Casablanca es una película estadounidense de drama y romance de 1942 dirigida por

Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo

el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody
Comes to Rick’s (Todos vienen al café de Rick), de Murray Burnett y Joan Alison,
está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman
como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick
entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick
deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no
a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia,
para que este pueda continuar su lucha contra los nazis.

Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense,

ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943.12345678
En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados
y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción
esperaba que este pudiese ser algo fuera de lo normal.9Se trataba simplemente de
una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense.
Casablanca tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando
popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los
primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las
actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la
profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del
guion y el impacto emocional de la obra en su conjunto.10

Índice
1 Producción
1.1 Guion
1.2 Dirección
1.3 Dirección de fotografía
1.4 Música
2 Reparto
3 Argumento
4 Valoración Histórica
5 Lugares de rodaje
6 Recepción
6.1 Premios y nominaciones
6.1.1 Premios Óscar
6.1.2 Otros reconocimientos
6.2 Respuesta de los críticos
6.3 Propuestas de claves de interpretación
6.4 Citas y frases famosas
6.5 Intentos de censura y errores de doblaje
6.6 Secuelas y otras versiones
6.7 Errores
6.8 Rumores
6.9 Estrenos
7 Véase también
8 Referencias
9 Bibliografía
10 Enlaces externos
Producción

Fotograma de la película Casablanca (1942), una de las películas más

representativas del cine clásico de Hollywood, cuya época abarcaría aproximadamente
desde la década de 1910 hasta los años 1960.
Casablanca se basa en la obra teatral Todos vienen al café de Rick (Everybody Comes
to Rick’s), de Murray Burnett y Joan Alison, que nunca fue puesta en escena.11
Cuando el especialista en análisis literario de la Warner Brothers Stephen Karnot
leyó la obra, la calificó como una «tontería sofisticada»;12 no obstante, le dio el
visto bueno. Enseguida la editora encargada de los guiones, Irene Diamond,
convenció al productor Hal B. Wallis para que comprara los derechos por 20 000
dólares estadounidenses de la época,13 el precio más alto jamás pagado por una obra
teatral que no hubiese sido puesta en escena.14El proyecto de cine rebautizó la
obra como Casablanca, quizás intentando imitar el éxito de la película de 1938
Argel.15Así pues, el rodaje comenzó el 25 de mayo de 1942 y finalizó el 3 de agosto
del mismo año, alcanzando un coste de producción de US$ 1 039 000 (US$ 75 000 por
encima del presupuesto).16 El costo no fue excepcionalmente alto, pero sí superior
al promedio de su tiempo.17

La película se rodó completamente en estudios, excepto una secuencia en la que se

muestra la llegada del mayor Strasser, que se realizó en el aeropuerto Van Nuys. La
escenografía de la calle que fue usada para las escenas del exterior había sido
recientemente construida para otro filme, The Desert Song,18 y tuvo que ser
redecorada para los flashback de París. Dicho escenario permaneció en los almacenes
de la Warner hasta los años 1960. Por su parte, el set para el Café de Rick fue
construido en tres partes inconexas, por lo que no se podría determinar en trazado
lo que sería su planta. De hecho, en una escena se hace pasar la cámara a través de
una pared desde el área del café hacia el interior de la oficina de Rick. El fondo
de la escena final, el cual muestra un avión pequeño modelo L-12 Electra Junior de
la compañía Lockheed con personal caminando alrededor, fue armado usando extras de
baja estatura y un avión de cartón dibujado a escala. Se usó humo, simulando
neblina, para cubrir la apariencia poco convincente del modelo.19El crítico de cine
Roger Ebert calificó a Wallis como la «clave del equipo creativo» por la atención
que puso a los detalles de producción (hasta el punto de haber insistido en tener
un loro de verdad en el bar del loro azul, Blue Parrot Bar, en inglés).20

Por otra parte, la estatura de la actriz Ingrid Bergman causó algunos problemas.
Bergman sobrepasaba por casi cinco centímetros a Bogart, por lo que el director
Curtiz tuvo que elevar al actor sobre ladrillos o sentarlo sobre cojines en las
escenas en las que aparecían juntos.21

Los contratiempos alcanzaron al productor Hal B. Wallis cuando decidió, tras haber
terminado el rodaje, que la línea final de la película sería: «Louis, pienso que
este es el comienzo de una bella amistad» («Louis, I think this is the beginning of
a beautiful friendship»). Bogart tuvo que ser llamado un mes después de finalizada
la filmación para doblar la frase.

