MÚSICA AFROAMERICANA

La música afroamericana (o música negra) es un término para

una serie de músicas y géneros musicales como el blues,
el jazz, el gospel, el soul y el hip hop, que provienen o están
influenciados por la cultura afroamericana de Estados Unidos.
Esta comunidad desde hace siglos ha constituido una minoría
étnica de la población estadounidense. Algunos de sus
antepasados fueron traídos originalmente a Norteamérica a la
fuerza para trabajar como pueblos esclavos, trayendo con
ellos canciones típicamente polirrítmicas de grupos
étnicos tanto de África occidental como del África
subsahariana. En los Estados Unidos, como se fusionaron las
culturas, múltiples tradiciones culturales africanas fueron
fusionándose progresivamente con otras músicas tradicionales
europeas, como la polka o el vals. Más tarde se dieron periodos
de considerable innovación y cambio. Los géneros
afroamericanos han sido muy influyentes a través de distintas
clases socio-económicas y raciales internacionalmente,
disfrutando de popularidad a nivel global. La música
afroamericana y todos los aspectos de la cultura
afroamericana son celebrados durante el Mes de la Historia del
Negro en febrero de cada año en los Estados Unidos.

HISTORIA
Además de aportar características armónicas y rítmicas del África
occidental y subsahariana a los estilos musicales europeos, fue la
condición de cautiverio padecida por los negros dentro de la
sociedad americana la que contribuyó a las condiciones que
definirían su música. Muchas de las formas musicales que definen
la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas
formas primigenias incluyen elementos
 Gritos de campo
 Canción de trabajo
 Llamada y respuesta
  Vocalidad (o efectos especiales de voz): efecto gutural,
vocalidad interpolada, falsete, melisma, ritmización vocal.
 Improvisación
 Escala pentatónica y escala de blues.
 Nota de blues
 Polirritmia: síncopa, concrescencia, tensión, improvisación,
percusión, nota oscilada
 Textura: antifonía, homofonía, polifonía, heterofonía
 Armonía: progresiones vernáculas; armonía compleja y
multiparte, como en los espirituales negros y el
estilo barbershop.

Siglo XIX
La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense
comenzó en el siglo XIX con la llegada del Black Minstrel que
fue una forma de entretenimiento que consistía en sketches
cómicos, varios actos, danza y música, realizados por personas de
raza blanca pintados de negro, quienes satirizaban a las personas
de raza negra como ignorantes, perezosos, graciosos, alegres, y
musicales. Los afroamericanos comenzaron a incorporar una gran
variedad de temas espirituales cristianos.
Durante el período de la Guerra Civil Americana (1861 -1865),
la expansión de la música afroamericana continuó. Los Fisk
Jubilee Singers, un grupo de cantantes afroamericanos, realizaron
su primera gira en 1871. Artistas como Morris Hill y Jack
Delaney ayudaron a revolucionar la música africana de la
posguerra en el este de los Estados Unidos. El primer grupo
musical de comedia de negros, Hyers Sisters Comics Opera Co.
fue organizado en 1876.
A finales del siglo, la música afroamericana formaba parte
integral de la música estadounidense. Músicos
de Ragtime (género previo al jazz) como Scott Joplin ganaron
popularidad y algunos se asociaron a movimientos artísticos como
Harlem Renaissance (Renacimiento de Harlem) que fue el
reavivamiento del arte en los Estados Unidos, liderado por la
comunidad de afroamericanos de Harlem, Nueva York, donde se
destacaban el jazz, la literatura y la pintura, y activistas de los
derechos civiles.

