TEMARIO ARTES VISUALES

Educación Media Científico Humanista

DOMINIO 1: LENGUAJES ARTÍSTICOS Y MEDIOS DE EXPRESIÓN

1.1. Elementos expresivos del lenguaje visual
• Identificar los elementos básicos del lenguaje visual (línea, forma, textura, color, luz,
espacio, materialidad) en distintas manifestaciones artísticas y de la cultura visual.

Los 8 elementos principales del lenguaje visual

1- El punto
Es el elemento visual sobre el que se basan los demás. Puede definirse como una
singularidad en el espacio.
En términos geométricos, es el área donde dos rectas se encuentran. Cuando un artista
realiza un simple punto en una superficie, está creando una relación entre la figura y la
superficie.
Existe también la utilización del punto como estilo en sí mismo; el puntillismo se hizo
famoso gracias al artista francés Georges Seurat, a finales del siglo XIX.
2- La línea
Cuando dos o más puntos se juntan se crea una línea. Una línea es el borde de una forma
o cuerpo, o la dirección de algo en movimiento.
Hay muchos tipos de línea, todas caracterizadas porque su longitud es mayor que su
ancho. Pueden ser estáticas o dinámicas dependiendo de cómo el artista decida usarlas.
Sirven para determinar el movimiento, la dirección y la energía de una obra de arte. Las
líneas están en todos lados: el cable del teléfono, las ramas del árbol, la estela de un
avión, los caminos sinuosos.
La línea puede estar implícita; la línea implícita es una línea que no existe pero parece
estar presente. También se habla de línea real o concreta, que es la que está presente.
3- Valor
Los valores son los matices y sombras, que van desde la luminosidad a la oscuridad. Las
variaciones de estos valores dan una sensación de espacio y profundidad en un objeto.
Los valores se caracterizan porque enfatizan las tres dimensiones de los objetos. Una
fuerte diferencia de valores puede crear énfasis en una imagen.
4- Color
El color es la luz reflejada en una superficie. Puede crear énfasis, armonía, emociones,
unidad y movimiento.
Un mismo color puede tener distintos matices, tonos (valores de luz y oscuridad de un
color), e intensidad. La intensidad es el nivel de brillo u opacidad de un color.
5- Textura
Esta cualidad está relacionada con el sentido del tacto. Puede crear énfasis, movimiento,
patrón, emoción, entre otros efectos.
La textura implícita es aquella que parece estar presente pero es una ilusión. La textura
real o concreta es la que realmente puede sentirse al tacto.
6- Figura
La figura engloba un área de dos dimensiones. Hay dos tipos de figuras: las orgánicas y
las geométricas.
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Las figuras orgánicas son las de bordes curvos o continuos. Por su parte, las figuras
geométricas tienen bordes filosos y angulosos.
7- Forma
Se expresa en un área de tres dimensiones o con volumen. Las variaciones de luz y
sombra enfatizan la forma.
8- Espacio
Es la ilusión de profundidad y perspectiva. Las formas de crear espacio son mediante la
superposición de figuras o formas una delante de la otra.
También se logra el espacio mediante huecos y cavidades.

• Caracterizar diferentes procedimientos de las Artes Visuales tales como: tratamiento del
color (saturación, contraste, armonía cromática, tonos y matices), textura, superposición,
materialidad, entre otros.

Saturación
Grado de brillo e intensidad de un color. En pintura, cada tono tiene un diferente grado de
saturación y todos los tonos pueden reducirse en cuanto a la brillantez, hasta llegar a los
niveles más bajos, neutralizándose y apareciendo como grises.

Contraste:
Combinación de cualidades opuestas en una relación. Oposición y variedad. Diferencia
esencial, en el campo de la percepción, de luminosidad, que hace posible la visión. Esto
sería imposible en un campo homogéneo.

Armonía:
Principio estético relacionado con la unidad de la obra en las artes visuales, en especial
con respecto a sus valores formales.
Referido al color, es el acuerdo o relación simultánea entre colores del mismo tono
o de la misma gama cromática.

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Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono,
o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los
mismos pigmentos de los restantes.
El tono de un color es el nombre o característica de cada color, es la diferente graduación
de un color, más claro o más oscuro pero sin variar el color origen. por ejemplo un ojo con
cierta cantidad de blanco es un tono rojo claro, y esto es lo que genera una gama o
conjunto de tonalidades que se derivan de un mismo color. Tenemos una graduación
clara si al tono le sumamos el blanco mientras que al añadirle el negro o un
complementario obtenemos una graduación oscura.
El matiz es el color obtenido con la mezcla de otros colores, lo que puede llevar a generar
otro color. Por ejemplo un rojo tenemos que es el tono de un objeto que puede tener un
matiz violeta si está mezclado con el azul.
En pintura, la textura hace referencia a la agregación de materiales que se percibe como
variaciones o irregularidades en una superficie continua.
La función de tales texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y lograr
sensaciones en los espacios que observamos; como si el artista tratara de desafiar el
sentido común.
La textura de la pintura es aquella que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones
artísticas plasmados en un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para clasificar la
textura como el relieve, las líneas y la forma en que se expresa la pintura, entre otras.
SUPERPOSICIÓN: Lo que está adelante oculta lo que está atrás
Las figuras superpuestas son las que tapan u ocultan a otras que, por este motivo, se
perciben incompletas. Son figuras situadas a diferentes niveles de profundidad, unas
delante y otras detrás.

Paul Cézanne. Bodegón con granadas y peras (detalle), 1893.

La superposición, es un poderoso recurso para producir la sensación de profundidad

espacial en un espacio plano. Las figuras que ocultan parecen más cercanas y las
semiocultas, más alejadas.

Materiales Artísticos

Materiales de Pintura

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Una pintura no es tan solo una superficie coloreada, sino un objeto tridimensional
sumamente complejo compuesto de una serie de capas.

En los términos más simples, la estructura de una pintura consiste en un soporte, como
madera o lienzo; una base que actúa como intermediario entre el soporte y la capa de
pintura; y la capa de pintura que se compone de partículas de pigmento suspendidas en
algún tipo de medio aglutinante tal como cera, aceite o huevo.

Soporte: Madera, tela, papel, metal, vidrio, muro, etc.

Base: La base tiene un doble papel en la elaboración de una pintura: físicamente actúa
como intermediario entre el soporte y la capa de pintura, refinando la superficie de la
madera o lienzo y proporcionando una capa estable y consistente para la pintura;
estéticamente, su naturaleza determina la textura y a menudo los efectos crómaticos de
la obra terminada. Los ingredientes de la base varían según el tipo de soporte y las
necesidades individuales. Los elementos escenciales son: una sustancia inerte y un
aglutinante: cola, aceite y emulsión (que es una mezcla de los dos primeros).

Pintura: Todas las pinturas tienen tres componentes: las partículas de pigmento; el medio
que lleva esas partículas; y un diluyente, un líquido volátil, como agua o trementina,
permite al artista controlar la consistencia de la pintura para obtener el efecto que se
desea.

Pigmentos: Es importante tener presente que la paleta (se

entiende por paleta al conjunto de colores que utiliza un artista en sus obras) de un artista
está limitada, en parte por elección, en parte por la posibilidad de adquisición. Los
pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales
u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos
derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o
calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto
orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El número de
pigmentos ha ido creciendo hasta la actualidad en que existe una gran variedad y todos
de excelente calidad.

Medios: El medio aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y

conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso.

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• Reconocer el rol expresivo de elementos del lenguaje visual (línea, forma, textura, color,
luz, espacio, materialidad) en manifestaciones artísticas (dibujo, pintura, grabado,
fotografía, video, escultura, arquitectura) y otras manifestaciones visuales (publicidad,
objetos, vestuario, entre otros).

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El espacio puede comprenderse de distintos modos
En arquitectura, es el interior de un edificio, definido por los muros y la cubierta.
En pintura, el espacio es la sugerencia de profundidad. Sucede cuando percibimos unas
figuras distanciadas de otras, o cuando vemos un paisaje extendiéndose en el horizonte.
En escultura, el espacio físico está relacionado con los volúmenes de la obra.
Por Espacio se entiende, entonces, lo siguiente:
Distancia entre objetos.
Lugar que los alberga.
Dirección en todos los sentidos (derecha, izquierda, arriba, abajo,
etc).
Sugerencia de profundidad o volumen plástico en una superficie
de dos dimensiones, como la pintura.
Fenómeno visual y psicológico por medio del cual creemos ver que
la figura se separa del fondo.
Experiencia perceptual a través de las posiciones, direcciones,
distancias, tamaños, movimientos y formas de los cuerpos en
relación; estos factores se definen siempre con respecto a ejes o
puntos de referencia.

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El dibujo es un modo de expresión que utilizan
casi todos los artistas, para imaginar y ensayar
cómo serán sus pinturas o esculturas... pero
también algunos artistas trabajan con el dibujo
como una obra de arte en sí misma.

Dibujar consiste en reproducir con Líneas tanto

las formas de objetos reales, como las formas
en que imaginamos nuestros sentimientos y
emociones; generalmente se realiza con lápiz
grafito, carboncillo, tiza o lápiz pluma, sobre un autor: Julio Escámez
soporte cualquiera (papel, cartón, muros, etc.)
Pintar es un proceso por el cual se aplica color sobre una superficie, con el propósito de
representar a través de la Línea, el color y la materia, alguna cosa visible o imaginaria,
por ejemplo, paisajes, figuras humanas, emociones.

Entonces, la pintura es una expresión artística que busca la representación de imágenes

sobre una superficie plana, utilizando elementos como el dibujo, el modelado y el colorido.

El baile de las enanas o

cabaret de Magallanes

autor: Pedro Luna

El grabado es una técnica artística que permite reproducir muchas veces un
mismo dibujo o diseño sobre papel.

Hay muchas maneras de hacer grabados, pero básicamente hay tres métodos que son:
el grabado en madera o xilografía, el grabado en hueco es sobre metal y el grabado
en plano o litografía es sobre piedra, que dependen de la matriz que se utiliza.

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Para hacer un grabado, el artista primero realiza una imagen, sobre madera, piedra o
metal. En el caso de la madera (xilografía) esta se en tinta y se imprime directamente
sobre el papel. El metal debe grabarse con ácidos para posteriormente imprimir
(grabado) y la piedra dibujada con lápiz especial se imprime con un proceso de reserva
de agua (litografía).

También puede agregar color, y cambiarlo entre copia y copia.

Siga la huella de la economía

autor: Virginia Errázuriz

La escultura es el arte de representar figuras en tres El Descendimiento
dimensiones, es decir, como un volumen que comprende de la Cruz
alto, largo y ancho.

Según el método, material y técnica que utilize el artista, se

distinguen tres maneras para realizar esculturas:
Método del añadir: tiene como materiales la arcilla, el metal
y la madera, y consiste en que el escultor va agregando
materia hasta conseguir un volumen con la forma anhelada.
Método de sustraer: el artista talla y quita partes de la
piedra o la madera, para conformar una figura deseada.
Método del vaciado: el escultor realiza un molde con la
forma que desea conseguir, lo ahueca y agrega en su interior
un material líquido que luego será sólido y definitivo.
Después de ésto, retira el molde, y entonces queda la
escultura.

autor: Virginio Arias

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1.2. Medios de expresión

• Distinguir las características constitutivas específicas y los principales procedimientos

técnicos de diferentes medios de expresión bidimensional, tales como: dibujo, pintura,
grabado, fotografía, video, arte digital y otros.

¿TÉCNICAS BIDIMENSIONALES?

Antes de empezar a realizar cualquier proceso de elaboración de imágenes debemos

saber seleccionar un soporte que se adecue a las técnicas y a la dimensionalidad de
aquello que queremos realizar es decir; el soporte o materia prima que elegirá un escultor
no será la misma que la de un dibujante.

EL DIBUJO PRINCIPIOS BASICOS. RECURSOS, MATERIALES Y TÉCNICAS.

El dibujo permite representar cualquier motivo sobre una superficie. Generalmente esta
asociado a técnicas como el carboncillo, las cretas, el lápiz, los rotuladores, la pluma,
etc...y el elemento básico es el trazo o la línea.

Existe una técnica que es de ambigua ubicación; el pastel. Dada la naturaleza similar a
la pintura pero también por su semejanza con el lápiz o las cretas, hay quienes la
consideran técnica de dibujo o pintura, nosotros hablaremos de ella en las técnicas
pictóricas. Generalmente se utiliza como soporte el papel y dependiendo de una o otra
técnica deberemos elegirlo mas absorbente y liso o mas granulado.

El proceso.
Elegimos el modelo y procedemos a encajarlo, o lo que es lo mismo, ubicarlo en el formato
del papel. Se trazan las líneas básicas y procesualmente se van definiendo los detalles
mediante un proceso de observación, y reflexión del objeto representado. Deberemos
atender a la luz, el color, las proporciones, etc... Para ayudarnos podemos construir una
retícula como los antiguos renacentistas. Antes de empezar con el dibujo se pueden
realizar bocetos, que son ensayos o estudios de lo que vamos a dibujar. Nos ayudara a
conocer mejor la naturaleza del objeto.

LA PINTURA TÉCNICAS HÚMEDAS Y SECAS. CARACTERÍSTICAS.

La pintura es el arte de representar elementos sobre un plano. Lo que la diferencia del

dibujo es que su elemento principal es además de la línea la mancha. Como hemos visto
antes existen técnicas como la aguada que comparten elementos en común con las
técnicas pictóricas así que existe una línea muy fina entre lo que es dibujo y lo que es
pintura. Lo mismo pasa con el pastel.

Se llaman técnicas secas a aquellas que se aplican directamente y no necesitan ni de

secado, ni de agua, ni medios para diluir. De ahí que distingamos por ejemplo entre la
acuarela y el pastel.

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Carboncillo

Es muy apto para bocetos y estudios previos por su rapidez de ejecución. Sin embargo
es una técnica muy sucia que requiere de un papel granulado y un fijador.
Es muy utilizado también para simular volúmenes.

Lápiz de color

Existen gran variedad de lápices, negro de diferentes durezas y de colores, y son fáciles
de manejar, además podemos realizar detalles con mejor definición que con el carbón
que es más para crear encajes y volumen.

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Pluma o rotulador. La tinta china.

La pluma emplea básicamente la línea, sin embargo los avances técnicos han dado pasa
rotuladores que simulan a la pluma creando gran variedad de anchos, para realizar
planos, que son más difíciles de crear con la pluma.
Existen muchas maneras de crear degradados a través de trazos gráficos y a menudo se
combina con la tinta. Son muy destacados los delicados y estéticos trazos de la caligrafía
japonesa y árabe.

Ceras

La cera es un material graso que se puede aplicar directamente o quemando la materia

prima, lo que se llama encáustica. Es de fácil uso aunque poco utilizado en el arte, y de
poca definición de trazo.

Pastel

Es un material utilizado sobre todo por los impresionistas. De difícil fijación como el
carboncillo y de aplicaciones diversas. El precursor de la técnica es Degas y también
Toulousse Lautrec posee magníficos ejemplos.

Técnicas húmedas. La acuarela, el gouache o el acrílico y el óleo.

Como hemos visto las técnicas húmedas eran las que utilizaban las pinturas diluidas o
disueltas en algún medio, generalmente aceite en el caso del óleo o agua en el caso de
acuarela o gouache. La pintura ha sido eminentemente realista y usaba sobre todo el óleo
inventado por un holandés en el s.XVI, desde el impresionismo la propia pintura ha creado
multitud de expresiones y técnicas. Enumeraremos por orden de aparición algunos de
estos movimientos y formas de representación. Impresionismo, realismo, cubismo,

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expresionismo, suprematismo, neoplasticismo, informalismo, pop art, minimalismo, artes
procesuales como el body painting... No te preocupes veremos algunos ejemplos a lo
largo de la unidad, aunque algunos ya te serán familiares.

La acuarela

La acuarela es una pintura que se disuelve en agua. Los colores son transparentes y es
una técnica difícil de controlar. El papel debe ser muy absorbente para poder retener el
agua y se emplean tanto pinceles de pelo fino como esponjas.
Es común también realizar un primer esbozo del dibujo a lápiz duro. Fíjate en los
ejemplos.

El óleo

Posee los útiles básicos como el pincel sin embargo añade otros para la aplicación de
óleo en pasta como es la espátula. Dada su naturaleza texturada se pueden conseguir
relieves en el cuadro como Vann Gogh, con sus pinceladas en forma de trazo.
Se disuelve en trementina generalmente y es de secado lento aunque se puede acelerar.

El acrílico

Es un material que nace con la tecnología y los disolventes sintéticos. Es similar en

aplicación al óleo y de naturaleza también espesa pero es de secado mucho más rápido
y dependiendo de la calidad del acrílico es de viveza de color baja. Otra técnica similar
es el Gouache o tempera. Aqui teneis un ejemplo de David Hockney.

Otras técnicas pictóricas. El graffiti y el assemblaje.

El graffiti es una técnica pictórica generalmente realizada en la calle. Sin embargo el

origen de la técnica es social más que artístico. Actualmente esta reconocido por los
museos de arte mas importantes del mundo, como la Tate Gallery.

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El assemblaje es una especie de collage tridimensional. Mientras que el collage de
Picasso estaba compuesto de objetos reales pero se quedaba dentro del plano 2D, el
assemblaje recorre a objetos mucho más volumétricos creando verdaderos cuadros
escultura. Busca a Rauschemberg o Wesselman. La imagen pertenece a Frank Stella.

TÉCNICAS DE ESTAMPACIÓN. EL GRABADO.

El grabado constituye un conjunto de técnicas que se basan en la estampación para

reproducir imágenes. Para ello se necesita una matriz donde previamente se ha realizado
el dibujo, en hueco en relieve o en plano, y tres entintarla y preparar esta se realiza la
estampa.

Existen multitud de técnicas desde el aguafuerte en calcografía o matriz metálica, que

define finos y cuidados trazos, hasta la xilografía más tosca y menos complicada. La
primera ha sido utilizada por Rembrandt, o Goya y la segunda por los expresionistas.

El monotipo: entre la pintura y la estampación.

El monotipo sin embargo se basa en pintar sobre una superficie y después estamparla,
no se realizan incisiones sobre la matriz sino que es pintada, de ahí que sea un intermedio
entre la pintura y el grabado.

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• Distinguir las características constitutivas y los principales procedimientos técnicos de
diferentes medios de expresión tridimensional, tales como: escultura, instalación,
arquitectura y otros.

FORMAS TRIDIMENSIONALES.

Estamos situados ante el espacio y entre las formas de tres dimensiones. Este es un
hecho tan natural que pocas veces se nos obliga a reflexionar sobre como percibimos el
volumen y las distancias, el vacío... Los volúmenes geométricos, pueden ser reproducidos
por dibujos precisos en los se detalles las medidas reales como hemos visto en unidades
anteriores. Aquí teneis un ejemplo de tridimensionalidad,la arquitectura, una maqueta en
lego de Villa Saboya de Le Corbusier.

Casi todos los objetos que utilizamos en nuestro día a día son tridimensionales, macizos,
huecos, blandos, duros, suaves, etc... Para diseñarlos como es el caso del diseño
industrial, la ingeniería, el urbanismo, la arquitectura o la escultura se prefigura y dibuja
atendiendo a sus necesidades principales, que unos casos serán de funcionalidad y en
otros de estética.

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Sin embrago la representación volumétrica real conlleva características especificas del
espacio 3D, por eso las llamamos formas tridimensionales.

Las formas tridimensionales, se refieren al volumen que ocupan, a las relaciones con los
elementos circundantes y al espacio vacío en el que circulan. Además, cuando nos
movemos aunque la naturaleza del objeto tridimensional no cambia si lo hace nuestra
percepción de el. Fijaros en las imagenes y refexionar sobre la bidimensionalidad y la
tridimensionalidad, y el volumen.

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El volumen.

Nuestro entorno es básicamente tridimensional, y es a través del sentido de la vista que

podemos observar e interpretar el medio y los objetos que nos rodean, calcular las
distancias, etc.

El volumen se diferencia de las formas planas en que posee una tercera dimensión: la
profundidad.

Las tres dimensiones básicas de que hablamos son la vertical, la horizontal y la

transversal, o altura, anchura y profundidad.

Podemos recurrir a medir las tres dimensiones de un objeto tridimensional para ver como
se estructuran los objetos. Vamos a ver y discutir algunas imágenes.

LA ESCULTURA Y LA ARQUITECTURA.

Las obras tridimensionales como objetos dotados de volumen ocupan un espacio, sin
embargo a pesar de estos conceptos básicos comunes existen muchas maneras de
conseguirlo.

La escultura

La escultura es la técnica de representar las figuras y las formas en tres dimensiones.

Puede ser de dos tipos: bulto redondo o exento y relieve. Las de bulto redondo se refieren
a aquellas que están rodeadas o puede estar rodearse, y que generalmente están
situadas sobre una peana o en el suelo. Los relieves son las realizadas en un bloque
plano, son dependientes de el y no pueden rodearse por lo que su observación es
puramente frontal.

Su finalidad es generalmente estética-artística, y dependiendo del periodo funcional, sin

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embargo ya veremos que aun siendo la función objeto a veces importante no lo será de
la misma manera que la arquitectura.

La arquitectura

La arquitectura es la ciencia de proyectar y construir edificios. Generalmente se

construyen volúmenes para crear espacios de habitabilidad o por lo menos de uso para
personas, pueden ser residenciales, religiosas, civiles.

Cerámica, diseño industrial.

La cerámica y el diseño industrial, o incluso la orfebrería son otras de las maneras de

proyectar y concebir objetos para la tridimensionalidad.

La escultura de bulto redondo y el relieve.

Aunque existen estas dos maneras de entender la representación tridimensional de la

forma escultórica como es el relieve y el bulto redondo, el bulto redondo el gran
protagonista de la representación 3D.
El bulto redondo es un cuerpo exento, no adosado, con todas las partes visibles al
espectador. Por ejemplo un prisma de base cuadrada apoyado en el plano horizontal seria
un bulto redondo pero este prisma lo pegamos a la pared de manera que solo veamos la
parte frontal del volumen total, será un relieve.
Sin embargo el relieve empieza donde la pintura traspasa los limites de la representación
bidimensional. En este sentido dado la complejidad del arte contemporáneo en que las
disciplinas diluyen sus límites seria interesante debatir donde acaba una o donde la otra
y si es necesario marcar unos límites.

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Participa de la pintura en muchos de sus aspectos como la composición, la frontalidad,
etc. Podemos entender el relieve como una hoja plegada en forma de acordeón.

LOS MATERIALES Y LAS TÉCNICAS: TALLA, MODELADO, BRONCE,

ASSEMBLAJE Y MULTIPLICACIÓN.

Los materiales

Los escultores utilizan gran variedad de materiales. Los más utilizados a lo largo de la
historia del arte son la madera, el bronce, el hierro y la piedra. Sin embargo en la
actualidad dada la naturaleza del arte contemporáneo el escultor utiliza todo lo que
considera necesario y lo hace de la manera que mejor se adapta al mensaje que quiere
trasmitir con su obra. Utilizan materiales reciclados, objetos cotidianos, e incluso el propio
cuerpo.

Las técnicas

Los procedimientos clásicos son la talla, el modelado o el fundido en moldes. La talla

consiste en quitar material hasta quedar la figura mientras que el modelado consiste en
lo contrario añadir hasta conseguir la figura. El modelado se suele utilizar con materiales
maleables y blandos como la arcilla. Y la talla suele trabajar materiales más duros como
la madera o la piedra.
También podemos realizar esculturas por medio de fundido en moldes como es el caso
de las esculturas de bronce.
En la actualidad los artistas han conseguido crear formas mediante, el corte de metales,
la soldadura, la fundición, la multiplicación, o acumulación, la reinterpretación o ready-
made, y el arte del cuerpo y la naturaleza, o Land art.

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 • Identificar las principales características de medios de expresión, tales como: mural,
grafiti (escala, propósito expresivo, narrativa, presencia en los espacios públicos).

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE MURAL

La pintura mural es casi siempre un elemento decorativo de la arquitectura. El mural debe
contener una historia en las pinturas. Por este motivo, también se utiliza como método
didáctico.
Las principales características del arte mural son:
• Monumentalidad: La cual no solo está dada por el tamaño de la pared sino por
cuestiones compositivas de la imagen.
• Poliangularidad: Hace referencia a los distintos puntos de vista y tamaños del plano, los
cuales pueden estar en un mismo campo plástico.
LAS DIFERENTES TÉCNICAS DEL ARTE MURAL
El muralismo no se basa solamente en la pintura al fresco. Existen otras muchas técnicas
que hacen de este arte todo un regalo para los ojos.
1. Pintura mural: Tradicionalmente, la técnica original de la pintura mural renacentista fue
el fresco y sus variantes. La aplicación de pinturas al óleo y posteriormente las sintéticas,
son técnicas características de los murales actuales, combinados con otros materiales y
bases diversas con que se trata previamente el muro.
2. Relieve escultórico: Sobre la base del muro, la obra escultórica se trabaja directamente
sobre él. Puede tratarse de un sobrerelieve o de un bajorrelieve, dependiendo de su
espesor. Pueden realizarse con materiales como el cemento, la piedra reconstituida, los
mármoles, las resinas sintéticas, la madera, etc.
3. Mural cerámico: Los murales de mosaicos, en sus vertientes venecianos, bizantinos y/o
romanos, son horneados para fijar los colores y/o los esmaltes y luego adheridos al muro
por medio de un mortero o mezcla adhesiva. Existe también una nueva tendencia que
consiste en modelar y pintar artesanalmente murales cerámicos en relieve.
4. Teselas: Aplicadas tanto en pisos, como en muros, los mosaicos de distintos tamaños,
se componen de materiales que no son cerámicos. Pueden ser granitos, mármoles,
arcillas y también vidrios.

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Graffiti

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes

de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su
esencia es cambiar y evolucionar; buscando ser un atractivo visual de alto impacto,
como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde. Es uno de los cuatro
elementos que conforma la cultura buena del Hip Hop.5

Origen y variantes del término[editar]

Grafiti en una calle de La Plata, Argentina.

Pared con aerosol en Londres.

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Grafiti en las vías de tren en Bilbao, España.

Grafiti en Valparaíso, Chile.

Es un término que proviene del italiano graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o
inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y del mismo modo arqueólogos y
epigrafistas llaman a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes
desde tiempos del Imperio romano. El arqueólogo Raffaele Garrucci divulgó el término
en medios académicos internacionales a mediados del siglo XIX,6 el neologismo se
popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años
setenta.7
Por influencia de la cultura estadounidense, el término se popularizó en otros idiomas,
entre ellos el castellano. Curiosamente, aunque el término grafiti ha pasado a muchas
lenguas, en italiano se emplea el término de origen inglés writing para referirse a los
grafitos de estilo Hip-Hop, ya que usan el término grafiti para su uso en el sentido
original.
Entre los hispanohablantes es habitual oír grafitis en plural, porque aunque en la lengua
de origen el término ya esté en plural, no se considera de este modo el calco.

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El Diccionario panhispánico de dudas de la Real Academia Española recomienda el uso
de la palabra grafito. Admite como válido el uso de grafiti en singular, y de grafitis en
plural, aunque recomienda usar la palabra «grafito» y «grafitos» para su plural, que son
las versiones castellanizadas de graffito y graffiti, respectivamente. Recomienda
también que, cuando se trate de un texto o dibujo pintado y no rascado ni inciso, se
utilice el término «pintada».
Sin embargo los propios grafiteros, además de muchas de las referencias editoriales,8
los medios de comunicación,9 páginas web,1011 positivos,12 y revistas especializadas1314
utilizan la acepción italiana graffiti para referirse al grafito tanto en su acepción de
movimiento cultural y artístico, así como a las propias pintadas.

Grafiti en Lima, Perú, 2016.

La costumbre de escribir el propio nombre en propiedades y lugares públicos es
antiquísima. En arqueología se utiliza el término «grafito» o graffiti (del italiano) para
referirse a este tipo de inscripciones realizadas sobre muros, generalmente estucados,
así como a los letreros arañados sobre cerámicas (habitualmente para marcar la
propiedad). No se refiere a las realizadas por el autor de un monumento, sino a las que
otros hacen posteriormente sobre el edificio acabado. Por ejemplo, las paredes
de mazmorras y prisiones muestran los mensajes, dibujos y calendarios realizados por
los presos.

Para evaluar la intervención del arte en espacios públicos en la ciudad actual, como
diseño de acciones comunicativas y estéticas, orientadas hacia el encuentro con el
consumidor de arte, se las debe relacionar con la manera en que enfocan la
representación de la identidad social y cultural del habitante urbano; luego con el aporte
informativo, cultural y estético a los conocimientos y afectos del mismo; finalmente, con
la participación en la imagen de la ciudad.
Se trata, en esta perspectiva de contenidos y valores, de lo que la ciudad propone a sus
habitantes a través de sus construcciones, mapas, flujos y objetos de arte. En este
sentido, el espacio público de la ciudad resulta de gran importancia porque ofrece a sus
usuarios una lectura interpretativa de su identidad, de la ciudad y respectivamente de
ellos mismos, con respecto a los valores que la ciudad alberga y expone. No se trata sólo
del espacio público externo; éste no elimina la importancia de los espacios contenedores,
especializados o no, en el alojamiento de formas artísticas. Entre los espacios externos y
los espacios internos, las matrices del encuentro entre el arte y el habitante urbano
pueden organizarse en 5 categorías: arte en espacios de arte; arte en espacios
alternativos; arte en la calle; el arte de las estructuras urbanas; el arte de la naturaleza
interviniendo las estructuras urbanas. Además de la importancia que corresponde a las
matrices e interacciones que se dan en el marco de estas categorías, un lugar central lo
ocupa el sujeto mismo que experimenta el encuentro con el arte.

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Al escoger la presencia del arte – como estructura, proceso, acto - en el espacio público
de la ciudad, se hace necesario también definir el estatus del arte. La comunicación
artística tiene como característica fundamental la existencia de un diálogo entre el artista
y el individuo receptor que se basa en un consenso sobre el estatus del arte, respaldado
por factores como el espacio que alberga la manifestación, los promotores y la promoción,
el reconocimiento mediático y de los especialistas. En este sentido, la investigación ha
desarrollado un enfoque semiótico de la recepción del arte, basado en la convergencia
de los aportes de estos factores al reconocimiento del estatus artístico de las
manifestaciones consideradas. Los resultados identificaron la importancia de los
factores promotores, por un lado; por el otro un límite cada vez más complejo entre las
manifestaciones artísticas y las manifestaciones comunicacionales institucionales y
comerciales, que usan recursos plásticos para sus fines de comunicación y integración
del observador en el mundo de los mensajes y del consumo.

• Reconocer los principales procedimientos utilizados en la elaboración de cómics, tales

como: guión, texto, dibujo, viñeta, onomatopeya.

El formato de guión de cómic

Los guiones se utilizan para la narración en varios medios visuales: La televisión, el cine,
el teatro y también en el cómic. Se caracteriza por ser un texto con mucho diálogo entre
personajes con indicaciones para los actores y descripciones del escenario donde sucede
la acción.

El guión de historieta tiene algunas particularidades. A diferencia de una película, el cómic

debe utilizar otros recursos para la “ambientación” de la escena, ya que no hay lugar para
la música ni sonidos de fondo. Las escenas tampoco funcionan de la misma forma ya que
en la historieta debemos condensar una acción en un cuadro y no en fotogramas en
movimiento. En la historieta no se puede realizar un zoom o un travelling en un solo
cuadro.

Es por esto que el formato de guión que se utiliza en el cine o teatro resulta confuso para
el dibujante de cómics la mayoría de las veces, ya que genera un trabajo extra de
interpretación para adaptar ciertos detalles al dibujo.

31
Ejemplo de guión para teatro
Muchos guionistas provienen del cine o la televisión. Allí se usa un formato para los textos
parecido al de las obras de teatro. Toda la información se haya centrada en la media
vertical de la hoja. Esto es muy práctico para los actores pero un guión con este formato
resulta un poco difícil y confuso para el historietista.

El formato de guión de cómic debe ser claro, práctico y fácil de leer a simple vista para un
dibujante y un letrista. Por esto en general se pone toda la información técnica del lado
izquierdo y descripciones y diálogos más bien del lado derecho. De esta manera el

32
dibujante encontrará fácilmente de un lado la información requerida para diseñar las
páginas y el letrista ubicará fácilmente la información que deberá colocar en los globos.

Analicemos como ejemplo estas dos páginas de guión de historieta:

En general, esta primer página no es necesaria pero la utilizan muchos guionistas. De un

solo vistazo sintetiza toda la información sobre la que un dibujante va a trabajar.

1. Todas las páginas del guión llevan el mismo encabezado con toda la información
del guión. Es normal que el dibujante realice varias obras a la vez y de esta forma
encuentra rápidamente cada uno de los trabajos y sus páginas.
2. El título debe aparecer en cada página del guión. Si es una serie, debe incluir
además el año y el número del episodio. Cualquier información extra es útil para el

33
 dibujante, como por ejemplo la fecha de entrega, para tenerla presente a la hora de
trabajar.
3. Es muy útil tener el número de páginas que va a llevar en total el episodio. No sólo
por una cuestión organizativa, si no de verificar que el guionista haya enviado la
cantidad de páginas correctas y no haya ningún error.
4. Siempre es útil saber el nombre del autor del guión que estás realizando. Además,
el guionista debe firmar su obra, como el dibujante su trabajo.
5. El resumen o sinopsis es un texto breve donde explica que sucederá en el episodio
u obra. Sirve de introducción tanto para el editor como para el dibujante.
6. La indicación de los personajes que aparecerán es útil para buscar la referencias
en caso de que sea un personaje recurrente en una serie. Si son personajes nuevos,
van acompañados de una descripción y/o imágenes de referencia para diseñarlos.

34
7. En este espacio se adjuntan los links de referencias de espacios, edificios, lugares
y demás imágenes que aparecerán en la historia.

8. Lo ideal es realizar un salto de página al comienzo de cada nueva página, para que
quede esta información en la parte superior. También es útil colocar la cantidad de
cuadros total que habrá en cada una de ellas para que el dibujante pueda organizar
mejor la composición de la página. Es recomendable colocar esta información en
35
 un tamaño más grande que el resto del texto, en negrita y subrayado para que se
destaque al leerlo. En el caso de que el total de cuadros no quepan en una sola
página, nunca un cuadro deberá continuar en la página siguiente. Siempre hacer el
salto de página luego de que termina un cuadro. En la nueva página, se debe aclarar
que es la continuación de la página anterior con un texto como “Página X,
continuación”.
9. El cuadro con la numeración se puede colocar en negro o de forma que destaque
al leer. El dibujante debe ver con claridad donde empieza y termina cada cuadro y
cuantos personajes hablan. Seguido al número, deben estar las indicaciones de la
escena: Quienes hablan, que emoción tienen, que hace cada personaje y quienes
se encuentran cerca. Esto es importante para la continuidad de los cuadros.
También, si es necesario, se pueden agregar links de referencia a objetos que
aparezcan y que deben tener una forma en particular, por ejemplo un sombrero de
determinada época, una montura, etc.
10. El cuadro de texto es “la voz del narrador”, o donde se indican fechas o lugares en
particular. Da ubicación al lector de donde se encuentra situada la historia, o cuanto
tiempo pasó desde el cuadro anterior. Estos recuadros no deben contener un texto
demasiado extenso para que no tapen información importante del dibujo.
11. En este diálogo, se aclara que el personaje está pensando. Esto es información
para el dibujante y el letrista. El dibujante deberá dejar el espacio para que quepa
todo el texto del diálogo. El letrista deberá colocar el texto dentro de un globo de
pensamiento. Hay que tener en cuenta que un globo de pensamiento ocupa más
espacio por su forma.
12. En la descripción del cuadro se detallan sentimientos y emociones de los
personajes. Esto no es importante ni obligatorio, pero es útil para el dibujante al
realizar las expresiones de los personajes y darle clima a la historia, de forma que
acompañe correctamente al diálogo. Se suelen utilizar en las historietas románticas
o para público femenino donde se resaltan los sentimientos.
13. En este caso, nuevamente se aclara al letrista que debe utilizar un globo o una cola
especial para este diálogo. Las negritas en esta palabra son para enfatizar el grito
del personaje.
14. En este caso, se utiliza la negrita para resaltar palabras del diálogo. En los comics
de superhéroes en inglés se utilizan mucho, ya que al cambiar el énfasis de la
oración cambia su significado. Es un recurso que se puede utilizar en las historietas
en castellano, pero su uso debe ser coherente a lo largo de toda la historia.
15. Las onomatopeyas son el “sonido” de la historieta. Marcan explosiones,
ladridos, agua corriendo en un bosque, el viento soplando. Se utiliza una letra
especial, generalmente gruesa y usualmente va en colores. Cada dibujante o
letrista las realiza de distinta forma. Lo que es importante es que en el guión
se aclare con un “Onomatopeya”, “SFX” (Sound Effects) o simplemente se
coloca al final del cuadro en mayúsculas como en este ejemplo.
16. Siempre que aparezca la aclaración de “OFF” es para indicar al dibujante que este
personaje que habla no se ve en el cuadro. Si en el cuadro anterior se encuentra a
la derecha del personaje que luego se muestra en el cuadro, debe mantener una
coherencia en la ubicación del mismo. Para el letrista, este cuadro tendrá la cola
orientada hacia alguna de las esquinas del cuadro.

36
PARTE VERBAL
Textos lingüísticos
– Expresan diálogos y pensamientos de los personajes.
– Introducen información de apoyo en la cartelera.
– Evocan los ruidos de la realidad a través de onomatopeya.
Bocadillos
En este espacio se colocan los textos que dicen o piensan los personajes. Tiene dos
partes: la superior o globo y el rabillo o delta que señala al personaje que está pensando
o hablando.
Al globo se le considera ejemplo perfecto de la integración de los componentes verbales
e icónicos.
Su forma del globo significa cosas diferentes (Fernández Muñoz, 5.2):
El contorno en forma de nubes significa palabras pensadas por el personaje.
El contorno delineado con tornas temblorosas, significa voz temblorosa y expresa
debilidad, temor, frío, etc.
El contorno en forma de dientes de serrucho, expresa un grito, irritación, estallido, etc.
El contorno con líneas discontinuas indica que los personajes hablan en voz baja para
expresar secretos, confidencias, etc.
Cuando el rabilo del bocadillo señala un lugar fuera del cuadro, indica que el personaje
que habla no aparece en la viñeta.
El bocadillo incluido en otro bocadillo indica las pausas que realiza el personaje en su
conversación.
Una sucesión de globos que envuelven a los personajes expresa pelea, actos agresivos.
El globo con varios rabillos indica que el texto es dicho por varios personales.
Cuando se trata de un aparato electrónico, el globo está en zizzag

Dibujo
También llamado técnica de representación es cualquier impresión sobre el papel, que
se repita y accione como conductor o solo ícono referencial de una historia a contar.

Cartelera y cartucho
Cartela es la voz del narrador y es externa a la imagen de la acción. Se coloca en la parte
superior de la viñeta de forma rectangular, puede o no aparecer. El cartucho enlaza dos
viñetas consecutivas.

37
Viñeta:
La unidad mínima de la significación en el cómic. Representa la unidad espacio-temporal;
unidad de significación (se percibe por los sentidos y evoca una entidad diferente así
misma); unidad de montaje (organización de planos de un discurso visual) y también es
la unidad de percepción diferencial de tiempo. La viñeta tiene un continente y un
contenido.
El continente se forma por líneas que delimitan el espacio total de la página del cómic.
Las líneas constitutivas del continente tienen características: rectas, curvas, ligeramente
onduladas, etcétera. Las viñetas tienen forma rectangular, aunque también hay
cuadradas y triangulares. También poseen un tamaño.
El contenido es lo verbal icónico. El primero se clasifica en contextual, de transferencia,
de dialogo u onomatopeyas. El icónico tiene dos dimensiones: a) sustantiva es decir el
plano de la expresión, el dibujo y a que representa; b) la adjetiva que connota la expresión
del dibujo, puede ser movimiento explicado mediante líneas curvas y nubes.

Onomatopeya: Representa el sonido, fuera o dentro de la viñeta se puede colocar.

• Distinguir las principales características de medios de expresión que utilizan la

tecnología, tales como: fotografía, cine, video y arte digital.

38
Fotografía

Es el proceso de capturar imágenes mediante algún dispositivo tecnológico sensible a la

luz, que se basa en el principio de la cámara oscura.

Aberración: Defecto óptico de las lentes que se manifiesta en pérdida de nitidez,

deformaciones, cambios de color y otras degeneraciones de la imagen
ADC: Sigla utilizada para indicar a un Conversor Analógico-Digital. Dispositivo electrónico
que efectúa la conversión (generalmente de voltaje) de valores analógicos a digitales.
AE: Medición automática de la exposición.
AF: Enfoque automático o autofoco.
Angulo de Visión: ángulo que cubre el objetivo. Este ángulo depende de la distancia
focal del objetivo y del tamaño del sensor.
Barrido: Técnica que consiste en realizar una toma al tiempo que se sigue con la cámara
al sujeto.
Batería: Dispositivo que permite almacenar y entregar energía eléctrica empleando una
reacción química.
Blur: Extensión correspondiente a los archivos gráficos de mapa de bits.
Brillo: Luminosidad de un color.
Caída: Fotografía que presenta el defecto de presentar líneas que deberían estar en
perfecta posición horizontal o vertical
Compresión:es la reducción del tamaño del fichero en relación con el tamaño en píxeles
basado en la resolución
Filtro: Elemento óptico utilizado par absorber determinadas longitudes de onda, de la luz
o una proporción de las mismas.
Flash: Iluminación muy breve e intensa.
Latitud: Tolerancia permisible. Se lo aplica al enfoque, exposición, revelado y
temperatura.
Lente convergente: El que hace que los rayos provenientes de un mismo punto del
sujeto converjan en un punto.
Luminosidad: Apertura máxima de un objetivo.

39
Monopie: Elemento de un solo pie sobre el que se sujeta la cámara para evitar la
trepidación.
Objetivo: Dispositivo óptico de la cámara que proyecta en la película o en el sensor la luz
reflejada por la escena.
Sensor: Dispositivo electrónico fabricado con materiales semiconductores y
estructurados en forma de matriz.
Sombras: Zonas oscuras del sujeto a fotografiar.

Cine
Es el arte de narrar historias mediante la proyección de imágenes, igual es la técnica que
consiste en proyectar fotogramas, de forma rápida y sucesiva, para crear la ilusión de
movimiento.

Acción: Movimiento que se produce ante la cámara, al mismo tiempo es la fuerza motriz
que desarrollada por los personajes hace avanzar la narración.
Ancho de banda: Margen de frecuencias en el que las señales son tratadas por igual
con un tolerancia prefijada de antemano.
Blockbuster: Películas que logran las mejores taquillas en un tiempo récord.
Cine-club: Entidad pública o privada que se crea con la participación de un determinado
grupo de personas, con el fin de realizar actividades cinematográficas a lo largo de una
temporada.
Cinematografía : Si bien esta palabra identifica habitualmente el arte de reproducir
imágenes en movimiento, cabe ampliar los matices de su significado.
Cinta de cámara: Cinta adhesiva de colores de alto precio pero muy resistente y
funcional.
Clímax: Punto culminante de la acción dramática.
Crominancia: Parte de la señal de vídeo que contiene la información de color (matiz y
saturación)
Documental : El cine documental es aquel que ofrece un documento de la realidad.
Estereotipo Cinematográfico : Modelo o idea simplificada, que se expresa
cinematográficamente a través de ciertos personajes o pautas dramáticas

40
Estudio: Espacio en el que se reúnen uno o varios platós para el rodaje de películas.
Ficción: Las películas de ficción narran una trama inventada por el guionista.
Fotograma: Área rectangular de la película que se expone cada vez que el obturador se
abre.
Hertzio (Hz): Unidad de medida de la frecuencia que equivale a un ciclo por segundo.
Marcas: Señales, usualmente en el suelo, para trazar el recorrido o el punto de llegada o
partida del actor y que deben ser respetadas por las diversas técnicas.
Luminancia: Es la señal de blanco y negro del vídeo
Semovientes: Nombre que reciben los animales que intervienen en escena de
una película.
Set: Es el lugar de rodaje, decorado y localización.
Visor: Sistema óptico por medio del cual el operador de cámara ve al actor u objeto.
Watio (W): Medida de potencia de luz en los proyectores eléctricos.
El videoarte surgió como una propuesta de acción y reclama una implicación no
contemplativa por parte del espectador. Este tipo de expresión artística entró a formar
parte de la dinámica del arte contemporáneo mucho antes de que el mercado artístico se
fijase en él. El videoarte nace en el momento en el que surge la televisión, y aunque el
término no existiera como tal desde el principio, en los años sesenta se estaba gestando
ya la idea de un nuevo medio artístico, en especial a través de la ideología contracultural
de unas corrientes artísticas que supieron aprovechar el factor mediático para arremeter
contra las estructuras convencionales del arte y la política.
Artistas provenientes del cine experimental, la fotografía, las artes plásticas, la música o
el teatro aportaron al videoarte un valor añadido. El arte conceptual y el pop art lo dotaron
de sentido teórico y, finalmente, en la década de los ochenta, el videoarte consiguió
expresarse con toda libertad como medio diferenciado dentro del mundo
artístico. Fundación La Caixa
El videoarte se nutre, pues, en sus inicios de las principales tendencias y manifestaciones

de las últimas vanguardias, desde el arte pop al minimalismo , pasando por

el underground o dadaísmo , cubismo ….

El vídeo de creación nace bajo uno de los primeros magnestoscopios portátiles que Sony
envía a Estados Unidos, comenzando, de este modo, la comercialización de cámaras de
vídeo portátil Sony. Desde este momento, este aparato reproductor se encuentra
disponible para la sociedad, dejando e ser patrimonio exclusivo de las cadenas de
televisión.
Los inicios de la historia del videoarte tienen lugar a mediados de los años sesenta: en
el año 1965, precisamente cuando Nam June Paik grabe con una cámara portátil Sony al
Papa durante su visita a Nueva York y lo muestre esa misma tarde a otros artistas en el
Café Á Go Go, hecho que será considerado el nacimiento del videoarte.

41
Esta etapa inicial, se caracterizó por una estrecha relación de acercamientos y
contraposiciones entre el nuevo medio tecnológico y la televisión. Y precisamente entre
las actitudes de confrontación, cuestionamiento y antagonismo “arte vs. televisión”
sobresale el desempeño artistas como Nam June Paik o Vostell y grupos como Fluxus

, quienes convirtieron el, medio televisivo en un medio útil y eficaz para comenzar a
explorar la estética de una nueva práctica artística dentro del contexto de la cultura
mediática contemporánea.
A partir de los 70, el vídeo empezaría a introducirse en el mercado del arte a través de
departamentos especializados de algunos prestigiosos museos que comenzaron a
reconocer el interés que despertaban las formas de arte más alternativas en los sectores
culturales y artísticos. A su vez, entre los artistas del vídeo también se detectó un
creciente interés por el reconocimiento de un arte hasta entonces relegado al “ghetto” de
los circuitos contra-culturales.

Será en esta misma década cuando el videoarte desarrolle su propio protagonismo y

lenguaje, generándose partir de aquí nuevas correlaciones artísticas como
videoescultura, videoperformance y videoinstalación.

Notas características
Las reglas del juego del vídeo de creación, quedaron fijadas prácticamente desde sus
inicios y así habrían de mantenerse durante el primer cuarto de siglo de actividad. En
el Arte del vídeo -libro del que tenéis la referencia más adelante-, señalan como tales:
• Un uso alternativo a la televisión convencional (utilización de sistemas de
reproducción y producción similares a los d ela televisión: magnetoscopio, cinta y
televisor)
• Una explícita vinculación a las vanguardias artísticas y a las artes visuales. De las
vanguardias recogen el afán innovador, de ruptura y experimentación
• Un medio de expresión versátil al que pueden acceder artistas de campos distintos:
danza, teatro, música, pintura…
• Y el mecenazgo de museos y fundaciones, también después de las televisiones, sin
el que hubiera sido imposible el rápido desarrollo del vídeo de creación.

A estos rasgos, podemos sumar otras características:

• El videoarte más que narrar historias expresa estados de ánimo, pasiones, sueños,
conceptos, sentimientos y alucinaciones que provocan al espectador; es creado por
un artista sin importar de qué disciplina provenga y no forzosamente debe dominar la
técnica del vídeo. Dante Hernández

42
• Se trata de una disciplina artística que utiliza nuevos soportes: medios digitales
(analógicos en su momento) y la pantalla televisiva, con fines artísticos, quedando su
existencia estrechamente ligada a la televisión, así como a las artes del espectáculo
(cine, teatro, danza, música).
• Combate la banalidad de la televisión como medio de masas e intenta alejarse de los
cauces comerciales.
• Está ligado explícitamente a las vanguardias artísticas, de las que recogerán el
espíritu crítico, la actitud rupturista, innovadora y experimental (Como ya
comentamos: el pop con su repertorio iconográfico y su mezcla de lenguajes, el
minimalismo, el cine abstracto y surrealista, más todos los istmos de las primeras
vanguardias)
• No suele cumplir las normas convencionales del lenguaje cinematográfico dado que
no cuenta ni con actores ni con diálogos.
• Manipulación de colores y formas, efectos gráficos, ausencia de narratividad -en el
sentido cinematográfico-

¿Qué es el arte digital?

Podemos decir que la definición del Arte Digital es una disciplina creativa de las artes
plásticas, una nueva tendencia surgida en torno a la aplicación de programas
vectoriales y gratificadores, que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales
que son imprescindibles en el proceso de producción o en su exhibición, manifestando estas
obras mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

El Arte Digital rompe totalmente con la representación clásica de los

objetos engañando doblemente al espectador ya que lo que él ve no es ni representación
naturalista ni tampoco es lo que está representando, ya que lo que se encuentra detrás es un
código matemático, siendo uno de los puntos fuertes la su capacidad para crear mundos
alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión, pero con una realidad
excepcional, empleando técnicas como la programación de la física del entorno y
los comportamientos de los objetos de ese entorno.

El arte digital es una materia que junta toda obra artística que haya sido creada por un
medio digital, principalmente usando el ordenador, es decir, es una obra que se elabora a
partir de una tecnología informática. En la actualidad, la tecnología se trata de un
procedimiento que nos da la posibilidad de crear, según los artistas de este estilo de arte no
hay gran diferencia entre una paleta gráfica de un pincel. Aun lo más habitual es encontrar
varios grupos de este tipo de arte que están basadas en el soporte que utilicen: Net.art, CD-
Rom – art, videoarte, instalaciones interactivas, entre otros.
43
Tipos de arte digital
Existen varias clases de arte digital entre ellas está la fotografía e imagen digital, la escultura
digital, la interactividad, el Net art y por último el arte generativo.