Más tarde se pensó en introducir una escena que mostrara a Rick y Renault junto a
un destacamento de soldados franceses libres, en un barco, alistándose para
incorporarse a la invasión de 1942 a África del Norte por parte de las tropas
aliadas. Sin embargo, resultó muy difícil conseguir al actor Claude Rains para la
filmación, y la idea fue definitivamente abandonada cuando otro productor, David O.
Selznick, señaló que «sería un error tremendo cambiar el final».22

Guion
La obra de teatro original se inspiró en el viaje a Europa que hizo Murray Burnett
en 1938, viaje durante el cual pudo visitar Viena justo antes de la incorporación
de Austria a la Alemania nazi. Murray visitó también la costa sur de Francia en la
cual co-existían, no sin dificultad, asentamientos de nazis y refugiados. Los
locales nocturnos de la zona inspiraron, pues, tanto el Café de Rick (especialmente
uno llamado «Le Kat Ferrat») como el carácter del personaje Sam, el pianista
(basado en un pianista negro que Burnett vio en Juan-les-Pins).23 En la obra
teatral, el personaje de Ilsa era una estadounidense llamada Lois Meredith y no
encontraba a Laszlo sino hasta después de que su relación parisina con Rick había
terminado. Además, en la obra de teatro el personaje de Rick era un abogado.

Los primeros escritores principales en trabajar en el guion fueron los gemelos

Epstein, Julius y Philip, quienes eliminaron el trasfondo del personaje Rick y
aumentaron los elementos de comedia. Después intervino el otro escritor reconocido
en los créditos, Howard Koch, pero trabajando en paralelo con ellos y haciendo
énfasis en otros aspectos. Koch resaltó los elementos políticos y melodramáticos.24
Según parece, fue el director Curtiz quien favoreció las partes románticas, al
insistir en que permanecieran los flashbacks hacia París. Aun a pesar del gran
número de escritores involucrados, el filme tiene eso que Ebert describió como un
guion de «maravillosa unidad y consistencia». Más tarde Koch afirmaría que fue la
tensión que hubo entre su propia visión y la de Curtiz la que motivó que
«sorpresivamente, estos acercamientos desparejos de alguna manera se ligaron, y
quizá eso fue debido en parte a este tire y afloje entre Curtiz y yo, que le dio a
la película un cierto balance».25 Julius Epstein anotaría posteriormente que el
guion contenía «más maíz que el que hay en Kansas y Iowa juntos. Pero cuando el
maíz funciona, no hay nada mejor».26 La palabra inglesa original, corn (maíz)
también se refiere, en el slang, a un tipo de humor tonto, gastado, banal y
sentimental.

El filme se topó con algunos problemas cuando Joseph Breen, miembro del cuerpo de
autocensura de la industria hollywoodense (el Production Code Administration),
expresó su oposición a que el personaje del capitán Renault solicitara favores
sexuales a cambio de visados y a que los personajes de Rick e Ilsa hubieran dormido
juntos en París. Ambos puntos, de todos modos, permanecieron de manera implícita en
la versión final.27

Dirección
La primera opción del productor, Hal Wallis, para dirigir la película fue William
Wyler, pero como no estaba disponible Wallis decidió escoger, tras barajar varios
nombres, a su amigo, el director Michael Curtiz.28

Curtiz era un judío emigrante de origen húngaro, que había llegado a los Estados
Unidos en los años veinte y que contaba entre sus familiares a refugiados
provenientes de la Europa nazi. A decir de Roger Ebert, en Casablanca «muy pocas
escenas son memorables en cuanto tales...», Curtiz se estuvo preocupando de usar
las imágenes para contar una historia más que de usarlas por sí mismas.20

De cualquier manera, el director tuvo poca influencia en el desarrollo de la trama.

