EDUCACIÓN ARTÍSTICA

ÉPOCAS DE LA PINTURA
La pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran medida al resto de las artes
plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo y el espacio debidas a numerosos factores,
desde los derivados de las diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio-
culturales y estéticos, ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos
conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una

superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o
de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su género
(retrato, paisaje, bodegón, etc).

Renacimiento
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV
que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas,
superada la tradición teocéntrica medieval.

No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante
legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el
mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte
románico peculiar.

En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a dos subestilos

o modalidades tan castizas como el plateresco y el estilo herreriano. En la página de
escultura se dividen los artistas en los tres tercios de la centuria pues se trata de un arte
en constante evolución. Trataremos escultores tan significativos como Vasco de la Zarza, Diego de Siloe,
Juan de Juni, Alonso Berruguete, la familia Leoni, etc.

Barroco
El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un
fenómeno complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la

primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones
clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad
clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos.
Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

Origen del Arte Barroco

Causas Político religiosas

Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e
iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de
escultura.

También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el
Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas.

Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a
emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.

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Neoclasicismo
El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que
despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las
excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas
del barroco.

Características de la arquitectura neoclásica

 Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.

 Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las
proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
 Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
 Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
 Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico,
frontones, bóvedas, cúpulas, etc.

Ventura Rodríguez (1718-1785)

La trayectoria de Ventura Rodríguez se sitúa a caballo entre las dos grandes

corrientes artísticas del momento, el barroco y el neoclasicismo. A su periodo
inicial corresponden sus obras barrocas, en las que afloran frecuentes
influencias del barroco italiano.

La gran obra es la remodelación de la Basílica de El Pilar de Zaragoza,

encargada por Fernando VI a instancia del Cabildo de la Seo zaragozana.

Realizó la capilla que debía albergar la imagen de la Virgen para su culto.

Construyó un templete de orden compuesto a modo de baldaquino con
bóveda elipsoidal.

En esta capilla es donde se produce la transición del estilo barroco al neoclásico, manifestándose éste
último en la decoración interior del templo.

Francisco Sabatini (1722-1797)

Cuando sube al trono Carlos III y tras la muerte de Sacchetti, el arquitecto

italiano es nombrado arquitecto real, momento en el que Ventura Rodríguez
deja de trabajar para la corte.

Intervino en la edificación de obras monumentales para Madrid,

representativas del poder real, como la Puerta de Alcalá, que conmemora la
entrada de Carlos III en la capital. Consta de cinco vanos, tres con arco de
medio punto y dos adintelados.

Realizó también la escalera principal del Palacio Real de Madrid o el edificio de la Aduana, hoy
Ministerio de Hacienda.

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Juan de Villanueva (1739-1811)

Es la figura más importante de la arquitectura neoclásica española. Estudió

siete años en Roma pensionado por la Academia de San Fernando, entrando en
contacto directo con la Antigüedad.

Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los infantes, trabajando casi en
exclusiva para la casa real.

A su regreso de Roma fue nombrado arquitecto de El Escorial, en cuyas

cercanías levantó la Casa de los Infantes, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo, de aspecto totalmente
clasicista. Realizó también la Casita del Príncipe en El Pardo.

Villanueva concibió un edificio alargado siguiendo el eje de una luminosa galería rematada e
interrumpida en su centro por tres cuerpos de mayor volumen: dos cubos en los extremos de la galería y
una edificación de planta basilical en su eje central.

Romanticismo
Probablemente el arte romántico sea una etapa de la historia del arte
un tanto dificultosa ya que tuvo muchas influencias de otros estilos
de arte y aunque se intentaba diferenciar del neoclasicismo pocas
veces se hizo correctamente ya que, como hemos dicho
anteriormente, resultaba un tanto difícil comprarlo.