COMIENZOS DEL SIGLO XX

Los comienzos del siglo XX vieron el crecimiento gradual en la
popularidad del jazz y el blues afroamericanos. Así como el
desarrollo de las artes visuales, el Harlem Renaissance fortaleció
el desarrollo de la música.
Ante el surgimiento de artistas blancos y latinos de jazz y blues,
se generó un intercambio de culturas entre las diferentes razas
existentes en los Estados Unidos. La música judía, por ejemplo,
tuvo notable influencia en el jazz, mientras el artista de ragtime
Jelly Roll Morton, expresó que el “tinte latino” es siempre
necesario en la composición de buena música. La música
afroamericana era siempre simplificada por la audiencia europeo-
americana, quienes no aceptaban artistas de raza negra, dando
lugar a géneros como el swing.
En escenarios, los primeros musicales escritos y producidos por
afroamericanos en Broadway debutaron en 1898 con A Trip to
Coontown, por Bob Cole y Billy Johnson. En 1901 La primera
grabación conocida de músicos negros fue la de Bert Williams y
George Walker, que incluía canciones de musicales de Broadway.
La primera ópera negra fue presentada en 1911 con Treemonisha
de Scott Joplins. Al año siguiente, la primera sinfonía de orquesta
de negros fue presentada en el Carnegie Hall de Manhattan,
ciudad de Nueva York.
El retorno de los musicales negros a Broadway ocurrió en 1921
con Shuffle Along de los músicos Sissle y Blake. En 1927, una
serie de música afroamericana fue presentada en el Carnegie Hall,
incluyendo jazz, música sinfónica de William Christopher Handy
y música de los Fisk Jubilee Singers.
La primera película musical con elenco de afroamericanos fue
Hallelujah de King Vidor, en 1929. La primera sinfonía escrita
por un afroamericano y presentada por una orquesta mayor fue la
Afro-American Symphony de William Grant Still con la
Filarmónica de Nueva York. Artistas negros participaron en
operas como Porgy and Bess y FourSaints in Three Acts de Virgil
Thompson en 1934. También en 1934, la Negro Folk Symphony
de William Dawson se convirtió en la segunda composición
afroamericana en recibir atención de una orquesta mayor como la
Orquesta de Filadelfia.

MEDIADOS DEL SIGLO XX

En la década de 1940 nuevas versiones de temas musicales
afroamericanos ya compuestos e interpretados por blancos se
hicieron populares llegando a los primeros lugares en las listas de
ventas, mientras las versiones originales interpretadas por negros
ganaban popularidad solo entre los afroamericanos. En 1955,
Thurman Ruth convenció a un grupo de música
gospel (evangélica) a tocar en lugares seculares como el Apollo
Theater, cuyo éxito llevó a este y otros grupos del género a
realizar giras en todo Estados Unidos tocando en lugares
populares.
Entre 1940 y 1950 los músicos afroamericanos desarrollaron un
género llamado Rock and Roll con exponentes como Wynonie
Harris. Pero fue con artistas de raza blanca como Bill Haley
y Elvis Presley, quienes tocaban una fusión de rock and roll
negro y música country llamada rockabilly, con quienes el rock
obtuvo éxito comercial. Por ese motivo, la música rock fue
asociada más a personas blancas, aunque algunos artistas negros
como Chuck Berry también lograron un importante éxito.
A finales de la década de 1950, la música blues crecía en
popularidad en los Estados Unidos y Gran Bretaña. También un
nuevo estilo llamado doo-wop tomó un lugar importante. Un
estilo nuevo de música gospel secularizada llamado Soul también
se desarrolló con sus pioneros Ben E. King y Sam Cooke. El soul
y el rhythm and blues se convirtieron en la mayor influencia del
estilo surf, llevando al tope de las listas a grupos femeninos como
The Angels y The Sangrilas, en los cuales sólo algunas
integrantes fueron mujeres blancas. Divas de raza negra como
Diana Rose & The Supremes y Aretha Franklin se
convirtieron en las estrellas de la década de 1960. En Inglaterra, el
british blues o blues británico se convirtió en un gran fenómeno,
retornando a los Estados Unidos como lo que llamaban the british
invation o invasión británica con grupos como
los Beatles quienes presentaban una fusión del clásico rhythm
and blues con blues y pop en sus aspectos tradicionales y
modernos.
La invasión británica sacudió de las listas de popularidad a otras
bandas americanas, con algunas excepciones como el grupo The
mamas and the papas quienes mantuvieron una buena carrera de
música pop. La música soul se mantuvo popular entre los
afroamericanos. La música funk, que usualmente atribuyen su
invención al cantante afroamericano James Brown, adquiriendo
influencias de la música psicodélica y de lo que sería la formación
de la actualmente denominada música Rock Blues a través del
músico Jimi Hendrix quien fue un innovador con la guitarra
eléctrica usando pedales con efectos como el pedal wah wah. En
ese tiempo el soul revolucionó la música afroamericana con letras
de contenido social que reflejaban la lucha por los derechos
civiles de la época. El álbum "What’s Going On" de Marvin
Gaye, lanzado en 1971, es uno de los grandes exponentes de esta
época.