De acuerdo con Casey Robinson, Curtiz «no sabía nada de nada acerca de la
historia... él veía imágenes y tú proporcionabas la historia».29 El crítico Andrew
Sarris calificó la película como «la más decisiva excepción a la teoría de
autor»,30 a quien Aljean Harmetz replicó que «casi todas las películas de la Warner
Bros. fueron una excepción a la teoría de autor».28 Sin embargo, otros críticos le
dan mayor crédito a Curtiz; Sidney Rosenzweig, en su estudio sobre el trabajo del
director, aprecia en el filme un ejemplo típico del modo en que Curtiz resalta los
dilemas morales.31

Los montajes de la segunda unidad, tales como la secuencia de apertura del tren de
refugiados y la que muestra la invasión de Francia, fueron dirigidos por Don
Siegel.32

Dirección de fotografía
El director de fotografía fue Arthur Edeson, un experimentado artista que había
trabajado previamente en El halcón maltés y en una versión de Frankenstein del año
1931.

Ingrid Bergman, en su perfil izquierdo.

Una mención especial merece la fotografía de Ingrid Bergman, en la que se puso
especial cuidado. Ingrid fue fotografiada casi siempre en su perfil izquierdo,
perfil preferido por la propia actriz, y en muchas ocasiones se aplicaba un filtro
suavizador de tipo gaussiano y con catch lights para hacer que sus ojos
destellaran. Estos efectos fueron diseñados para proporcionar a su rostro una
apariencia «inefablemente triste, tierna y nostálgica».20

Se aprecian además barras de sombras cruzándose con los personajes y con el fondo.
Dichas sombras, según cada caso, poseen distintos significados. Algunos muestran
símbolos de encarcelamiento, el crucifijo, el símbolo de la Francia Libre y hasta
confusión emocional.20 Además, la oscuridad del cine negro y la luz expresionista
es usada en numerosas escenas, principalmente hacia el final de la película. Según
Rosenzweig, estas luces y sombras son elementos clásicos del estilo de Curtiz,
junto a la fluidez del trabajo de cámara y el uso del entorno como herramienta de
encuadre.33

Música
La música fue escrita por Max Steiner (1888-1971), compositor que había saltado a
la fama por haber sido el artífice de la música de la película Lo que el viento se
llevó. La canción As Time Goes By de Herman Hupfeld había sido escogida para formar
parte de la obra de teatro original, y Steiner tenía previsto reemplazarla por una
obra propia. Sin embargo, cuando el compositor quiso crear su propia obra para
reemplazarla, se encontró con que Ingrid Bergman ya se había cortado el cabello
para protagonizar su siguiente papel cinematográfico (María, en Por quién doblan
las campanas), por lo que no se podían volver a rodar las escenas en las que
aparecía la canción. Por otra parte, cuando se estrenó la película la canción gozó
de un resurgimiento que la situó 21 semanas en los primeros puestos de las listas
de éxitos. Así que Steiner basó por completo la música de la película en dicha
canción y en La Marsellesa, el himno nacional francés, transformándolos para que
reflejaran diversas situaciones.34 De nota excepcional es el «duelo de canciones»
en que La Marsellesa compite —interpretada a todo pulmón por una orquesta completa—
contra un pequeño grupo de alemanes que cantan «Die Wacht am Rhein» (El guardia
sobre el río Rin) en el piano. Originalmente se había pensado para esta secuencia
maestra en la canción «Horst-Wessel-Lied» (Canción de Horst Wessel), que era de
facto el segundo himno nacional de la Alemania nazi, pero este se encontraba
todavía bajo derechos reservados al menos en los países no aliados.

Otras canciones incluidas en la película son It Had to Be You, de 1924, con letra
de Gus Kahn y música de Isham Jones; Knock on Wood, con música de M.K. Jerome y
letra de Jack Scholl, y Shine de 1910 de Cecil Mack y Lew Brown, con música de Ford
Dabney. En una de las escenas de flashback en París, Rick e Ilsa bailan al ritmo de
Perfidia, canción del compositor chiapaneco mexicano Alberto Domínguez Borrás.

Reparto