 La definición de arte romántico probablemente es una de las

definiciones más cortas de todos los tipos de arte. Este tipo de arte se
originó en Francia, durante la época del segundo Imperio, cuando
unas nuevas tendencias y técnicas artísticas fueron apareciendo y se
utilizaron para crear una contrariedad con el arte neoclásico. Es
decir, el arte romántico fue un movimiento artístico que nació para crear una contrariedad con el  arte
clásico y por ello, este estilo de arte intentaba educar y emocionar al telespectador.

Características del arte Romántico

 El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.

 El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir
horizontes mucho más amplios.
 Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra,
lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que
la belleza.
 Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el
mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir amundos
oscuros, penumbras o sueños.

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 Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el
hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las
fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
 Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales,
las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
 Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que
rechazaba el racionalismo ilustrado.
 Hay un vivencia profunda de la religión.
 Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije
profundamente en mundos orientales.

Historia de esta clase de arte

El concepto romántico se utiliza para describir a una clase de arte

que apareció a principios del siglo XIX y que tenían unas
características determinadas que eran la conexión con la
naturaleza, unas emociones y sentimientos abiertos,
individualismo y dramatismo. Sin embargo, este estilo de arte se
comparaba con el clasicismo, el clasicismo se basaba
principalmente en técnicas utilizadas en el arte antiguo clásico
principalmente en su arquitectura y su escultura. Es por esta razón
que la diferencia entre romanticismo y clasicismo no es clara
completamente ya que los artistas que se consideraban
“románticos” a su vez se inspiraban y cogían técnicas de obras de
arte clásicas.

Por otro lado, es resulta complicado definir el momento preciso

en el que el “neoclasicismo” acaba y comienza el periodo “romanticismo”. Es por esta razón por lo que
durante años se ha optado por dividir la etapa “neoclásica” en varios movimientos artísticos dependiendo
de la temática. Estas  etapas son:

 Neoclásico horrendo
 Neoclásico erótico
 Neoclásico arqueológico
 Música romántica

Pintura romántica

Lo que caracteriza a la pintura romántica de los demás estilos de pintura era su afán de intentar mostrar el
paisaje. Según los artistas románticos su afán de intentar reflejar el fondo es atribuía al intento de reflejar
correctamente lo “ilimitable” y al infinito. Este intento de reflejar el infinito no solo se vio reflejado en la
pintura sino que también se reflejó en la poesía. El paisajismo del estilo romántico es una evolución del
paisaje que utilizaba el arte clasicista. Sin embargo, se diferencia por:

 Mostrar de forma fácil la inmensidad y la monotonía de la naturaleza y sus elementos

 Una nueva postura de los humanos frente al mundo natural.

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Escultura romántica

En el arte Romántico en  cuanto a la escultura romántica solo se vio presente en algunas figuras de
jardines ingleses y también destacó en la escultura funeraria aunque sin embargo, eso nunca fue
verdaderamente la escultura romántica. Pero tampoco existen grandes obras destacadas en esta etapa ya
que la escultura solo se ha podido investigar en la literatura.

Arquitectura romántica

La arquitectura romántica se originó tanto en Francia como Inglaterra a mitad del siglo XVIII. En este
estilo arquitectónico poseía dos problemas, estos problemas eran:

1. Qué fuera lo más cómodo posible al menor precio, normalmente eran edificios de uso privado.
2. Qué fuera lo más cómodo posible para una cantidad específica de gente.

Estos problemas hicieron que la arquitectura romántica se usara sobre todo de forma utilitaria y no
decorativa. Ya que utilizaban los edificios para el acomodo de las personas.

Representantes del arte Romántico en Europa

Gros: se le ha considerado como el artista

que representa el tránsito del Neoclasicismo
al Romanticismo. Los primeros románticos
se formaron en el taller de David,
siendo Gros un  discípulo suyo. Este artista
el Romanticismo del color que después tanto
desarrollaría  el artista Delacroix. A Gros
desarrolló las pautas de Rubens, artista que
interesó mucho al maestro David,
llevándole  al movimiento y al color. Esta tendencia repercutirá indiscutiblemente en Géricault y a
Delacroix.  Cuando Gros era estudiante, Josefina Bonaparte le presentó a Napoleón en 1797 para el
Premio de Roma. Napoleón lo integró en su corte y lo convirtió en testigo directo de las batallas y vida
militar. Gros vivió un espectáculo estremecedor que transladó a su pintura.

