Historia del ballet

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Artículos principales: Ballet e Historia de la danza.

Fotografía de la Premier del ballet de Tchaikovsky. La Bella Durmiente (1890).

El ballet es una danza cuyos orígenes se remontan al Renacimiento Italiano, durante
los siglos XV y XVI. El ballet se expandió desde Italia hasta Francia con la ayuda
de Catalina de Médici, donde se desarrolló aún más bajo su influencia
aristocrática. Un ejemplo del trabajo expuesto por Catalina se capturó en la pieza
llamada Le Paradis d' Amour. Esta pieza fue presentada en la boda de su hija,
Margarita de Valois, con Enrique de Navarra.

El dinero aristócrata era el responsable de las etapas iniciales del desarrollo del
ballet de corte. La literatura y la música utilizada en el ballet tenían como fin
entretener principalmente a los aristócratas de la época.

En 1573, se llevó a cabo la primera puesta en escena de la primera pieza del ballet
de corte, cuyo nombre fue Ballet des Polonais. Esta pieza fue llevada a escena por
Catalina de Médici, en honor del embajador polaco que estaba de visita en París. En
1581, Catalina produjo otro ballet de corte llamado Ballet Comique de la Reine, sin
embargo, su compatriota, Balthazar de Beaujoyeulx , fue quien hizo todos los
arreglos de baile. Catalina de Médici y Balthazar de Beaujoyeulx fueron los
encargados de presentar el corte, tomando como base los principios de la Academie
de Baif. En esta pieza se integró la poesía, la danza, la música y la escenografía
para transmitir una historia dramática unificada.

A finales del siglo XVII Luis XIV de Francia fundó la Académie Royale de Musique en
la Ópera de París, en donde surgió la primera compañía profesional: el Ballet de
Opera de París. El predominio francés en el vocabulario del ballet refleja esta
historia. El Ballet Teatral pronto se independizó del arte, aunque todavía mantiene
con frecuencia una estrecha relación con la ópera, y de igual manera se desarrolló
desde el centro de Europa a otras naciones. El Ballet Real de Dinamarca o mejor
conocido como Royal Danish Ballet y el Mariinsky Ballet del Imperio Ruso fueron
fundados en el año 1740 y comenzó a tener más fuerza, después del año 1850. En
1907, el ballet ruso, a su vez se regresó a Francia, donde el Ballets Russes de
Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron muy influyentes. Pronto el ballet se dio a
conocer en todo el mundo con la formación de nuevas empresas, entre ellas el Ballet
Real de Londres (1931 ), el Ballet de San Francisco (1933 ), el American Ballet
Theatre (1937) , El Royal Winnipeg Ballet ( 1939 ), El Ballet de Australia (1940 ),
el Ballet de la Ciudad de Nueva York ( 1948), el Ballet Nacional de Canadá (1951),
y el Delhi Ballet (2002).1

Durante el siglo XX, los estilos de ballet continuaron desarrollándose fuertemente,

obteniendo influencia en la danza de concierto. En Estados Unidos, por ejemplo, el
coreógrafo George Balanchine desarrolló lo que hoy se conoce como ballet
neoclásico. Estilos posteriores han incluido ballet contemporáneo y ballet post-
estructural.

Índice
1 Orígenes
1.1 Renacimiento – Italia y Francia
2 Siglo XVII
2.1 Francia y La Corte de Baile
2.2 Popularidad en Europa
3 Siglo XVIII
3.1 Francia y su desarrollo en las áreas artísticas
3.2 Fuera de Francia
4 Siglo XIX
4.1 Movimiento romántico
4.2 Rusia
4.3 El ballet alcanza un "Mundo Nuevo"
5 Siglo XX y el Modernismo
5.1 Rusia y el ballet ruso
5.2 Estados Unidos
6 Ballet neoclásico
7 Época contemporánea
8 Referencias
9 Fuentes
Orígenes
Renacimiento – Italia y Francia