• Modelado 3D: es un arte tridimensional, que crean trabajos de arte gráfico con
ayuda de ordenadores y programas especiales 3D.
• Airbrushing: se le denomina al arte Aerógrafo digital, este arte se emplea para
colorear copias, retocar positivos y negativos, ocultar las uniones de los collages,
añadir elementos y eliminar defectos o fondos innecesarios.
• Pixel art : es el arte creado a través de un ordenador mediante el uso de programas
de edición de gráficos en raster, donde las imágenes son editadas a niveles de
pixeles.
• Arte tipográfico: Es el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la
palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.
• Arte Vectorial: es este arte se crea una imagen creada en un plano a partir de un
punto y líneas, en el medio del diseño, el grafico vectorial da la facilidad de manipular
formas y figuras de diferentes tamaños sin dañar la calidad de la imagen.
• Arte Generativo: el arte generativo es una variante de este tipo de arte en la cual da
las posibilidades de crear una obra íntegramente a partir de unos programas
informáticos que poseen parámetros variables que ha elegido el artista. Este método
es utilizado por ejemplo en la literatura cut-up, en el arte fractal y el la música
electrónica.
• Net Art: El net.art hace alusión a todas las obras realizadas para internet y que
poseen como tema la red. Su potencia está basado en representar contenidos a
partir de unas complejas estructuras que unen sonidos, imágenes y textos, también
está basado en la capacidad de comunicación que se tenga con el usuario.
• Interactividad: En esta modalidad podemos distinguir dos tipos de obras
digitales, una de ella son creadas para reproducirse en soportes de material
convencional y otra de ellas es para difundirla por toda la red. Es por ello por lo
que podemos diferenciarlas entre obra de estructura cerrada y obra de estructura
interactiva. Este clase de arte es una fuente de acción potencial ya que tiene unas
amplias posibilidades.
• Escultura digital: Estos tipos de escultores utilizan un espacio virtual para poder
representar sus obras. Usan un software en 3D, innovando cada día las nociones
tradicionales de la escultura a través de contextos de exposición y distribución nuevos.
• Fotografía e imagen digital: Las imágenes digitales suelen ser creadas
directamente en el ordenador, como por ejemplo el arte algorítmico y el arte fractal,
o también se pueden coger de otro tipo de fuente, como por ejemplo una imagen
dibujada, una fotografía escaneada, solo es necesario un software de gráficos
vectoriales y un ratón o tabla gráfica.

44
Escultura digital y tecnologías digitales
Desde hace algún tiempo el espacio virtual estaba alejado del espacio real por el monitor del
ordenador. Sin embargo, los escultores digitales usan el espacio virtual como zona de
creación usando para ello software de 3D y con esto se llegan a desplazar los conocimientos
tradicionales que se tenían a la escultura mediante innovadores contextos de creación de
obras.

• Identificar las características de los principales géneros cinematográficos.

ACCIÓN
Este género se caracteriza por gozar de explosiones, disparos, persecuciones y luchas
físicas. Su función es meramente entretener y que el público sienta emociones fuertes. El
dinamismo, los chistes malosy un guión esquemático son algunas de sus características
principales. Generalmente la historia se centra en una lucha del héroe contra el villano,
aunque con el paso del tiempo, las historias se han tornado más complejas e incluyen a
personajes femeninos (ya que generalmente los héroes son hombres), aunque no puede
faltar la violencia, la sangre y los efectos especiales.
Algunos ejemplos:
The Expendables
Skyfall
Mission Impossible
AVENTURA
Tiene sus orígenes en la literatura, donde los viajes a tierras lejanas, las leyendas y la
fantasía son sus principales características. En este género, el personaje principal es
dinámico, ágil y con sentido del humor, además tiene una amistad sin límites con los otros
protagonistas. La aventura goza de subgéneros: en la selva, donde se desarrollan fuertes
pasiones, en el mar, donde prevalece el estereotipo del pirata y las aventuras en colonias.
Algunos ejemplos:
45
Pirates of the Caribbean
Indiana Jones
TERROR
Los orígenes del terror se encuentran principalmente en la literatura, en especial en las
novelas de los siglos XVIII y XIX y los cuentos generacionales. Los inicios de este género
están en el expresionismo alemán y el juego de luces y sombras, donde los monstruos
como vampiros, hombres lobo y fantasmas eran los protagonistas de las historias.
Generalmente, no gozan de grandes presupuestos para realizarse y encuentran su
público en los adolescentes. Lo desconocido, el miedo, la angustia y los gritos
caracterizan al terror.
Algunos ejemplos:
Paranormal Activity
The Conjuring
COMEDIA
Su función es causar una sonrisa en el espectador y se vale de historias ingeniosas o
situaciones de enredos y aspectos visuales como las caídas y los golpes. Sin embargo,
con el paso del tiempo, la combinación de lo físico con los diálogos, se volvió muy
importante. Sus orígenes, al igual que otros géneros se encuentra en el teatro y puede
que la historia lleve elementos de tengan una función de crítica social.
Algunos ejemplos:
Ted
Casa de mi Padre
BÉLICO
La guerra, el honor, el uso de artillería, el dolor, el sacrificio y la supervivencia son los
elementos característicos de este género. Se ha valido de la recreación histórica y los
dramas colectivos para mostrar a la guerra como espectáculo. Los gobiernos de países
lo han usado como propaganda y para incentivar el patriotismo en los espectadores,
además, ha sido utilizado como herramienta de denuncia. Sus subgéneros son las
hazañas aéreas, altamar, submarinos y la clásica infantería.
Algunos ejemplos:
Saving Private Ryan
MELODRAMA
Este género es el más cercano a la realidad ya que relata conflictos humanos, pasiones
amorosas, enfemedades y muertes. En este, la soledad, el dolor, el amor, los celos y la
pasión son sus elementos característicos. Generalmente, una crisis es la que
desencadena toda la trama. Los años cincuenta fue la época donde el melodrama alcanzó
un auge pleno y sus raíces se encuentran en el teatro griego. Los sonidos y la música son
elementos que subrayan las emociones por las cuales pasan los personajes.
Algunos ejemplos:
Titanic
MUSICAL
Está compuesto por varios elementos: bailes, música y canciones, pero también se
complemente por vestuario, decorados y color. Tal vez sea el género donde el teatro es
la base fundamental del género y donde ha tenido momentos de crisis pero también de
resurgimiento. Su origen es predominantemente norteamericano y cuenta con grandes
presupuestos para su ejecución.
Algunos ejemplos:
46
Les Misérables
Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
WESTERN
Es un género que nació en el cine (a diferencia de los demás géneros); se desarrollaba
en la frontera o el desierto. Fue en este donde se creó el plano americano, con el fin de
que el público pudiera ver las pistolas de los personajes. El protagonista era un aventurero
errante donde los indios y los caballos eran elementos clave en las historias.
Unforgiven
CINE NEGRO
El género trata sobre investigaciones criminales y hechos delictivos. La iluminación era
elemento clave, ya que los claroscuros reslatan la psicología de los personajes. A
diferencia de los demás géneros, aparece la figura del antihéroe, aquel que se caracteriza
por tener un oscuro pasado. La femme fatale es un elemento distintivo de este género.
Algunos ejemplos:
The Black Dahlia

• Reconocer en ejemplos recursos estéticos utilizados por el lenguaje cinematográfico,

tales como: montaje, metáfora, símbolo, sonido, estructura narrativa y analogía entre
sonido e imagen.

El montaje cinematográfico

El montaje es el proceso que se utiliza para

ordenar los planos y secuencias de una película,
de forma que el espectador los vea tal y cómo
quiere el director. La manera de colocar los
diversos planos puede cambiar completamente
el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una
película.
En el montaje se hace casi toda la película. Se
cambian secuencias, se suprime lo que no gusta,
se añade o se acorta el ritmo.
Se empalman, según el orden del guión, los
fragmentos («rush») que han constituido una
filmación, ya que normalmente se filma en el
orden que marcan las circunstancias de
dirección y producción o las debidas a la
disponibilidad de los actores y a causas
climatológicas o de estación. Se seleccionan,
entre los diferentes fragmentos de cada toma
procedentes del laboratorio, los que se
consideran mejores. El trabajo se efectúa en una
mesa de montaje provista de una moviola.

47
 Tipos de montaje:

Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea

cronológicamente o mezclándolo con saltos al
futuro o al pasado.
Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de
la acción, rápido en las aventuras y en la acción,
lento en el drama y en el suspense.
Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las
emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.
Montaje creativo: Es la operación de ordenar
sin tener en cuenta una determinada cronología,
sino como recurso cinematográfico, previamente
expresado en el guión o como una operación
totalmente nueva, que tratará de dar coherencia,
ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
Montaje poético: Cuando se realiza como una
verdadera obra poética, causando reacciones en
el espectador. Posee intención expresiva, según
el cual los fragmentos se combinan de modo que
la atención del espectador responda a las
intenciones del realizador. Así, puede suceder
que determinada escena no sea presentada
entera y de una sola vez, sino alternada con otra,
estableciéndose entre ambas un montaje en
paralelo que puede intensificar las emociones. En
otros casos, en vez de presentar en orden
riguroso una cronología de los hechos
mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o
vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia
adelante.

La METÁFORA consiste en una comparación muy exagerada en la que se elimina la

comparación entre un producto y el otro; y se sustituye directamente un producto con el
otro. Se identifica un término real con uno imaginario con el que tiene una determinada
semejanza. En el lenguaje verbal un ejemplo puede ser decir: "Es una tortuga."

El SÍMBOLO es un tipo de metáfora que representa un valor o un conjunto de valores de

una sociedad. Su significado trasciende del significado que tendría normalmente para
evocar otra realidad

48
Sonido
El sonido de una película o banda sonora también es un elemento importante que puede
modificar el ritmo de la película. Dependiendo del ritmo musical y los instrumentos que
participen, el resultado puede expresar diferentes sensaciones. Encontramos varias
clases de ritmo:

• Sintético: planos largos y en poca cantidad. Generan un ritmo lento que aporta
sensualidad, monotonía, etc.
• "In crescendo": cada vez más breves (aporta tensión) / cada vez más largos (aporta
serenidad y calma).

El ordenamiento, o la estructura narrativa, es lo que finalmente decide cómo inciden en

el espectador, los elementos seleccionados.

En una película argumental la historia que se relata va encadenando los hechos para
llevarlos al desenlace. En el caso de un tema documental se debe prever una graduación
del interés para mantener la atención y la comprensión hasta el final.
Y en los dos casos debemos respetar una elemental exigencia: la claridad expositiva.
En resumen, podemos decir, que en todo libro cinematográfico tiene que plantearse:
cómo ordenar el material para seguir una línea de exposición clara y atractiva al mismo
tiempo.

Una de las posibilidades de ordenamiento es establecer cuatro etapas:

1ra. Etapa

INTRODUCCIÓN o exposición de los elementos que juegan en la película. Pueden ser

los personajes de un drama y el conflicto que deben enfrentar; ser la ubicación del
espectador en los términos que va a exponer un documental.

2da. Etapa

DESARROLLO DEL CONFLICTO o del enunciado expuesto en la 1ra. Etapa. Los

personajes del drama entran en la lucha a que los obliga su conflicto; los términos del
proceso documental se van mostrando al espectador.

3ra. Etapa

CULMINACIÓN o choque definitorio, a que ha llevado el desarrollo de la etapa anterior.

Los personajes del drama vencen o son vencidos, en la confrontación decisiva; el proceso
documental llega a su etapa definitiva.

49
4ta. Etapa

DESENLACE o forma en que se resuelve el conflicto. Los personajes del drama han
entrado en una nueva fase de su relación, entre sí o con el mundo exterior; en el
documental, se señala el sentido del proceso que ha culminado en la etapa anterior.

El significado del sonido en relación con la imagen

Analizar el sonido de una película desde la perspectiva de la expresividad y creatividad

del director es fundamental para poder interpretar con mayor profundidad y pureza el
mensaje de la obra y su singular enfoque.
Tal es la fuerza de la imagen que cuando el cine se hizo sonoro la cuestión se llegó a
plantear como una “desnaturalización del cine”. Hubo controversias sobre si el sonido era
un aditamento innecesario e incluso perjudicial para la imagen. Paul Rotha en 1930
declaró que una película con diálogos y sonidos sincronizados con la imagen en pantalla
es absolutamente contrario a los objetivos del cine1; también un afamado crítico, Víctor
Shklovsky, dijo en 1927 que el cine hablado es tan poco necesario como un libro de
canto2.

50
Náufrago (2000) de Robert Zemeckis.
En efecto, el cine mudo de los inicios ofrecía más que el primer cine sonoro. Y es que
éste consistió en diálogos y efectos de sonido de uso realista y sincronizado con la
imagen, sin creatividad prácticamente, lo cual lo hacía subordinarse a la imagen.
Hasta que no se hizo un uso expresivo y creativo del sonido, en el que además de
complementar el realismo de la imagen fuese capaz de suscitar efectos, hipótesis y
suposiciones emocionales en el espectador, el sonido no tuvo todo el valor que merece.
Al respecto dijo el afamado director Eisenstein (1898-1948) que el cine sonoro como
expresión artística comienza cuando el crujido de una bota se desliga de la imagen de la
bota que cruje para ligarse a la imagen del hombre que escucha con ansiedad ese
crujido3.
A partir de estas ideas podemos decir que se comenzaron a manejar las voces, la música,
los efectos de sonidos y los silencios con un sentido creativo-expresivo, siendo elementos
todos con contenido y con poder para activar en el espectador la capacidad de inferir. Sin
embargo, en la actualidad a menudo la banda sonora sigue siendo la gran olvidada en el
discurso fílmico; podríamos decir que el valor del sonido sigue bajo mínimos.
Pensemos, pues, en el modo de usar el sonido en el cine y los efectos psicológicos que
es capaz de crear.
Elementos que componen la banda sonora del filme
El sonido cinematográfico en su conjunto, es decir, la banda sonora se compone de:
Voces: forman parte fundamental del relato. La voz tiene la responsabilidad de desarrollar
la historia de una forma lógica, pero también la economizan y la hacen más comprensible
por norma general. Pilar Aguilar (1996) la describe de modo muy pertinente incluyendo
tanto la palabra como el simple ruido humano (respiración, jadeos, gritos,...)

51
Música: crea ambientes, sirve de anuncio que anticipa la aparición de un determinado
personaje o una situación. Potencia la imagen, la nutre de efectividad psicológica en el
espectador complementando con gran fuerza la atmósfera que el plano o secuencia
pretende evocar, siendo uno de los elementos que mejor acompaña al relato; incluso llega
a ser esencial para la historia. En todo caso, la música imprime un estilo a la obra4.
Ruidos: son efectos, especialmente onomatopéyicos, de los sucesos de la película. Lo
habitual es crearlos o manipularlos en laboratorio para que tengan impacto 5.
Silencios: tiene un valor emotivo. Advierte Pilar Aguilar (1996) que desde que el cine se
hizo sonoro el silencio se convirtió en una opción expresiva. Así es, son muchas las
posibilidades creativas del silencio en un filme, acompañando perfectamente a las
esperas en el relato, los momentos de expectación de los personajes, reforzando la
concentración, etc.6
¿Qué aporta el sonido a la imagen?
En primer lugar, la banda sonora completa de una película le aporta REALISMO a las
imágenes, permitiendo identificar localizaciones, reforzar ambientes, localizar las fuentes
de sonidos naturales y reales..., en definitiva, ése es su objetivo y sentido natural.
También aporta CONTINUIDAD a las imágenes en tanto que el uso de la palabra va
cosiendo los distintos planos, proporcionando un corpus a cada secuencia
independientemente del número de planos que pueda tener, todo ello reforzado con el
sonido ambiente y la música.
El sonido permite dar contenido y significado al SILENCIO. En efecto, desde un punto de
vista creativo el silencio “puede hablar” al ser capaz de representar emociones y vivencias
tales como la ausencia, el vacío, la angustia, la muerte...
Siguiendo en la línea de la creatividad y la expresividad, el sonido puede ser un
CONTRASTE o contrapunto a las imágenes, precisamente para destacar sonidos, ruidos,
efectos... que interesan al director.
Uno de los aportes más significativos está relacionado con lo que se ha venido a
denominar “plano sonoro”, basado en la DIMENSIÓN ESPACIAL que tiene el sonido en
relación con las imágenes, de tal modo que, mediante los diferentes matices de la banda
sonora (volumen, calidad, continuidad, presencia o no de la fuente,...), se pueden
establecer relaciones entre los objetos del campo visual y de éstos respecto a la mirada
del espectador7.
Más concretamente con la música se refuerza el RITMO de los planos y secuencias.
Pero quizás la función más relevante de ésta es la capacidad de DRAMATIZAR
caracterizando a los personajes, enfatizando la acción e incluso informando sobre la
historia si se trata de canciones con letra. Además, la función de AMBIENTAR la escena
no ofrece la menor duda, siendo evidente en cualquier película (por poca música que
contenga su banda sonora).
Además de estos aportes, que nos parecen muy interesantes, existen otros que vamos a
ver en el siguiente apartado sobre la clasificación de los sonidos y sus efectos.
El sonido, tipos y efectos en el cine

52
53
¿Cómo escuchamos el sonido en el cine?
Las funciones del control del sonido cinematográfico son en gran medida las
intencionalidades del creador con respecto a la “escucha” que quiere lograr en el
espectador.
En este sentido, Pierre Schaeffer (1988) establece tres tipos de escucha para cualquier
sonido:

En función de lo anterior, vemos que manejar el tipo de escucha para crear determinadas
atmósferas o para enfatizar algunos aspectos del filme es en definitiva lograr que el
espectador autogenere emociones concretas, ya que el sonido le hace recuperar
experiencias previas en su memoria, agradables o desagradables, que en todo caso son
vivencias propias que le disponen para recibir e interpretar el conjunto imagen-sonido
desde el enfoque que pretende el director. Pero manejar estos recursos exige al creador
conocer bien qué efectos provocan en el público.

1.3 El diseño en la vida cotidiana

• Reconocer la presencia de elementos del lenguaje visual, materialidad y procedimientos

en piezas de diseño gráfico, textil e industrial chilenas y del mundo,
asociadas a movimientos y estilos, tales como Art Nouveau, Art Decó, Bauhaus, entre
otros.

Diseño: se entiende como tal al arte de ordenar y componer elementos de la misma clase
para formar un todo, con un sentido estético o una finalidad de uso determinada.

54
El diseño tiene su origen en el cambio social que los
países industrializados sufrieron a finales del siglo XIX y
principios del XX, un fenómeno más ligado a la
economía que a la expresión creativa y al arte. Lo cierto
es que surgió y se desarrolló en momentos de gran
avance económico e industrial.
Es un fenómeno claramente relacionado con la
expansión del consumo y la producción y, por tanto, un
factor que contribuyó, en mayor o menor medida, a ese
cambio social.
Todos los días y en todas partes, estamos rodeados de
objetos sobre los cuales muy pocas veces nos
preguntamos cómo y por quiénes fueron creados: la
ropa que te pones, los cuadernos que llevas al colegio,
tu silla en la sala de clases, tu cama, el envase de
yoghurt, el CD de música... y el computador personal
que usas, todo ha sido diseñado. Diseño de muebles
En rigor, el diseño nos rodea, está en todo nuestro
entorno y muchas veces casi no nos damos cuenta de ello.
Entre otros varios tipos de diseño, podemos encontrar:
Diseño del entorno o diseño ambiental
Se ocupa de resolver problemas de urbanismo y paisajes, así como también económicos
y de ambientación y decoración en general.
Diseño arquitectónico:
Se ocupa de todo lo relacionado con la
proyección y la construcción de edificios y
obras de ingeniería, ambientación y
decoración de edificios, parques y jardines, y
elementos urbanos.
Diseño industrial:
Abarca desde los tornillos y piezas de
máquinas, los elementos prefabricados para la
construcción y el mobiliario de toda clase
hasta las máquinas de todo tipo, desde una
bicicleta hasta un avión, pasando por los
electrodomésticos.
Diseño gráfico:
Se refiere a todo tipo de composiciones,
Diseño arquitectónico planos, dibujos, carteles, portadas de libros,
periódicos y revistas, fotografías, proyectos de
propagandas, etc.
Se puede hablar de diseño de zapatos, de moda, de juguetes, y de todo tipo de actividad
que suponga crear objetos para que la gente los use, se los ponga o simplemente los
mire.
Hay otro aspecto que es el diseño de procesos y programas.
Diseño, en resumen, es la planificación y realización de objetos y ambientes para uso y
estancias de las personas así como de procesos y programas de actividades humanas.
55
Podemos reconocer fácilmente la huella de un diseñador en el corte de un vestido, en la
fachada de un edificio, o en la forma de un
automóvil de último modelo.
Menos visibles, pero no menos importantes
son aquellos diseños que encontramos a
diario, en objetos cotidianos. Desde el humilde
sujeta-papeles hasta la etiqueta del
supermercado.
El diseño está a nuestro alrededor en el
aspecto de nuestros hogares, y en la facilidad
con la que nos desplazamos de un lugar a
otro.
Terence Conran afirma en su libro "Sobre Diseño gráfico
Diseño" que “cada cosa hecha por un hombre o una mujer ha sido diseñada, una verdad
fundamental que es muy difícil de entender porque resulta demasiado obvia.”
Para el rector de la Escuela de Diseño de Altos de Chavón, Stephen Kaplan, el diseño es
el “motor de la industria y el comercio: ‘arte aplicado’.”
Se puede decir que Diseño es un conjunto de técnicas destinadas a expresar de forma
palpable o visible una idea o un concepto; o, dicho de otro modo, materializar una idea.
Esto cuando nos referimos a Diseño Visual, en cualquiera de sus formas.
Obviamente, existe una infinidad de disciplinas dentro del Diseño, desde el Diseño de
Modas hasta el cosas muy científicas como el Diseño Arquitectónico.
El Diseño, entonces, puede ser arte (como en el caso del diseño de modas) o una casi
ciencia exacta (en el caso de diseño Arquitectónico) muy específico para cada disciplina,
en las modas no hay parámetros científico y por el contrario, en la arquitectura hay muy
poco arte pues tienes que calcular factores como el "viento dominante", la "mecánica del
suelo" y otras cosas que desanimarían al más entusiasta.
El diseño como arte
Imaginemos una Diseñadora de modas, con
lápices de colores por todos lados, retazos de
las telas más modernas y atractivas,
completamente inspirada, mirando con
atención cada trazo a través de sus lentes de
lectura, imaginando como luciría su modelo
estrella, le pone aquí le quita allá, cambia de
ángulo su lámpara. Esta es una de las
manifestaciones más puras de arte, donde
sólo importan los colores, las formas, la luz,
etc. pero el arte no es antagónico de la ciencia.
Diseño en la moda Imaginemos ahora una diseñadora, con el
teclado de su computador en las piernas y su
mano sobre el mouse, clics por aquí, clics por allá, mira un momento el monitor, se queda
quieta, toma violentamente el mouse, selecciona de aquí a allá, borra y vuelve a dibujar
la última parte y lo manda a imprimir en su laser jet, ¿qué tenemos? es la fachada de una
casa, o el diseño de un jardín.
Obviamente, si es una casa, ella tendrá que planear las tuberías, sistema eléctrico,
declives en los planos y otras cosas, pero la distribución de las habitaciones, la fachada,
56
la posición de las escaleras principales, salieron precisamente de un arranque de
inspiración. Incluso para diseñar un par de jeans se tiene que calcular cosas como la
resistencia de la tela, la forma de coser para que no se descosa a la primera vez que te
sientes.
Hay áreas diversas donde los cálculos
matemáticos son lo único, pero las mismas
matemáticas son un arte, podríamos pensar
en las propiedades de algunos números como
el 3, el 6, y el 9; su interrelación es todo un
tema para cientos de páginas.
Se puede concluir que el diseño no es
ciencia ni arte, es pura química, tanto del
creativo como del prospecto, porque también
él ve las cosas de formas diferentes
dependiendo de su estado de salud orgánica
y sicológica.
Lo que deben aprender los creativos es a Diseño de un jardín
comprender a la sociedad que les mira. Entre
más claro tengan la idea de como funciona su organismo y su sicología llegaran a
comunicarse mejor con la persona que tiene ese organismo y esa sicología, eso es
Comunicación y el Diseño es una disciplina de la Comunicación.
Si bien la profesionalización e institucionalización del diseño gráfico como disciplina se
produjo en Chile a fines de la década de 1960, existieron numerosos antecedentes de
producción de imágenes en serie y piezas gráficas orientadas a la publicidad de
productos, eventos u organizaciones.
Durante la primera mitad del siglo XX, en un contexto de auge de la industria
editorial chilena y de consolidación de la instrucción de las artes aplicadas, la práctica del
diseño, como actividad independiente de las Bellas Artes, tuvo sus principales ámbitos de
expresión en la producción editorial y la tipografía, el cartelismo, la ilustración, la imagen
corporativa y la gráfica publicitaria.
En este contexto, surgieron grafistas autodidactas y otros formados en la Escuela de
Artes Aplicadas de la Universidad de Chile. Entre los primeros, destacaron los casos de
Carlos Sagredo, Georges Sauré, Marcial Lema, Fernando Ibarra, Luis Oviedo, Eladio
Cornejo, Julio Bórquez, Luis Troncoso, Osvaldo Salas, Germán Sepúlveda, Edmundo
Cifuentes y Santiago Nattino, quienes divulgaron su trabajo en los muros de la ciudad y
en vitrinas de casas comerciales, pero también a través de revistas como Zig-Zag (1905-
1964), Para Todos (1927-1931), Ecran (1930-1969) y En viaje (1933-1973).
La inmigración de artistas, profesionales y grafistas españoles y del resto de Europa en
la década de 1940, a causa de la situación política del viejo continente, aportó una mirada
distinta no solo a la industria editorial sino también al desarrollo del cartelismo y la
identidad visual de marcas y productos, en tanto medios eficaces de comunicación
comercial y de propaganda política y social. Entre estos inmigrantes destacaron Mauricio
Amster (1907-1980), Mariano Rawicz, Francisco Otta (1908-1999), Kitty Goldmann y
Giulio di Girolamo.
Tras el fuerte desarrollo tecnológico producido luego de la Segunda Guerra Mundial, la
práctica del diseño se fue convirtiendo, por un lado, en un factor más de la producción de

57
objetos comercializables y, por otro, en una herramienta de comunicación en el contexto
de una creciente cultura de masas.
En este escenario, el diseño orientado a la comunicación masiva se proyectó como un
necesario agente intermediario del sistema de producción y distribución de objetos
comerciales, ya que tanto la industria cultural como los fabricantes de bienes y los
proveedores de servicios necesitaban informar y recordar a los consumidores sobre la
disponibilidad de las mercancías y novedades que producían. En otros términos, el diseño
gráfico se fue consolidando como una herramienta comunicativa que mediaba la relación
entre productores y consumidores, a partir de un uso especializado de técnicas como la
fotografía, la tipografía y la ilustración en la composición de piezas tales como logotipos,
isotipos, catálogos, folletos, diagramas infográficos, revistas, libros y stands, entre otros
soportes.
Hacia la década de 1960, estas prácticas, medios y técnicas se fueron alejando de su
dependencia de las artes gráficas y la esfera propiamente artística para conformarse
como una actividad profesional autónoma que, en Chile, comenzó a forjarse con la
fundación de las primeras escuelas de Diseño hacia 1967 (Álvarez, Pedro. HDGCH.
Historia del diseño gráfico en Chile. Santiago: Pontificia Universidad Católica de Chile,
2004, p. 132).
Desde entonces, el diseño gráfico se ha venido desarrollando en nuestro país como una
actividad creativa y también integrada del orden social al ocupar un lugar importante en
la concepción y comunicación de productos, sistemas y servicios fabricados en serie.
Taller 99
Espacio dedicado al desarrollo del grabado en Chile, fundado por Nemesio Antúnez en
1956, a imagen y semejanza del "Atelier 17" que tenía W.S. Hayter en Nueva York.

En él se intercambiaron referencias más o menos subjetivas entre la abstracción y la

nueva figuración.

El rol de la producción del taller consistió en abandonar por la vía de lo abstracto, el

primitivismo y la ilustración de lo popular, como oposición a las obras realizadas en la
Facultad de Artes de la Universidad de Chile.
De este taller surgieron figuras como Delia del Carril (ex mujer de Neruda), Roser Bru,
Santos Chávez, Mario Toral, Juan Downey, Adriana Asenjo y Eduardo Garreaud, entre
otros.

Arts & Crafts, Gran Bretraña, 1850-1914

58
En el primer tiempo de la Revolución Industrial, los ingleses estaban
a la vanguardia del diseño. Muestra de ello es el movimiento de Artes
y Oficios, una agrupación de arquitectos y diseñadores progresistas
cuyo objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante el
retorno a la Artesanía, en respuesta al horror que les producían los
primeros objetos industriales, bastante brutos, descuidados y
desagradables estéticamente.

El sistema de trabajo de Artes y Oficios se basaba en

el taller medieval: el alumno aprendía un modelo establecido y
después de lograr la perfección, podía proponer otro modelo que
superara al de su maestro. Pero a diferencia del sistema medieval,
en Artes y Oficios se unía el arte superior (pintura, escultura) con el
arte "servil" (cerámica, grabado), con lo cual se realizaban objetos
de gran calidad, que aparte de ser útiles eran muy bellos. Morris

William Morris, líder de este movimiento, era partidario de la simplicidad de la Artesanía

y sólo aceptaba la mecanización sí ésta producía objetos de calidad y reducía la carga
de los trabajadores, ya que él promovía la democracia a través de la Artesanía.

La paradoja era que los productos de su empresa, Morris & Co., eran muy caros de
hacer y sólo los ricos podían comprarlos. De este modo, el gran problema era que el
exceso de preciosismo y delicadeza estética imposibilitaba la masificación del diseño,
asunto esencial en el proceso industrial.

Aunque la labor de Morris no tuvo resultados inmediatos a causa de los medios de

producción artesanal que utilizaba, sus ideas reformistas ejercieron un impacto
fundamental en el desarrollo del movimiento moderno.

Art Nouveau, París, 1880-1910

59
Conocido también como "Nuevo Arte", este movimiento se
inspiraba en el Arts & Crafts británico y estaba integrado por
diseñadores vinculados a la Secesión Vienesa, los que
introdujeron formas naturales, abstractas y curviLíneas,
promoviendo el uso de motivos ondulados. Los antecedentes
estéticos del Art Nouveau son muy variados: la recién descubierta
tumba de Tutankamón (estilo del antiguo Egipto), el jazz, el
cubismo (por la síntesis de planos geométricos), el ballet ruso y el
mundo precolombino, se suman al uso de maderas nobles, marfil,
bronce muy brillante y piedras preciosas.

Es muy característico también el uso de tonos dorados, plateados

y azulados, y en el diseño gráfico, la representación de rayos
solares.Uno de los exponentes del Art Nouveau fue el arquitecto
belga Victor Horta, cuyo Hotel Tassel (1893) fue una de las
primeras expresiones de este tipo de arquitectura.
Este novedoso proyecto residencial
incorporaba el hierro como
mecanismo estructural y decorativo, y
el uso de columnas como tallos
girando en espiral acuñó la expresión "Línea Horta".En
Francia, el estilo se dio a conocer como "Estilo Guimard",
en reconocimiento a las formas retorcidas y entrelazadas
utilizadas por Héctor Guimard, y especialmente por sus
entradas de hierro fundido del Metro de París (1900).

También allí se le conoció como "Le Style Moderne",

mientras que en la versión alemana se denominó
"Jugendstil".En España, el estilo Art Nouveau floreció a
través de Antoni Gaudí, quien se refería al estilo como
"Modernismo" ; en Italia, se utilizó el término "Stile Liberty"
en honor al papel de los grandes almacenes Liberty & Co.
en la promoción del estilo.

60
Deutscher Werkbund, Munich, 1907-1935

La Liga de Talleres Alemanes pretendió reconciliar la actividad

artística con la producción industrial, por lo cual, entre sus
miembros fundadores hay diseñadores, una serie de
fabricantes reconocidos y algunos talleres de diseño con sede
en Munich.

En sus planteamientos fue ganando terreno la idea de que las

máquinas eran un medio para llegar a un fin, y que para que la
reforma del diseño llegara a todas partes, debía
necesariamente adoptarse el proceso industrial... todo lo cual
es un signo evolutivo respecto a las primeras bases sentadas
por William Morris.

La fundación del Deutscher Werbund se considera como el

momento en que la ideología reformista quedó definitivamente
vinculada a la producción industrial; los miembros de ésta agrupación desarrollaron un
nuevo enfoque del diseño muy racional, que eliminaba la ornamentación y enfatizaba
el funcionalismo.

Con la erradicación de la decoración externa superflua, los elementos ganaban

sencillez y se lograba una mayor estandarización y eficacia en cuanto a la producción
y los materiales.

El "ahorro" beneficiaba al usuario y al fabricante, porque aumentaba la calidad de la

construcción y de los materiales.

Constructivismo, Rusia, 1917-1935

Este movimiento tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o

"Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado" y
se desarrolló principalmente en el arte, diseño y
arquitectura rusos.

La Revolución Soviética buscó nuevas formas de

expresión relacionadas con la aspiración de suplantar el
sistema capitalista por esquemas más democráticos de
producción y distribución de bienes.

Con esta finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir

Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky,
Naum Gabo y El Lissitzky promovieron una estética y una
aproximación al diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la producción industrial
y decía adiós al ornamento complaciente.

61
Entre las características de estilo está el uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo,
negro y blanco (generalmente siempre en los mismos tonos, tanto en afiches como en
objetos), la constante alusión a elementos modernos que simbolizan el progreso, las
estructuras geométricas y las formas pesadas.

Por ejemplo, la cerámica constructivista solía estar decorada con motivos

suprematistas (formas geométricas sobre un fondo blanco y plano), lo que producía
una fuerte impresión de dinamismo y modernidad. Pero a causa de la inestabilidad
propia del tiempo que sigue a una revolución, se llevaron a cabo muy pocos proyectos
a gran escala, por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones,
cerámicas y grafismos.

De Stijil, Holanda, 1917-1931

Un grupo de arquitectos, diseñadores y artistas holandeses,

donde participaba Piet Mondrian, creó en 1917 una revista
de arte llamada De Stijil, que se convirtió en un foro de
debate artístico y de diseño, y luego, en el centro de un
grupo más amplio de intelectuales.

Este movimiento promovía un objetivo común, la

abstracción absoluta, y reivindicaba la pureza del arte y el
diseño a través de la adopción de un lenguaje universal de
cubismo abstracto, o como definía Mondrian, de
neoplasticismo.

De Stijil influyó en el arte, así como en el diseño de muebles, Silla red-blue

interiores, tejidos, gráficos y arquitectura.

Tanto en ésta última como en el interiorismo, De Stijil se caracterizó por el uso de

marcadas formas geométricas y bloques de color que delimitaban el espacio. Se
usaban tabiques para dividir las zonas internas, mientras que los muebles utilitarios se
reducían al máximo.

Las fuertes Líneas de esos interiores producían una sensación de dinamismo y de

ligereza, que se lograba mediante la eliminación de adornos.

Aunque compartía muchas ideas del Constructivismo Ruso, tales como el dinamismo
espacial, De Stijil es reconocido como el primer movimiento moderno de diseño por su
defensa de una nueva pureza estética.

Bauhaus,Weimar, Dessau, Berlín, 1919-1933

62
La Escuela Bauhaus fue fundada por Walter Gropius,
quien abogaba por el ideal de talleres de artesanos
por sobre el sistema de la Deustcher Werkbund.
Bauhaus significa " casa de construcción" y como
escuela interdisciplinaria con talleres de
experimentación sobre diversidad de materiales,
reformulaba la teoría educativa, fusionando las
distintas artes.Para Gropius, la manufactura era una
actividad social importante, simbólica e intelectual y
fue esa visión la que dominó las enseñanzas de la
Bauhaus.
Silla Wassily
El plan de estudios incluía un curso preliminar en el que los estudiantes aprendían los
principios básicos del diseño y de la teoría del color. Al acabar este curso, los alumnos
entraban en uno de los talleres situados en dos edificios y se especializaban al menos
en un tipo de oficio artesanal.

Los talleres eran autofinanciados, ya que las industrias fomentaban la invención de

productos de su utilidad; en esta escuela, donde a los tutores, algunos provenientes
de los gremios locales, eran llamados "maestros" y los alumnos "aprendices",
predominaba el racionalismo, la estética de las formas geométricas, así como la
funcionalidad, utilidad y eficiencia a bajo costo.
El alumno se enfrentaba al problema de composición tal
como si fuera un problema espiritual (a raíz de las ideas de
Kandinsky sobre lo espiritual en el arte), pero buscando el
impacto masivo del diseño para llegar óptimamente al
pueblo alemán; por tanto, el campo de investigación era
amplio, incorporando áreas de estudio como la ergonomia,
con lo cual se ideaban diseños que contemplan en su forma
la anatomía del cuerpo.

Con la convicción de que la sociedad mejoraría con la

aplicación del funcionalismo, los diseños de la Bauhaus se
concebían para la producción industrial adoptando
deliberadamente la estética de la máquina.

Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto

fundamental en la práctica posterior del diseño industrial y proporcionó los cimientos
filosóficos del movimiento moderno.

La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista
de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo
cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.

Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy,
Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.

63
Estilo Internacional, 1920-1980

La designación Estilo Internacional se refería específicamente

a la obra de los arquitectos y diseñadores del Movimiento
Moderno, quienes integraron la función y la tecnología con un
lenguaje formal geométrico para producir una estética
moderna.

Aunque a veces se usa para definir el movimiento moderno

temprano (1900-1933), actualmente se asocia con la forma
moderna más utilitaria que apareció tras el cierre de Bauhaus
en 1933.

También hace referencia a la obra de Le Corbusier y sus Eero Saarinen

seguidores, quienes durante los años '20 y '30 promovieron
una versión del movimiento moderno más estilizada y menos austera. Sin embargo,
los principales exponentes del estilo internacional fueron Mies van der Rohe y Walter
Gropius, quienes, tras emigrar a los EE.UU, pusieron un gran empeño en tratar de
"internacionalizar" el movimiento moderno.
Muchos de los seguidores del estilo internacional
adoptaron una estética funcionalista del
movimiento moderno por razones de estilo; otros,
en cambio, desarrollaron una pureza estética que
promovía un mayor universalismo en la
arquitectura y el diseño.

Los principales exponentes de este estilo son

Charles Eames, Eero Saarinen, y Norman
Foster.En años recientes se observa una
Lecorbusier
tendencia por recuperar la estética racional en el
diseño de productos y muebles, ya que los
fabricantes buscan, al igual que lo hacía el estilo internacional, soluciones globales
transculturales.

Por tanto, el término "Estilo Internacional" puede hacer referencia a un período y a un

tipo de modernidad muy concretos, y a la vez aludir a la estética resultante de un
enfoque funcionalista del diseño que se remonta a los inicios del movimiento moderno.

64
Art Decó, París , 1920-1939

El Art Decó fue más un estilo decorativo internacional que un

movimiento de diseño.
Tomando el relevo del Art Nouveau de fines de siglo XIX, que
con su actitud antihistórica adoptaba formas naturales, el Arte
Decó extrajo sus referencias estilísticas de una serie de
fuentes eclécticas, como la antigua civilización egipcia, el arte
tribal, el surrealismo, el futurismo, el constructivismo, el
neoclasicismo, la abstracción geométrica, la cultura popular
y el movimiento moderno.
La mayor parte de sus
exponentes adoptaron la idea de
la Artesanía e incorporaron a
sus diseños maderas exóticas y materiales lujosos, como
el nácar o la piel. Como es de suponer, la dependencia
del mecenazgo privado y su incompatibilidad con la
producción industrial acortaron la vida del Art Decó, que
fue inevitablemente sustituido por enfoques más
progresistas.

Jean Dunand

Diseño orgánico, 1931-1960, 1990 al presente

El diseño orgánico es un enfoque holístico y

humanizador del diseño.
Su método de trabajo consistía en el desarrollo de
soluciones integradas, de modo que la totalidad de
un esquema arquitectónico se unificaba, generando
un efecto general mayor que la suma de las partes.

En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en

que los elementos individuales, como objetos o
muebles, conectaban visual y funcionalmente con el
contexto de su emplazamiento interior y el conjunto
del edificio. También era importante cómo los Q4 Plugged
interiores se integraban con la totalidad del esquema Philips Design
y cómo el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus
proporciones, los materiales y el color.

Pero si bien la interconexión y el espíritu de la naturaleza eran la base de la arquitectura

orgánica, no solían emplearse formas orgánicas; eso hasta que a principios de los años
treinta, Alvar Aalto, uno de los mayores defensores del diseño orgánico, lideró un

65
vocabulario humanizador y moderno de la forma, donde las curvas suaves y sinuosas
se opusieron al rígido formalismo geométrico del estilo internacional.
La principal preocupación de Aalto eran las
conexiones funcionales, espirituales y emocionales
de sus muebles con los usuarios individuales.

Sus ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los

EE.UU, cambiando el rumbo del diseño hacia el
movimiento orgánico moderno: de este modo,
diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames
crearon sillas, muebles realmente revolucionarios,
no sólo por la tecnología de punta que utilizaron en
la estructura, sino también por el concepto de
Alvar Aalto contacto y soportes continuos, promovido mediante
las formas orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento. La aplicación práctica del
diseño orgánico Saarinen la llevó a su arquitectura: su obra maestra es la terminal
orgánica de la TWA en el aeropuerto Kennedy, uno de los edificios más extraordinarios
del siglo XX.

A principios de los años noventa, impulsado por un mejor conocimiento de la

egonomía, la antropometría, los avances en el diseño y la creación por computación,
el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca.

Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico, el diseño

orgánico expresa toda su potencia cuando su sensual y emocional vocabulario formal
conecta con el usuario de manera subliminal, apelando directamente a su sentido
innato de la belleza natural.

66
Pop, 1958-1972

Con la expansión del Pop en el arte de las décadas '50 y '60,

éste empezó a manifestarse también en el diseño de objetos
de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un
planteamiento joven y menos grave que el "buen diseño" de
los años cincuenta. El diseño Pop era muy estilizado,
buscaba el efecto inmediato pero efímero, por lo que era
intrínsecamente obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana"). Así
por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o plástico creadas
en los años sesenta, eran básicamente desechables.
En la misma década, muchos diseñadores optaron por el
plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas
formas y procesos de modelado eran cada vez más
habituales y baratas. Los colores chillones y las formas
asociadas al arte Pop barrieron con los últimos vestigios de
austeridad de la postguerra. El diseño Pop, con sus
EM Emotive Micro
asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado
Range
'menos es más' del movimiento moderno y condujo
Philips Design
directamente al diseño radical de los años setenta.
El Pop design se inspiraba en una gran variedad de
fuentes (Art Nouveau, Art
Déco, futurismo, surrealismo, Op Art, psicodelia, Kitsch)
y recibió el estímulo del auge de los medios de
comunicación globales.

El diseño Pop tuvo una influencia de gran alcance y

sentó algunos de los cimientos del Postmodernismo,
puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y
por tanto, del movimiento moderno.

Saco

67
Posmodernismo, 1978 al presente

El posmodernismo en el diseño se remonta a la década del

'60, cuando emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las
esferas intelectuales y artísticas, sobre diversos aspectos de
la Modernidad.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban
que la adhesión del anterior movimiento moderno a la
abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el
simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en
éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo. En
el área del diseño y la arquitectura, Robert Venturi, por
ejemplo, sostenía que la arquitectura moderna carecía de
sentido, ya que no poseía la complejidad e ironía que
enriquecía a los edificios históricos. Umeda

A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron
a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a
antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.

El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la
vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron
monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel
mundial desde 1981.
La obra de Memphis recibía una serie de
influencias muy eclécticas, y con sus motivos
atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la
noción de "buen gusto".Memphis contribuyó
durante los años ochenta a la comprensión del
Posmodernismo como estilo internacional, puesto
que los diseños posmodernos abrazaban el
pluralismo cultural de la sociedad global
contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico
concebido para trascender fronteras. Entonces,
Sofá cuadrilatero el movimiento posmoderno puede resumirse
como un híbrido del diseño, dado que en el
proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se
combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera
enciclopedia de materiales.

68
 Tiempo después, la recesión económica de los
años noventa motivó a los diseñadores a buscar
enfoques menos expresivos y más racionales: de
este modo, las atrevidas manifestaciones del
antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas
por la silenciosa pureza del minimalismo de los
noventa.

Memphis

• Identificar los aspectos visuales y/o simbólicos en el diseño de objetos utilizados en

manifestaciones culturales y celebraciones de distintas localidades y regiones del país.

El diseño popular que se realiza como manifestación cultural. No hablamos de Artesanías,

porque ellas pueden clasificarse dentro del campo de la decoración o del objeto utilitario,
es decir, de un tipo de diseño que ya hemos estudiado; más bien nos referimos a la
creación de elementos que se utilizan en las más variadas celebraciones (rituales,
carnavales, procesiones religiosas, aniversarios patrios, etc.), tales como MÁSCARAS,
CARRUAJES, ALHAJAS, DECORACIÓN Y VESTUARIO.

Este tipo de diseño posee una fuerte tradición popular, y normalmente surge de la mezcla
de muchas creencias y culturas que aportan variados elementos al objeto.

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Una de las características de estos diseños es que cuentan con un modelo básico a seguir
(creado por fusión cultural), sobre el cual se hacen variaciones o versiones en cada
celebración.

