757-1792) elaborada
publicación financiada por el rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvió de fuente de inspiración
para los artistas a pesar de su escasa divulgación.
También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas de toda
Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba
adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la
llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma,2 que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda
Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética
neoclásica.
La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían
con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim
Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su
obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la
antigüedad a los romanos.
En Roma también trabajaba Giovanni Batista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá
romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visión diferente de las ruinas con
imágenes en las que las proporciones desusadas y los contrastes de luces y sombras buscan impresionar al
espectador.
El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante
(el símbolo central de la iluminación). Otras dos figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el
velo que cubre verdad.
La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos
los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la
existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un
concepto científico de la verdad.

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