Impresión de la segunda escena del Ballet Comique de la Reine, presentado en París

en 1581 para la corte francesa.
El ballet se originó en el Renacimiento durante una ceremonia en Italia.2 Se dice
que el ballet fue parte de las bodas aristócratas, en donde había músicos y
bailarines con el fin de proporcionar un elaborado entretenimiento para ellos.3 El
ballet del Renacimiento es muy diferente a la forma de entretenimiento teatral
conocido por el público contemporáneo. Los tutús y las zapatillas aún no eran parte
del vestuario de un bailarín de ballet de aquellos tiempos. Las coreografías se
adaptaban a los pasos de baile de corte.4 Los bailarines intérpretes vestían a la
moda de la época. Las mujeres debían ponerse vestidos formales que cubrían sus
piernas hasta el tobillo.5 En un principio, el ballet era muy participativo, debido
a que la audiencia se unía a bailar en el acto final. Domenico da Piacenza (c.
1400–c. 1470) ) fue uno de los primeros maestros de baile. Junto con sus alumnos,
Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue entrenándose en la danza, enseñándole a
sus estudiantes la belleza de la misma. Da Piacenza dejó una pieza llamada: De arte
saltandi et choreus ducendi (En el arte de la danza y la realización del baile), la
cual fue producida por sus alumnos.6

En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó con, en Tortona. Para la
boda, se llevó a cabo una elaborada pieza de baile coreografiada por el maestro
italiano Bergonzio di Botta. Las danzas estaban vinculadas a la narrativa de Jasón
y los Argonautas. Además, cada baile correspondía a un platillo diferente de la
cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y lo consideró como un
espectáculo impresionante.37

El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de
Cour, el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados
con música, interpretaciones verbales, poesía, cantos, desfiles, decoraciones y
vestuarios.8 Cuando Catalina de Médici, una aristócrata italiana con interés en las
artes, se casó con el heredero a la corona francesa, Henry II, trajo a su pasión
por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero. Catherine de' Medici's court
festivals apoyó con los objetivos de la política y de la corte, los cuales por lo
general se organizan en torno a temas mitológicos.9 La primera pieza del ballet de
cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó en 1573 con motivo
de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por Balthazar de
Beaujoyeulx y contó con la presentación de dieciséis bailarinas durante una hora,
cada una representando a una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine
(1581), que también fue coreografiada y dirigida por Balthazar de Beaujoyeulx, y
producida por Luisa de Lorena-Vaudémont, reina consorte del rey Enrique III de
Francia, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio de Anne de Joyeuse. El
ballet se prolongó durante más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro
bailarines.1011

En el mismo año, la publicación de Fabritio Caroso llamado Il Ballarino , fue un

manual técnico sobre el baile, tanto en la interpretación y el efecto en la
sociedad. También ayudó a establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico
de ballet.12

Siglo XVII

Luis XIV en el Ballet de la nuit (1653), de Lully.

Francia y La Corte de Baile
El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en
Francia durante el reinado de Luis XIV, quien era un apasionado de la danza.13
Pierre Beauchamp, profesor de baile personal del rey y su socio favorito en el
ballet de cour durante el año de 1650, fue quien creó las seis posiciones de los
pies y de los brazos en el ballet.14 En 1661 el rey Luis XIV, tuvo la determinación
de establecer una nueva escuela de baile llamada, Académie Royale de Danse.13
Beauchamp fue nombrado Compositeur des Ballets du Roi y en 1680 se convirtió en el
director de la academia de baile.14

Jean-Baptiste Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se

unió a la corte de Luis XIV en 1652,15 tomando un papel importante en la dirección
que el ballet tendría en el futuro. Apoyado y admirado por el rey Luis XIV, Lully a
menudo incorporaba al rey en sus rutinas. La pieza llamada Sun King para el monarca
francés, se originó en la interpretación de Louis XIV en la coreografía de Lully
llamado Ballet de la Nuit (1653). Esta pieza de ballet fue espléndida, ya que contó
con una escena en donde una parte de la casa fue quemada, también incluidas las
brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones, y las diosas Venus y Diana. La
principal contribución de Lully a esta pieza fueron sus composiciones matizadas. Su
comprensión de movimiento y de danza le permitió una coreografía inigualable,
realizando una fusión con los arreglos musicales y los movimientos de los
bailarines.16 Lully, también colaboró con el escritor francés Molière. Juntos
crearon un nuevo estilo de teatro llamado, commedia dell'arte, y fue adaptado al
público francés, creando la comédie-ballet.14 was Le Bourgeois Gentilhomme
(1670).17