Celebraciones
1. A nivel nacional
Fiestas Patrias, Mes de septiembre
Se celebran durante todo el mes de septiembre, pero especialmente los días 18 y 19, con
ramadas, juegos populares y desfiles; entre éstos el más importante es la Parada Militar
que se realiza en Santiago, en la elipse del Parque O’Higgins el día 19 de septiembre,
Día del Ejército.
En algunas localidades se celebra el llamado “18 chico” el fin de semana siguiente a las
Fiestas Patrias; en estas fechas es también tradicional la fiesta de la Pampilla en
Coquimbo.
Fiesta del Rodeo
Esta fiesta folclórica se realiza en una medialuna circular con una pista de 40 m. de
diámetro. El piso es de arena mezclada con salitre y alrededor de esta pista se encuentran
las tribunas. Para dar salida y entrada a los animales, generalmente novillos o vaquillas,
se cuenta con portones. Los jinetes, siempre en parejas, corren el animal tratando de
alcanzarlo y detenerlo en un sector de la pared de la medialuna cubierto con chilca, la
cual termina en ambos extremos con banderas chilenas.
Fiesta de la Vendimia, Término de la temporada de cosecha de la uva
Al final de la temporada de cosecha de uvas se reúnen hombres y mujeres vendimiadores
en una gran fiesta. En ella se mencionan España y Francia, tanto en los brindis como en
las canciones que los acompañan; ello se entiende al relacionarlo con la llegada de las
primeras cepas de origen español y los primeros técnicos franceses.
2. A nivel regional
I Región de Tarapacá
Fiesta de Reyes, 6 de enero (Pascua de Negros)
Se realiza en la localidad de Pica, a 117 km. al sureste de Iquique a 1.300 m. sobre el
nivel del mar. Su celebración se extiende a grandes ciudades como Arica e Iquique, en
las cuales los adornos navideños de casas y locales comerciales se mantienen hasta
dicha fecha.
La Tirana, 16 de julio
Festividad que se lleva a cabo en honor de la Virgen del Carmen en el poblado de La
Tirana, en medio de la Pampa del Tamarugal, a 1.010 m. de altura y a 84 km. al interior
de Iquique. Esta fiesta popular religiosa es la más grande de las celebradas en el país.
Miles de personas siguen en ordenado ritual a los danzantes que con máscaras y vistosos
atuendos presentan bailes y ofrendas a la Virgen.
La Tirana Chica, última semana de enero
Se realiza en el mismo lugar y mantiene características similares a la fiesta de La Tirana,
pero a menor escala.
Fiesta del enfloramiento del ganado
Se realizan verdaderos carnavales al interior de los pueblos aymaras. Se adornan cuello
y orejas, especialmente de llamos, con propósitos de fecundidad y protección.
II Región de Antofagasta
70
Virgen de Guadalupe de Aiquina, 8 de septiembre
Se celebra en el poblado de Aiquina, ubicado a 75 km. al noreste de Calama y a 2.980
m. de altura. La fiesta tiene una duración de cinco días y se inicia tres días antes de la
fecha indicada.
San Francisco, 4 de octubre
Esta fiesta se organiza en homenaje a San Francisco de Asís en diferentes regiones y
localidades, entre ellas Chiu-Chiu, a 33 km. de Calama. Como fiesta popular combina lo
religioso y lo pagano reflejado en el culto y el baile.
Fiestas de San José y del enfloramiento del ganado, mediados de enero y marzo
Ambas fiestas se celebran en la localidad de Cupo, poblado de la puna de Atacama,
situado al norte de las vegas de Turi. Estas celebraciones muestran las características
religioso-costumbrista del norte.
Fiesta de la limpieza de las acequias, vísperas de las lluvias
Se realiza colectivamente en los pueblos cercanos al Salar de Atacama, dos o tres veces
en el año.
Fiesta de San Santiago, 25 de julio
Se celebra en honor a San Santiago, patrono de Toconce y Río Grande, ambos poblados
situados al este de Calama.
III Región de Atacama
La Candelaria, primer domingo de febrero
Su celebración se efectúa en la localidad de San Fernando, a 4 km. al este de Copiapó.
También es venerada en otros puntos del país. La Virgen de la Candelaria se representa
con una vela en las manos como símbolo de la purificación de la mujer. Es una de las
fiestas más antiguas del norte y reúne a fieles de todo el país y de naciones limítrofes.
Fiesta del Niño Dios, 6 de enero
Se celebra en el pueblo de Sotaquí, ubicado a 8 km. de Ovalle. En ella toman parte
creyentes chilenos y argentinos. Destacan las hermandades de danzantes ataviados con
vistosos trajes de vivos colores y muy adornados.
IV Región de Coquimbo
Virgen de Andacollo, La fiesta Chica: primer domingo de octubre
En esta celebración se rinde homenaje a la Virgen del Rosario. Se realiza en el pueblo
minero de Andacollo, ubicado a 1.040 m. sobre el nivel del mar a 50 km. de Coquimbo.
Virgen de Andacollo, La fiesta grande: del 23 al 27 de diciembre (día más imortante, eñ
26)
Esta fiesta reúne a más de 40.000 peregrinos venidos de todo el norte, con presencia de
las tradicionales cofradías de “chinos,” algunas con más de dos siglos de existencia con
sus singulares atuendos, estandartes y bailes. En el Templo Antiguo permanece la
imagen de la Virgen del Rosario colocada sobre un gran altar de plata repujada. En él
también se encuentran los ropajes de gala que viste la Virgen para su fiesta.
V Región de Valparaíso
Virgen del Carmen, 16 de julio
Se lleva a cabo en Rinconada de Silva, localidad ubicada a 7 km. de Putaendo. Se
levantan arcos de triunfo y la imagen de la Virgen es paseada en andas por las calles,
acompañada de peregrinos en largas procesiones.
San Pedro, 29 de junio
Se celebra en todos los puertos y caletas del litoral de la V Región y también en otras.
San Pedro es el patrono de los pescadores. Están presentes en esta fiesta los bailes
71
chinos y las cofradías de danzantes. Se realiza un desfile marítimo con botes adornados
con flores en los cuales va navegando adelante la imagen del Santo.
Virgen de Lo Vásquez, 8 de diciembre
Esta festividad se realiza en el Santuario de Lo Vásquez, a 32 km. de Valparaíso. Es la
más significativa de las fiestas de V Región. Gran cantidad de peregrinos llegan a ella a
pagar sus mandas.
Virgen de las 40 horas, 24 de febrero
Llamada así, según la leyenda, por haber sido encontrada por un grupo de pescadores
luego de pasar 40 horas en el mar en medio de un temporal, su celebración se efectúa
en la ciudad de Limache.
Lo Abarca, 8 de diciembre
Esta fiesta se celebra en el pueblo de Lo Abarca, muy cerca del puerto de San Antonio,
como una romería a la Virgen de la Inmaculada Concepción cuya imagen, tallada en
madera policromada, permanece allí desde hace doscientos años.
Región Metropolitana de Santiago
Cuasimodo, Primer domingo después de Pascua de Resurrección
Se realiza en las comunas de Santiago, Talagante, Quilicura, Colina, Las Condes,
Barnechea, Conchalí, Maipú, Isla de Maipo, Alto Jahuel, Chada. Trasciende a la Región
Metropolitana. Es una ceremonia en la cual se lleva la comunión a los enfermos. El
sacerdote “corre a Cristo” acompañado por fieles a caballo, bicicleta y a pie, vestidos
especialmente para la ocasión, con sus cabezas cubiertas por pañuelos de colores.
Procesión del Cristo de Mayo, 13 de mayo
Al atardecer se inicia esta tradicional procesión. Desde la Iglesia de San Agustín, en
medio de oraciones y canciones religiosas es llevada la imagen del Cristo de Mayo hasta
la Plaza de Armas en Santiago. Esta fiesta tradicional se realiza desde los tiempos de la
Colonia.
Fiesta de la Virgen del Carmen, 16 de julio
Durante todo el día los peregrinos se dirigen hacia el Templo Votivo de Maipú, donde se
celebra a la Virgen con canciones, bailes, oraciones y coloridas vestimentas.
Fiesta del Huaso, Primer domingo de septiembre
Esta fiesta campesina se realiza en honor a la Virgen del Carmen. Los huasos montan
sus caballos engalanados, realizando un bello y pintoresco desfile.
VI Región del Libertador Bernardo O’Higgins
Santa Rosa de Pelequén, 40 de agosto
Se celebra en esta fecha la fiesta de Santa Rosa de Lima. Ella está personificada en una
imagen ubicada en la localidad de Pelequén, a 33 km. al sur de Rancagua.
Inmaculada Concepción, 8 de diciembre
Al igual que en la fiesta de la Virgen de Lo Vásquez, miles de fieles llegan a la localidad
de Graneros, 12 km. al norte de Rancagua, a rendir culto a la Virgen cuya imagen es
guardada en la Iglesia de la Hacienda de la Compañía.
VII Región del Maule
Las Mercedes, 24 de septiembre
Esta fiesta se lleva a cabo en la localidad de Lipimávida, hasta donde llegan los lugareños
de poblados vecinos a pagar sus mandas.
Santa Cruz de Mayo, 2 y 3 de mayo
Se celebra en muchos lugares, especialmente en la ciudad de Linares, donde se realizan
peregrinaciones con participación de miles de fieles.
72
La Candelaria, 2 de febrero
Se realiza en la localidad de Chanco, al igual que en otras regiones del país, en homenaje
a la Virgen.
VIII Región del Bio-Bio
San Sebastián de Yumbel, 20 de enero
Esta es una de las fiestas religiosas que más fieles reúne en el país. Se realiza durante
tres días en el pueblo de Yumbel a 70 km. de Concepción. Asisten a ella más de
trescientas mil personas.
IX Región de la Araucanía
San Sebastián, 20 de enero
Esta festividad también se celebra en otras localidades del país como Lonquimay, Puerto
Saavedra y Perquenco. En éstas se venera al Santo que lleva su nombre, al igual que en
Yumbel.
Virgen del Tránsito, 15 de agosto
Se realiza en la localidad de Metrenco, 10 km al sur de la ciudad de Temuco. Ahí se
levanta un Santuario donde concurren los fieles.
X Región de Los Lagos
Jesús Nazareno, 30 de agosto
Se lleva a cabo todos los años en la Isla de Cahuach, en la provincia de Chiloé. A ella
concurre gran cantidad de fieles provenientes de diferentes localidades.
La Candelaria, Primer domingo de febrero
Al igual que en otras localidades del país, esta Virgen se venera en la localidad de
Chonchi. La leyenda dice que en una oportunidad la Virgen protegió a la población de los
piratas holandeses.
XI Región del General Carlos Ibáñez del Campo
La Corrida, noviembre y diciembre
Fiesta típica de la región que se realiza todos los años en Coyhaique y en la Villa de
Ñirehuao. Su finalidad es despedir el año agrícola.
Virgen de Lourdes, 11 de febrero
Una gruta en la cascada del Parque Nacional Río Simpson es el escenario para esta
celebración.
Carnaval de Invierno, Fin de semana más cercano al 21 de julio
En esta fiesta tradicional, realizada en Punta Arenas, se celebra el inicio del invierno y la
noche más corta del año. En ella participan gran cantidad de carros alegóricos y
comparsas que cruzan las calles de la ciudad.

• Distinguir características constitutivas del diseño urbano (espacio urbano,

elementos de diseño urbano, espacio público, espacio privado, recorrido, espacio
juvenil, acceso, circulación, áreas verdes, zonas cubiertas, tipo de terreno, calidad
de vida).
Se entiende por diseño urbano al área compartida por la arquitectura y el diseño, que se
preocupa de dar forma al espacio público de las ciudades o asentamientos humanos,
procurando responder a criterios funcionales, físicos y estéticos, para hacer la vida urbana

73
más cómoda a las y los habitantes de los núcleos urbanos, y gestionar el espacio donde
se lleva a cabo la vida social.
Como elementos del diseño urbano podemos encontrar los siguientes: paraderos de
buses, parques, plazas, fuentes de agua, cruces de caminos, calles, pasarelas
peatonales, señalética, mobiliario urbano, edificaciones, entre otros.

Los rasgos característicos del espacio urbano son su mayor población, su alta densidad
de población, su extensión y su mayor dotación de todo tipo de infraestructuras; pero
sobre todo la particularidad de las funciones urbanas, especialmente las económicas,
concentrándose la actividad y el empleo en los sectores secundario y terciario, siendo
insignificante el primario. El espacio urbano, frente a su área de influencia, es emisor
de servicios de todo tipo (burocráticos, educativos, sanitarios, financieros, culturales,
de ocio) y productos de alto valor añadido; mientras que es atractor de población y
recursos de otro tipo (mercancías agrícolas y ganaderas, energía y productos primarios
que en el espacio urbano no se pueden producir). El alto precio del suelo, resultado de la
alta demanda de viviendas, locales comerciales y todo tipo de actividades económicas, la
falta de infraestructuras homogéneas en la ciudad y la falta de cobro de impuestos al
suelo adecuados, refuerza la densificación en altura, aun cuando esto también es
producto de la importancia de la localización El espacio rural, con el paso del tiempo, ha
adquirido comportamientos urbanos en su población, actividades y dotación de
infraestructuras, diluyéndose en cierta medida las diferencias con el urbano en cuanto a
la satisfacción de las necesidades de servicios elementales.

Los elementos del diseño urbano son:

Edificaciones: Los edificios son los elementos más pronunciados del diseño urbano. Los
edificios dan forma y articulan en espacio formando los muros de las calles de la ciudad.
Los edificios bien diseñados y los grupos de edificios trabajan en conjunto para crear el
sentido de lugar.
Espacio público: Los grandes espacios públicos son la sala de estar de la ciudad; el
lugar donde la gente se junta para disfrutar de la ciudad y de la gente. Los espacios
públicos le dan a la ciudad la calidad de vida, forman el escenario y el telón de fondo de
la vida urbana. Los espacios públicos van desde plazas y plazas centrales grandes, a
parques vecinales locales.

Calles: Las calles son las conexiones entre espacios y lugares, así como son espacios
en sí mismos. Las calles se definen por su dimensión física y su carácter, así como el
tamaño, la escala y el carácter de los edificios que los recubren. Calles van desde grandes
avenidas, como los Campos Elíseos de París a calles peatonales pequeñas e íntimas. El
patrón de la red de calles es parte de lo que define a una ciudad y lo que hace cada ciudad
única.
Transporte: Los sistemas de transporte conectan partes de las ciudades y ayudan a
darles forma y permitir el movimiento a través de la ciudad. Se incluyen caminos,
carreteras, redes para ciclistas, peatonales y carriles y juntos forman el sistema total de
movimiento de la ciudad. El balance de estos medios variados de transporte es lo que
ayuda a definir la calidad y el carácter de las ciudades y los hacen amigables ú hostiles
para los peatones. Las mejores ciudades son aquellas que elevan la experiencia del
peatón a la vez que minimizan la dominación del autmóvil privado.
74
Paisaje: El paisaje es la parte verde de la ciudad a lo largo del tejido en forma de parques
urbanos, calles arboladas, plantas, flores, y muchas formas de agua. El paisaje ayuda a
definir el carácter y la belleza de la ciudad y crea con suavidad espacios de contraste y
elementos. Los espacios verdes de las ciudades van desde grandes parques como el
Central Park de Nueva York y el Washington DC Mall a pequeños parques íntimos.

El espacio público es un espacio multidimensional donde confluyen las dimensiones

físicas, sociales, culturales, administrativas y simbólicas. La dimensión física es el soporte
de las otras que se articulan en torno a interacciones de individuos y organizaciones
publicas y privadas. El peso simbólico de un espacio publico viene determinado por estas
interacciones y por elementos estructurales e históricos que se relacionan con el concepto
de contexto entendiendo que a éste pertenecen también los grupos sociales y las
vivencias peculiares que éstos poseen de acuerdo con dicha dimensión social.

Por espacio privado se puede entender que son aquellos lugares en donde se desarrollan
actividades que no son de acceso público. Estas se realizan en espacios donde la
intimidad y como dice su nombre la privacidad es importante.
Estos lugares mantienen un acceso restringido en todo momento y son de uso exclusivo
para los propietarios del espacio. Los dueños son los únicos quienes pueden determinar
quienes pueden acceder a ellos y a quienes privarles de ellos.
Todos los espacios privados siempre están delimitados con barreras físicas que impiden
el fácil acceso a ellos limitando sus actividades. Muchas veces estos lugares forman parte
importante de la percepción que tienen los habitantes de esa ciudad.
El recorrido es que el trayecto o espacio que recorre una persona.
El espacio juvenil es la infraestructura para el esparcimiento deportivo, artistico y cultural
de la población joven.
Acceso
Los accesos de las casas acentúan el diseño, son parte clave de las fachadas y un desafío
para los arquitectos porque resultan una síntesis entre el exterior y el interior.

75
Acceso Contemporáneo
En los planos arquitectónicos es muy importante se destaque su ubicación y ésto se hace
con pequeños dibujos que pueden ser flechas o triángulos que indiquen por donde entrar
a la construcción. Pueden ser principal o secundario, lo cual indica la entrada o acceso
principal y el acceso de servicio.
En las casas modernas de estilo Contemporáneo los accesos son amplios, funcionales,
simples, evidentes. Es importante tener en cuenta los estilos arquitectónicos de las casas.

76
Acceso a casa moderna
Abajo, un acceso de doble puerta en una casa estilo inglés. Los accesos principales de
una casa reciben especial atención, a menudo tanta que la suma de elementos puede
resultar en un efecto desfavorable.

Acceso estilo Inglés

El término “circulación” se refiere al movimiento de personas a través, alrededor y entre
edificios y otras partes del entorno construido. Dentro de los edificios, los espacios de
circulación son espacios predominantemente utilizados para la circulación, como
entradas, vestíbulos y vestíbulos, pasillos, escaleras, descansos, etc.
Los espacios de circulación pueden clasificarse como aquellos que facilitan la circulación
horizontal, como los corredores, y los que facilitan la circulación vertical, como escaleras
y rampas. También pueden estar restringidos a grupos de usuarios específicos, por
ejemplo, en edificios utilizados por el público puede haber espacios de circulación pública,
y también, espacios de circulación privada de acceso restringido. Pueden ser espacios
cerrados, como corredores, o espacios abiertos, como atrios y, en algunos casos, pueden
tener funciones múltiples.
En arquitectura, la circulación se refiere a la forma en que las personas se mueven e
interactúan con un edificio. En los edificios públicos, la circulación es de gran importancia;
Las estructuras como ascensores, escaleras mecánicas y escaleras a menudo se
denominan elementos de circulación, ya que están posicionadas y diseñadas para
optimizar el flujo de personas a través de un edificio, a veces mediante el uso de un
núcleo.
En particular, las rutas de circulación son las rutas que las personas toman a través y
alrededor de edificios o lugares urbanos. La circulación a menudo se considera como el
“espacio entre los espacios”, que tiene una función conectiva, pero puede ser mucho más
que eso. Es el concepto que captura la experiencia de mover nuestros cuerpos alrededor
de un edificio, en tres dimensiones y en el tiempo.
El tamaño de los espacios de circulación puede estar determinado por factores tales
como; el tipo de uso, el número de personas que los usan, la dirección de viaje, los flujos
de cruce, etc. En edificios complejos, como hospitales o intercambios de transporte, es

77
posible que se necesite señalización u otras formas de orientación para ayudar a las
personas a navegar por los espacios de circulación.
"Area verde" corresponde a una superficie de terreno destinada preferentemente al
esparcimiento o circulación peatonal, conformada generalmente por especies vegetales
y otros elementos complementarios.
Las Cubiertas son estructuras de cierre superior, que sirven como Cerramientos
Exteriores, cuya función fundamental es ofrecer protección al edificio contra los agentes
climáticos y otros factores, para resguardo, darle intimidad, aislación acústica y térmica,
al igual que todos los otros cerramientos verticales.
Inicialmente, el planteamiento de la edificación se originó en la creación de espacios
cubiertos, donde lo más importante era la cubierta que resguardaba de las inclemencias
del tiempo y ofrecía un ámbito privado.
TIPOS DE SUELO
Se denomina suelo a todo el espesor de la corteza que se encuentra afectado por la
actividad normal del hombre, hasta donde llega la erosión y que dicho espesor esté
compuesto por roca suelta.
El tipo de suelo esta determinado por las proporciones de arena, sedimentos y arcilla que
posee.
Se puede clasificar según su textura, ya sea fina o gruesa. También por su estructura.

POR FUNCIONALIDAD:

Suelos arenosos: No retienen el agua, tienen muy poca materia orgánica y no son aptos
para la agricultura.
Suelos calizos: Tienen abundancia de sales calcáreas, son de color blanco, secos y
áridos, y no son buenos para la agricultura.
Suelos humíferos (tierra negra): Tienen abundante materia orgánica en descomposición,
de color oscuro, retienen bien el agua y son excelentes para el cultivo.
Suelos arcillosos: Están formados por granos finos de color amarillento y retienen el agua
formando charcos. Si se mezclan con el humus que es la sustancia compuesta por ciertos
productos orgánicos de naturaleza pueden ser buenos para cultivar.
Suelos pedregosos: Formados por rocas de todos los tamaños, no retienen el agua y no
son buenos para el cultivo.
Suelos mixtos: Tiene características intermedias entre los suelos arenosos y los suelos
arcillosos.

POR CARACTERÍSTICAS FÍSICAS:

Litosoles: Se considera un tipo de suelo que aparece en escarpas y afloramientos

rocosos, su espesor es menor a 10 cm y sostiene una vegetación baja, se conoce también
como leptosoles que viene del griego leptos que significa delgado.
Cambisoles: Son suelos jóvenes con proceso inicial de acumulación de arcilla. Se divide
en vértigos, gleycos, eutrícos y crómicos.
Luvisoles: Presentan un horizonte de acumulación de arcilla con saturación superior al
50%.
78
Acrisoles: Presentan un marcado horizonte de acumulación de arcilla y bajo saturación
de bases al 50%.
Gleysoles: Presentan agua en forma permanente o semipermanente con fluctuaciones de
nivel freático en los primeros 50 cm.
Fluvisoles: Son suelos jóvenes formados por depósitos fluviales, la mayoría son ricos en
calcio.
Rendzina: Presenta un horizonte de aproximadamente 50 cm de profundidad. Es un suelo
rico en materia orgánica sobre roca caliza.
Vertisoles: Son suelos arcillosos de color negro, presentan procesos de contracción y
expansión, se localizan en superficies de poca pendiente y cercanos escurrimientos
superficiales.

CARACTERÍSTICAS BÁSICAS DE UN TERRENO:

En su parte topográfica

-pendientes
-desniveles con respecto a las vías de acceso
-alcantarillado

En su parte resistencia

-resistencia media de trabajo

-profundidad factible del sello de fundación
-zonas de relleno
-capacidad de eliminar aguas(lluvia)
-permeabilidad

Equipamiento

-agua potable
-alcantarillado
-luz

79
EL TIPO DE APOYO QUE SE DISEÑE DEPENDE DE:

A) características del suelo en términos de

-componentes
-resistencia versus profundidad
-aguas subterráneas
-contracción

B) dimensión y tipo estructura de la obra a construir en términos de

-forma de llegar al suelo
-magnitud de cargas
-capacidad de absorción

80
Calidad de vida
Son aquellos aspectos que se refieren a las condiciones generales de vida individual y
colectiva: vivienda, salud, educación, cultura, esparcimiento, alimentación, etc. El
concepto se refiere, principalmente, a los aspectos de bienestar social que pueden ser
instrumentados mediante el desarrollo de infraestructuras y de equipamiento de los
centros de población, es decir, de los soportes materiales de bienestar.
El concepto “calidad de vida”, acuñado originalmente por los países capitalistas
desarrollados y difundido y adoptado finalmente por Naciones Unidas, tiene vigencia en
un contexto social y en un momento histórico determinado”.

• Determinar los principales procedimientos de elaboración del diseño urbano

(croquis, plano, perspectiva, vista, materiales reciclables, investigación artística).

El croquis es el esbozo de la idea primaria, la síntesis dibujada a mano alzada es

la herramienta más poderosa que tiene el Arquitecto para representar su idea
arquitectónica. El proyecto que se genera en la mente del Arquitecto se traslada
rápidamente al papel mediante un simbólico gesto expresado en un croquis
primario, en el que se refleja lo más profundo y sustancial del mismo, sin perderse
en la belleza de la superficialidad.
Plano arquitectónico. Documento que refleja el estado actual del territorio, las
características geográficas y usos genéricos del medio natural, las infraestructuras y
servicios existentes, la edificación consolidada y las obras en curso.

81
Perspectiva Representación mediante el dibujo de objetos tridimensionales en una
superficie bidimensional (plana) para recrear la posición relativa del observador y la
profundidad de dichos objetos.
Descripción Ampliada

Mediante la perspectiva puede reproducirse la forma y disposición con que los objetos
aparecen a la vista.

Maestría en la perspectiva de La última cena de Leonardo da Vinci (1452-1519)

En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la

profundidad y situación de objetos a distancias diferentes.

La perspectiva entonces, es un sistema de representación en tres dimensiones sobre una

superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la
naturaleza que permite obtener el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a
su vez, en un ambiente de falsa profundidad.

82
El ángulo del observador incide en la posición de los puntos de fuga

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo

de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Depende del objetivo y la distancia que
la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente
ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.

La perspectiva es también la estructura sobre la que se apoya la forma de visión del

hombre moderno, a partir del Renacimiento, momento histórico en que se instaura
definitivamente en el campo de la plástica.

¿Qué es un punto de vista de arquitectura?

Una arquitectura, en general, es un conjunto de estructuras que constituyen un sistema.

Cada una tiene, entre otras cosas, un grupo de componentes y sus relaciones. Un punto
de vista de una arquitectura es un subconjunto de componentes y relaciones,
provenientes de una o varias estructuras, con un significado o interés particular dentro del
sistema. Una vista es el conjunto de documentos concretos de un punto de vista sobre
una arquitectura específica. Los puntos de vista describen la visión arquitectural de
acuerdo al interesado

83
Arquitectura de reciclaje : Materiales reutilizables en las construcciones

Es sabido por todos que el sector construcción es una de las industrias más
contaminantes del planeta por el uso de materiales que generan gran impacto en la
atmósfera y el medioambiente en general. Por eso, muchos arquitectos e ingenieros se han
puesto manos a la obra y han empezado a plantear soluciones sostenibles a este problema
y así mejorar la calidad de vida de todos, originándose así la arquitectura de reciclaje.

Alrededor del mundo, muchos arquitectos han notado que las edificaciones generaban 1,1
tonelada de residuos al año, son aquellos los que han comenzado a ser usados para el
reciclaje y, además, para crear materiales a partir de ellos. En este artículo, te daremos una
lista de los materiales que ya se usan alrededor del planeta y que puede estar al alcance de
tus manos:

Suelos hechos de plástico y residuos

El suelo forma parte importante de cualquier edificación y como hemos notado, en el mercado
existen miles de opciones para elegir entre el que más se acomoda a nuestros gustos y
bolsillos. Sin embargo, ¿no sería buenísimo que este también sea sostenible? Empresas
como Ecore se las han ingeniado para crear material para el suelo a partir de neumáticos
y botellas de plástico reciclados, sin PVC ni compuestos orgánicos volátiles. Otras de sus
ventajas es que este tipo de material es de alta durabilidad, de buen asimilación acústica y
de fácil mantenimiento.

Investigación artística es un enfoque de investigación que considera las prácticas

artísticas como formas particulares de producción de conocimiento. De acuerdo con
Rubén López Cano, este enfoque "implica la reflexión crítica sobre diferentes elementos
de la práctica artística, como el proceso creativo, los hábitos y estudio, las influencias
teóricas y prácticas".

• Reconocer la influencia de los contextos culturales y geográficos en el diseño

urbano.

El diseño urbano debe tener en cuenta el espacio físico, así como su organización y
planteamiento, pero también el diseño arquitectónico y el mobiliario urbano. En otras
84
palabras, el diseño urbano no consiste solamente en diseñar la situación y construcción
de edificios. También trata de gestionar, a nivel más general, todos aquellos elementos
que forman parte de una ciudad y que influyen tanto en el diseño de ésta, como en el día
a día de sus habitantes.
El diseño urbano es un ámbito al que se le da mucha importancia. Esto no es solamente
por cuestión de tendencias y estética. También es debido a los efectos que tiene sobre
los ciudadanos de un lugar.
Son muchos los factores del diseño de una ciudad que nos afectan, tanto a nivel físico
como a nivel psicológico. Estos son algunos de ellos: el posible exceso de ruido; la
contaminación; la falta de iluminación, y la falta de zonas naturales o verdes.
Es por este motivo que el diseño urbano debe tener en cuenta mucho más que las
tendencias y las tecnologías. También debe valorar todos aquellos elementos y aspectos
que contribuirán al bienestar de las personas.

DOMINIO 2: HISTORIA DEL ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA

2.1. Arte colonial en Chile

• Reconocer las características (líneas, formas, materialidades, espacialidades) de

obras representativas de los distintos periodos de desarrollo de la arquitectura chilena y
americana, tales como: precolombino, colonial, barroco americano, neoclásico y estilos
de los siglos XIX y XX.

Precolombino

85
86
87
88
89
90
91
• Identificar los principales procedimientos y materialidades involucrados en técnicas
utilizadas en manifestaciones del arte indígena chileno, principalmente escultura,
alfarería, textiles, cestería, orfebrería.

La alfarería comprende las piezas de barro o cerámica realizadas con propósitos

utilitarios, como vasijas y platos, o con otros fines más bien espirituales. El arte
cerámico alcanzó gran desarrollo en las culturas agrícolas del norte y centro del país
antes de la llegada de los europeos, definiendo y caracterizando en gran medida a las
culturas precolombinas.

En la cerámica de San Pedro de Atacama se destacan los estilos: roja pulida y negra
pulida antes de la etapa del florecimiento cultural, con influencia de Tiwanacu (300 a
900 a. C.).

En los valles transversales reina la cerámica diaguita por su rica decoración y variada
expresión temática: antropomorfa y zoomorfa, es decir, con motivos humanos y de
animales, respectivamente.

La cerámica Aconcagua de la zona central es de color salmón y presenta un dibujo

característico, el trinaquio.

En la tierra mapuche se modelan, hasta hoy en día, una variedad de cacharros de

factura simple y colores naturales,
denominados metawes.
En ninguna parte de Chile se han podido encontrar los
orígenes del arte alfarero. Apareció de pronto como una
industria ya formada y desarrollada, lo que demuestra
que fue una importación y que no nació
espontáneamente entre las tribus...

La primera alfarería conocida en Chile parece haberse

introducido en el norte, porque sus primeros vestigios se
hallan en sepulturas, cuyo ajuar funerario, presentan las
formas y decorado del estilo Tiwanaku.
Algunos científicos piensan que el arte alfarero tuvo su
origen en la idea de algún habitante de cubrir su
canastillo con una capa de greda, para así calentarlo al lado del fuego. Y así, poco a
poco en la evolución de esta industria fue desarrollándose su estética y ornamentación.
En la actualidad, es difícil concebir que aún existan tribus que no conozcan la industria
alfarera y que entre sus ajuares no cuentan con ninguna vasija de barro o de greda
cocida, y sin embargo, dentro del territorio chileno encontramos a las comunidades
indígenas de Tierra del Fuego que viven en este estado.
La cestería es una de las actividades más antiguas de hombres y mujeres, precediendo
incluso a la alfarería y textilería. Es la más sencilla de las expresiones artesanales
debido a que la materia prima que utiliza es susceptible de ser obtenida y tejida
fácilmente. Las hojas de palma, el mimbre, el junquillo, la totora y otras fibras se
encuentran en la naturaleza y sin necesidad de grandes transformaciones, pueden
92
convertirse, gracias a la destreza manual del artesano, en útiles canastos o hermosos
cestos.

La cestería indígena de Chile es una Artesanía practicada por hombres y mujeres y se

caracteriza por la variedad de fibras utilizadas, por su entramado diverso y por las ricas
texturas, con tonos de color corrrespondientes a la diversidad climática y vegetal. Para
la recolección de frutos, la cestería tuvo una gran importancia.

Los indígenas diferenciaban más de 700 Canastos tejidos en totora

nombres de distintas especies y plantas,
asignándoles a todas un uso.

Aunque la humedad en el sur ha impedido que se conserven objetos antiguos hechos

con fibras vegetales, los relatos y grabados de cronistas y viajeros demuestran que las
técnicas prácticamente no han cambiado.

El coirón, la ñocha, el chupón, la quila, y los distintos tipos de boqui, enredadera que
trepa por los árboles, son algunas de las fibras que hasta hoy se emplean.

La cestería, en la medida que se adelantó a la alfarería y textilería, sirvió también para

resolver las necesidades de vestuario y cocina.

Los vestigios de la cestería son escasos debido a que la materia prima utilizada es
biodegradable y con el paso del tiempo termina por descomponerse y desaparecer. Sin
embargo el clima del norte entregó condiciones inmejorables para su conservación en
esa región.
Canastos tejidos en totora

La orfebrería es el arte de realizar piezas con metales preciosos, como el oro y la plata;
con diversas técnicas de fundido y modelado, se realizan joyas y adornos corporales,
pero también utensilios, por ejemplo vasos, destinados a las castas de más alta
jerarquía dentro del grupo social indígena.

93
El conocimiento de las técnicas avanzadas de orfebrería llegó a Chile con la influencia
de las civilizaciones Tiwanaku, Inca y española.
Platería mapuche

En el período de florecimiento cultural (300 a 900 años

D.C), los atacameños desarrollaron una fina y compleja
Artesanía, influenciada por la cultura Tiwanaku.

Su mayor virtuosismo artesanal se expresa en los vasos

de oro repujado, que fueron usados con fines
ceremoniales y representan un rostro masculino y otro
femenino.

El arte de la orfebrería en Chile adquiere su máxima expresión alrededor del siglo XVIII,
con las obras de los mapuches.

Este pueblo conocía el trabajo con metales desde épocas prehistóricas, ya que se han
encontrado objetos de cobre en tumbas de aquel período.

El tallado en madera es una manifestación artesanal con utensilios mapuches

mucha tradición en la zona mapuche, pues con esta técnica
realizaron sus utensilios los antiguos habitantes de esas
tierras, usando para ello las maderas de los ricos bosques del
sector.
Hoy se sigue trabajando de la misma manera, con el hacha y la
azuela cortando y tallando la madera, pero también se han
creado nuevos productos, algunos de tipo utilitarios como
moai kava kava
platos, cucharas, cucharones, fuentes, bandejas y otros, que se
tallado rapa nui
complementan con decoración, creando fuentes y vasijas con
forma de gallinas y patos, entre otros animales.
El pueblo rapa nui usa la madera en la creación de Artesanías
donde se reproducen sus objetos ancestrales de culto: moai,
raimiro.

La tradicional madera de toromiro ya está exterminada en la

zona.

94
A diferencia de los técnicas de alfarería y cestería que son practicadas por ambos sexos,
la tejeduría se considera una actividad casi exclusivamente femenina.

Los pasos de la tejeduría son: recolección, separación en fibras, hilado, teñido y tejido.
Los telares aborígenes tradicionales han despertado la admiración de los estudiosos
nacionales y extranjeros. Si tuviéramos que reseñar la principal actividad textil a lo largo
de Chile, tendríamos que destacar, en el norte, el trabajo que realizan algunos
campesinos aymaras del Altiplano; las comunidades de la zona altiplánica, que desde
épocas precolombinas se han dedicado a la cría de alpacas y llamas y desde la Colonia
a la cría de ovejas, desarrollaron particularmente su arte textil.

En la zona central, región huasa, se emplean el telar trarihue y faja mapuche

horizontal y con hilos mercerizados, tejen fajas,
chamantos de huaso decorados con franjas de colores.
El rojo, el azul, el verde y el amarillo son los colores
preferidos.

más al sur, cerca de Rancagua, en el pueblo de Doñihue,

también se tejen hermosos aperos de huaso, pero aquí lo
hacen sólo las mujeres en telares verticales de madera pesada.

Estos tejidos de hilo se caracterizan por sus dibujos, casi siempre relacionados con las
plantas del lugar, hojas de parra, racimos de uva, espigas de trigo, copihues, etc.

Todavía más al sur encontramos los tejidos de los mapuches, en donde destacan los
ponchos y las alfombras; en las áreas mapuches los tejidos muestran un fino hilado,
figuras rectiLíneas y colores parejos con figuras en forma de cruz , rombo, zig-zag, etc.

El telar araucano es llamado "huitral", consistente en cuatro trozos de madera que se

cruzan en los extremos, y tiene una altura de poco más de dos metros. Este trabajo
artesanal es esencialmente femenino.

Se tejen de esta forma los "chamales" o mantas femeninas y masculinas, ponchos y

frazadas, así como también los famosos "choapinos", especie de alfombras, muy
codiciadas en el mercado por la calidad del tejido.

El trabajo textil chilote posee características propias; se teje con lana de oveja en telar
horizontal pegado al suelo. Esta técnica requiere de gran pericia ya que la posición que
debe adoptarse es muy incómoda. En el pasado, los tejidos de Chiloé tuvieron gran
renombre y en las crónicas de marinos y visitantes extranjeros hay referencias de ellos.
Hoy sólo se tejen alfombras, mantas, chalones y frazadas muy sencillos.

En los centros más poblados de esta región se tejen otras prendas, calcetas, chalecos, y
gorros, con lana muy mal hilada y defectuosa, lo que daña mucho. Los principales centros
artesanales de la isla son Quinchao, Chaigue y Llingua.

95
Influencias estilísticas europeas

Cuando España inicia la conquista, en Europa el Renacimiento está en pleno apogeo. Y

aunque en España este estilo tiene connotaciones peculiares, hay algunos rasgos
renacentistas que influirán en el arte colonial americano.
Con el Manierismo se inician los aportes más significativos. Su desarrollo se ubica
aproximadamente entre 1520 y 1600, enfrentándose al clasicismo y al racionalismo
renacentista desde una perspectiva anticlásica, aunque es heredero innegable de los
logros técnicos y formales del Renacimiento. En el manierismo estos logros serán los
protagonistas, lo que derivará muchas veces en un puro alarde técnico.
Algunos rasgos en las obras manieristas son: apariencia de inestabilidad en la
composición, desequilibrio en la estructura formal (uso de perspectivas complicadas),
eliminación o exageración de la importancia del espacio, temas complejos y eruditos,
refinamiento y estilización de las formas, etcétera.
El Barroco es considerado por los especialistas como el último gran estilo de la historia
del arte, extendiéndose durante todo el siglo XVII y parte del XVIII. Se caracteriza por
apelar a los sentimientos, por el uso de perspectivas que tienden al infinito, por el horror
al vacío (“horror vacui”), la teatralidad y el dramatismo de sus expresiones artísticas, y el
uso de formas y líneas curvas y rebuscadas, entre otros aspectos.
Visiones apoteósicas, vuelos de santos y otras criaturas angélicas, grandes
escenografías que se despliegan en el espacio impregnan toda la obra barroca.
Importante es destacar la tendencia a la integración unitaria de todas las partes y
manifestaciones, que domina las creaciones de este período.
En el siglo XVIII, el arte Rococó, característico de esta época, se encuentra enmarcado
en un ambiente festivo: desfiles, fiestas, disfraces y fuegos de artificios. En torno a los
palacios de la nobleza abundan los bailes, las comparsas, los conciertos, el teatro. Este
halo de mundanalidad, ocio, descanso y festividad se verá reflejado en la arquitectura,
pintura y escultura, en las que abundan los temas mitológicos.
Hacia 1789 ocurrieron trascendentales cambios en todas las esferas en Europa, lo que
repercutió en las colonias del nuevo continente, concretándose en las independencias
locales a comienzos del siglo XIX. Junto a ello aparecen nuevas visiones en el arte,
surgiendo los movimientos artísticos llamados Neoclasicismo y Romanticismo .
Arquitectura colonial
En la arquitectura se ofrecen los ejemplos más visibles del arte colonial.
Según los cronistas, las ciudades de Santiago y Valdivia son los primeros núcleos
urbanos del país. La primera fase corresponde a un campamento provisorio de quincha y
barro.
Santiago del Nuevo Extremo se fundó el 12 de febrero de 1541, como una típica ciudad
con trazado cuadriculado, con la Plaza de Armas como núcleo central y centro cívico-
religioso. En torno a ella se distribuyeron solares para el culto y la jerarquía eclesiástica,
la casa de gobierno, la de justicia, el cabildo, el comercio y algunos vecinos notables. En
las calles convergentes se ubicaron las órdenes religiosas y el resto de los vecinos
españoles.
En 1552 se funda la iglesia y convento de Santo Domingo, estableciéndose
definitivamente donde hoy se encuentra hacia 1569 ó 1570. Hacia 1566 los mercedarios
también construyeron un templo y un convento.

96
Por su parte, en 1593 arribaron a Santiago los primeros jesuitas, orden a la cual nos
referiremos con mayor detención más adelante, y en 1597 edificaron su iglesia. Con
anterioridad, en 1553, habían llegado a Santiago los primeros religiosos franciscanos,
ubicándose definitivamente en 1556 en el actual asentamiento de la Alameda, donde
iniciaron los trabajos de construcción de la iglesia y el claustro del convento en 1572. Es
el único testimonio arquitectónico conservado del siglo XVI. Los muros están formados
por bloques de granito. El plano original era de cruz latina, formada por la nave central y
dos capillas laterales. El artesonado del techo es sobrio y de inspiración clasicista,
con influencia peninsular de la época.
La vivienda urbana es de maciza volumetría, baja y extensa. El portón y el zaguán eran
de grandes proporciones. Por allí transitaban caballos y carretas, que traían el producto
de las chacras y haciendas. También, en muchas fachadas, se encuentra otro elemento,
la columna de ángulo, hecha de piedra, ladrillo o madera.
En el siglo XVII no hay innovaciones urbanas significativas. No se fundan nuevas
ciudades, aunque sí se levantan templos y viviendas, tanto en el Norte Grande como en
la Zona Central y en Chiloé. La arquitectura empieza a mostrar signos regionales en el
uso de materiales, en la adecuación al medio geográfico, en el manejo de la luz, en las
proporciones y en los símbolos.
Los muebles son producto de la carpintería, al igual que puertas, ventanas, postigos, rejas
de madera, pilares (que son soportantes y decorativos a la vez).
No hay vidrios y el hierro sólo se utiliza en clavos, goznes y cerraduras.
Así nace una primera arquitectura que atiende a los usos, costumbres y organización
hispánica, pero adoptando exigencias locales, lo que genera espacios y formas originales.
El terremoto de 1647 marca el fin de este período inicial.
El período que sigue es más formal y establecido.
En efecto, la influencia del arte y la arquitectura francesa se hace sentir. Además, el aporte
jesuita es importante en el plano espiritual y material, reflejándose principalmente en los
centros urbanos, en sus grandes haciendas rurales y misiones en Chiloé.
Ahora la construcción es más segura y con sentido de permanencia. Sin embargo, las
estructuras continúan siendo simples, angulares y rectilíneas. En Chile, durante toda la
Colonia predomina la arquitectura de adobe aparejado y la carpintería en madera, tanto
en la casa urbana como en la arquitectura rural, con la excepción de Chiloé donde se
utiliza sólo la madera.
Imaginería colonial
La imaginería colonial se refiere a las imágenes tridimensionales o esculpidas que se
crean en el período colonial. La forma barroca fue la más característica dentro de la
imaginería colonial hispanoamericana.
Junto con los conquistadores llegan las primeras imágenes religiosas católicas. Debido a
las características de la época, estas imágenes son dotadas de milagrosos poderes.
Aunque no siempre tienen valor artístico, poseen un valor testimonial histórico, que
muestra la mentalidad y aspiraciones de ese tiempo.
Estas imágenes son símbolo de espiritualidad y, por lo tanto, objeto de veneración, lo que
ha permitido su supervivencia a través del transcurso de la historia nacional.
Los talleres de artesanos produjeron gran variedad de imágenes, la mayor parte
anónimas.
De técnica acabada y diversa, algunas eran de talla completa, en madera de cedro y
vaciadas por dentro para alivianarlas. También se realizaron imágenes articuladas, de
97
talla completa y complicados sistemas que daban movimiento a la cabeza y a los brazos.
Se les agregaban ojos de vidrio, pelo natural, uñas, lenguas de cuero, dientes humanos
y pestañas, lo que les otorgaba impresionantes efectos realistas. Además se les ponían
sogas, silicios y coronas.
Los materiales usados fueron la madera, el barro cocido, la cera y, a veces, el marfil. Se
empleó la policromía brillante, con tintes provenientes de la naturaleza local. Por ejemplo,
el color rojizo, característico de la época, se realizó con diversas plantas.
Las técnicas del color estaban en manos de artesanos especializados. Siguiendo con la
tradición medieval, el color empleado en la colonia es esencialmente simbólico, en
relación directa con el carácter de las imágenes, ya sean Cristos, Vírgenes o Santos.
Las vírgenes
La primera imagen llegada a este territorio es la pequeña Virgen del Socorro , traída por
don Pedro de Valdivia . De origen napolitano, es tallada en madera y policromada. Se
encuentra en el altar mayor de la iglesia de San Francisco, en Santiago.
Otra virgen tallada en madera es Nuestra Señora del Rosario, de Valdivia, que es del
siglo XVII.
Hay imágenes de vírgenes que tienen cabeza, manos y a veces pies, ocultándose el
cuerpo bajo un armazón, cubierta por ricas vestiduras realizadas en telas finamente
bordadas y adornadas; estas imágenes son llamadas “de candelero o bastidor”.
Un ejemplo que procede del tiempo de la conquista es la Virgen de la Merced, cuya
cabeza y manos fueron traídas desde España. Otra imagen de candelero, y también de
la época de conquista, es Nuestra Señora de las Nieves, en la actualidad en la iglesia del
Sagrario de Concepción.
También en Concepción se encuentra otra virgen de candelero del siglo XVI, la Virgen
del Boldo o del Milagro, en la iglesia de las Trinitarias.
Los Cristos
La imagen de Cristo crucificado tiene un lugar destacado en la devoción colonial. El Cristo
de Burgos, conservado en la Basílica de la Merced en Santiago, es el más antiguo. De
tamaño natural y tallado en madera, es considerado de gran calidad entre los
especialistas.
El más famoso es, por cierto, el Cristo de Mayo o Señor de los Temblores, de la iglesia
de San Agustín de Santiago.
Es la primera escultura colonial realizada en Chile de autor conocido, el padre agustino
Pedro de Figueroa. Es tallada en madera y policromada.
Durante los siglos XVII y XVIII la imaginería se ve influida por los envíos que llegan desde
España. Esto es manifiesto en las principales ciudades del Virreinato, como Lima, Quito
y Potosí, adonde llegan esculturas y maestros españoles.
Hacia el siglo XVIII la producción quedará en manos de artistas locales. Es el momento
en que son ya notorios ciertos rasgos propios de la región, constituyéndose las tres
escuelas escultóricas más importantes de Sudamérica: la limeña, la altoperuana y la
quiteña.
El Cristo Resucitado del Museo Colonial de San Francisco, atribuido a Gaspar de la
Cueva, fue realizado probablemente en Potosí en el siglo XVII, aunque dentro de la
tradición hispánica barroca.
Del siglo XVIII proceden las tallas españolas Piedad con Cristo Muerto, del Museo del
Carmen, de Maipú, y la Inmaculada, del Museo de Valdivia; ambas obras pertenecen a la
tradición barroca, debido a sus características de estilo.
98
También era usual la figura del Niño Jesús recostado y puesto en urnas de vidrio. En el
Convento de la Merced de Santiago se encuentra una colección de estas imágenes.
También dentro de la tradición de la escuela quiteña están los llamados Angeles Niños,
de talla completa y policromados.
Desde mediados del siglo XVIII asistimos a una renovación en los aspectos culturales. La
Ilustración francesa influirá decisivamente en los cambios producidos.
En este marco se desarrolla la importante labor artística y cultural de los jesuitas. Las
ideas barrocas se encarnan en sus templos y conventos en Santiago y en provincias. La
arquitectura, la escultura, la pintura, la platería, las artesanías, como la herrería, la
cerrajería, carpintería, cerámica, tejidos y otros, tendrán un auge desconocido hasta
entonces en el país. Fundan grandes talleres en las haciendas de La Ollería y La Punta,
en Santiago, y fuera de él las de Calera de Tango y Bucalemu.
Su labor se verá abruptamente interrumpida en 1767 debido a que fueron expulsados de
todos los territorios del Imperio Español.
Destaca el nombre del hermano Juan Bitterich, arquitecto y escultor. Se atribuye a su
factura el San Sebastián de Los Andes, conservado en la parroquia de Santa Rosa de la
ciudad de Los Andes, completamente tallado en madera.
Otro escultor jesuita es el padre Jacobo Kellner , a quien se le atribuye el San Francisco
Javier yacente, en el Museo de la Catedral de Santiago, tallado en madera de peral y
policromada.
El aporte jesuita llegará hasta los lejanos territorios de Chiloé, donde la imaginería tendrá
un desarrollo muy particular, trasmitiéndose de generación en generación la práctica de
este arte, hasta pleno siglo XIX. Un ejemplo de Cristo Crucificado está en la iglesia de
Achao.
De finales del período colonial se destacan tres nombres de artistas: Ambrosio Santelices,
Ignacio Andía y José Santos Niño, con los cuales se cierra un capítulo de la historia
artística chilena. Los acontecimientos de comienzos del siglo XIX abren nuevos caminos
y posibilidades en el devenir artístico y cultural.

• Reconocer la influencia del contexto histórico, geográfico y social en obras

arquitectónicas patrimoniales de Chile (influencia de movimientos como el Neoclasicismo
y Barroco).

El arte colonial, desarrollado por artesanos indios y maestros europeos, está al servicio
de la misión evangelizadora de los conquistadores, y por época y función social,
corresponde claramente al estilo barroco.

En cada pieza escultórica, catedral y pintura, los motivos religiosos son los gobernantes,
así como los parámetros de representación europeos; pero éstos fueron sutil y
subterráneamente "digeridos" por los aborígenes americanos, quienes colocaron en
cada obra elementos propios de sus culturas (símbolos religiosos y espirituales, figuras
antropomorficas, zoomorficas y fitomorfas) de modo tal que se entremezclaban con los
imágenes católicas importadas, manteniendo de este modo, la voluntad de forma de la
producción artística indígena subsitiendo por debajo del arte europeo impuesto a la
fuerza.

99
 Cabe destacar, además, que el arte precolombino es moderado, de líneas rectas y
formas severas, rigurosamente geométrico, todo lo cual provocó una contención del
barroco español, mucho más desatado y expresivo, decantando finalmente en la
particular forma artística de nuestras colonias.
El arte colonial encuentra su fin con los inicios de la Independencia, donde la producción
de imágenes deja el ámbito religoso para abocarse a consolidar los caracteres
nacionales diferenciados de Europa y a los poderes autonómicos, para lo cual,
paradojicamente, los artistas absorverán el neoclásico e imitarán los modelos europeos
de representación de la aristocracia.
En el transcurso de los siglos XVII y XVIII la vivienda urbana conserva su exterior austero,
con la portada, el pilar de esquina y los aleros. En las ventanas, puertas y rejas se
incorporan algunas expresiones barrocas. Los materiales constructivos son el barro y la
paja, el adobe, las maderas y la arcilla cocida para pisos y cubiertas. La piedra y el ladrillo
se utilizan sólo en ocasiones especiales, un ejemplo de ello es la Casa Colorada , en
Santiago, que todavía se conserva.
Urbanísticamente, se mantiene la cuadrícula, incorporando plazas y la Alameda, la que
en provincias sigue el modelo de la de Santiago. Aparecen las chacras en las afueras de
las ciudades.
Hasta fines del siglo XVIII la arquitectura continuará sin grandes cambios en lo espacial y
en lo estructural. Las influencias estilísticas del renacimiento y del barroco se localizan en
la carpintería, el trabajo del hierro y la elaboración de portadas.
Es posible hablar de una arquitectura popular, práctica y austera. Ello se observa en la
composición de las fachadas, la escala, el espesor de los muros, el ritmo y dimensiones
de los vanos, el uso del adobe y la teja, entre otras características.
En Chile, en comparación con el resto de Latinoamérica, los cambios son mucho más
lentos. Sólo a finales del siglo XVII, la corona dotará a esta colonia con buenos edificios
oficiales.
A partir de 1780 asistiremos a una renovación, con la llegada del arquitecto
italiano Joaquín Toesca y Ricci . Es el autor o coautor de la Catedral de Santiago, las
iglesias de Santo Domingo y la Merced, el Cabildo, el hospital San Juan de Dios y los
Tajamares, siendo su obra mayor la Casa Real de Moneda .
Estos edificios se inscriben dentro del Neoclasicismo, imperante en Europa. Este estilo
encontrará buena acogida en nuestro medio, donde las formas barrocas coloniales no
habían tenido el desarrollo alcanzado en el resto de algunos países de América, debido,
por una parte, a que en el territorio no existió la influencia de las grandes culturas
precolombinas y, por otra, a la austeridad obligada por guerras y terremotos.

2.2. La naturaleza en la Historia del Arte

• Identificar las principales características en el tratamiento del paisaje de grandes

maestros chilenos, tales como: Valenzuela Puelma, Juan Francisco González,
Pablo Burchard, Ximena Cristi, entre otros.

100
Alfredo Valenzuela Puelma nació el 8 de febrero de 1856 en Valparaíso, Chile.

A los doce años, ingresó a la Academia de Bellas Artes donde fue alumno de Ernesto
Kirchbach y posteriormente de Giovanni Mochi.
Entre 1881 y 1885 fue pensionado por el Estado de Chile para continuar sus estudios de
arte en París, donde asistió al taller de Benjamín Constant (1846-1902). Además siguió
cursos de anatomía en La Sorbona. En 1887, fue becado por segunda vez para estudiar
en París. En esta oportunidad tomó lecciones con el pintor Jean-Paul Laurens (1838-
1921).
Durante la última década del siglo XIX vivió en Valparaíso, ciudad donde ejerció una
activa labor como administrador del Teatro Victoria y como gestor de exposiciones de
arte.
Como pintor, trabajó especialmente el género del desnudo y del retrato, desarrollando
una técnica apegada a los cánones del arte académico.

Alfredo Valenzuela Puelma representó en

la pintura chilena de fines del siglo XIX la
cúspide de la perfección formal a la
manera de la corriente académica. Es
decir, trasposición a la tela del modelo
vivo, conformación del cuadro por medio
de las técnicas y procedimientos de los
maestros renacentistas y barrocos de los
siglos XVI y XVII y consideración del oficio
como supremo criterio de valor estético.

Los temas de las obras de Valenzuela Puelma fueron

especialmente la figura humana y el retrato. También
estuvieron los motivos orientales, religiosos, de inspiración
naturalista, naturalezas muertas y el paisaje.

JUAN FRANCISCO

GONZÁLEZ
------------------------------------------------------

Pintor chileno. Nació en Santiago el 25 de

septiembre de 1853 y murió el 4 de marzo
de 1933.

Perteneció a la Generación de los

Grandes Maestros de la Pintura Chilena
formada por Pedro Lira, Alfredo

101
Valenzuela Puelma y Alberto Valenzuela
Llanos.

Con respecto al panorama estético de

Chile, el modo de pintar de este artista fue
revolucionario, pues supo liberarse de los
cánones rigurosos del academicismo y se
alejó del proceso plástico tradicional, que
registraba las cosas en sus relaciones de
forma y color, acomodándose sólo a la
objetividad estricta que reclama la visión
común.

Juan Francisco González dio origen a una fecunda producción

artística e intelectual que se estima en Más de 4.000 cuadros.

PABLO

BURCHARD
------------------------------------------------------

Pintor chileno. Nació en Santiago el 4 de

noviembre de 1875 y falleció en la misma
ciudad el 13 de julio de 1964.

Dentro de la pintura chilena de su tiempo,

Pablo Burchard permaneció como un gran
solitario, alejado de los que seguían las
enseñanzas académicas y de la Generación
del ‘13. Burchard es una figura gravitante en
la plástica nacional.

El desarrollo de su extensa labor docente a través de los talleres

de la Escuela de Bellas Artes, lo convirtió en un maestro formador
de varias generaciones de artistas como ciertos pintores
del Grupo Montparnasse y de otros como Augusto Barcia, Roser
Bru y José Balmes, entre otros.