Ingres: nace en Montauban, es hijo de artesano empresario, lo que explica sus tempranas tendencias
artísticas. Se formó en la conservadora Toulousse, le permite una formación más antigua y severa, pero
no por ello dejando de ser extraordinaria. En 1797 ingresa en el taller de David, el que enseguida se da
cuenta de sus excepcionales cualidades. A lo largo de la Historia del Arte, Ingres ha sido una figura mal
comprendida y encuadrada. Es un artista poco estudiado por la dificultad que su obra plantea, difícil de
clasificar dentro de un estilo.

Sus obras más representativas son: Napoleón imperator, 1806;  La bañista de Valpiçon, 1808; Tetis
implorando a Júpiter de 1811; La gran odalisca, 1814; entre otras.

Géricault: encarna el Romanticismo temperamental, se dice de él que es el prototipo de hombre

romántico. Lo podemos encuadrar en el marco de Gros por el dinamismo de una línea que recuerda a
Rubens, por el color y los temas épicos. Desde el principio dio muestras de rebeldíay no respetaba las
reglas. Tuvo una gran  pasión por lo excesivo, y la pincelada empastada, lo que revelaba un marcado
temperamento.

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Sus obras más importantes son: Húsar a caballo, c.1814; La Balsa de la Medusa, 1818; El derby de
Epson, c.1821; El cleptómano, c.1822 y el Retrato de mujer loca, c.1822, entre otras.

Delacroix: es una de las figuras más importantes  del Romanticismo francés. Se le considera

un Romanticismo del color, un incesante  observador del mundo que le rodea, con un gran amor al ímpetu
y al movimiento y al orientalismo, llega intuitivamente a una práctica del color que se adelanta al
Impresionismo.

Sus obras que más le representan son: La Barca de Dante del 1822; La Matanza de Quíos de 1824;
Combate entre Glaur y Hassan de 1826 y por último La muerte de Sandanápalo de 1827-1828.

Francisco José de Goya y Lucientes: es el artista español que mejor ha reflejado la época en la que
vivió, y sin duda la máxima figura del arte en su tiempo. Sus numerosas pinturas, dibujos y grabados han
sido el referente y la influencia básica de todos los artistas de los siglos XIX y XX.  Su sólida técnica en
las pinturas, su fina sátira en los temas, y su creencia en representar la vida cotidiana y no “la tradición” le
ha clasificado como el primero de los “modernistas”. Fué elegido primer pintor de cámara y director de
pintura de la Academia de San Fernando en 1780, y más tarde en 1786 fue nombrado pintor del Rey, y
pintor de corte en 1789. 

Realismo
El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se
extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura.
En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi
exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El nacimiento del realismo

Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores

románticos y el deseo, entre los artistas más inquietos, de incorporar
las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es
gradual aunque rápido, y entre el romanticismo y el realismo se
establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos
ideológicos y formales serán muy distintos.

También se establece una relación compleja entre el realismo y el

academicismo, debido a que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que
se influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes muestra
oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la
naturaleza y la realidad del momento. 

La ideología del arte realista

Desde el punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos
definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se aprecia un interés por la
situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial. Algunos,
adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en
acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo. Otros, mantienen una postura más
moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.

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Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se
materializa este principio básico varía desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica
de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad
de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista
entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés
pictórico.

Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a
reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas
de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas
defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la
forma en que se representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.

Los artistas realistas

Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más
firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus
ideas. Sin embargo, Courbet se distancia clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el
arte.

Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura
tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo, críticos e
historiadores le han acusado de traicionar el verdadero espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de
los campesinos –su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués. 

Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y
en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con
dureza, aunque también con un punto de ternura.