En 1669 Louis XIV fundó la Académie d'Opéra conPierre Perrin como director.18 Louix
XIV se retiró en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso. En 1661
fundó la escuela Adacemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer bailarín de
ballet profesional, tenía un gran conocimiento de la Ópera y creó las coreografía
de la primera producción de la nueva empresa, Pomone con un arreglo musical de
Robert Cambert.14 Después de Perrin se fuera en bancarrota, el rey reestableció la
ópera como una rama importante de la academia y puso como director a Lully.18
Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos.14 Lully, junto con el libretista,
Philippe Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, en donde
cada acto contaba con un espectáculo de intermedio, el cual era conocido como
divertissement. El divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet durante
los intermedios de la obra.15 En casi todas su creaciones Jean-Baptiste Lully creó
una fusión de arreglos musicales y drama con elementos francés e italianos. Su
trabajo dejó un legado que definiría el futuro del ballet.

Popularidad en Europa

El Ballet Royal en la presentación de El gran baile de Bilbao, 1626.

La corte de Francia fue en cierto modo el modelo a seguir para las otras cortes
reales de Europa. Los estilos del entretenimiento fueron imitados, incluyendo los
ballets reales. Los tribunales de España, Portugal, Polonia, Alemania, y en otros
lugares se convirtieron en audiencias y practicantes del ballets. Además de
Francia, Italia se convirtió en una influencia importante en este baile.

Compañías profesionales de ballet comenzaron a organizar y recorrer todo Europa,

actuando para el público aristocrático. En Polonia , el rey Władysław IV Vasa
(1633-1648) propuso a su país como sede del espectáculo de la ópera italiana, la
cual incluía bailarines de ballet en algunas escenas. Los especialistas de ballet
que trabajaron para la corte polaca eran Louis de Poitiers (maestro de ballet),
Charles Duparc, Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.19

Siglo XVIII
Francia y su desarrollo en las áreas artísticas
El siglo XVIII fue un período en donde las técnicas de ballet evolucionaron. Además
fue el periodo en donde el ballet se convirtió en una forma de arte dramático a la
par de la ópera. Esta evolución fue gracias al trabajo de Jean-Georges Noverre. En
la coreografía de "Lettres sur la danse et les ballets" ( 1760 ), se encontraron
pasos relacionados con la técnica "ballet d'action" o ballet de acción, ya que el
los movimientos de los bailarines estaban diseñados para expresar la letra de la
pieza. Noverre cree que: el drama del ballet debe ser lógico y bien estructurado .
Los coreógrafos, compositores y diseñadores deben de estar al pendiente desde las
primeras etapas de la planificación de un trabajo. Todo debe de ser preciso y
limpio, por ejemplo los productores tienen que cuidar los pequeños detalles como:
retirar las máscaras para lograr una mejor expresión facial, los vestuarios deben
ser recortados para mostrar la figura de los bailarines, y que los coreógrafos
deben tener una educación amplia en donde abarque la pintura y la creatividad, ya
que esto ayudará a darle vida a las presentaciones.

Modificaciones comenzaron a tomar parte del ballet, Christoph Gluck fue uno de los
iniciadores de estos cambios. Finalmente, el ballet fue dividido en tres técnicas
formales llamadas sérieux, demi-caractère and comique. El ballet también comenzó a
tomar parte de los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de bailes.

Fuera de Francia
Venecia sigue siendo el centro de danza en Europa, particularmente durante la época
del Venecia Carnaval, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban
a la ciudad para un intercambio cultural. La ciudad del Teatro San Benedetto se
convirtió en un lugar popular de la ciudad, debido a que la mayoría de las
funciones de ballet se realizaban allí. Las técnicas del ballet italiano
mantuvieron una influencia prominente en gran parte del sur y el este de Europa,
hasta que las técnicas rusas las suplantaron en el siglo XX.