Burchard es una figura gravitante en la

plástica nacional.

El desarrollo de su extensa labor docente a

través de los talleres de la Escuela de

102
Bellas Artes, lo convirtió en un maestro
formador de varias generaciones de
artistas como ciertos pintores del Grupo
Montparnasse y de otros como Augusto
Barcia, Roser Bru y José Balmes, entre
otros.

La modernidad del artista inicia una nueva etapa en la pintura

chilena. Superado el impresionismo y su visión fragmentada de la
naturaleza y de las cosas, los pint

XIMENA

CRISTI
------------------------------------------------------

Pintora chilena. Nació en Rancagua el 4 de

diciembre de 1920.

El repertorio plástico de la artista está Más Información

formado por interiores, rincones del jardín, Museo Nacional
trozos de paisaje, naturalezas muertas y de Bellas Artes
figuras humanas.

Especial atracción siente por asuntos

modestos y temas humildes.

Ximena Cristi recibió premios y distinciones desde los inicios de

su labor artística: segundo premio de pintura, Salón Oficial
(1944).

El repertorio plástico de la artista está

formado por interiores, rincones del
jardín, trozos de paisaje, naturalezas
muertas y figuras humanas. Especial
atracción siente por asuntos modestos y
temas humildes.

El rasgo nostálgico, los recuerdos

lejanos, los objetos domésticos, están
presentes en sus óleos con una

103
 atmósfera de melancolía ("Botellas y
sillón").

Al igual que los expresionistas, Ximena Cristi hace de la

temática un pretexto para verter una variada gama de
sentimientos, un fuerte subjetivismo que tiene buen resultado
en telas donde deja fluir su agresividad.

Su pintura es maciza y de formas consistentes, vigorosamente

construidas, cuyo impacto refuerza la aplicación de la pasta
cromática.

En sus trozos de jardín la explosión de gruesas pinceladas

consiguen la sensación de rutilante luminosidad ("Árbol en
jardín").

En bodegones e interiores tiene obras excepcionales en las

que el dibujo sintético potencia las formas y el color inunda
manteles, cacharros y frutas con tonos contrastados que
emergen con energía.

• Identificar las principales características en el tratamiento del paisaje, como

temática de corrientes pictóricas y sus representantes a nivel mundial, tales como:
Seurat, Monet, Turner, Van Gogh, Gauguin, Hundertwasser, entre otros.

Georges Seurat

Francia, 1859–1891

Fue el fundador del llamado neo-impresionismo (o puntillismo),que lleva la

ciencia a la pintura mediante el estudio del color. El artista teorizó sobre la aplicación
científica del color, que como cualquier otra ley natural, podría llevarse a la pintura.

104
 Podría ser el ojo quien mezclara los colores, y no el artista. Es el propio espectador
quien hace la función de paleta.
Cuadros de Seurat
En su estilo se deja ver la influencia neoclásica de su escuela, patente es el aspecto
muchas veces escultórico y pétreo de sus personajes. Sus lienzos son fácilmente
identificables a primera vista, en su mayoría, no solo creó una técnica, sino también una
estética nueva.

•
"Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte"
Autor: Seurat
Estilo: Puntillismo
Título original: Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte
Título (inglés): A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: circa 1884
Se encuentra en: Instituto de Arte de Chicago.

La obra puntillista más célebre del artista. Se trata de un paisaje veraniego en las
inmediaciones de Asnieres en París. Lugar donde acudían las clases trabajadoras, que
no podías permitirse el desplazamiento a litorales de mayor lujo.

105
Pintado mancha a mancha, se considera el exponente más puro del puntillismo francés.
Está impregnado de las características más distintivas de Seurat, como son: combinación
de colores vibrantes y gran cantidad de luz fría.

•
"Un baño en Asnieres"
Autor: Seurat
Estilo: Puntillismo
Título original: Une baignade à Asnières
Título (inglés): Bathers at Asnières
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1884
Se encuentra en: The National Gallery, Londres

Al igual que la obra anterior, presenta un paisaje luminoso, en el mismo entorno y

ejecutado con la misma técnica puntillista.

Aunque hoy en día es considerado una pieza clave del impresionismo, su aspecto
algo Naíf, le valió no ser aceptado por los críticos de la época. Rechazado para ser
expuesto en una de las principales galerías de la época: El Salón de París.

106
Claude Monet

Datos de la artista

Nombre de nacimiento:
Oscar-Claude Monet.
Nombre artístico:
Claude Monet.
Nacionalidad:
Francia.
Año de nacimiento:
1840, París.
Año de muerte:
1926, Giverny, Francia.
Estilo:
Impresionismo.

Líder del movimiento de arte impresionista, los cuadros de Monet son reconocidos
como los más puros ejemplos de este estilo. Su importancia se refleja en el precio logrado
por su óleo "Le Bassin Aux Nympheas", vendido el año 2008 en Londres por 40,9 millones
de libras esterlinas.
Monet sentó las bases de la pintura moderna, su pincel no buscaba comunicar una
historia ni dar una instrucción moral al espectador, sino que ponía en el lienzo impresiones
107
 en función de las sensaciones experimentadas por el ojo. Las pinceladas puntillistas, que
pintó en sus cuadros con propiedad de maestro, son el origen de el arte pictórico moderno.

Obras de Monet
Los cuadros de esta página son una muestra del artista, si desea ver los productos de
Monet disponibles en la tienda visita: Cuadros de Monet al óleo

"Impresión, sol naciente"

Autor: Claude Monet
Estilo: Impresionismo
Género: Marina
Título original: Impression, soleil levant
Título (inglés): Impression Sunrise
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Tela
Año: 1872
Se encuentra en: Museo Marmottan Monet, París

La obra muestra la salida del sol en un paisaje marino brumoso.

Se trata del primer cuadro impresionista, el que dio nombre al estilo.

108
•

"Campo de amapolas"
Autor: Claude Monet
Estilo: Impresionismo
Género: Paisajes
Título original: Coquelicots
Título (inglés): Poppies
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1873
Medidas (original): 65 x 50 cm.
Se encuentra en: Museo de Orsay, París

Realizó el cuadro observando los campos de flores silvestres a las afueras de la ciudad
que da título a la obra, este cuadro revela la pasión de Monet por el color. Con pintas de
rojo dispersa las flores en una profusión natural a través de los exuberantes campos
verdes.

La composición es de estilo impresionista, muestra un paisaje en el cual se esbozan en

primer plano las figuras de Camille y Jean (esposa e hija del pintor, respectivamente) con
trazos de violeta, negro y amarillo. Siluetas similares vuelven a aparecer a lo lejos en las
cima de unas colinas más como una sugerencia de color que como unas figuras bien
delineadas.

109
 Buscar

William Turner
Reino Unido, 1775–1851
• Romanticismo

• Paisaje

Joseph Mallord William Turner es uno de los mejores paisajistas de la historia. De

hecho, es responsable de que el paisaje sea considerado hoy en día un genero
mayor. Tanto en óleocomo en acuarela fue un incontestable maestro que además se
adelantó medio siglo al impresionismo, pues es considerado como «el pintor de la luz».

Con un padre fabricante de pelucas y madre ama de casa, no lo tuvo fácil para abrirse un
hueco en el elitista mundo del arte en la Inglaterra de la época. Muy bajito y con un
marcado acento cockney no fue un gran artista en cuanto a relaciones sociales. Además
no brillaba precisamente por su estabilidad mental, pero con 14 años consiguió un plaza
en la Royal Academy of Art y tuvo la suerte de viajar por todo el mundo, aprendiendo de
los grandes maestros.

110
El temerario remolcado a dique seco
En 2005 este cuadro fue elegido por los británicos como su obra nacional más importante.

111
Vincent de van Gogh

DATOS DEL ARTISTA

Nombre de
Vincent Willem van Gogh.
nacimiento:

Nombre
Vincent van Gogh.
artístico:

Nacionalidad: Países Bajos.

Año de
1853, Países Bajos.
nacimiento:

Año de
1890, Francia.
muerte:

Estilo: Postimpresionismo.

112
 Siendo uno de los pintores mas influyentes de la historia, en vida vendió solo una obra.

Obras de Van Gogh

Los cuadros de Van Gogh se consideran postimpresionistas, su estilo fue tomado como
ejemplo en el desarrollo posterior del abstracto, fauvista y expresionista.
Las pinceladas puntillistas y líneas ondulantes de sus cuadros son consideradas sublimes
por los expertos, el pintor no sólo dominaba una técnica innovadora para su tiempo, sino
que logró construir una propuesta estética sólida, en la que conviven trazos
impresionistas, contrastes surrealistas y formas con gran fuerza expresiva.
© diCrox.
Disponibles en la tienda: Cuadros de Van Gogh al óleo

"La noche estrellada"

Autor: Vincent van Gogh
Título original: La Nuit étoilée
Título (inglés): The Starry Night
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo

113
 Año: 1889
Se encuentra en: Museo MoMA, New York

Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas por sus formas
sinuosas y azules profundos.
Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que tenía Van Gogh desde su
habitación en el sanatorio mental de Saint-Remy, donde pasó los últimos años de su vida.

En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos contrasta con la

enérgica composición del cielo, donde sus voluptuosas texturas y trazos en espiral
transmiten vivacidad y dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que la obra está
centrada en el cielo y no en la tierra.

"Terraza de café por la noche"

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Terrasse du café le soir
Título (inglés): Cafe Terrace at Night
También conocido como: Cafe Terrace
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro

114
 Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Kröller-Müller, Países Bajos
Se yergue como uno de los trabajos más destacados del pintor. Es también sin duda uno
de los más famosos producidos en la breve pero prolífica carrera del artista.

Paul Gauguin
Francia, 1848–1903
• Postimpresionismo

Paul Gauguin fue el típico pintor post-impresionista:

1. Asentó las bases del arte moderno.

2. Nunca fue apreciado en vida.
3. Una vez muerto fue considerado un clásico intocable.
4. Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.

Así es… Como sus colegas Van Gogh y Cezanne,el gran Gauguin creó un nuevo
lenguaje que después adoptarían los jóvenes (y mejores vendedores) vanguardistas:
un novedoso y expresivo uso del color, el gusto por la simplicidad
del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas,
la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de
pura subversión.

La vida de Gauguin fue fiel a su leyenda. De París a Lima en su niñez, ahí empieza el
primero de sus muchos viajes. Una vez retornado a Francia, ingresa en la marina con 17
años donde da la vuelta al mundo. Después, otra vez en París, se hace agente de bolsa

115
obteniendo buenos ingresos que le permiten iniciar una colección de pinturas y
posteriormente empezar a pintar él mismo.

Ahí es cuando decide dedicarse exclusivamente al arte, sacrificando su estabilidad

económica e incluso familiar. Se traslada a la Bretaña francesa, donde su pintura cambia
radicalmente, del impresionismo a «esa otra cosa» de camino entre simbolismo y
lo desconocido.

Ahí empieza a separar la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y

a menudo delineadas con negro, llegando a recordar a las vidrieras (cloisonismo) y se
volcó en el sintetismo.
Se va después a Panamá, trabajando en el Canal y después a Martinica, lugar en el que
redescubre la belleza de lo primitivo.
De regreso a Francia, pasa una breve (y tormentosa) temporada con Van
Gogh en Arles,y finalmente se va a Tahití, donde vive ya como un nativo.
Regresa ocasionalmente a París, pero el reconocimiento a su talento no llega, salvo en
los círculos más vanguardistas, así que decide volver a su verdadero hogar,
la Polinesia, donde fallece enfermo de sífilis, alcoholizado y cansado de luchar. Una
botella de láudano al lado de su cadáver hacen pensar que murió de sobredosis.

Poco después de su muerte, su figura sería reivindicada por los dos grandes artistas
modernos: Matisse, que quedó embrujado por su uso libre y expresivo del
color, y Picasso, que se «enamoró» de la vida y obra del artista y copió
su primitivismo para «Las señoritas de Avignon». Las demás vanguardias, con
el expresionismo a la cabeza, lo consideraron casi un gurú.

Además de en lo formal, Gauguin buscó siempre una pureza emocional en sus temas,
predicando la armonía entre hombre y naturaleza.También le fascinó la intrusión de
lo sobrenatural a la vida diaria, el folklore y el arte popular (tanto Bretón como
polinesio), la religión desde un punto de vista místico y la búsqueda del paraíso, que
quizás nunca encontró.

116
 Friedensreich Hundertwasser
Austria, 1928–2000
• Expresionismo

Friedensreich Hundertwasser fue un artista total (pintor, arquitecto, escritor,

performancer, diseñador…). Ante todo fue un artista adelantado a su tiempo y un activo
militante del ecologismo, algo que se filtró en toda su obra.

Nacido en Austria en una familia de madre judía y padre protestante, con la llegada del
nazismo su madre decidió bautizarlo para salvarlo y lo alistó en las juventudes hitlerianas.
Aún así estaba obligado a usar el brazalete amarillo y vivió escondido en un sótano hasta
1944 cuando ya era evidente que los judíos desaparecían de la noche a la mañana.

Quizás por esta infancia se cambió el nombre varias veces (casi lo hacía como una obra
de arte en sí) y a veces Hundertwasser era conocido
como Stowasser, Regentag o Dunkelbunt. «Yo tengo muchos nombres y soy muchas
personas. Soy pintor, arquitecto, ecologista… Hay tantas cosas que hacer que yo siempre
digo: me gustaría ser diez Hundertwasser para hacer diez veces más cosas. Como eso
no puede ser al menos puedo tener muchos nombres».

Nómada, Hundertwasser vivió en cientos de lugares, casi siempre sin dinero pero
creando arte. Sus influencias básicas eran sus paisanos Schiele y Klimt, pero hay

117
numerosas cosas en su obra que recuerdan a muchos otros artistas como es el caso
de Hokusai, Klee o Rousseau.

Ni una línea recta existe en sus cuadros (ni en sus edificios): «La utilización ciega,
cobarde y estúpida de la línea geométrica recta, ha convertido nuestras ciudades en
baldíos desolados desde el punto de vista estético, espiritual y ecológico…». Más bien
abundan las espirales y siempre tintadas en intensos colores.

Le interesó mucho la temática ecológica. El mundo debería ser un paraíso lleno de color
y líneas curvas y en su arte quería transportarnos a este Edén: «Un cuadro bueno está
lleno de magia. Te hace sentir feliz, hace reír, o llorar, pone las cosas en marcha. Debe
ser como una flor, como un árbol. Debe ser como la naturaleza. Es algo que se añora
cuando no está».

• Reconocer las principales características de manifestaciones artísticas que

abordan la naturaleza muerta y bodegones en la pintura chilena y mundial, tales
como: Roser Bru, Mario Carreño, Claudio Bravo, Paul Cézanne, Francisco de
Zurbarán, Édouard Manet, Henri Matisse, entre otros.

Roser Bru Llop (Barcelona, 15 de febrero de 1923) es

una pintora y grabadora chilena de origen español, adscrita al movimiento de
la Neofiguración
Su extensa obra ha abarcado las técnicas de la pintura, el dibujo y el grabado. Una
constante en su producción artística es la elaboración de imágenes donde se producen
cruces entre elementos de la biografía personal, la historia sociopolítica y la historia del
arte, teniendo como temas recurrentes la muerte, la pérdida, la memoria y la constante
asociación entre el pasado y el presente. En sus inicios se caracterizó por una exploración
de lo matérico influenciada por el informalismo de Antoni Tàpies (1923-2012) que conoció
en 1958, cuando regresa por primera vez a Barcelona. Posterior al Golpe Militar de Chile
en 1973, su trabajo asumió un corte más crítico, abordando recurrentemente conflictos
sociales y hechos históricos dramáticos.
La trayectoria de Roser Bru ha sido ampliamente reconocida. Ha participado en
numerosas exposiciones tanto en Chile como en el extranjero y su figura ha ocupado un
lugar destacado dentro del campo artístico nacional. Entre las distinciones que ha recibido
resalta la obtención en 2015 del Premio Nacional de Artes Plásticas.
Mario Carreño Morales, pintor. Nació en La Habana, Cuba, el 24 de junio de 1913. Obtuvo
la nacionalidad chilena en 1969. Falleció en Santiago de Chile el 20 de diciembre de 1999.
En 1982, Mario Carreño fue galardonado con el Premio Nacional de Arte, una vez que se
había convertido en uno de los pintores más representativo de Chile y con reconocimiento
internacional.

Cuenta con una vasta trayectoria, manteniendo una estrecha relación de su obra con sus
vivencias y con los acontecimientos de su época, que lo llevaron a imbuirse en los más
diversos estilos.
118
Mario Carreño incursionó exitosamente lo clásico, lo sintético, lo geométrico, lo metafísico
en otras tendencias.
Desde 1950 profundiza en los valores plásticos una vez que simplifica y esquematiza su
pintura y así logra la autonomía del lenguaje. Es de notar que trabajó con extremo rigor
las formas geométricas.

Claudio Bravo Camus, pintor. Nació en Valparaíso, el 8 de noviembre de 1936, falleció el

4 de junio de 2011 en Taroudant, Marruecos.

A principios de la década de los sesenta, vivió en Concepción donde se hizo un nombre

como retratista. Luego de exhibir sus obras en la Universidad de Concepción y buscando
perfeccionarse en su técnica, viajó a Europa en 1961. Cautivado por la escuela realista
clásica de los grandes maestros, decidió radicarse en Madrid, España, donde adquirió
fama como retratista de la alta nobleza y la aristocracia europea. A mediados de la
década, los retratos dieron paso a sorprendentes naturalezas muertas. Objetos cotidianos
de la vida moderna y otros aparentemente sencillos, como piedras y envoltorios,
deslumbraban al espectador al ser llevados a la tela con minucioso realismo. El artista
había llevado su técnica a los límites de la perfección.

Paul Cézanne

119
Datos del pintor
Nombre completo:
Paul Cézanne.
Nacionalidad:
Francia.
Año de nacimiento:
1839, Aix-en-Provence, Francia.
Año de muerte:
1906, Aix-en-Provence, Francia.
Estilo:
Impresionismo y posimpresionismo.

Paul Cézanne fue un pintor francés, uno de los principales padres del impresionismo.
Según muchos coleccionistas, con Cézanne empezó "todo", refiriéndose al inicio de
movimientos rupturistas que medio siglo después confluirían en el modernismo.
Nació en una familia pudiente y católica, aunque reticente al principio su padre lo ayudó
financieramente para prosperar en su carrera artística y además le dejó una cuantiosa
herencia. Cézanne conservó sus creencias católicas durante toda su vida.

120
A la edad de 22 años se traslada a París donde fue discípulo de Camille Pissarro. No fue
excesivamente valorado en su tiempo, más bien se le consideró un artista de segunda,
así lo atestiguan las muchas veces que fue rechazado en galerías, así como la
imposibilidad del artista en ganarse la vida con su trabajo.

Obras de Cézanne
Los cuadros de Cézanne son considerados como iniciadores del arte pictórico moderno.
Sus obras, apreciadas de forma póstuma, exhiben formas y colores impensables para su
tiempo. Siempre luchó por simplificar las formas y experimentar con las formas de percibir
el espacio, por ello las perspectivas y proporciones de sus obras resultan en ocasiones,
muy peculiares.
Sus composiciones construidas en su mayoría por manchas de colores encajadas unas
con otras, confieren a los cuadros un aspecto húmedo, fantástico y "falto de definición".
Para comprar accede a la tienda a la sección cuadros de Cézanne al óleo.

"Vista de Bonnieres"
Autor: Paul Cézanne
Título original: Vue de Bonnieres
Título (inglés): View of Bonnieres
Estilo: Impresionismo
Género: Paisaje
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1866
Se encuentra en: Museo Fabre, Montpellier

121
"Fruta y jarra en una mesa"
Autor: Paul Cézanne
Título (inglés): Fruit and a Jug on a Table
Estilo: Impresionismo
Género: Bodegón
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890-1894
Se encuentra en: Museo de Bellas Artes de Boston

Cézanne sorprende en esta obra por la sencillez, muchas veces calificada como
"humildad", de su pincelada. Este tipo de imágenes domésticas de cocina son, junto a los
paisajes, las principales inspiraciones para el pintor.

Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Badajoz, 7 de

noviembre de 1598 – Madrid, 27 de agosto de 1664) fue un pintor del Siglo de Oro
español.
Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la
que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo
Bodegón con cacharros es un óleo sobre lienzo del pintor barroco español Francisco
de Zurbarán. Mide 46 centímetros de alto por 84 cm de ancho. Está datada hacia del
año 1650 y se encuentra en el Museo del Prado de Madrid (España).1Otra versión del
cuadro, casi idéntica y catalogada también como autógrafa, se conserva en
el MNAC de Barcelona.

122
Se trata de una sencilla pero ejemplar composición con cuatro objetos de la vajilla
tradicional y la luz como únicos protagonistas.nota 1 Tres vasijas muy alfareras y otras tres
piezas de metal —una copa trabajada y dos bandejas.2 El pintor, seducido por "la pura
técnica pictórica, las texturas y el goce estético",3 los ha colocado sobre una repisa, bien
alineados y enmarcados por un fondo neutro. Se considera obra ejemplar entre los pocos
bodegones conservados del pintor extremeño, apreciándose la conjunción magistral del
crudo realismo y la ternura por las pequeñas cosas cotidianas, que dan como resultado
un misticismo rústico y de hermosa solidez.

Édouard Manet (París; 23 de enero de 1832-Ibídem; 30 de abril de 1883) fue

un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores
del impresionismo.

Manet daba una gran importancia a la naturaleza muerta que consideraba como "la piedra
de toque del pintor". Harto de la pintura de historia y de todas esas "grandes máquinas"
que estorbaban la pintura de su época, afirmaba: "Un pintor puede decir todo lo que quiere
con frutas o flores e incluso con nubes. Como saben, a mí me gustaría ser el san
Francisco de la naturaleza muerta".

Es verdad que, en la década de 1860, la naturaleza muerta estaba en boga; su nuevo

esplendor surgió tras la caída de la antigua jerarquía –de la que se benefició tanto como
el costumbrismo y el paisajismo–, el redescubrimiento de un cierto siglo XVIII y la gloria
reciente de Chardin, aun cuando las reticencias seguían siendo numerosas frente a obras
consideradas esencialmente decorativas y propias del talento femenino. Manet pinta
naturalezas muertas durante toda su carrera, composiciones ambiciosas y simples

123
bocetos; es la primera vez que una exposición reúne sesenta y cuatro de estas obras,
principalmente pinturas, pero también dibujos y algunos grabados.

La naturaleza muerta representa en efecto casi una quinta parte de su obra, una
proporción muy superior a la alcanzada por los otros artistas de la Nueva Pintura (con
excepción de Fantin-Latour y de Cézanne); y la crítica contemporánea ha reconocido su
importancia inmediatamente, por su presencia ostensible en numerosos cuadros
realizados a partir de 1860 –el ramillete de Olympia pero también los libros, el limón y el
vaso sobre la mesa de Zacharie Astruc o la fuente sobre un banco del Retrato de
Théodore Duret– o por constituir verdaderos cuadros, como en la muestra del artista en
la galería Martinet en 1865 o en su exposición particular de la avenue de l'Alma en 1867.

Ésta fue la parte de su obra que recibió mejor acogida: "los enemigos declarados del
talento de Edouard Manet, anota Emile Zola en 1867, le conceden que éste pinta bien los
objetos inanimados". Sus detractores jamás dirán otra cosa: si Manet tiene algún talento,
éste se limita a la reproducción correcta de esos "objetos inanimados"; si no, malogra
todo lo que toca. El artista que, de escándalo en escándalo, se había ganado una
celebridad "a la Garibaldi", en términos de Degas, no era sino un ejecutante dedicado a
los ramilletes, a las tablas puestas, a toda clase de "cosas".

Manet, el pintor de naturalezas muertas, estudió los grandes modelos del pasado, el de
los españoles y sus bodegones (Guitarra y sombrero, Aviñón, Museo Calvet), el de los
holandeses (El salmón, Shelburne, Vermont, Shelburne Museum), el de Chardin (Peces,
Chicago, Art Institute). En la década de 1860, jugó con francas oposiciones del negro y
del blanco, la madera oscura de la mesa y el resplandor de un mantel o de una servilleta
sobre las cuales dispone sus notas coloridas.

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869-3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés
conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo.
Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido
ampliamente, junto a Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su
carrera, se le identificó con el fovismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el
lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió
por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte
moderno. Durante su trayectoria, supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh
o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.

• Analizar las principales características de lenguajes artísticos, que exploran

nuevas relaciones plásticas con los materiales del medio o que utilizan la
naturaleza como soporte, tales como: Land Art, Arte Povera, Arte Ecológico, entre
otros.

El Land Art o Earth Art es una corriente del arte contemporáneo en la que se crean obras
en plena naturaleza utilizando (casi siempre) los materiales que encontramos en ella:
palos, piedras, hielo... En este híbrido entre arquitectura de paisaje y escultura, el paisaje
124
y la obra de arte están estrechamente enlazados. Las obras de este tipo están
expuestas a los cambios y la erosión del entorno natural en el que se encuentran por
lo que algunas han desaparecido, de ahí que la fotografía o las grabaciones del proceso
y de la obra terminada sean muy importantes.

Las primeras obras se realizaron en desiertos de Estados Unidos a finales de los

años sesenta, pero la obra que más popularidad ha tenido es, probablemente la Spiral
Jetty creada en abril de 1970 en Utah por Robert Smithson (fotografía principal). En esta
obra, el artista trabajó con rocas, tierra y algas para formar una larga espiral que sobresale
de la tierra adentrándose en el Gran Lago Salado. Muchas obras de esta corriente
artística han necesitado máquinas industriales por el peso de los materiales para ser
construidas.

Arte povera. En italiano significa “arte pobre“. El Arte Póvera surgió en Italia en 1967.
Bajo la denominación de Arte Póvera se integran actividades artísticas muy variadas, pero
que, en general, todas ellas se caracterizan por un común denominador, el hecho de que
las obras se hallan constituidas por materiales pobres.

“Arte pobre“. Utilización de materiales de deshechos o materiales sustraídos directamente

de la naturaleza como hojas, madera o piedras.

Arte ambiental. Llamado ecológico o ecoarte (Environmental art), es el arte basado en

el convencimiento de la fragilidad de la naturaleza y busca generar acciones sobre un
territorio. Constituido por obras que aluden al tema ecológico o al medio ambiente natural
permite que el vínculo con el espectador se establezca a través de diversos géneros
artísticos: fotografía, pintura, dibujos, libros, obras y esculturas con elementos propios del
lugar, como ramas, hojas, agua, piedras, plumas y tierra.

Concepto: Es una manifestación artística

realizada dentro de un espacio
natural, urbano o semi urbano con el
fin de lograr un diálogo estético o la
transmisión de un mensaje.

El arte como idea, obliga a una decodificación del significado conceptual de la obra e
involucra al público con las problemáticas ambientales. Entre las características que
presenta el arte ambiental se encuentra:

1. Los artistas pueden tener diferentes miradas sobre el mundo para interpretar las
condiciones artísticas y contextuales de una situación comunitaria particular.
2. El núcleo conceptual del arte ecológico es la idea interdisciplinaria sobre los puntos
de encuentro entre: la ecología y la vida, la participación comunitaria, el diálogo y
la comunicación.
3. El enfoque sobre ecología y vida se refiera a crear conciencia partiendo de
un pensamiento crítico sobre la comunidad y el ambiente.
125
 4. El trabajo del arte ambiental se centra en cuestionar las injustas prácticas
laborales, la superpoblación, el derroche nuclear, los químicos tóxicos,
la extinción y desechos de los animales, el agotamiento del bosque, el suelo y los
cambios del clima.
5. El arte ecológico como conjunto de acciones de diverso tipo que responden a un
objetivo común de respeto al entorno es una buena manera de trabajar actitudes
y valores de respeto al medio y de acercamiento a sus elementos más cercanos y
cotidianos. Sirve para acercarse a actitudes y valores críticos con el consumismo y
con todo aquello que no respete la relación con la naturaleza.

2.3 Lenguajes artísticos de nuestra época

• Reconocer las principales características del movimiento de muralismo mexicano

tales como: su temática, contexto social, narrativa y sus elementos simbólicos.

El muralismo mexicano es un movimiento pictórico iniciado en la década de 1920,

como parte de las políticas de modernización del Estado de México tras la revolución
de 1910.

Se trata de un movimiento inspirado por un propósito: construir una identidad nacional

para aglutinar a los diferentes sectores de la sociedad mexicana, dadas las profundas
desigualdades sociales de la época, especialmente educativas y culturales.

El presidente Álvaro Obregón, elegido para el período de 1920 a 1924, nombró a José
Vasconcelos como secretario de educación pública. Este desarrolló el primer
programa cultural del Estado mexicano después de la revolución.

126
David Alfaro Siqueiros: Los elementos. Escuela Nacional Preparatoria. 1922.

Con el propósito de crear un sentimiento de unidad nacional y promover los valores

del Estado moderno, Vasconcelos impulsó, por un lado, la educación pública nacional,
concentrando esfuerzos en la lengua castellana como punto de unificación en un
México pluricultural y multilingüístico. Por el otro, desarrolló un programa de arte
público para construir y reforzar la identidad y la memoria colectiva.

Según Claudia Mandel en su ensayo "Muralismo mexicano: arte público, identidad,

memoria colectiva", Vasconcelos se inspiró para ello en las ideas de los intelectuales
rusos Anatoli Lunacharsky y Máximo Gorki, promotores del arte público para la
edificación social, así como en las campañas de alfabetización y creación de
bibliotecas públicas del gobierno norteamericano.

De este modo, Vasconcelos pretendía asegurarse también la integración de la

población indígena, tradicionalmente discriminada por los sectores dominantes.

En este sentido, Javier Ocampo López, en su ensayo "José Vasconcelos y la

educación mexicana", sostiene que este "nacionalismo cultural artístico" era toda una
cruzada nacional en la que no solo hubo mucho dinero del Estado, sino la resuelta
acogida de la población. Así nació el muralismo mexicano. Pero, ¿qué caracterizaba
a este movimiento, no solo al nivel axiológico sino plástico y estético?

127
Características del muralismo mexicano

El muralismo mexicano seguía un programa para lograr los propósitos del Estado
revolucionario: en primer lugar, la valoración y recuperación de la historia, fuente de
la identidad nacional, y, en segundo lugar, el reconocimiento de que los descendientes
de esa historia seguían presentes en la contemporaneidad. Esto le daría no solo temas
y valores al arte, sino una estética muy particular. Veamos.

Monumentalidad

Si el muralismo era un arte concebido por el Estado para una estrategia social, es
claro que debía tener un alcance público, lo que solo podía lograrse mediante el muro
o la escultura monumental.

Así, el soporte esencial de muralismo mexicano fue, evidentemente, el muro, lo que le

daría monumentalidad al concepto artístico. Estos muros estaban dispuestos en
edificios del Estado, en escuelas, universidades o iglesias.

Cuando decimos muro, no solo nos referimos a las paredes planas, sino también a
techos abovedados, pechinas, bóvedas de cañón y tableros. Así lo hace ver Elise
Mijando de Jesús en su ensayo "Una aproximación a las técnicas de la pintura mural
siqueiriana".

Mijando de Jesús analiza los frescos de la Escuela Nacional Preparatoria (antiguo

convento de San Ildefonso), un proyecto mural iniciado en 1922 por iniciativa de
Vasconcelos, en el que participaron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David
Alfaro Siqueiros, junto a Jean Charlot, Ramón Alva de la Canal, Fernando Leal y
Fermín Revueltas.

El muro, además, garantizaba que el arte cumpliera con su propósito público al no ser
coleccionable, asestando un golpe contra el concepto elitista del mercado del arte.
Así, el soporte elegido era coherente con los valores de la revolución triunfante.

Técnicas

En el muralismo mexicano se usaron dos técnicas predominantes: el fresco y la

encáustica, tal como informa Mijando de Jesús.

El fresco es una técnica pictórica que consiste en pintar sobre una capa húmeda de
cal con pigmentos minerales disueltos en agua. El proceso de secado de la cal hace
que los pigmentos se aglutinen y se fijen, aumentando su durabilidad. Esta técnica
requiere de velocidad en la ejecución, pues compite contra el tiempo de secado, razón
por la que no admite repintes. Así, quienes utilizan esta técnica son auténticos
maestros del arte.

128
En la técnica de la encáustica, el material aglutinante es cera caliente mezclada con
pigmentos. Se puede aplicar con un pincel o una espátula igualmente caliente. Luego
de aplicarse, se pule con trapos de lino bien secos. Se ha utilizado desde tiempos
antiguos, especialmente sobre tabla, aunque también en la pintura mural.

Diálogo con las vanguardias

Orozco: La trinchera. Escuela Nacional Preparatoria. 1926.

En un primer momento, los muralistas aplican elementos de las vanguardias

occidentales, tales como el expresionismo (especialmente en Orozco), el futurismo
(en Siqueiros) y el cubismo sintético (en Rivera), pero no por ello puede considerarse
que las hayan imitado. Por el contrario, acabaron por apartarse de ellas.

Si las vanguardias se proponían alcanzar la total autonomía artística y disolver la

importancia del contenido (a excepción del surrealismo), el muralismo mexicano no.
En efecto, el muralismo volvía sobre el contenido, pero un contenido nuevo, con
nuevas mitologías, relatos y propósitos, gracias a lo cual superaba la mirada
eurocéntrica y se constituía como un movimiento realmente latinoamericano.

El proceso de conceptualización de estos contenidos generó formas plásticas únicas,

gracias a la observación de la estética prehispánica e indígena.

El arte del muralismo, de este modo, rechaza la absolutización de la autonomía del

arte y devuelve a este a su función social amplia, esencialmente educativa y
propagandística, al mejor estilo del arte sacro medieval.

129
Temas del muralismo mexicano

Diego Rivera: El hombre controlador del universo. 1934.

La vocación política y social con que nació el muralismo mexicano fue el marco de
referencia para la selección de temas, los cuales estuvieron al servicio de Estado.
Conozcamos los más importantes.

VALORES REPUBLICANOS UNIVERSALES Y PROPAGANDA POLÍTICA

En un principio, se representaban temas dentro del idealismo individualista del

promotor del muralismo, José Vasconcelos. Principios republicanos y libertarios serán
algunos de ellos.

Aquellos eran tiempos en los cuales las ideologías de izquierda estaban en plena
expansión y se erigían como una promesa. Así, también se representaron valores y
principios rectores del socialismo (la lucha de clases, la libertad, la opresión, la vida
de los campesinos, la clase obrera), sus líderes políticos, entre otros.

PROGRESO, CIENCIA, TECNOLOGÍA Y CONOCIMIENTO

La tendencia del movimiento muralista era suscribir la modernización y el progreso.

Por lo tanto, también hicieron apología del conocimiento, la ciencia y la tecnología,
incluidas en ello la industrialización y la máquina. Todo ello representaba el culto al
progreso como horizonte desde una lógica marxista.

130
PASADO PREHISPÁNICO

Diego Rivera: El mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional. 1942.

Los muralistas se abocaron a representar la historia y mitología de las culturas

prehispánicas, y, de esa manera, le dieron una imagen y una voz a los herederos del
pasado indígena a través de las artes. En estas se incluían mitos, símbolos,
costumbres, relatos históricos, etc. Sin embargo, lo indígena no se representó desde
la fundación del movimiento, sino que fue un hallazgo progresivo.

HISTORIA DE MÉXICO

Diferentes pasajes de la historia mexicana pasarían a formar parte del repertorio

temático. La conquista y colonización, la guerra de independencia, la revolución
mexicana, la abolición de la esclavitud, las campañas de promoción de la
alfabetización, etc. Algunas representaciones mostrarían los triunfos de la nación,
otras las contradicciones frente a las cuales había que luchar.

131
Nueva iconografía

José Clemente Orozco: Maternidad, Escuela Nacional Preparatoria. 1923.

Al desarrollar nuevos temas, necesariamente hubo que renovar el repertorio

iconográfico del arte. Así, surgió la iconografía obrera y campesina en una primera
etapa.

En cuanto a la iconografía obrera y campesina, Madel señala como ejemplos los

trabajos de la Escuela Nacional Preparatoria de 1922, en los que se observan
alegorías cristianas y signos ocultistas, simbolismo y sintetismo, todos estos
elementos que, de algún modo, son reconocibles en la pintura de Gauguin. Por
ejemplo, el mural Maternidad, de Orozco, elaborado en 1923.

Posteriormente, en la medida en que el muralismo halló su conexión con la

especificidad mexicana, desarrollaron extensamente la iconografía indígena, lo que le
dio al movimiento identidad, sentido y riqueza.

En cuanto a la iconografía indígena, algunos de los primeros trabajos que salieron a

la luz fueron los de los muralistas Jean Charlot y Fermín Revueltas. Charlot
representó La matanza de Tenochtitlán. Igualmente, Revueltas destacó al pintar
la Alegoría de la Virgen de Guadalupe, la virgen indígena de América Latina.

132
Estilo indigenista

En realidad, lo indígena entra en el nacionalismo espiritual de Vasconcelos solo

después de 1922, y aparece, finalmente —según Madel—, en el Manifiesto del
Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores de México de 1923, según el
cual el arte del pueblo mexicano es la expresión más grande y mejor del mundo.

Sin embargo, ya en 1921, David Alfaro Siqueiros había hecho un llamado en el

manifiesto Tres llamamientos de orientación actual a los pintores y escultores de la
nueva generación americana, en el que propuso, según la misma Madel, dejar el
sentimentalismo del art nouveau y volcarse a la tradición visual indígena.

A partir de entonces, no solo se incorpora la iconografía indígena, sino también el

estilo plástico, surgido del estudio de las fuentes del arte prehispánico o popular
contemporáneo, al alcance de los artistas.

Principales autores del muralismo mexicano

Es bastante conocido que David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente
Orozco fueron los artistas más renombrados del muralismo gracias a su relación con
José Vasconcelos. Pero además de estos, a quienes también vamos a referir en esta
sección, otros nombres destacan. Veamos.

Jean Charlot

Jean Charlot: Masacre en el Templo Mayor o La Conquista de Tenochtitlán. Escuela

Nacional Preparatoria. 1922-1923.

Louis Henri Jean Charlot (1898-1979) fue un pintor nacido en Francia pero
naturalizado mexicano. Al descubrir el arte prehispánico quedó fascinado por sus
características, de manera que trabajó bajo el influjo de este hallazgo. Fue, además,
133
asistente de Diego Rivera en sus primeros años. Es conocido por haber pintado
la Masacre en el Templo Mayor o La Conquista de Tenochtitlán (1922-1923).

Ramón Alva de la Canal

Ramón Alva de la Canal: El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras

nuevas. Escuela Nacional Preparatoria. 1922-1923.

Ramón Alva de la Canal (1898-1985) fue pintor e ilustrador. Estudió en la Academia

San Carlos, al igual que varios de los muralistas. Formó parte del sindicato de pintores.
Entre sus obras destaca El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras
nuevas (1922-1923).

134
Fernando Leal

Fernando Leal: La fiesta del señor de Chalma. Escuela Nacional Preparatoria. 1923-
1924.

Fernando Leal (1896-1964) fue uno de los pintores contratados por José Vasconcelos
para el gran proyecto de la Escuela Nacional Preparatoria, donde pintó el fresco Los
danzantes de Chalma o La fiesta del señor de Chalma (1923-1924). Asimismo, pintó
la Epopeya bolivariana en el vestíbulo del anfiteatro Simón Bolívar entre 1939 y 1942.

Fermín Revueltas

Fermín Revueltas: Alegoría a la Virgen de Guadalupe. Escuela Nacional Preparatoria.

1922-1924.

Fermín Revueltas (1901-1935) fue pintor, vitralista, dibujante y muralista. Participó en

el movimiento mexicano conocido como estridentismo, que integraba futurismo,

135
dadaísmo, ultraísmo y constructivismo en un solo movimiento. Fue parte de la primera
generación de muralistas que participó en la decoración de la Escuela Nacional
Preparatoria donde pintó su famosa Alegoría a la virgen de Guadalupe (1922 y 1924).

David Alfaro Siqueiros

David Alfaro Siqueiros: Retrato de la burguesía. Sindicato Mexicano de Electricistas.

1940.

Siqueiros, quien vivió entre 1896 y 1974, se distingue de Rivera y Orozco en que sus
temas proyectan más el futuro que el pasado. En sus inicios practicó un arte clasicista
y nacionalista. Sin embargo, a partir de 1932, evolucionó hacia un arte mucho más
dinámico. Ejemplo de ello es el Retrato de la burguesía, de la sede del Sindicato
Mexicano de Electricistas, ejecutado en 1940.

Este pintor buscaba un equilibrio estético universal con motivos nacionalistas y

modernos, lo que —según Madel—, provenía de su contacto con los avances
tecnológicos de la sociedad norteamericana. En este sentido, Madel sostiene que,
para Siqueiros, el mural era concebido como “espacio escénico polidimensional y
espectáculo de masas empleando la técnica del montaje cinematográfico, por medio
de Eisenstein”.

No es de extrañar, por tanto, la presencia de elementos de la vanguardia del futurismo

en la obra del pintor: obras geométricas, diagonales, líneas rectas y formas curvas.

Se podrá ver también la influencia del arte azteca en las masas compactas, la síntesis
visual y el sentido pétreo de sus figuras del período más avanzado. Incluso, elementos
olmecas en la fisionomía de los personajes representados: frente grande, pómulos
136
pronunciados, ojos oblicuos, nariz y labios prominentes, dice Madel. Ejemplo de todo
ello serán los murales Madre proletaria / Madre campesina y El entierro del
obrero (inconcluso).

Diego Rivera

Diego Rivera: La creación. Escuela Nacional Preparatoria. 1922.

Diego Rivera (1886-1957), quien estudió en Europa y, antes que nada, practicó el
cubismo sintético, heredó de esta vanguardia el equilibrio, el orden, la armonía y los
principios de construcción plástica, lo cual es visible en el mural La creación, de 1922.

Rivera aplicó elementos del arte bizantino e italiano. Cuando finalmente se dejó ganar
por la causa de la identidad mexicana, exploró y estudió las fuentes del arte
prehispánico, tales como los códices y las piezas de arte prehispánicas.

Dice Madel que al hacer lo que hicieron los pintores renacentistas, que estudiaron los
mitos griegos e historias bíblicas al detalle para construir un arte clásico, Rivera se
convirtió en el inventor de lo clásico indígena.

Como resultado, Rivera promovió la representación del mundo indígena desde una
mirada idealizante. En ello se reconoce, también, la inclusión de lo femenino, a lo cual
Rivera da voz y presencia.

137
José Clemente Orozco

Orozco: Cortés y la Malinche. Escuela Nacional Preparatoria. 1926.

José Clemente Orozco (1883-1949) fue el más influido de los muralistas mexicanos
por el expresionismo. Por un lado, trabajó profusamente los valores socialistas junto
con la educación, el progreso y la industrialización. Por otro lado, el universo de
personajes de Orozco se concentró en lo masculino, en lo cual se distinguió de Rivera.

Orozco rechaza las composiciones idealizadas y mitologizantes del pasado indígena,

pues entiende que lo prehispánico y lo hispánico se entrelazan en un proceso
conflictivo marcado por la lucha entre el progreso y los sectores reaccionarios.

De este modo, Orozco fue el primero en aludir al colonialismo español, tal como lo
pone en evidencia el fresco Cortés y la Malinche, de 1926, en el que se evidencian las
consecuencias de la dominación hispana y la subyugación indígena.

Antecedentes del muralismo mexicano

El muralismo mexicano tiene sus antecedentes en la búsqueda de un arte nacionalista.

Esto inició en el siglo XIX, tras la inquietud independentista de México. En ese tiempo
destacaron Leandro Izaguirre, Félix Parra, José Obregón, Rodrigo Gutiérrez y el
grabador José Guadalupe Posada (1852-1913).

Sin embargo, un antecedente más concreto y significativo lo representa la exposición

de la Academia de San Carlos celebrada en el año 1910. Esta exposición fue
organizada por el pintor Gerardo Murillo, conocido mejor como el Dr. Atl (1875-1964).

138
 Dr. Atl: Autorretrato.

La exposición de la Academia de San Carlos tuvo como propósito responder con una
propuesta nacionalista a la exposición de pintura española patrocinada por Porfirio
Díaz para conmemorar la lucha de México por su independencia del colonialismo
español.

Los artistas participantes se comprometieron con temas indígenas como

reivindicación de los pueblos originarios. En ese sentido trabajaron los artistas
Saturnino Herrán y Jorge Enciso.

De allí que el Sr. Atl, organizador de esta iniciativa y promotor del modernismo, haya
sido considerado como el precursor ideológico y defensor teórico del muralismo, en
busca de una pintura con valores y espiritualidad.

• Distinguir las principales características en manifestaciones artísticas relevantes

del mural en Chile a partir de autores o colectivos artísticos tales como: Brigada
Ramona Parra, Inti Peredo, Elmo Catalán, Gregorio de la Fuente, Enrique
Zamudio, Mono González, entre otros.

Las Brigadas Ramona Parra (BRP) son grupos organizados de jóvenes muralistas, cuyo
objetivo es plasmar, en diferentes espacios públicos, mensajes relacionados a la
ideología política de la izquierda chilena. Poseen una estrecha vinculación al quehacer
de las Juventudes Comunistas de Chile (JJCC) y, por extensión, a los lineamientos y

139
propuestas formuladas por el Partido Comunista de Chile. De esta forma, es posible
identificar a estas Brigadas como grupos de propaganda política comunista.
Los orígenes de las Brigadas resultan imprecisos, ya que algunos autores datan el inicio
de sus intervenciones incluso antes del año 1965. No obstante, algunos investigadores
han reconocido dos hitos que pueden ser considerados como fundacionales para esta
agrupación: la realización en 1968 del VI Congreso de las Juventudes Comunistas de
Chile del cual emanó la necesidad de articular grupos abocados a la elaboración de
propaganda; y la "Marcha por Vietnam", efectuada en 1969, que contó con la participación
unas dos mil personas que se desplazaron desde Valparaíso a Santiago para exigir la
liberación del país asiático. En aquella manifestación, jóvenes convocados por uno de los
fundadores de estas brigadas, Danilo Bahamondes, se adelantaron a los manifestantes
para realizar diversas intervenciones gráficas en el camino que une al puerto con la
capital. Luego de ambos acontecimientos, se conformaron tanto en Santiago como a nivel
nacional, cuadrillas organizadas que llevaban como nombre Brigadas Ramona Parra, en
homenaje a una joven militante comunista asesinada en una manifestación realizada en
Santiago el año 1946.
En sus inicios, el trabajo de estas agrupaciones se centró en la elaboración de consignas
alusivas a la cuarta candidatura presidencial de Salvador Allende Gossens y al plan de
gobierno propuesto por la coalición de la cual el último fue representante, es decir,
la Unidad Popular. Posterior a la elección de Allende en 1970, las Brigadas integraron a
los lemas característicos de la campaña allendista, coloridos dibujos e imágenes
representativas de los más variados componentes de la realidad nacional, tales como los
trabajadores, la familia, la geografía de nuestro país, entre otras temáticas pictóricas,
como forma de comunicar y celebrar la gestión realizada por el gobierno de la época.
Fruto de estas motivaciones se realizaron enormes murales que, además de intervenir el
espacio público, evocaron la experiencia latinoamericana del muralismo. Sin duda, estas
manifestaciones gráficas pasaron a formar parte importante del imaginario cultural de la
época.
A este período corresponden la confección del mural "El primer gol del pueblo chileno"
(1971) en la comuna de La Granja, en cuya elaboración participaron las BRP y el
destacado pintor chileno Roberto Matta; una exposición de trabajos de las Brigadas en el
Museo de Arte Contemporáneo (1971); y la realización de un mural en los tajamares del
río Mapocho que contó con la colaboración de artistas plásticos nacionales como Gracia
Barrios y José Balmes (1972). Sin embargo, en 1972, y debido al clima de agitación
y polarización social imperante, las Brigadas se vieron obligadas a abandonar la
realización de representaciones pictóricas (dibujos, paisajes simbólicos, figuras humanas,
etcétera) para retomar la producción exclusiva de textos o frases simpatizantes al
gobierno de la Unidad Popular, como estrategia de defensa del gobierno imperante y
forma de comunicación alternativa a la prensa opositora, que en ese entonces
deslegitimaba a la administración vigente.
Inmediatamente después del Golpe de Estado de 1973 las intervenciones de estas
brigadas fueron borradas y varios de sus integrantes fueron víctimas de la persecución
política. Debido a las dificultades que significó el establecimiento de una dictadura militar,
los trabajos de las Brigadas se circunscribieron casi exclusivamente a producciones
gráficas en pequeño formato como folletos, panfletos, carteles, entre otros, los cuales
circularon dentro de un acotado espacio de clandestinidad. Fue recién a finales de los
ochenta, en víspera de la realización en nuestro país del plebiscito de 1988 que marcó la
140
vuelta a la democracia, que estas brigadas vieron posibilitado el retorno al espacio
urbano. Desde aquel entonces hasta nuestros días, las Brigadas Ramona Parra (BRP)
elaboran un sostenido trabajo en distintas localidades del país.
Inti Peredo y Elmo Catalán, las que instauraron un lenguaje particular y con funciones
determinadas: rellenos y fondos en colores puros que vibran al interior de gruesas Líneas
negras del brochazo delineador, e instauración de símbolos (palomas, puños, rostros,
estrellas) para formar imágenes fuertes e impactantes que transformaron el paisaje
urbano de principios de los setenta.
Con el Golpe de Estado en Chile, el movimiento se interrumpió, subsistiendo apenas
como resistencia política.
Con el regreso de la democracia, los artistas han realizado murales en universidades,
edificios del centro de la capital, en Valparaíso (donde hay un recorrido especial llamado
Museo a Cielo Abierto con 20 murales de artistas chilenos) e incluso en el Metro.

GREGORIO

DE LA FUENTE
------------------------------------------------------
Pintor y muralista chileno. Nació en
Santiago el 5 de diciembre de 1910 y
falleció en la misma ciudad el 28 de
diciembre de 1999.
La temática de la obra del artista abarcó Más Información
el paisaje, la figura humana, naturalezas Museo Nacional
muertas, retratos, temas históricos, de Bellas Artes
figurativos y abstractos.

Gregorio de la Fuente recibió importantes premios como el

primer premio de dibujo y mención honrosa de pintura, Salón
Libre de Valparaíso (1930).

Fue uno de los primeros artistas chilenos

que adhirió a la corriente muralista con la
creación de enormes frescos en la
estación de Concepción en el año 1945
(Mural Estación de FF.CC. Concepción)
con la ayuda de Sergio Sotomayor y Julio
Escámez. Este trabajo que ilustró la
historia de la ciudad fue el resultado de
una invitación a los artistas para que
aprovecharan los muros de la estación
con el fin de familiarizar al usuario con la
creación plástica.