Naturalismo
El arte naturalista (1890-1915) se refiere a la representación de objetos realistas en un entorno natural.
Una parte importante del movimiento naturalista fue la perspectiva darwiniana de la vida y su visión de la
futilidad del hombre en contra de las fuerzas de la naturaleza. Dos de los principales exponentes del  arte
naturalista fueron William Bliss Baker y Albert Charpin.

El naturalismo implicaba un pensamiento filosófico: para los escritores naturalistas, los personajes debían
estudiarse según la en relación con su entorno. Usaban parte del método científico para escribir sus
novelas. Estudiaban a los seres humanos gobernados por sus pasiones e instintos así como la manera en
que los personajes eran gobernados por fuerzas del ambiente. Esto es una extensión de la lógica del
realismo. El término naturalismo fue acuñado por primera vez por Emile Zola. El naturalismo está basado
en estudios científicos. La teoría de la selección natural de Darwin es la base para el escritor naturalista.
La selección natural y la supervivencia de lso más aptos ayuda a representar la lucha contra la naturaleza.

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Impresionismo
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales
del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia
Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las
exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo

espontánea y directa.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico

Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol
naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial,
pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar
lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo
Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste
Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.

Eduard Manet (1832-1883)

Se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo. Muchos han

clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la
observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna.
Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus
obras suscitan escándalos y polémicas como en su Desayuno sobre
la hierba que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. El
tema ya contaba con antecedentes en el Renacimiento, pero Manet
lo interpreta adecuándolo a la modernidad.

Lo mismo sucede con Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas

ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta,
una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y
empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor.

Monet (1840-1926)

Es uno de los pintores que más contribuye al movimiento. Nunca derivó

hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo
hasta su muerte.

Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus

lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las
marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Ejemplos: Impresión
atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con sombrilla, La
estación de San Lázaro, La Catedral de Rouen.

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Degas (1834-1917)

Es un impresionista más de la forma que del color. Es un hábil dibujante, le preocupó captar el
movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos.

Es un gran observador de la mujer, capta las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas.
Algunas de sus obras son: Clase de danza, La bebedora de ajenjo, Bailarina en la
escena, Planchadores, Carreras. Cultivó el dibujo en detrimento del color, por lo que no armonizó bien
con el Impresionismo, y tampoco con las tendencias conservadoras por sus temas contemporáneos.

Renoir (1841-1919)

Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con
los pintores del S. XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son
trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza
agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo
el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy
especial. El palco, El columpio, El Moulin de la Galette, Le dèjeuner des
canotiers, Bañistas, son sus obras más representativas.

Tan fiel como Monet a la técnica del Impresionismo se mantuvo Sisley (1839-
1899), que fue exclusivamente un pintor paisajista y será Pisarro (1830- 1903), quien lleve hasta las
últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-impresionismo y al puntillismo.

Puntillismo
El puntillismo o divisionismo es una técnica pictórica que
consiste en representar la vibración luminosa mediante la
aplicación de puntos que, al ser vistos desde una cierta
distancia, componen figuras y paisajes bien definidos. En los
cuadros todos los colores son puros y nunca se mezclan unos
con otros sino que es el ojo del espectador quien lo hace.

Cada uno de los puntos que componen la obra tienen un

tamaño similar, de forma que el espectador no puede dejar de
observar una perfección que hace pensar en una imagen
idílica congelada, como una visión duradera de la realidad o
la imagen.

El centro de producción puntillista fue Francia, donde desarrollaron sus carreras Seurat y Signac,
máximos representantes de la corriente y pintores que centrarán nuestra atención más abajo. La relación
entre ambos fue profunda.

George Seurat

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George Seurat (1859-1891) es considerado el iniciador del puntillismo.

A pesar de su corta vida, ha pasado a formar parte de la historia del arte
universal con sus obras basadas en la racionalización de las emociones,
las escenas y los colores.

Aunque de formación clasista, desde joven mostró un especial interés por los paisajes y los juegos de
colores.