AÑOS 1970 Y 1980

Hacia finales de los 70 el funk deriva en el llamado P-Funk, un
tipo de funk psicodélico que combina rock con el funk ya
existente y una mitología propia, bastante famosa en el momento.
Ya en los 80, los artistas de pop negro Michael Jackson, Lionel
Richie, Whitney Houston, y Prince, desarrollan una
reelaboración del funk y el soul de corte completamente pop,
alcanzando un gran éxito comercial.
El Hip Hop, que había nacido gracias a fiestas comunitarias
(bloc parties) en Nueva York en la década de los 70 se extiende
por todo el país. Estas fiestas se originaron a partir de la cultura
del sound system importada de Jamaica y es una música
predominantemente negra. A principios de los 80, surge
el techno en Detroit, considerada una música afrogermánica
porque une la experimentación electrónica alemana con las raíces
de la música negra. Hasta bien avanzado su desarrollo, sus
intérpretes son fundamentalmente negros. Poco tiempo después,
en Chicago se desarrolla el house, fuertemente emparentado
con la música disco que había venido desarrollándose desde
finales de los 70.

AÑOS 1990 Y 2000

El R&B contemporáneo, como el post-disco versión de la música
soul llegaron a ser conocidos como fue popular en todo el decenio
de 1980 y 1990. Grupos masculinos en el estilo soul como The
Temptations y The O'Jays son especialmente populares, entre
ellos New Edition, Boyz II Men, que terminó siendo el disco
más vendido de R&B en el género masculino de todos los
tiempos, Jodeci, Blackstreet, y, más tarde, Dru Hill y Jagged
Edge. Los grupos femeninos, incluido el TLC, Destiny's Child,
y En Vogue, también fueron un gran éxito. Destiny's Child
podría pasar a ser el disco más vendido del grupo vocal femenino
de todos los tiempos.
En el 2000, el R&B se había desplazado hacia un énfasis en
artistas solistas, entre ellos Usher y Alicia Keys, aunque grupos
como B2K y Destiny's Child siguen teniendo éxito. La línea
entre el hip-hop y el R&B se difuminó gracias a productores
como Timbaland y Lil Jon, y artistas como Nelly, y André
3000, quien, con su amigo Big Boi, ayudó a popularizar la
música Southern hip hop como Outkast.
La "Música urbana" y el "radio urbano" son términos de raza
neutral, también son sinónimos con el hip hop y el R&B y está
asociada a la cultura hip hop que se originó en la ciudad
de Nueva York. El término también refleja el hecho de que son
populares en las zonas urbanas, tanto en centros de población
negra y la población en general (especialmente las audiencias más
jóvenes).
En febrero de 2004, se anunciaron planes para una afiliación
al Museo Nacional de Arte Africano (Washington) y de la
música americana en el Instituto Smithsoniano que se construye
en Newark, Nueva Jersey. Groundbreaking está prevista para
2006.
LA EXPERIENCIA MUSICAL DE LOS AFROS EN
AMÉRICA
La evolución de la música afro consta de 3 etapas. La 1era etapa
es la auténtica, correspondiente a los misteriosos rituales traídos
por los africanos, como las ceremonias con oraciones y cantos,
mezclado con danzas guerreras. La 2da etapa de las danzas afro
criollas: se caracteriza por ser donde el negro enriquece su baile
africano con figuras de cuadrilla, contradanza y con elementos
coreográficos que ha asimilado hábilmente del blanco. Este fue el
candombe que se gestó en Uruguay, a fines del siglo XVIII. La
3era etapa es a la que corresponden
las comparsas carnavalescas, iniciadas en 1867, donde aparece
la sociedad de negros “La Raza Africana”. A esta agrupación se le
fueron agregando otras, como la de los “Negros Lubolos”, en
1874. A continuación se analizarán tres aspectos de la música
afroamericana; el jazz, los spirituals negros, song y los cantos de
trabajo.