141
Al igual que los muralistas mexicanos, los pintores nacionales
que siguieron las tendencias del muralismo azteca estuvieron
animados por un decidido afán de reivindicación social.
Después de los estudios que realizó en París, la pintura de
Gregorio de la Fuente siguió rumbo hacia la abstracción y
el cubismo.
Su obra se simplificó y tomó un sentido planimétrico con el
aprovechamiento de nuevas armonías cromáticas.
Aunque las reminiscencias precolombinas y la influencia de la
pintura mural aún permanecieron en algunas telas, éstas se
adhirieron cada vez Más a la abstracción, cuyo punto de
partida siguió siendo la realidad, pero abstrayéndola a
esquemas y síntesis lineales.

ENRIQUE

ZAMUDIO
------------------------------------------------------
Artista visual chileno. Nació en Santiago
el 22 de agosto de 1955.
Zamudio ha sido un artista investigador
cuyo trabajo visual surgió asociado a la
Generación de los 80, sin embargo ésta
es solo una relación cronológica ya que
su obra ha traspasado los límites y
conceptos tradicionales del lenguaje
plástico, formulando una permanente
indagación en torno a las posibilidades de
la pintura, la gráfica, el grabado y la
fotografía.

Enrique Zamudio ha participado en numerosas exposiciones

individuales y colectivas y ha sido merecedor de premios.

Zamudio ha sido un artista investigador

cuyo trabajo visual surgió asociado a la
Generación de los 80, sin embargo ésta
es solo una relación cronológica ya que
su obra ha traspasado los límites y
conceptos tradicionales del lenguaje
plástico, formulando una permanente
indagación en torno a las posibilidades de

142
la pintura, la gráfica, el grabado y
la fotografía.
Su trabajo se mueve especialmente en
torno a la memoria visual del país,
recurriendo a fotografías de archivo para
citar imágenes, personajes y arquitectura,
rescatando y proponiendo una nueva
lectura de aspectos de la vida pública del
pasado reciente.

Es un investigador constante del momento , de la precariedad

y de aspectos de nuestro país.
Se le ha llamado "antipaisajista de nuestras ciudades y
valles", de las tragedias y cataclismos. La anónima y precaria
identidad del país adquieren en su obra una estremecedora
humanidad y una bella e inexplicable estilización de la fealdad.
A través de su trabajo plástico extrae la fuerza y la belleza de
lo sórdido, del cataclismo, de lo árido y de lo feo que se
transforma en un testimonio de una realidad alarmante y de la
vida diaria.
En "Pictografías" mostró una visión de Santiago con imágenes
de hospitales, penitenciarías, canchas de fútbol, edificios
públicos y una visión del río Mapocho (visión fotográfica
intervenida) que parece una antipostal de tragedias y
melancolías ("Río Mapocho", fotoemulsión y óleo sobre tela
de 1.30 x 1.30 cms, 1988).
En sus trabajos hay mezcla de fotografía, pintura, ,
litografía, técnicas mixtas, juegos con la mancha, el aceite, la
piedra y el registro del instante.
Parte de su Biografía personal, de su infancia, del barrio
Independencia, de la calle donde pasaba la mayor parte del
tiempo se reflejan en su trabajo gráfico. También aparece el
Valle Central, muy diferente a como lo pintaron los anteriores
maestros, pues en ellos aparecen imágenes de arrayanes,
boldos, peumos y un lomaje árido y seco, sin vitalidad, que
provienen de sus percepciones cuando recorría en tren junto
a su padre esos paisajes que solo veía desde la ventanilla.
Cuando la urbe fue protagonista de su trabajo, utilizó los
edificios públicos, hospitales y penitecierías de la capital.
También utilizó como tema recurrente algunos momentos
históricos como el desastre de Rancagua, la muerte de
Balmaceda, la desazón de los años de independencia de
Chile, etc.
Sus pictografías son el resultado de la indagación en torno a
las diversas posibilidades expresivas de la pintura, el grabado,

143
 la fotografía y su intervención gráfica que han dado como
resultado pictografías.
Algunas de sus obras son "Estación Central", "Gabriela
Mistral" y ""Algas", adeMás ha realizado murales en la
Estación tren subterráneo Pedro de Valdivia, Santiago
llamado "La ciudad" ejecutado en1997 y en el Edificio
Compañía 1068, frente a los Tribunales de Justicia, "Un mural
para Santiago" de 620 metros cuadrados realizado en 1990.
Alejandro Mono González (Curicó, región del Maule; 2 de
marzo de 1947) es un artista y escenógrafo chileno,
reconocido por sus trabajos en murales con temática social.
La estética más característica de sus trabajos es la de
representar los tópicos relacionados al trabajador y obrero
común, su vida y su trabajo y las injusticias sociales, entre
otros elementos; todos estos plasmados (en mayor parte) en
trabajos de pintura sobre grandes superficies, que pueden ser
muros, tableros o lienzos. También tiene trabajos
en serigrafía, xilografía y libros, entre otros. También su
trabajo se emplaza en el sentido de la construcción
(como escenógrafo, ha participado en la construcción de
fondos para películas, series de televisión y teatro).2
Su técnica de pintura se basa en colores planos sin matices,
delineados con anchas líneas negras; aunque también puede
presentar trabajos con tonos degradados y difuminados.
Destaca el nivel de simbolismo y contexto presentes en sus
obras

• Identificar las principales características de obras de grafiti de artistas destacados

tales como: J.M. Basquiat, Taki 183, Banksy, Os Gemeos, entre otros.

Jean-Michel Basquiat ha superado en el imaginario general, por fin, su aura de bonito

cadáver y la conferida por el éxito contra pronóstico. Como Schiele, fue un artista prolífico
que generó una vasta obra en menos de diez años: unas mil pinturas y, más o menos, el
doble de dibujos. Pero quizá tengamos, por fin, que dejar a un lado la precocidad, la
celeridad o el volumen de una producción a la hora de valorarla.
Así que vamos a centrarnos en la cólera y la carga simbólica que hay en sus imágenes:
la mayoría claman contra la desigualdad y el racismo y a menudo contienen símbolos
ocultos en sus letreros: SOAP (jabón) se refiere al blanqueo y COTTON (algodón) alude
a la esclavitud. Son ejemplos. La inspiración de Basquiat se encontraba en la denuncia a
las jerarquías impuestas y en el cómic, la publicidad, el pop art o las culturas azteca,
africana, griega o romana. También en la vida cotidiana. Siempre necesitó material de
base alrededor con el que trabajar, desde periódicos a cajas de cereales; una palabra era
el germen de una idea que llevar a tableros o lienzos.

144
 Basquiat. Samo está en algo, 1980
Su producción está impregnada de siluetas que remiten a esqueletos, muecas que
evocan máscaras, y en sus pinturas introduce música, anatomía, deporte, trabajo o
dinero; también la historia del pueblo afroamericano.
Las calles de la ciudad juegan un rol importante en sus primeras obras; él mismo dijo de
ellas que su temática era la realeza, el heroísmo y la calle. Lo fue en varios sentidos:
como escenario de su producción inicial, como concepto y como temática.
Los grafitis conceptuales que a fines de los setenta creó junto a Al Díaz, con el
pseudónimo de SAMO, utilizando frases poéticas o críticas, le valieron el apodo de artista
callejero. Es un apodo inadecuado: trabajó en la calle un breve periodo y su obra entonces
fue, en cuanto a temas y rasgos estilísticos, bastante distinta a la de los grafiteros
convencionales. Él era muy claro rechazando la denominación: Yo no me considero un
artista del grafiti. Tienen esa imagen de mí, la de un hombre asilvestrado que corre, como
si fuera un mono salvaje, no sé en qué cojones están pensando.
Pero no por ello dejó de valerse de la calle como temática, como una realidad con muchas
capas. Pintó sobre objetos que encontraba en los apartamentos de sus amigos (neveras,
ropa) y sobre los que encontraba en la calle, por casualidad. Esas piezas, halladas en el
espacio público, siempre aparecen vinculadas a su lugar de origen; por ejemplo, Sin
título (1981) puede asociarse al espacio urbano porque está elaborada a partir de un trozo
de gomaespuma hallado en él y porque muestra una reproducción de un coche a modo
de pictograma. La inscripción VARIOS refuerza ese sentido callejero.
Esta obra formó parte de la primera gran muestra sobre Basquiat, “New York/New Wave”,
que se celebró también en 1981, en PS1. Los trabajos que allí presentó se caracterizaban
por su irregularidad y su simplificación, y evocaban los grafitis callejeros.
Exploró la calle como lugar de encuentro, además, a través de patrones que evocan las
líneas de tiza que suelen dibujar los niños en las aceras, para jugar a la rayuela: en Samo
está en algo, el artista alude a un viaje por carretera que hizo de Washington a Los
Ángeles, añadiendo otro nivel de significado al concepto de la calle en su arte.
Pero, también en 1981, Basquiat comenzó a usar el lienzo con más frecuencia. Se centró
en el diálogo entre la pintura y el dibujo, combinando acrílico y barras de óleo, y desarrolló
un motivo recurrente: héroes afroamericanos, a menudo atletas, presentes en
145
representaciones complejas. Pasado el tiempo, se convirtieron en retratos de cuerpo
entero y amplió la variedad de tipos: boxeadores, santos, víctimas, ángeles o guerreros.
Los sumerge en un conflicto gestual de pinceladas blancas, negras, rosas, amarillas y
rojas…
En esta etapa de su carrera, empezó a aplicar capas de pintura superpuestas, creando
elementos visuales y líneas de texto que después borraba. Sabemos que empleó esa
técnica en La ironía de un policía negro (1981).

Basquiat. La ironía de un policia negro, 1981

Los hombres afroamericanos ilustrados por Basquiat generalmente parecen listos para
luchar, decididos a resistir. Sus boxeadores son héroes en poses victoriosas y, como sus
beisbolistas, aluden a las estrellas afroamericanas del deporte. De hecho, en el
vocabulario visual de Basquiat, el boxeo -en el que su padre lo había iniciado- era
sinónimo de la guerra de razas entre negros y blancos. La amenaza de la decadencia y
la muerte está presente en muchas de estas pinturas: la vida, decía Schiele, es
un desgaste inexorable.
El compromiso del artista contra el racismo y la esclavitud se alimentó de su historia
personal y de su interés por el pasado afroamericano. A comienzos de los ochenta leyó
a Mark Twain; era un tiempo en que, según Glenn O´ Brien, llevaba ropa de diseño y los
bolsillos llenos, pero no podía coger un taxi.
En Genio por descubrir del Delta del Misisipi revisado, combinó sobre dos lienzos
elementos de collage, campos de color, motivos y palabras y el ataque físico a la obra
formó parte de su estrategia artística: suprimió las referencias literales a la esclavitud e
introdujo nuevas posibilidades asociativas al dañar físicamente la superficie. En este y
otros trabajos convirtió la propia esclavitud, el racismo y el linchamiento en algo palpable
y táctil. Con mucha claridad abordó el primer asunto en Subasta de
esclavos y Asquerosos liberales; en la primera, un atleta evoca la cosificación del ser
humano y su comercio; en la segunda, hace un claro llamamiento a la libertad y la
igualdad.

146
 Basquiat. Asquerosos liberales, 1982
Fue en 1984 cuando Basquiat comenzó a colaborar con asiduidad con Andy Warhol, en
principio a propuesta de Bruno Bischofberger. Comenzaron produciendo quince obras
conjuntas junto a Francesco Clemente y luego llegarían más de 140 junto al creador pop,
lo que supone más de una décima parte del conjunto de la producción de Basquiat. El
resultado fue enriquecedor para ambos: Warhol volvió junto a él a sus inicios pictóricos y
Basquiat experimentó con sus propios collages utilizando la serigrafía. Sus trabajos
conjuntos abordaban el racismo cotidiano, los encuentros entre distintas culturas y el
capitalismo, y quedaron finiquitados tras una crítica pésima de una exposición de ambos
en la Galería Tony Shafrazi. Parece que fue Basquiat quien decidió abruptamente no
continuar.
En cuanto a autorretratos, no son muchos los que Basquiat pintó, pero son más las
representaciones ocultas de sí mismo en muchas de sus obras, en gran medida porque
él, que también sufría el racismo cotidiano, se identificaba con los héroes y mártires que
representaba. Quizá se encuentre él tras el Sansón de Asquerosos liberales y tras
muchas de sus figuras afroamericanas listas para el combate.
En una serie de autorretratos de 1983, el año del asesinato del grafitero Michael Stewart,
afroamericano, se plasmó como hombre anónimo y maltratado y también se presentó a
sí mismo en la serie MP (1984-1985), con los brazos cruzados, semblante seguro y junto
a una columna con la palabra CARBON, en referencia a su negritud.
Resulta también fundamental en la temática manejada por Basquiat la noción de dualidad,
en forma de cabezas esquematizadas que forman parejas, a modo de peones de un
sistema social definido por el racismo y el interés en obtener beneficios. También abundan
las palabras escritas dos veces y la polarización de antagónicos: izquierda y derecha,
famoso y anónimo, falso y nuevo.
Ilustrando opuestos, creaba arcos de tensión en los que cada elemento condiciona al otro
y ambos forman un todo.

147
 Basquiat. God, Law, 1981
El periodo comprendido entre 1986 y 1988, año de su muerte, se define para Basquiat
por la alternancia entre vacío y horror vacui. Trabajó con un nuevo tipo de figuración,
amplió su repertorio de fuentes, símbolos y pictogramas y también hizo uso creciente de
la caricatura y los dibujos animados (decía que de joven quiso ser dibujante de cómic).
Entonces, más que en cualquier momento de los ochenta, renovó la herencia del pop y
del nuevo expresionismo con la energía de su generación. Keith Haring dijo de él que
blandía el pincel como si de un arma se tratara.
Taki 183 y la ‘Old School’
A finales de los años sesenta el graffiti comienza a enfocarse hacia la individualización en
forma de firma: el “tagging”, el cual se crea con las iniciales del autor del graffiti y el
número de su domicilio. Las zonas comunes de los subterráneos, paredes y cualquier
superficie susceptible de poder leerse, se van firmando metódicamente, hecho que llamó
la atención del New York Times, que el 21 de julio de 1971 dedicó un artículo al autor de
la firma “Taki 183”. El artículo “Taki 183´ Spawns Pen Pals”, descubre a Demetrius autor
de la firma, joven de origen griego, cuyo domicilio estaba en la calle 183d. No era el
primero en firmar con este estilo, tomó la idea de “Julio 204” y al igual que él otros como
“Eel 159”, “Bárbara 62” o “Yank 135” siguieron su estela, pero sí el que llegó con su tag a
las páginas de un medio de comunicación. Comenzó su carrera firmando en camiones de
helados para posteriormente pasar a los subterráneos del metro, aeropuertos, y otras
ciudades como New Jersey o Connecticut. Ya entonces comienza la cruzada de la
administración en contra de los taggers, eliminar graffitis y pintadas de las paredes de la
estación del metro neoyorquino costaba al año 300.000 dólares, preguntado por éste
asunto, “Taki”, contraatacaba poniendo en cuestión las campañas políticas que llenaban
de carteles las paredes del metro en época de elecciones. “I work, I pay taxes too and it
doesn´t harm anybody”.[1]
Ya en los setenta, el estilo tagger va evolucionando por las diferentes zonas neoyorkinas,
en base a los elementos en aerosol utilizados y por las técnicas empleadas en los diseños.
Las letras van agrandándose en tamaño, unas abombadas, otras estilizadas,
deformaciones gráficas en las que se incluyen elementos propios de la cultura de origen
del tagger, a los efectos de volumen se les va dando forma a través de los colores
vibrantes, siempre presentes en diferentes combinaciones y acaparando cada vez mayor
superficie, donde todo el conjunto gráfico interconectado dio lugar al llamado Wild Style,

148
que a su vez comienza a ser un código reconocible para todo tagger y algo ajeno a quien
no estuviese relacionado con la técnica.
Las llamadas piezas, abreviatura de masterpiece, que los “escritores” van creando y
desarrollando, saltan de las paredes de los subterráneos a los vagones del tren. Este
cambio de escenario, a modo de muro ambulante consigue que el trabajo de los taggers
sea visto a lo largo del recorrido del transporte por el mayor número de espectadores. De
este modo el graffiti sale de su zona habitual en una forma de lienzo rodante de manera
significativa, ya que el graffiti se había convertido en una acción que habla de la diferencia
de clase contra el orden establecido, una actuación muda contra fuerzas de poder, que
por medio de un elemento que se desplaza es una forma de dar a conocer la
intencionalidad del autor además de su pericia a la hora de pintar un vagón, superficie en
movimiento inhabitual frente a las cotidianas paredes de la ciudad.

Tag Wild Style

El auge que el graffiti había adquirido, obligó a las autoridades a emprender una lucha
inútil contra las pinturas urbanas. Esta ofensiva impuesta a base de multas y
prohibiciones, favoreció que los graffiteros aguzarán su ingenio a la hora de desarrollar
sus creaciones, dando lugar a la formación de los “Crews”, equipos de escritores algunos
de elevado número como los “Wanted”, que llegaron a tener hasta setenta integrantes y
de esta forma poder abarcar un mayor espacio creativo, ampliando las obras murales;
introduciendo nuevas técnicas e ingredientes decorativos a las grandes firmas;
personajes de comic; elementos de cultura popular y el desarrollo en la combinación de
color para conseguir efectos visuales a base de sombras y tridimensionalidad.
Todas estas experimentaciones en diseño y color serán el punto de partida del graffiti
artístico, del graffiti como expresión estética que se libera de la sola intención taggeadora.
Se da lugar a toda una subcultura urbana producto del postmodernismo, que a su vez es
el resultado de la industrialización y la individualización cultural de nuevos grupos sociales
arraigados en zonas periféricas, que revalorizan la cultura popular y reivindican la “baja
cultura” que se había asentado en un momento en que las barreras entre géneros
artísticos se desdibujan.
Si en sus inicios el graffiti pasó del medio estático del muro al soporte en movimiento de
los vagones, con la llegada de los años ochenta, el impulso de la cultura urbana dentro
del ideario postmoderno, hace que el graffiti llegue a las galerías de arte como expresión
artística con entidad propia. Este salto cualitativo, de acto vandálico, a acto creativo
reconocido, termina por dar entidad propia a un lenguaje expresivo que a partir de
entonces influirá en diferentes sectores creativos.

149
El postgraffiti
La primera generación que puso las bases del graffiti pasa el testigo a una nueva y,
aunque ambas corrientes fueron coetáneas, ahora no se tiene en valor tanto la ilegalidad
del hecho en cualquier soporte, como que llegue al mayor número de viandantes. Los
primeros escritores se movían dentro de una lectura hermética que solo los mismos
iniciados en la misma podrían descifrar, sin embargo la generación postgraffiti deja atrás
la lectura cerrada de las firmas para hacer partícipe al resto de los ciudadanos, añadiendo
además de diversas técnicas de dibujo más allá de la pintura en aerosol, elementos como
posters, pegatinas, soportes impresos y sobre todo el sténcil. La contrapublicidad será
otra forma de comunicarse a modo de márketing sin que medie beneficio económico. Por
otro lado, si los primeros taggers procedían de ambientes deprimidos, los siguientes
incluirán entre sus filas a creadores de estratos sociales más desarrollados, estudiantes
de bellas artes y artistas conocedores de nuevas técnicas de expresión mural que
prefieren alejarse de las connotaciones destructivas o vandálicas que la palabra graffiti
soporta, inscribiéndose dentro de la denominación postgraffiti o neograffiti.

Stencil con soporte de imágenes

Es en este escenario donde el graffiti pide que el mensaje, el dibujo, o el diseño provoquen
una reflexión callejera, salir de la clandestinidad a la que desde el inicio se pretendió
connotar a las intervenciones de los taggers. El lenguaje gráfico del graffiti ampliado a
abstracciones, personajes y símbolos con características propias de cada país se había
extendido por Europa, América del Sur y Asia: ya no era un fenómeno exclusivo de
grandes urbes norteamericanas. De esta forma, la nómina de creadores fue
extendiéndose como una acción creativa que aportaba particularidades autóctonas y
sociales que rodeaban al escritor.
Otro factor a tener en cuenta en este momento de nacimiento del postgraffiti, es la
inclusión que se hace, como un ingrediente más expresivo de la creación, la
interactuación con los elementos y la intervención de otros artistas que el graffiti soporta
al estar a la intemperie, de esta manera el objeto se va integrando en su entorno,
evolucionando, siendo otro componente más con el que cuenta el dibujante.
Blek le Rat y Banski: la ‘New School’
Ambos representan el postgraffiti realizado con plantilla, esténcil o técnica del “pochoir”.
Se considera que Blek le Rat creó la escuela francesa del graffiti con ésta técnica y fue
durante la década de los ochenta cuando desplegó por las calles de París toda una serie
de obras de carácter icónico y serial, como las ratas o las figuras de un anciano a tamaño
natural, además de incluir en sus intervenciones un componente narrativo crítico e irónico

150
que daba entidad a su obra. La menor estigmatización que el graffiti soportaba en la
ciudad le proporcionó gran libertad de actuación, hasta su detención en 1984. La
popularización del estilo de Blek por las calles de París, hizo que el diario Le Monde en
1986 reparase en él como fenómeno urbano, llegando incluso a exponer su obra en
el Centro George Pompidou.
Si ya era entonces la consideración de expresión artística del graffiti motivo de
controversia, aceptación como tal que sigue siéndolo hoy en día en ciertos sectores, la
mercantilización del graffiti expuesto dentro de galerías de arte, museos o la venta de los
mismos, dentro de la comunidad de escritores, no estaba bien visto por ciertos
grupúsculos, al considerar “vendidos al sistema” a quienes alcanzaban esa categoría.
Esta dicotomía enfrenta a la esencia del graffiti como elemento social de crítica,
disconformidad o comunicación urbana al alcance de todos, frente a la consideración del
mismo como arte creativo susceptible de ser identificado como objeto artístico, elemento
de expresión gráfica que deja atrás el soporte mural improvisado, para pasar a trasladar
el mensaje a un soporte autorizado.
El fenómeno Bansky habla ya del cambio de concepción que se tiene hoy en día del arte
urbano por el público general y la crítica. El uso del sténcil como un medio cómodo y
rápido a la hora de elaborar sus obras, implica a su vez la habilidad de hacer de la
simpleza del mensaje, una idea cómica o irónica, que insertada en los lugares más
inesperados, mueva a la sorpresa, la reflexión o la simpatía directa del espectador y por
lo tanto, tiene que ser inmediata, poniendo al alcance de todos otra forma de transmisión
de ideas y conceptos.
Esta intencionalidad innata del postgraffiti procura romper con la exclusividad que el arte
conceptual tiene, un arte convertido ya en elitista y que sigue alejando al público no
iniciado, hecho que ha servido de reprobación desde sectores más conservadores de la
crítica artística debido precisamente a esta simplicidad de conceptos inmediatos. Para
éstos, el postgraffiti en teoría no promueve la reflexión, es un elemento urbano de
intervención que no alcanza en su esencia un elaborado proceso de introspección, no
existe en él un dialogo entre el emisor y el receptor de la acción, la plantilla con su
simplicidad figurativa consigue captar en un instante la atención de público, estando al
alcance de cualquiera que pasee por las calles de la ciudad democratizando la expresión
artística rebajando las expectativas de la consideración creativa postmoderna.

“Keko”[2] de un graffiti
Ya no cabe duda que el graffiti es ya un elemento que forma parte del paisaje habitual de
la ciudades, de lenguaje cotidiano inserto en la escena urbana, el largo camino que
comenzó como simple medio de condensación de ideas hasta llegar a la consideración

151
de forma de expresión artística ha demostrado ser un elaborado proceso de constancia
hasta hallar su forma de expresión artística a la intemperie.

Os gemeos (los gemelos en portugués) son considerados los más importantes

representantes del street art y graffiti brasileños. Gemelos idénticos, Gustavo y Otavio
Pandolfo, empezaron como adolescentes a dibujar los muros del barrio donde vivían -en
la ciudad de São Paulo- con tinta látex. El movimiento hip hop estaba comenzando en
Brasil, y los hermanos tenían pocas referencias técnicas y artísticas; pero quizás
justamente por eso, pudieron desarrollar un estilo propio al explorar con distintos
materiales.

Sus dibujos son extremadamente coloridos y narrativos, con riqueza de detalles y rasgos
muy característicos. Sus personajes amarillos y cabezones representan los diversos
habitantes que pueden encontrarse en las grandes ciudades latinoamericanas: el niño
pobre, la mujer trabajadora, el inmigrante de zonas rurales, los jóvenes desocupados...
Donde la realidad parece gris, los dibujos de estos dos artistas surgen dentro de un
universo fantástico, onírico y multicolor.

152
En sus propias palabras, describen su estilo como
“un barquillo dentro de un inmenso océano... con todas sus infinidades y sorpresas.”

153
Os gemeos intentan mantenerse conectados con lo que siempre les ha motivado; la idea
de volverse parte de la ciudad, el lenguaje urbano, la cultura hip hop, además de colaborar
y aprender con otros artistas.

• Identificar las principales características de artistas del cómic destacados en Chile

y el mundo, tales como: Lustig (Pedro Subercaseaux), Themo Lobos, Pepo, Quino,
Liniers, Watterson (Calvin y Hobbes), entre otros.

Pedro León Maximiliano María Subercaseaux Errázuriz1 (Roma,1 10 de

diciembre de 1880-Santiago, 3 de enero de 1956) fue
un pintor e historietista chileno nacido en Italia.
Célebre por sus obras que ilustran la historia y las costumbres de Chile, caracterizadas
por la profunda asertividad y minuciosidad de los detalles de los personajes que retrata,
así como por ser el autor, bajo el seudónimo Lustig, de una de las primeras series
de cómic chileno: Federico Von Pilsener.23 Su arte está también reflejado en dibujos y
retratos de santos, en particular San Francisco de Asís.
El profesor Fritz Von Pilsener —un hombrecito robusto, de anteojos, chaqué y sombrero
que es acompañado por su mascota, un perro
1
salchicha llamado Dudelsackpfeifergeselle— es comisionado por el gobierno del Imperio
alemán para viajar a Chile y «estudiar las costumbres salvajes de esa lejana» región.1
La historieta narra las aventuras basadas en los contratiempos que vive Von Pilsener
tanto por su desconocimiento del idioma como por las costumbres y los vicios locales.
Más allá de reírse del estereotipo alemán que proliferaba entonces, el personaje Von
Pilsener, según su creador, respondió al «deseo de hacer resaltar, en forma humorística,
nuestros propios defectos, exponiéndolos a la crítica de un imaginario observador
europeo».2

154
Temístocles Nazario Lobos Aguirre, más conocido como Themo Lobos (Santiago, 3 de
diciembre de 1928-Viña del Mar, 24 de julio de 2012),1 fue un dibujante
e historietista chileno, creador de personajes como Ogú, Máximo
Chambónez, Ferrilo, Nick Obre y Alaraco, entre otros, y fue el principal continuador y
desarrollador de Mampato.
En 1968, Eduardo Armstrong fundó Mampato. En ella, Óscar Vega empezó una serie
con el personaje del mismo nombre, creado por Amstrong. Sin embargo, tras la primera
edición dejó en manos de Lobos al personaje, que se convirtió en el más memorable y
popular de toda su historia de dibujante. En la revista Lobos publicó más de 25 aventuras
completas de Mampato.
Personajes de Mampato
A pesar de haber tenido gran parte de la autoría de la personalidad de Mampato, no fue
su creador, sino Eduardo Armstrong, quien le cedió sus derechos después del segundo
capítulo. Dentro del universo de Mampato, hay personajes muy importantes que sí fueron
creados por Lobos.

• Ogú: Compañero fiel de Mampato.

• Rena: Compañera de aventuras de Mampato, proveniente del siglo 40.
• Xsé: Extraterrestre, quien le regala a Mampato el cinto espaciotemporal, el cual le
permite viajar en el tiempo y conocer a Ogú y a Rena.
Hay muchos otros, puesto que cada aventura tuvo su coprotagonista:

• Agú: Hijo de Ogú, participa en varias aventuras.

• Tinalín: Esposa de Ogú, también tiene participación en las historias.
• Marama: Es una niña de la Isla de Pascua, se hizo muy conocida por la película.
• Guiguá, Bromisnar, Ojo Mágico, Wamba, Le Fromage, Loco Denny, Corzo, Fitus
Sapiens, Kuka, etc.
Otros personajes[editar]
Themo Lobos dio vida a un centenar de historietas. A continuación sólo se mencionan los
protagonistas de estas.

• Alaraco: Este personaje, que debutó en la picaresca revista El Pingüino, es un hombre

de familia, casado con su esposa Tranquilina, con quien tiene dos hijos. Su mayor
defecto es que tiene un temperamento bastante exagerado, que siempre se
escandalizaba hasta por el más mínimo detalle. Themo aseguró siempre que se
reflejaba él mismo en Alaraco. Popularizado por Fernando Alarcón en el Jappening
con Ja de los años '80, fue también ícono de una promoción de los chocolates Sahne-
Nuss así como de algunos anuncios del desaparecido juego de azar TincaZoo.
• Pimpín, el aventurero: Es un mecánico de aviones que se convirtió en un aventurero
alrededor del mundo. Luego de que el millonario Conde Naditti estrellara su avión, el
magnate decide regalarlo. Pimpín se queda con el destartalado vehículo volador y,
después de repararlo, se lanza a la aventura junto a su compañero O'Tuly. Tuvo su
propia revista en 1988, de la que se publicaron solo 4 ejemplares.

155
• O'Tuly: Exmarino y exboxeador que trabajó para el maléfico doctor Von Fidelkenstein;
sin embargo, terminó siendo el inseparable amigo y compañero de aventuras de
Pimpín.
• Homero, el piloto: Una de las primeras creaciones de Themo, era un piloto de autos
de carrera a quien un inconveniente siempre le impedía llegar a la meta. Se publicó a
fines de los años 40 en el diario La Nación y luego en las revistas
deportivas Estadio y Barrabases.
• Máximo Chambónez: Un particular personaje que, como su apellido lo indica, se
caracteriza por siempre realizar chambonadas. Es un metedor de pata por excelencia;
proyecto en el que se embarca, siempre le sale mal. Debutó como parte de la
revista Barrabases, para luego seguir en Mampato y Cucalón
• Abuelo Chambónez: Abuelo de Máximo Chambónez, quien siempre lo acompañaba
en sus aventuras. También tenía una historieta propia llamada Los cuentos del abuelo
Chambónez, donde destaca una adaptación de la fábula de la tortuga y la liebre.
• Nick Obre: Un detective al más puro estilo de James Bond, que resuelve diversos
casos en compañía de su fiel perro, Watson. Debutó en Barrabases bajo el nombre
de Nick Obre: detective privado, para, posteriormente, participar en las
revistas Rocket y Cucalón.
• Ferrilo: Un robot autómata creado por un científico loco. A pesar de tener varias
historias de numerosas páginas, generalmente sus aventuras eran del estilo de tira
cómica. Fue una de las primeras creaciones de Themo. Publicado en Mampato.
• Michote y Pericón: Un gato y un ratón que vivían anécdotas juntos, al más clásico
estilo de las parejas humorísticas del cine de los 50 y 60.
• Sapolín: Un niño que gustaba mucho del mar y tenía aventuras submarinas, de allí su
nombre.
• Lokán: Un bárbaro de un mundo bastante extraño, donde se mezclaban armas
bárbaras, con pistolas láser (Arma del Fuego Azul). Una de sus últimas creaciones,
es el personaje más desconocido de Lobos.
• Martín Conejín: Un conejito ecologista, personaje de corte infantil.
• Cucufato: Un futbolista mediocre. Apareció en Barrabases y Mampato.
• Ñeclito: Un niño demasiado flaco y débil, al que su abuelo sueña con convertirlo en
deportista, pero jamás consigue nada, puesto que no tiene fuerza ni para mover una
pelota de fútbol.Apareció en Barrabases.
• Cicleto: Un ciclista al que le ocurren anécdotas.
• Pirinches: Un ladrón que siempre salía con la suya. Destinado primero al público
adulto de El Pingüino y Can-Cán, luego se lo editó para el público infantil en Mampato.
• Juanito Etram: Un niño con poderes de telepatía, precognición, teleportación y
telekinesis. Al final dice ser de Marte, como lo indica su nombre si se lee de derecha
a izquierda.
• Don Lalín: Caricatura del presidente Eduardo Frei Montalva y una de las pocas
incursiones de Themo el humor político. Publicado en la revista Topaze.
• Chicho el soldado: Un soldado del ejército muy distraído.Publicado en la revista El
Pingüino
• Juan Cucalón: Un explorador que es reconocible por su gran gorro tipo cucalón (de
ahí su apellido y el título de la revista).Personaje creado exclusivamente para ser

156
 mascota de su revista Cucalón pero luego, tuvo su propia historieta seriada, que
serían publicadas en varias antologías y libros.
• Vasquito: Guitarrero español quien relata en su tira cómica diversas historias que le
pasan, a modo de una canción española.
• Boxito: Un fracasado boxeador. Apareció en Barrabases.

René Ríos Boettiger, conocido como Pepo (Concepción, 15 de diciembre de 1911-

Santiago, 14 de julio de 2000), fue un historietista chileno, creador del
personaje Condorito.
El 6 de agosto de 1949 creó a "Condorito", su personaje más conocido. En la
película Saludos amigos de Walt Disney, destinada a ganarse al público latinoamericano,
aparecía un personaje que representaba a Chile, "Avión Pedrito", que no gustó nada a
Ríos. Considerando que el cóndor resultaba el símbolo más adecuado del país andino,
creó como respuesta a Disney el personaje de Condorito.
Asiduo visitante del balneario chileno de El Quisco, fue en ese lugar donde se erigió una
estatua de Condorito, en el mismo sitio donde acostumbraba dibujar mientras observaba
el mar. En 1999 Condorito cumplió 50 años. Su personaje traspasó las fronteras llegando
a 13 países, incluyendo Estados Unidos.
En 2010, Condorito fue relanzado con gran éxito en las ediciones bajo el auspicio
de Copec, recopilando los mejores chistes desde los años 1940 hasta ese momento y
que galardonan los afiches del Metro de Santiago Chile.

Joaquín Salvador Lavado Tejón o Quino (Mendoza, 17 de julio de 1932) es un humorista

gráfico e historietista argentino. Su obra más conocida es la tira cómica Mafalda,
publicada entre 1964 y 1973
Los protagonistas suelen ser gente común, aunque Quino no renuncia a escenas
surrealistas o alegóricas (como policías arrojando valium en las bocas abiertas de
manifestantes) y a las reacciones caricaturescas.
Los contenidos de Mafalda suelen ser más cercanos y a la vez adultos que otras tiras
similares. Mafalda se preocupa por la política mundial y Manolito está obsesionado con
el dinero. A pesar de ello, estos personajes pueden ser vistos como niños reales con
padres reales y no como "adultos en cuerpos de niño".
El humor de Quino es típicamente ácido e incluso cínico y ahonda con frecuencia en la
miseria y el absurdo de la condición humana. Así, hace al lector enfrentarse a
la burocracia, los errores de la autoridad, las instituciones inútiles o la estrechez de miras.
Otro recurso típico es la reducción al absurdo de situaciones conocidas.
Este enfoque pesimista de la realidad no impide que sus historias estén llenas de ternura
y muestren una simpatía por las víctimas de la vida (empleados, niños, amas de casa,
pensionistas, oscuros artistas...), sin ocultar sus fallos y limitaciones. Pero incluso en sus
caricaturas de jefes opresivos y burócratas sin sentimientos se atisba cierta simpatía, por
ser a su vez víctimas de su propia estupidez.

157
Liniers ―seudónimo de Ricardo Siri (Buenos Aires, 15 de noviembre de 1973)― es
un historietista, ilustrador, pintor y editor argentino conocido por ser el autor
de Macanudo, que es publicado desde 2002 en el diario La Nación, entre otras obras.
Al principio le rebotaron las tiras porque argumentaban que no se entendían. Hasta que,
por sugerencias de un amigo, consiguió publicar a partir de 1999 su
tira Bonjour semanalmente en el suplemento NO! de Página/12. En 2001 publicó junto
a Santiago Rial Ungaro el libro Warhol para principiantes. Tras tres años de Bonjour, la
humorista Maitena lo presenta en La Nación y en junio de 2002 comienza a
publicar Macanudo, donde aparecen más pingüinos y otros extraños personajes. Muchos
de ellos han ganado gran popularidad, como El misterioso hombre de negro, Enriqueta y
su gato Fellini, Alfio, la bola troglodita, Martincito y su amigo imaginario Olga y el propio
Liniers, que se dibuja a sí mismo como un conejo. En la mayoría de los casos, dichos
personajes regresan a la tira periódicamente. También realiza historietas exclusivas
contando hechos de su vida cotidiana, que se publica en la revista semanal "ADN Cultura"
de La Nación todos los sábados: "Cosas que te pasan si estás vivo".
William "Bill" Watterson II (Washington, D. C., 5 de julio de 1958) es un dibujante,
conocido por ser el autor de la tira cómica Calvin y Hobbes así como de algunos dibujos
de la revista norteamericana Target: The political cartoon quarterly magazine.
Calvin y Hobbes es una tira cómica escrita y dibujada por Bill Watterson que relata, en
clave de humor, las peripecias de Calvin, un imaginativo niño de 6 años, y Hobbes, su
enérgico y sarcástico tigre de peluche, algo pomposo, que Calvin cree real.
La pareja recibe sus nombres de Juan Calvino, teólogo reformista francés del siglo XVI,
y de Thomas Hobbes, filósofo inglés del siglo XVII.1 La tira cómica se publicó diariamente
desde el 18 de noviembre de 1985 hasta el 31 de diciembre de 1995, apareciendo en
más de 2400 periódicos y con más de 30 millones de ejemplares vendidos de sus 18
libros recopilatorios,2 lo cual la convierte en un referente de la cultura popular incluso en
la actualidad.
Bajo su aparente sencillez, se encuentra una de las tiras cómicas más complejas de
finales del siglo XX. A pesar de que bebe en parte de las fantasías de Little Nemo in
Slumberland, de Winsor McCay,3 sus múltiples referencias (El Quijote,3 Hamlet,3 Kafka,3
Nietzsche,3 Picasso3) y las reflexiones del autor (en boca de Calvin)
sobre arte, cultura, política, filosofía, temas trascendentales (vida, muerte, Dios) han
convertido a Calvin y Hobbes en una de las tiras cómicas de referencia, que ha dado lugar
a muchas y variadas interpretaciones para intentar abarcar la magnitud del legado de su
autor.3
La historia está vagamente situada en un típico suburbio del actual Medio
Oeste estadounidense, lugar probablemente inspirado en la casa natal de Waterson en
Chagrin Falls, Ohio. Calvin y Hobbes aparecen en la inmensa mayoría de tiras, mientras
que la presencia del resto de la familia de Calvin es bastante más reducida. Los temas
más recurrentes de la tira son las fantasías de Calvin (en las que se evade del mundo
real), su amistad con Hobbes, sus travesuras, sus puntos de vista sobre temas políticos
y culturales y la interacción con sus padres, compañeros de colegio, profesores y otros
miembros de la sociedad. Un motivo muy recurrente es la naturaleza dual de Hobbes, ya
158
que Calvin lo ve como a un ser vivo mientras que el resto de personajes le ven como un
muñeco de peluche. Sin embargo, la tira no menciona a ninguna figura política específica
(como, por ejemplo, sí lo hace Garry Trudeau en Doonesbury, que toca temas como
el ambientalismo o las encuestas de opinión).4 Algunas de las tiras de Calvin comienzan
anunciando «los resultados de la encuesta entre niños de seis años» a su padre, como si
su posición en la familia fuera un cargo electo.

• Reconocer los elementos del lenguaje fotográfico en la obra de los principales

representantes de la fotografía en Chile, tales como: Paz Errázuriz, Luis Poirot,
Bob Borowickz, Juan Domingo Marinello, entre otros.

Paz Errázuriz estudió para ser profesora pero terminó formándose como fotógrafa en la
calle durante la dictadura en Chile. Hoy es ampliamente reconocida por su trabajo
documental y artístico con aquellas poblaciones marginadas de su país.

En el Museo Amparo se ofrece una amplia retrospectiva del trabajo de esta fotógrafa
chilena, desde el 18 de noviembre y hasta el 26 de febrero de 2018, exponiendo más de
100 fotografías, documentos y videos sobre la vida en el circo, la reclusión en los
psiquiátricos, la cultura de una etnia casi desaparecida, o la resistencia del colectivo
travesti y transexual, a lo largo de tres salas.

Imagen tomada de la web de la artista

159
Durante la inauguración, Paz Errázuriz y su curador Juan Vicente Aliaga ofrecieron una
charla sobre las distintas series fotográficas incluidas en la muestra.

Vicente Aliaga destacó sobre todo la sensibilidad de Paz al hacer contacto con sus
personajes, algo que puede notarse en el resultado de las imágenes.

Por su lado, Paz rescató algunas memorias importantes de su trabajo durante la

dictadura. Una de ellas fue la creación de la Asociación de Fotógrafos Independientes
(AFI), que además de funcionar como una estrategia de protección entre colegas (ya
fueran fotoperiodistas, artistas o documentalistas), también resultó como una forma de
resistencia política y así asegurar la existencia de archivo, una memoria histórica para su
país.

—En ese momento uno no sabe que está haciendo historia —dijo Paz durante su
intervención.

Otra de las cosas que recordó como fundamental en su vida y su formación como
fotógrafa fue el movimiento feminista durante los años 70. Paz hizo una “doble
participación”: como fotógrafa, documentando, y al mismo tiempo como otra de las
manifestantes, acompañando y caminando con otras mujeres.

—Yo creo que Paz fue parte de aquellos artistas de la llamada “escena de avanzada”, es
decir, de ese reducido grupo de artistas que tomaban iniciativas arriesgadas o peligrosas
para el contexto de represión durante la dictadura —comentó el curador.

—El lenguaje que se crea para sortear la censura era muy importante durante la dictadura
-explicó Paz-. Tenía que ser un lenguaje muy metafórico, difícil para los militares, para
que no nos lo quitaran. Eso no se planificó así, sólo sucedió. Y es divertido también pensar
que es posible crear oportunidades para funcionar sobre la censura.

La manzana de Adán

La manzana de Adán es una serie de fotografías y retratos de hombres travesti y mujeres

transgénero.

Paz inició este proyecto por su cuenta y además de las fotografías, se dedicó a grabar las
conversaciones que tenía con las personas que retrataba. Su intención era transcriibir
esos audios, sin embargo, la parte fotográfica fue tan intensa y absorbente que no pudo
terminar la captura del audio al texto.

160
Imagen tomada de la web de la artista
Posteriormente la periodista Claudia Donoso le ayudó a completar el trabajo e incluso
lograron publicar un libro de manera autónoma.

Fueron cuatro años de trabajo bajo toques de queda y la represión policiaca contra los
personajes participantes. “Esta serie también implica una tragedia”, cuenta Paz, pues en
aquel entonces era el inicio del VIH/SIDA en Chile. La mayoría de estas personas no
sobrevivió a los efectos del virus por causa de la desinformación y la falta de tratamiento.

Los ejemplares del libro que lograron imprimir a bajo costo se presentó y repartió en un
evento a escondidas, para que fueran los mismos retratados los que se encargaran de la
distribución en secreto.

Este libro fue re-editado hace cuatro años con textos y fotos nuevas que en el pasado no
fue posible incluir.

Los nómadas del mar

Para esta serie, Paz viajó al sur patagónico para buscar a una comunidad que estaba por
desaparecer: los Kawésqar.
161
Durante cuatro años investigó por su cuenta sobre esa comunidad y a las personas que
la conformaban. Era difícil encontrar a los protagonistas y cuando al fin daba con ellos era
difícil para ella porque no querían ser fotografiados, lo que la llevaba a alargar el proceso
para generar la confianza suficiente.

Imagen tomada de la web de la artista

El infarto del alma

Durante la dictadura, corría el rumor de que algunos desaparecidos podrían estar

recluidos en los psiquiátricos. Por eso fue que Paz encontró la forma de entrar a uno de
ellos y al final, se enfrentó a historias diferentes a las que buscaba.

Paz se dio cuenta que dentro de los psiquiátricos había personas que eran pareja desde
hace muchos años y vivían un amor singular desde sus patologías y la dinámica del
encierro.

Ella no tiene muy claro por qué, pero le permitieron exponer sus fotografías ahí mismo,
dentro del hospital, y esas parejas se quedaron sus fotografías “como una especie de
certificado de matrimonio”.

162
Dos años más tarde, el nuevo director del hospital la buscó para decirle que a raíz de ese
proyecto, muchos médicos cambiaron su forma de trabajar con los pacientes.

Entre los nuevos proyectos de Paz, está una serie de retratos a niños y niñas
transgénero, un tema muy incipiente en Chile, pues no hay organizaciones (como en
España y otros países) que se ocupen del tema. Ella considera que que hasta ahora es
un trabajo experimental y con el apoyo de una activista experta en el tema, espera que el
proyecto resulte en un nuevo libro.

Luis Poirot de la Torre nació el 13 de diciembre de 1940 en Santiago, Chile.

Sus estudios iniciales fueron en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, entre los
años 1959 y 1961, en donde fue colaborador y amigo de Víctor Jara (1932-1973). Durante
muchos años ejerció como actor y director en las compañías de teatro de la Universidad
de Chile, Ictus y del Alma. En 1963 continuó su formación profesional al obtener una beca
del gobierno de Francia para realizar estudios de cine y televisión en la Radiotelevisión
Francesa RTF. A Partir de 1964 comenzó a ejercer como fotógrafo profesional, interés
que surgió desde su cercanía con el mundo del teatro y los actores, el cual registró con
su cámara.
Entre 1969 y 1970, Poirot se desempeñó como fotógrafo oficial de la cuarta campaña
presidencial de Salvador Allende (1908-1973). Asimismo, registró la visita de Fidel Castro
(1926-2016) a nuestro país el año 1971 Tras el golpe de Estado de 1973, el fotógrafo
163
realizó uno de los registros más emblemáticos de su carrera, las imágenes del Palacio de
La Moneda en ruinas tras el bombardeo perpetrado el 11 de septiembre. Ese mismo año
partió al exilio a Francia, en donde trabajó en medios televisivos e impresos. Entre 1975
y 1985 residió en Barcelona, España.
Su fotografía se caracteriza por el uso del blanco y negro y la técnica de la fotografía
análoga, en un principio, su aproximación al medio fue más bien de índole documental,
registrando al efímero mundo del teatro y el contexto social de la década de los 60 y 70
en nuestro país. Además, retrató personajes importantes para la cultura nacional como
Pablo Neruda y Nicanor Parra, por nombrar a algunos. Sus trabajos más recientes han
estado vinculados al tema del desnudo desde una aproximación más intimista, además
del paisaje. Su obra constituye uno de los grandes registros de la historia reciente del
país, es decir, de la memoria cultural de Chile.
Poirot en su vasta trayectoria ha sido merecedor de varios premios y distinciones, como
por ejemplo, el Premio de Fotografía por la película Los trasplantados en el Festival de
Cine de Thonon-les Bains, Francia (1975) y el Premio Fotografía Política Photo Press,
España (1983). A nivel nacional, cuenta con la Medalla de Honor Presidencial Centenario
de Pablo Neruda otorgada el 2004 y con el Premio a la Trayectoria en Fotografía Antonio
Quintana del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, concedido el 2016. Estas
distinciones acompañan el gran número de exposiciones y publicaciones que ha realizado
tanto dentro como fuera del país.
Desde el año 2006, como parte de su incansable labor fotográfica, realiza talleres
privados de fotografía análoga en blanco y negro.
Poirot vive y trabaja en Santiago, Chile.
oguslaw Borowicz, fotógrafo, conocido como Bob Borowicz. Nació en Poznán, Polonia,
en 1922 y murió en Santiago, Chile el 10 de agosto de 2009.
Su afición a la fotografía, comenzó a los once años cuando su padre le regaló su primera
cámara. Desde ese momento inició su formación autodidacta. En 1951 se radicó en Chile
donde cobró fama por los retratos familiares y otros encargos. Instaló un estudio propio,
el Arlequín que a la vez le sirvió para dar sus primeras clases de fotografía, también
enseño fotografía en universidades.
En 1973 abrió su propia academia para dedicarse principalmente a la enseñanza.

Juan Domingo Marinello Kairath (Iquique, Chile, 9 de julio de 1948), es

un periodista y fotógrafo chileno.
Entre otros se ha desempeñado como reportero gráfico para el periódico chileno El
Mercurio. En revistas como Eva, Creces y como jefe de fotografía de la revista Paula.
Durante la década de los '80 formó parte del Taller Uno, donde Marinello formó a una
gran cantidad de jóvenes fotógrafos. Desde 1985 hasta la fecha es docente de la Facultad
de Comunicaciones de la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde en el año 2003
se le otorgó la titularidad.

164
Marinello realiza una producción donde utiliza tanto la fotografía química como la digital,
para abocarse principalmente a la imagen en color, con la cual registra escenas que a
través de su composición nos remiten a sentidas reflexiones estéticas. Esta técnica se
denomina Fotodigrafía.

• Establecer relaciones entre películas destacadas del cine chileno y mundial con el
género cinematográfico al que pertenecen.
Estudio revela que el 1% de las películas que ven los adolescentes son chilenas
– ¿Crees que las películas chilenas son de buena calidad?
“No, ciertos guionistas no son de mi agrado, por eso me alejo del cine chileno”.
Así responde un estudiante secundario del Internado Nacional Barros Arana encuestado
para el estudio “¿Qué contenidos audiovisuales consumen las y los adolescentes
chilenos?”, en el que se revelan las películas y series más ven los y las adolescentes
entre 15 y 18 años. Y los datos son demoledores.
El 99% del cine que ven los encuestados son extranjeras, por lo que solo un marginal
1% pertenece a las producciones nacionales. ¿Y de quién es ese cine? De acuerdo al
mismo secundario, las películas que le vienen a la cabeza son las de Sebastián Badilla,
“No estoy loca” de Nicolás López y “Argentino QL” de Pato Pimienta con Jorge Alís.
Eso sí, algo más alentador, pero igual de preocupante, es lo que pasa con las series, ya
que en ese caso el 90% es internacional.
Los datos son extraídos del libro “Radiografía a los referentes audiovisuales
chilenos”, dirigido por Lorena Antezana, académica del Instituto de la Comunicación e
Imagen de la Universidad de Chile, y responden a un universo de 497 estudiantes,
hombres y mujeres, entre 15 y 18 años de colegios públicos, subvencionados y
particulares, publicado en un primer boletín informativo.
De acuerdo a Javier Mateos, doctor en Periodismo por la Universidad Complutense y
académico del ICEI, el bajo porcentaje de consumo de contenidos locales se debe
principalmente a que “en Chile no se producen series de televisión de calidad para el
público juvenil”, justamente lo contrario a lo deseable si lo que se quiere es formar
audiencias. Para ello, la recomendación es “producir más series con guiones
interesantes que aluden a las preocupaciones de este segmento de edad,
encuadrarlas en un contexto de realidad y protagonizad por jóvenes”.
La acción y la aventura (20%) son el genero que más atrae a este grupo a la hora de
elegir qué película ver, y le siguen la ciencia ficción (18%) y el drama (15%). Mientras que
sus series favoritas son las animadas (20%), seguida también por la ciencia ficción (16%)
y el drama (15%).
El mismo análisis señala que las películas favoritas del el grupo encuestado
son “Interestellar” (2014), “It” (2017).