Paul Signac

El otro seguidor de esta técnica del puntillismo fue Paul Signac

(1863-1935), quien introduciría ciertos cambios respecto a su
compañero. Transforma los pequeños puntos en pinceladas más
amplias aportando mayor dinamismo a los cuadros que su
compañero, a pesar de que continua con las ideas científicas.
Profundo conocedor de estos tratados, publica una obra llamada
Delacroix au neo-impresionismo donde muestra su entusiasmo por
la fusión de arte y ciencia, de sentimientos y técnica.

Expresionismo
El término Expresionismo sirvió inicialmente para calificar el arte de los fauves y los cubistas expuesto
en Berlín en 1911. Al año siguiente pasó a designar todas las manifestaciones de vanguardia europeas, y
actualmente hablamos de Expresionismo para aludir a un arte empeñado en la renovación política y social
de Alemania a principios del s XX. En ese primer tercio del siglo tienen lugar varias manifestaciones de
pintura expresionistas: El Puente (Dresde, 1905), El Jinete Azul (Munich, 1912) y otro, de carácter más
comprometido políticamente, en Berlín, después de la Gran Guerra (tercera generación impresionista).
Se desarrolla en todas las artes (poesía, teatro, música, artes gráficas) y no hay en sus autores un
compromiso político claro: hubo artistas socialdemócratas, comunistas, anarquistas y nazis. Pero todos
ellos coincidieron en ensalzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo.
Prima la expresión de la subjetividad frente a la objetividad impresionista, optan por la aplicación
violenta de la pasta cromática y por una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico.

Cubismo
El Cubismo surge como movimiento artístico aproximadamente entre
1907 y 1914, y marca un punto de quiebre con el esquema pictórico
renacentista, centrado en la representación de los objetos en tercera
dimensión

Su principal atributo es la representación de las formas de la naturaleza

por medio de figuras geométricas, plasmando las distintas partes de los
objetos en un único plano.

El cubismo inicial propone una abstracción progresiva de la realidad, tendiendo a que la obra equivalga a
esta realidad, y no sea simplemente una imagen sustitutiva de la misma. El cubismo es bautizado de esta
manera por el crítico Louis Vauxcelles, quien interpretó así a la utilización de cubos en el arte de Pablo
Picasso y Georges Braque, en forma despectiva.

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Cubismo Abstracto
Historia del Cubismo

Nace de la mano de Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris en 1907 en Francia. El cubismo fue
nombrado por el mismo crítico que nombre a los fauvistas, al referirse a describir a las obras del
movimiento como compuestas por “pequeños cubos”. Su fin era romper definitivamente con el arte
clásico. 

Pablo Picasso

El pintor español nació en 1881. Se caracterizó por la variedad de técnicas que utilizó en sus obras y por
interesarse en distintos movimientos artísticos. Se definía como pacifista y comunista. Murió a los 91
años en Francia.

Picasso pasó por estos períodos: 

1. El período azul (1901 - 1904): posee un sentido oculto, un misterio, y refleja situaciones depresivas.
Durante esta época se habla del “Picasso de los codos”, debido a los ángulos rectos con los que dibuja las
articulaciones del cuerpo. 

2. El período rosa (1904 - 1907): los personajes representados están deformados: poseen ojos

almendrados, los miembros alargados y continúan teniendo los codos angulosos del período azul. Picasso
pinta a la escritora Gertrude Stein, quien al ver el cuadro dice que no se parece a ella y el pintor le
contesta: “No te preocupes, ya te vas a parecer”

3. Protocubismo (1907 - 1908): no es cubismo en su estado puro porque coexisten distintos movimientos
juntos. Toma inspiración de las máscaras africanas y de las pinturas de Matisse. Un ejemplo es “Las
señoritas de Avignon”, obra que no está terminada, donde se muestran los distintos mundos de las
mujeres de un burdel.