Las funciones de ballet tuvieron más popularidad en Europa durante el siglo XVIII ,
en áreas como Hungría. Se establecieron compañías profesionales, las cuales
tuvieron funciones en Hungría y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de
Budapest es reconocida como el hogar de los bailarines.20

Algunos de los principales bailarines de la época que viajaron por Europa fueron
Louis Dupré (bailarina), Charles Le Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-
Georges Noverre.19

Siglo XIX

Ballet polaco en el Carnaval de Venice,1827. El bailarín de la izquierda está

interpretando "en travestie" como una mujer que toma el papel de un hombre.
La bailarina se convirtió en el intérprete de baile más popular en Europa durante
primera mitad del siglo XIX. Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una
disminución de popularidad entre los bailarines. En muchas obras, los héroes de
ballet eran interpretados por mujeres, como el personaje principal de
"Pantomime".21

La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva

generación de maestros de ballet y de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en
los que practicaban ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de
Ópera Real de Hungría fue el Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest por 40
años.22
Marie Taglioni como Flore en el ballet de Charles Didelot Zephire et Flore (ca.
1831). Ella fue una pionera del trabajo en punta.
El siglo XIX fue un período de grandes cambios sociales, lo cual también se vio
reflejado en el ballet puesto que se comenzaba a perder las sensibilidades
aristocráticas que había dominado durante tantos años en el ballet romántico.
Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron
con nuevas técnicas tales como el trabajo en punta. Taglioni era conocida como la
"bailarina cristiana", ya que su imagen era ligera y pura (asociada con su papel en
la pieza La Sylphide). Ella fue entrenada por su padre Filipo Taglioni. En 1834,
Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se convirtió en la Bailarina Pagana,
debido a sus buenas cualidades de poder interpretar la danza "Cachucha", la cual la
hizo famosa. Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica de ballet que aún
se usa hoy en día. .

Movimiento romántico
El movimiento romántico en el arte, literatura, y el teatro fueron reacciones en
contra de las restricciones formales y los mecanismos de la industrialización. El
zeitgeist llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que tenían como
característica la luz, y movimientos de libertad y de fluidez, los cuales
contrastarían con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos
aspectos de la vida diaria. Estos bailes "irreales" retrataban a las mujeres como
seres sobrenaturales con una extrema frágiles, que se podían levantar sin esfuerzo
y casi parecían como si flotaran en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar
disfraces de colores pastel, con faldas que llegaban hasta los tobillos. Un ejemplo
del movimiento romántico es "La Sylphide" , uno de los bailes románticos más
antiguos que aún es interpretado por bailarines contemporáneos.

El movimiento romántico era una nueva exploración de folklore y de la cultura

tradicional, la cual comenzó a tomar parte del folklor de Europa, África, Asia y
Oriente Medio. En el ballet de esos tiempos los bailarines eran caracterizados como
villanos o como bufones, para que se pudieran adaptar al "Orientalismo".23 La Ópera
Nacional de Ucrania, teatro dedicado a las artes escénicas, se estableció en Kiev
en 1867. Para 1893, esta compañía creció lo suficiente para tener grandes
presentaciones de bailes de ballet.24

Muchas compañías de ballet europeas aún existen hoy en día y siguen estableciendo
nuevos teatros de ópera en todas las ciudades de Europa durante el siglo XIX,
incluyendo el[Kiev Ballet, el Ballet Nacional de Hungría, el Teatro Nacional de
Ballet (Praga) y el Ballet Estatal de Viena. En estos teatros había un espacio para
la ópera, el drama y el ballet. Compositores, dramaturgos y coreógrafos fueron
capaces de crear obras que capturaban la fusión entre estas tres vertientes de
arte.

Rusia

Mikhail Mordkin como príncipe de Siegfried y Adelaide Giuri as Odette con

estudiantes de como pequeños cisnes en el Teatro Imperial Bolshoi de Moscú.
Producción de Petipa/Ivanov/Tchaikovsky Lago de lo cisnes. 1901
Mientras que Francia jugó un papel decisivo en el ballet, otros países y culturas
adoptaron pronto esta forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una gran
tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a
lo largo de la historia. Después de 1850 , el ballet comenzó a disminuir su fervor
en París, pero comenzó a tener más popularidad en Dinamarca y Rusia gracias a
maestros como August Bournonville, Jules Perrot , Arthur Saint- Léon, Enrico
Cecchetti y Marius Petipa. A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda.
El colonialismo trajo a la vista las culturas de Asia y África, pero no tenían una
buena consistencia debido a la malos recursos de información y la fantasía. El este
era percibido como un lugar muy lejano en donde todo era posible, siempre era
espléndido, exótico y decadente. Petipa siguió el gusto popular produciendo " La
hija del Faraón" (1862), y más tarde "El talismán" (1889 ) y "La Bayadère" (1877 ).
Petipa es recordado por sus colaboraciones en "Tchaikovsky". Él utilizó una música
especial para su coreografía del "Cascanueces" (1892) , de "La Bella Durmiente"
(1890 ) , y el "Lago de los Cisnes" (1895) . Estas obras fueron influenciadas por
el folklore europeo.