• Explicar el origen y desarrollo del video arte a nivel nacional e internacional; por
ejemplo, Juan Downey en Chile.

165
Downey “filma el que es reconocido como el primer trabajo de ‘videoarte’ llevado a cabo
en Chile: In the Beginning, en 1974. En esta tarea de denuncia y registro del trabajo
‘antidictatorial’ se sumarían algunos nombres provenientes de las artes visuales
profundamente influidos por su obra, generando en este diálogo interdisciplinario una
vertiente nueva en el video, que hasta entonces era escasamente editado y
primordialmente documental. Es el caso del Colectivo de Acciones de Arte (CADA) y su
integrante Lotty Rosenfeld, quienes sometían al registro audiovisual cada una de sus
acciones con el fin de utilizar el video como medio de difusión y documento de denuncia
a nivel nacional e internacional”, señala Soledad García, coordinadora del Centro de
Documentación de las Artes Visuales del Centro Cultural Palacio La Moneda.

Ya en los 80 el video logra una mayor independencia creativa, yendo más allá de la
tendencia documentalista de sus inicios, y se realizan múltiples registros de performances
para su circulación dentro y fuera de Chile, como lo que hicieron Carlos Leppe y Yeguas
del Apocalipsis (Francisco Casas y Pedro Lemebel). El avance en la validación del video
como lenguaje dio pie para realizar el Festival Franco-Chileno de Video Arte (desde 1981
a 1992) y también llevó a que “múltiples realizadores trabajaran de manera independiente
en el soporte video, centrando sus esfuerzos en exploraciones relacionadas
estrechamente a la performance y la instalación. Algunos de los más relevantes durante
esta década son Gonzalo Mezza, Eugenio Dittborn y Carlos Altamirano”, acota García.

2.4 Arte en el siglo XIX, XX y contemporáneo

• Identificar grandes hitos de las Artes Visuales chilenas y su relevancia, por ejemplo:
premios nacionales de arte.
La historia de la pintura chilena durante la segunda mitad del siglo XX estuvo marcada
principalmente por la búsqueda de nuevas expresividades plásticas y por la creciente
vinculación del artista con su contexto político y social, elementos que, a lo largo del
período, no sólo disputaron el centro del quehacer artístico, sino que lograron en diversas
ocasiones convivir y complementarse, para bien del desarrollo artístico y la elaboración
teórica de nuestra plástica.
La década de 1950 se inauguró, tras el impulso que las corrientes de vanguardia
recibieron a partir de las décadas de 1920 y 1930, con una febril actividad en el campo
de las artes. Entre los hitos más representativos de este período se cuentan: la realización
de la exposición "De Manet a nuestros días", la labor realizada por Luis Oyarzún entre
1954 y 1963 como decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile y la
fundación de la Escuela de Arte de la Universidad Católica en 1959, iniciativa del
arquitecto Sergio Larraín García-Moreno, y que tuvo entre sus miembros fundadores
a Nemesio Antúnez y a Mario Carreño. Esta década fue enfrentada con renovados
ímpetus por parte de una nueva generación de creadores que, vinculándose con las
tendencias artísticas vigentes a nivel mundial, dieron vida a experiencias como el Grupo
Rectángulo -más tarde Forma y Espacio- y el Grupo Signo, que respondieron según
Galaz e Ivelic: "a un arte de intensidad pura, que buscó fuentes vitales por mediación del
gesto".
Durante la década de 1960 esta búsqueda, tan bien representada por el trabajo
crecientemente informalista de artistas como José Balmes, Eduardo Martínez
166
Bonati, Alberto Pérez y Gracia Barrios, comenzó a entrelazarse de manera
determinante con el compromiso histórico que fue tomando cuerpo en los artistas, y que
se volvió cada vez más influyente en la realización de sus obras. La incorporación
progresiva de citas a hechos históricos con marcado carácter político-ideológico en la
obra de artistas como José Balmes, Francisco Brugnoli y Guillermo Núñez, por
ejemplo, obedeció a una tendencia dominante no sólo en las artes visuales, sino que en
todo el campo cultural chileno. Tendencia que llegaría a su apogeo en la década de
1970 con la elección de Salvador Allende, primero, y el golpe de Estado de 1973 y sus
consecuencias, después. Como señalan Galaz e Ivelic, "muchos artistas se
comprometieron en la contienda ideológica y proyectaron sus convicciones al trabajo
artístico".
El derrocamiento de Allende, significó no sólo la prisión o el exilio para muchos artistas,
sino también el desmantelamiento de las instituciones estatales y universitarias que
sustentaban la mayor parte del desarrollo de la práctica artística, así como también la
exoneración de una gran cantidad de académicos. Las artes visuales debieron en muchos
casos reelaborar su propia discursividad, asumiendo en gran medida una lógica de
resistencia que trasuntó sus operatorias al campo específico del discurso artístico, con lo
que paradójicamente se acercaron nuevamente al discurso vanguardista. Es, por
ejemplo, el caso del Colectivo Acciones de Arte (CADA) o de artistas como Eugenio
Dittborn y Alfredo Jaar, así como el de un creciente uso tanto de nuevas tecnologías -
que devinieron en experiencias fundamentales, como las llevadas a cabo por Juan
Downey- como de soportes extra pictóricos como la fotografía, el body art, el happening y
en general las performances, que alcanzaron un alto grado de desarrollo en artistas
como Carlos Leppe, Lotty Rosenfeld y Catalina Parra.
Sin embargo, y a pesar de existir claras y permanentes vinculaciones entre el quehacer
de los artistas chilenos y las nuevas tendencias del arte mundial, los casos en que las
propuestas plásticas coinciden con la voluntad programática y retórica característica de
las vanguardias no parecen ser la tónica del período. Éstas se expresan, más bien, en el
campo artístico nacional pasadas por el cedazo de los discursos propios de cada creador,
que elige tomar o no elementos de las diferentes corrientes existentes, lo que explica
tanto el que Roberto Matta sea mucho más que un surrealista, como la importancia de
la obra de artistas que nunca tuvieron una adscripción marcadamente militante en alguna
escuela, como Nemesio Antúnez o Rodolfo Opazo.

El Premio Nacional de Arte de Chile fue creado en 1942 por la Ley N° 7.368 y se otorgó
por primera vez en 1944. Se entregaba anualmente, alternando la mención entre pintura
o escultura, música y teatro, hasta que en 1992 con una nueva normativa, la Ley
N°19.169, fue reemplazado por los premios nacionales de Artes Plásticas, Artes
Musicales y Artes de la Representación y Audiovisuales.
Pablo Burchard (1875-1964)
05/12/2018

167
ESTABLO (detalle)
Este artista de dedicó a la pintura, medio en el que destacó por la realización de paisajes
y naturalezas muertas, con especial interés en plasmar objetos sencillos y de la vida
cotidiana. Entre 1932 y 1935 fue director de la Escuela de Bellas Artes, donde e impartió
clases por casi treinta años. Fue el primer galardonado con el Premio Nacional de Arte,
en 1944. Puedes ver su obra La pila en la exposición de la colección MNBA De aquí a la
modernidad. Además, Establo y Portón con reja forman parte de la muestra Paisajes, de
la colección del MNBA, que se exhibe actualmente en el Museo Regional de Aysén.
Roberto Matta (1911-2002)
05/07/2018

EL OJO DEL ALMA ES UNA ESTRELLA ROJA (detalle), 1972

Matta ha sido reconocido internacionalmente como un artista gravitante del siglo
XX. Inició su trayectoria artística en Europa, donde se unió al movimiento surrealista en
1937. Su actividad creadora se extendió por más de sesenta años, siendo sus pinturas de
gran formato, piezas distintivas dentro de su obra. Aunque desarrolló su carrera fuera de
Chile, mantuvo el vínculo a través de viajes que involucraron exposiciones, conferencias
y la creación y donación de varias obras. En 1990 fue galardonado con el Premio Nacional
de Arte mención Pintura. Puedes ver algunos de sus trabajos en la exposición de la
colección MNBA Los Matta de todos.
Eugenio Dittborn Santa Cruz nació en 1943 en Santiago, Chile.
Entre 1961 y 1965 estudia dibujo, pintura y grabado en la Universidad de Chile. Viaja a
Europa en 1966 para proseguir con su formación, estableciéndose en Madrid, donde
ingresa a la Escuela de Fotomecánica para hacer estudios en litografía. Luego continúa

168
en Berlín en la Hochscule fur Bildene Kunst, y termina en París realizando cursos de
pintura en la Ecole de Beaux Artes. Regresa a Chile en 1972.
Entre 1976-1980, junto al teórico Ronald Kay (1941-) y la artista visual Catalina Parra,
conforma un grupo de trabajo que organiza diversas exposiciones en torno a la Galería
Época y publica textos de arte de corte experimental bajo el sello editorial V.I.S.U.A.L. Su
quehacer fue consignado por la crítica Nelly Richard (1948-) como parte de la Escena de
avanzada, denominación que refiere a una serie de prácticas artísticas y escriturales que
representaron la renovación del campo del arte chileno durante el periodo de la dictadura
militar.
La obra de Dittborn explora las posibilidades de la impresión, la gráfica y el videoarte,
yuxtaponiendo imágenes provenientes de distintas fuentes, como por ejemplo revistas de
circulación masiva, fichas policiales, dibujos animados, manuales de artes plásticas, etc.,
las cuales son intervenidas por una serie de mediaciones tanto manuales como técnicas.
Asimismo, ha realizado varios libros de artista y catálogos donde investiga la frontera
entre visualidad y escritura.
En 1984 crea oficialmente las "pinturas aeropostales", su modo de producción más
distintivo que le ha permitido alcanzar un amplio reconocimiento nacional e internacional.
Consisten en superficies como papel y lona que son intervenidas con pintura, fotografía,
costuras, entre otras cosas, y luego son plegadas y guardadas en sobres para ser
enviadas por la red internacional de correos a diferentes lugares del mundo. Al momento
de ser expuestas en su nuevo destino, sus pliegues son exhibidos como huellas del viaje
realizado.
Además de su trabajo artístico, se ha desempeñado como profesor, influenciando a
nuevas generaciones de artistas. Destaca, por ejemplo, su labor a cargo del Taller de
Operaciones Visuales en el Magíster de Artes Visuales de la Universidad de Chile.
En el año 2005 fue galardonado con el Premio Nacional de Arte.

• Identificar las características de los principales movimientos, estilos artísticos y obras

representativas del siglo XX, tales como: Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expresionismo,
Dadaísmo, Surrealismo, Abstraccionismo, Constructivismo, Informalismo,
Neoplasticismo, Expresionismo Abstracto, Arte Conceptual, Arte Corporal, Arte Minimal,
Arte Óptico, Arte Cinético, Arte Pop, Transvanguardia, entre otros.

El fauvismo es un movimiento pictórico francés de principios del siglo XX; podemos decir
que es el primer movimiento artístico revolucionario de nuestro siglo.
El nombre de este movimiento fue dado en 1906 por el crítico francés Louis Vauxcelles y
proviene de la palabra “fauves” que en español significa fieras, empleada para referirse a
un grupo pintores entre los que destacan Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André
Derain, y Albert Marquet, por mencionar solo algunos, cuyas obras causan revuelo en el
Salón de otoño de París, debido a la revolucionaria violencia expresiva del color, aplicada
en tonos puros.
La homogeneidad del fauvismo tuvi un breve tiempo cronológico, pues apenas duró dos
años, hasta 1908, para que cada artista siguiera su propio camino.
En Capital del Arte queremos compartirte algunas de las principales características de
este movimiento, el cual, si bien no fue conscientemente definido, fue una mezcla de
aportaciones en el que cada pintor emprendía sus obras con espontaneidad y frescura.
169
Características del Fauvismo:
Fue una reacción contra el Impresionismo
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos
Buscan realzar el valor del color en sí mismo, rechazando la paleta de tonos naturalistas
empleando en cambio colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando
matizar los colores
Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno
Renuncian a la perspectiva clásica, al modelado de los volúmenes, la luz y la profundidad
desaparecen
Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes
hermosos.
Tenían un gusto por la estética de las estatuas y por el arte africano-negro
Algunos de los precedentes del Fauvismo fueron causados por Van Gogh y Gauguin,
quienes, huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución impulsiva y pasional,
apostando por obras intensamente coloreadas
Se caracteriza por ser estético y sentimental, ligado a las circunstancias del momento
Se apega a la libertad total de la naturaleza, uniendo el arte con la vida
Es más expresiva que realista
Este movimiento artístico se destaca por su sencillez
Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior
Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse, André Derain,
Maurice Vlamink y Pablo Picasso.
Liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a
la pintura.

La imagen pertenece a la obra denominada “Armonía en Rojo” del artista Henri Matisse,
1908.
El cubismo es un movimiento artístico pictórico que surge en Francia caracterizándose
por ser uno de los estilos de arte visual más influyentes a principios del siglo XX.
La aparición del cubismo supuso un antes y un después con respecto a la pintura
tradicional, siendo fuente de inspiración para siguientes vanguardias europeas y poniendo
en segundo plano a la tendencia renacentista.

170
En el cubismo la representación del mundo es mediante figuras geométricas y una
perspectiva múltiple.
Se dice que el término cubismo fue acuñado por el francés Louis Vauzcelles, quien
aseguraba que las obras parecían estar compuestas por pequeños cubos.
Algunos de sus principales exponentes son artistas como Jean Metzinger, Robert
Delaunay, Georges Braque, Juan Gris, y, por supuesto, no podemos olvidar mencionar a
Pablo Picasso, cada uno de ellos plasmaron en sus creaciones las características propias
del movimiento, que en Capital del Arte te enumeramos a continuación:
Principales características del cubismo:
El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un
efecto visual disruptivo y fragmentado.
Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del
impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la
única herramienta válida para el pintor.
El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las
cosas y su profundidad.
En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le
permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte
del espectador.
El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de todos los tiempos. Su
estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual.
Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones
puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente.
Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes,
retratos, bodegones.
En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras, introdujeron nuevos materiales
en el proceso; naciendo así los collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos,
papeles, metales, cuerdas u otros objetos de uso diario.
La imagen es la obra “Bailamos hasta que nos dé el día” del artista Carlos Humberto

171
El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la
velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo
nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo
tradicional, el pasado y el academicismo.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes

composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción
y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de
las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de
fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y
dorso de la figura (Simultaneismo).
Particularidades:
– Exaltación de la originalidad.
– Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
– Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su
bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
– Utilización de formas y colores para generar ritmos.
– Colores resplandecientes
– Transparencias
– Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un
caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).
Los futuristas apelaron a muchos medios expresivos para crear un arte de acción (pintura,
arquitectura, urbanismo, diseño gráfico, publicidad, moda, cine, música, poesía).
El Expresionismo es una corriente artística de vanguardia que surge en Alemania a
principios del siglo XX, en donde más que la representación de la realidad objetiva
buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor.
A lo largo de la historia del arte podemos encontrar artistas deformadores de la realidad,
sin embargo, es hasta el siglo XX que diversos artistas se unieron para desarrollar un arte
más personal e intuitivo, mostrando una visión interior, una expresión frente a la
plasmación de la realidad.
Este movimiento coincide con el fauvismo francés, con quien tenía en común el rechazo
del mímesis, así como colores violentos, sin embargo, es en el expresionismo donde se
notó un ambiente pesimista, de cierta manera, ya que los artistas alemanes no
escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido y lo obsceno.
Características del expresionismo:
El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva
Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano
La angustia existencial es el principal motor de su estética

172
Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando deliberadamente y
exagerando los temas
Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta
totalmente de ella
Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la realidad
Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición agresiva
No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional
El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior
Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo exagerado colorido
hasta las abstractas
Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes gráficas
Los impresionistas pretendían realzar la libertad individual, el irracionalismo y el
pesimismo, con una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico
La opinión del artista es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo
realizado
Los exponentes expresionistas fueron vistos como iconoclastas
La literatura expresionista se valió del uso de un lenguaje desgarrado, la presencia
constante de la muerte, la violencia y la crueldad, busca que el lector entre en la historia
y sienta como si la hubiera vivido
Algunos exponentes de la pintura son Der Blaue Reiter, Arnold Böcklin, Vincent Van
Gogh, Pablo Picasso, Fernando Botero, Diego Rivera, Frida Kahlo, etc.
Abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el mundo real, la maldad
y la guerra.
Tiene una visión enfocada hacia lo universal
No queremos despedirnos sin compartirles esta frase de Munch:
La forma en que uno ve depende también de un estado emocional de la mente. Esta es
la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto es lo que hace
que el arte sea tan interesante. (Munch)
La imagen corresponde a la obra “El grito” del artista Edvard Munch, gran exponente de
este movimiento.

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta
vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del
arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas
establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una
ideología o una forma de vivir.

173
Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa
balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario
un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre
con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas
seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este
movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no
significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario
con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”.
(Aporte de Valentina, gracias).
Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e
insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su
publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones
realizadas en cabarets o galerías de arte.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por:

– Protesta continua contra las convenciones de su época.
– Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.
– Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.
– Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de
palabras y sonidos).
– Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo
fantasioso, etc.
– Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo
aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.
– Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del
pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la
construcción del consciente.
– Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y
abstraccionismo.
– Quieren volver a la infancia.
– Consideran más importante al acto creador que al producto creado.
Características del surrealismo

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El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó
invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está
detrás del mundo real.
Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por
tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía
oculto.
El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales
imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese
conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de
manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos
de la sociedad.
Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon
abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.

¿Qué es el arte abstracto?

El arte abstracto, es un movimiento artístico que nace en Múnich (Alemania) allá por
el año 1910 de la mano de uno de los artistas rusos más importantes del siglo XX, Wasily
Kandinsky, al realizar la que sería la primera exposición de arte abstracto que llevaba
por nombre “De lo espiritual en el arte”.
El arte abstracto, lo que pretendía era dar un nuevo punto de vista de la realidad, pero
de una realidad muy alejada, basada en formas y colores, de modo que cuando te
enfrentabas a una de estas pinturas o esculturas nada tenían que ver con el mundo real.
Y es que el arte abstracto no busca la perfección o la representación de la belleza como
lo hacían otros movimientos artísticos de siglos anteriores, el arte abstracto se niega por
completo reflejar el mundo en el que vivimos.
Existen muchas teorías queriendo explicar por qué surgió el arte abstracto, nosotros lo
vamos a reducir a los siguientes motivos:
Deberías de saber que el arte en ocasiones es un fiel reflejo de la realidad, pues bien, los
artistas de principios del siglo XX, envueltos en periodos de graves crisis económicas,
políticas, con un cierto desorden social… sintieron un profundo deseo de alejarse de
aquella realidad que tanto les apenaba, y el arte abstracto fue el resultado de ello.

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Otros de los motivos, fue creer que durante todo este tiempo atrás, la realidad era lo que
siempre se había representado, por lo cual, llegaría un momento en el que los temas se
agotarían. En ese sentido, es cuando surge el arte abstracto, una nueva forma de
entender la realidad muy subjetiva y particular.

Principales características del arte abstracto

Una vez visto qué es este tipo de arte, cuando surgió, en que consiste, pasamos a ver
algunas de las características principales del arte abstracto:
Expresividad
El arte abstracto se diferencia del resto de los movimientos artísticos anteriores a este,
en la forma de expresión, y es que mientras en el romanticismo o realismo lo que el artista
expresaba eran sus propias sensaciones o sentimientos, en el arte abstracto lo que se
intenta expresar son estados puros, ya sean de conciencia e inconsciencia.
Libertad en el uso de colores
El color en el arte abstracto era junto a la forma una expresión artística más, propia
de este tipo de arte. Mientras que por ejemplo en el cubismo, su forma de expresarse era
través de formas reducidas a formas geométricas, en el arte abstracto, la libertad
cromática, el hecho de superponer colores, de mezclarlos unos encima de otros, con
variaciones dentro del mismo, de tonalidades más claras, más oscuras… es una
característica del arte abstracto.
De formas carentes
Si por algo se denomina abstracto, es por eso mismo, porque no hay formas que
representen la realidad, queremos buscar en ellas algo coherente, algo que se asemeje
a personas, elementos que nos rodean en nuestro mundo, sin embargo, esas formas a
veces no son más que líneas rectas y curvas que se entrecruzan u formas geométricas,
pero sin ningún sentido.

El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de la revolución. Los

artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación
visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. La imagen más
representativa del movimiento fue el Monumento a la III Internacional de Tlalín.

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El Constructivismo coincide con las características de diferentes vanguardias como el
Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo.
Esta vanguardia se destacó por:
– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar
el producto son de gran importancia.
– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.
– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas
matemáticamente.
– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura
interior, propaganda, ilustraciones, etc.
– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad
del espacio, el tiempo y la luz.
– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas,
lineales y planas.
– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.
– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.
– Los objetos son geométricos y funcionales.
– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.
– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos
modernos que simbolizan el progreso.
– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como
en objetos).
– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre
un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL INFORMALISMO

Predominio de la espontaneidad y el gesto

Automatismo puro marcado por el ritmo creativo
Empleo de la materia como medio para transmitir experiencias únicas.
Carencia o inexistencia de ideas preconcebidas, la obra de arte es entendida como un
momento único de creación.
La obra acabada antecede a la idea, el resultado final es la idea.
Espontaneidad creativa.
Ruptura con los antecedentes pictóricos, en virtud de lograr una expresión novedosa,
auténtica e irrepetible.
Marcada obsesión por desaparecer la forma y su concepto en el arte.
Huye del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo.

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Cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y
por el azar) y a la aleatoriedad del gesto.
La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un significado para
construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y da a continuación el
sentido.
Es matérico, con empleo de cartón, papel, hilos, cuerdas, polvo de mármol, superficies
quemadas, madera, hierro, etc.
Rebeldía frente a toda estructuración preconcebida y racional.
Fomenta la sensibilidad táctil y el valor de la textura de los materiales

El Neoplasticismo es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que
surge en la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más
elementales, para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a
formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
El neoplasticismo, al contrario del expresionismo abstracto, pretende ser trascendental,
abstrayéndose de la realidad externa, rigiéndose por reglas matemáticas y una
simplificación radical de la geometría, elevando así la concepción de lo abstracto a su
máxima expresión.
Este movimiento artístico se desprendió del cubismo, alejándose de la representación del
mundo real, para representar formas y colores básicos.
Características del Neoplasticismo:
En neoplasticismo se da una preferencia por el uso de la línea recta, los planos, cubos y
el ángulo recto, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los
cuadros.
Presenta un planteamiento absolutamente racionalista, en donde prevalece lo elemental,
eliminando lo accesorio.
Empleo de colores primarios o neutros que reduce la complejidad del objeto representado
en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí.
La pintura en el neoplasticismo se vale de una gama pequeña de contrastes y tonalidades
que expresan formas equilibradas, sin simetría, separadas de los objetos reales.
Búsqueda de la perfección y la armonía plástica, con una visualidad proporcionada y
moderada
Los pintores se alejaron del arte clásico en donde se plasmaba la realidad, para en su
lugar dibujar cualquier cosa sin tener que hacerlo con lujo de detalles; únicamente con las
formas y los colores básicos.
Los neoplasticistas buscaban proporcionar una lenguaje plástico objetivo y universalidad
en sus pinturas, de tal modo que pudiera tener significado para cualquiera que la vea.
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En el neoplasticismo se enfatiza la indagatoria de la renovación estética, obligándose a
conseguir un lenguaje plástico, objetivo y a la vez universal.
Se da una ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, en donde la belleza se percibía
reduciendo las formas a una geometría simple.
Entre los principales representantes del neoplasticismo podemos citar a Van Doesburg,
Estéfano Viu, Georges Vantongerloo, Vilmos Huszár, Gerrit Thomas Rietveld y Jacobus
Johannes Pieter Oud por mencionar solo algunos.
El legado más importante del neoplasticismo está en el diseño debido a que con su
técnica se pudieron diseñar objetos en el área de interiores, la moda, la arquitectura, el
diseño gráfico, diseño industrial e incluso en la misma gastronomía.
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La imagen es “The Cow” del artista Theo van Doesburg (1883–1931)

El expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico que se dio en el siglo XX, cuya
principal característica es la afirmación de forma espontánea que tiene el individuo por
medio de la pintura. Es un arte no figurativo que no se ajusta a los límites de
la representación convencional.
Características
Sus principales características son las siguientes:
Tiene preferencia por los formatos grandes.
Se trabaja principalmente con pintura de óleo sobre lienzos.
Son motivos abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen aparecer.
Realizan cobertura de las superficies para significar un campo abierto sin límites.
Tiene un cromatismo bastante limitado, y se usa más el blanco y el negro.
Representan rasgos de angustia y conflicto.
Rechazan el convencionalismo estético, pero tienen libre expresión y subjetiva del
inconsciente.
Valoran lo accidental y tienen intensidad de propósito.
Predomina el trazo gestual en las expresiones, además de un gran dinamismo.
Usan manchas y líneas llenas de ritmo.
El movimiento de arte conceptual es probablemente uno de los tipos de arte
más radicales y controvertidos del arte moderno y contemporáneo. Algunos artistas,
expertos e historiadores del arte incluso lo descartan como arte. El arte conceptual se
basa en la idea que dice que la esencia del arte es una idea o concepto, y que puede
existir de formas diferentes y en ausencia de un objeto como su representación. Algunos
artistas conceptuales creen que el arte es creado por el espectador, no por el artista o la
obra de arte en sí.
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El arte conceptual, es también conocido con los nombre de information art, software
art o idea art y también puede decirse que consiste en la creación artística en la cual lo
más importante es el concepto de la obra. Es un arte que busca cómo mantener la
experiencia estética sin elaboración artística, el valor plástico de los objetos,
la información y el conocimiento basado en el contenido conceptual desarrollado.
Características del arte conceptual
Entre las principales características del arte conceptual mencionamos las siguientes:
Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y
las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
Los temas del arte conceptual pueden dedicarse
a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno
social, político o económico.
Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión
y la lectura del concepto artístico.
Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización
del arte, y ésta es una de las características principales.
Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas
El arte corporal (o en inglés, body art) es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de
gran relevancia en los años 1970 en Europa y, en especial, en Africa.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta (pintura corporal), se tatúa, se
añaden piercings, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el
molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una
documentación fotográfica o videográfica posterior. E incluso se marca el cuerpo con
heridas leves.

Kathakali, una forma de body art.

Características principales del Minimalismo

El término minimalismo describe la evolución de las diversas formas de arte y diseño,

especialmente el arte visual y la música, donde cualquier cosa o objeto es reducido a lo
esencial, despojado de elementos sobrantes, quedando sólo sus características
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fundamentales. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que
significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo. Es la tendencia a reducir a lo
esencial. Este movimiento específico artístico se identifica con un desarrollo del arte
occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.
El término «minimal» fue utilizado por primera vez en 1965 por el filósofo Richard
Wollheim para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt, los “ready-made” de Marcel
Duchamp o la música del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti.

Ad
Reinhardt Marcel Duchamp
El Arte Óptico está basado en principios científicos rigurosos que permiten producir
efectos visuales inéditos, creando ilusiones ópticas originales a través de la utilización de
estructuras repetidas en un orden determinado, construyendo perspectivas que el ojo no
puede fijar en el espacio.
A través de distintos efectos podemos descubrir convexidades a partir de figuras que
comparten sus contornos, o efectos donde la interferencia de líneas y círculos
concéntricos conllevan a ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Victor Vasarely es considerado el padre del arte óptico, encontrando también artistas
destacados como Antonio Lizarazu Balué, Bridget Riley, , Triond, Supernova, Yaacov
Agam, Richard Anuszkiewic, Michael Kidner, Eusebio Sempere, por mencionar algunos.
“La geometría es capaz de representar las leyes del universo, el camino está en la
búsqueda de la geometría en el interior de la naturaleza” Vasarely
Características principales del arte óptico:
Son representaciones artísticas derivadas de la abstracción geométrica
El objetivo del arte óptico es producir y crear efectos visuales únicos
Son obras físicamente inmóviles, con efectos de profundidad y movimiento
Utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables
Utilizan los colores, la luz y las sombras con una gran habilidad
Contrastes marcados cromáticos, que pueden ser bicromáticos o polis
Utilización de figuras geométricas (rectángulos, triángulos, círculos, cuadrados)
Crean un complejo de tensiones visualesdando la sensación de movimiento
Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para obtener bases definidas y limpias
Realizan cambios de tamaños, figuras y formas mezclándolas y/o repitiéndolas
Podemos encontrar esculturas dentro de esta corriente artística

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Utiliza técnicas como líneas paralelas sinuosas o rectas.
Aun cuando muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico e
impersonal, el espectador de cada obra puede cambiar la configuración que tiene.
¡El arte óptico, un arte para admirar que te dejará con el ojo cuadrado!
La imagen del artículo corresponde a la obra: “Vega III”, del artista Victor Vasarely, 1959

Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier referente
narrativo, literario o anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con respecto a su
creador, la abolición del soporte tradicional del cuadro, la incorporación de materiales
inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit, etc.) y la intención
de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.
El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras
el movimiento es real, no virtual.
Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano
bidimensional.
Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua,
motores, luz, electromagnetismo.
Busca la integración entre obra y espectador.

El pop art es un movimiento artístico que surge a mediados del siglo XX en Londres
Inglaterra y posteriormente a finales de los años 50 en Nueva York.
Dicha corriente artística, surge como una reacción contra la corriente dominante del
momento, el Expresionismo abstracto, identificado con la parte elitista de la sociedad.
El Pop Art se caracteriza por realzar aspectos de la vida cotidiana como personajes del
espectáculo o la política, intentando retratar la realidad del momento a través de
representaciones de imágenes y objetos populares como latas, botellas o empaques de
algún producto popular.

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Esta corriente artística se desarrolla dentro del marco del capitalismo y la reproducción
industrial, por lo que podemos decir que estamos frente a un arte reproducible, donde
cada persona puede tener acceso a él.
En este post Capital del Arte te comparte algunas de las principales características del
Pop Art, ¡Toma Nota!
Características del pop art:
Uso constante de la publicidad y los comics: Hace uso de diversos objetos de
inspiración basados en la cultura urbana y popular, por lo que se da un uso muy marcado
de collages como medio de exposición de las ideas o emociones del artista.
Tipo de materiales empleados: Todo tipo de materiales, desde diferentes clases de
pinturas como las ceras o el óleo, hasta otros elementos como las fotografías
Oposición a los movimientos precedentes: Como ya mencionamos, este movimiento
artístico se opone a movimientos imperantes como lo es el expresionismo abstracto,
mismo que era considerado vacío y elitista; así como a algunas corrientes del
modernismo.
Lenguaje figurativo y realista: Como medio para expresar las diferentes costumbre,
culturas, apariencias e ideas del mundo contemporáneo, mediante temas que reflejaban
una sociedad de consumo.
Uso excesivo del collage: En el Pop Art podemos encontrar recortes de revistas,
periódicos, libros, fotografías, propagandas, formando collage.
Uso del erotismo y del desnudo: Es común encontrar obras del Pop Art como carteles,
folletos o fotografías de propagandas y anuncios publicitarios, comics, películas o
animaciones con desnudos o escenas eróticas llevado a niveles exuberantes.
Publicidad de objetos cotidianos: Este movimiento es empelado como expresión del
arte cotidiano urbano en el que se vive; por lo que con frecuencia usaban productos y
utensilios cotidianos, como latas de refrescos, revistas, secadoras, tijeras, productos de
limpieza, refrigeradores, automóviles, radios y televisores.

TRANSVANGUARDIA
El concepto de Transvanguardia fue acuñado a fines de los años sesenta por el crítico
Achille Bonito Oliva, quien definió las principales características de esta tendencia:
reacción contra los artistas del Arte Povera, posición nómada respecto a los lenguajes del
pasado, sin respetar ninguna filiación determinada; carácter discontinuo de las obras, que
las aleja de toda posibilidad de repetición, en contraste con el Pop; valoración de
pequeños sucesos: no mitifican, sino que tratan de provocar la sonrisa del espectador; se
emplean técnicas y gamas cromáticas variadas, formatos de gran tamaño tomados
del Informalismo y carácter decorativo de la pintura por medio del empleo de signos
abstractos o figurativos repetidos en distintas zonas del cuadro.
Sus artistas más representativos fueron Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo
Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino.
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 • Identificar características de manifestaciones visuales de los principales
representantes de las corrientes de las Artes Visuales en Chile durante las últimas
décadas, tales como: Transvanguardia de fines de la década del 1970 a principios
década del 1980 y Postmodernidad.

1980 / Transvanguardia
Movimiento artístico con el que se inicia teóricamente la llamada "posmodernidad". Busca
redefinir el pasado desde la óptica del presente, sin olvidar que se vive en una sociedad
de masas atravesada por la producción y reproducción de imágenes.
Deforma el mundo aparente, acentúa lo subjetivo defendiendo un individualismo extremo
y se expresan los sentimientos y emociones con espontaneidad.
Abarca una gran diversidad de posibilidades expresivas, una vasta riqueza de motivos.
Es experimental, en el sentido que se constituye una encrucijada de estilos formados por
elementos abstractos y figurativos. A menudo basan su arte en obras del pasado.
La pintura se caracteriza por: gestualidad de la pincelada con una fuerte materia pictórica,
tratamiento libre del color, recuperación de la técnica volviendo a la bidimensionalidad de
la pintura y el dibujo.

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Presenta tendencia hacia lo figurativo.

Representantes nacionales:

Samy Benmayor, Omar Gatica, Sergio Lay, Carlos Maturana (Bororo), Matías Pinto
D'Aguiar, Jorge Tacla.

Samy Mauricio Benmayor Benmayor, pintor. Nació en Santiago, Chile, el 24 de enero

de 1956.
Estudió en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile desde 1976 a 1982. Fue
alumno de los artistas Gonzalo Díaz y Rodolfo Opazo.
Diversas instituciones han respaldado su trabajo permitiendo su perfeccionamiento. En
1981, la Corporación de Amigos del Arte, le otorgó una beca, por un año en Nueva
York. Posteriormente, en 1988, fue becado por la Agencia de Información de los
Estados Unidos y la Foundation for Artists Colonies y en 1989 por la misma Agencia,
para estudiar Arte Visual en Djerassi Foundation Woodside en California, Estados
Unidos.
Benmayor ha desarrollado actividades docentes desde 1982, en el Instituto de Arte
Contemporáneo, clases de Teoría del Color y Técnicas de la Pintura en el Taller 619.
Junto a Matías Pinto D'Aguiar. Organizó el Taller Chucre Manzur que por dos años
congregó a varios artistas. En 1984, organizó su primera exposición individual en la
Galería Sur. Posteriormente, en 1986, formó el Taller Santa Victoria, con Fernando
Allende, Odette Berthoud y Carlos Maturana, Bororo.
Desde 1996 su obra Alegría de Infancia, es el símbolo del Proyecto Chile-Imagen, del
Ministerio de Educación que pretende difundir el trabajo de artistas nacionales
promoviendo la exhibición de obras de arte en oficinas públicas.

Entre 2006 y 2007 diseñó tres líneas de juegos de té y un juego de vajilla completo
para una reconocida empresa. Sus obras también han aparecido en botellas.
En 2008 Samy Benmayor, Matías Pinto D´Aguiar, Pablo Domínguez y Bororo,
participaron en la exclusiva y limitada "Colección 120 de Torre, Los Artistas", con
motivo de la celebración de los 120 años de cuadernos Torre. El lanzamiento de ésta
colección se realizó en la Galería Isabel Aninat.
Omar Gatica Rivera, pintor. Nació en 1956 en la comuna de San Bernardo, Santiago,
Chile.
Desde 1977 a 1980, estudió Licenciatura en Artes con mención en Pintura en la Facultad
de Artes de la Universidad de Chile. Pertenece a la generación o promoción del ochenta,
pues apareció en la escena artística nacional a fines de los años setenta y principios del
ochenta, iniciándose en el circuito expositivo junto a compañeros de la Universidad de
Chile que compartían con él, la necesidad e interés por explorar la pintura y sus
posibilidades como lenguaje expresivo.

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Entre los años 2001 y 2002, ejerció como profesor de Pintura en la Universidad UNIACC.
Desde el año 2002 ejerce como profesor de Pintura en la Universidad Finis Terrae.
Sergio Lay González, pintor, nació en Santiago, el 26 de marzo de 1957.
Estudió Licenciatura en Artes Plásticas con mención en Pintura en la Facultad de Bellas
Artes de la Universidad de Chile, entre los años 1977 y 1980. Fue alumno de Rodolfo
Opazo.
En 1980, ejerció como Profesor de Pintura y Dibujo en la Escuela Experimental Artística
y en 1986 en el Instituto de Arte Contemporáneo de Santiago.

Carlos Eduardo Maturana Piña, conocido con el nombre artístico de Bororo, pintor. Nació
el 10 de noviembre de 1953 en la ciudad de Santiago, Chile.
Estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad
de Chile en 1972. Fue alumno de Rodolfo Opazo, Ximena Cristi y Eduardo Garreaud.
Su trayectoria artística también da cuenta de una significativa labor docente. Entre 1975
y 1981 fue nombrado Profesor ayudante y Profesor de las Cátedras de Pintura, Dibujo y
Croquis en la Facultad de Arte de la Universidad de Chile.
Entre 1982 y 1985 enseñó en el Taller de Color y Expresión Gráfica de la carrera de
Diseño en el Gastonia College; entre 1983 y 1985 se desempeñó como profesor del Taller
de Dibujo y Pintura en el Instituto de Arte y Cultura del Colegio Médico de Chile. Entre
1983 y 1984 participó como profesor en el Taller de Pintura "La Brocha", realizado en la
Plaza del Mulato Gil de Castro, en Santiago. Trabajó como docente en la Academia de
Arte Planeta Tierra.
En 2007 dio la autorización para que su obra pingüinos aparezca en el libro de ecología
para niños de Alicia Hoffmann.
En 2008 Bororo, Matías Pinto D´Aguiar, Pablo Domínguez y Samy Benmayor, participaron
en la exclusiva y limitada "Colección 120 de Torre, Los Artistas", con motivo de la
celebración de los 120 años de cuadernos Torre. El lanzamiento de ésta colección se
realizó en la Galería Isabel Aninat.
En 2010 diseñó vasos mundialeros para una cadena de supermercados.
Matías Pinto D'Aguiar Undurraga pintor y artista visual. Nació en Santiago, el 19 de abril
de 1956.
Estudió pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Fue alumno
de Luis Lobo Parga, Gabriela Chellew, Rodolfo Opazo, Gonzalo Díaz, Francisco
Smythe y Jaime León.
Perteneció a la Promoción de los Ochenta quienes buscaron recuperar la práctica del
oficio del artista pintor.
Jorge Tacla Sacaan, pintor. Nació en Santiago, Chile, en 1958.

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Estudió en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile entre los años 1976 y 1979.
Fue alumno de Rodolfo Opazo y Gonzalo Díaz en los talleres de pintura.
En 1981 se trasladó a Nueva York, Estados Unidos, donde ha desarrollado gran parte de
su carrera. Su producción artística, fundamentada en un personal lenguaje plástico, le ha
convertido en uno de los artistas contemporáneos chilenos con mayor presencia
internacional.
La posmodernidad.

Conforme a Lyotard, la modernidad terminó con el movimiento estudiantil de París en

1968. Aunque no todos concuerdan con este fin específico, este evento fue el fin de las
ideologías y su esperanza de transformación. La imaginación, última ideología terminó
en ese proceso.
La posmodernidad se caracteriza, entonces por: – la pérdida de vigencia de las
ideologías y de lo teórico, por su inutilidad. – la realidad dejó de ser valor de uso y ya
interesa como valor de cambio, similar al dinero, que no tiene valor en sí.
– la ética pasa a ser casuística, se resuelve cada caso según el buen sentido o la
mayoría, sin fundamento teórico.
– la búsqueda de lo hedónico y la primacía del placer posterga el sentido profundo de la
felicidad. El hacer sexo reemplaza el amar.
– la realidad queda en lo superficial, ya no interesan las grandes teorías, sólo las
explicaciones casuísticas.
– la vida pierde su carácter sagrado y pasa a disfrutarse con agrados y placeres.
– surge la ética del posdeber: manejo del cuerpo, derechos humanos, derecho a gozar
de la individualidad sexual homo o hetero. Se crea vida por vías artificiales, se dispone
de los órganos de los cadáveres, etc. Todo esto configura el reemplazo de la ética por
la eticidad o ética de bolsillo. El imperativo categórico es desplazado por el imperativo
hipotético.
– la meta de la existencia humana no es el bien o la heroicidad, sino la trivialización, no
crear ni vivir problemas.
– la diferenciación objeto-sujeto, típico del método científico desaparece y se funden.
Las tecnologías que servían pasan a dominar e influir.
-la realidad pierde sus contornos. La física cuántica, la informática y otros factores
diluyen la macicez de lo objetivo.
El arte posmoderno no tiene escuelas ni vanguardias como el modernismo, es a-
histórico y conglomerante. Ezra Pound y T.S. Elliot incluyen en sus poemas voces de
otros tiempos, como Homero o Dante. La música nueva se hace con las viejas formas
según Penderecki.

• Reconocer la influencia de movimientos y/o estilos de las Artes Visuales occidentales

de finales del siglo XIX, principios del siglo XX y contemporáneo en el arte chileno.
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Abstraccionismo: Se inicia alrededor de 1910. También llamado arte no figurativo, por
no representar ningún objeto real.
Este movimiento artístico rechaza la representación objetiva de la realidad,
transformándola en formas pictóricas que no tienen ninguna relación aparente con ella.
Se le da independencia a la línea, color y ritmo para que constituyan nuevas
combinaciones entre sí.
Es una pintura espontánea, en la que el artista da rienda suelta a la imaginación y emoción
del momento, dejando plena libertad de interpretación al espectador.
En el arte abstracto se dan tres tendencias básicas:
1. La reducción de las apariencias naturales a formas radicalmente simplificadas.
2. La construcción de objetos artísticos a partir de formas básicas no figurativas.
3. La libre expresión espontánea como en la Action Painting.
Nacionales
Pintura:
Ana Cortés
Inés Puyó
Luis Vargas Rosas
Enrique Zañartu
Escultura:
Lily Garafulic
Extranjeros
Se nombran dependiendo de la tendencia, en el estilo o movimiento correspondiente

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Art Nouveau: Entre 1890 y 1914 aprox. Estilo decorativo creado en oposición al
historicismo académico predominante en el arte del siglo XIX.
Su rasgo más característico es el uso de líneas largas, lentas, curvas, sinuosas y
asimétricas basadas en formas vegetales, elementos de la vida orgánica e inorgánica,
arabescos abstractos y composiciones geometrizantes.
Sus más típicas manifestaciones se produjeron en la arquitectura, las artes aplicadas e
industriales, el arte mobiliar, la obra gráfica y la ilustración. Se conoce en Francia con el
nombre de Modern Style, en Alemania como Jugendstil, en Austria Sezessionstil, en Italia
Stile Liberty y, en España como Modernismo. Se caracteriza por el factor individualista y
artesano que depende de la personalidad de cada artista.
La actitud fundamental de estos artistas es la de dar al arte una función social, llevarlo a
las masas, empeñarse por doquier en hallar los medios para provocar una comunicación
inmediata.
Miran y buscan en lo contemporáneo su nueva forma de expresión: nuevos materiales,
descubrimientos técnicos y producción a escala. Todo lo que es funcional tiende a
convertirse en decorativo, así como todo motivo ornamental tiende también a asumir un
valor práctico.
Nacionales
Arquitectura:
Luciano Kulczewski
Extranjeros
Arquitectura:
Antonio Gaudí
Héctor Guimard
Víctor Horta
Diseño:
Luis Comfort Tiffany
Emille Gallé
Alphonse Mucha
Henri Van der Velde

Arte Cinético: Alrededor de 1950. Corresponde al arte que incorpora movimiento real o
aparente. Destinado a moverse y a provocar efectos ópticos.

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Se crean esculturas compuestas de piezas planas de metal colgadas de alambres y que
se mueven por una combinación de corrientes de aire y de su propia tensión estructural,
denominadas móviles.
En un sentido más amplio puede hacer referencia a otros fenómenos, como películas de
cine, happenings y animaciones.
Nacionales
Pintura: Matilde Pérez
Escultura: Carlos Ortúzar
Extranjeros
Pintura: Laszlo Moholy
Nagy
Escultura:
Martha Boto
Alexander Calder
Naum Gabo
Julio Le Parc
Vladimir Tatlin
Nicolás Schöffer

Arte Conceptual: Desde comienzos de 1960. Abarca varias formas de arte tales como
fotografía, grabaciones sonoras y de video, instalaciones, acciones de arte y otras en las
que la idea de una obra es considerada más importante que el producto ejecutado, si es
que él mismo existe. La mayoría de los artistas conceptuales hacen sus producciones
deliberadamente anodinas, tópicas o triviales. Desde un punto de vista visual despliegan
ideas y proyectos en forma de bocetos y diseños que incitan a la acción o a la reflexión,
con intención de dirigir la atención hacia la idea que expresan. Se considera que plantea
interrogantes acerca de la naturaleza del arte, ampliando provocativamente sus límites;
para el público en general y para ciertos críticos a menudo suele resultar pretencioso y
vacío.
Nacionales
Instalación:
190
Juan Pablo Langlois
Catalina Parra
Acciones de Arte:
Lotty Rossenfeld
Humberto Nilo
Extranjeros
Instalación:
Jannis Kounellis, Joseph
Beuys, Joseph Kosuth,
Franz Erhard Walther,
Barry Flanagan

Arte Corporal: Desde 1966. Con sus antecedentes en los tatuajes y en la decoración
que algunas culturas primitivas o exóticas realizan sobre el cuerpo, los artistas corporales
buscan la originalidad cambiando el soporte tradicional de la tela para pintar sobre la piel
de cuerpos desnudos. Es una variedad del arte conceptual.

191
La pintura en este tipo de arte se realiza directamente sobre la piel de los cuerpos,
especialmente sobre el propio cuerpo del artista como materia o espacio de
experimentación estética.
Nacionales
Carlos Leppe
Extranjeros
Bruce Naumann
Voito Aconcci
Gilbert and George

Arte de Envolver: Desde 1980 . En una especie de repudio de los valores plásticos y
una búsqueda de lo inédito, el artista sugiere lo misterioso al recubrir los modelos con
materiales como nylon semitraslúcido.
Los objetos envueltos son variados y van desde un maniquí a un edificio o un elemento
de la naturaleza.
Nacionales
Hasta ahora no han surgido en Chile artistas que desarrollen este tipo de expresión.
Extranjeros
Christo

192
193
Arte del Entorno (Environments) Arte Povera (En Italia): Surge alrededor de 1970. En
él se unifican diversos aspectos del arte conceptual, minimal y la performance.
Se encuentra dentro de las posibilidades creativas de arte de un carácter efímero.
Son arreglos tridimensionales derivados del Pop, tales como escenarios de la vida diaria,
con figuras humanas a tamaño real y toda la ambientación, ojalá hasta con sus olores.
Estos artistas buscan un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados
tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico.
Se utilizan materiales “sin valor”: cartón, arpillera, pintura y auténticos desperdicios
callejeros. Hacen hincapié en el empleo de materiales corrientes tales como la arena, las
piedras, las astillas, etc. y en la naturaleza perecedera de las obras no aptas para ser
coleccionadas.
Nacionales
Francisco Brugnoli
Virginia Errázuriz
Hugo Marín
Víctor Hugo Núñez
Extranjeros
Carl André
Richard Long
Antoni Tapies

194
Arte Pop Arte Óptico Arte
Arte Minimal: Alrededor de 1960. Tendencia artística en la que sólo se utilizaban formas
geométricas elementales, reduciendo el contenido y la forma de la obra de arte a un
vocabulario de formas escaso y simple. Un principio importante es la repetición de
estructuras geométricas, eliminando cualquier tipo de ilusión o metáfora. Su
impersonalidad es considerada una reacción contra el emocionalismo del Expresionismo
Abstracto.
Los artistas de este estilo rechazan la textura, el tema, la atmósfera, etc. y reducen las
formas y los colores a sus exponentes más simples.
Nacionales
No se dan en Chile artistas que se destaquen
Extranjeros
Pintura:
Agnes Martin
Ad Reinhardt
Frank Stella
Escultura:
Carl André
Jaacov Agam
Eduardo Chillida
Donald Judd
Barnett Newmann
Arquitectura:
Philip Jonson

195
Arte Optico: Alrededor de 1964. Es una variante del arte geométrico, se basa en las
ilusiones ópticas que se producen en la retina sugiriendo movimiento y efectos cromáticos
y formales dinámicos, de vértigo, vibración y brillo. El artista op utiliza instrumentos
técnicos como escuadras, compás y tiralíneas, para realizar sus obras, acercándose con
ello a los diseños geométricos de ingeniería y sugiriendo la tecnología del mundo de hoy.
El op art quiere romper las barreras entre arte y tecnología. Los medios utilizados son la
pintura, la escultura, el grabado y el dibujo entre otros. Su técnica es sobria, minuciosa e
impersonal.
Es un tipo de arte que depende del espectador y que ha tenido una gran influencia en el
diseño de la moda y la decoración.
Se utilizan materiales producidos por la industria moderna: plásticos, pinturas acrílicas
luminosas; en las piezas cinéticas tridimensionales, iluminación eléctrica, motores y
aparatos electrónicos. Existe una tendencia a establecer relaciones con diversas ramas
científicas y una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial.
Extranjeros
Pintura:
Jaacov Agam
Carlos Cruz Diez
Bridget Riley
Jesús Soto
Frank Stella
Víctor Vasarely

196
Arte Pop: Finales década 1950 a comienzos década 1970. Su motivación se encuentra
en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular, tales como historietas
ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine. También está presente
un fuerte arraigo sentimental con lo cotidiano. R. Hamilton lo definía como
“popular, pasajero, perecedero, barato, producido en serie, joven, ingenioso, erótico,
artero, encantador y un negocio a gran escala”.
Usan técnicas pictóricas y comerciales muy precisas, casi fotográficas, por ejemplo la
serigrafía y el uso de aerógrafo.
Se mezclan técnicas del pincel, collage fotográfico y/o técnicas mecánicas.
Nacionales
Guillermo Núñez

197
Extranjeros
Pintura:
Peter Blake
Richard Hamilton
Peter Phillips
Allen Jones
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg
Jasper Johns

198
Bauhaus: Entre 1919 y 1933 aprox. Escuela alemana: sostiene que hay un solo arte
indivisible, con varias ramas. Lucha por la integración entre arte, arquitectura y diseño.
Intenta alcanzar una reconciliación entre la estética del diseño y las demandas de
producción de las industrias de masas.
La Bauhaus es una escuela moderna, sensible a las necesidades de la sociedad
contemporánea, que se propone integrar el arte en la vida, superando las oposiciones de
ciencia y estética, individualidad creadora y trabajo en equipo.
Por ejemplo, un grupo de grandes artistas y personalidades enfrentan juntos el problema
de un edificio en toda la complejidad de sus partes, desde el mobiliario, la decoración
hasta las estructuras murales, sin descuidar nada.
El nuevo artista debe estar familiarizado con los materiales del mismo modo que un
artesano, igualmente debe conocer sus posibilidades expresivas. Se establece una
estrecha vinculación con la industria, y muchos productos de sus talleres, sobre todo
muebles, tejidos y aparatos de luz eléctrica, llegaron a realizarse en manufacturas a gran
escala.
Característico de la Bauhaus es la estricta economía de medios y el minucioso estudio de
la naturaleza de los materiales.
En arquitectura, se utilizó la construcción a base de un entramado de acero y de hormigón
armado y vidrio, que reducía los planos de sustentación de una casa a los soportes y las
traviesas y, al mismo tiempo, hacía visible esta técnica arquitectónica hacia el exterior:
función y construcción debían formar una unidad.
Nacionales
El movimiento Bauhaus tiene influencia en Chile, sin embargo no puede hablarse de un
desarrollo puro
Extranjeros
Arquitectura:
Walter Gropius
Henry Van de Velde
Mies Van der Rohe
Escultura:
Schmidt
Pintura:
Paul Klee
Vassily Kandinski
Lyonel Feininger
Oskar Schlemmer
Diseño:
Joseph Albers
Fotografía:
Lazlo Moholy-Nagy
Artes gráficas:
Bayer y Johannes Itten

199
Constructivismo: Entre 1918 y 1925 aprox. Movimiento artístico surgido en Rusia,
basado en el cubismo y estéticamente relacionado con la ingeniería y la arquitectura.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos
reales ni fantasías libres del artista.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos:
diseño de carteles, diseño de modas, tipografía, fotografía, arquitectura interior,
actividades propagandísticas, ilustraciones de libros.