4. Cubismo analítico (1909 - 1912): es la primera estapa del cubismo que requiere un análisis. Picasso
crea este tipo de cubismo con Braque, en el cual se renuncia al color “real” y se comienza a cuestionar la
lectura de los tiempos: la información va más allá de la postura del observador. Las obras poseen
elementos de anclaje como ojos, bigotes y letras, pero no es posible distinguir nada más que esto. Picasso
realiza varios retratos de esta manera “atomizada”, en óleo sobre lienzo.

5. Cubismo sintético (1912 - 1914): es una síntesis del cubismo analítico, agregando materiales
extraartísticos a las obras. Braque decide no seguir este camino que toma Picasso. Al artista español le
empiezan a molestar esos ángulos rectos que tanto le gustaban y comienza a pintar ángulos obalados y
obras elípticas. En "Naturaleza muerta sobre silla de rejilla" hay un papel que imita la textura de la silla y
una soga marinera que encuadra a la obra circular. 

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Pop-Art

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por
el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes
populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes,
separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de
resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del
uso de la ironía.

TÉCNICAS HÚMEDAS
Las técnicas húmedas son aquellas en las que los pigmentos se encuentran diluidos en un medio acuoso o
aceitoso y los colores se aplican con ayuda de pinceles u otros instrumentos. Las técnicas húmedas
requieren que se utilice un papel rugoso y poroso. La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas
semi-transparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a
oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel. La materia o pasta
pictórica se presenta viscosa, como en la técnica al óleo, y los resultados estéticos obtenidos son
similares, si bien los colores al secarse ofrecen una tonalidad más clara que los del óleo, de aspecto
perlado y opalino. Entre las técnicas húmedas encontramos la acuarela, la pintura acrílica, las témperas o
el Gouache, el óleo y también los lápices y ceras acuarelables. Las ceras acuarelables son aptas para uso
infantil. Si se usan en seco tienen las mismas características que las ceras grasas tradicionales y cuando se
humedecen se disuelven y crean efectos de acuarela. Para pintar sobre papel, cartón, tela y otras
superficies porosas. Para conservar los trabajos se recomienda barnizarlos. En los proyectos y
manualidades creativas mixed media y de scrapbooking se pueden combinar perfectamente las dos
técnicas.

Témpera
 Pero se pueden utilizar con mucho agua y dan aspecto de acuarela

-    después de témpera seca se puede aplicar acuarela

-    como soportes probar cartulinas de distintos tipos absorbentes y también de colores medios y así
aprovechar transparencias con témpera aguada

-    apreciar diferencias utilizando fondo de colores fríos ó colores cálidos

-    probar técnica de rayado

-    probar texturas con la espátula

-    combinación óptica de colores punteados (jugar con complementarios)

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-    lo mismo superponiendo colores (en seco) sin tapar totalmente el de la capa anterior

Acuarela
se compran en pastillas y en tubos

-   soporte cartulina muy absorbente y las hay de distinto grano. Papel Arches rugoso. Papel Waterford
liso.

-   húmedo sobre húmedo (superficie mojada previamente)

-   en superficie seca con pincel muy mojado o más seco

-   fluido enmascarador (opcional)

-   lavado: película uniforme de acuarela bien diluida en agua para cubrir grandes superficies o fondo

-  se puede quitar parte de acuarela húmeda con esponja (efecto nubes)

-   sobre acuarela seca se puede raspar con cuter o pasar lija por encima

-   utilizar acuarela sólo punteando en seco (mezcla óptica)- puntillismo: toques de colores
complementarios origina contraste

-   se pueden frotar ceras sobre acuarela seca 

Acrílico
-    soluble en agua cuando están húmedos, una vez secos son resistentes al agua y no amarillean-     
pincel, sopladores, aerógrafo, espátula, rascadores (tarjeta dura)...

-    hay retardadores de secado (opcional)

-    soportes: cartón pluma, cartón, cartón ondulado, cartulinas, papel acuarela...

-    técnicas transparentes, se obtienen efectos de acuarela:

-    probar a superponer capas de color bastante fluidas sobre fondo seco  y también húmedo para obtener
transparencias

-    pintar humedeciendo el papel previamente así la pintura se difumina sobre la zona mojada.