EL JAZZ
Alrededor del año 1903 diversos hombres de New Orleans
organizaron orquestas callejeras con cornetas, clarinetes,
tambor, banjo y trombón, tocando melodías negras de los viejos
tiempos. Estas orquestas callejeras se hicieron populares
velozmente y pronto fueron imitadas por muchos músicos, no
sólo negros sino también blancos. Lo mismo ocurre en América
del Sur. Los cantos negros que nacieron en los arrabales
invadieron las casas de bailes, los salones, entre otros.

LOS SPIRITUALS
Los spirituals son el producto más característico del genio
negro. Según Alain Locke, la primera vez que se dieron a
conocer en Europa los negros spirituals fue en 1871, por un grupo
de actores llamados los “Jubilee singers”. Luego, Henry Krehbiel,
un gran crítico musical de su generación, analizó los spirituals en
su obra “Afro-American Folk song”. Estas canciones se
divulgaron de tal manera, expresando los sentimientos más
profundos del alma del negro. Estos consisten en una transacción
entre la religión cristiana y el sentimiento religioso de la raza
negra adquiriendo un carácter más solemne y expresando lo más
interno de la religiosidad del negro. Los autores populares y
anónimos de estos cantos pasaron a un segundo plano, para dejar
que el spirituals se transforme. Esta transformación se produce
cuando los artistas toman los temas populares y los traducen a un
lenguaje más artístico. En la escritura de los spirituals se
acompañan con golpes de pie o con palmadas, exclamaciones y
gritos. Las partes que se acompañan con las manos o con los pies,
se parecen a las partes musicales escritas para tambores, los
golpes de las manos van arriba del pentagrama, los de los pies
abajo. Estas partes no son acompañamientos obligatorios,
obedecen al gusto del compositor. Vemos como, en los spirituals,
hay muchos aportes personales, por ejemplo el cantor acomoda el
ritmo a su gusto.

LOS CANTOS DE TRABAJO (Work songs)

Los cantos de trabajo como los blues pertenecen a una época
sentimental de los folk song. El primer motivo de estos cantos de
trabajo fue el del agua. Un blues tan representativo como “Old
man river” recuerda precisamente esta procedencia, en el que se
nota la asimilación de los ritmos del trabajo diario. El ritmo
musical de los blues es simple y característico; la forma se
adapta admirablemente a la improvisación. En el período
comprendido entre los años 1875 y 1895, la verdadera música
negra se había extinguido. Los mejores músicos negros de este
período hicieron causa común con la música clásica para ocultar
su decadencia. La música representativa del negro para el público
era el “jig” y el “clog”, una mezcla de danzas negras e irlandesa.
El nacimiento del jazz se ubica alrededor de 1918. Este tiene su
origen en el rig-time. El estilo esencial negro, tiene según
Goldberg, 3 dimensiones: realezas, rig-time, jazz. Sostiene que
forman una continuidad de la música negra. El jazz original
ofrece armonía. Con él nace una distintiva racial, el jazz es
básicamente negro pero los blancos les han dado un contenido
universal muy expresivo. La orquesta se compone de tres
tambores de procedencia africana y de uso exclusivo de los
negros. Además en una orquesta corriente de jazz
hay cornetín (es el más agudo, que hace la melodía),
un trombón (el contrapunto), y un bajo metálico (marca el
ritmo)(que tenga un buen día haciendo su trabajo)