200
En EE.UU. es llamado hard-edge painting es decir, una pintura de planos de color
nítidamente balanceados.
La nueva valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son fundamentales. Los
constructivistas plantean que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que
debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales
que permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como
alambre, madera, vidrio yeso y plástico para generar esculturas transparentes que
permitan generar un puente entre la vida diaria y el arte.
Al mismo tiempo rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente
útil y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología
moderna.
Luego se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero
y la función de resolver necesidades sociales.
Nacionales
Escultura:
Marta Colvin
Sergio Castillo
Extranjeros
Pintura:
Kasimir Malevitch
Frantisek Kupka
Max Bill
Joaquín Torres García
Escultura:
Antoine Pevsner
Naum Gabo
Arquitectura y diseño:
Vladimir Tatlin
Alexander Rodchenko

201
Cubismo: Entre 1907 y 1914 aprox. Se rompen las formas existentes para obtener así
material para construir una forma nueva, primero corta facetas de los objetos y después
las presenta desde varios lados, para dar una visión más completa del objeto retratado,
en estructuras predominantemente geométricas y el color extremadamente apagado.
Luego de esta experimentación formal llega a una verdadera y efectiva imagen conceptual
de las cosas, representando lo que el artista sabe de las cosas, no lo que ve, es una
reconstrucción intelectual.
La superficie pintada no pretende dar la ilusión de profundidad, sino que es plana y
variada. De la etapa analítica, en la cual la realidad es descompuesta en todos sus
elementos constitutivos, se pasa a la sintética, que ofrece una imagen de la realidad
sumaria en la forma, lograda por medio de anchos planos plásticos, formas mucho más
decorativas y un color más fuerte.
Se caracteriza por una gama cromática muy reducida y apagada, los temas parecen
insignificantes y se repiten incansablemente. En el cubismo sintético, el color se vuelve
mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas, introduciéndose en las pinturas
elementos como letras recortadas y trozos de periódico.
El uso de gran cantidad de gouache y la búsqueda de una variedad de texturas da lugar
a la técnica del collage a partir de papeles pegados.
En la escultura se acentúa la simplificación de las masas, entendiéndose como un medio
para un estudio más profundo de la realidad. Analiza las relaciones y las proporciones,
no revestidas de forma sino animadas por un tono local convencional, ocre o siena, que
hacen virar la sombra o la luz en un mundo sin atmósfera y sin movimiento. Los escultores
cubistas utilizan materiales como: placas de cartón, placas de metal, materiales de la vida
diaria como combinaciones de plástico, hierro, cobre, plata, bronce, terracota, piedras
policromadas y yeso.
Nacionales
Escultura:
Abelardo Bustamante
Extranjeros
Pintura:
Pablo Picasso
Georges Braque

202
Cavalcanti
Stuart Davis
Roger de la Fresnaye
Charles Demuth
Juan Gris
Fernand Léger
Alessandro Petorutti
Jacques Villon
Escultura:
Alexander Archipenko
Constantin Brancusi
Raimond Duchamp-Villon
Julio González
Henri Laurens
Jacques Lipchitz
Ossip Zadkine

203
Dadaísmo: Se inicia alrededor de 1916. En este movimiento artístico de protesta, los
artistas recurren a la utilización de métodos incomprensibles que se apoyan en lo absurdo
e irracional. Expresan rechazo a todos los valores sociales y éticos del momento. Incluyen
el azar y elementos de desecho para determinar las obras. Su principio es romper con
todos los valores burgueses, no soportar los límites asignados al arte o a la moral, darse

204
el derecho a la contradicción, a la injuria, a lo gratuito y a lo absurdo. Se objetiva lo
inconsciente, lo subjetivo y lo irracional. Se inicia la idea de antiarte.
Entre sus formas de expresión se encuentran el montaje, el collage y aparecen los Ready-
Made o assemblages que son objetos manufacturados privados de su sentido funcional,
solos o combinados y elevados a obra de arte.
Los objetos ya están hechos, la intervención del artista es meramente intelectual
inaprehensible en términos materiales.
Extranjeros
Jean Arp
Marcel Duchamp
Richard Huelsenbeck
Francis Picabia
Man Ray

D Expresionismo

205
Expresionismo: Entre 1903 y 1930 aprox. Estos artistas buscan la expresión apasionada
de los sentimientos que experimentan, una reacción exacerbada de los sentimientos; con
este objetivo línea, forma y color están alterados, y van más allá de lo que es la realidad,
eliminan los detalles y exageran lo que les parece de primordial importancia. Sus
imágenes alcanzan la máxima intensidad, pueden llegar a la deformación e incluso a la
caricatura. Están en contra del academicismo convencional y la descomposición de la
forma (impresionistas) así como en contra del racionalismo en el arte. Palabras como
instinto, intuición, depresión y angustia por el caos en el mundo, están relacionadas a
estos artistas.
En otros autores el énfasis esta puesto en la aplicación del color, la realidad, cualquiera
que ella sea, está representada con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o
teóricas. Utilizan formas de contornos duros y angulosos muchas veces en negro y
delineadas por pinceladas rápidas.
En escultura Lehmbruck usa frecuentemente un tratamiento rugoso de la materia,
combinando y contrastando superficies mates con superficies pulidas y brillantes.
En arquitectura se introduce lo que hoy día se conoce como “identidad de empresa”, en
ella se incluyen el logotipo, papel de carta, lámparas y utensilios domésticos, hasta los
edificios propiamente tales.
En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de arte
en la que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva,
reflejándose el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra
experiencia visual.
Nacionales
Pintura:
Augusto Barcia
Ximena Cristi
Enriqueta Petit
Escultura:
Tótila Albert

206
Extranjeros
Pintura:
Max Beckmann
James Ensor
Grupo Der Blaue Reiter
Grupo Die Brucke
Otto Dix, George Grosz,
Erico Heckel, Vassily
Kandinsky, Ernst Ludwig
Kirchner, Paul Klee, Oskar
Kokoschka, Franz Marc,
August Macke, Paula
Modersohn-Becker,
Edvard Munch, Emil
Nolde, Max Pechstein,
Karl Schmidt-Rottluff
Escultura:
Ernst Barlach
Wilhelm Lehmbruck
Arquitectura.
Peter Behrens, Bruno Taut

207
Fauvismo: Entre 1905 y 1910 aprox. Sin ser una escuela en términos formales, reúne a
un grupo de artistas que manifiestan una necesidad expresiva frente a la realidad del
mundo. La fuerza de su expresión, los hizo conocidos como las “fieras”, traducción de
“fauve”.
El color y los símbolos no corresponden al reflejo de la realidad, poseen más bien un
carácter emocional.
Valorizan la expresividad del color puro, más intenso y vibrante por el juego lineal de los
contornos. La forma no sigue cánones clásicos de belleza.
Su técnica se libera de todo academicismo. Usan generosamente la materia pictórica, los
colores puros y las yuxtaposiciones estridentes, el lienzo debía tener su propia autonomía.
Extranjeros
Henry Matisse

208
Futurismo: Entre 1909 y 1914 aprox. Se basan en los conceptos einstenianos de tiempo
y espacio y quieren ir más allá de sus consecuencias.
Su lema: todo se mueve, todo corre, todo se transforma continuamente.
Se aspira a pintar o esculpir el modelo no solamente en un momento dado e inmóvil, sino
en las diferentes fases de su trayectoria, en algunos casos descomponiendo el
movimiento.
Igual lo hacen los dibujantes en las películas de dibujos animados.
Su propósito fundamental, perfilado en varios manifiestos, era romper con el pasado y su
cultura académica, y celebrar el dinamismo y el poder de la tecnología moderna.
En la pintura cada artista resuelve de manera personal el problema futurista: a través del
color, insertando caracteres de imprenta o aplicando la técnica del divisionismo o
puntillismo.

209
Lo que el escultor futurista crea es, en cierto modo, el punto ideal que une el infinito
plástico exterior al infinito plástico interior. Sus objetos no terminan nunca, se entrecruzan
con innumerables combinaciones y choques. La emoción del espectador ha de ocupar el
centro de la obra escultórica.
En arquitectura los futuristas se dedicaron principalmente a las construcciones útiles, a la
técnica o a la comunicación, es decir a centrales eléctricas, estaciones de ferrocarril,
campos de aviación y rascacielos, mostrando al mismo tiempo, un interés mayor por el
caos urbano de las metrópolis.
Extranjeros
Pintura y Escultura:
Humberto Boccioni
Giacomo Balla
Pintura:
Carlo Carrá
Gino Severini
Luis Russolo
Arquitectura:
Antonio Sant’Elia
Virgilio Marchi
Henry de Sauvage

210
Grupo Fluxus: Alrededor de 1959. Movimiento artístico consagrado a organizar actos
provocadores y happenings.
El happening es un acontecimiento espectáculo planeado, aunque con cierto grado de
espontaneidad, sin argumento.
En él, el artista dirige una función combinando elementos del teatro y de las artes visuales.
Rechaza los principios tradicionales de perfección artesanal y permanencia de las artes.
Tiene relación con el assemblage y el environment, con el teatro y el Performance Art.
Ejemplo de ellos se encuentra en las representaciones organizadas como actos de
carácter político- social o propagandísticos. Es fundamental en el happening la integración
del espectador como participante en la acción.
Plantean el valor de lo efímero, de lo que pasa y no puede retenerse.
Se utilizan materiales propios del teatro, vestuario, escenografía, etc., así como también
materiales más propios de las artes visuales.
Extranjeros
Joseph Beuys
Joan Brossa
Jim Dine
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg

211
Hiperrealismo: Finales de la década de 1960 hasta hoy. Movimiento artístico en que los
temas son representados con una exactitud de detalle minuciosa e impersonal, agudeza
óptica que supera la del objetivo fotográfico y llevada a cabo con virtuosismo técnico. No
hay una visión subjetiva de la realidad, sus imágenes son frías.
También se ha denominado Superrealismo y Realismo
Fotográfico o Fotorrealismo.
Algunos de los representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con
igual agudeza y precisión todo el cuadro. En algunos casos se utiliza el gigantismo de los
tamaños y la aplicación de la pintura plana, que no sólo no siente ningún interés por la
calidad de la superficie, sino que aspira a producir la impresión de inmensas ampliaciones
fotográficas.
Nacionales
Pintura:
Jaime Bendersky (en sus
primeras épocas)
Claudio Bravo
Extranjeros
Pintura:
Richard Beckwell
John C. Kacere
Chuck Close
Don Eddy
Richard Estes
Noel Mahaffrey
Escultura:
John de Andrea

212
Informalismo: Desde 1940 aprox. Su nombre insinúa la oposición a la rigidez formal de
los estilos geométricos más intelectuales. Pintura abstracta y concreta al mismo tiempo,
en la que el espectador se ve obligado a dar una expresión determinada a los diferentes
elementos que aparecen en el cuadro mediante una labor intelectual propia. También es
propio su carácter espontáneo y subjetivo. El término Informalismo es más o menos
sinónimo de Tachismo y puede traducirse más como “sin forma” que como “informal”,
también se ha utilizado la expresión “Arte Otro”.
La pintura se presenta en algunas obras con un empaste seco, duro y muy material,
introduciéndose en ella también productos naturales como tierra, paja o pelos.
Nacionales
Pintura:
Grupo Signo
Gracia Barrios
José Balmes
Roser Bru
Eduardo Martínez Bonatti
Alberto Pérez
Extranjeros
Pintura:
George Baselitz
Anselm Kiefer
Gerhard Richter

213
Neoplasticismo: Se inicia alrededor de 1917 Tiende a la representación de los
elementos de la plástica pura: planos, líneas y colores. Se crean imágenes estructuradas
con extremo rigor intelectual, utilizando los tres colores primarios rojo, amarillo y azul, a
los que se agregan los acromáticos blanco, negro y gris. Trabajan los colores en forma
plana, sin texturas ni gradaciones.
Es una pintura cerebral, árida, fría, controlada y geometrizante que pretende traducir el
orden interno, racional y estructural que se deduce de la realidad exterior. Parte de la
premisa de que el arte debe desnaturalizarse; liberarse de cualquier relación figurativa
con los detalles aislados de los objetos naturales. Con ello escapará del individualismo
de lo particular y podrá expresar un ideal de armonía universal. Las formas puras de la
geometría y las relaciones matemáticas constantes sirven de base a las obras de estos
artistas. En arquitectura alcanzan resultados notables, en el campo de un funcionalismo
severo. También es llamado arte anorgánico o arte concreto, por concretizar las imágenes
que siente y piensa el hombre; arte absoluto, por ser independiente, sin referencia a la
naturaleza y por basarse en sus propias leyes.
Nacionales
Pintura: Elsa Bolívar,
Luis Droguett, Robinson
Mora, Carmen Piemonte,
Gustavo Poblete, Ramón
Vergara Grez, Waldo Vila,
Grupo Rectángulo, Grupo
Forma y Espacio.
Extranjeros
Pintura: Piet Mondrian,
Theo Van Doesburg
Escultura:

214
Georges Vantongerloo
Arquitectura:
Jacobus Johannes, Pieter
Oud, Gerrit T.Rietveld,
Carlos Van Eesteren, J.Wils

Pintura de Acción o Action Painting: Surge alrededor de 1952 Se le llama también

cinestésica o muscular. Es pintura basada en el automatismo.
Su énfasis está puesto en el impulso directo de la espontaneidad creadora del gesto, lo
único que cuenta es el acto de pintar, así el cuadro deja constancia de un desarrollo
dramático de los sentimientos del artista como de la acción de pintar. Se valora la
individualidad y la improvisación espontánea.
Se trabaja generalmente sobre telas de gran tamaño en forma enérgica, en la que se
dejan caer gotas, salpicaduras y chorreaduras de pintura sobre el lienzo, el que a menudo
se encuentra extendido sobre el suelo en lugar de encontrarse en posición vertical. Se
descarta la habilidad manual utilizando para pintar el cuerpo entero.
Extranjeros
Pintura:
Willem De Kooning
Arshile Gorky
Phillip Guston
Franz Kline
Lee Krasner
Robert Motherwell
Barnett Newman
Jackson Pollock
Mark Rothko
Clyford Still
.

215
Surrealismo: Desde 1924 aprox. Se busca dar a conocer visiones del subconsciente, se
reemplaza la visión racional de las cosas por una interpretación casi mágica de la realidad
basada en relaciones aparentemente irracionales, se crean disonancias con la realidad.
El ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía,
creando así un clima de suspenso horripilante o de sueño. Esto es acentuado por la
yuxtaposición de objetos sin relación, fuera del mundo cotidiano. Un horizonte bajo, muy
lejano y símbolos del psicoanálisis aparecen frecuentemente en los cuadros de esta
orientación, que también suelen usar una perspectiva acentuada y una aguda iluminación
irreal de las escenas. Se intenta llegar a un absoluto equilibrio en cuanto al color y a las
proporciones espaciales.
Su técnica es minuciosa pintando cada detalle en forma fotográfica. Se mezcla y usan
diversos medios como: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas
como el collage, el ready-made, objetos encontrados, poema-objeto, frottage, imagen
múltiple, calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante
una presión).
Buscando combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado
tradicional.
En escultura se desarrolla la práctica de la escultura en metal y continúa la estatuaria
tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta
hacia la expresión de los más profundos sentimientos del alma.
Nacionales
Pintura:
Mario Carreño
Roberto Matta
Rodolfo Opazo
Extranjeros
Pintura:
Víctor Brauner
Salvador Dalí
Giorgio de Chirico
Paul Delvaux
Oscar Domínguez
Max Ernst
Wilfredo Lam
René Magritte
André Masson
Joan Miró
Ives Tanguy
Escultura:
Jean Arp, Alberto Giacometti

Tachismo: Entre 1940 y 1950 aprox. Las obras se crean sin una forma ni una idea
predeterminadas, sólo puras manchas de color. Se pretende ser completamente
espontáneo e instintivo, excluyendo lo deliberado y la planificación formal. En algunos
países se habla de Manchismo, en otros casos de Abstracción Lírica y Arte Informal.

216
Su técnica es análoga a la de los impresionistas, por lo que se le ha llamado
Impresionismo Abstracto. Aunque menos agresivas que las obras de los expresionistas
abstractos norteamericanos, su técnica se caracteriza por brochazos y manchas de color.
Extranjeros
Pintura:
Jean Fautrier
Georges Matthieu
Alfred Otto Wols

Transvanguardia: Finales de la década del 70 y principio de la década del 80

Movimiento artístico con el que se inicia teóricamente la llamada “posmodernidad”. Busca
redefinir el pasado desde la óptica del presente, sin olvidar que se vive en una sociedad
de masas atravesada por la producción y reproducción de imágenes. Deforma el mundo
aparente, acentúa lo subjetivo defendiendo un individualismo extremo y se expresan los
sentimientos y emociones con espontaneidad.
Abarca una gran diversidad de posibilidades expresivas, una riqueza de motivos. Es
experimental, en el sentido que se constituye una encrucijada de estilos formados por
elementos abstractos y figurativos. A menudo basan su arte en obras del pasado. La
pintura se caracteriza por: gestualidad de la pincelada con una fuerte materia pictórica,
tratamiento libre del color, recuperación de la técnica volviendo a la bidimensionalidad de
la pintura y el dibujo. Presenta una tendencia hacia
lo figurativo.
Nacionales
Pintura:
Samy Benmayor
Omar Gatica
Sergio Lay
Carlos Maturana (Bororo)
Matías Pinto D’Aguiar
Jorge Tacla
Extranjeros
Pintura:
Francesco Clemente
Enzo Cuchi
Sandro Chia

2.5 Representación del cuerpo humano

• Relacionar aspectos visuales de obras artísticas significativas, con modelos o

paradigmas de lo masculino y lo femenino a través del tiempo, tales como: Venus
prehistóricas, Venus de Boticelli, David de Miguel Ángel, El Pensador de Rodin, Marilyn
Monroe de Andy Warhol, entre otros.

Las venus paleolíticas son estatuillas femeninas

de hueso, asta, marfil, piedra, terracota, madera o barro, datadas en el Paleolítico
Superior, dentro del cual constituyen la principal categoría de arte mueble o mobiliar,
217
superando el centenar de ejemplares, en el caso de las figuras de bulto redondo, y los
dos centenares si se incluyen representaciones parietales. Estas esculturas tienen
tamaños modestos, hasta diminutos, oscilando entre los 4 y los 25 centímetros.

Todas ellas parecen responder a representaciones convencionales de la mujer de la

época, aunque algunas llegan a ser claramente estilizaciones o meros esquemas. Hay un
grupo de venus, denominado esteatopigias, con ciertas partes de la anatomía
exageradamente desarrolladas: son obesas, con el abdomen, la vulva, las nalgas y
las mamas extremadamente grandes. Pero también es común que el resto de las partes
del cuerpo aparezcan desdibujadas: los brazos son muy pequeños, los pies apenas se
les ven y la cara suele ser, por lo general, inexistente.

En cuanto a la interpretación, la alta proporción de figuras femeninas en el arte mueble

del Paleolítico Superior es suficiente para admitir el importante papel de la mujer en
aquellas sociedades prehistóricas. Sabemos que no eran objetos con una utilidad práctica
productiva; también sabemos que han aparecido en lugares de habitación y no en lugares
de enterramiento. Podría ser que estuviesen a la vista de cualquiera, no siendo, pues,
amuletos recónditos o secretos (lo que explicaría su enorme difusión geográfica). Sin
embargo, poco más se puede decir. Todas las teorías sobre la Gran Diosa Madre, la diosa
de la fecundidad o los cánones de belleza son meras especulaciones que no llegan,
siquiera a poder ser formuladas como auténticas hipótesis científicas; ya que no hay
manera de establecer procedimientos de contrastación, ni hallar pruebas científicas, etc.

218
El nacimiento de Venus de Botticelli
La cara angelical de Simonetta, una de las mujeres más bellas de la historia de la pintura,
forma parte del imaginario colectivo de millones de personas. Vemos su rostro en “La
Alegoría de la Primavera” y es la propia Venus en “Venus y Marte” y en el “Nacimiento de
Venus” de Botticelli. Él y otros artistas de la época la retrataron una y otra vez. Representa
el ideal de belleza femenino del Renacimiento. Esta es la historia de Simonetta, la joven
de los cuadros.

Fragmento del “Nacimiento de Venus”, Sandro Botticelli, 1483-1485

¿Quién era Simonetta?

Considerada una de las mujeres más bellas del Renacimiento, Simonetta Cattaneo, murió
de tisis a los 23 años dejando desolados a toda una corte de admiradores y artistas. Se
cree que había nacido en las inmediaciones de Génova en 1453 y murió en 1476. A los
16 años se casó con Marco Vespucci, familiar de Américo Vespucio, el famoso
comerciante y cosmógrafo florentino que dio nombre al continente americano.

219
“Nacimiento de Venus”, Sandro Botticelli, 1483-1485

Simonetta y su esposo se instalaron en Florencia, donde ella fue descubierta como

modelo por Botticelli, que era amigo, vecino y protegido de la familia de su esposo Marco.
Piero di Cósimo y Doménico y David Ghirlandaio también la solicitaron para sus obras.
Posó para estos artistas en numerosas ocasiones e incluso tras su fallecimiento siguieron
pintándola de memoria.

Fragmento de “Virgen de la granada”, Sandro Botticelli, 1487

Botticelli se enamoró de ella desde la primera vez que la vio, pero no fue el único. Lorenzo

220
y Juliano Médici también cayeron rendidos ante su belleza. En un torneo entre caballeros
para celebrar una victoria, Juliano Médici la declaró “dama de su corazón” en la justa, y
Botticelli pintó en el estandarte que portaba el escudero de Juliano una imagen de
Simonetta vestida de Minerva. El lema del pendón era: “La Sans Pareille” que quiere decir
“La Sin Igual”. En este mismo torneo fue nombrada “Reina de la Belleza”.

Un año después del torneo, Simonetta Vespucci murió de tuberculosis. Tenía 23 años.
Sandro Botticelli quedó absolutamente desolado. Por los datos que se tienen, su amor
por ella siempre fue platónico, pero de una intensidad tan profunda que no existen
comentarios sobre otros amores apasionados del artista. La fidelidad a su memoria fue
tal, que la mayoría de mujeres de sus obras tienen los rasgos de Simonetta. En el cuadro
“Venus y Marte”, por ejemplo, los protagonistas tienen las caras de Simonetta y de
Botticelli y el “Nacimiento de Venus” fue pintado por el artista años después del
fallecimiento de la modelo.

Escultura David de Miguel Ángel

David es la escultura símbolo del Renacimiento italiano, creada por el pintor y escultor
florentino Miguel Ángel Buonarroti entre los años 1501 y 1504, cuando apenas tenía entre
26 y 29 años de edad.

221
La escultura fue un encargo de la Opera del Duomo para la catedral de Santa María del
Fiore en Florencia.

David representa al David bíblico que enfrenta y vence al gigante Goliat solo con algunas
piedras y su inteligencia. Luego se convertiría en el rey David.

La escultura fue tomada como símbolo de la lucha de la República florentina contra los
dirigentes y los Estados adyacentes de la época: los Médici (desde 1494) y los Estados
pontificios.

La obra se encuentra actualmente en la Galleria dell’Accademia en Florencia, Italia. Mide

517 cm de alto y pesa 5,5 toneladas.

David se puede resumir como una acción en reposo. La tensión muscular y emocional
son perfectas para que Miguel Ángel muestre su conocimiento perfecto del cuerpo
masculino y su capacidad de equilibrar lo físico y lo emocional en una sola figura.

La cara de David tiene una mirada desafiante impregnada de fuerza donde se manifiesta
la consciencia del poder, en el sentido más amplio de la palabra. Es capaz de intuir al
enemigo mostrando plena autoconfianza, una virtud muy apreciada para el hombre
renacentista.

El pensador, Le penseur (en francés) o The thinker (en inglés) es una escultura
impresionista de metal creada en el año 1881 por el escultor francés Auguste Rodin
(1840-1917).

Es la obra más famosa de Rodin porque rompió con las principales corrientes de arte y
porque consiguió transmitir 'el pensar' universal en toda su dimensión; desde la cabeza
hasta la punta de los pies.

La escultura original de El pensador se encuentra actualmente en Francia en el Museo

de Rodin, o Musée Rodin en francés, y mide 71,5 cms de alto, 58 cms de largo y 40 cms
de ancho.

222
Significado de la escultura El pensador
La obra más famosa del escultor Rodin representa lo universalmente transversal en
nuestra calidad de seres humanos: la capacidad de pensar. Rodin, a pesar de no
pertenecer oficialmente a ninguna corriente artística, logra con su particular técnica
transmitir la acción de pensar en cada músculo, posición y mirada del personaje alegórico,
convirtiéndolo en el pensador por excelencia.
La particularidad de El pensador no radica solo en la técnica y lo que representa sino
también en su poder de evocar la capacidad de transformar el entorno que lo rodea.
Transmite una emocionalidad universal y a la vez particular para cada individuo.
Andy Warhol: Marilyn Monroe

Obra: Marilyn MonroeAutor: Andrew Warhola [Andy Warhol] (1928-

1987)Fecha: 1964stilo: Pop Art. Pintura del siglo XXTécnica: Serigrafía sobre lienzo.
El Pop Art, movimiento artístico originado a mediados del siglo XX, se desarrolla con
fuerza en la década de 1960. Surge como reacción ante las corrientes artísticas de la
época, sobre todo, del Expresionismo abstracto (ver comentarios a obras de Rothko y
Pollock), que se había desarrollado a partir de la Segunda Guerra Mundial, al que se
consideraba vacío y elitista, demasiado elaborado y abstracto, muy alejado de la
sociedad.

223
Las creaciones del pop art parodiaban, adoptaban y capitalizaban los símbolos del
consumismo, el éxito y la fama, así como la cultura de masas. Uno de los cuadros más
conocidos de Warhol es la reproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn
Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-, coloreada sin atención al detalle y con
tonos planos y extremados. Esta obra se encuadra en una serie de litografías que creó a
principios de los años sesenta (Liz Taylor, James Dean, bote de sopas Campbell, botellas
de Coca Cola, Mickey mouse, etc.). Todos ellos son símbolos de la sociedad de
consumo sin significado, no esconden ningún sentido oculto como tampoco hay denuncia.
Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no opinaba, no tenía nada
que decir.

• Reconocer las características de manifestaciones visuales de artistas chilenos

destacados en la representación del cuerpo humano, tales como: Rebeca Matte, José
Perotti, Samuel Román, Totila Albert, Juan Egenau, Marcela Romagnoli, entre otros.

Rebeca Matte Bello

Escultora chilena, especializada en materiales nobles como el mármol y el bronce, dando
vida a obras que embellecen algunas calles de Santiago. Entre sus numerosas esculturas,
destaca el Monumento a los Héroes de la Concepción, que le confió el gobierno de Chile
en 1920.
Nació en Santiago el 29 de octubre de 1875, entre sus numerosas esculturas sobresale:
Ícaro y Dédalo, hoy emplazada frente al Museo Nacional de Bellas Artes, la cual fue
donada por su esposo el año en el que Matte murió. Esta es una de las réplicas de la
original que el gobierno de Chile le encargó a la artista con el fin de obsequiarla al
gobierno brasileño (en honor al centenario de su independencia) y que lleva el nombre
de Monumento a la Aviación. Otra de sus obras es El Eco, también ubicada en el Museo
Nacional de Bellas Artes, es una creación de lo simbólico: una bella figura femenina
desnuda, escuchando voces lejanas o interiores. En el interior del mismo lugar, se puede
contemplar su Horacio, notable obra de juventud, en el que se aprecia su formación
académica. Otra de sus más notables obras es Crudo Invierno, busto de un hombre
altanero y sufrido, de gran expresividad.
Fue en Florencia donde se manifestó con más violencia la tuberculosis de Lily, que su
madre le había contagiado. Trasladada a un sanatorio en Los Alpes suizos, la joven
finalmente falleció (1926), dejando a Rebeca Matte sumida en el mayor de los
sufrimientos.
No volvió a crear, y dedicó sus últimos años de vida a editar los versos que había escrito
su hija, y a fundar varias instituciones de beneficencia en su nombre.
Rebeca Matte murió en París el 15 de mayo de 1929, a los 53 años de edad.

224
José Luis Perotti Ronzzoni nació el 8 de junio de 1898 en Santiago, Chile.
Desarrolló tempranamente sus habilidades en dibujo y el interés por el trabajo manual, en
la escuela primaria. Esto le permitió ingresar en 1913 como alumno libre al taller de
fundición de la Escuela de Bellas Artes. Posteriormente, en 1917, se incorpora
formalmente y se integra al curso de escultura a cargo de Virginio Arias.
La obra de José Perotti incluye esculturas, pinturas, dibujos, cerámicas, grabados y
esmaltes sobre metales, entre otros. Abordó la figura humana en sus dibujos y esculturas,
en tanto que en sus pinturas realizó mayoritariamente paisajes. Dentro de este amplio
campo de acción, sus obras más conocidas corresponden a pinturas y esculturas, siendo
esta última disciplina en la que se desarrolló ampliamente y la que tuvo mayor
reconocimiento. En su trabajo escultórico experimentó con diversos lenguajes,
destacándose la estilización de figuras antropomorfas, la incorporación del espacio como
elemento compositivo y el trabajo de volúmenes perforados (que él denominó
“oquedades”), en distintas etapas de su carrera.
Tuvo un rol activo en los cambios e introducción de nuevas ideas para la educación
artística. Junto a otros artistas, participó en la creación de la Asociación de Artistas de
Chile (en 1931), entidad que buscaba la renovación de la enseñanza artística
universitaria, organizó los Talleres Libres y apoyó la realización del Salón de los
independientes. Perotti, además, colaboró en la creación del Museo Pedagógico y del
proyecto para el Museo de Arte Popular, dependiente de la Universidad de Chile.
El artista falleció el 22 de junio de 1956, en Santiago de Chile.
Samuel Román Rojas, escultor. Nació en Rancagua, Chile, el 8 de diciembre de 1907 y
murió en Santiago, el 7 de abril de 1990.
Fue el autor de importantes monumentos dedicados a personajes históricos y obras
conmemorativas, que ornamentan diversos parques y plazas a lo largo del país, entre
ellos la dedicada a Gabriela Mistral en Vicuña y al Presidente José Manuel Balmaceda en
el parque Gran Bretaña en Santiago de Chile.

Significado para la escultura chilena

Samuel Román significó para la escultura chilena la tradición estatuaria del siglo
XIX tomando en cuenta que su riguroso maestro desde los 12 años fue Virginio Arias. Sin
embargo el artista tomó un camino de evolución natural que lo llevó a canalizar su energía
creativa.

Desde el naturalismo que practicó en sus inicios Román fue descubriendo las cualidades
expresivas de los materiales a la vez que redefinió el concepto de monumento.

En “Elena Wilson” se establece en su propio cauce expresivo, dotando de fuerza

monumental sus modelos que convirtiéndose en símbolos se alejan del referente real.

Samuel Román ocupó el expresionismo desde el material como una reflexión profunda
hacia estructuras no narrativas. Se ajusta a esta determinación la variedad material que
caracteriza su obra: bronce, mármol, piedra, etc.

225
“Novia del viento” es una escultura en terracota donde el artista plantea su eje desde la
verticalidad abriendo ángulos que acogen formas tubulares en donde se dan espacios
vacíos que como contraforma articulan la figura equilibradamente.

Su obra escultórica corresponde a un estilo propio que evolucionó en distintas etapas,

desde un apego a la enseñanza académica, a la síntesis de formas y la abstracción
influenciada por las tendencias expresionistas que conoció durante su estadía en Europa.
Haciendo gala de una gran imaginación, gustaba de introducir en sus obras, elementos
exóticos de naturaleza poética tomados de la mitología clásica o inspirada en la cultura
popular.

Realizó en greda, bronce, terracota, yeso y piedra, más de dos mil obras, entre las que
se cuentan, también, algunos dibujos. Desarrolló un estilo depurado, de superficies lisas
y volúmenes ondulantes, que podemos apreciar tanto en los monumentos por encargo,
en sus esculturas personales de gran tamaño, y en sus obras de proporciones más
reducidas.
Tótila Albert Schneider

Nace en Santiago, el 30 de noviembre de 1892. Se trasladó a Alemania en 1915, en

plena guerra mundial. Estudió y trabajó en escultura en la Academia de Bellas Artes
de Berlín y en el taller de Franz Metzner. Más tarde, decidió alejarse de la influencia de
las escuelas para realizar una carrera independiente.

Regresó a Chile en el año 1923. Contando con el respaldo de críticos europeos, realizó
una exposición de gran éxito en Santiago. Volvió a Europa en 1929 en compañía de otros
artistas que habían sido becados por el gobierno chileno para realizar estudios en Europa.
El grupo de sus contemporáneos sería luego bautizado como la Generación del
Veintiocho.

Albert se vio obligado a retornar a Chile en 1939, luego de la destrucción de su taller y de

sus obras en Berlíndurante la Segunda Guerra Mundial. Compartió su gran sensibilidad
artística y espíritu humanista con el círculo intelectual chileno de la época, entre los que
se contaban Alone, Pablo Neruda, Joaquín Edwards Bello, Gabriela Mistral y Eduardo
Barrios quienes elogiaron su creación escultórica y con quienes compartió sus aficiones
por la filosofía, la poesía y la música.

En 1953 obtuvo la Cátedra de Escultura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad

de Chile.

Realizó importantes obras monumentales en Santiago. Desafortunadamente, el hecho de

no contar en Chile con los medios adecuados para vaciar sus proyectos en yeso, en
materiales nobles, perjudicaron grandemente la difusión y apreciación de su labor
escultórica. El año 2007 fue restaurada su obra La Tierra, perteneciente al Museo de Arte
Contemporáneo de la Universidad de Chile, gracias al aporte y gestiones del doctor
Claudio Naranjo, a quien nombró heredero intelectual de su trabajo artístico.

226
Albert fue uno de los fundadores de la Asociación Chilena de Pintores y Escultores
en 1940, institución que tiene como finalidad agrupar a los artistas plásticos, estimular y
difundir la creación artística, dignificar la obra de sus miembros y propender al
conocimiento y progreso de la plástica nacional. Además fundó y dirigió una academia de
Cultura en el subterráneo del Teatro Maru.
Juan Egenau. Escultor chileno. En sus inicios trabajó en las técnicas del esmalte sobre
metales y en el grabado, pero luego de su encuentro con la escultora Marta Colvin, su
vocación artística se abocó con pasión al área de la expresión en volumen.

Nació en Santiago de Chile el 24 de febrero de 1927. Realizó estudios de arquitectura en

la Universidad Católica de Chile y luego variados cursos plásticos en la Universidad de
Chile, lugar donde obtuvo el grado de artesanía, con mención en esmalte sobre metales,
en 1955. Enseguida se desempeñó como ayudante de varios profesores, entre ellos
de José Perotti. En 1959 recibió una beca para estudiar orfebrería en Florencia, Italia.

Trayectoria

Entre 1962 y 1966 estudia escultura en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad

de Chile y posteriormente, gracias a otra beca, estudia Fundición Artística en Nueva York,
durante los años 1966 y 1967. En 1978 se licenció en Artes con mención en Escultura,
en la Universidad de Chile. A partir de ese año fue profesor de escultura en la misma,
cargo que desempeñó hasta su muerte. Realizó varias exposiciones individuales tanto
en Chile como en el extranjero y sus obras forman parte de la colección del Museo
Nacional de Bellas Artes y de varias otras instituciones, tanto de Chile, como de Estados
Unidos, Venezuela, México y otros. Cabe destacar su importante labor docente,
homenajeada post mortem con una sala de exposiciones que lleva su nombre, en
la Facultad de Artes Visuales de la Universidad de Chile

Su obra

Interesado en lo orgánico, consiguió esculturas que exploran en las estructuras invisibles

de las apariencias, acercándose a lo esencial por sobre lo meramente figurativo. Gracias
a sus conocimientos de orfebrería, estaba ya familiarizado con los materiales (bronce,
cobre, fierro) que le sirvieron de materia prima para sus esculturas, las cuales expresan
la fuerza y el misterio de la naturaleza. Su evolución posterior lo llevó a aproximarse al
lenguaje aséptico de la tecnología, por medio de un racional tratamiento de las superficies
y las formas de sus obras, lenguaje que logró integrar magistralmente con su interés por
lo netamente humano. Las obras que han alcanzado mayor fama son las realizadas a
partir de 1973, caracterizadas por torsos y cabezas humanas revestidas de corazas de
aluminio, como queriendo decir que la frágil anatomía humana necesita de protección
ante la agresión del mundo exterior.
Marcela Cecilia Romagnoli Espinosa (Santiago de Chile, 1970) es
1
una escultora chilena adscrita al arte contemporáneo figurativo cuyos trabajos de gran

227
formato utilizan madera, mármol y/o bronce, aunque también ha incursionado en la
utilización de materiales no convencionales.
Estudió licenciatura en arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile, mientras que
además, fue alumna de Roberto Pohlhammer, entre otros. En su obra «la figura humana
que siempre ha jugado un rol importante en sus trabajos y que terminan haciendo
referencia a temas como el amor, la fuerza, la armonía y los encuentros y desencuentros
entre hombres y mujeres».
El año 2001 recibió una nominación al Premio Altazor de las Artes Nacionales en la
categoría Escultura por su trabajo presente en la exposición Maderas y maderas.
Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas durante su carrera, entre
ellas las muestras La Escultura Contemporánea Chilena en el Museo de Arte
Contemporáneo de Valdivia (1998), Maderas y Maderas en el Museo Nacional de Bellas
Artes de Chile (2000) junto a Roberto Polhammer, Artistas Chilenos de Hoy en el Museo
de América de Madrid (2000), Arte Contemporáneo Chileno. Desde la Tierra de Neruda,
Artistas Pro-ecología en el Kunst Centret de Silkeborg (2002) y Amantes en Calce en
el Museo de Artes Visuales de Santiago (2004), además de participar en la Bienal de
Venecia 2011 junto a Paola Vezzani, entre otras muestras en Chile y Europa
2.6 Principales manifestaciones arquitectónicas del siglo XX y contemporáneas

• Identificar características visuales de los principales movimientos arquitectónicos

mundiales del siglo XX, tales como: Escuela de Chicago, Modernismo, Racionalismo,
Expresionismo, Neoplasticismo, Bauhaus, Brutalismo, Organicismo,
Postmodernismo y otros.

Escuela de Chicago es la denominación histórica de un estilo arquitectónico que se

desarrolló en la ciudad de Chicago a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX,
pionera en la introducción de nuevos materiales y técnicas para la construcción de
grandes edificios comerciales y los primeros rascacielos.
Surge en Estados Unidos, donde las referencias históricas (arquitectura historicista)
tienen menos peso e importancia que en Europa. El contexto socio-económico es el de
una ciudad muy próspera y en considerable incremento demográfico. El Gran incendio de
Chicago (1871) dejó la mayor parte de la ciudad destruida, lo que supuso tener que
levantarla de nuevo y dio al urbanismo una relevancia máxima. La necesidad de crear tan
considerable cantidad de nuevos edificios dio pie al surgimiento de la escuela, al
proporcionar una demanda de proyectos que ningún otro lugar podía igualar. 4
Se produjo una gran especulación sobre los terrenos, lo que estimuló las soluciones
arquitectónicas que supusieran la construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre
una planta reducida. El número de pisos de los primeros edificios de la escuela (entre 10
y 16) es bastante modesto para los criterios posteriores, pero para su época eran todo un
logro. Paralelamente aparecieron los primeros ascensores eléctricos. Los distintos
arquitectos y talleres de arquitectura de la escuela de Chicago proponían soluciones
similares entre ellos, lo que determinó la definición de un verdadero estilo
arquitectónico común: pilares de hormigón como soporte o cimiento (que solucionan la
dificultad de construir sobre un suelo arenoso y fangoso), estructuras metálicas (ya
228
experimentadas en la arquitectura del hierro del siglo XIX) revestidas según la función del
edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas (lo que más
adelante se llamará "muro cortina") y la eliminación, en muchos casos, de los muros de
carga. Dejaron de realizarse edificios con muros de piedra de gran grosor, en beneficio
de atractivas fachadas de mampostería que suprimen los elementos decorativos
(habituales en la arquitectura ecléctica de finales del siglo XIX). Se apuesta por
superficies lisas y acristadas donde predominan las líneas horizontales y verticales.
Los modelos creados en Chicago pronto empezaron a ser emulados en otras ciudades
de Estados Unidos, y están en el origen de la renovación arquitectónica del primer tercio
del siglo XX (funcionalismo arquitectónico, Bauhaus, Movimiento Moderno).

Arquitectura Modernista
Introducción a la Arquitectura Modernista
A caballo entre dos siglos (1890-1910), la arquitectura modernista representa la transición
de la arquitectura decimonónica a la arquitectura del S. XX. Su denominación implica la
idea de innovación, novedad y proyección de futuro. El precedente hay que buscarlo en
Williams Morris y en la Red House (Casa Roja). Él fue el verdadero inspirador de los "Arts
and Crafts", movimiento que se caracteriza por la revalorización del trabajo artesanal
frente a la deshumanización de la producción industrial y que poco a poco irá derivando
en el Modernismo, que intenta la renovación y mejora artesanal aplicándolo a la máquina.

229
El modernismo es un estilo estético típicamente urbano. Busca unas formas más
refinadas que las ofrecidas por la producción industrial, compaginando funcionalidad y
belleza en un intento de crear una ciudad agradable, elegante, moderna y alegre. Es una
manifestación burguesa con un fuerte componente ornamental inspirado en la naturaleza,
la flora y la fauna.
Rechazan los esquemas simétricos en pro de lo ondulado, que transmite vitalidad, fuerza,
asimetría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, que
corresponde al estado psicológico de la clase social. Adquiere gran importancia el diseño
y el deseo de integración de todas las artes, lo que convierte a los edificios de arquitectura
modernista en obras muy atractivas.
En cuanto a los planteamientos arquitectónicos se trata de utilizar los nuevos materiales
hasta las últimas consecuencias, no sólo por su utilidad espacial sino también por sus
posibilidades expresivas. En lugar de copiar las formas clásicas (columnas, frontones,
etc.) se busca la inspiración en los procesos y las formas de la naturaleza. Esta
admiración por la naturaleza no se limita a la decoración sino también a la planta y a la
estructura del edificio, concebido como un organismo vivo coherente en todas sus partes.

Racionalismo (arquitectura)

230
Casa Farnsworth (1946), de Ludwig Mies van der Rohe, Plano, Illinois (Estados Unidos)
El racionalismo, también llamado Estilo internacional o Movimiento moderno, fue un
estilo arquitectónico que se desarrolló en todo el mundo entre 1925 y 1965,
aproximadamente. Suele ser considerado como la principal tendencia arquitectónica de
la primera mitad del siglo XX. Fue un movimiento de amplio alcance internacional, que se
desarrolló por toda Europa, Estados Unidos y numerosos países del resto del mundo.
Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y
funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial
(acero, hormigón, vidrio), al tiempo que renunciaba a la ornamentación excesiva y
otorgaba una gran importancia al diseño, que era igualmente sencillo y funcional. La
arquitectura racionalista tuvo una estrecha relación con los adelantos tecnológicos y la
producción industrial, especialmente por la defensa acérrima de dicha relación
preconizada por Walter Gropius desde la fundación de la Bauhaus en 1919. También
abogó por la utilización de elementos prefabricados y módulos desmontables. Su lenguaje
formal se basaba en una geometría de líneas simples, como el cubo, el cono, el cilindro
y la esfera, y defendía el uso de planta y fachada libres y la proyección del edificio de
dentro hacia fuera. Una de sus principales premisas era el funcionalismo, una teoría que
postulaba la subordinación del lenguaje arquitectónico a su función, sin considerar su
aspecto estético o cualquier otra premisa secundaria.

Expresionismo
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países
Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos
materiales, suscitado en ocasiones por el uso de formas biomórficas o por la ampliación
de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como
el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la
Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales
producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y
un programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia
del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph
Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las
realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del
ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.21

231
Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de
cristal (1914) de Paul Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad
y defiende la sustitución del ladrillo por el cristal.

Neoplasticismo es el término con el que Piet Mondrian (1872-1944) denomina en 1917

el estilo propio del grupo De Stijl (“El Estilo”), que era una alianza entre artistas,
arquitectos y diseñadores alentados por el arquitecto holandés Theo van
Doesburg (1883-1931).

Nuevos elementos creativos

Los elementos básicos de la arquitectura se desarrollan como creativos. La luz, función,
materiales, volumen, tiempo, espacio, color se convierten en elementos que pueden jugar
un papel fundamental en el diseño.
Desaparece lo monumental
La arquitectura Neoplasticista es una arquitectura de ligereza y transparencias, no de
espacios monumentales.
Comunicación entre el exterior e interior
La nueva arquitectura ha destruido la pared en el sentido que suprime el dualismo entre
interior y exterior. Las paredes ya no sostienen, se han convertido en puntos de apoyo.
De ello resulta una nueva planta, una planta abierta; totalmente distinta de la del
clasicismo, porque los espacios interiores y exteriores se comunican.
Desaparece la subdivisión
La nueva arquitectura es abierta en lugar de cerrada. El conjunto consiste en un espacio
general, que se subdivide en distintos espacios que se refieren al confort de la vivienda.

232
Se suprime la simetría y la repetición monótona
Se ha suprimido la repetición monótona y ha destruido la igualdad entre dos mitades, la
simetría. En lugar de simetría, la nueva arquitectura propone: la relación equilibrada de
partes desiguales; es decir, de las partes que son diferentes (en posición, medida,
proporciones, etc.) por su carácter funcional.
La importancia del color
El color es uno de los medios elementales para hacer visible la armonía de las relaciones
arquitectónicas. En una arquitectura neutra, acromática, el equilibrio de las
relaciones entre los elementos arquitectónicos es invisible.

Bauhaus

Bauhaus Dessau.
Desarrollada en el marco de la primera escuela de diseño del mundo, la arquitectura
moderna propuesta por la Bauhaus se encontraba inserta en un discurso que iba desde
el diseño de mobiliario a las artes plásticas, en una postura de vanguardia para la
Alemania de finales de la primera década del siglo XX. La producción industrial y el diseño
de productos se encontraban absolutamente presentes en las propuestas arquitectónicas
de la escuela, que adoptan una fuerte postura que evita referirse a herencias o referentes
pasados. Uno de sus fundadores y principales nombres, Walter Gropius, apostó por

233
métodos de enseñanza revolucionarios, aplicando esos principios en sus obras,
modernas y funcionalistas.

El brutalismo es un estilo arquitectónico que surgió del Movimiento Moderno y que tuvo
su auge entre las décadas de 1950 y 1970.

El Brutalismo es un estilo arquitectónico derivado del Movimiento Moderno que buscaba

alejarse de las líneas pulcras y formas monótonas de dicha corriente. Se considera como
su creador al arquitecto suizo Le Corbusier y máximo expositor. El término está acuñado
por las palabras en Francés béton brut u ‘hormigón crudo’, el cual es su material más
representativo. Después fue renombrado por el crítico de arquitectura británico Reyner
Banham con la expresión de “Brutalism”.
La corriente tiene cuatro características principales:
El uso de hormigón crudo como material esencial (aunque se pueden similares que
produzcan el mismo efecto).
Formas sencillas con la clara exhibición de la estructura.
La repetición gráfica así como sus cualidades audaces y geométricas (estructuras
legibles).
Funcionalidad – Racionalismo (Se tenía la intención de que fueran construcciones
utópicas para mejorar las condiciones sociales).
Después de la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de estructuras funcionales, baratas
y que propiciaran una uniformidad, eran la solución para comenzar con la reconstrucción
del mundo. El estilo arquitectónico tuvo su auge en Europa, Asia Central y sobretodo en
los regímenes soviéticos. Aunque se pensó con un pensamiento más bondadoso, su
efecto fue el contrario.

La arquitectura orgánica se deriva de la reverencia del entorno natural y la comprensión

de que el bienestar de la psique humana no se puede nutrir eliminando a las personas
del mundo natural al que pertenecen. Con este fin, los edificios orgánicos crecen desde
el suelo como uno con su sitio, pero también brindan a los ocupantes una conexión con
el ambiente exterior.
La arquitectura orgánica no es un movimiento estilístico o estético. Cada edificio es
una respuesta a su programa, el carácter de sus ocupantes, el tiempo en que se diseñó,
las condiciones y las cualidades de su sitio. Debido a que cada una de estas condiciones
nunca será idéntica, cada edificio orgánico será único. Sin embargo, debido a que la
intención de crear edificios que estén en armonía con su sitio y que permitan las
conexiones con el exterior es una filosofía fundamental compartida en toda la Arquitectura
orgánica, existen algunas características comunes.