-    técnicas opacas:

-    producir distintas texturas: empastados, rayados, rascados, con espátula...

-    probar veladuras sobre opaco

-    máscaras: plantillas de cartulina o de plástico, cinta adhesiva...

-    probar con la máscara recortada en la forma deseada y extender pintura con un rascador sobre la
máscara o plantilla

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Oleo
-Esta mezcla sirve para unir los distintos pigmentos entre ellos y estos con el soporte (por ejemplo, la
tela).

-Los oleos que más se utilizan son los de linaza o de nuez.

-Los colores al oleo son colores obtenidos a partir de disolventes óleo-resinosos.

-Actualmente, los colores al oleo se comercializan prefabricados en tubos, aunque a menudo tienden, con
el tiempo, a estropearse a causa de una excesiva cantidad de oleo y de cera que se les añade para evitar su
rápida desecación.

-Para conseguir colores más transparentes, y evitar así que determinados tintes, como el blanco, el verde y
el azul, se vuelvan opacos, se suele añadir a los óleos grasos habituales, que producen una materia densa y
viscosa, algunos oleos disolubles, también llamados oleos esenciales (uno de los más usados es la esencia
de trementina).

TÉCNICAS
Acuarela.- Cuando el aglutinante es la goma arábiga y como vehículo el agua.

Témperas.- Cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas.

Collage.- Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas como el óleo,
conjuntamente con el encolado de objetos diversos.

Cera o incáustica (o encáustica).- Cuando el vehículo son ceras, que normalmente se usan calientes o en

formas de barritas que no necesitan calentarse.

Lápices de colores.- Son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo aglutinante se
emplean colas y ceras. Existen también los lápices acuarelables, es decir aquellos que una vez aplicados
se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color.

Acrílicos.- Cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos. El aglutinante es el alquil

Pastel.- Cuando se pinta con tizas de colores. Lo que da cohesión a las barras es la goma tragacanto.

Temple.- Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.

Óleos.- Cuando el vehículo empleado son aceites. 

Técnicas mixtas.- Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra.

Acuarela .- La técnica de la acuarela de gran luminosidad, es habitual el no emplear el blanco, siendo la

dilución del color en agua y el fondo del papel blanco, lo que proporciona esa claridad.

Témperas.- Es una técnica muy cubriente por no estar los pigmentos en suspensión, formando una capa
opaca de pigmento y aglutinante. Es un buen material para los escolares por su fácil limpieza y poder de
cubrición de los colores.

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Cera o incáustica (o encáustica).- Es una de las técnicas más antiguas. El ingrediente fundamental en

esta técnica es la cera de abejas. Se diluye con trementina o con el calor de los dedos al frotar o pasar por
encima de la cera. En la actualidad, se vende en forma de barritas, que permite su uso a los escolares.

Lápices de colores.- Los lápices con colores diversos, se utilizan para dar color o bien para colorear
dibujos realizados con diversas técnicas. Todas las personas en su niñez han trabajado alguna vez con
ellos en la escuela. Vienen en diferentes presentaciones para su venta, por lo regular son de 6,12, 24, 36 ó
48 colores distintos. Existen lápices de colores de distintas marcas y calidades.

Pastel.- Es una técnica de gran luminosidad por llevar en su composición muy poco aglutinante. Se
utilizan pigmentos puros al que se añade algo de goma tragacanto para darle cohesión y formar barras con
las que se pinta directamente. Es una técnica de gran belleza, pero de difícil conservación.

Pintura mural.- Constituye un tipo de pintura realizada sobre el muro y condicionada por el espacio
arquitectónico, es decir las dimensiones y las formas de la pared donde se va aplicar.

Técnica mixta .- Se entiende como tal, cuando se utilizan diversas técnicas como ceras y témperas,
collage, acrílicos, o la incorporación de materiales que den cuerpo a la pintura, como los pigmentos u
óxidos, cuarzos, cretas, papel triturado…complementando dichos materiales con  colas o aglutinantes

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