Las bailarinas clásicas comenzaron a usar tutus, que eran faldas cortas con muchas
capas de crinolina o tul que mostraban la mayor parte de sus piernas.

El ballet alcanza un "Mundo Nuevo"

Compañías de ballet de Europa comenzaron giras lucrativas en los teatros de
Norteamérica, Centroamérica y América del Sur, a mediados del siglo XIX . El
prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, ha sido sede de bailarines
extranjeros.25 Por la década de 1880, el Teatro Colón tuvo su propia compañía de
ballet profesional.

Siglo XX y el Modernismo
Rusia y el ballet ruso

Anna Pavlova en Les Saisons (1900) con coreografía de Marius Petipa y música de
Alexander Glazunov.

Vaslav Nijinsky en El Espectro de la rosa, 1911.

En la primavera de 1909 el empresario ruso Sergei Diaghilev visitó París con una
compañía formada por bailarines del Teatro Mariinski de San Petersburgo: los
Ballets Rusos que iban a revolucionar el concepto del ballet en el siglo veinte.

Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky unieron sus talentos para traer el

folklore ruso a París con El pájaro de fuego y Petrushka con coreografía de Michel
Fokine. Diaghilev también presentó las coreografías vanguardistas del bailarín
Vaslav Nijinsky L'apres-midi d'un Faune con música de Claude Debussy y La
consagración de la primavera con música de Stravinsky. Esta última provocó un gran
escándalo en su estreno por los Ballets Rusos en el Théâtre des Champs Élysées de
París, el 29 de mayo de 191326.

El ballet continuó evolucionando en Rusia después de la Revolución rusa de 1917 y

la instauración del régimen soviético. Después de un estancamiento en la década de
los años veinte, apareció en escena a mediados de la década de 1930 la nueva
generación de bailarines y coreógrafos. Se promovió la perfección en la técnica y
la precisión en la danza. Agrippina Vaganova, que había sido discípula de Petipa y
Enrico Cecchetti, encabezó la Academia de Ballet Vaganova, diseñada para entrenar a
bailarines para la compañía de ballet del Teatro Kirov de Leningrado (antiguo
Teatro Mariinski).

El ballet siempre contó con el fervor y la afición del público y las compañías del
Teatro Bolshoi de Moscú y del Teatro Kirov de Leningrado fueron muy populares.

Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto, entre ellas Romeo y Julieta
(1940) con música de Sergei Prokofiev y coreografía de Leonid Lavrovsky. Las llamas
de Paris (1932) con música de Boris Asafiev y coreografía de Vasili Vainonen es un
ejemplo del realismo socialista dominante en el arte de la época, La La Fuente de
Bakhchisarai (1934) con música de Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov27 o
La cenicienta (1945) con música de Prokofiev y coreografía de Zajarov28 con sus
temas del folclore ruso y del mundo del cuento tienen un carácter más lúdico.

El ballet ruso soviético se dio a conocer en Europa occidental y en Estados Unidos

gracias a las giras de las compañías del Bolshoi y del Kirov que se iniciaron a
fines de los años cincuenta y fueron ya habituales y recibidas entusiásticamente
por el público y la crítica en los años sesenta.

La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el dramatismo y
la fuerza. Cuando se ven los archivos se puede ver la gran técnica y el
apasionamiento de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya, Maya
Plisetskaya, Nicolai Fadeyechev, Maris Liepa y otros.

Estados Unidos
Tras el traslado del Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una
influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos.

Desde París, Fokine fue a Suecia y luego los EE.UU. y se estableció en Nueva York.
Él creía que el ballet tradicional ofrecía más que movimientos bonitos y una
exhibición atlética. Además de una buena técnica, exigía: drama, expresión y una
autenticidad histórica. El coreógrafo tuvo que investigar el contexto el cual él se
encontraba y así decidió rechazar el tutú tradicional y propuso una tendencia de
vestuario más contemporáneo.