EL GÓSPEL: SONIDOS DE ESPERANZA

En medio de un pueblo afroamericano que fue muy exitosamente
evangelizado, a principios del siglo XX, los negros cristianos
contaban con una buena variedad de iglesias y ya habían
comenzado a impulsar ellos mismos la evangelización hacia otros
miembros de su comunidad. Los afroamericanos ahora ya no solo
compartían un gran lugar de origen, una raza, una historia, y una
herencia cultural comunes, sino también una arraigada identidad
religiosa que se expresó en términos de una floreciente “iglesia
negra” (black church), que contaba con denominaciones
metodistas, episcopales, bautistas, etc.

Dicha iglesia, como cuerpo, al haber adquirido la Emancipación y

al haber adoptado el cristianismo como credo de fe comunal, fue
fusionando su forma de alabanza con rudimentos musicales de la
herencia africana, de tal manera que nace la música góspel, o,
literalmente, música ‘del evangelio’. Ésta se engendra como tal en
las iglesias cristianas afroamericanas y añade las inconfundibles
particularidades de los coros rítmicos, grandes voces, los gritos
gozosos, el uso de las manos y aplausos rítmicos, que en conjunto
se unieron con la intención de conformar una forma de adoración
a Dios.
Comienza entonces un periodo de composición musical
extraordinaria en el cual, a la vez, el magnífico genio musical del
negro pudo tomar algunas de las letras clásicas de las canciones
tradiciones de los espirituales negros, y añadirles un ánimo
muchísimo más alegre, con la intensa manifestación lírica de
esperanza de una comunidad conjunta que celebra el mensaje
cristiano.
Una de las máximas exponentes de la primera etapa de transición
entre espirituales negros y la música góspel fue Mahalia Jackson,
activista y amiga de Martin Luther King Jr, y cantante que por su
prodigiosa voz y su canto excepcional, llegó a ser considerada la
“Reina de la música góspel.” 
En su visión, ella caracterizaba así la identidad y el motivo propio
del género:

“Los ritmos de la música góspel no son de origen africano,

aunque sé que eso es lo que dicen los expertos de jazz... Yo
espero acercar a la gente a Dios a través de mis canciones...
¿Cómo puedes cantar de la gracia maravillosa, como puedes
cantar devotamente sobre el cielo y la tierra y todas las
maravillas de Dios sin usar tus manos? Mis manos, mis pies,
lanzo todo mi cuerpo para decir lo que está dentro de mí. La
mente y la voz por sí mismas no son suficientes.”

Sin embargo, el gospel posterior pasó a ser más jubiloso, más

rápido y más como una expresión colectiva y comunitaria en las
celebraciones religiosas. Se frecuenta mucho la improvisación
vocal siguiendo el ritmo de las melodías, Un ejemplo clásico
es Oh Happy Day, arreglo de un antiguo himno que causó
revuelo a cargo de los Edwin Hawkins Singers. 
Posteriormente a la muerte de Jackson, Albertina Walker pasó a
tomar su título como reina del góspel y el género se convirtió los
característicos coros armoniosos de la música góspel han sido
tomados y retomados una y otra vez en distintos géneros.
Canciones góspel pasaron a formar parte del Movimiento por los
Derechos Civiles, himnarios protestantes, sus ritmos aún llegan a
incorporarse ocasionalmente en canciones modernas, y el género
se mantiene vivo en coros alrededor del mundo.