234
Características de la arquitectura orgánica
Se utilizan materiales naturales: Los materiales a utilizar deberán ser fundamentalmente
de origen local provenientes de fuentes naturales o deberán estar lo menos procesado
posible. Por ejemplo los materiales de manera reciclada ya sean de origen nativo o
industrial. El objetivo de emplear estos materiales es que hayan demandado un bajo
nivel de energía en su fabricación para poder así respetar las leyes de la naturaleza.

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o

racionalismo donde sus mayores exponentes fueron:
Frank Lloyd Wright (EE.UU)
Antoni Gaudí (ESPAÑA)
Alvar Aalto (FINLANDIA)
Bruce Goff.(EE.UU)
Este movimiento traslada algunas características del racionalismo como el desarrollo de
planta libre y la preponderancia de lo útil sobre lo ornamental.
Geometría
A pesar de la creencia popular de que las formas libres son naturales, la naturaleza no es
forma libre. Es predecible y comprensible. Se rige por reglas y patrones, y es mediante la
comprensión de estas reglas que las personas se sienten cómodas en sus entornos. La
arquitectura orgánica utiliza una geometría sólida y racional para crear un edificio
comprensible que puede entenderse como una entidad única.
Materiales
Para mejorar la conexión del interior al entorno natural, los materiales naturales como
la piedra y la madera se utilizan comúnmente en la arquitectura orgánica. Debido a que
las grandes superficies resbaladizas se sienten inherentemente artificiales, donde son
necesarias, a menudo se les dan texturas o se aplican con patrones para romper la
superficie.
Masa
Para romper el sentido del recinto, la arquitectura orgánica a menudo se compone de
masas individuales reconocibles, que debido a su disposición forman un refugio. Esto
difiere del método típico de crear arquitectura utilizando superficies o envolturas para
formar el espacio interior.
Vidrio
La forma en que se usa el vidrio es una parte crítica de la arquitectura orgánica. El vidrio
proporciona vistas al entorno natural, pero también rompe las formas del edificio. Esto
reduce el edificio a sus masas individuales y rompe la sensación de encierro. Donde se

235
usa el vidrio, es importante que los materiales se trasladen, desde el interior hacia el
exterior, y que el vidrio en sí tenga un impacto visual mínimo.
El sitio
La arquitectura orgánica siempre está informada a través de una respuesta a su
sitio. Wright dijo que el edificio debería ser «de la colina» y no «en la colina». De esta
manera, la arquitectura orgánica debe anidarse en su sitio y tejer alrededor de los árboles
existentes.
La tendencia actual
Los problemas ambientales percibidos principalmente en el medio urbano refuerzan la
reaparición de esta tendencia en los proyectos. Los proyectos más actuales, que siguen
el concepto de Arquitectura Orgánica, poseen dos frentes.

La primera de ellas parte de un concepto más orientado hacia casas muy modernas, con
rasgos arrojados. Son construcciones más conceptuales y que llevan al pie de la letra la
idea de orgánico, inspirándose en diseños naturales y formas de seres vivos – los
capullos, por ejemplo.
Esencia de la arquitectura orgánica
La arquitectura orgánica se ve a menudo como una traducción de la idea de «todo
incluido» de diseño orgánico de Wright. Los materiales, estructuras, motivos y principios
de ordenación, en general, tienden a repetirse en todo el edificio, haciéndolos más
holísticos e intencionales.
La idea de la arquitectura orgánica se refiere no solo a la relación literal del edificio con la
naturaleza, sino también a la forma en que se implementa el diseño del edificio para
fomentar la unificación del edificio con la naturaleza como un «organismo unificado».
La arquitectura orgánica se refleja en cada elemento del edificio, desde ventanas hasta
puertas e incluso pisos y muebles. Cada componente parece estar relacionado entre sí,
reflejando el ordenamiento simbiótico de la naturaleza. Al mezclar interiores y exteriores
y mantener un ambiente armónico, la arquitectura orgánica se esfuerza por la unificación
del hábitat humano con la naturaleza.
Propuestas clave para la arquitectura orgánica
En su libro seminal, «La causa de la arquitectura», publicado en 1908, Wright destacó
algunos elementos importantes de la organicidad:

236
La simplicidad y el reposo son cualidades importantes para evaluar el valor de la
arquitectura. Por lo tanto, existe la necesidad de simplificar el diseño de la estructura,
limitando el número de habitaciones distintas al repensarlas como espacios abiertos.
Las puertas, ventanas y muebles deben combinarse con la ornamentación de la
estructura.
Un edificio debe parecer que crece de forma autóctona desde su sitio y la estructura debe
aparecer como si fuera creada por la propia naturaleza.
El color de los campos y las maderas debe inspirar la coloración principal del edificio para
manifestar la estética natural.
Enfoque modernista del diseño orgánico
Los arquitectos actuales tienen una visión complementaria, pero a veces competitiva, de
la arquitectura orgánica. El diseño orgánico de arquitectos modernistas como Louis
Sullivan, Eugene Tsui, Paul Lafooley, Hans Scharoun, etc. se destaca de los diseños
orgánicos originales propuestos por Wright.
La forma moderna a menudo implica el uso de nuevas formas de armaduras de hormigón
y voladizo. Sin usar pilares o vigas visibles, los arquitectos ahora pueden crear esos arcos
icónicos de swooping. Los edificios diseñados con un diseño orgánico moderno nunca
son solo lineales, sino que están llenos de líneas onduladas y formas curvas para
adaptarse al ambiente natural. La Ópera de Sydney es un ejemplo por excelencia de
esto.

Post-modernismo

Portland Building, proyecto de Michael Graves.

A partir de 1929, con el inicio de la Gran Depresión, se inaugura una corriente de crítica
a la arquitectura moderna que se establece hasta el final de la década de 1970. La
arquitectura posmoderna tiene representantes en América y Europa, propone algunos
principios centrales del modernismo a partir de una nueva perspectiva histórica y
compositiva, tanto en discurso, como manifiestos y proyectos construidos. Se adaptaron
diversas estrategias de debate y cuestionamiento, por medio de una vertiente de ironía
que tenía un intenso interés en la investigación de la cultura popular. En el contexto
norteamericano, el libro ‘Aprendiendo de Las Vegas’ es una de las obras más
representativas de la reflexión posmoderna

237
DOMINIO 3: ENSEÑANZA DE LAS ARTES VISUALES
3.1. Estrategias de enseñanza de las Artes Visuales

• Determinar estrategias metodológicas y/o actividades para abordar objetivos o

habilidades propias de la asignatura de Artes Visuales.

ENFOQUE 1: TALLER MAESTRO-APRENDIZ

La concepción fundamental de este enfoque toma en cuenta las habilidades y

conocimientos determinados por una tradición, la que se transmite desde la visión de un
artista altamente competente en lo técnico, sensible y creativo. El taller maestro-aprendiz
se encuentra determinado, en gran medida, por las condiciones culturales producidas a
partir de la conciencia autoral de las obras, específicamente a partir del Renacimiento y
los posteriores estilos que se desarrollan durante la época moderna.

238
Este enfoque considera las conceptualizaciones del Taller del artista de Marín (1997),
Taller del artista de Belver (2011) y la definición de Arte como saber de Agirre (2005).
Todos estos modelos poseen como denominador común el pensar en una cierta pureza
de la obra de arte, que se liga directamente con el talento del artista creador quien, al
establecer un permanente contacto hacia un aprendiz, posibilita la generación de
habilidades destinadas a obtener un producto artístico que se liga a un bien hacer desde
el punto de vista de la creación plástica.

El foco de enseñanza se dirige a lograr que los estudiantes generen una sensibilidad que
explore desde su propia percepción de lo original y sensible, aquellos aspectos técnicos
que se dan en diferentes medios de producción artístico visual. Por otra parte, se pretende
propiciar una identificación clara acerca de los contextos históricos y culturales que
rodean la obra de arte, entendida como una culminación de habilidades propias de la
sensibilidad de este artista. También se persigue justificar las afirmaciones en cuanto a
las funciones y sentidos del arte, su relación con el formalismo y el manejo instrumental
de las técnicas utilizadas. Como es de esperarse, estas técnicas se eligen tomando en
cuenta su inscripción dentro de una tradición específica, que veía en las posibilidades
plásticas del manejo de ciertos materiales nobles el campo propicio para el
desenvolvimiento competente y sensible de parte de una visión y acción privilegiados por
una excelencia técnica. La transmisión del saber se realiza por medio de la imitación y la
repetición de esquemas dados en la producción artística, y que exploran en la percepción
una suerte de mirada isométrica entre realidad y representación. La progresión de
aprendizajes se funda en la adquisición de habilidades y en la autoridad del maestro-
artista, quien ve en el cultivo de estas aptitudes la posibilidad de desarrollar un oficio al
que se dedicará en el futuro, en ocasiones con un fuerte componente vocacional.

En el aprendizaje escolar se puede detectar una visión inductiva, donde el docente guía
el proceso de aprendizaje, aplicando habilidades técnicas del oficio artístico, intentando
obtener aquello que cumple con una expectativa normada por una tradición artística
externa al estudiante, y que valida la ejecución del trabajo artístico mediante la obtención
de ciertos estándares. En este caso, la experiencia de lo estético se relaciona fuertemente
con una apreciación de los aspectos formales de la imagen como una forma de acceder
a un bien hacer en función de una sensibilidad artística que sobrepasa la sensibilidad
cotidiana.

239
Figura 11

Por otra parte, el docente asume un rol de modelador que potencia el que los estudiantes
reproduzcan estrategias técnicas y procedimientos, cumpliendo una suerte de papel de
"maestro" de la producción artística. En este rol, es necesario ofrecer retro-alimentaciones
constantes al evaluar las actuaciones de los aprendices, las decisiones en torno a la
producción de obra y las concepciones erróneas que se lleven a cabo en el transcurso
del proceso de enseñanza y aprendizaje.

Se puede afirmar que el objetivo fundamental de este enfoque es rescatar una experiencia
estética que se posiciona en tanto reflejo del quehacer "adecuado" de un artista que
establece una manera virtuosa de generar la representación como "imagen del mundo".
La vivencia o experiencia que este enfoque potencia es, quizás, restrictiva en el sentido
de que la representación "retiniana" de la realidad es el punto de referencia esencial del
quehacer artístico. Sin embargo, se trata también de la articulación de una experiencia
estética, que se da en la medida en que el o la estudiante imita la manera de desarrollar
una obra artística de acuerdo a la mediación de un maestro.

2.2. ENFOQUE 2: ARTE EN LA ACADEMIA

La principal visión de este enfoque considera las convenciones de la institucionalidad

artística dada en el contexto europeo, específicamente con el surgimiento de la Academia
de Bellas Artes, en donde el seguimiento de una forma canónica de representación se
inscribe en un "bien hacer", determinado por una fuerte construcción situada en la óptica
formal. Arte en la Academia se constituye principalmente como una muestra de la
racionalidad ilustrada, que se incorpora a las formas de representación visual
promoviendo estrictas leyes formales que determinan la noción de belleza.

Este enfoque surge de la relación entre el sistema de la Academia de Bellas Artes

planteado por Marín (1997), el modelo de las Escuelas institucionalizadas de artistas y de
las Academias de arte propuesto por Belver (2011) y las Academias de Bellas Artes
presente en Efland et al. (2003). Estas referencias se contextualizan en el período
histórico del siglo XVII, bajo el bastión metafórico de la Edad de la Razón Ilustrada. En
240
este contexto, el pensamiento científico comienza a establecer vinculaciones con el
absolutismo político y posteriormente con el parlamentarismo. Se considera al arte como
un medio efectivo para promover el retorno a atributos de la imagen determinados por la
valoración de los aspectos formales, racionalizados y fuertemente ligados a la
representación óptica. Esta preferencia por los aspectos formales intensamente
subrayados por la percepción visual establecen, de hecho, una configuración de lo óptico
como un componente fundamental del régimen escópico moderno (Jay, 2007).

Con respecto a los inicios de la Academia de Bellas Artes, Efland et al. (2003) señalan
que "la Academia estaba encargada de transmitir los principios del arte a sus miembros
por medio de conferencias y lecciones impartidas a los estudiantes a través de dibujos
tomados del natural" (p. 64). Se otorgaba una gran importancia a los contenidos sobre
perspectiva, geometría, anatomía y al análisis de pinturas desde la óptica de categorías
tales como la invención, la proporción, el color, la expresión y la composición. Esta
progresión curricular constituye la esencia del método academicista de la enseñanza de
las artes desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX. En cierto modo, se trata
de un enfoque que va más allá de los aspectos sensibles del artista individual, para
consolidar un conocimiento compartido en torno a una exactitud técnica, fidelidad al
modelo y adecuación a normas formales fundadas en aspectos visuales. Por lo tanto, las
academias de arte instruyen artistas para que sean capaces de instalar, por medio de
conocimientos disciplinares heredados del Renacimiento, obras visuales que enaltecen
por su grado de factura mimética y técnica que comienza a desarrollarse principalmente
en Europa.

Este modelo considera estrategias de enseñanza que permiten la adquisición de

conocimientos disciplinares validados a través de un método muy normado, coherente
con la racionalidad instrumental, que se encarga de manipular controladamente la
representación de las imágenes fundadas en la realidad. Estos conocimientos serán
aplicados en la elaboración de obras visuales realizadas mediante el dibujo, la pintura, la
escultura, herencia, en parte, de la tradición precedente ligada a la "nobleza" de los
materiales. Dentro de esta metodología de enseñanza es necesario que los contenidos
sean ordenados de forma secuencial, procurando sistematicidad en su progresión, ya que
cada conocimiento o saber se ubica como pre-requisito de otro, en el marco de una
programación delimitada. En el contexto escolar, este modelo requiere que el estudiante
memorice diversos conocimientos disciplinares tanto por definición como por asociación.
Esto último debido al necesario ejercicio del reconocimiento de espacios u objetos
concretos, los cuales actúan como referentes visuales de las obras que los estudiantes
desarrollarán. Por ejemplo, ante la comprensión conceptual de la simetría, es necesario
que el estudiante reconozca esta propiedad en la configuración de los elementos que
observa de su entorno. El enfoque de Arte en la academia, basado en anclajes y
asociaciones, posee una fuerte conexión con la repetición de procedimientos, la
memorización de algunos conceptos claves para su aplicación y representa una forma de
generar conocimiento y experiencia, tomando en cuenta elementos fundamentales para
la perspectiva clásica del arte.

241
Figura 22

En el aula se utiliza una programación sistemática de los conocimientos artísticos que

pretende el logro de resultados formales previamente aceptados por una comunidad
académica que los valida. Se espera que la obra visual ejecutada evidencie un resultado
preestablecido, por sobre la necesidad expresiva personal del creador, bajo una continua
supervisión por parte del docente. Ante este enfoque, la experiencia estética posee ciertos
rasgos que pueden ser ligados a una predominancia de la racionalidad, tanto instrumental
como conceptual, dirigida a explorar los fenómenos sensibles en tanto estímulos
perceptuales situados en la visión más concreta y menos interpretativa.

Las características de la experiencia estética en este contexto consideran ciertas

operaciones de mirar el mundo y sus aspectos formales, otorgándoles un valor nominal,
lo cual constituye una entrada a la comprensión de la propia sensación como una
experiencia inscrita en el marco de la percepción inmediata y la racionalización de esta
visión.

Las posibilidades y límites que posee este enfoque consideran, principalmente, el hecho
de construir un conocimiento con sus reglas, lenguaje, sistemas de trabajo, que genera
expansiones a otras áreas cognitivas, tales como la geometría dada en las formas que
buscan la armonía formal, la anatomía de las formas vivientes y los conceptos que
denominan fenómenos dados en la visualidad. Las limitantes se producen desde el
momento en que este enfoque subraya el peso de la ley formal por sobre los fenómenos
sensibles del ejecutor, en este último sentido, la tradición del quehacer puede generar un
peso que restrinja las posibilidades de expresión creativa.

2.3. MODELO 3: ARTE Y DISEÑO

242
El principal componente de este enfoque es la relación entre la producción artística y las
aplicaciones del diseño como disciplina independiente que enfatiza la solución de
problemas dados en el ámbito visual y funcional.

En la conceptualización de este enfoque se ha tomado en cuenta la Experimentación

bauhausiana de Marín (1997), la Resolución creativa de problemas, la Educación artística
como preparación para el mundo laboral de Eisner (2004), como también las Escuelas
modernas (modelo Alemán Bauhaus y Ruso) planteadas por Belver (2011). Estos
enfoques nacen en el contexto post Revolución industrial, en donde se concibe el
arte desde una mirada focalizada en la producción en serie. Su objetivo es la formación
de trabajadores que diseñen nuevos productos con una función utilitaria o respondiendo
a tendencias políticas de la época, y en donde la identidad del artista creador va
perdiendo fuerza (Belver, 2011).

En Alemania, su manifestación máxima es la Bauhaus, que combina e integra las Bellas

Artes y el diseño, este último aplicado principalmente a la industria. Su objetivo principal
era abordar problemas de trascendencia social con métodos técnicamente eficaces y una
estética satisfactoria (Eisner, 2004). Para la Bauhaus la formación de los artistas se basó
en principios arquitectónicos, escultóricos y pictóricos con una fuerte mirada sobre la
funcionalidad y el diseño, de tal manera que la labor del artista se fusionó con la del
artesano. En el caso de la Unión Soviética (Belver, 2011) se desarrolla una mirada similar,
integrando lo artístico con lo social al unir las academias de Bellas Artes con las escuelas
de artes y oficios. En este contexto se realizaron reformas pedagógicas que tuvieron como
eje la creación artística basada en la ciencia y la técnica, ambas con un poderoso impulso
hacia el mejoramiento de la vida cotidiana de la sociedad.

Este enfoque considera que las Artes Visuales son esencialmente un lenguaje, cuyo
vocabulario, y por lo tanto su forma de desarrollar conocimiento artístico, está compuesto
por elementos gráficos abstractos fundamentales como punto, línea, plano, textura y
color. El dibujo, la pintura y la escultura ya no tienen que estar focalizados en imitar la
realidad, sino que más bien pueden concentrarse en su propia realidad expresiva como
elementos autónomos. El enfoque de Arte y Diseño potencia un sentido de la imagen a
través del estudio de formas, líneas, texturas y colores con un fuerte acento en la
funcionalidad de los objetos y la claridad comunicativa de las imágenes.

En el contexto de la escolarización formal, su estrategia es la solución de problemas

concretos (Eisner, 2004), considerando una suma de elementos en la toma de decisiones,
como el carácter económico, estructural, ergonométrico y estético de sus producciones.
La cooperación entre pares en el aprendizaje resulta fundamental, debido a que la
resolución de problemas visuales y funcionales requiere de un ejercicio cooperativo entre
los estudiantes durante actividades de índole práctica. Esta interacción favorece la
adquisición de información y el desarrollo de habilidades destinadas a resultados cuyo
logro es evidente para el conjunto de personas insertas en el proceso. Se requiere, por
parte del profesor, la presentación de un problema o concepto estimulante en la
generación de un proceso artístico y/o visual. Ante dicha situación, los estudiantes
desarrollan intentos de resolución de problemas y se organizan con el fin de descubrir su

243
naturaleza, plantear soluciones, revisar la información que se posee para resolverlos,
expresar sus ideas durante el proceso de resolución, para finalmente aplicar las
conclusiones obtenidas.

Figura 33

La principal fortaleza de este enfoque es su potencial aplicabilidad en función de

necesidades específicas, tales como la coherencia entre mensaje y forma, la solución de
un problema visual o funcional en relación a una armonía o equilibrio, como también el
reconocimiento de innovaciones que satisfagan las necesidades cotidianas. Sus límites
probablemente apuntan al énfasis que se le dé a la funcionalidad comunicativa u
operacional, que pueden condicionar el desarrollo de habilidades que pueden dejar fuera
el desarrollo de habilidades con predominancia en lo expresivo.

2.4. ENFOQUE 4: EXPRESIÓN Y CREACIÓN PERSONAL

El componente principal de este enfoque tiene relación directa con la noción de

creatividad, más allá de la discusión que se puede establecer al momento de definir este
concepto. Se puede entender que la creatividad se piensa aquí como una forma
individualizada de generar imágenes con diferentes sentidos.

Este modelo recoge los conceptos ligados a la Expresión personal creativa (Eisner, 2004),
el Desarrollo del genio y la capacidad creadora (Marín, 1997) y el Arte como expresión
(Agirre, 2005). Un aspecto común a todos estos enfoques es que reflexionan sobre cómo
se genera la expresión de impulsos personales, estimulando el proceso de la producción
creativa, prescindiendo de directrices que se desprendan de la formación tradicional o de
estructuras formales de enseñanza y aprendizaje artístico.

Diferentes movimientos artístico visuales, que se desarrollaron en el contexto de los

conflictos bélicos de la primera mitad del siglo XX, tomaron distancia del dominio de la
técnica y la racionalidad presentes en el arte. Estas manifestaciones, agrupadas bajo la
noción de vanguardias, consideraron que dichos fundamentos son un reflejo de la
sociedad que atenta contra sí misma por medio de sus avances tecnológicos y estructuras

244
inhumanizantes. Tal extremo genera una contraparte, la expresión espontánea, sensible
e individualizada, negada o menospreciada por la hegemonía de la racionalidad
precedente.

Dentro del ámbito educacional, la presencia del imaginario artístico visual adquiere gran
importancia, constituyéndose como estímulo en la generación de nuevos movimientos
expresionistas y reconstruccionistas de la Segunda Guerra Mundial en Europa y Estados
Unidos. Se comienza a considerar las reproducciones visuales infantiles, así como
también la concepción teórica que plantea la importancia del arte como medio para el
desarrollo de la creatividad, promovida por Lowenfeld y Brittain en la década del 50. Estos
nuevos referentes incitan al desarrollo de una educación artística que se distancie de los
marcos y normas disciplinares de las Bellas Artes establecidos en la Academia, para
otorgar licencia a la expresión espontánea, donde la imaginación es equivalente a la
creatividad vista como la individualidad que se expresa a sí misma.

El desplazamiento de este modelo al ámbito de las estrategias pedagógicas exige que el

estudiante se conecte con su sensibilidad, constituyendo experiencias estéticas capaces
de estimular y generar nuevos procesos creativos personales, donde el docente
solamente cumpla una función de acompañante de las diferentes soluciones visuales que
el estudiante va generando a partir de sus intereses y motivaciones. Un aspecto llamativo
es que la evaluación está determinada por los propios desafíos que el estudiante se
proponga, pero, en ningún caso, por los conocimientos disciplinares que el docente
espera que el estudiante alcance.

Figura 44

Este enfoque permite al estudiante expresar su interioridad emocional procurando,

además, resolver o, al menos, dialogar con sus preocupaciones. Para tales efectos, el
estudiante plantea sus emociones y preocupaciones para luego definirlas; el docente
genera preguntas y/o situaciones para contribuir a la verbalización y formalización de los
sentimientos individuales; luego, el estudiante determina visualmente, a través de
distintos medios, sus sentimientos y emociones, favoreciendo una riqueza interpretativa
245
de su sentir. Probablemente sea este enfoque el que más se ajusta a un imaginario
colectivo que concibe la percepción subjetiva, la experimentación con el material, la
imaginación individual y el procedimiento talentoso como medios de entrada a la creación
sensible. La experiencia estética se sustenta en gran parte sobre las decisiones del
sujeto, quien explora en las posibilidades visuales que le otorgan tanto la configuración
potencial que posee el material elegido, como sus propias indagaciones en torno a su
intuición, memoria e imaginación.

Las potenciales ventajas de este enfoque son la conciencia que se produce en el proceso
de producción de imágenes acerca de la propia sensibilidad, la atención hacia áreas o
disciplinas de conocimiento que pueden detonar procesos de creación no contemplados
por métodos tradicionales y la conciencia acerca de la búsqueda de la innovación como
valor artístico. La principal desventaja es que a partir de la concepción de "autoexpresión",
si esta no está completamente clara, es posible que la producción e interpretación de
productos artísticos sea excesivamente relativizada y subjetiva.

2.5. ENFOQUE 5: DESARROLLO DISCIPLINAR Y COGNITIVO DE LAS ARTES

VISUALES

La cognición resulta ser un punto focal de atención para determinar en qué medida las
Artes Visuales aportan en el desarrollo integral de los sujetos. Gran parte del trabajo de
investigadores en relación al área educacional se ha servido de algunas descripciones
dadas en el ámbito psicológico para poder establecer algunos puntos que permitan operar
en la comprensión del fenómeno del aprendizaje desde las Artes Visuales. Este análisis
de las condiciones en que se produce el aprendizaje también considera que el modo de
construir conocimiento varía dependiendo del enfoque disciplinar.

Se considera para la argumentación de este enfoque, la relación entre las Artes Visuales
y el desarrollo de formas específicas de pensamiento por una parte, por otra los vínculos
entre la disciplina artística y otras áreas de conocimiento. Las ideas que sirven de
referencias para articular la concepción de este enfoque son las relaciones que Eisner
(2004) establece entre las artes y el desarrollo cognitivo, la integración de las artes en el
currículum y la enseñanza del arte basada en las disciplinas (DBAE). Por otro lado, resulta
importante destacar la Reconstrucción disciplinar de la educación artística de Agirre
(2005).

En cuanto a las implicancias educacionales, desde algunos sectores se argumenta que

las artes tienen poco que ver con formas más avanzadas de cognición. Ello se da
especialmente cuando en el discurso se habla de ciertas habilidades duras y blandas,
dando a entender, dentro del lenguaje, una visión que promueve una cierta jerarquización
de la complejidad, como si las formas objetivas de la construcción del conocimiento
tuvieran una racionalidad de mayor grado que la interpretación o creación a partir de
estímulos sensoriales mediatos o inmediatos. Este sesgo obedece a una simplificación
que vincula a las Artes Visuales únicamente con los sentimientos y los elementos técnicos
inscritos en la producción visual, como si el pensamiento racional fuese patrimonio
exclusivo de las así llamadas ciencias duras. El enfoque descrito propone integrar las

246
artes visuales a otras materias y se suele organizar en función de cuatro acciones
concretas. En primer lugar, la comprensión de un periodo histórico concreto o una cultura
determinada, tomando en cuenta su producción cultural y artística. En segundo término,
los estudiantes identifican las similitudes y diferencias entre las distintas formas de
expresión artística visual. En tercer lugar, la exploración e identificación de una idea
fundamental que se investiga a partir de obras de arte, considerando temas de diversa
naturaleza. Por último, la resolución de ciertos desafíos específicos para que los
estudiantes puedan abordar diferentes disciplinas, incluyendo las artes (Eisner, 2004).

Figura 55

Dentro del aprendizaje escolar, el arte puede generar modos complejos del pensamiento.
Por ejemplo, cuando se le pide a los estudiantes que formalicen, a través de sus propios
conceptos, los objetivos en relación a la forma artística que desean generar. Esta acción
los invita a constituir dentro del lenguaje las expectativas que los mueven y que se
traducen en el marco de la representación visual personal o colectiva. La contemplación
de los aspectos visuales a través de la percepción sensorial, como también de la reflexión
que se genera a partir de esta visión permitiría a los estudiantes establecer una
perspectiva meta-cognitiva de sus procesos expresivos. Ello en la medida en que puedan
identificar, con la mediación de diversas estrategias del docente, los puntos en que se
apoya su propuesta de trabajo artístico. El uso de las artes para mejorar el rendimiento
establece que en la medida en que se realicen actividades de artes, mejorará su
rendimiento escolar en otras áreas, aunque se deban tener aún algunas explicaciones
alternativas a este fenómeno (Vaughn & Winner, 2000).

Dentro de este marco ¿se podría pensar en las Artes Visuales como una cognición
compleja en función de sus líneas de producción ligadas a diferentes ámbitos de
conocimiento? La investigación actual parece estar dando algunas luces al respecto.
Quizás podríamos afirmar que la producción visual de los estudiantes puede representar,
ante ellos mismos, una conexión verificable tanto a través de la percepción de la imagen
como por medio de una identificación explícita dada en el lenguaje de los vínculos de la
representación artística con otras áreas del currículum. Sería esta posibilidad, la de
ejecutar una transferencia de lo cognitivo en diferentes ámbitos del conocer, lo que
potenciaría la certeza de que las artes visuales permiten incrementar la calidad de los
aprendizajes. Sin embargo, también queda la inquietud acerca de hasta qué punto el
247
considerar a las artes visuales como complemento del curriculum puede influir en su
especificidad.

2.6. ENFOQUE 6: EDUCACIÓN ARTÍSTICA POSMODERNA

Este enfoque se desarrolla especialmente a partir de la reconsideración del relato de

progreso establecido por la Modernidad. El replanteamiento de los límites del enfoque
moderno trae consigo la incertidumbre acerca de los significados que, en última instancia,
el estructuralismo trató de articular como sistema de univocidad semántica de la
modernidad tardía (Agirre, 2005). Para ello, el sistema cultural posmoderno propone
situarse en posiciones críticas que toman en cuenta las identidades, temas y situaciones
de vida de las minorías raciales, sexuales y de género. Para ello se hace necesario incluir
concepciones que tomen en cuenta la diferencia y la alteridad como estrategias del
desarrollo expresivo (teorías multiculturales, concepciones feministas, etc.) (Acaso et al.,
2011).

Este enfoque se basa en las descripciones de tres autores: la Cultura visual de Eisner
(2004), la Educación artística posmoderna de Belver (2011), el Arte como sistema cultural
y el Arte como experiencia estética contingente de Agirre (2005). Cabe destacar que el
modelo de Belver posee una importante base argumentativa en el enfoque de Efland et
al. (2003). Los planteamientos propuestos por estos autores coinciden en la importancia
de la posición crítica hacia las manifestaciones de la cultura visual contemporánea,
entendiendo como tal la producción de imágenes en diferentes formatos, medios y
contextos, estableciendo tanto funciones como sentidos múltiples y polisémicos.

Especialmente, a contar de los años setenta, la noción de posmodernidad se genera

como una forma de revisión crítica de los lineamientos de la visión ilustrada,
particularmente la noción de progreso (Efland et al., 2003). Esta visión representa por sí
misma una categoría que es difícilmente reductible. Sobre todo si consideramos a la
posmodernidad como un enfoque que permeabiliza las fronteras epistemológicas. Es
debido a este replanteamiento que el debate actual acerca de cómo pensar la relación
entre arte y visualidad se ha hecho más dificultoso. La incorporación del análisis de los
procesos de creación en la producción visual artística actual permite delimitar con mayor
precisión el sentido que la experiencia estética puede tener en el escenario educativo.

La estrategia de enseñanza de este modelo posee una particular complejidad, ya que el

conocimiento y la práctica generados bajo su alero se enfocan justamente en cuestionar
las categorías, tradiciones, enfoques, temáticas y concepciones epistemológicas
presentes a lo largo de la modernidad. El tema de la educación artística actual da paso a
métodos que consideren un mayor pluralismo cultural para alejarse de los métodos
modernos de la enseñanza del arte. Esto incluye la aparición de los discursos no solo de
los expertos y docentes, sino también de los mismos estudiantes (Hardy, 2010). Al
momento de construir un currículum que esté sustentado en la posmodernidad se debe
considerar que el arte constituye una producción cultural; que los relatos de varias
personas o grupos marginados apoyan la idea de que las obras de arte tienen múltiples

248
codificaciones; que el valor de mejorar y profundizar nuestro entendimiento del panorama
social y cultural es una misión de las artes (Efland et al., 2003).

En términos didácticos, la aplicación de este enfoque puede darse en la medida en que

los docentes promuevan una exploración de las implicancias interpretativas y productivas
que se den en el trabajo de aula de sus estudiantes. La interpretación que los estudiantes
puedan ejercer sobre diferentes temáticas coherentes con el mundo que les rodea es
fundamental para desarrollar posiciones de análisis personal y reflexivo sobre temas
relevantes para sus vidas. No se trata de desarrollar conciencia sobre las problemáticas
personales con un enfoque terapéutico, sino de encontrar un sentido social y cultural
(Freedman, 2006, p. 190). Por otra parte, el campo de producción artística, dado dentro
del espacio escolar en términos de su experimentación material y técnica, es un punto de
igual importancia para promover una mirada que sobrepase las categorías tradicionales
en cuanto a sus enfoques técnicos.

• Disponer de diversas (variadas) formas de representar y formular los contenidos de

modo de hacerlos comprensibles para todos los estudiantes. Por ejemplo, analogías,
ilustraciones, explicaciones, metáforas, ejemplos, contraejemplos, demostraciones, etc.

Analogías: La analogía es una actividad de comprensión que, como varias otras, ayuda
a los alumnos a lograr un uso activo del conocimiento, que traspase el límite de lo
enseñado por el docente y construya nuevos saberes.
Las analogías tienen múltiples funciones en el proceso de enseñanza, pero
fundamentalmente sirven para comparar, representar o explicar un contenido o eje
temático a través de procesos donde se pone en tensión o relación dos atributos
semejantes en seres o cosas diferentes.
El enfoque de la Enseñanza para la Comprensión identifica el uso de las analogías como
una de las estrategias que favorecen mejores comprensiones en los alumnos, ya que
pueden facilitar los procesos de transferencia y del uso activo del conocimiento e intentan
superar algunas perspectivas tradicionales en un esfuerzo por analizar y comprender el
qué, el cómo y el para qué enseñar y aprender.
Ilustraciones: Es una estrategia construccional. Son fotografías, dibujos, pinturas, etc.,
es uno de los tipos de información gráfica más empleada en la enseñanza; se utiliza para
expresar o reproducir objetos que no se pueden tener en su forma real.
Para utilizarlas debemos plantear las siguientes cuestiones:
a). qué imágenes deseamos presentar (calidad, cantidad, utilidad)
b). intenciones de las imágenes (describir, explicar, complementos, refuerzo)
c). a qué discurso se asocian
d). a quién van dirigidos (características de los alumnos, conocimientos previos, nivel
cognitivo)

249
Metáforas:
«El extendido uso de las metáforas en estos textos de enseñanza de los tiempos iniciales
sugiere que la metáfora es más que un simple instrumento estilístico de uso literario. La
metáfora es un ingrediente esencial de la comunicación, y por tanto de un valor educativo
notable»
Ejemplos y contraejemplos:

Demostraciones: Las demostraciones una modalidad de exposición, pero más lógica y

concreta, la cual tiende a confirmar un resultado anteriormente enunciado. Es presentar
razones encadenadas lógicamente o presentar hechos concretos que ratifiquen lo
afirmado teóricamente.
Objetivos :
· Confirmar explicaciones
· Ilustrar las exposiciones teóricas
· Iniciar en forma correcta una técnica para evitar fijaciones de errores
· Dar un esquema correcto y seguro para ejecutar una tarea
· Convencer en forma racional. De la veracidad de proposiciones abstractas.

• Responder con lenguaje comprensivo y con rigor técnico preguntas y dudas que surgen
en los estudiantes en torno a los contenidos.

Comunicación y aprendizaje cooperativo: en la elaboración de las múltiples tareas de

la asignatura, es importante que el docente favorezca la comunicación y colaboración
entre los estudiantes, tanto al realizar trabajos de arte como al apreciar obras y objetos
de arte. Esto permite profundizar y compartir la construcción de aprendizajes, junto con
potenciar habilidades y actitudes transversales como el desarrollo de un discurso
coherente, la adquisición de vocabulario general y específico, el respeto por la opinión de
los pares y el descubrimiento de la riqueza presente en la diversidad.

250
• Identificar, en situaciones de aula, decisiones e intervenciones del docente que
favorecen el aprendizaje en Artes Visuales durante el desarrollo de la clase.

Ejemplos para ello:

- Gestionar visitas a museos, galerías, bienes patrimoniales.
- Creación de blogs, videos, fotononovelas, diaporamas, u otros productos visuales, que
den cuenta de un estilo o movimiento artístico a partir de una investigación previa.
- Generar actividades en las que las disciplinas permitan la apreciación de obras
artísticas, considerando el contexto histórico en que se generó utilizando recursos
virtuales como museos o bibliotecas.

• Seleccionar recursos didácticos apropiados para abordar diferentes objetivos de

aprendizaje de la asignatura de Artes Visuales.

Ejemplo 1° Medio

251
• Distinguir estrategias remediales para enfrentar las dificultades de aprendizaje de los
estudiantes, de modo que estas puedan ser superadas.

• Material visual: el material visual (fotografías, imágenes, reproducciones y obras

reales, objetos, videos, otros) es esencial en esta asignatura. Estos permiten al
estudiante contactarse con imágenes de obras y objetos de diversas temáticas,
orígenes y contextos. Los objetivos referidos a la observación y apreciación estética
sólo podrán ser desarrollados si el docente cuenta con material visual adecuado, por
sencillo que sea. En este sentido, Internet se constituye en una fuente muy importante
de información, también se pueden incorporar y utilizar las imágenes, esculturas,
objetos y otros elementos que se encuentran en la escuela o su entorno.

• Exposición de trabajos de los alumnos: exponer los trabajos de los estudiantes

debe ser una actividad permanente, dentro y fuera de la sala de clases; esto les permite
observar sus progresos, valorar sus trabajos de arte y los de los otros. Es
recomendable realizar una exposición de Artes Visuales a final de año, para ser
visitada y compartida por toda la comunidad escolar e instalar paneles en el
establecimiento para exposiciones rotatorias de los diferentes cursos (se recomienda
que estas se roten una vez por semana). La selección de trabajos se puede hacer de
manera conjunta entre docentes y estudiantes por medio del establecimiento de
criterios de selección.

252
• Las visitas como fuente de aprendizaje: visitas a lugares patrimoniales, museos,
galerías de arte, recorridos por barrios típicos, ferias, parques naturales y otros, son
instancias de aprendizaje donde los alumnos tienen la oportunidad de observar de
manera directa la naturaleza, obras y objetos artísticos. Es importante que cada vez
que se efectúe una de éstas, el docente la contextualice por medio de actividades
previas, durante la visita y posterior a ésta.

• El uso de tecnologías: se recomienda su uso desde los primeros niveles de

enseñanza básica, incorporando desde diversas perspectivas en las actividades; las
posibilidades de incorporación en los aprendizajes van desde su utilización como
medio de expresión y creación visual, hasta la búsqueda, organización y presentación
de información. Entre las tecnologías consideradas están el computador y los software
para trabajar imágenes, la máquina fotográfica digital y las cámaras de video, según
los recursos con los que se cuente.

• Identificar las distintas etapas del modelo flexible del proceso creativo en los trabajos o
proyectos visuales de los estudiantes.

Respecto del proceso creativo, se propone un modelo flexible, centrado en la generación

de ideas personales y en la retroalimentación constante del docente y de todos los
estudiantes, a medida que se desarrollan los trabajos de arte. La creación es un proceso
complejo que implica no solo generar ideas, sino también planificar un proceso y
concretarlo en un producto, trabajo de arte u objeto de diseño. El siguiente diagrama
muestra el proceso creativo completo. Sin embargo, es posible trabajar las etapas de
forma independiente y en distinto orden.

Apreciar y responder frente al arte

En este eje, se espera que los alumnos desarrollen las capacidades de descubrir y
comunicar sensaciones, emociones e ideas provocadas por la percepción del entorno, las
obras de arte y los objetos de diseño. En este proceso, se deberá incorporar
gradualmente elementos del lenguaje artístico visual, que servirán como criterios de
análisis necesarios para responder frente a la obra.

La habilidad de apreciación estética se relaciona directamente con el proceso de creación

propuesto en el eje anterior, pues ambos se enriquecen mutuamente por medio de la
revisión, la evaluación y la reformulación de las propuestas creativas personales. En la
educación básica, como un primer paso fundamental en el logro de la expresión y la
253
creación artísticas, se debe orientar la capacidad de percepción innata de los estudiantes
hacia un desarrollo de la sensibilidad estética respecto del entorno en general y de las
obras de arte en particular, así como también aprovechar el juego y las experiencias
lúdicas como formas de experimentación y apreciación especialmente enriquecedoras en
este nivel.

En los primeros niveles de aprendizaje, la apreciación estética es espontánea y libre,

orientada principalmente al disfrute del contacto con la obra o el trabajo de arte. A medida
que observen y perciban una amplia gama de obras y manejen elementos del lenguaje
visual, se espera que elaboren interpretaciones y respuestas más fundamentadas, que
incluyan juicios críticos y reflexiones en torno a obras y a sus propias creaciones.

Para lograr los propósitos descritos, los alumnos deberán conocer manifestaciones
artísticas adecuadas a la edad, de variadas épocas, lugares y culturas, y prácticas
artísticas contemporáneas, aprovechando las posibilidades que ofrecen hoy las
tecnologías de la información. Del conocimiento de los grandes movimientos, estilos y
artistas y la apreciación de variadas obras, los estudiantes podrán obtener fuentes de
inspiración para sus expresiones artísticas y descubrir caminos divergentes para abordar
sus propios procesos creativos. Estos conocimientos permiten ampliar la selección y el
tratamiento de los diversos temas, el uso de los diferentes elementos del lenguaje visual
o la elección de materiales de acuerdo a sus propósitos.

En este eje tiene especial relevancia la apreciación del patrimonio cultural artístico-visual
local. El arte local, como expresión de la identidad de una comunidad, constituye una
excelente oportunidad para que los estudiantes pongan en práctica sus aprendizajes en
contextos que les sean familiares y significativos. El conocimiento y el análisis del arte
local contribuyen a valorarlo y a que los alumnos desarrollen actitudes de respeto y
cuidado por el patrimonio artístico de su localidad.

2. Habilidades

El logro de los objetivos de aprendizaje de Artes Visuales involucra el desarrollo de

habilidades de la asignatura. Los ejes "Expresar y crear visualmente" y "Apreciar y
responder frente al arte" son procesos complejos y están constituidos por múltiples
habilidades, que se definen y detallan a continuación.
254
a. Expresión: se relacionan con trasmitir a otros, a través de obras y trabajos de arte, las
ideas y emociones. Un primer grupo de estas habilidades se resume en expresar la
interioridad, que implica trasmitir ideas y emociones surgidas del mundo interior de cada
estudiante. Expresar la interioridad implica, reflexionar en silencio, desarrollar la
capacidad de introspección, poner en evidencia la interioridad, desarrollar la atención, la
audición y visión interior, y comunicar de forma verbal o no verbal, pensamientos,
experiencias, emociones. Un segundo grupo consiste en expresar lo observado en una
obra o en el entorno, donde el origen de las ideas y emociones se relacionan con la
observación de obras de arte. Implica desarrollar la percepción, la observación atenta y
detallada, darle un significado personal a los elementos visuales, desarrollar de la
sensibilidad y la comunicación verbal y no verbal. Ambos grupos de habilidades se
desarrollan tanto en la creación de obras y trabajos de arte como en la apreciación de
éstos.

b. Creación: siguiendo el modelo de proceso creativo, se espera que los alumnos tengan
amplias oportunidades de desarrollar su creatividad mediante la práctica y dominio de
estas habilidades. Las habilidades de creación incluyen el imaginar, generar ideas,
planificar, experimentar y producir para la elaboración de trabajos de arte y objetos de
diseño, para posteriormente reflexionar y evaluar sus propias creaciones y las obras de
arte. La progresión de las habilidades de creación dependerá de la riqueza y diversidad
de las experiencias y obras de arte que los estudiantes conozcan y analicen.

Manejo de materiales, herramientas y procedimientos: este conjunto de habilidades es

central, dado que tanto la expresividad como la creatividad sólo pueden desarrollarse si
el estudiante es capaz de plasmar sus ideas y emociones en trabajos de arte y diseño
concretos y concluidos. Para esto, es fundamental que desarrollen habilidades como usar,
aplicar, experimentar y combinar herramientas y procedimientos necesarios para la
elaboración de trabajos de arte. El dominio de dichas técnicas amplía las posibilidades de
expresión de los estudiantes. Ejercitar progresivamente la destreza en la manipulación de
distintos materiales y procesos técnicos proporciona un amplio repertorio de recursos
para expresarse con libertad de acuerdo a sus intereses, motivaciones, necesidades y
posibilidades.

255
Análisis crítico: este grupo de habilidades incluye los componentes necesarios para la
apreciación de obras y trabajos de arte. Combina habilidades relacionadas a la
percepción y al procesamiento y análisis de lo observado, para culminar en la apreciación
y la emisión de juicios. Estas habilidades pueden separarse en tres etapas:

-observar, describir y relacionar obras y trabajos de arte, organizando y

sistematizando información obtenida mediante los sentidos y la aplicación del
lenguaje visual.

-comparar, analizar e interpretar lo observado en obras y trabajos de arte sobre la

base de su experiencia y sus conocimientos previos tanto de los materiales, los
procedimientos técnicos y el lenguaje visual, como del contexto de la obra.

-establecer juicios, explicar y apreciar, lo que incluye expresar una opinión

informada, junto con la exteriorización de las sensaciones, sentimientos, emociones
e ideas provocadas por obras y trabajos de arte y objetos de diseño.

c. Comunicación: Todas las disciplinas tienen formas particulares para comunicar sus
propios saberes. Las habilidades relacionadas a la comunicación son transversales a la
formación escolar y están presentes en todas las asignaturas de las Bases Curriculares
de la educación básica.

Así, la comunicación tiene un lugar privilegiado en Artes Visuales, dado que el quehacer
artístico implica necesariamente comunicar, exponer y presentar obras y trabajos de arte,
tanto propias como de otros. Este grupo de habilidades se integra y se potencia con la
expresión, dado que a mayor desarrollo de la capacidad expresiva, mayor será el
incentivo de comunicar tanto la interioridad y como lo observado en obras y trabajos de
arte.

3. Actitudes

Las Bases Curriculares de Artes Visuales promueven un conjunto de actitudes para todo
el ciclo básico, que derivan de los Objetivos de Aprendizaje Transversales (OAT). Dada

256
su relevancia en el aprendizaje, ellas se deben desarrollar de manera integrada con los
conocimientos y las habilidades de la asignatura.

Las actitudes aquí definidas son Objetivos de Aprendizaje que deben promoverse para la
formación integral de los estudiantes en la asignatura. Los establecimientos pueden
planificar, organizar, desarrollar y complementar las actitudes propuestas según sean las
necesidades de su propio proyecto y su realidad educativa.

Las actitudes a desarrollar en la asignatura de Artes Visuales son las siguientes:

a. Disfrutar de múltiples expresiones artísticas.

b. Demostrar disposición a expresar artísticamente las propias ideas y sentimientos.

c. Valorar y cuidar el patrimonio artístico de su comunidad, región, país y de la

humanidad.

d. Demostrar disposición a desarrollar su creatividad, experimentando, imaginando

y pensando divergentemente.

e. Demostrar disposición a trabajar en equipo, colaborar con otros y aceptar

consejos y críticas.

f. Respetar y valorar el trabajo riguroso y el esfuerzo propio y de otros.

g. Respetar el trabajo artístico de otros, valorando la originalidad.

3.2. Aprendizaje de las Artes Visuales

• Identificar los conocimientos previos requeridos para abordar los distintos aprendizajes
de la asignatura de Artes Visuales.

Experiencias y conocimientos previos: en el desarrollo de ideas para realizar trabajos de

arte, es recomendable que el docente recurra a las experiencias y conocimientos previos
de los estudiantes, la indagación y explicitación acerca de lo que sienten, conocen y
257
piensan frente a diversos temas será la base para la expresión y creación personal o
grupal.

• Identificar las dificultades que los estudiantes presentan en su aprendizaje a partir de

sus respuestas o muestras de desempeño.

Las principales dificultades que se presentan entre los estudiantes en la asignatura de

Artes Visuales se relacionan con:

• Aprendizaje del Lenguaje Visual: en relación al aprendizaje y uso de elementos de

lenguaje visual, estos se deben incluir tanto en el eje de expresión y creatividad como
en el de apreciación y respuesta frente al arte. El conocimiento y aplicación de este
lenguaje permitirá a los estudiantes enriquecer la expresión y creación personal; como
reflexionar y comunicar sus apreciaciones estéticas acerca de su obra y la de otros.
Una estrategia adecuada para lograr un acercamiento a los elementos del lenguaje
visual consiste en ejercitar su la observación del entorno de los estudiantes, para que
en su vida cotidiana y la naturaleza reconozcan líneas, formas, colores, texturas, luces,
sombras, etc. lo que facilita su posterior reconocimiento en imágenes y obras artísticas.
• Materiales, herramientas y procedimientos técnicos: los materiales, herramientas,
procedimientos técnicos y medios digitales deben ser usados en las clases de artes
visuales como medios y estar en función de la expresión, creación, apreciación y
respuesta frente al arte. Si bien su aprendizaje no constituye un fin en sí mismo, en los
primeros años de la educación básica, la interacción con distintos materiales y
herramientas es una experiencia especialmente enriquecedora para los estudiantes,
que amplía su creatividad y los motiva a la experimentación. A medida que dominan
materiales, herramientas y procedimientos, éstos amplían sus posibilidades de
expresión y les permiten afinar su apreciación.

258
3.3. Evaluación para el aprendizaje en la asignatura de Artes Visuales

• Identificar los indicadores de evaluación que dan cuenta de los distintos objetivos de
aprendizaje de la asignatura de Artes Visuales.
Ejemplo en 1° Medio:

259
• Seleccionar actividades y determinar el uso de instrumentos de evaluación para evaluar
los aprendizajes de la asignatura de Artes Visuales.

Ejemplo en 1° Medio:

260
261
• Caracterizar prácticas e interacciones pedagógicas que contribuyen a retroalimentar
formativamente el aprendizaje de los estudiantes ante muestras de su desempeño.

La retroalimentación: Es muy importante que el docente desarrolle una visión positiva

de las artes visuales y una seguridad y autoestima personal en cada uno de sus alumnos.
Para esto es recomendable que refuerce positivamente el trabajo de los alumnos, sus
comentarios y la iniciativa para experimentar con diferentes ideas materiales e
imaginación. El docente debe aprovechar los errores y dificultades de los estudiantes
como fuente de nuevos aprendizajes y logros. En este sentido, no basta con constatar los
errores, es necesario orientar y apoyar a los estudiantes en su superación. Uno de los
propósitos esenciales de la educación artística es el desarrollo de la creatividad, lo que
lleva a esperar que los resultados obtenidos por cada alumno sean originales y diferentes
entre sí. En ocasiones esto puede dificultar la orientación a los alumnos por parte del
profesor. Una herramienta clave para simplificar esta tarea son los indicadores para la
evaluación que se presentan en cada unidad del programa, por lo que estos se deberán
considerar para guiar el proceso de elaboración del trabajo de arte.

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