Fokine coreografió " Scheherazade (Rimsky -Korsakov) " y "Cleopatra". También

retomó las piezas "Petrushka" y "El pájaro de fuego". Una de sus piezas más famosas
fue "La muerte del cisne", interpretada por Anna Pavlova. Más allá de sus talentos
como bailarina, Pavlova tenía el potencial para llevar a cabo las demandas que
Fokine tenía en el momento de coreografiar la rutina de ballet. La leyenda cuenta
que Pavlova se identificó tanto con el papel de cisne que ella pidió que cuando
muriera la vistieran con el disfraz del cisne.

La muerte dl cisne con coreografía de FOLLINER.

George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió la
escuela en Chicago, y en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios de
comunicación, el cine y la televisión.29 Con esa gran técnica, Balanchine, realizó
una nueva coreografía de clásicos como "Lago de los cisnes" y "La Bella Durmiente",
así como la creación de nuevos ballets. Él produjo interpretaciones originales de
los dramas de William Shakespeare como: Romeo y Julieta, "The Merry Widow" y "A
Midsummer Night's Dream".

En 1967, las Joyas de Balanchine rompieron con la tradición narrativa, puesto que
en vez de dramatizar una trama se dedicó a dramatizar un tema. Esta nueva idea
encajaba con lo que se proponía en Estados Unidos de buscar la libertad de pensar y
expresarse.30 Hoy en día, grancias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes
mejor perservados en el mundo.

Barbara Karinska era una inmigrante rusa, la cual colaboró con Balanchine para
mejorar el arte del diseño de vestuario. Ella introdujo el corte llamado"bais cut"
y un tutú clásico que permitía al bailarín tener mayor libertad de movimiento. Con
una atención meticulosa a los detalles, decoró su tutús con abalorios, bordados y
aplicados de tela.

Ballet neoclásico

Ballets Russes con Apollo Musagète (1928) con coreografía de George Balanchine. Los
bailarines son Alexandrova Danilova and Serge Lifar.
Se dice que George Balanchine fue el primer pionero de lo que hoy es conocido como
ballet neoclásico, utilizando un estilo de danza entre el ballet clásico y danza
contemporánea de hoy. Tim Scholl, autor de "De Petipa a Balanchine", consideró a la
pieza "Apollo" (1928), para ser el primer ballet neoclásico. "Apolo" representa de
una forma la respuesta que el coreógrafo Serge Diaghilev tenía. "Apollo" y otras
obras aún se realizan hoy en día, sobre todo por el Ballet de Nueva York.

Frederick Ashton es otro coreógrafo prominente asociado con el estilo neoclásico.

Tres de sus obras se han convertido en piezas muy reconocidas en el repertorio
internacional : Sylvia ( 1952 ), Romeo y Julieta (1956), Ondine (1958 ), y
Margarota Fonteyin

Época contemporánea

Una presentación en el 2010 por la compañía de ballet de Irène Tassembédo con la

pieza Allah Garibou.
Un bailarín que tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este estilo
neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como
director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con diversos
coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp. Tharp coreografió "Push Comes To
Shove" para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986 creó "In The Upper Room" su propia
compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras para el uso de movimientos
modernos y por el uso de zapatos de punta. Ahora los bailarines estaban utilizando
la técnica del "ballet contemporáneo".

Tharp también trabajó con la empresa Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert
Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para esa compañía en 1973. En donde se
utilizó música pop y una mezcla de técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey
continuó realizando numerosas obras contemporáneas, las cuales muchas fueron
coreografiado por Gerald Arpino.

Hoy en día hay muchas compañías contemporáneas con una técnica más innovadora y con
coreógrafos con nuevas rutinas. Estas nuevas compañías incluyen al Ballet de
Madrid, "Royal Ballet de Flandes", Alonzo Rey y su compañía, Alonzo King LINES
Ballet, Nacho Duato y Compañía Nacional de Danza, William Forsythe , quien ha
trabajado extensamente con el Ballet Frankfurt y en la actualidad trabaja en The
Forsythe Company, y Jiří Kylián, que actualmente es el director artístico de
Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente las compañías "clásicas", como el Ballet
de Kirov y el Ballet Ópera de París llevan a cabo con regularidad obras
contemporáneas..

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